Dalla fine degli anni 80, la sua “falsa partenza” ha resistito per 19 anni record dell'asta prezzi per il lavoro di un artista vivente, e oggi è il massimo dipinto costoso maestro vivente, venduto con transazione privata. Ebbene, perché non parlare dell'autore?
Nella classifica delle aste degli artisti viventi è al terzo posto, e nella classifica delle aste dei pittori viventi, se la stilassimo, sarebbe davanti solo al tedesco Gerhard Richter (Jeff Koons è, dopo tutto, più uno scultore ). Lui è Jasper Johns ed è nato il 15 maggio 1930 ad Augusta, in Georgia.
Poco si sa dell'infanzia di Jones. I suoi genitori divorziarono quando era molto giovane e trascorse tutta la sua infanzia viaggiando per la Carolina del Sud, tra la casa di sua madre in Columbia e Allendale, dove vivevano i suoi nonni e si occupavano principalmente della sua crescita. Lo stesso Jones ricorda Allendale come un luogo “dove non c’erano né artisti né arte”. Professione futura Jones ha fatto la sua scelta all'età di cinque anni e poi ha aderito rigorosamente alla sua decisione. Dopo essersi diplomato nella città di Sumter, è entrato alla Facoltà di Lettere dell'Università della Carolina del Sud in Columbia. Dopo i primi tre semestri, il suo insegnante d'arte lo convinse a proseguire gli studi a New York; Il diciottenne Jasper Johns vi si recò, seguendo il consiglio, nel 1948.
All'inizio partecipò a numerose mostre e nel 1949 studiò anche per un semestre alla Parson School of Design. Tuttavia, nel 1950 (secondo altre fonti, nel 1951) Jones si arruolò nell'esercito (gli Stati Uniti erano allora coinvolti nella guerra di Corea e i sentimenti patriottici generali attanagliavano gran parte della società) e prestò servizio per due anni, prima come militare. base nella Carolina del Sud, poi nella città di Sendai in Giappone.
Nel 1953, Jones tornò a New York e riprese a dedicarsi all'arte. A New York si unì rapidamente ai principali circoli artistici e fece conoscenza con i più rappresentanti di spicco tipi diversi arte. Tra i suoi amici più cari c'erano l'artista Robert Rauschenberg, il compositore John Cage, il coreografo Merce Cunningham e altri.La sua amicizia con Rauschenberg si è rivelata lunga e fruttuosa. Gravitò verso se stesso e instillò in Jones un interesse per l'espressionismo astratto, il minimalismo, arte concettuale e l'arte pop. Jones è riuscito a lavorare in tutte queste direzioni, e negli 8 anni in cui lui e Rauschenberg hanno condiviso lo studio, anche diversi progetti comuni come decorare una vetrina Tiffany.
Dopo essersi cimentato in quasi tutti i nuovi movimenti artistici di New York, Jones non ha mai smesso di cercare nuove idee e modi di espressione. All'inizio degli anni Cinquanta si recò a Filadelfia per conoscere l'opera di Marcel Duchamp. L'idea del readymade - l'utilizzo di oggetti già pronti, spesso non legati all'arte, come vere e proprie opere d'arte o loro parti - interessò Jones e divenne un'altra sua componente linguaggio artistico artista. Jones in seguito creò il set per Walkaround Time (1968) di Merce Cunningham, basato su The Large Glass di Duchamp, che vide al Philadelphia Museum.
Jones è vicino all’idea di unire la quotidianità e l’eternità. Nei suoi primi lavori, l'occhio nudo può vedere il processo di trasformazione di una cosa ordinaria in un'opera d'arte - una transizione dal nostro mondo al mondo “dall'altra parte della tela”. Utilizza ampiamente la tecnica del collage, creando un quadro da un lato figurativo e dall'altro astratto. Come ha giustamente notato uno dei critici d'arte, raffigura qualcosa di concreto, familiare allo spettatore con i suoi contorni, ma non esiste in mondo reale, perché un numero o una lettera, una bandiera o una mappa sono concetti duali. Alla fine degli anni Cinquanta, nel suo lavoro, astrazioni pure (“Mixture”, “False Start”, ecc.) convivono con pseudo-astrazioni, cioè immagini realistiche oggetti - simboli di concetti astratti (ad esempio, una bandiera o un numero).
