Arte dei secoli XX - XXI.
Pittura Come l'arte contemporanea, la pittura contemporanea nella sua forma attuale si è formata negli anni '60 -'70 del XX secolo. Si cercavano alternative al modernismo e spesso venivano introdotti principi opposti. I filosofi francesi introdussero il termine “postmodernismo” e molti artisti si unirono a questo movimento. L'arte concettuale e il minimalismo divennero i fenomeni artistici più importanti degli anni '60 e '70. Negli anni '70 e '80, le persone sembravano essere stanche dell'arte concettuale e gradualmente tornarono alla figuratività, al colore e alla figuratività. La metà degli anni ’80 vide l’ascesa di movimenti culturali di massa come il campismo, l’arte dell’East Village e il neo-pop. La fotografia sta fiorendo: sempre più artisti iniziano a utilizzarla come mezzo di espressione artistica. Il processo artistico pittorico è stato fortemente influenzato dallo sviluppo della tecnologia: negli anni '60 - video e audio, poi - computer e negli anni '90 - Internet. Opera dalla collezione di Viktor Bondarenko
Arte attuale In Russia negli anni '90 esisteva il termine "arte attuale", che, sebbene simile al termine "arte contemporanea", non è identico ad esso. Significava innovazione nell'arte contemporanea nelle idee e nei mezzi tecnici. È diventato rapidamente obsoleto e la questione del suo ingresso nella storia dell'arte moderna del XX o XXI secolo è aperta. In molti modi, l'arte contemporanea è stata attribuita alle caratteristiche dell'avanguardia, cioè innovazione, radicalismo, nuove tecniche e tecniche. Opere dalla collezione di Viktor Bondarenko Valery Koshlyakov "Embankment" Dubossarsky-Vinogradov "Land-champion"
Astrattismo L'astrattismo (lat. “abstractio” - rimozione, distrazione) è una direzione dell'arte non figurativa che ha abbandonato la rappresentazione di forme vicine alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è raggiungere l'"armonizzazione", la creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nel contemplatore. Mikhail Larionov "Raggionismo rosso" Wassily Kandinsky "Zershönesbild" Malevich Kazimir "Grinder"
Il cubismo (cubismo francese) è una tendenza d'avanguardia nella pittura del XX secolo, principalmente nella pittura, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme condizionali enfaticamente geometrizzate, dal desiderio di "dividere" il reale oggetti in primitive stereometriche. Cubismo Picasso "Le fanciulle di Avignone" Juan Gris "Grappoli d'uva" Fernand Léger "I costruttori" Juan Gris "Colazione"
Surrealismo Il surrealismo (surréalisme francese - superrealismo) è una nuova direzione nella pittura, formatasi all'inizio degli anni '20 in Francia. Si distingue per l'uso di allusioni e combinazioni paradossali di forme. Il concetto principale del surrealismo, la surrealtà è la combinazione di sogno e realtà. Per fare ciò, i surrealisti hanno offerto una combinazione assurda e contraddittoria di immagini naturalistiche attraverso il collage e la tecnologia già pronta. I surrealisti si ispiravano all’ideologia della sinistra radicale, ma proponevano di avviare la rivoluzione partendo dalla propria coscienza. L'arte era da loro concepita come il principale strumento di liberazione. Salvador Dali "La tentazione di Sant'Antonio" Max Ernst "L'angelo del focolare o il trionfo del surrealismo" Rene Magritte "Il figlio dell'uomo" Wojtek Siudmak "Il mondo dei sogni e delle illusioni"
Moderno Moderno (dal francese moderne - moderno) o Art Nouveau (art nouveau francese, letteralmente "nuova arte") è una direzione artistica nell'arte, più popolare nella seconda metà del XIX - inizio XX secolo. Le sue caratteristiche distintive sono: il rifiuto di linee rette e angoli a favore di linee più naturali, "naturali", l'interesse per le nuove tecnologie (soprattutto in architettura), il fiorire dell'arte applicata. L'Art Nouveau si sforzò di combinare le funzioni artistiche e utilitaristiche delle opere create, per coinvolgere tutte le sfere dell'attività umana nella sfera della bellezza. Alphonse Mucha "Danza" Mikhail Vrubel "La principessa del cigno" A. N. Benois "Masquerade under Louis XIV" Mikhail Vrubel "Perla"
Arte ottica Op-art - una versione abbreviata di arte ottica - arte ottica) - un movimento artistico della seconda metà del 20 ° secolo, che utilizza varie illusioni visive basate sulle caratteristiche della percezione di figure piatte e spaziali. La corrente continua la linea razionalistica del tecnicismo (modernismo). Arte op. cerca di ottenere l'illusione ottica del movimento di un oggetto d'arte immobile mediante l'influenza psicofisiologica sul pubblico, la loro attivazione. Jacob Agam "Nuovo paesaggio" Josef Albers "Fabbrica A" Bridget Riley "Big Blue"
1. Arte russa della fine del XX secolo. L’ultimo decennio del XX secolo in Russia è stato ricco di eventi politici ed economici che hanno cambiato radicalmente la situazione del Paese. Il crollo dell’Unione nel 1991 e un cambiamento nel corso politico, il passaggio alle relazioni di mercato e un chiaro orientamento verso il modello occidentale di sviluppo economico, e infine l’indebolimento, fino alla completa abolizione, del controllo ideologico – tutto questo in i primi anni '90 hanno contribuito al fatto che l'ambiente culturale ha iniziato a cambiare rapidamente. La liberalizzazione e la democratizzazione del paese hanno contribuito allo sviluppo e all'affermazione di nuove tendenze e direzioni nell'arte nazionale. L'evoluzione dell'arte negli anni '90 in Russia avviene con l'emergere di tendenze inerenti al postmodernismo, con l'emergere di una nuova generazione di giovani artisti che lavorano in settori come, concettualismo, computer grafica, neoclassicismo legati allo sviluppo della tecnologia informatica in Russia. Originato dall'eclettismo classico, il "neoclassicismo russo" divenne un "diamante sfaccettato", combinando varie tendenze che non appartenevano ai "classici" prima dell'era del modernismo. Neoclassicismo- questa è una direzione artistica in cui gli artisti fanno rivivere le tradizioni classiche della pittura, della grafica, della scultura, ma allo stesso tempo utilizzano attivamente le ultime tecnologie. Storico e teorico dell'arte britannico Edward Lucia Smith definì il neoclassicismo russo "il primo fenomeno sorprendente della cultura russa che influenzò il processo artistico mondiale dopo Kazimir Malevich". Il neoclassicismo richiedeva un atteggiamento diverso nei confronti dell’antichità rispetto a quello dei classicisti. La visione storica della cultura greca rendeva le opere antiche non un assoluto, ma un ideale storico concreto, quindi l'imitazione dei greci acquisì un significato diverso: nella percezione dell'arte antica non fu la sua normatività a venire in primo piano, ma la libertà , la condizionalità di regole che sarebbero poi diventate il canone, la vita reale delle persone. D.V. Sarabyanov trova il neoclassicismo una sorta di "complicazione" della modernità. Con la stessa probabilità il neoclassicismo può essere considerato sia tardo moderno che una tendenza indipendente. Nel lavoro dei "nuovi artisti" non c'è pura modernità o neoclassicismo separato, agiscono sempre in modo interconnesso, gli artisti della nuova accademia hanno combinato diverse tendenze delle arti visive contemporaneamente: avanguardia, postmodernismo, classicismo nel " spazio del collage". Le opere dei "nuovi artisti" sono eclettiche e combinano computer grafica, incisione, pittura e fotografia. Gli artisti hanno digitalizzato le opere finite, selezionato i frammenti necessari e creato collage, restaurando magistralmente i costumi e le decorazioni dell'antichità. La combinazione dei metodi tradizionali con le capacità dei programmi di computer grafica ha ampliato il potenziale creativo degli artisti. Dal materiale scansionato sono stati assemblati collage, su di essi sono stati applicati effetti speciali artistici, deformati, creando composizioni illusorie. I rappresentanti più importanti del neoclassicismo di San Pietroburgo all'inizio degli anni '90 furono O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclassicismo Toberlutè una delle manifestazioni del romanticismo. Le sue opere incarnano i sentimenti di una persona, sogni, nobiltà, qualcosa di entusiasta e rivolto a un ideale irrealizzabile. . L'artista stessa diventa l'eroina delle sue opere. Stilisticamente, il lavoro di O. Toberluts può essere definito come neoclassicismo, passato attraverso la coscienza postmoderna, come un mondo eclettico, che raffigura templi antichi, interni rinascimentali, mulini a vento olandesi e costumi del designer K. Goncharov come un tocco di modernità. Le possibilità illimitate della computer grafica rendono le opere di O.Tobreluts fantastiche e soprannaturali. Con l'aiuto della tecnologia informatica E.Sheff ritorna nell'antica Grecia, poi nell'antica Roma, creando nei suoi collage immagini dell'antica mitologia. In serie "Miti di Ludwig" l'artista ha utilizzato fotografie di sculture greche, strutture architettoniche, sovrapponendo loro gli effetti dell'antichità. Con l'aiuto della tecnologia informatica, l'artista ripristina l'originalità del Colosseo, conducendo emozionanti escursioni attorno ad esso. Pittura digitale Shutov rappresenta l'equivalente emotivo dei suoi numerosi hobby. Contiene sia classici greci che echi di ricerca etnografica, nonché elementi della sottocultura giovanile, quindi si può notare che la fine del XX secolo fu un punto di svolta non solo nella vita politica ed economica della Russia, ma anche in arte. Negli anni '90 è stata fondata una potente tendenza nelle arti visive, il "nuovo neoclassicismo russo". Lo sviluppo delle tecnologie informatiche in Russia ha ampliato il potenziale creativo degli artisti, nuovi artisti, utilizzando nuove tecnologie, hanno creato opere classiche. La cosa principale non è la tecnica e la tecnologia, ma l'estetica. L’arte moderna può anche essere classica. 