Teatro australiano sull'acqua. Inaugurazione del Teatro dell'Opera di Sydney. Dov'è il Teatro dell'Opera di Sydney

Sydney è giustamente considerata la città più bella dell'Australia e una delle città più belle del mondo.

Sydney si trova sulle colline sopra una magnifica baia, che si riempie di numerose navi tutto l'anno. Il biglietto da visita di Sydney è la Sydney Opera House e l'Harbour Bridge, la cui grandiosità stupisce i turisti da molti decenni.








Quando diciamo "Australia" o "Sydney", immaginiamo immediatamente il pittoresco edificio della Sydney Opera House. Come un cigno, o una nave surreale che cerca di spiegare le vele, o gigantesche conchiglie, il Teatro dell'Opera è personaggio principale Sydney.


OPERA DI SYDNEY. Il progetto del Teatro dell'Opera si basa sul desiderio di portare le persone dal mondo della routine quotidiana nel mondo della fantasia, dove vivono musicisti e attori.
La Sydney Opera House è l'unico edificio del XX secolo ad essere alla pari con grandi simboli architettonici del XIX secolo come il Big Ben, la Statua della Libertà e la Torre Eiffel. Insieme alla Basilica di Santa Sofia e al Taj Mahal, questo edificio appartiene alle più alte conquiste culturali dell'ultimo millennio.


Quasi tutti hanno sentito parlare del Teatro dell'Opera di Sydney. Pochi di noi però sanno che oltre a questo meraviglioso edificio, anche il porto e il port bridge sono considerati il ​​simbolo della città australiana. L'insieme di tre edifici a Sydney è oggetto di una “caccia” da parte dei fotografi, perché la vista è semplicemente incredibile. Non è un segreto che l'idea di creare un simile tetto per l'opera sia stata ispirata dalle vele del porto.


Approfondiamo un po 'la storia della creazione della Sydney Opera House e forse capiamo perché oggi questo edificio ha superato in popolarità il porto, il precedente. simbolo non ufficiale città. Nel 1954 fu indetto un concorso, il cui vincitore avrebbe potuto realizzare la sua idea. Quindi 233 specialisti di alto livello provenienti da 32 paesi hanno immediatamente voluto partecipare al concorso. Il poco conosciuto danese Jorg Utzon divenne l'architetto che ricevette il diritto di realizzare la sua idea. Lui, come quasi tutti gli altri concorrenti, conosceva solo il luogo in cui si sarebbe svolta l'opera, ma non c'era mai stato. L'unico aiuto per lui erano le fotografie della zona. Uzton ha trovato l'ispirazione, già menzionata di sfuggita, nel porto della città (rimase molto colpito dalle lussuose vele bianche) e, in una certa misura, negli edifici dei templi degli antichi Maya e Aztechi, che ha visitato in Messico
L'idea di Iorg Uzton si è rivelata così nuova, si potrebbe addirittura dire rivoluzionaria, che i costruttori l'hanno ripresa, nonostante la grande complessità. Tuttavia, la complessità è stata solo uno degli ostacoli sulla strada verso l'implementazione del progetto: presto è stato scoperto un nuovo problema. Con un costo dichiarato di 7 milioni di dollari e un periodo di implementazione di 10 anni, i costruttori non sono riusciti a rispettare né le scadenze né i costi. In 20 anni, il progetto ha "mangiato" più di 100 milioni di dollari e più di una volta l'ordine del giorno del consiglio comunale è stato quello di ridurre il costoso progetto. Vale la pena ricordare che all’inizio della seconda metà del secolo scorso il denaro valeva molto di più di oggi. Ma gli uomini del governo di Sydney, con eccezionale ingegnosità, risolsero il problema con la mancanza di fondi: fu costruita la Sydney Opera House... a scapito di una lotteria.


Intorno al progetto si accumulavano costantemente nuvole, un flusso di critiche lo innaffiava e nel 1966 Uzton non poteva sopportarlo. Gli inconvenienti tecnici, finanziari e burocratici lo hanno costretto a ritirarsi dalla guida del progetto. La principale difficoltà tecnica, insieme alla perfezione estetica, erano le gigantesche vele di cemento. Gli architetti li chiamavano tra loro "paraboloidi ellittici", e in effetti si scoprì che non c'era modo di progettarli nella loro forma originale, rispettivamente, l'intero progetto doveva essere rifatto. Ci sono volute molte ore di lavoro e calcoli tecnici complessi per rifare il progetto, ma alla fine l'opera è stata realizzata. La versione dell'edificio che vediamo oggi non è stata solo il trionfo del progetto di Utzon, ma anche l'incarnazione del pensiero tecnico degli architetti australiani coinvolti nella realizzazione della sua idea.


I lavori furono completati nel 1973 e il 20 ottobre dello stesso anno ebbe luogo la cerimonia di inaugurazione della Sydney Opera House. Vi hanno partecipato un numero insolitamente elevato di personaggi famosi, ma l'ospite principale è stata la regina d'Inghilterra, Elisabetta II. Secondo numerose recensioni, è stato l'edificio della Sydney Opera House che fino ad oggi non può essere superato: è considerato l'edificio più bello costruito dalla fine della seconda guerra mondiale. Fotografi e intenditori di tutto ciò che è bello dicono che è meglio ammirare questo miracolo di architettura e design dalla poppa della nave, poi l'edificio si trasforma in una specie di castello in aria o in un cigno dalle ali bianche pronto a decollare




La Sydney Opera House è un complesso di quasi 1000 stanze, sede della Sydney Symphony Orchestra, dell'Australian Opera, dell'Australian Ballet, della Sydney Theatre Company, della Sydney Dance Company,
oltre a diverse altre piccole sale, una delle quali si trova nel cortile a cielo aperto.




Coloro che non sono completamente impressionati dall'aspetto della Sydney Opera House, rimangono completamente turbati dagli interni dell'opera, il cui stile è stato definito "gotico dell'era spaziale". Il sipario del teatro tessuto in Francia è il più grande del mondo. L'area di ciascuna metà di questa tenda miracolosa è di 93 m2. Il detentore del record è anche un enorme organo meccanico sala concerti- ha 10.500 tubi. Sotto le volte dell'opera ci sono cinque sale per spettacoli diversi, oltre a un cinema e due ristoranti contemporaneamente. La sala dell'opera può ospitare 1550 spettatori contemporaneamente e la sala da concerto - 2700. La Sydney Opera House è diventata la sede di un'orchestra sinfonica, un coro filarmonico e un teatro cittadino.






I gusci a forma di vela che formano il tetto rendono questo edificio diverso da qualsiasi altro al mondo. Ora è uno degli edifici più famosi e facilmente riconoscibili al mondo, simbolo di Sydney e una delle principali attrazioni dell'Australia. L'Opera House di Sydney è riconosciuta come uno degli edifici più straordinari dell'architettura moderna nel mondo.





La Sydney Opera House acquista il suo fascino assoluto di notte, quando è inondata dalle luci delle lanterne.




L'Opera House di Sydney non solo ha elevato la musica a nuovi livelli, ma è diventata anche un simbolo dell'intero paese.


Il ponte del porto e il suo design hanno sempre suscitato sorrisi tra la gente del posto. Progettato dall'ingegnere australiano John Job Crewe Bradfield, questo ponte si è guadagnato il soprannome di appendiabiti. Ufficialmente, questa funzionale struttura in acciaio porta il suo nome: Bradfield Highway (Bradfield Highway). Il colore grigio del ponte è dovuto al basso costo della vernice utilizzata durante gli anni di crisi della costruzione del ponte, dal 1923 al 1932. La lunghezza totale del ponte è di 1150 metri e la lunghezza delle campate tra le capriate ad arco è di 503 metri. L'altezza massima del ponte è di 135 metri sopra il livello dell'acqua. I turisti che attraversano questo ponte potranno godere di una vista superba sul vivace porto e su tutta Sydney.






È difficile immaginare Sydney senza l'Opera!

La Sydney Opera House è il principale segno distintivo dell'Australia. Inaugurata dalla regina inglese Elisabetta II nel 1973, la Sydney Opera House sta diventando una delle attrazioni più importanti dell'Australia, rifiutarsi di visitarla sarebbe un errore imperdonabile. Fino al 1958, sul luogo dove ora sorge il teatro dell'opera, c'era un deposito di tram e, ancor prima del deposito, un forte.

La costruzione del teatro ha richiesto 14 anni ed è costata all'Australia circa 102 milioni di dollari. Inizialmente si prevedeva di completare il progetto in 4 anni, ma a causa di difficoltà con i lavori interni, la data di apertura è stata notevolmente ritardata. Per il normale funzionamento il teatro necessita di tanta energia elettrica quanta ne basterebbe per una città con una popolazione di 25.000 abitanti. Per la costruzione di questo complesso unico, sono stati conficcati dei pali nel fondale oceanico del porto di Sydney fino a una profondità di 25 metri. La copertura del tetto è composta da 1.056.006 tegole bianche e tegole crema opaco.