In generale, la bandiera è una delle immagini principali nel lavoro di Jones. Numerose “bandiere”, dipinte tra la metà degli anni Cinquanta e l’inizio degli anni Sessanta, sono oggi considerate l’apice del lavoro dell’artista e sono considerate tra le sue opere più significative. La serie è iniziata con la tela di grande formato “Flag” (1954–1955). Questa immagine rappresenta copia esatta un lato della bandiera americana, e se questa tela viene rimossa dalla barella e attaccata, ad esempio, a un muro, allora può benissimo essere usata come bandiera. Il risultato sarà, per così dire, un readymade al contrario: l'opera diventerà un oggetto dotato di proprietà che nulla hanno a che vedere con il mondo dell'arte. L'artista prende così le distanze dall'oggetto, portando la sua immagine al livello dell'assoluto: nell'opera non c'è nulla della personalità dell'autore, la sua visione non è espressa nemmeno in prospettiva, c'è solo un oggetto - simbolo di un'idea . Questo dipinto è opera di un pittore solo nella misura in cui è dipinto ad olio su tela. La serie continuò con Monochrome Flag (1955), disponibile nelle versioni bianca, rossa e blu, e nel 1958 Jones creò Three Flags, dove sovrappose tre immagini identiche ma in scala diversa. "Una volta ho sognato che stavo disegnando una bandiera americana, e quando mi sono svegliato, l'ho fatto", ha detto Jones in un'intervista. "Ho dipinto prima l'una, poi l'altra, ed è così che è venuta fuori la serie..." Jones iniziò a dipingere le bandiere quasi subito dopo il ritorno dall'esercito. Forse si è rivolto a questo argomento sotto la sua influenza vita militare, e poi situazione politica in un paese che incoraggia gli americani a mettere in mostra i propri posizione civica e sentimenti patriottici. E forse il fatto che sia proprio nome di battesimo Jones ricevette in onore dell'eroe della Guerra d'Indipendenza americana (1775-1783), il soldato William Jasper, che innalzò la bandiera americana su Fort Sullivan (almeno esiste una versione del genere). Comunque sia, sono state le immagini della bandiera americana a rendere Jones un nome nell'arte e a dargli popolarità.
Nel 1958 il famoso gallerista Leo Castelli venne nello studio di Rauschenberg. Colpito dal lavoro del 28enne Jones, qualche tempo dopo si organizzò per l'allora quasi artista sconosciuto mostra personale. Alfred Barr, direttore del MOMA di New York, la vide a sua volta e organizzò una mostra di Jones nel suo museo. La mostra al MOMA ha creato un vero scalpore, si è parlato dell'artista in tutto il Paese, e poi in tutto il mondo.
Bandiere, carte, bersagli, numeri e lettere per molto tempo rimasero i soggetti principali di Jones, indipendentemente dalla tecnica con cui lavorava. Per qualche tempo Jones passò dalla pittura alla litografia, sperimentando il massimo appiattimento delle figure, semplificando le forme e sovrapponendole l'una sull'altra: in una delle opere, ad esempio, ha raffigurato tutti i 9 numeri uno sopra l'altro. Sorprendentemente, Jones non si è ripetuto e questi esperimenti sono interessanti proprio per la loro diversità. idee creative con un numero limitato di oggetti.
A metà degli anni '60 Jasper Johns si dedicò alla scultura. È interessante che sia cambiato il tipo di arte, ma il principio non è cambiato: l'artista raffigura oggetti di uso quotidiano con precisione fotografica, “trascinandoli” nel mondo dell'arte, ma senza cambiare nulla di essi. Gli oggetti possono essere qualsiasi cosa, da una lattina di zuppa, a una lampadina, a uno spazzolino da denti, ma sono sempre realizzati con sorprendente precisione e con materiali tradizionali per la scultura, ad esempio il bronzo.
Nel 1967, Jones si cimentò grafica del libro, illustrando la pubblicazione del suo amico, il poeta Frank Ohara, e qualche anno dopo disegnò il libro di un altro amico, lo scrittore Samuel Becket.
Negli anni '80 il suo stile e il suo tono cambiarono dipinti: sono diventati più silenziosi: i colori contrastanti, il ritmo tagliente e la dinamica sono praticamente scomparsi da loro, è apparsa una tendenza al monocromatico e persino una sorta di sentimentalismo.
Oggi Jones vive nel Connecticut in un'antica fattoria.
È un classico riconosciuto dell'espressionismo astratto, vincitore di numerosi premi mondiali nel campo dell'arte: dal Gran Premio della Biennale di Venezia (1988) al Premio Imperiale del Giappone (premi agli artisti “per i loro successi, l'influenza internazionale che hanno hanno avuto con la loro arte, l'arricchimento spirituale dell'intera comunità mondiale"), che ha ricevuto nel 1993. Nel 2011, l'artista è stato insignito della Medaglia Presidenziale della Libertà, premiata per il suo contributo alla sicurezza e alla difesa interessi nazionali USA, pubblico e vita culturale USA e mondo (nel 1985 questa medaglia fu assegnata a Madre Teresa).
Attualmente l'artista non è attivo attività sociali. Il suo nome ora appare principalmente nelle aste o in pubblicazioni scandalose a lui collegate opere famose. Così, nel febbraio 2013, si è saputo che il miliardario Henry Kravis ha intentato una causa contro il collezionista Donald Bryant Jr. L’oggetto della contesa era il trittico di Jones “Tanttric Detail”, acquistato nel 2008 dall’artista a condizione che l’opera fosse trasferita al MoMA. Kravis ha accusato Bryant Jr. di aver deciso di tenere per sé il trittico, contrariamente a tutti gli accordi. E un paio di mesi fa, a metà agosto, l'ufficio del procuratore del distretto meridionale di New York ha accusato l'apprendista artista James Mayer di aver rubato i suoi dipinti. Secondo l'accusa, Mayer ha rubato 22 dipinti incompiuti di Jones, che gli ha dato in custodia, e, in qualità di proprietario, li ha venduti negli ultimi 6 anni. Apparentemente, essendo in prossimità delle opere dell'artista, è difficile per le persone non cedere alla tentazione e approfittare della domanda e dei prezzi sempre crescenti per i suoi dipinti.