2. L'arte russa all'inizio del XXI secolo. Una caratteristica delle belle arti a cavallo tra il XX e il XXI secolo è che si è liberata dall'oppressione della censura, dall'influenza dello Stato, ma non dall'economia di mercato. Se in epoca sovietica agli artisti professionisti veniva fornito un pacchetto di garanzie sociali, i loro dipinti venivano acquistati per mostre e gallerie nazionali, ma ora possono contare solo sulle proprie forze. Ma la pittura russa non è morta e si è trasformata in una parvenza di arte dell'Europa occidentale e americana, continua a svilupparsi sulla base delle tradizioni russe. L'arte contemporanea è esposta da gallerie d'arte contemporanea, collezionisti privati, enti commerciali, organizzazioni artistiche statali, musei d'arte contemporanea, studi d'arte o dagli stessi artisti nello spazio gestito dagli artisti. Gli artisti contemporanei ricevono sostegno finanziario attraverso sovvenzioni, riconoscimenti e premi, e ricevono anche fondi dalla vendita delle loro opere. Sotto questo aspetto la pratica russa è alquanto diversa da quella occidentale. Musei, Biennali, festival e fiere d'arte contemporanea stanno gradualmente diventando strumenti per attrarre capitali, investimenti nel business del turismo o parte della politica governativa. I collezionisti privati hanno una grande influenza sull’intero sistema dell’arte contemporanea. In Russia, una delle più grandi collezioni di arte contemporanea è conservata nel Museo d'arte contemporanea non statale Erarta di San Pietroburgo. Tendenze nell'arte contemporanea: Arte non spettacolare- una tendenza nell'arte contemporanea che rifiuta lo spettacolo e la teatralità. Un esempio di tale arte è la performance dell'artista polacco Pavel Althamer "Script Outline", alla mostra "Manifesta" nel 2000. In Russia, ha offerto la sua versione di arte non spettacolare Anatoly Osmolovsky.Arte di strada(Inglese) arte di strada- street art) - belle arti, la cui caratteristica distintiva è uno stile urbano pronunciato. La parte principale della street art sono i graffiti (altrimenti spray art), ma non si può considerare che la street art sia un graffito. La street art comprende anche poster (non commerciali), stencil, varie installazioni scultoree, ecc. Nella street art, ogni dettaglio, sciocchezza, ombra, colore, linea è importante. L'artista crea il proprio logo stilizzato - un "segno unico" e lo raffigura su parti del paesaggio urbano. La cosa più importante nella street art non è appropriarsi del territorio, ma coinvolgere lo spettatore in un dialogo e mostrare un programma di trama diverso. L’ultimo decennio segna la diversità delle direzioni scelte dalla street art. Ammirando la generazione più anziana, i giovani scrittori sono consapevoli dell'importanza di sviluppare il proprio stile. In questo modo stanno emergendo nuovi rami, predicendo un futuro ricco per il movimento. Nuove e diverse forme di street art a volte superano in portata tutto ciò che è stato creato prima. Aerografia - una delle tecniche pittoriche delle belle arti, che utilizza l'aerografo come strumento per applicare coloranti liquidi o in polvere utilizzando aria compressa su qualsiasi superficie. È possibile utilizzare anche una vernice spray. A causa dell'uso diffuso dell'aerografia e dell'emergere di un gran numero di vernici e composizioni diverse, l'aerografia ha ricevuto un nuovo impulso allo sviluppo. Ora l'aerografo viene utilizzato per creare dipinti, ritocco fotografico, tassidermia, modellismo, pittura su tessuti, pittura murale, body art, pittura per unghie, pittura di souvenir e giocattoli, pittura di piatti. Viene spesso utilizzato per disegnare immagini su automobili, motociclette, altre attrezzature, nella stampa, nel design, ecc. Grazie al sottile strato di vernice e alla capacità di spruzzarlo uniformemente sulla superficie, è possibile ottenere eccellenti effetti decorativi, come transizioni di colore uniformi, tridimensionalità, realismo fotografico dell'immagine risultante, imitazione di una struttura ruvida con una levigatezza superficiale ideale.
Argomenti e domande dei seminari;
Argomento 1. Concetti di base di storia dell'arte e di storia dell'arte.
Domande:
1. Il problema della classificazione delle arti.
2. Il concetto di “opera d'arte”. Emersione e compito dell'opera d'arte. Lavoro e arte.
3. Essenza, finalità, compiti dell'art.
4.Funzioni e significato dell'art.
5. Il concetto di "stile". Lo stile artistico e il suo tempo.
6. Classificazione degli artt.
7. La storia dell'emergere e della formazione della storia dell'arte.
Problemi di discussione:
1. Le definizioni dell'art. Qual è la caratteristica di ciascuno di essi? Quale definizione segui? Puoi formulare la tua definizione di arte?
2. Qual è lo scopo dell'arte?
3. Come si può definire un'opera d'arte? Come convivono "opera d'arte" e "opera d'arte"? Spiegare il processo di comparsa di un'opera d'arte (secondo I. Ten). Qual è il compito di un'opera d'arte (secondo P.P. Gnedich)?
4. Elenca le 4 principali funzioni dell'arte (secondo I.P. Nikitina) e quattro
possibile comprensione del significato dell’art.
5. Definire il significato del concetto di "stile". Quali stili di arte europea conosci? Cos'è lo "stile artistico", lo "spazio artistico"?
6. Elencare e fornire una breve descrizione dei tipi di arte: arti spaziali, temporali, spazio-temporali e spettacolari.
7. Qual è l'oggetto della storia dell'arte?
8. Quale pensi sia il ruolo dei musei, delle mostre, delle gallerie, delle biblioteche per lo studio delle opere di storia dell'arte?
9. Caratteristiche del pensiero antico sull'arte: informazioni sopravvissute sui primi esempi di letteratura sull'arte ("Canone" di Policleto, trattati di Duris, Senocrate). Direzione "topografica" nella letteratura artistica: "Descrizione dell'Ellade" di Pausania. Descrizione delle opere d'arte di Lucian. Il concetto pitagorico di "cosmo" come un tutto armonioso, soggetto alle leggi di "armonia e numero" e il suo significato per gli inizi della teoria dell'architettura. L'idea di ordine e proporzione in architettura e urbanistica. Le immagini della città ideale negli scritti di Platone (il sesto libro delle Leggi, il dialogo Crizia) e di Aristotele (il settimo libro della Politica). Comprendere l'arte nell'antica Roma. "Storia Naturale" di Plinio il Vecchio (I secolo d.C.) come principale fonte di informazioni sulla storia dell'arte antica. Trattato di Vitruvio: un'esposizione sistematica della teoria architettonica classica.
10. Il destino delle antiche tradizioni nel Medioevo e le caratteristiche delle idee medievali sull'arte: visioni estetiche del Medioevo (Agostino, Tommaso d'Aquino), l'idea estetica guida: Dio è la fonte della bellezza (Agostino) e il suo significato per teoria e pratica artistica. L'idea di "prototipo". Caratteristiche della letteratura medievale sull'arte. Manuali pratico-tecnologici, di prescrizione: “Guida dei pittori” del monte Afaon Dionysius Furnagrafiot, “Sui colori e le arti dei Romani” di Eraclio, “Schedula” (Schedula - Studente) di Teofilo. Descrizione dei monumenti architettonici nelle cronache e nelle vite dei santi.
11. Il Rinascimento come punto di svolta nella storia dello sviluppo dell'arte e della storia dell'arte europea. Un nuovo atteggiamento nei confronti dell'antichità (lo studio dei monumenti dell'antichità). Lo sviluppo di una visione del mondo secolare e l'emergere della scienza sperimentale. Formazione di una tendenza all'interpretazione storico-critica dei fenomeni artistici: "Commenti" di Lorenzo Ghiberti Trattati su temi particolari - urbanistica (Filaret), proporzioni in architettura (Francesco di Giorgio), prospettiva in pittura (Piero dela Francesca). La comprensione teorica della svolta rinascimentale nello sviluppo dell'arte e l'esperienza dello studio umanistico del patrimonio antico nei trattati di Leon Batista Alberti (“Sulla statua”, 1435, “Sulla pittura”, 1435-36, “Sull'architettura”) ”), Leonardo da Vinci (“Trattato della pittura”, pubblicato postumo), Albrecht Dürer (Quattro libri sulle proporzioni umane, 1528). Critica alla teoria architettonica di Vitruvio nei "Dieci libri sull'architettura" (1485) di Leon Baptiste Alberti. L'"Accademia del Valore" vitruviana e la sua attività nello studio e nella traduzione dell'opera di Vitruvio. Trattato di Giacomo da Vignola "La Regola dei Cinque Ordini dell'Architettura" (1562). Quattro libri sull'architettura (1570) di Andrea Palladio è un classico epilogo nella storia dell'architettura rinascimentale. Il ruolo di Palladio nello sviluppo delle idee architettoniche del barocco e del classicismo. Palladio e il palladianesimo.