La Sydney Opera House ha forme molto riconoscibili che ricordano vele giganti. Ma se molti riconoscono subito il teatro, vedendolo dall'esterno in una foto o in televisione, allora non tutti potranno rispondere con sicurezza che tipo di edificio sia, guardando la sua decorazione dall'interno. Conoscere tutte le bellezze del teatro consentirà un'escursione che parte nelle sue profondità alle 7 del mattino, cioè nell'ora in cui l'Opera House di Sydney sonnecchia ancora e le sue pareti non sono disturbate da suoni sonori e rumorosi. spettacoli.

Questo tour si svolge solo una volta al giorno. Un'enorme varietà di artisti diversi provenienti da tutto il mondo si esibiscono nel teatro, tra questi è nata la tradizione di baciare il muro prima dello spettacolo, ma solo i più degni e grandi tra loro ricevono un tale onore. Ad esempio, sul muro dei baci puoi trovare impresse le labbra di Janet Jackson. Tuttavia, il tour non può che essere una tappa introduttiva nel mondo dell'Opera House di Sydney. Per ottenere le massime impressioni ed emozioni positive, è necessario assistere ad almeno 1 spettacolo.

Un altro luogo impressionante per gli spettacoli a Sydney è l'Australia Stadium, che ha una capacità di 83,5 mila persone.

Informazioni per i visitatori:

Indirizzo: Bennelong Point, Sydney NSW 2000.

Come arrivare là: Il teatro dell'opera si trova nel porto di Sydney a Bennelong Point. Sarà facile per te arrivare qui da qualsiasi parte di Sydney, l'intersezione delle rotte di trasporto marittimo e terrestre si trova nelle vicinanze.

Ore lavorative:

Tutti i giorni (esclusa la domenica) dalle 9:00 a tarda sera;

Domenica: dalle 10:00 a tarda sera (a seconda dell'evento).

Prezzi: a seconda dell'evento.

Teatro dell'Opera di Sydney sulla mappa di Sydney

La Sydney Opera House è il principale segno distintivo dell'Australia. Inaugurata dalla regina inglese Elisabetta II nel 1973, la Sydney Opera House sta diventando una delle attrazioni più importanti dell'Australia, rifiutarsi di visitarla sarebbe un errore imperdonabile. Fino al 1958, sul luogo dove ora sorge il teatro dell'opera, c'era un deposito di tram e, ancor prima del deposito, un forte.

Di famoso edificio Australia - Sydney Opera House, ci sono opinioni piuttosto contrastanti. Alcuni lo considerano un magnifico monumento ad una melodia congelata. Altri sono imbarazzati dal tetto dalla forma sorprendente di questa struttura: ad alcuni assomiglia a enormi conchiglie, ad altri assomiglia alle vele del Galeone gonfiate dal vento, qualcuno le associa alle orecchie che ascoltano il canto degli angeli, e c'è anche un opinione che il teatro di Sydney sia molto simile alla balena bianca spiaggiata.

In una parola, ci sono tante opinioni quante sono le persone, ma nessuno dubita del fatto che la Sydney Opera House sia un simbolo artificiale dell'Australia.

Questo straordinario edificio si trova a Sydney, la città più grande dell'Australia, nel porto di Bennelong Point (sulla mappa si trova alle seguenti coordinate: 33° 51′ 24.51″ S, 151° 12′ 54.95″ E).

La fama mondiale della Sydney Opera House è dovuta principalmente al suo tetto, realizzato sotto forma di vele (conchiglie) di diverse dimensioni disposte una dopo l'altra, che lo rendono diverso da qualsiasi altro teatro al mondo. La facciata dell'opera si è rivelata così interessante, insolita e quindi riconoscibile da essere considerata uno degli edifici più eccezionali dell'architettura moderna, da diversi anni inserita nella lista del patrimonio mondiale dell'UNESCO.

Il creatore di questo edificio unico, Jorn Watson, lo è l'unica persona in un mondo di cui questa organizzazione ha riconosciuto il lavoro durante la sua vita (è morto un anno dopo questo evento, nel 2008).

Descrizione

Il teatro dell'opera in Australia è principalmente insolito in quanto, a differenza di altri edifici di questo tipo, realizzati in stile classico, è un vivido esempio di espressionismo, a dimostrazione di un nuovo sguardo all'architettura. La Sydney Opera House è circondata dall'acqua su tre lati ed è costruita su palafitte.

L'area del teatro è enorme e ammonta a 22mila m2: la sua lunghezza è di 185 m, la larghezza è di 120 m, e nell'edificio stesso c'è grande quantità locali, tra cui diverse sale teatrali, molti piccoli studi e piattaforme teatrali, nonché ristoranti, bar e negozi dove chiunque può acquistare un ricordo della visita al teatro.

Le sale principali sono quattro sale:

• La Sala Concerti è la sala più grande del teatro, capace di ospitare 2679 spettatori. È qui che è installato l'organo più grande del mondo: è composto da 10mila canne;
• Teatro dell'Opera - In questa sala si trovano 1507 spettatori e sul suo palco puoi vedere non solo l'opera, ma anche il balletto;
• Teatro drammatico - progettato per 544 persone;
• Piccolo palcoscenico teatrale - progettato per 398 persone ed è considerata la sala più confortevole dell'opera.

tetto a vela

La parte più notevole dell'edificio, che ha reso l'Opera House di Sydney uno dei teatri più interessanti del mondo, è il suo tetto, realizzato sotto forma di conchiglie o vele disposte una dietro l'altra. Il tetto, alto 67 metri e con un diametro di 150 metri, è composto da più di 2.000 sezioni e pesa circa 30 tonnellate.

La struttura è fissata con cavi metallici, la cui lunghezza totale è di 350 km. I due lavandini principali si trovano sopra le due sale più grandi dell'opera. Altre vele si trovano sopra le sale più piccole, e uno dei ristoranti si trova sotto quella più piccola.

I piani dei lavabi sono rivestiti meccanicamente con piastrelle bianche lucide e crema opache, ottenendo una superficie completamente liscia, effetto che difficilmente si otterrebbe con una posa manuale. Un fatto interessante: nonostante da lontano possa sembrare che il tetto sia dipinto di bianco, a seconda dell'illuminazione, cambia costantemente tonalità.

Una tale struttura del tetto sembra molto bella e originale, ma durante la costruzione, a causa dell'altezza irregolare del tetto, si sono verificati problemi con l'acustica all'interno dell'edificio e, per risolvere l'inconveniente, è stato necessario realizzare separatamente un soffitto fonoriflettente . Per questo sono state realizzate apposite grondaie in grado di svolgere contemporaneamente una funzione pratica ed estetica: riflettere il suono e attirare l'attenzione sugli archi posti sopra la parte anteriore del palco (la lunghezza della grondaia più grande è di circa 42 metri).

Autore di idee

Fatto interessante: costruire un teatro dell'opera a Sydney è stata un'idea del britannico Sir Eugene Goossens, arrivato in Australia come direttore d'orchestra per registrare un concerto alla radio. Si può solo immaginare la sua sorpresa quando scoprì che a Sydney non esisteva un teatro dell'opera.

Inoltre, la città non disponeva di strutture progettate per vasto pubblico dove la gente di Sydney poteva venire ad ascoltare la musica.

Pertanto, la decisione di fare di tutto per costruire un teatro in cui il pubblico avrà l'opportunità di conoscere sia la musica classica che quella più recente opere musicali, è stato accettato prontamente. Cominciò immediatamente a cercare un sito adatto per la costruzione: si rivelò essere il promontorio roccioso di Bennelong Point, vicino al quale si trovava l'argine, che è un nodo chiave, poiché i residenti locali passavano dai traghetti ai treni o agli autobus.

Avendo trovato un luogo adatto (a quel tempo c'era un deposito di tram, che fu poi demolito), Goossens condusse una campagna e, dopo aver contagiato con la sua idea molte persone influenti a Sydney, si assicurò che il governo permettesse la costruzione del Teatro dell'Opera. Le autorità hanno immediatamente indetto un concorso internazionale per il miglior progetto. E poi le cose si sono fermate: Goossens aveva dei nemici. Dopo uno dei viaggi internazionali, i doganieri hanno trovato gli oggetti della "messa nera", lo hanno multato, licenziato dal lavoro - ed è stato costretto a lasciare l'Australia, nonostante tutte le assicurazioni che le cose non gli appartenevano.