Il potenziale di investimento di Jones è così grande che anche la crisi del 2008 e il generale calo del mercato apparentemente non hanno avuto praticamente alcun impatto sulla dinamica delle vendite delle sue opere. In totale, sono apparsi all'asta pubblica più di 2.300 volte, comprese più di 2.000 grafiche in edizione, 79 volte in cui i suoi dipinti sono stati esposti, 60 grafiche originali e 60 sculture.
L'attuale prezzo record per il lavoro di Jones è di 28,6 milioni di dollari. Questo è quanto hanno pagato la sua famosa "Flag" da Christie's l'11 maggio 2010. Il secondo risultato è stato mostrato nell'asta pre-crisi del 2007 casa d'aste Christie’s: per la tela “Number 4” del 1959 l’acquirente ha pagato 17,4 milioni di dollari. Ma soprattutto storia interessante in questa top tre è ovviamente legato al dipinto, che ora è al terzo posto nella lista delle opere più costose vendute all'asta pubblica. Così, il 10 novembre 1988 (!) da Sotheby’s, una tela molto luminosa e decorativa “False Start”, dipinta da Jones nel 1959, fu venduta per 17 milioni di dollari. Questa figura fu subito definita inavvicinabile per un artista vivente, e infatti così risultò: questa asta il record è durato 19 anni. È interessante notare che il mandato di Jasper Johns come detentore del record non è stato continuo. Nel 1989, fu superato dal lavoro del suo collega Willem de Kooning (20,7 milioni di dollari), ma 8 anni dopo, nel 1997, de Kooning morì e la "Falsa Partenza" di Jones occupò nuovamente il primo posto nella classifica dei prezzi d'asta per le opere. da artisti viventi. Quasi 10 anni - fino al 2007. E nel 2006 è stata venduta la stessa "falsa partenza". in una transazione privata per 80 milioni di dollari. E ora questo è in realtà il massimo pezzo costoso artista vivente. (Il “teschio” di Hurst da 100 milioni di dollari, secondo alcune indiscrezioni, è stato acquistato dallo stesso autore, e il risultato di “False Start” è indiscutibile.)
C'è molto? artisti contemporanei sono molto apprezzati dai collezionisti, vendono le loro creazioni per somme favolose e allo stesso tempo sono riusciti a introdurre e preservare il proprio stile nel mondo dell'arte? La realtà è che la maggior parte delle cose ingegnose e sorprendenti sono già state create anni (o addirittura secoli) prima.
Tuttavia, il nostro tempo non è privato di maestri meritatamente apprezzati, tra i quali brilla la stella del genio della pop art Jasper Johns. Le opinioni sul suo talento sono contraddittorie, ma una cosa è innegabile: è un vero classico e l'artista vivente più costoso.
La storia di Jasper Johns ha poca somiglianza con il destino della maggior parte dei suoi contemporanei. L'artista è nato il 15 maggio 1930 ad Augusta, Georgia, USA. Successivamente si trasferì in una piccola cittadina della Carolina del Sud, dove visse fino al suo diciottesimo compleanno. Non c'erano pittori o scultori nella famiglia di Jones e il luogo in cui è cresciuto non aveva nulla a che fare con l'arte. Si può dire che fino al 1948 Jasper Johns non sapeva nemmeno cosa fosse. Il maestro ha iniziato il suo percorso verso la fama dopo essersi trasferito a New York, dove ha incontrato chi gli ha trasmesso la sua ricca conoscenza e visione dell'arte, aiutandolo anche a formare le proprie idee.
Ma Punto di partenza La caratteristica distintiva di Jones nel creare il proprio stile è stata la conoscenza del lavoro di , uno dei fondatori del movimento readymade, che presentava oggetti domestici riciclati come opere d'arte senza particolari modifiche. Ecco come hanno ricevuto nuova vita e aveva un significato completamente diverso. Il lavoro di Duchamp è servito da ispirazione per una serie di opere in bronzo create da Jones tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60. Successivamente, Jasper Johns divenne amico intimo del gallerista Leo Castelli e la pop art più famosa artista Andy Warhol.
C'è una serie di opere nell'opera di Jones che possono facilmente essere definite le più significative per il maestro. È stata creata nella seconda metà degli anni '50 e si chiama “Bandiera”. L'artista in seguito parlò di lei in questo modo:
“Un giorno ho sognato che stavo disegnando una bandiera americana e quando mi sono svegliato l'ho fatto. Prima ne ho disegnato uno, poi l’altro, e così è venuta la serie...”
Tutte le opere di questa serie sono di dimensioni così grandi da sopraffare stando lì vicino spettatore. Le immagini sulle tele sono familiari a tutti e sono quasi le stesse: la bandiera americana è completamente identica all'originale nella sua struttura, presentata in diverse interpretazioni cromatiche o quantitative. La critica a queste opere fu ambigua: mentre alcuni ammiravano il patriottismo dell’artista, altri vedevano in esse un rifiuto ordine pubblico. Lo stesso Jasper ha espresso commenti molto evasivi su questo argomento e ha parlato di un tentativo di attirare l'attenzione sulla verità Valori americani, la necessità di preservarli e incrementarli.