12. Le tappe principali nella formazione della storia storico-artistica in epoca moderna: da Vasari a Winckelmann: “Vite dei più eminenti pittori, scultori e architetti” Giorgio Vasari (1550, 1568) come opera fondamentale nella storia della formazione della critica d'arte. "Il Libro degli Artisti" di Karel Van Mander come continuazione delle biografie di Vasari basate sulla materia della pittura olandese.
13. Pensatori del XVIII secolo sui problemi della formazione dello stile nell'arte, sui metodi artistici, sul posto e sul ruolo dell'artista nella società: il razionalismo nella storia dell'arte. La teoria classica di Nicolas Poussin. Il programma teorico del classicismo nell'"Arte poetica" di Nicolas Buallo (1674) e "Conversazioni sui pittori più famosi, antichi e nuovi" di A. Feliben (1666-1688).
14. Il secolo dei Lumi (XVIII secolo) e problemi teorici e metodologici dell'arte. Formazione di scuole nazionali nel quadro della teoria generale dell'arte. Sviluppo della critica d'arte in Francia. Il ruolo dei Salons nella vita artistica francese. Recensioni dei Salons come principali forme di letteratura critica sulle belle arti. Controversie sui compiti della critica d'arte (valutazione della creatività o educazione del pubblico). Caratteristiche della storia dell'arte tedesca. Contributo alla teoria delle belle arti di Gotthold Ephraim Lessing. Trattato "Laocoonte" (1766) e il problema dei confini tra pittura e poesia. Introduzione del concetto di “belle arti” invece di “belle arti” (spostando l'accento dalla bellezza alla verità ed evidenziando la funzione figurativo-realistica dell'arte). L'importanza dell'attività di Johann Joachim Winckelmann per lo sviluppo della scienza storica dell'arte. La concezione winckelmanniana dell'arte antica e la periodizzazione del suo sviluppo.
15. Origini del pensiero russo sull'arte. Informazioni su artisti e monumenti artistici nelle cronache medievali russe e nelle fonti epistolari. Sollevare domande sull'arte nella vita sociale e politica del XVI secolo. (Cattedrale di Stoglavy del 1551 e altre cattedrali) come prova del risveglio del pensiero critico e della lotta di varie tendenze ideologiche.
16. Un cambiamento radicale nell'arte russa del XVII secolo: la formazione degli inizi di una visione del mondo secolare e la prima conoscenza delle forme europee di cultura artistica. Formazione del pensiero artistico e teorico. Capitolo "Sull'iconografia" nella "Vita" di Avvakum. "Saggio sull'arte" di Joseph Vladimirov (1665-1666) e "La parola al curioso dipinto di icone" di Simon Ushakov (1666-1667) sono le prime opere russe sulla teoria dell'arte.
17. Formazione attiva di nuove forme di cultura secolare nel XVIII secolo. Appunti
J. von Stehlin è il primo tentativo di creare una storia dell'arte russa.
18. Nuova comprensione romantica dell'arte negli articoli critici di K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevskij, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.
19. Storia dell'arte della fine del XIX e XX secolo: tentativi di sintetizzare le conquiste della scuola formale con i concetti dei suoi critici - "scienza strutturale" degli stili artistici. Approccio semiotico nella storia dell'arte. Caratteristiche dello studio semiotico delle opere d'arte nelle opere di Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, BA Uspensky. La varietà di metodi per studiare l'arte nella moderna scienza domestica. Principi di analisi di un'opera d'arte e un approccio problematico allo studio della storia dell'arte nelle opere di M. Alpatov (“Problemi artistici dell'arte dell'antica Grecia”, “Problemi artistici del Rinascimento italiano”). Sintesi degli approcci metodologici (stilistici formali, iconografici, iconologici, sociologici) di V. Lazarev. Metodo di ricerca storico-comparativo nelle opere di D. Sarabyanov (“Pittura russa del XIX secolo tra le scuole europee. L'esperienza della ricerca comparativa”). Approccio sistematico all'arte e alle sue caratteristiche.
1. Alekseev V.V. Cos'è l'arte? Su come un pittore, un grafico e uno scultore raffigurano il mondo. – M.: Arte, 1991.
2. Valeri P. A proposito dell'art. Collezione. – M.: Arte, 1993.
3. Vipper B.R. Introduzione allo studio storico dell'arte. – M.: Arti visive, 1985.
4.Vlasov V.G. Stili nell'arte - San Pietroburgo: 1998.
5.Zis A.Ya. Tipi d'arte. – M.: Conoscenza, 1979.
6.Kon-Wiener. Storia degli stili delle belle arti. - M.: Svarog e K, 1998.
7. Melik-Pashaev A.A. Dizionario-riferimento moderno sull'arte. – M.: Olimp – AST, 2000.
8. Janson H.V. Fondamenti di storia dell'arte. – M.: Arte, 2001.
Tema 2. Arte del mondo antico. Arte dell'era del primitivo sistema comunale e dell'Antico Oriente.
Domande:
1. Periodizzazione dell'arte della società primitiva. Caratteristiche dell'arte primitiva dell'epoca: Paleolitico, Mesolitico, Neolitico, Bronzo.
2. Il concetto di sincretismo nell'arte primitiva, suoi esempi.
3. Leggi generali e principi dell'arte dell'Antico Oriente.
4. Arte dell'antica Mesopotamia.
5. L'arte degli antichi Sumeri.
6. Arte dell'antica Babilonia e Assiria.
Problemi di discussione:
1. Fornire una breve panoramica della periodizzazione dell'arte primitiva. Quali sono le caratteristiche dell'arte di ciascun periodo?
2. Descrivere le caratteristiche principali dell'arte primitiva: sincretismo, feticismo, animismo, totemismo.
3. Confronta i canoni nella raffigurazione di una persona nell'arte dell'antico Oriente (Egitto e Mesopotamia).
4. Quali sono le caratteristiche delle belle arti dell'antica Mesopotamia?
5. Raccontaci dell'architettura della Mesopotamia sull'esempio di monumenti specifici:
la ziggurat di Etemenniguru a Ur e la ziggurat di Etemenanki a New Babylon.
6. Raccontaci della scultura della Mesopotamia sull'esempio di monumenti specifici: le mura lungo la Via della Processione, la Porta di Ishtar, i rilievi del Palazzo Assurnasirpal a
7. Qual è il tema delle immagini scultoree in rilievo della Mesopotamia?
8. Qual era il nome dei primi monumenti architettonici babilonesi? Qual era il loro
appuntamento?
9. Qual è la peculiarità della cosmogonia della cultura sumero-accadica?
10. Elenca i risultati nell'arte della civiltà sumero-accadica.
1. Vinogradova N.A. Arte tradizionale dell'Oriente. - M.: Arte, 1997.
2. Dmitrieva N.A. Breve storia dell'arte. Problema. 1: Dall'antichità al XVI secolo. Saggi. – M.: Arte, 1985.
3. Arte dell'Antico Oriente (Monumenti dell'arte mondiale). – M.: Arte, 1968.
4. Arte dell'Antico Egitto. Pittura, scultura, architettura, arti applicate. – M.: Arti visive, 1972.
5. Arte del mondo antico. – M.: 2001.
6. Storia dell'arte. Le prime civiltà - Barcellona-Mosca: OSEANO - Beta-Service, 1998.
7. Monumenti dell'arte mondiale. Numero III, prima serie. Arte dell'Antico Oriente. - M.: Arte, 1970.
8.Pomerantseva N.A. Fondamenti estetici dell'arte dell'antico Egitto. – M.: Arte, 1985.
9. Stolyar d.C. Origine delle belle arti. – M.: Arte, 1985.
Che cos’è la bellezza? Questa domanda se la sono posta in tanti.
La bellezza è stata cercata... E la bellezza è stata trovata. Suo
cantava e lo imprimeva. bellezza tutt'intorno
persona. Evoca gioia e stupore
le nostre anime.. Come conservarle?
esprimere?Come acquisire? Per un aiuto
l'arte arriva all'uomo.
Una delle arti più potenti
è un dipinto che riflette
realtà sull'aereo con l'aiuto
colori.
Una breve storia della pittura moderna.
Come l'arte moderna, modernadipinto nella sua forma attuale
costituita negli anni '60 e '70. camminava
ricerca di alternative al modernismo, spesso
furono introdotti anche principi opposti.
I filosofi francesi hanno coniato il termine
“postmodernismo” e a questa tendenza
Molti artisti hanno aderito.
I fenomeni più notevoli dell'arte degli anni '60 e '70
concept art in acciaio e
minimalismo. Negli anni '70 si è verificato un aumento
orientamento sociale dell'arte
processi. Ciò si è manifestato nel contenuto degli argomenti che
allevato da artisti; composto da: la maggior parte
un fenomeno notevole di questo tempo è il veminismo e
anche l'attività delle minoranze etniche e
gruppi sociali. Negli anni '70 e '80 sembrava che la gente lo facesse
stanco di concept art e
gradualmente tornò alla figuratività, al colore
e figuratività. A metà degli anni '80, lì
l’ascesa dei movimenti che utilizzano le immagini
cultura popolare: campismo, arte Eastvillage e neo-pop. fiorisce
fotografia: sempre più artisti iniziano
usarlo come strumento
espressione artistica.