Concorso

Sono state inviate al concorso più di duecento opere provenienti da tutto il mondo. Un altro punto importante è che Goossens non solo è riuscito a selezionare un incarico qualificato, ma ha anche fornito una descrizione del progetto competitivo.

Il progetto avrebbe dovuto includere due sale: una per le produzioni più grandi, la seconda per le piccole produzioni. L'edificio doveva avere stanze dove si potevano tenere le prove, riporre gli oggetti di scena e un posto per i ristoranti.

Il compito fu complicato dal fatto che l'area su cui si prevedeva di erigere la struttura aveva dimensioni piuttosto limitate, poiché era circondata dall'acqua su tre lati. Pertanto, la maggior parte dei progetti furono respinti per un semplice motivo: sembravano troppo ingombranti e la facciata dell'edificio era deprimente.

E solo un'opera ha attirato l'attenzione dei giurati, costringendoli a tornare più e più volte sul progetto: nel bozzetto le sale erano posizionate una accanto all'altra, il problema dell'ingombro è stato eliminato puntando sul tetto bianco in la forma delle vele, e l'autore ha suggerito di riporre la scenografia e gli oggetti di scena teatrali in appositi recessi, risolvendo così il problema del backstage.

L'autore dell'opera si è rivelato essere il danese Jorn Watson (questo architetto aveva molti progetti originali simili, ma questo si è rivelato uno dei pochi ad essere realizzato). Nonostante il progetto da lui presentato fosse uno schizzo, il costo del lavoro è stato stimato in 7 milioni di australiani. dollari, che era un prezzo ragionevole. Il denaro per iniziare la costruzione è stato raccolto tramite una lotteria.

Lavori di costruzione

Anche se il progetto è stato approvato, era ovvio che sarebbe stato necessario lavorare ulteriormente su di esso (alcuni problemi non sono stati risolti fino ad oggi). Il problema principale era come realizzare un tetto non standard, soprattutto perché non esiste un'esperienza simile al mondo. questo momento non esisteva.

Watson ha risolto questo problema modellando ciascun lavandino in un triangolo, assemblandolo da triangoli curvi più piccoli che sono stati piastrellati meccanicamente durante la fabbricazione. Successivamente, le vele sono state installate su nervature di cemento (nervature del telaio) disposte in cerchio: ciò ha permesso al tetto di ottenere un aspetto completo e armonioso.

Questa forma diede origine a problemi acustici della sala, che l'architetto riuscì a risolvere in seguito, ma comportò notevoli spese finanziarie (ad esempio, poiché la nuova volta risultò essere molto più pesante della precedente, fu necessario far saltare in aria le fondamenta già realizzate e iniziare a costruirne una più forte e durevole).

Invece dei 7 milioni stimati australi. Dollaro statunitense la costruzione è costata 102 milioni. La costruzione procedette a un ritmo molto lento, che non poteva non attirare l'attenzione dei deputati locali e degli oppositori dell'architetto.

E dopo che il Partito laburista, che ha sostenuto la costruzione, ha perso il sostegno della popolazione e l'opposizione è salita al potere, i soldi ricevuti dalla lotteria sono stati prima congelati (per fortuna c'era un pretesto), e poi sono stati completamente utilizzati per costruire strade e ospedali, costringendo Watson nel 1966 a lasciare il lavoro e a lasciare Sydney definitivamente.

Successivamente, Hall fu nominato capo architetto, il quale, sebbene riuscì a completare la costruzione nel 1973, ma secondo molti esperti, il lavoro da lui svolto rovinò in modo significativo l'aspetto dell'edificio e l'interno si rivelò insignificante ( fatto interessante, durante la preparazione delle Olimpiadi in Australia nel 2000, gli australiani invitarono Watson a tornare e finire il lavoro sull'opera, accettando di fare qualunque cosa dicesse, ma lui rifiutò).

E così è successo che l'Opera House di Sydney, che è uno degli edifici più magnifici del nostro tempo, menzionato insieme al Taj Mahal e ad altre meraviglie del mondo, sebbene abbia un bell'aspetto all'esterno, non è diverso all'interno . È vero, ciò non ha impedito all'edificio di prendere parte al concorso per il titolo di una delle sette meraviglie del mondo e, pur non essendo tra i vincitori, è stato tra i principali contendenti.

Uno degli edifici più interessanti del XX secolo si trova in Australia. Costruito nel 1957-1973, l'edificio dell'Opera House di Sydney, circondato dall'acqua, ricorda fortemente una barca a vela. L'architetto del leggendario edificio era Jorn Utson dalla Danimarca.

Storia della costruzione

Fino alla metà del XX secolo a Sydney non esisteva un solo edificio adatto alle produzioni operistiche. Con l'arrivo di un nuovo direttore principale alla Sydney Symphony Orchestra, Eugene Goossens, la questione è stata espressa ad alta voce.

Ma creazione edificio più nuovo per scopi operistici e orchestrali non è diventata una questione di primaria importanza. A quel tempo, il mondo intero era in uno stato di ripresa dopo la guerra, l'amministrazione di Sydney non aveva fretta di iniziare i lavori, il progetto era congelato.

I finanziamenti per la costruzione della Sydney Opera House iniziarono nel 1954. Continuarono fino al 1975, in totale furono raccolti circa 100 milioni di dollari.

Cape Bennelong è stato scelto come sito per una delle più grandi strutture culturali. Secondo i requisiti l'edificio doveva avere due padiglioni. Il primo, progettato per spettacoli di opera e balletto, nonché di musica sinfonica, avrebbe dovuto ospitare circa tremila persone. Nella seconda, con rappresentazioni drammatiche e musica da camera - 1200 persone.

Jorn Utson, secondo la commissione, è diventato il miglior architetto tra i 233 che hanno inviato il proprio lavoro. L'ispirazione per la creazione del progetto per lui sono state le navi a vela che stanno nel porto di Sydney. I costruttori hanno impiegato 14 anni per completare il progetto.

La costruzione iniziò nel 1959. È qui che sono iniziati i problemi. Il governo ha chiesto di aumentare il numero di sale da due a quattro. Inoltre, le vele-ali progettate si rivelarono impossibili da realizzare, quindi ci vollero ancora diversi anni di sperimentazione per trovare la giusta soluzione. A causa del procedimento in corso nel 1966, Utson fu sostituito da un gruppo di architetti australiani, guidati da Peter Hull.

Il 28 settembre 1973 la Sydney Opera House aprì i suoi cancelli. La prima è stata la produzione dell'opera "Guerra e pace" di S. Prokofiev. La cerimonia ufficiale di apertura si è svolta già il 20 ottobre alla presenza di Elisabetta II.

Alcuni numeri

L'opera costruita si è immediatamente immortalata nella storia. Si tratta davvero di un enorme complesso contenente 5 sale e circa 1000 stanze adibite a vari scopi. L'altezza massima dell'edificio del Teatro dell'Opera è di 67 metri. Il peso totale dell'edificio è stimato in 161.000 tonnellate.

Sale del teatro dell'opera

1 sala

La sala più grande della Sydney Opera House è la Concert Hall. Ospita 2679 visitatori. C'è anche un grande organo da concerto.

2 sala

Per gli spettacoli di opera e balletto viene utilizzata la Sala dell'Opera per 1547 spettatori. Nella sala si trova il più grande arazzo teatrale del mondo "Curtain of the Sun".

3 sala

La Sala Drammatica può ospitare 544 spettatori. Qui si svolgono spettacoli di teatro e danza. Ecco un'altra tenda arazzo, anch'essa tessuta ad Aubusson. A causa dei suoi toni scuri, ha ricevuto il nome di "Cortina della Luna".

4 sala

La sala Playhouse è progettata per 398 spettatori. È destinato a miniature teatrali, conferenze e all'uso come cinema.

5 sala

La nuova sala "Studio" è stata inaugurata nel 1999. 364 spettatori qui possono assistere a rappresentazioni nello spirito d'avanguardia.

Dal 1973, la Sydney Opera House è stata utilizzata quasi 24 ore su 24 senza interruzioni. Oltre agli amanti della cultura e dell'arte, l'edificio è amato da migliaia di turisti in visita a Sydney. La Sydney Opera House è diventata un vero simbolo dell'Australia.

Video sull'Opera House di Sydney

(Sydney Opera House inglese) - uno degli edifici più famosi e facilmente riconoscibili al mondo, che è un simbolo la città più grande L'Australia, Sydney e una delle principali attrazioni dell'Australia: le conchiglie a vela che formano il tetto, rendono questo edificio diverso da qualsiasi altro al mondo. L'Opera House è riconosciuta come uno degli edifici più importanti dell'architettura moderna e dal 1973, insieme all'Harbour Bridge, è il segno distintivo di Sydney.