Le bandiere furono sostituite da giganteschi "Numeri", e dopo di loro furono utilizzate attivamente immagini semplici e familiari come bersagli, lettere e carte. Tutte le opere di Jones sono eseguite in modo lussureggiante e pittoresco. Il maestro dipingeva spesso le sue opere con grandi tratti espressivi per indicare più chiaramente che l'immagine appartiene all'arte. Oltre alle pennellate, è caratterizzata dall'uso dell'encausto (tecnica pittura a cera) e sollievo. Alcuni dei dipinti più sorprendenti di Jones sono "Map", "Target" e "0 to 9".
Jasper Johns era attratto non solo dalla pittura, ma anche dalla scultura. Ciò che tutte le sue opere hanno in comune è che sono fuse in bronzo e rappresentano oggetti di uso quotidiano.
Le “fonti di ispirazione” per il maestro erano una lampadina, Spazzolino e una torcia elettrica. Ma la scultura più popolare è “Two Cans”, che rappresenta due lattine di birra in bronzo.
Jasper non ha mai cercato di presentarsi come un grande filosofo, riflettendo la sacralità dell'esistenza nelle sue opere. Ha registrato la vita come la stragrande maggioranza delle persone la vede ogni giorno.
Jones credeva che non ci fosse niente di più vivo e veritiero di quegli oggetti che sono sempre davanti ai nostri occhi. Le sue creazioni fanno sì che gli spettatori guardino con sorpresa qualcosa che non hanno mai percepito come qualcosa di vicino all'arte. Ma guardano da vicino e trovano persino un sottotesto inaspettato!
L'approccio di Jones all'arte ha conquistato un vasto pubblico e ha fornito al maestro fama mondiale e riconoscimento. Il suo dipinto “White Flag” è stato venduto per oltre 20 milioni di dollari, e questo è ben lungi dall'essere il suo compenso più alto, perché per “Flag” ha guadagnato 110 milioni.
Oggi Jasper Johns è l'artista vivente più costoso. Ha dimostrato che l'arte non riguarda solo immagini elitarie e languide. Per lui è in qualsiasi oggetto creato dall'uomo.
Nuovo da sconosciuto allo spettatore russo regista donna. Anche se il cinema australiano in generale non è particolarmente richiesto nel nostro Paese, motivo per cui passano molte anteprime.
Nella storia, un ragazzo di quattordici anni, Charles, vive per conto suo vita spensierata, quando all'improvviso di notte un certo Jasper dalla pelle scura, non molto famoso in città per le impressioni positive, si rivolge a lui per chiedere aiuto. Jasper porta Charles sulla riva di un lago vicino a casa sua e gli mostra il cadavere di una giovane ragazza con la quale ha avuto una relazione. relazione romantica. Jasper chiede al ragazzo di aiutarlo a nascondere il corpo e a trovare lui stesso l'assassino, perché se la polizia scopre il corpo, arresterà Jasper senza ulteriori considerazioni, poiché la storia si svolge in un momento in cui il tema del razzismo è piuttosto attuale.
Certo, la trama può sembrare strana, ma vi dirò di più che la cosa più strana deve ancora arrivare, quindi potete tranquillamente dare un cinque al film per l’originalità. Vorrei sottolineare subito che questo è tutt'altro Un film per bambini e anche le domande sollevate nel film non sono affatto utili giovane spettatore. Il tema del razzismo, della violenza familiare, del tradimento, della crudeltà e molto altro ancora che il protagonista dovrà affrontare. Un ragazzo modesto ma intelligente risolve con sicurezza i problemi e trova una via d'uscita situazioni difficili, quindi è molto interessante da guardare, poiché è difficile prevedere la fine del film, ma sarà forte. Grazie a colpi di scenaè difficile staccarsi dallo schermo, poiché la produzione del regista, gli attori e la musica piacevole sono percepiti molto alto livello. Si può presumere che l'infanzia degli eroi stia passando proprio davanti ai nostri occhi, quando erano solo ragazzini verdi, che discutevano dei supereroi dei fumetti, ed eccoli subito persone adulte con un sacco di problemi da adulti. Il film contiene filmati di bambini che bevono alcolici, vedono la morte e molti devono fare cose pericolose, quindi si tratta pur sempre di una complessa creazione per adulti per veri intenditori del cinema di alta qualità.
Puoi parlare molto degli attori per molto tempo, ma dirò solo che tutti sono stati semplicemente fantastici. Ogni attore ha rivelato appieno il proprio personaggio. Nell'inquadratura, ognuno appare diverso nell'immagine e caratteri forti nelle loro caratteristiche. È bello guardarli, è bello ascoltarli, ti preoccupi e ti preoccupi per loro, perché gli attori sembrano naturali e diversi.