L'arte reale
In Russia negli anni '90 esisteva il termine “realearte". Significava
innovazione nell'arte contemporanea nelle idee e
mezzi tecnici. È diventato rapidamente obsoleto e
la questione del suo ingresso nella storia del moderno
l'arte del XX o XXI secolo è aperta. In
attribuito a molte opere d'arte contemporanea
tratti di avanguardia. Alcuni wow
l'arte contemporanea lo è stata spesso
soggetto a critiche istituzionali. IN
Russia, questo tipo di attività è praticamente
assente.
Avdey Ter-Oganyan “Marx ed Engels sull'arte” (un esempio di critica istituzionale).
Opere dalla collezione di Viktor Bondarenko.
Opere dalla collezione di Viktor Bondarenko.
pittura metafisica.
Antenato della pittura metafisicaè Giorgio de Chirico, che è ancora presente
durante il suo soggiorno a Parigi nel 1913-1914 creò urbani a chiazze
paesaggi; la sua serie “Luoghi d’Italia”
ha dato una dimensione fantastica
classica italiana convenzionale
architettura, ricreata da lui nei dipinti. IN
i paesaggi urbani trasmettevano la sensazione
quiete inquietante del mondo, la sua
alienazione dall'uomo.
J. de Chirico “La malinconia della strada” (1914)
"Malinconia della strada"indicare
aspirazione dell'autore
riempire di più
situazioni quotidiane
sensazione
pericolo e
irrealtà.
Morandi. Natura morta con manichino. 1918
Astrattismo.
La direzione dell’arte non figurativa,a cui si è rifiutato di avvicinarsi
forme di immagine della realtà della pittura
e scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è
realizzare “armonizzazione”, creare
alcune combinazioni di colori e
forme geometriche da evocare
contemplatore una varietà di associazioni.
Candiano. Cosacchi (dettaglio della composizione IV), 1910
L'artista ha detto che leiin base alle impressioni
dall'ingresso dei cosacchi a Mosca
durante il rivoluzionario
eventi del 1905-1906.
Questo lavoro si riferisce
semiastratto. IN
angolo in alto a sinistra - due
Cosacchi con sciabole. Sulla destra
- due con picche e uno con
sciabola su sfondo blu
la collina su cui sorge
casa. L'arcobaleno è il ponte.
Malevich. Quadrato nero. 1915
Il quadrato nero di Malevich.
Malevich divenne l'autore del più famoso, il piùl’immagine misteriosa e più spaventosa del mondo
- Quadrato Nero. Con un semplice movimento
i pennelli gli sono rimasti una volta per tutte impenetrabili
linea, segnava il divario tra il vecchio
l'arte e il nuovo, tra l'uomo e i suoi
ombra, tra una rosa e una bara, tra la vita e
morte. Nelle sue stesse parole, "ha portato
tutto a zero." Zero per qualche motivo si è rivelato essere
quadrato, e questa semplice scoperta è una delle
gli eventi più spaventosi di sempre nell'arte
la storia della sua esistenza.
Cubismo.
Direzione d'avanguardia nella pittura 20secolo, caratterizzato dall'uso
condizionale enfaticamente geometrizzato
forme, il desiderio di “spaccare” il reale
oggetti in primitive stereometriche.
L'emergere del cubismo è tradizionalmente datato
1906-1907 E sono associati all'opera di Pablo
Picasso e Georges Braque. Il termine "cubismo"
apparve nel 1908 dopo
ha chiamato il critico d'arte Louis Vaucelles
nuovi dipinti del Matrimonio “cubico
stranezze."
Pablo Picasso. Ragazze di Avignone. 1907
Juan Gris. Colazione.
A. Archipenko. Gondoliere.
Surrealismo.
Una nuova direzione nella pitturaformatosi all'inizio degli anni '20
Francia. Si distingue per l'uso di allusioni
e combinazioni paradossali di forme.
Il concetto base del surrealismo, la surrealtà
- la combinazione di sogno e realtà. Per questo
i surrealisti proponevano l’assurdo,
la contraddizione di combinare naturalistico
immagini attraverso collage e tecnologia
"già pronto". I surrealisti furono ispirati
ideologia della sinistra radicale. Arte
pensavano che fossero lo strumento principale
liberazione.
Salvador Dalì.Un sogno ispirato al volo di un'ape.
Max Ernesto. L'angelo del focolare o il trionfo del surrealismo, 1937
René Magritte Il figlio dell'uomo 1964
Magritte ha dipinto questo dipinto come un autoritratto. SUraffigura un uomo con cappotto e cappello, in piedi vicino a un muro, dietro il quale
Puoi vedere il mare e il cielo nuvoloso. volto umano
quasi completamente coperto dallo slancio
davanti a lui c'è una mela verde. Con il suo nome
si ritiene che l'immagine sia dovuta all'immagine
un moderno uomo d'affari rimasto figlio
Adamo e una mela che simboleggia
tentazioni che continuano a tormentarmi
l'uomo nel mondo moderno.
Moderno (modernismo)
Direzione artistica nell'arte, altro ancorapopolare nella seconda metà del XIX - inizio XX
secolo .. L'Art Nouveau ha cercato di combinare artistico e
funzioni utilitaristiche delle opere create,
coinvolgere tutte le sfere di attività nella sfera della bellezza
persona.
La pittura Art Nouveau è caratterizzata da una combinazione
sfondi ornamentali "tappeto" e
tangibilità naturalistica di figure e dettagli,
silhouette, l'uso di grandi colori
piani o monocromi finemente sfumati.
La scultura si distingue per la dinamica e la fluidità delle forme
Art Nouveau, un gioco virtuoso di linee e silhouette fragili
- arti grafiche.
M. A. Vrubel Zhemchuzhina 1904
M. A. Vrubel Zhemchuzhina 1904
In questo lavoro, Vrubel cerca la natura. naturalontano dalla vita delle persone, dove le persone stesse
anche le figure sono rese magiche e
non vicino a noi. Nessun calore di intimità
splendore lontano, ma molta tentazione, molta
nuovi modi: ciò di cui abbiamo bisogno. Questo
"Perla" è anche piena di tentazioni. Di più
che mai in esso Vrubel si avvicinò
la natura nella sua trasmissione più sottile, eppure no
si allontanò dalla sua solita magia.
A. Mukha. Danza
A. Mukha. DanzaA. Mucha. La principessa Giacinto
arte ottica
Movimento artistico della seconda metà degli anni '20secolo, utilizzando vari visual
illusioni basate sulle caratteristiche
percezione del piatto e dello spaziale
figure. La corrente continua
linea tecnologica razionalistica
(modernismo). L’Op-art è una delle varietà
arte cinetica; Arte op. tende a
ottenere l'illusione ottica del movimento
oggetto d'arte immobile di
impatto psicofisiologico su
spettatori, la loro attivazione.
Arti e mestieri popolari russi.
Secolo.
intaglio del legno. Mobili, utensili, strumenti erano di legno, furono erette capanne. La gente ha sviluppato molte tecniche di intaglio: geometrico, tra parentesi, passante, in rilievo, ecc. I tetti delle capanne contadine erano coronati da sculture monumentali di cavalli e uccelli. Utensili in legno intagliato e scavato(ciotole, vasi figurati, doghe - ciotole profonde con coperchio).
Dipinto su legno e rafia. Dipingevano piatti, filatoi, armadietti, culle, cassapanche, slitte. C'erano due dipinti: pittoresco e grafico. Dal pittoresco - dipinto Khokhloma con colori ad olio su utensili in legno cesellato. Cucchiai, ciotole, ciotole Khokhloma
Intaglio di ossa. Nel Mar Bianco veniva estratto materiale: la zanna di tricheco, che contribuì al successo della scultura delle ossa. Le principali tecniche per decorare i prodotti sono l'incisione e il rilievo piatto. Raffiguravano animali, intere scene di caccia, bevute di tè, passeggiate, scene bibliche. Dipinsero tabacchiere, varie scatole, a volte a forma di scarpe, a volte cuori, pettini, cofanetti, ventagli. Per la vita contadina vengono realizzati prodotti economici: pettini, cofanetti a forma di torri, orecchini.
Ceramica. Sono impegnati nella ceramica, scolpiscono giocattoli. I piatti smaltati di nero di colore blu-nero, ottenuti dall'azione di una fiamma fumante, sono decorati con lucidatura - solida o ornamentale. Ciotole, brocche, rukomoi. Le forme semplici delle ceramiche smaltate sono ravvivate da smalti colorati, verdi, rosso-bruni, che si stendono durante la cottura. Maiolica di Gzhel - prodotti realizzati in argilla colorata, ricoperti da una composizione vetrosa opaca - smalto. Raffigura: case, uccelli, animali, alberi, erbe, fiori.
Giocattolo. Uno dei più grandi centri per la produzione di giocattoli in legno dipinti era Trinity-Sergiev Posad. Sergio fischia, uccelli, pattini, bambole. Al 2° piano 19esimo secolo si diffuse il giocattolo in maiolica di Gzhel. Veniva modellato a mano o in stampi a doppia foglia. giocattolo di argilla- donne con gonne a cono, cavalieri, uccelli. . erano famosi Giocattoli Vyatka(Sloboda Dymkovo) - gentiluomini di argilla su un cavallo con un cappello, dame importanti, portatori d'acqua, uccelli, animali semi-fatali.