La Sydney Opera House si trova nel porto di Sydney, a Bennelong Point. Questo luogo prende il nome da un aborigeno australiano, amico del primo governatore della colonia. È difficile immaginare Sydney senza l'Opera, ma fino al 1958 al suo posto c'era un normale deposito di tram (prima dell'edificio dell'opera c'era un forte, e poi un deposito di tram).

L'architetto del Teatro dell'Opera è il danese Jorn Utzon. Nonostante il successo del concetto dei gusci sferici, che risolvevano tutti i problemi di costruzione, essendo adatti alla produzione di massa, alla produzione precisa e alla facilità di installazione, la costruzione fu ritardata, principalmente a causa della decorazione interna. Si prevedeva che la costruzione dell'Opera sarebbe durata 4 anni e sarebbe costata 7 milioni di dollari australiani. Invece, per costruire l’opera ci sono voluti 14 anni ed è costata 102 milioni di dollari!

La Sydney Opera House è un edificio espressionista dal design radicale e innovativo. L'edificio si estende su una superficie di 2,2 ettari. La sua altezza è di 185 metri e la larghezza massima è di 120 metri. L'edificio pesa 161.000 tonnellate e poggia su 580 pali affondati nell'acqua ad una profondità di quasi 25 metri dal livello del mare. La sua fornitura di energia equivale al consumo di elettricità di una città con una popolazione di 25.000 persone. L'elettricità è distribuita su 645 chilometri di cavi.

Il tetto del teatro dell'opera è costituito da 2.194 sezioni prefabbricate, la sua altezza è di 67 metri e il peso supera le 27 tonnellate, l'intera struttura è sostenuta da cavi d'acciaio lunghi 350 chilometri. La copertura del teatro è formata da una serie di "gusci" di una sfera inesistente di cemento di 492 piedi di diametro, comunemente denominate "conchiglie" o "vele", anche se ciò non è corretto rispetto alla definizione architettonica di tale una struttura. Questi gusci sono costruiti con pannelli prefabbricati triangolari in cemento supportati da 32 nervature prefabbricate dello stesso materiale. Tutte le nervature formano parte di un grande cerchio, che ha permesso ai contorni dei tetti di avere la stessa forma e all'intero edificio di avere un aspetto completo e armonioso.

L'intero tetto è ricoperto da 1.056.006 tegole azulejos di colore bianco e crema opaco. Sebbene da lontano la struttura sembri realizzata interamente con piastrelle bianche, in diverse condizioni di illuminazione le piastrelle creano combinazioni di colori diversi. Grazie a modo meccanico posando le tegole, tutta la superficie del tetto è risultata perfettamente liscia, cosa impossibile con la verniciatura manuale. Tutte le piastrelle sono state prodotte dalla fabbrica svedese Höganäs AB con tecnologia autopulente, ma nonostante ciò la pulizia e la sostituzione di alcune piastrelle viene effettuata regolarmente.

I due archi più grandi di conchiglie formano il soffitto della Sala Concerti e del Teatro dell'Opera. In altri ambienti i soffitti formano grappoli di volte più piccole.

La struttura a gradini del tetto era molto bella, ma creava problemi di altezza all'interno dell'edificio, perché l'altezza risultante non forniva un'acustica adeguata nei corridoi. Per risolvere questo problema, sono stati realizzati soffitti separati per riflettere il suono. Nel guscio più piccolo, lontano dall'ingresso principale e dalla scalinata principale, si trova il Ristorante Bennelong.

L'interno dell'edificio è rifinito con granito rosa portato dalla regione di Tarana (Nuovo Galles del Sud), legno e compensato.

Per questo progetto, Utzon ha ricevuto nel 2003 il Pritzker Prize, il più alto riconoscimento in architettura. Il premio è stato accompagnato dalle parole: "Non c'è dubbio che la Sydney Opera House sia il suo capolavoro. È uno dei grandi edifici iconici del XX secolo, un'immagine di straordinaria bellezza divenuta nota in tutto il mondo - un simbolo non solo della città, ma dell’intero paese e continente”.

La Sydney Opera House ospita quattro compagnie d'arte chiave in Australia: l'Australian Opera, l'Australian Ballet, la Sydney Theatre Company e la Sydney Symphony Orchestra, oltre a queste, molte altre compagnie e teatri hanno sede nella Sydney Opera House. Questo teatro è uno dei centri più attivi per le arti dello spettacolo e ospita circa 1.500 spettacoli ogni anno con una partecipazione totale di oltre 1,2 milioni di persone. È anche una delle attrazioni più popolari dell'Australia, con oltre sette milioni di turisti che la visitano ogni anno.

Ci sono tre sale principali per gli spettacoli nell'edificio del Teatro dell'Opera:

La Concert Hall, con 2.679 posti a sedere, è la sede della Sydney Symphony Orchestra e contiene l'organo meccanico funzionante più grande del mondo, con oltre 10.000 canne.

L'Opera House, 1507 posti, è la sede della Sydney Opera House e dell'Australian Ballet.

Il Drama Theatre, 544 posti, è utilizzato dalla Sydney Theatre Company e da altre compagnie di danza e teatro.

Oltre a queste tre sale, la Sydney Opera House contiene diverse sale e studi più piccoli.

Natalie Dessay (nata Nathalie Dessaix) - Francese Cantante di opera , coloratura soprano. Una delle cantanti più importanti del nostro tempo, all'inizio della sua carriera era nota per la sua voce molto acuta e trasparente, ora canta in una gamma più bassa. Amato dal pubblico per gli ottimi dati drammatici e un vivace senso dell'umorismo. Nathalie Dessay è nata il 19 aprile 1965 a Lione ed è cresciuta a Bordeaux. Mentre era ancora a scuola, omise la lettera "h" dal suo nome, in onore dell'attrice Natalie Wood, e in seguito semplificò l'ortografia del suo cognome. Nella sua giovinezza, Dessay sognava di diventare una ballerina o un'attrice e prendeva lezioni di recitazione, ma un giorno, suonando con gli altri studenti in un'opera poco conosciuta del XVIII secolo, dovette cantare, eseguì l'aria di Pamina da Il flauto magico , tutti rimasero stupiti, le fu consigliato di spostare l'attenzione sulla musica. Natalie è entrata al Conservatorio di Stato di Bordeaux, ha completato gli studi quinquennali in un solo anno e si è diplomata con lode nel 1985. Dopo il conservatorio, ha lavorato con l'Orchestra Nazionale del Capitole di Tolosa. Nel 1989, si è classificata seconda al concorso New Voices indetto da France-Telecom, che le ha permesso di studiare per un anno alla Scuola di Arti Liriche dell'Opera di Parigi e di esibirsi lì nel ruolo di Eliza ne Il Re Pastore di Mozart. Nella primavera del 1992, ha cantato la breve parte di Olympia dai Racconti di Hoffmann di Offenbach all'Opera Bastille, il suo partner era José van Dam, la produzione ha deluso critici e spettatori, ma la giovane cantante ha ricevuto una standing ovation ed è stata notata. Questo ruolo diventerà per lei una pietra miliare, fino al 2001 interpreterà Olympia in otto diverse produzioni, compreso il suo debutto alla Scala. Nel 1993, Natalie Dessay vinse il Concorso Internazionale Mozart indetto dall'Opera di Vienna e rimase per studiare ed esibirsi all'Opera di Vienna. Qui ha cantato il ruolo della Bionda dal Ratto dal Serraglio di Mozart, che è diventato un altro dei suoi ruoli più famosi e più frequentemente interpretati. Nel dicembre 1993, a Natalie fu offerto di sostituire Cheryl Studer nell'ormai famoso ruolo di Olympia all'Opera di Vienna. La sua interpretazione è stata riconosciuta dal pubblico a Vienna e lodata da Placido Domingo, nello stesso anno si è esibita con questo ruolo all'Opera di Lione. La carriera internazionale di Natalie Dessay è iniziata con le esibizioni all'Opera di Vienna. Negli anni '90, il suo riconoscimento è cresciuto costantemente e il repertorio dei ruoli è stato costantemente ampliato, ha ricevuto molte offerte, si è esibita in tutti i principali teatri d'opera del mondo: il Metropolitan Opera, La Scala, l'Opera Bavarese, Covent Garden, il Opera di Vienna e altri. Una caratteristica distintiva dell'attrice Dessay è che crede che una cantante d'opera dovrebbe consistere per il 70% in teatro e per il 30% in musica e sforzarsi non solo di cantare i suoi ruoli, ma anche di interpretarli in modo drammatico, quindi ciascuno dei suoi personaggi è una scoperta nuova, mai come le altre. Nella stagione 2001/2002, Dessay iniziò ad avere difficoltà vocali e dovette cancellare le sue esibizioni e recital. Ha lasciato il palco e nel luglio 2002 ha subito un'operazione per rimuovere i polipi alle corde vocali, già nel febbraio 2003 è tornata con un concerto da solista a Parigi e ha continuato attivamente la sua carriera. Nella stagione 2004/2005, Natalie Dessay ha dovuto sottoporsi ad una seconda operazione. Una nuova apparizione pubblica ha avuto luogo nel maggio 2005 a Montreal. Il ritorno di Natalie Dessay è stato accompagnato da un riorientamento nel suo repertorio lirico. Evita ruoli "leggeri" senza spessore (come Gilda in "Rigoletto") o ruoli che non vuole più interpretare (Regina della Notte o Olimpia) a favore di personaggi più "tragici". Questa posizione suscitò inizialmente seri disaccordi con alcuni direttori e colleghi. Oggi, Natalie Dessay è all'apice della sua carriera ed è il principale soprano di oggi. Vive e si esibisce principalmente negli Stati Uniti, ma è costantemente in tournée in Europa. I fan russi l'hanno vista a San Pietroburgo nel 2010 e a Mosca nel 2011. All'inizio del 2011 ha cantato (per la prima volta) il ruolo di Cleopatra nel Giulio Cesare di Händel all'Opéra Garnier, è tornata al Metropolitan Opera con la sua tradizionale "Lucia di Lammermoor", è poi tornata nuovamente in Europa con una versione concertistica di "Pelléas et Mélisande" a Parigi e Londra e un concerto a Mosca. I progetti immediati della cantante includono numerosi progetti: La Traviata a Vienna nel 2011 e al Metropolitan Opera nel 2012, Cleopatra nel Giulio Cesare al Metropolitan Opera nel 2013, Manon all'Opera di Parigi e alla Scala nel 2012, Marie ("Figlia del Regiment") a Parigi nel 2013, ed Elvira al Met nel 2014. Natalie Dessay è sposata con il basso baritono Laurent Naoury e hanno due figli. Sul palcoscenico dell'opera possono essere visti insieme molto raramente, a differenza della coppia di star Alanya-Georgiou, il fatto è che per un baritono-soprano c'è molto meno repertorio che per un tenore-soprano. Per il bene di suo marito, Dessey adottò la sua religione: il giudaismo.