Il film merita davvero di essere visto, le recensioni della critica sono buone, voto IMDb: 8,00 (se qualcuno presta attenzione). Ma nel complesso è informativo storia drammatica sull'amicizia, sulla famiglia e ovviamente sull'amore.
Divertitevi a guardare.
Jasper Johns(Inglese) Jasper Johns, R. 1930) è un artista americano che lavora nei generi della pop art. Autore dell'immagine "Bandiera".
Biografia, creatività
Jasper Johns nato ad Augusta (Georgia, USA) il 15 maggio 1930. Ben presto i suoi genitori divorziarono e il bambino e sua madre si trasferirono nella Carolina del Sud, dove trascorse lui maggior parte della tua infanzia. Viveva alternativamente nella città di Columbia, dove viveva sua madre, e ad Allendale, con i suoi nonni. Nonostante il fatto che, per stessa ammissione di Jones, a quel tempo non esistessero artisti nella Carolina del Sud, lui stesso iniziò a dipingere abbastanza presto. Nel 1947 Jones entrò alla Facoltà di Lettere dell'Università della Carolina del Sud, da dove però lasciò dopo tre semestri nel 1948 e si trasferì a New York.
A New York, Jasper Johns frequentò per un semestre la Parson School of Design e partecipò attivamente a varie mostre, ma nel 1950 si arruolò nell'esercito degli Stati Uniti e prestò servizio per due anni, prima in una base nella Carolina del Sud e poi nella città di Sendai in Giappone (il suo servizio è durato anni Guerra di Corea). Dopo il congedo, Jones tornò a New York, dove incontrò e presto iniziò a vivere con Robert Rauschenberg, che ebbe un'influenza significativa su di lui e lo presentò ad altri rappresentanti dell'arte contemporanea americana dell'epoca, tra cui il gallerista Leo Castelli e Alfred Barr. (allora direttore del Museo d'Arte Moderna).
Il nome Jasper Johns è spesso associato ai suoi primi lavori risalenti alla seconda metà degli anni '50. In un modo primo periodo Il lavoro dell'artista può essere limitato al periodo dal 1954 al 1961, quando visse con il suo fidanzato Robert Rauschenberg. Probabilmente il dipinto di Jones più famoso al grande pubblico "Bandiera"è stato creato proprio in questo periodo, nel 1955. Questo lavoro ha causato molte polemiche. È stato interpretato dai più in diversi modi, vedendovi sia una manifestazione dell’“imperialismo” americano sia, al contrario, una mancanza di rispetto per il proprio Paese. Alfred Barr ha deciso di acquistare la bandiera per mostra permanente, ma temeva di essere accusato di antipatriottismo e quindi svolse l'intero processo di acquisto tramite un intermediario, che poi donò il dipinto al museo. Anche i critici d'arte dell'epoca tendevano a vedere il lavoro di Jones come una precisa dichiarazione politica. Quindi, ad esempio, Robert Rosenblum pone la domanda esattamente in questo modo: “è sacrilegio o riverenza?” e definisce l'immagine "blasfema e irrispettosa". Tuttavia, l'artista stesso ha affermato di aver visto in sogno come stava dipingendo la bandiera degli Stati Uniti e poi, svegliandosi, ha iniziato a lavorare.
Il tema della bandiera americana fu ripreso da Jones in una serie di altre opere create in quel periodo. Le opere più notevoli qui possono essere considerate "Bandiera bianca"(1955) e "Tre Bandiere" (1958).
Negli anni successivi, la controversia attorno a quest'opera di Jones non si placò, ma andò oltre la discussione sul livello di patriottismo dell'artista. Considerando la “Bandiera” nel contesto dell’arte del XX secolo e cercando di determinare il suo ruolo per vari movimenti artistici, questa immagine iniziò ad essere considerato uno dei primi esempi di pop art. Jasper Johns può quindi essere considerato l'artista che, in un certo senso, ha aperto la strada ad Andy Warhol e all'intera pop art americana degli anni '60. Inoltre, "Flag" iniziò a essere creato nel 1954, che è anche prima del collage di Richard Hamilton "Cosa rende le nostre case oggi così diverse, così attraenti?" (1956), che a sua volta è tradizionalmente considerata una delle prime opere del genere pop art in Gran Bretagna.
D'altra parte, "Flag" di Jasper Johns può essere considerata una certa continuazione delle idee di Marcel Duchamp e dei suoi ready-made. Infatti, la bandiera Jones può essere trasferita senza modifiche su un materiale più familiare alle bandiere e utilizzato esattamente come bandiera, ad es. appenderlo alla finestra, andare allo stadio, ecc. Quello. otteniamo qualcosa come un “readymade al contrario”, quando un'opera d'arte può essere utilizzata come un banale oggetto domestico senza alcuna modifica. La bandiera degli Stati Uniti è uno dei simboli più riconoscibili, e quindi più banali, ecc. rivolgersi ad esso è sempre lo stesso rivolgersi agli oggetti quotidiani. "Giocare" con un oggetto, con un simbolo, creare un'opera d'arte con la firma dell'artista: tutto questo è caratteristico del dadaismo e quindi il lavoro di Jasper Johns può essere attribuito al cosiddetto. neodada. Tuttavia, va notato che questo termine stesso è stato proposto da Barbara Rose proprio per caratterizzare il lavoro di Jones e Rauschenberg, e l'artista stesso, parlando del concetto di “oggetto”, ha osservato che “il concetto stesso di oggetto è dubbio . La tela è l'oggetto, la pittura è l'oggetto e l'oggetto è l'oggetto. Poiché si suppone che la tela abbia un qualche significato spaziale, allora l’oggetto dipinto sulla tela può essere dotato dello stesso significato”.