Tessuti, ricami, pizzi. tessitura a mano- su un telaio manuale, le donne tessevano tele, lino, tessuti a motivi geometrici. Materiale: lino, canapa, cotone. I tessuti erano decorati con motivi intrecciati e tacchi. La base della tessitura a mano è l'intreccio secondo il conteggio dei fili: verticale e orizzontale. Camicie, grembiuli, asciugamani, lenzuola erano decorati con tessuti a motivi geometrici. tacco- un metodo per applicare un motivo al tessuto mediante una tavola intagliata, precedentemente rivestita di vernice. Ricamo decorazione di abiti festivi e articoli per la casa: asciugamani, sciarpe, tovaglie. I ricami in oro erano decorati con copricapi nuziali. Pizzo negli abiti festivi e negli articoli per la casa viene utilizzato insieme al ricamo. Il primo pizzo Mikhailovsky, denso e semplice nella tecnica (era tessuto con fili di lino o cotone ruvidi). Il famoso pizzo Vologda (gli elementi del motivo - un fiore che ricorda una camomilla, un uccello stilizzato - una pavona, sono disposti con una treccia - una vilyushka).
L'architettura della Bielorussia.
Architettura moderna 1990 all'inizio. Gli anni 2000 sono caratterizzati da ricerche innovative. Si registrano cambiamenti nella concezione urbanistica: lo sviluppo della struttura urbanistica delle città passa attraverso il passaggio al sistema “città-periferia”. Il ruolo della costruzione di edifici residenziali bassi e individuali è in crescita. Ricevuta la distribuzione delle tangenziali stradali che consentono di aggirare la città (Logoisk, Kobryn, Gomel). La scultura e la coloristica (monumenti ai principi David a Daivd-Gorodok, Boris a Borisov, F. Skoryn, M. Gusovsky e K. Turovsky nel cortile interno della BSU) erano ampiamente diffuse. Dall'inizio 2000 la formazione dell'aspetto artistico delle città bielorusse viene effettuata utilizzando mezzi grafici e illuminazione decorativa, che fungono da guida nello spazio, svolgono funzioni informative, aprono nuove sfaccettature estetiche di edifici e strutture (edifici su Independence Avenue, Partizansky, Pobediteley - a Minsk, la Cattedrale di Pietro e Paolo e il Palazzo Rumyantsev - paskevichs a Gomel, la stele della Vittoria a Mozyr), la chiesa nel nome del monaco Eufrasinia Principessa di Polotsk a Minsk, la Chiesa della Santa Epifania a Grodno. Tra i nuovi materiali da costruzione vengono utilizzati vetri colorati e specchiati (Palazzo del ghiaccio a Minsk, Gomel, Grodno, Zhlobin, Vitebsk), l'edificio principale della stazione ferroviaria, il centro uffici del 21° secolo a Minsk, l'edificio della National Biblioteca a Minsk. I design moderni si basano su una combinazione di telai metallici, vetri esterni e pareti che svolgono una funzione utilitaristica e decorativa. A causa della varietà di materiali da costruzione, la costruzione di alloggi viene effettuata utilizzando strutture in cemento armato, costruzione di pannelli e mattoni. Vengono rianimati gli edifici residenziali alti, bassi e individuali costruiti secondo progetti standard. Nel 1992-1997 nel comune di Distretto di Ross Volkovysky. La costruzione di singole case residenziali di tipo cottage nelle aree suburbane (insediamenti di Borovlyany, Novinki, regione di Minsk) è diventata molto diffusa. L'architettura dei cottage incarna i motivi del barocco, del classicismo, dell'art nouveau, del gotico e dell'architettura popolare. Nel 2000 è stato costruito un complesso commemorativo per i soldati-guardie di frontiera a Grodno e un segno architettonico "Partigiani bielorussi a Minsk". La costruzione dell'edificio principale della stazione ferroviaria di Minsk architetti - Kramarenko, Vinogradov, hanno ricevuto il Premio di Stato B. 2004.
I monumenti architettonici includono: Castello di Mir, Castello di Nesvizh, Castello di Grodno, Canale Aginsky, Mura della fortezza a Grodno, Chiesa dell'Annunciazione a Vitebsk, Castello di Lida, Chiesa di Teresa a Shchuchin.
Arti visive alla fine del XX secolo e all'inizio del XXI secolo.
Nella seconda metà degli anni '80 del XX secolo presero forma tutte le principali tendenze delle belle arti del XX secolo. - inizio del 21° secolo: pittura sacra, compresa la pittura di icone (N. Mukhin, V. Balabanov, I. Glazunov, E. Maksimov, V. Shilov); "scuola di studio" di pittura, caratterizzata dal tradizionale paesaggio russo (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Polotnov); avanguardia (Zlotnikov, Yankilevskij, Nasedkin); Postmoderno russo (Dubov, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko); "arte contemporanea". Una caratteristica delle belle arti della fine del XX-XXI secolo. è che si è liberato dall’oppressione della censura, dall’influenza dello Stato, ma non dall’economia di mercato. Se in epoca sovietica agli artisti professionisti veniva fornito un pacchetto di garanzie sociali, i loro dipinti venivano acquistati per mostre e gallerie nazionali, ma ora possono contare solo sulle proprie forze.
Nel 1947 fu istituita l'Accademia delle Arti. Negli anni '50 fu installato un sistema rigido. Un artista che studia all'università deve attraversare una serie di fasi.
Fase 1: diplomato alla scuola d'arte
Fase 2: diplomato in una scuola o istituto d'arte.
Termina la tua formazione con una grande immagine tematica. Quindi diventa membro dell'Unione degli artisti. Presentano periodicamente i loro nuovi lavori alla mostra ufficiale. Lo Stato era il principale cliente delle opere artistiche dei maestri. Alla fine degli anni '50, sopra Mosca si ergevano grattacieli con guglie. Si chiamavano Highlands. Erano 7. 1967 A Mosca viene costruita la torre televisiva Astana. Progetto automobilistico Nikitin 1907-1973 questo architetto partecipò alla costruzione dei complessi del Palazzo della Cultura a Varsavia, il monumento "La Patria chiama!" torre della televisione e ristorante "Settimo Cielo". Cominciarono ad apparire complessi residenziali che ricordavano la cultura postmoderna dell'Occidente. Poi a Mosca l'architettura a blocchi fu sostituita da una varietà di forme e stili di materiale (vetro). La Biblioteca Nazionale è stata costruita in stile high-tech a Minsk nel 2002. Particolarmente popolare è lo stile di Mosca: la restaurata Cattedrale di Cristo Salvatore, che è in cima alla lista delle più grandi. Ma il progetto più grandioso a Mosca è "CITY" con dozzine di grattacieli. Nel 21 ° secolo viene realizzato un edificio di 25 piani. Il complesso Khatyn (Silikhanov, Zankovich) è in fase di restauro. "Fortezza di Brest" - hanno preso parte gli scultori Volchok, Sysoev, Zankovich, Nazarov - Bobyl, Bembel. Wablio cominciò a diffondersi nella pittura. Questo è un genere di disegni ironici, che include un'eco verbale del popolare film Gugarev, la sua opera "Night Watch". Il periodo successivo è l’egocentrismo. Innovazione e conformismo si hanno quando nelle opere si può rintracciare una metafora e un concetto, che sono stati sostituiti da indicazioni tematiche. A. Bosolyga - "Preghiera". Nel 21 ° secolo, il cristianesimo sta tornando, l'icona viene ripresa, i templi e le chiese vengono restaurati. Nella scuola moderna del 21° secolo non c’è alcuna influenza dell’arte dell’Europa occidentale. Nella grafica, una linea libera è un gioco intellettuale di linee. Y. Podolin "Lyusterka". Nel 21° secolo, piccole forme di cartoline, annunci, poster e grafica di libri stanno rivivendo nella grafica. Appare un'immagine a colori. Lo sviluppo riceve la grafica del computer. In questa direzione: Borozna, Yakovenko. La grafica stampata ha indebolito lo sviluppo della litografia, attualmente eseguita su lastre di metallo. Autore Zventsov "Fondamenti di grafica". La fotografia artistica è in ripresa e ha un forte impatto sulla grafica. Si sviluppa l’arte intuitiva.
Saggio nella disciplina accademica "Culturologia"
sul tema: "Pittura russa dei secoli XX-XXI".
Piano
1. Introduzione.
2. Le principali tendenze della pittura del XX secolo e i loro brillanti rappresentanti.
3. La storia della creazione del Museo statale di belle arti Pushkin di A. S. Pushkin.
4. Pittura della Russia del XXI secolo.
5. conclusione.
6. Elenco dei riferimenti.
1. Introduzione.
La pittura russa del XX-XXI secolo è un fenomeno estremamente complesso, in cui si intrecciano varie tendenze, generi, nomi, eventi, associazioni. Nel complesso, ciò costituisce un quadro piuttosto eterogeneo, che riflette tutti i cambiamenti e le tendenze che hanno avuto luogo nella società russa.
La pittura domestica è un intero panorama che porta non solo un'immagine estetica esterna, ma anche una ricchezza spirituale interna. Ciascuno dei rappresentanti significativi dell'arte russa merita il suo spettatore e il suo ricercatore. E anche i dipinti del realismo socialista, che oggi, a causa di un cambiamento ideologico, possono sembrare estranei all'uomo moderno, non dovrebbero essere esclusi dallo studio e dal programma estetico per diversi motivi. Si rivelano testimoni e incarnazione degli eventi storici del recente passato. Ma queste tele sono preziose anche per le loro qualità artistiche. Questo non può essere negato e cancellato.