Renee Fleming è una cantante lirica americana e soprano lirico. Uno dei cantanti lirici più importanti del mondo del nostro tempo - "una delle poche vere superstar del nostro tempo". Renee Fleming è nata il 14 febbraio 1959 in Indiana, Pennsylvania, USA ed è cresciuta a Rochester, New York. I suoi genitori erano insegnanti di musica e canto, quindi l'educazione musicale le è venuta naturale: "I miei genitori discutevano di canto ogni sera a tavola, ho ricevuto un'enorme educazione musicale". Ha frequentato la State University di New York a Potsdam, laureandosi nel 1981 in educazione musicale. Tuttavia, non considerava che la sua futura carriera fosse nell'opera. Anche mentre studiava all'università, si è esibita gruppo jazz in un bar locale. La sua voce e le sue capacità hanno attratto il famoso sassofonista jazz dell'Illinois Jacquet, che l'ha invitata in tournée con la sua big band. Invece, René frequentò la scuola di specializzazione presso la Eastman School (conservatorio) di musica, e poi dal 1983 al 1987 studiò alla Juilliard School (la più grande istituzione americana di istruzione superiore). Istituto d'Istruzione in the Arts) al Lincoln Center di New York. Nel 1984, ricevette una borsa di studio Fulbright Education e andò in Germania per studiare canto lirico, dove una delle sue insegnanti era la leggendaria Elisabeth Schwarzkopf. Fleming ritornò a New York nel 1985 e completò i suoi studi alla Juilliard School. Mentre era ancora studentessa alla Juilliard School, Rene Fleming ha iniziato la sua carriera professionale, ma finora in piccole compagnie d'opera e in ruoli minori . Nel 1986, al Teatro Federale di Stato, Salisburgo, Austria, ha cantato il suo primo ruolo operistico importante, Constanza dal Ratto dal Serraglio di Mozart. Il ruolo di Constanza è uno dei più difficili nel repertorio del soprano e Fleming ha ammesso a se stessa che aveva ancora bisogno di lavorare sia sulla tecnica vocale che sulla sicurezza sul palco, ci ha lavorato molto attivamente e due anni dopo, nel 1988, ha vinto diversi concorsi vocali contemporaneamente: giovani artisti delle audizioni del Metropolitan Opera National Council, del George London Prize e dell'Eleanor McCollum Competition di Houston. Nello stesso anno ha debuttato nel ruolo della Contessa ne Le nozze di Figaro di Mozart a Houston, e l'anno successivo alla New York Opera e al Covent Garden nel ruolo di Mimi ne La bohème. La prima rappresentazione al Metropolitan Opera era prevista per il 1992, ma inaspettatamente avvenne nel marzo 1991, quando Felicity Lott si ammalò e Fleming la sostituì nel ruolo della Contessa ne Le nozze di Figaro. E sebbene fosse riconosciuta come un forte soprano, in lei non c'era alcuna celebrità - questo arrivò più tardi, quando divenne il "Gold Standard del soprano". E prima ancora c'era tanto lavoro, prove, ruoli diversi dell'intero spettro operistico, tournée in giro per il mondo, registrazioni, alti e bassi. Non aveva paura del rischio e ha accettato le sfide, una delle quali è stata nel 1997 il ruolo di Manon Lescaut Jules Massenet in francese a Parigi all'Opera Bastille, i francesi sono riverenti per la loro eredità, ma l'interpretazione impeccabile di Fleming le ha portato un trionfo. Ciò che è andato ai francesi non è andato bene agli italiani, e Fleming è stata apertamente fischiata alla prima di Lucrezia Borgia di Donizetti alla Scala nel 1998, anche se alla sua prima rappresentazione alla Scala nel 1993 è stata accolta molto calorosamente come Donna Elvira in " Don Giovanni di Mozart. Fleming definisce una performance del 1998 a Milano la sua "notte peggiore della vita operistica". Oggi René Fleming è uno dei soprani più apprezzati del nostro tempo. La combinazione di bellezza vocale, versatilità stilistica e insolito carisma drammatico rende ogni sua performance un capolavoro operistico, e non solo. Suona facilmente e in modo altrettanto bello gli opposti completi: Desdemona di Verdi o Alcina di Handel. Grazie al suo senso dell'umorismo, all'apertura e alla facilità di comunicazione, Fleming è costantemente invitata a partecipare a vari programmi televisivi e radiofonici. Nel 2003, ha registrato diverse canzoni per la colonna sonora de Il Signore degli Anelli: Il Ritorno del Re, per il quale ha dovuto imparare la lingua elfica. La discografia e il DVD della cantante comprendono circa 50 album, compresi quelli della sua passione: il jazz. Tre dei suoi album sono stati premiati con i Grammy Awards, l'ultimo nel 2010 - l'album "Verismo" - una raccolta di arie di Puccini, Mascagni, Cilea, Giordano, Leoncavallo. Il programma di lavoro di Renee Fleming è previsto per diversi anni a venire, ma per sua stessa ammissione, attualmente gravita più verso l'attività concertistica da solista che verso l'opera, spiegando che avendo imparato più di 50 opere, è improbabile che scopra molto di nuovo per se stessa.