Oltre a tutto quanto sopra, “Flag” può anche essere considerato nel contesto del superamento dell’espressionismo astratto. Allo stesso tempo, lo stesso Jasper Johns fu il meno coinvolto nella lotta contro la tendenza prevalente dell'epoca, ma la sua pittura può ancora essere classificata come figurativa e iniziò a "moltiplicare" i simboli (sebbene il concetto di simulacro difficilmente possa essere pienamente applicato qui) mentre il racconto stesso con il sogno e i tratti espressivi ricordano l'immagine dell'artista, tipica di un espressionista astratto, ecc. Jasper Johns diventa ancora una volta una sorta di “elemento di collegamento” tra, relativamente parlando, figure dell’arte americana come Pollock e Warhol.
Oltre alla bandiera, Jasper Johns ha lavorato anche con una serie di altri simboli. Possiede, ad esempio, una serie di opere con immagini di numeri in diverse varianti (“Numeri grigi”, “da 0 a 9”, “0-9”, ecc.), oltre a molte immagini di mappe e vari tipi di obiettivi. Tutti questi simboli fanno parte del mondo ordinario, ma dentro Vita di ogni giorno la persona media tende a ignorare la loro forma, prestando attenzione solo a ciò che “significano” nelle loro varie combinazioni. È estremamente raro che venga messo in dubbio il significato di un singolo numero o lettera, così come raramente si parla della forma stessa di una bandiera o di una mappa. Apparentemente Jones ignora le questioni relative al modo in cui le singole lettere o numeri interagiscono tra loro per creare linguaggio e significato. Nel suo primi lavori“Numeri grigi”, ad esempio, affida l'intero spazio della tela a una griglia piena di numeri. I numeri sono disegnati su uno stencil, ciascuno nella propria cella, nell'intera immagine ad eccezione del rettangolo in alto a sinistra. Sono disposti in una certa sequenza, ma non è il significato di ciascun numero ad attirare l'attenzione, ma la forma, la struttura e l'ordine che l'artista stesso crea.
A metà degli anni '60 Jasper Johns si dedicò alla scultura. Anche qui è impossibile non menzionare ancora una volta il confronto tra espressionismo astratto e pop art. Il fatto è che uno dei suoi più famose sculture– due lattine di birra (“Ale cans”, 1964) – ha fatto l’artista in risposta al caustico commento di Willem de Kooning riguardo attività professionale gallerista Leo Castelli, il che si riduce al fatto che quest'ultimo comprerà anche lattine di birra se dici che è pop art.
Le sculture di Jasper Johns raffigurano principalmente oggetti di uso quotidiano (torce elettriche, lampadine, lattine di birra) realizzati in bronzo. Di carico semantico Da questi lavori si può dire tutto ciò che è già stato scritto su “Flag” e altre opere di Jones. Qui vediamo un gioco con articoli casalinghi, un ritorno dall'astrattismo all'arte figurativa, una sorta di messaggio allo spettatore stanco di astrazioni incomprensibili, che si riduce al fatto che se non hai bisogno di “modelli” fantasy incomprensibili, allora puoi ammirare oggetti familiari a tutti, per esempio, lattine vuote di birra. Spicca in qualche modo la scultura “The Critic's Eye” (1964). questo lavoro rappresenta una metafora del lavoro di un critico d'arte.
Negli anni '80 Jones iniziò a creare collage, i cui temi toccavano anche il problema del contenuto semantico di simboli e segni familiari che si raggruppano nella vita della persona media, senza avere alcun denominatore comune iniziale "reale", tranne direttamente per la persona nella cui testa tutti hanno un significato e significano qualcosa. Strappati dal discorso culturale generale, vari segni si ricompongono privacy persona e, ovviamente, iniziano a significare qualcosa in essa, ma allo stesso tempo discorso è già in corso non di oggetti originali e nemmeno di idee, ma di simulacri: copie senza originale.
Dopo la rottura definitiva con Rauschenberg, Jasper Johns iniziò a tendere sempre più alla solitudine. Dagli anni '90 non rilascia quasi più interviste, ma continua comunque a contattare alcune figure selezionate del mondo dell'arte e ad esporre di tanto in tanto le sue nuove opere. Nell'agosto 2013, Jasper Johns ha fatto nuovamente notizia dopo che il suo assistente James Mayer, che ha lavorato per lui dal 1988 al 2012, è stato accusato di aver rubato dipinti semilavorati del maestro per un totale di sei milioni e mezzo di dollari. Lo stesso Jones proibì la vendita di queste opere, ma Meyer fuggì con 22 opere dallo studio dell'artista a Sharon, nel Connecticut, per venderle tramite una persona non identificata in una galleria di New York, sostenendo che erano tutti regali di Jones. Jones non ha commentato il furto, ma ha contattato la polizia poco dopo la scoperta delle opere mancanti.