Un'ondata di fenomeni interessanti nella pittura degli anni '70 -'80. testimonia il fatto che l'arte domestica era irta di notevoli potenzialità che, nonostante tutti gli ostacoli e i divieti, riuscirono a sfondare.
Anche il declino generale degli anni '90 non è diventato un ostacolo completo allo sviluppo della pittura. Molte cose superficiali e mediocri iniziarono a scomparire nel tempo e gli anni 2000, grazie a un cambiamento radicale, ricevettero una rinascita delle tradizioni filantropiche e spirituali. Oggi ci sono tutte le condizioni per lo sviluppo della pittura: l'assenza di divieti, molte istituzioni educative, la rinnovata pratica delle commissioni private, un numero enorme di gallerie dove esporre. La parola principale del nuovo dipinto russo deve ancora venire.
2. Le principali tendenze della pittura del XX secolo e i loro brillanti rappresentanti.
Il declino dell’Impero russo fu accompagnato, in senso lato, dall’opposizione tra i principi della luce e quelli dell’oscurità. La cultura, essendo una sorta di indicatore dei cambiamenti nella società, ha immediatamente risposto a ciò che stava accadendo nel Paese.
Insieme alle opere dell'età dell'argento, che avevano un indubbio significato estetico e artistico, c'era un numero considerevole di dipinti privi di significato. Molto spesso gli esperimenti nel campo della pittura hanno letteralmente oltrepassato il limite, oltre il quale si sono perse le linee guida morali e sono state create opere essenzialmente ostili all'uomo.
Per evitare confusione, le numerose tendenze della moda emerse all'inizio del XX secolo furono divise in due aree principali: avanguardia e modernismo.
L'inizio del XX secolo è il trionfo dell'Età dell'Argento, il cui inizio fu segnato dalla nascita dell'associazione artistica "World of Art". Comprendeva l'élite dell'epoca, i migliori critici, pubblicisti, musicisti e, ovviamente, artisti di questo periodo: A.N. Benois (1870 - 1960), M.V. Dobuzhinsky (1857-1957), L.S. Bakst (1866-1924), K.A. Somov (1869-1939), E.E. Lansere (1875-1946) e altri: ognuno di loro ha portato qualcosa di proprio a questo gruppo di persone che la pensano allo stesso modo. Cominciarono a chiamarsi "Mondo dell'Arte", sottolineando la loro appartenenza alla comunità in cui si svolgevano, e allo stesso tempo dando loro il dovuto come creatori della stravaganza di infinite fantasie, stilizzazioni di improvvisazioni.
Le attività del "Mondo dell'Arte" erano dirette contro la creatività dei Vagabondi. Consideravano le loro tradizioni obsolete. Anche S.P. fece parte delle principali figure dell'associazione. Diaghilev (1872-1929), nonostante non fosse un artista. Tuttavia, grazie a lui, furono organizzate mostre regolari di partecipanti al World of Arts, e in seguito iniziò a essere pubblicata una rivista con lo stesso nome, ogni numero della quale può essere definito un capolavoro. Il concetto di "mondo dell'arte" è una combinazione di antiche tradizioni nobili e cultura raznochintsy. La gamma delle loro attività era ampia e comprendeva sia la pittura di icone che la pittura moderna.
Il simbolismo era un altro aspetto dell'arte russa all'inizio del XX secolo. Gli artisti di questo Commonwealth erano uniti in un gruppo chiamato "Blue Rose" - dal nome della loro mostra nel 1907. I simbolisti vedevano il loro obiettivo nel ricordare alle persone un'altra vita: alta, inaccessibile, quella che si trova nel mondo montano. Il compito dei simbolisti era familiarizzare i loro spettatori con questa vita, personificando il bello. I membri della comunità erano S.Yu. Sudeikin (1882-1964), N.P. Feofilaktov (1878-1941), M.A. Borisov-Musatov (1870-1905), M.A. Vrubel (1856-1910), M.S. Saryan (1880-1972) e altri.
Un altro importante fenomeno artistico dovrebbe essere chiamato la comunità del Fante di quadri. I rappresentanti dell'associazione - artisti di Mosca - si sono uniti per portare avanti la ricerca della vera arte, che, a loro avviso, consisteva nel percorso post-impressionista. Allo stesso tempo, hanno consentito e sostenuto altre tendenze artistiche: fauvismo, cubismo, arte popolare primitiva, incluso il lubok russo. L'organizzatore del "Jack of Diamonds" dovrebbe chiamarsi M.P. Larionov (1881-1964) e i partecipanti più importanti - P.P. Konchalovsky (1876-1956), A.V. Kuprin (1880 - 1960), i fratelli Burliukov, I.I. Mashkov (1881 - 1964), R.R. Falka (1856-1958), A.V. Lentulov (1882-1943).
Una sfida in tutte le direzioni è stata lanciata dagli artisti d'avanguardia che hanno cercato di abbandonare tutte le regole e le norme precedenti. Il colore della pittura d'avanguardia russa è M. Larionov, N. Goncharova, V. Kandinsky, K. Malevich, P. Filonov. Dopo aver proclamato una nuova arte libera, hanno tenuto con entusiasmo riunioni rumorose al Museo Politecnico di Mosca, dove hanno avuto luogo le loro accese discussioni sull'arte.
I rappresentanti dell'avanguardia, ciascuno a modo suo, hanno creato un complesso caleidoscopio di macchie di colore, che si sono divise in angoli, linee, punti luminosi di figure, allontanandosi sempre più dal mondo reale e da un'immagine riconoscibile. Le persone in bilico sulla città nei dipinti di M. Chagall, gli umori cubisti di R. Falk, che costruiscono i loro ritratti e nature morte su forme volumetriche rifratte sul piano; mappa dell'emisfero settentrionale sotto il soffitto della Cattedrale di Sant'Isacco di P. Filonov - tutti questi esperimenti testimoniavano il rifiuto delle solite immagini, il desiderio di non oggettività [Soloviev; 606 - 607].
Nonostante tutte queste vivide manifestazioni di nuovi stili e tendenze, non si può dire che il realismo si sia fermato nel suo sviluppo. All'inizio del secolo, I.E. Repin (1844-1930), V.A. Serov (1865-1911). I maestri più singolari di quel tempo, inclusi per sempre nella storia dell'arte, sono M.A. Vrubel (1856-1910), nei cui dipinti vengono magicamente trasmessi la bellezza del mondo, il mistero della vita umana e la grandezza del suo spirito; K.A. Korovin (1861-1939), che riuscì a trasmettere magistralmente sulle sue tele l'impressione sfuggente, immediatamente lampeggiante e sfuggente del gioco e della luce; V.E. Borisov-Musatov (1870-1905) - un rappresentante del simbolismo e un cantante di contemplazione, dolce tristezza e poesia.
Il corifeo della pittura russa è B.M. Kustodiev (1878-1927), nei cui dipinti vengono catturate per sempre la vita delle province russe e le conseguenze fatali degli eventi rivoluzionari. Scene della vita di mercanti e borghesi, dipinte con gusto e succosità, fanno un'impressione incredibile con la loro freschezza e festosità.
Un contributo significativo allo sviluppo della pittura è stato dato da un'associazione chiamata Unione degli artisti russi, che comprendeva A.E. Arkhipov (1862-1930), K.A. Korovin (1861-1939), L.V. Turzhansky (1875-1945), S.A. Vinogradov (1869-1938), K.F. Yuon (1875-1958), S.Yu. Zhukovsky (1873-1944) e altri. I membri di questa associazione hanno privilegiato il paesaggio, continuando organicamente le tradizioni di questo genere, che risalgono al XIX secolo.
L'aspetto e l'unificazione, che è un prodotto dell'epoca, erano logici. Nel 1922 fu fondata l'AHRR, l'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria. Vedevano il loro scopo, secondo la dichiarazione, nella pittoresca documentazione del processo di formazione e formazione della Russia sovietica in modo realistico. L'Associazione ha rifiutato le ricerche d'avanguardia e di altro tipo. L'Associazione comprendeva la P.A. Radimov (1887-1967), E.A. Katzman (1890 - 1976), G.K. Savitsky (1887-1949), E.M. Cheptsov (1874-1950), I.I. Brodsky (1884-1939), F.S. Bogorodsky (1895-1959), A.M. Gerasimov (1881-1963) e altri.
In futuro, questa direzione diventerà dominante per molti anni a venire. L'associazione esistette fino al 1929, ma il suo crollo non significò la fine della "documentazione" della vita sovietica, ma, al contrario, la sua continuazione attiva. Negli anni '30. Nel 20° secolo, il realismo socialista ha messo radici. Non si parlava più di tendenze non ufficiali nella pittura. Inoltre, l'arte veniva ora selezionata secondo criteri ideologici e ideologici. La cosa principale non era lo stile, il modo, il linguaggio artistico, ma la partigianeria e l'espressione dell'idea socialista di costruire una società.