Kiri Janet Te Kanawa è una cantante lirica e soprano lirica neozelandese. Uno dei principali cantanti lirici del nostro tempo con una voce calda e bella e un repertorio molto ampio di ruoli operistici in varie lingue. Kiri Te Kanawa (nata Claire Mary Teresa Rostron) 6 marzo 1944 a Gisborne, Nuova Zelanda da madre irlandese e padre maori, ma si sa poco dei suoi genitori poiché È stata adottata da bambina dalla famiglia Te Kanawa, anche i suoi genitori adottivi erano maori e irlandesi. Ha ricevuto la sua educazione generale e musicale ad Auckland ed era già una cantante popolare nei club della Nuova Zelanda durante la sua adolescenza e giovinezza. Allo stesso tempo, nel 1963 vinse tutti i premi musicali più importanti in Australia e Nuova Zelanda, arrivò seconda al concorso "Mobil (Lexus) Song Quest", il primo posto in quel momento fu preso da un altro famoso cantante d'opera di New York. Zelanda, Malvina Maggiore. La stessa Kiri Te Kanawa vinse lo stesso concorso con l'aria "Vissi d'arte" dalla "Tosca" di Puccini nel 1965. Nello stesso anno, senza audizione, entrò al Centre for Opera Singing di Londra, gli insegnanti notarono sia il suo talento che la iniziale mancanza di tecnica vocale.Il debutto sul palcoscenico operistico avvenne nel 1968 come seconda dama nel Flauto Magico di Mozart al Teatro "Sadler Wells" di Londra, seguito subito da ruoli in Dido and Aeneas di Purcell e dal ruolo di protagonista in Donizetti. Anna Bolena... alle mie orecchie, ho fatto mille audizioni ed era una voce straordinariamente bella." La Royal Opera House, Covent Garden firmò un contratto con Kiri Te Kanawa per tre anni e le sue prime esibizioni sul palco di questo teatro ebbero luogo nel ruolo di Xenia in "Boris Godunov" e della ragazza-fiore in "Parsifal" nel 1970. Te Kanawa continuò a prepararsi attentamente per il ruolo della Contessa, che doveva essere presentato in anteprima al Covet Garden nel dicembre 1971, ma prima c'era uno spettacolo al Santa Fe Opera Festival (New Mexico, USA), dove ha testato questo ruolo , insieme a lei nello stesso festival si è esibita la cantante statunitense Frederica von Stade, in seguito la stampa ha notato la loro esibizione: "... c'erano due nuovi arrivati ​​che hanno stupito il pubblico ... tutti si sono subito resi conto che si trattava di due reperti e la storia ha confermato la loro prestazione." Questi due cantanti sono diventati amici per molti anni. Il 1° dicembre 1971, al Covent Garden, Kiri Te Kanawa ripeté la sua esibizione a Santa Fe e creò scalpore internazionale. In questo giorno, ha ricevuto lo status di star dell'opera indiscussa ed è diventata uno dei soprani più famosi al mondo, esibendosi nei principali teatri d'opera del mondo: Covent Garden, Metropolitan Opera (debutto nel 1974), Opera di Parigi (1975). , Sydney Opera House (1978), Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian e molti altri. Le sue eroine comprendono un vasto repertorio per soprano, tra cui - i tre ruoli principali di Richard Strauss - Arabella di "Arabella", Marchalsha, la principessa Maria Therese von Werdenberg di "Il Rosenkavalier" e la Contessa di "Capriccio"; Fiordiligi di Mozart da Tutte le donne lo fanno, Donna Elvira da Don Giovanni, Pamina da Il flauto magico e, ovviamente, la Contessa Almaviva da Le nozze di Figaro; Violetta di Verdi dalla “Triaviatta”, Amelia Boccanegra da “Simon Boccanegra”, Desdemona da “Ottello”; da Puccini - Tosca, Mimì e Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Tchaikovsky, Rosalind Johann Strauss e molti altri. Sul palco del concerto, la sua bellezza e chiarezza vocale si sono combinate con le principali orchestre sinfoniche del mondo da Londra, Chicago, Los Angeles sotto la direzione di direttori come Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti e altri. È diventata una partecipante regolare a festival lirici internazionali - a Glideborn, Salisburgo, Verona. Per molto tempo carriera creativa Kiri Te Kanawa ha pubblicato circa ottanta dischi di musica operistica e da concerto: arie da concerto di Mozart, Quattro ultime canzoni di Strauss, Requiem tedesco di Brahms, Messiah di Handel e altri, nonché album con musica popolare e canzoni del popolo Maori come omaggio alla loro gente. Alcuni dei suoi dischi hanno ricevuto premi Grammy. L'ultimo album "Kiri Sings Karl" è stato pubblicato nel 2006. Nella sua carriera si sono verificati due eventi significativi, quasi impossibili da ripetere per qualsiasi cantante d'opera. Nel 1981 si è esibita come solista al matrimonio del principe Carlo e della principessa Diana nella cattedrale di St Paul a Londra. La trasmissione televisiva in diretta di questo evento ha attirato oltre 600 milioni di telespettatori. Il secondo disco: nel 1990 ha tenuto un concerto aperto ad Auckland, su di lei esibizione solista Sono arrivati ​​140mila spettatori. Ora la sua attività fuori dal palco è legata al fondo da lei creato per il sostegno e l'assistenza finanziaria a giovani cantanti e musicisti. Kiri Te Kanawa ha ricevuto numerosi riconoscimenti e premi per i suoi servizi allo sviluppo dell'arte, i più alti dei quali sono Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion of the Order of Australia (1990), Order of New Zelanda (1995). Ha anche ricevuto lauree honoris causa da Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham e altre università. Negli ultimi anni, le esibizioni di Kiri Te Kanawa sul palcoscenico dell'opera e nei luoghi dei concerti sono diventate rare, ma non ha ancora annunciato il suo ritiro dalle scene, anche se si credeva che la sua ultima esibizione sarebbe stata nell'aprile 2010, ma continua a esibirsi .

Inva Mula è una cantante lirica e soprano albanese. Occupa un posto significativo nel mondo dell'opera, tuttavia, al di fuori del palcoscenico dell'opera, è conosciuta soprattutto per la sua interpretazione dell'aria nel film "Il quinto elemento". Inva Mula è nata il 27 giugno 1963 a Tirana, Albania, suo padre Avni Mula è un famoso cantante e compositore albanese, il nome di sua figlia - Inva è una lettura inversa del nome di suo padre. Ha studiato canto e pianoforte nella sua città natale, prima presso una scuola di musica, poi al conservatorio sotto la guida della madre, Nina Mula. Nel 1987, Inva vinse il concorso "Cantante d'Albania" a Tirana, nel 1988 - al Concorso Internazionale George Enescu a Bucarest. Il debutto sul palcoscenico operistico è avvenuto nel 1990 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Tirana con il ruolo di Leila ne "I cercatori di perle" di J. Bizet. Ben presto Inva Mula lasciò l'Albania e trovò lavoro come cantante nel coro dell'Opera Nazionale di Parigi (Opera Bastille e Opera Garnier). Nel 1992, Inva Mula ha ricevuto il primo premio al Concorso delle Farfalle di Barcellona. Il successo principale, dopo il quale le arrivò la fama, fu un premio al primo concorso Placido Domingo Operalia a Parigi nel 1993. Il concerto di gala finale di questo concorso si è tenuto all'Opera Garnier, è stato pubblicato un disco e il tenore Placido Domingo con i vincitori del concorso, tra cui Inva Mula, ha ripetuto questo programma all'Opera Bastille, così come a Bruxelles, Monaco e Oslo . Questo tour attirò l'attenzione su di lei e la cantante iniziò ad essere invitata ad esibirsi in vari teatri d'opera in tutto il mondo. La gamma di ruoli di Inva Mula è abbastanza ampia, canta Gilda di Verdi nel "Rigoletto", Nanette in "Falstaff" e Violetta in "La Traviata". Gli altri suoi ruoli sono Michaela in Carmen, Antonia in I racconti di Hoffmann, Musetta e Mimi in La bohème, Rosina in Il barbiere di Siviglia, Nedda in Pagliacci, Magda e Lisette in La rondine e molti altri. La carriera di Inva Mula continua con successo, si esibisce regolarmente nei teatri d'opera europei e mondiali, tra cui La Scala di Milano, l'Opera di Stato di Vienna, l'Arena di Verona, l'Opera Lyric di Chicago, il Metropolitan Opera, l'Opera di Los Angeles, così come teatri di Tokyo, Barcellona, ​​​​​​Toronto, Bilbao e altri. Inva Mula ha scelto Parigi come sua casa ed è ora considerata più una cantante francese che albanese. Si esibisce costantemente Teatri francesi a Tolosa, Marsiglia, Lione e, ovviamente, a Parigi. Nel 2009/10 Inva Mula ha aperto la stagione dell'Opera di Parigi all'Opéra Bastille, recitando in un raro spettacolo opera rappresentata Charles Gounod "Mireille" (Mireille). Inva Mula ha pubblicato diversi album e registrazioni televisive e video delle sue performance su DVD, comprese le opere La bohème, Falstaff e Rigoletto. Una registrazione dell'opera The Swallow con il direttore Antonio Pappano e la London Symphony Orchestra nel 1997 ha vinto il Gramophone Award come "Miglior registrazione dell'anno". Fino alla metà degli anni '90, Inva Mula era sposata con il cantante e compositore albanese Pirro Tchako e all'inizio della sua carriera utilizzava il cognome del marito o il doppio cognome Mula-Tchako, dopo il divorzio iniziò a usare solo il suo nome - Inva Mula. Inva Mula, fuori dal palcoscenico operistico, si è fatta un nome prestando la voce a Diva Plavalaguna (un'aliena alta dalla pelle blu con otto tentacoli) nel film fantasy Il quinto elemento di Jean-Luc Besson, con Bruce Willis e Milla Jovovich. Il cantante ha eseguito l'aria "Oh bel cielo! .. Dolce suono" (Oh, giusto cielo! .. Il dolce suono) dall'opera "Lucia di Lammermoor" di Gaetano Donizetti e la canzone "Diva's Dance", in cui, la maggior parte probabilmente, la voce è stata sottoposta ad elaborazione elettronica per raggiungere un'altezza impossibile per un essere umano, anche se i realizzatori sostengono il contrario. Il regista Luc Besson voleva che nel film fosse usata la voce della sua cantante preferita, Maria Callas, ma la qualità delle registrazioni disponibili non era abbastanza buona per essere usata nella colonna sonora del film, e Inva Mula è stata chiamata a fornire la voce. .