Jasper Johns attualmente divide il suo tempo tra i suoi studi a Sharon, Connecticut, dove si è trasferito negli anni '90, e il suo studio a St. Martin.
14 agosto James Mayer, ex assistente Artista americano Jasper Johns, che ha lavorato con lui per più di 25 anni, è stato arrestato con l'accusa di aver rubato 22 dei suoi dipinti. Tutti i dipinti rubati furono venduti. Il ricavato totale della vendita è stato di circa 6,5 milioni di dollari, di cui 3,4 milioni sono andati a Mayer. Il 15 agosto è stato accusato di frode e trasporto interstatale di beni rubati. La pena detentiva combinata per entrambi i reati potrebbe arrivare fino a 30 anni.
6,5 milioni per 22 dipinti, alcuni dei quali risultarono incompiuti, sono una cifra molto piccola se stiamo parlando sui dipinti di Jasper Johns, che è stato più volte riconosciuto come l'artista vivente più costoso. Nel 1980 il MoMA di New York acquistò dall'artista Three Flags per un milione di dollari, all'epoca il prezzo più alto mai pagato per un dipinto di un artista vivente. Jones in seguito ha battuto più volte alle aste proprio record. Ad esempio, quando il Metropolitan Museum of Art di New York pagò circa 20 milioni di dollari per la sua opera “White Flag” nel 1998, o quando la sua opera più famosa, “The Flag”, fu venduta all’asta nel 2010 per 28,6 milioni di dollari.
Le bandiere nel lavoro di Jones sono diventate non solo un modo sicuro per fare soldi, ma anche biglietto da visita. Jones realizzò queste tre opere, che si rivelarono significative per il suo lavoro, dal 1954 al 1958, ispirandosi alle idee di Marcel Duchamp: “Flag” (1954), “White Flag” (1955) e “Three Flags” (1958 ). Nel 1960 l'artista fonde in bronzo la sua famosa “Bandiera”. Successivamente, nella serie con bandiere, furono realizzate una quarantina di opere. L'utilizzo di un simbolo così importante per gli americani ha provocato numerose discussioni sui significati contenuti nell'opera. Mentre i critici discutevano se Jasper Johns trattasse le stelle e strisce con rispetto, l'artista affermò di essere interessato principalmente alle stelle e strisce stesse, cioè alla geometria della bandiera come oggetto. “Alcuni dicono che la bandiera che ho dipinto dovrebbe essere considerata solo come un dipinto, altri che il dipinto dovrebbe essere considerato come una bandiera. In realtà intendevo entrambi, quindi non devi scegliere”, disse Jones in un’intervista nel 1960. Oltre alle bandiere, l'artista ha realizzato moltissimi oggetti in più tecniche diverse- dalla scultura alla pittura a rilievo e alla pittura a encausto (cioè pittura con cera calda), rivolta a vari simboli cultura popolare.
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Jasper Johns è una figura significativa per l'arte del dopoguerra della seconda metà del XX secolo. Iniziando a lavorare all'apice della popolarità dell'espressionismo astratto, si cimentò con il neo-dadaismo, la pop art e il concettualismo. Ma non importa cosa movimento artistico non importa come venivano attribuite le opere di Jones, venivano sempre vendute grande successo. Il titolo stesso caro artista lo ottenne non senza una partecipazione esterna: ciò fu largamente facilitato dalla conoscenza con il famoso gallerista e mercante d'arte Leo Castelli. Castelli vide il lavoro del 28enne Jones nello studio di Robert Rauschenberg nel 1958 e rimase così colpito dalla creatività giovane artista, che lo invita ad organizzare una mostra personale. Castelli, noto per il suo talento e il suo senso degli affari, portò Robert Rauschenberg e Roy Lichtenstein sul mercato mondiale dell'arte: non sorprende che le vendite di Jones iniziarono ad aumentare dalla fine degli anni Cinquanta.
Quando l'aspirante artista ventiduenne James Mayer bussò per la prima volta alla porta dello studio di Johns in John's Houston Street nel 1984, non aveva idea con chi aveva a che fare. La conoscenza della storia dell'arte di Mayer a quel tempo, secondo lui, finì da qualche parte con gli impressionisti. Giovane artista Soddisfò le sue ambizioni dipingendo infinite copie di Van Gogh e Matisse per la catena Beefsteak Charlie's per 6 dollari l'ora. Un amico consigliò a Mayer di iniziare una carriera nel mondo dell'arte assistendone alcuni famoso maestro. Lui, senza pensarci due volte, ha compilato un elenco di artisti con i loro numeri di telefono e indirizzi, ha indossato un abito formale, ha messo diversi esempi del suo lavoro e curriculum in una cartella e ha iniziato a girare per gli studi di New York come un venditore ambulante.