Durante questo periodo, artisti come A.A. Deineka (1899-1969), B.V. Ioganson (1893-1973), Yu.I. Pimenov (1903-1977). Tra le direzioni, la pittura da cavalletto e quella monumentale diventano dominanti. Tuttavia, il genere storico (S. Gerasimov), il tema popolare (A. Plastov), il genere quotidiano (Yu.I. Pimenov) e il genere del ritratto (P.P. Konchalovsky, M.V. Nesterov, P. D. Korin) . Tuttavia, nella pittura russa rimangono ancora maestri unici, che sono in continua ricerca (K.S. Petrov-Vodkin, 1878-1939).
Negli anni Quaranta, lo sviluppo della pittura, come altri tipi di arte, fu subordinato al principale tragico evento di quel tempo: la Grande Guerra Patriottica. Durante questo periodo, si sviluppò non solo la pittura su un tema eroico, ma anche una caricatura, un poster (i rappresentanti più brillanti sono i Kukryniksy), nonché artisti che entrarono nello studio di artisti militari intitolati a M.B. Grekov (1882-1934). La pittura di battaglia trova una degna incarnazione nelle loro opere (A.A. Deineka, A.A. Plastov, K.F. Yuon, P.D. Korin, A.P. Bubnov).
Negli anni '30. gg. lo sviluppo del realismo socialista continua. Gli artisti più importanti di questo periodo prediligono temi storici, per cui viene alla ribalta il genere storico-rivoluzionario. La guerra passata ha acuito i sentimenti patriottici degli artisti, il che spiega il loro interesse per la storia della patria e le sue trame.
Il tema leninista si riflette (V.A. Serov "Walkers vicino a Lenin"; lavoro collettivo sotto la guida di B. Ioganson "Discorso di V.I. Lenin al III Congresso del Komsomol").
Si nota un'interessante sintesi di generi quotidiani e storici (B.M. Nemensky, Yu.M. Neprintsev, A.I. Laktionov). Come manifestazione speciale della vita del popolo sovietico sopravvissuto alla guerra e vinto, sorge il tema del lavoro pacifico e della vita pacifica. Queste tele sono piene di luce, felicità, gioia silenziosa. Queste sono le foto di A.A. Plastova, T.N. Yablonskaya, S.A. Chuikov.
L'instaurazione di una vita pacifica ha permesso di rivolgersi nuovamente alle gioie della vita, alla bellezza della natura nativa, per cui il genere paesaggistico acquisisce il suo significato originale nella sua lettura lirica (in contrasto con la funzione di sfondo sulla battaglia tele della Grande Guerra Patriottica). A questo proposito G.G. Nissky, N.M. Romadin, V.V. Meshkov. P. Korin è ancora leader nel genere dei ritratti. Periodo degli anni '40. è anche significativo che praticamente non compaiano nel campo pittorico, e tutte le realizzazioni si basano sull'esperienza e sull'abilità di artisti già affermati.
Anni '50 -'60 - questa è la formazione di nuove tendenze nella pittura. Gli artisti con visioni progressiste lottano per la novità, le catene ideologiche, lo splendore, la pomposità. L'obiettivo dei maestri della nuova generazione è un adeguato trasferimento della realtà, non però in una forma approssimativa e diretta, ma attraverso un'estro civico-romantico. Per loro era importante trasmettere le loro idee attraverso un'incarnazione figurativa individuale.
Sia i giovani artisti, che cercano un inizio impressionistico nel loro lavoro, una pronunciata immediatezza, sia i vecchi maestri, che si erano affermati nei decenni precedenti, hanno lavorato insieme nell'arena pittorica. Tra le innovazioni degli anni '60. - l'emergere del cosiddetto. "Stile severo", i cui rappresentanti nel loro lavoro riflettevano la dura realtà, ma ancora una volta attraverso un prisma romantico. Tali sono le tele di A. e P. Smolins ("Esploratori polari", "Strike"), P.F. Nikonova ("Strike"), N. Andronov "Raft Runners".
Il genere del ritratto non è lasciato senza attenzione. A questo proposito i nomi di T.T. Salakhova, I.A. Serebryany, D.D. Zhilinsky e, ovviamente, P.D. Korina.
Il tema storico negli anni '60 inizia a suonare in un'incarnazione moderna. Qui il più grande artista è G.M. Korzhev (1925-2012), il cui lavoro è caratterizzato da sentimenti intensi e drammaticità.
Il lavoro di V.E. Popkov (1932-1974), che si distingueva non solo per lo spirito civico speciale dei suoi dipinti, ma anche per la costante ricerca creativa ("Due", "Oh, come tutti i mariti furono portati in guerra", "La mia giornata" ).
Il tema rurale fiorisce nell'opera di V.I. Ivanov (nato nel 1924), che ha combinato armoniosamente nelle sue opere sottile lirismo e chiarezza compositiva. Il tema del villaggio trova la sua continuazione nella pittura degli anni '70, così come nella tendenza monumentale della pittura, caratteristica degli anni Sessanta e Settanta. Senza la pittura monumentale, era impossibile immaginare vari nuovi edifici, complessi e altri oggetti urbani.
Anni '70 -'80 - l'epoca in cui nuovi maestri raggiunsero le posizioni d'avanguardia dell'arte, tra cui il nome di T.G. Nazarenko (nato nel 1944), entrò nell'arte sovietica dopo pittori importanti come Viktor Popkov, Geliy Korzhev, Viktor Ivanov. Nazarenko ha continuato lo sviluppo della tendenza moderna del realismo nelle arti visive. In una vasta gamma di diverse aspirazioni creative dei pittori di questo periodo, è evidente la sua attrazione per le tradizioni del passato e in particolare per la pittura e il folklore del primo Rinascimento. Tra i nuovi nomi degli anni '70 - A.N. Volkov, O.V. Bulgakov, A.G. Sitnikov, N.I. Nesterova, V.S. Orlov.
Nella pittura degli anni '70 -'80. c'è una differenza di stile, una tendenza all'espressione simbolica, un rifiuto di regole e canoni rigidi e una sfocatura dei confini di genere. Una manifestazione interessante di questi anni è lo sviluppo dell'arte non ufficiale, l'underground. Le opere di rappresentanti di questo genere venivano spesso esposte all'estero. Quest'arte non fu riconosciuta dalle autorità e fu perseguitata dagli ambienti ufficiali.
L'arte non ufficiale si basa su un linguaggio artistico complesso. Per comprendere tale arte era richiesto uno sforzo intellettuale da parte dello spettatore. Un portatore sorprendente di una cultura così alternativa era una tendenza chiamata Sots Art, i cui rappresentanti sono tradizionalmente considerati V.A. Komar, d.C. Melamid, V.S. Orlov, L.P. Sokov, A.S. Kosolapov, D.A. Prigov.
Nella seconda metà degli anni '80. il confronto tra culture ufficiali e alternative raggiunge il suo apice. Nonostante queste tendenze, i generi tradizionali continuano il loro sviluppo attivo: ritratto, paesaggio, natura morta. I più grandi maestri del genere dei ritratti sono I.Ya. Glazunov (nato nel 1930), che però si è mostrato in generi storici e di altro tipo; SONO. Shilov (nato nel 1943).
Gli stessi nomi continuano a risuonare nella pittura degli anni '90. Durante questo periodo, i punti di riferimento stanno cambiando quasi a livello ufficiale. I problemi sociali, il tema del lavoro e della campagna appartengono al passato. Sulla loro direzione realistica e sui generi che la caratterizzano: natura morta, paesaggio, immagini di tutti i giorni, ritratti. La pittura su ordinazione, anche privata, inizia a rinascere. In questo contesto, N.S. Safronov (nato nel 1956).
Si può anche notare il ritorno alle tele come eroi di personaggi storici “proibiti”: la famiglia reale, i santi, vari personaggi storici, rappresentanti della Chiesa ortodossa russa, generali della Guardia Bianca.
Stanno aprendo nuove gallerie, comprese quelle private (ad esempio, la galleria di M. Gelman). In queste istituzioni, sia i giovani artisti che le collezioni uniche raccolte nel corso dei secoli hanno l'opportunità di esporre.
Possiamo quindi dire che l'arte russa del XX secolo ha costituito una sorta di ciclo: da una varietà di stili, nomi, generi e contraddizioni, ha attraversato l'ufficialità del periodo sovietico per ritornare alle controversie, alle contraddizioni e alle ricerche a livello mondiale. fine del 20° - inizio del 21° secolo.
3. La storia della creazione del Museo statale di belle arti Pushkin di A. S. Pushkin.
Museo Pushkin A.S. Pushkin è la realizzazione del sogno tutto russo di un museo pubblico. La sua storia inizia nel 1886 con il bando di concorso per il miglior progetto di un edificio destinato al Museo delle Belle Arti. Il merito più importante nell'idea e nella realizzazione di questo progetto appartiene a I.V. Cvetaev (1847-1913). Il primo premio del concorso è stato assegnato a G.D. Grimm (1865-1942).
La costruzione dell'edificio del museo è stata effettuata secondo gli ultimi progressi tecnologici in questo settore. Si è deciso di dare al futuro museo l'aspetto di un antico tempio. Inoltre, questo museo, secondo il concetto di I.V. La Cvetaeva avrebbe dovuto svolgere non solo una funzione estetica, ma anche cognitiva.