Montserrat Caballe (nome completo: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) è una cantante lirica spagnola catalana, soprano, famosa per la sua tecnica del bel canto e la sua interpretazione dei ruoli interpretati nella musica classica. Opere italiane Rossini, Bellini e Donizetti. Montserrat Caballe è nata a Barcellona il 12 aprile 1933. Ha studiato per 12 anni al Conservatorio Superiore di Musica del Liceo di Barcellona e si è diplomata con una medaglia d'oro nel 1954. Nel 1957 fece il suo debutto sul palcoscenico dell'opera nel ruolo di Mimi ne La bohème. Nel 1960-1961 cantò all'Opera di Brema, dove ampliò notevolmente il suo repertorio. Nel 1962 torna a Barcellona e debutta in Arabella di Richard Strauss. Nel 1964 sposò Bernab Marty. Il decollo sulla scena internazionale avvenne nel 1965 a New York alla Carnegie Hall, quando fu costretta a sostituire la malata Marilyn Horne e ad interpretare la parte nella Lucrezia Borgia di Donizetti. Non padroneggiare il ruolo è durato meno di un mese. La sua performance è diventata una sensazione nel mondo dell'opera, il pubblico ha applaudito per 25 minuti. Il giorno dopo il New York Times titolava: "Callas + Tebaldi = Caballe". Nello stesso anno, Caballe ha fatto il suo debutto sul palcoscenico a Glyndebourne ne Il cavaliere della rosa, e poco dopo al Metropolitan Opera nel ruolo di Marguerite in Faust. Da quel momento, la sua fama non è mai svanita: le erano aperti i migliori palcoscenici d'opera del mondo: New York, Londra, Milano, Berlino, Mosca, Roma, Parigi. Nel settembre 1974 subì un importante intervento chirurgico e soffrì di cancro allo stomaco. Si riprese e ritornò sul palco all'inizio del 1975. Ha fatto la sua 99esima e ultima rappresentazione al Metropolitan Opera il 22 gennaio 1988, nel ruolo di Mimi ne La bohème di Puccini, al fianco di Luciano Pavarotti (Rodolfo). Nel 1988, insieme al cantante dei Queen Freddie Mercury, registrò l'album Barcelona, canzone principale che con lo stesso nome divenne un super hit nei primi anni '90 e arrivò al primo posto nelle classifiche pop europee. Questo singolo divenne l'inno delle Olimpiadi estive del 1992. Dopo la morte di Freddie Mercury, la sua voce si sente nella registrazione e Montserrat Caballe si rifiuta di cantare questa canzone in duetto con altri cantanti. Fino a poco tempo fa conduce uno stile di vita attivo e non ci sono segni di stanchezza, sia a livello creativo che sociale. Caballe si è dedicata ad opere di beneficenza, è Ambasciatrice di buona volontà dell'UNESCO e ha creato un fondo per aiutare i bambini.

Cecilia Bartoli è una cantante lirica italiana, mezzosoprano di coloratura. Uno dei cantanti lirici più importanti e di successo commerciale del nostro tempo. Cecilia Bartoli è nata il 4 giugno 1966 a Roma. I genitori di Bartoli sono Silvana Bazzoni e Pietro Angelo Bartoli, cantanti professionisti, dipendenti del Teatro dell'Opera di Roma. La prima e principale insegnante di canto di Cecilia è stata sua madre. All'età di nove anni, Cecilia è apparsa per la prima volta su " grande palco"- è apparso in una delle scene di massa all'Opera di Roma sotto forma di pastore nella produzione di" Tosca ". Da bambina, la futura cantante amava ballare e praticava il flamenco, ma i suoi genitori non vedevano la sua carriera Nel ballare e non erano soddisfatti dell'hobby di sua figlia, insistettero perché continuasse l'educazione musicale. Il flamenco ha dato a Bartoli la facilità e la passione con cui si esibisce sul palco, e il suo amore per questo ballo è ancora attuale. All'età di 17 anni, Bartoli è entrata Conservatorio di Santa Cecilia.Nel 1985 partecipa alla trasmissione televisiva “Nuovi Talenti”: canta “Barcarolle” dai “Racconti di Hoffmann” di Offenbach, l'aria di Rosina da “Il Barbiere di Siviglia” e addirittura un duetto con il baritono Leo Nucci. E anche se si è classificata al secondo posto, la sua esibizione ha fatto colpo tra gli amanti dell'opera. Ben presto Bartoli si esibì in un concerto organizzato dall'Opera di Parigi in memoria di Maria Callas.Dopo questo concerto, tre "pesi massimi" del mondo della musica classica hanno attirato l'attenzione su di lei - Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Nikolaus Harnoncourt. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1987 all'Arena di Verona. L'anno successivo cantò il ruolo di Rosina nell'opera di Rossini " barbiere di siviglia"all'Opera di Colonia e il ruolo di Cherubino in coppia con Nikolaus Arnoncourt ne Le nozze di Figaro di Mozart a Zurigo, Svizzera. Herbert von Karajan la invitò a partecipare al Festival di Salisburgo ed eseguire con lui la Messa in si minore di J.S. Bach, ma la morte del maestro non ha ceduto Nel 1990, Bartoli ha debuttato all'Opera della Bastiglia nel ruolo di Cherubino, all'Opera di Stato di Amburgo come Idamante nell'Idomeneo di Mozart, e anche negli Stati Uniti al festival Mostly Mozart di New York e ha firmato un contratto esclusivo con la DECCA Nel 1991, ha debuttato alla Scala nel ruolo del paggio Isolier in Le Comte Ori di Rossini, e da allora, all'età di 25 anni, si è affermata come una delle principali interpreti mondiali di Mozart e Rossini I migliori teatri del mondo, prime, recital, direttori d'orchestra, registrazioni, festival e premi Cecilia Bartoli potrebbe diventare un libro.Dal 2005, Cecilia Bartoli si è concentrata sulla musica del barocco e del primo classicismo di compositori come Gluck, Vivaldi , Haydn e Salieri, e più recentemente - sulla musica dell'era del romanticismo e del bel canto italiano. Attualmente vive con la sua famiglia a Monte Carlo e lavora all'Opera di Zurigo. Cecilia Bartoli è un'ospite abituale in Russia, dal 2001 ha visitato il nostro Paese molte volte, l'ultimo dei tour è avvenuto nel settembre 2011. Alcuni critici notano che Cecilia Bartoli è considerata uno dei migliori mezzosoprani del nostro tempo solo perché con questo tipo di voce (a differenza del soprano) ha pochissimi concorrenti, tuttavia le sue esibizioni raccolgono sale piene di fan, e i dischi vengono venduti a milioni di copie. . Per i servizi resi nel campo della musica, Cecilia Bartoli è stata insignita di numerosi premi statali e pubblici, tra cui gli Ordini al Merito e delle Arti e Lettere francesi e il Cavalierato italiano, ed è inoltre membro onorario della Royal Academy of Music di Londra, ecc. È proprietaria di cinque Grammy Awards, l'ultimo dei quali ha vinto nel 2011 nella nomination "Best Classical Vocal Performance" con l'album "Sacrifice" (Sacrificium).