Nello studio di Jasper Johns, all'inizio a Mayer non è stato nemmeno permesso di entrare sulla soglia, ma hanno preso la cartella con i suoi lavori. Il giovane artista era sconvolto e stava già pensando a una carriera come manager presso lo stesso Beefsteak Charlie's, ma poi ha deciso di tornare a prendere la sua cartella ed è venuto di nuovo in studio. Questa volta è stato l'artista stesso ad aprire la porta e, con sua sorpresa, giovanotto, gli offrì una tazza di caffè. Poche ore dopo, il futuro maestro e apprendista stavano già discutendo sulle condizioni di lavoro.
Mayer ha raccontato della sua conoscenza con Jones a metà degli anni Novanta allo scrittore Matthew Rose, che stava recensendo giovani assistenti artisti di successo per la rivista Vogue. Il testo allora non venne pubblicato; fu reso noto al grande pubblico nel 2007 sul sito Theartblog.org. Rose nel suo materiale ha notato quanto il giovane energico assistente sia riuscito a fare nel corso di diversi anni di lavoro con Jones: ha trasferito il suo studio in un'area più prestigiosa, in seguito ha organizzato il trasferimento dell'artista in un nuovo appartamento confortevole, studi attrezzati a New York e via l'isola caraibica di Saint Martin in modo che fosse più conveniente per il maestro lavorarvi. In entrambi gli studi tutto è stato fatto in modo assolutamente identico: dal colore delle pareti alla dimensione e alla marca dei pennelli.
Non sorprende che l’assistente vivace e non privo di talento godesse della sconfinata fiducia dell’artista. Jones si fidava persino di lui perché lavorasse come apprendista. Mayer a volte aggiungeva qualche tocco ai dipinti di Jones; tuttavia, secondo lui, l'artista li cancellava o riscriveva invariabilmente. Il reparto dell'assistente copriva tutta la vita del suo capo: dall'ordine negli studi ai registri e ai conti. Mayer ne ha approfittato tra il 2006 e il 2012, quando ha gradualmente trasportato i dipinti dallo studio dell'artista a Sharon, nel Connecticut, a galleria sconosciuta a Manhattan per usarla come intermediaria nella vendita.
Mayer ha affrontato la truffa con la stessa responsabilità con cui si è avvicinato al suo lavoro. Ha avuto idee per ciascuno dei 22 dipinti rubati numeri di inventario, fece un censimento, inserì pagine false in un registro di tutte le opere di Jones e fotografò le pagine da inviare agli acquirenti. Inoltre, Mayer ha autenticato i documenti che confermano che tutti i dipinti gli sono stati dati in dono e ha utilizzato questi documenti per stipulare un accordo di vendita con una galleria di Manhattan senza nome. Una delle condizioni principali per la vendita dei dipinti era il silenzio degli acquirenti. Tutti gli individui che acquistarono i dipinti di Jones dalla galleria furono obbligati a non esporre o rivendere i dipinti per otto anni.
Non si sa perché Mayer abbia condannato il suo ex capo e insegnante di 83 anni esattamente a 8 anni (e molto probabilmente, solo la morte di Jones potrebbe essere la ragione per iniziare a vendere apertamente i dipinti rubati). Sono sconosciute anche le circostanze in cui l’assistente dell’artista lasciò il lavoro, dove aveva trascorso 27 anni. È improbabile che si tratti di impulsi creativi: negli anni 2000 Mayer ha esposto più volte nelle gallerie di New York. Ultima mostra i suoi disegni figurativi a inchiostro hanno avuto luogo in una galleria di Chelsea nel 2011. Era improbabile che diventassero anche piccoli guadagni motivo ufficiale cura - dentro l'anno scorso Mentre lavorava con l'artista, Mayer è stato attivamente coinvolto in opere di beneficenza. Con la sua partecipazione è stato addirittura aperto scuola d'arte vicino alla sua casa a Salisbury.
Forse lo stesso Jasper Johns potrebbe raccontare le circostanze della rottura tra l'artista e l'apprendista, ma si rifiuta di commentare la situazione. Non è riportato quali opere di Jones siano state rubate dallo studio di Sharon. È noto solo che Mayer ha etichettato alcuni dipinti che non erano stati finiti come opere finite, ma non esposte dell'artista. Considerando come l'assistente di Jones iniziò la sua carriera artistica, si può presumere che alcune opere siano state effettivamente completate, ma da una mano diversa, e alcune non siano state scritte dallo stesso Jones. È famoso quando, nel 2010, Brian Ramnarine, il proprietario di una fonderia che lavorava con l'artista, realizzò una copia in bronzo della sua “Flag” e tentò di venderla per 10 milioni di dollari. Ramnarine, a differenza di Mayer, ha agito apertamente, mostrando anche il suo lavoro ai collezionisti, quindi è stato catturato molto prima.
Mayer parlava sempre calorosamente del suo maestro. In una successiva intervista con lo stesso Rose prima dell'inaugurazione di una delle sue mostre, l'artista disse che Jones non solo gli aveva insegnato tutto ciò che sapeva tecniche pittoriche. "La cosa più importante che Jasper mi ha insegnato è pensare attentamente a quello che sto facendo prima di farlo." Mayer sembra aver imparato molto bene questa lezione: ha pensato per 27 anni prima di derubare il suo maestro.