Il Museo delle Belle Arti è stato inaugurato nel 1912. La data di apertura è stata calcolata appositamente, perché quest'anno ricorre il centenario della Guerra Patriottica del 1812. La nascita del museo "Cvetaevskij" ha portato l'importanza dei musei russi a un livello completamente diverso: sociale. Inoltre, il caso di Cvetaev conteneva il principio morale e ideologico più importante, perché il museo è stato creato non per capriccio personale, ma sulla base del pensiero scientifico, con uno sguardo rivolto alle generazioni future. La coppia imperiale ha partecipato all'inaugurazione del museo.
Lo stesso Tsvetaev ha preparato i dirigenti del museo nella persona dei suoi studenti: N.I. Romanov (1867 - 1948) e V.K. Mahlberg (1860 - 1921), che non modificò la concezione scientifica del suo maestro e sviluppò l'istituzione in questo senso. Negli anni '20. fu Romanov a realizzare la riorganizzazione del museo, contribuendo alla sua trasformazione da collezione universitaria di collezioni in un museo di livello mondiale.
Fin dai tempi dell'università, quando il museo esisteva ancora sulla base del Gabinetto delle Belle Arti, la sua collezione contava una magnifica collezione di oggetti antichi: monete, sculture, vasi, ecc. L'arrivo di Tsvetaev ha contribuito al fatto che la collezione del gabinetto è cresciuta fino al livello di un museo di belle arti. Fino a un certo punto, il museo si basava proprio sull'arte antica, la cui collezione fu attivamente ricostituita da Tsvetaev, che ordinò calchi di originali da tutto il mondo.
Parallelamente a questo, si svolgeva un altro processo importante: la formazione di una collezione di opere di pittura, grafica, scultura e arte decorativa. In molti modi, il suo rifornimento fu dovuto a collezioni private (V.S. Golenishchev, M.S. Shchekin, S.S. Pensky, A.A. Bobrinsky, D.A. Khomyakov e persino la granduchessa Elisabetta Feodorovna).
Grazie a questi donatori, la collezione del museo si è arricchita con reperti di vari generi appartenenti all'arte europea e russa. Il ricostituimento delle collezioni è avvenuto parallelamente all'ampliamento e alla ricostruzione dell'edificio museale. I benefattori del progetto furono i maggiori mecenati, imprenditori e collezionisti.
Il Museo di Belle Arti, tra gli altri, si è distinto per una novità fondamentale, ovvero l'insegnamento di un corso di storia dell'arte, associato al mantenimento delle collezioni museali. Successivamente, il Dipartimento di Storia dell'Arte dell'Università di Mosca si trasformò nel Dipartimento di Arti e la materia stessa acquisì indipendenza.
Il museo è diventato molto frequentato dal pubblico fin dai primi giorni di apertura. È interessante notare che I.V. Cvetaev rimase direttore del museo fino alla sua morte nel 1911. Durante il suo regno, il museo prosperò.
Con l’avvento del potere sovietico il museo subì i cambiamenti attesi. L'influenza della nuova ideologia non ha scavalcato nessuna delle istituzioni culturali. C'è stata una ridistribuzione degli oggetti di valore, anche da altri musei (ad esempio, dal Museo Rumyantsev liquidato). Collezioni private di D.I. Schukina, G.A. Brocard ha investito attivamente nei fondi del Museo Tsvetaev. Su questa base N.I. Romanov ha creato una nuova esposizione museale basata su principi scientifici. Il 10 novembre 1924 ebbe luogo l'inaugurazione delle prime sale.
Allo stesso tempo, il processo di trasferimento delle collezioni espropriate e nazionalizzate alla Galleria continuò fino al 1930. C'erano anche mostre di altri musei: la Galleria Tretyakov, il Museo Storico, l'Ermitage e altri. È stata così assemblata una collezione magnifica e praticamente senza precedenti. Nel 1932 ci fu una nuova ridenominazione del museo, che divenne Museo Statale di Belle Arti, e nel 1937 il nome di A.S. Puškin.
Durante la Grande Guerra Patriottica, la maggior parte delle mostre del museo furono trasferite a Novosibirsk. Purtroppo l'edificio stesso venne parzialmente distrutto dai bombardamenti e nel 1944 iniziarono i lavori di restauro. Nel dopoguerra il personale del museo continuò l'attività scientifica iniziata dai fondatori. Realizzarono lavori di divulgazione artistica e scavi archeologici. Negli anni '50. I fondi del museo furono ricostituiti in gran parte grazie ai reperti archeologici.
Nel 1949 il GMNZI fu chiuso e i suoi reperti furono inviati al fondo del Museo Pushkin. Si tratta di più di ottocento opere scultoree di maestri dell'Europa occidentale e degli Stati Uniti, oltre a più di trecento dipinti di artisti di vari paesi. Questa circostanza ampliò ulteriormente lo status del museo. Tuttavia, il grande pubblico ha avuto l’opportunità di vedere questa collezione unica solo nel 1974, nel periodo dal 1949 al 1953. la maggior parte delle sale erano occupate da doni di I.V. Stalin. Dopo la morte del leader, la mostra permanente, dopo essere stata notevolmente rinnovata, è stata nuovamente aperta ai visitatori. Da questo momento in poi iniziano a svolgersi una dopo l'altra mostre di arte nazionale e straniera.
L'esposizione dei dipinti salvati della Galleria di Dresda e la mostra di P.D. Korin, nonché la creazione del Dipartimento delle collezioni private (su iniziativa di I.A. Antonova).
Oggi nel museo intitolato ad A.S. Pushkin, ci sono quattro tipi principali di esposizioni: calchi, antichità, epoca del Medioevo e del Rinascimento - il primo; originali di arte antica - il secondo; la pinacoteca stessa, che comprende tele dei secoli XVIII-XX, esattamente come la scultura - la terza; e collezioni personali - il quarto.
Il museo svolge un lavoro educativo ed educativo attivo, anche per bambini e giovani; contiene la biblioteca. In totale, questa istituzione culturale ed educativa conta più di seicentosettantamila opere d'arte. Si tratta di oggetti di pittura, grafica, arte decorativa, scultura, numismatica, monumenti archeologici, fotografia d'arte. Oggi il Museo Pushkin im. COME. Pushkin è incluso nel numero di oggetti culturali particolarmente significativi e preziosi.
4. Pittura della Russia del XXI secolo.
È troppo presto per trarre conclusioni e trarre conclusioni sulla pittura contemporanea del 21 ° secolo. Si può notare una tendenza generale: la pittura moderna si sta sviluppando attivamente nelle regioni e in quasi tutte le regioni esiste una coorte di maestri interessati all'arte.
Le direzioni pittoresche sono presentate in tutta la loro diversità. Oltre alle aree tradizionali, ne sono apparse di completamente nuove, legate allo sviluppo della tecnologia informatica o ad altre manifestazioni della modernità. Ciò si riferisce a manifestazioni innovative come il realismo fantastico, l'arte minimale, il fotorealismo, vari rami dell'astrattismo, lo stackismo, la pittura ottica, la pittura metafisica, l'arte naif.
La difficoltà sta nel fatto che i tempi della severa selezione sono finiti. Oggi non l'istruzione, non il talento eccezionale sono una garanzia di ammissione al mondo dell'arte, ma scandalosa e stimolante. Spesso non c'è nulla dietro i dipinti di artisti contemporanei che mettono in primo piano questi principi (la situazione ricorda le contraddizioni della Silver Age).
Nel dipinto del 21° secolo ci sono molti nomi - rappresentanti di queste aree, ma il loro significato deve ancora essere valutato.
5. conclusione.
Sulla base di quanto sopra esposto si possono trarre alcune conclusioni. L'inizio del XX secolo copre ancora l'età dell'argento, l'ultima magnifica fioritura della cultura russa prima del cupo predominio dell'ideologia rivoluzionaria. L'età dell'argento conferisce all'arte della pittura molti nomi brillanti, tendenze e lo sviluppo attivo dei generi.
L'inizio del periodo sovietico divide la pittura in due campi contrastanti: l'avanguardia e il realismo socialista. L'ultimo periodo esce vincitore da questa lotta e tale resta per molti anni. Tuttavia, questo campo non può essere definito omogeneo. I pittori inclusi nell'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria erano di grande talento e hanno lasciato una degna eredità. Lo stesso si può dire dei pittori sovietici. Allo stesso tempo, ci sono stati molti esempi opposti tra i rappresentanti del realismo socialista.
In futuro, ogni fase storica ha influenzato la pittura e il suo sviluppo. '30 - questo è il momento di inneggiare al sistema socialista; Anni '40: un riflesso dell'eroica lotta del popolo sovietico, lo sviluppo di generi storici e di battaglia; Anni '50 -'60 caratterizzato dall'attivazione della vita artistica, dalla glorificazione della vita pacifica e del lavoro. Anni '70 -'80 - un periodo di esacerbazione del conflitto tra pittura ufficiale e non ufficiale, l'attivazione di artisti d'avanguardia informali che vogliono dire la loro nell'arte, nonostante i divieti.
Anni '90 - 2000 differiscono sia per la moltitudine di eventi e cambiamenti, sia per la crisi che si è instaurata nella pittura. Attualmente i nomi abbondano, tra i quali ci sono rappresentanti di talento e opportunisti. Ma la storia ha dimostrato che il potenziale dell'arte russa è inesauribile e può svilupparsi in qualsiasi condizione. Di conseguenza, la storia della pittura russa non è ancora stata completata.
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12. 50 anni di arte sovietica. Pittura. - M.: Artista sovietico, 1967. - 474 p.