Elina Garanca è una cantante lettone (mezzosoprano), una delle principali cantanti liriche del nostro tempo. Elina Garancha è nata il 16 settembre 1976 a Riga in una famiglia di musicisti, suo padre è un direttore di coro e sua madre, Anita Garancha, è professoressa all'Accademia lettone di musica, professoressa associata all'Accademia lettone di cultura e insegnante di canto all'Opera Nazionale Lettone. Nel 1996, Elina Garancha è entrata all'Accademia lettone di musica di Riga, dove ha studiato canto con Sergey Martynov, e dal 1998 ha continuato i suoi studi con Irina Gavrilovich a Vienna, e poi con Virginia Zeani negli Stati Uniti. Uno degli eventi più profondi che hanno influenzato Elina durante i suoi studi è stata l'interpretazione nel 1998 della parte di Jane Seymour dall'opera Anna Bolena di Gaetano Donizetti - Garancia ha imparato il ruolo in dieci giorni e ha trovato una profonda simpatia per il repertorio del bel canto. Dopo la laurea, Garancha ha debuttato sul palcoscenico operistico professionale presso il Teatro di Stato della Turingia meridionale a Meiningen, in Germania, con il ruolo di Ottaviano ne Il Cavaliere della Rosa. Nel 1999 ha vinto il Concorso Vocale Miriam Helin a Helsinki, Finlandia. Nel 2000, Elina Garanca ha vinto il premio principale al Concorso Nazionale Lettone, quindi è stata accettata nella troupe e ha lavorato all'Opera di Francoforte, dove ha interpretato i ruoli della Seconda Signora ne Il Flauto Magico, Hansel in Hansel e Gretel di Humperdinck. e Rosina in Siviglia. barbiere." Nel 2001 è diventata finalista del prestigioso concorso internazionale cantanti lirici a Cardiff e pubblicò il debutto album solista con un programma di arie d'opera. Il successo internazionale della giovane cantante è arrivato nel 2003 al Festival di Salisburgo, quando ha cantato la parte di Annio nella produzione di Mozart di Titus' Mercy diretta da Nikolaus Harnoncourt. Questa performance è stata seguita da successi e numerosi impegni. Il luogo di lavoro principale è stata l'Opera di Stato di Vienna, nella quale Garancha ha interpretato i ruoli di Charlotte in "Werther" e Dorabella in "Everybody Does It So" nel 2003-2004. In Francia, è apparsa per la prima volta al Théâtre des Champs Elysées (Angelina nella Cenerentola di Rossini) e poi all'Opera di Parigi (Opera Garnier) nel ruolo di Ottaviano. Nel 2007, Elina Garancha si è esibita per la prima volta sul palco principale dell'opera città natale Rigi all'Opera Nazionale Lettone con la parte di Carmen. Nello stesso anno ha debuttato all'Opera di Stato di Berlino (Sext) e al Royal Theatre "Covent Garden" di Londra (Dorabella), e nel 2008 - al Metropolitan Opera di New York con il ruolo di Rosina in " Barbiere di Siviglia" e all'Opera Bavarese di Monaco (Adalgisa). Attualmente, Elina Garancha si esibisce sui palcoscenici dei principali teatri d'opera e sale da concerto del mondo come una delle stelle musicali più brillanti grazie alla sua bella voce, musicalità e talento drammatico convincente. I critici hanno notato la facilità, la velocità e la comodità con cui Garancha ha esercitato la sua voce e il successo con cui ha applicato la tecnica vocale moderna al complesso repertorio rossiniano dell'inizio del XIX secolo. Elina Garancha ha una solida collezione di registrazioni audio e video, inclusa una registrazione vincitrice di un Grammy dell'opera "Bayazet" di Antonio Vivaldi diretta da Fabio Biondi, dove Elina ha cantato la parte di Andronico. Elina Garancha è sposata con il direttore d'orchestra inglese Karel Mark Chichon e la coppia aspetta il loro primo figlio alla fine di ottobre 2011.

Angela Gheorghiu (in rumeno Angela Gheorghiu) è una cantante lirica rumena, soprano. Uno dei cantanti lirici più famosi del nostro tempo. Angela Georgiou (Burlacu) è nata il 7 settembre 1965 nella piccola città di Ajud, in Romania. Fin dalla prima infanzia era ovvio che sarebbe diventata una cantante, il suo destino era la musica. Ha studiato in una scuola di musica a Bucarest e si è laureata presso l'Università Nazionale di Musica di Bucarest. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1990 nel ruolo di Mimi ne La bohème di Puccini a Cluj, e nello stesso anno ha vinto il concorso vocale internazionale Hans Gabor Belvedere a Vienna. Il cognome Georgiou le è rimasto dal primo marito. Angela Georgiou ha fatto il suo debutto internazionale nel 1992 alla Royal Opera House, Covent Garden, in La Boheme. Nello stesso anno ha debuttato al Metropolitan Opera di New York e all'Opera di Stato di Vienna. Nel 1994, alla Royal Opera House, Covent Garden, cantò per la prima volta il ruolo di Violetta ne La Traviata, in questo momento avvenne la "nascita di una stella", Angela Georgiou iniziò a godere di un successo costante nei teatri d'opera e nelle sale da concerto di tutto il mondo. mondo: a New York, Londra, Parigi, Salisburgo, Berlino, Tokyo, Roma, Seul, Venezia, Atene, Monte Carlo, Chicago, Filadelfia, San Paolo, Los Angeles, Lisbona, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurigo, Vienna, Salisburgo, Madrid, Barcellona, ​​Praga, Montreal, Mosca, Taipei, San Juan, Lubiana. Nel 1994 conosce il tenore Roberto Alagna, che sposerà nel 1996. cerimonia matrimoniale ha avuto luogo al Metropolitan Opera di New York. Coppia Alanya-Georgiou per molto tempo era l'unione familiare creativa più brillante sul palcoscenico dell'opera, ora sono divorziati. Il suo primo contratto discografico esclusivo è stato firmato nel 1995 con la Decca, dopo di che ha pubblicato diversi album all'anno, ora ha circa 50 album, sia opere in scena che concerti da solista. Sono arrivati ​​tutti i suoi CD buon riscontro critici e hanno ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il premio della rivista Gramophone, il premio tedesco Echo, il francese Diapason d'Or e Choc du Monde de la Musique, e molti altri. Per due volte, nel 2001 e nel 2010, i "Classical BRIT Awards" britannici l'hanno nominata "Miglior cantante femminile dell'anno". La gamma di ruoli di Angela Georgiou è molto ampia, ama soprattutto le opere di Verdi e Puccini. Il repertorio italiano, forse a causa della relativa somiglianza delle lingue rumena e italiana, se la cava in modo eccellente, alcuni critici notano che l'opera francese, tedesca, russa e inglese viene eseguita in modo più debole. I ruoli più importanti di Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Pozione d'Amore" " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo e Giulietta" - Giulietta Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "La Rondine" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continua ad esibirsi attivamente e si trova al vertice dell'Olimpo dell'opera. I prossimi impegni includono vari concerti in Europa, America e Asia, Tosca e Faust alla Royal Opera House, Covent Garden.

Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya è una famosa cantante lirica ucraina (soprano), insegnante. Anche durante la sua vita, Salome Krushelnitskaya è stata riconosciuta come una cantante eccezionale nel mondo. Aveva una voce eccezionale in termini di forza e bellezza di un'ampia gamma (circa tre ottave con registro medio libero), una memoria musicale (poteva imparare parti d'opera in due o tre giorni) e un brillante talento drammatico. Il repertorio del cantante comprendeva oltre 60 parti diverse. Tra i suoi numerosi premi e riconoscimenti, in particolare, il titolo di "Wagner prima donna del XX secolo". Il compositore italiano Giacomo Puccini ha regalato al cantante il suo ritratto con la scritta "bella e affascinante Farfalla". Salomeya Krushelnytska è nata il 23 settembre 1872 nel villaggio di Belyavintsy, ora distretto di Buchatsky nella regione di Ternopil, nella famiglia di un prete. Proviene da una nobile ed antica famiglia ucraina. Dal 1873 la famiglia si trasferì più volte, nel 1878 si trasferirono nel villaggio di Belaya vicino a Ternopil, da dove non se ne andarono mai. Ha iniziato a cantare da giovani anni. Da bambina, Salome sapeva molto canzoni folk che ha imparato direttamente dai contadini. Ha ricevuto le basi della formazione musicale presso il ginnasio di Ternopil, dove ha sostenuto gli esami come studentessa esterna. Qui si avvicinò alla cerchia musicale degli studenti delle scuole superiori, di cui faceva parte anche Denis Sichinsky, in seguito un noto compositore, il primo musicista professionista nell'Ucraina occidentale. Nel 1883, al concerto di Shevchenko a Ternopil, il primo discorso pubblico Salome, che ha cantato nel coro della società di conversazione russa. A Ternopil, Salomea Krushelnytska ha conosciuto il teatro per la prima volta. Qui, di tanto in tanto, si esibiva il teatro di Lvov della Società di conversazione russa. Nel 1891 Salome entrò al Conservatorio di Lviv. Al conservatorio, il suo insegnante era l'allora famoso professore di Lviv, Valery Vysotsky, che allevò un'intera galassia di famosi cantanti ucraini e polacchi. Mentre studiava al conservatorio, ebbe luogo la sua prima esibizione da solista, il 13 aprile 1892, la cantante eseguì la parte principale nell'oratorio "Messiah" di G. F. Handel. Il primo debutto operistico di Salome Krushelnitskaya ebbe luogo il 15 aprile 1893, interpretò il ruolo di Leonora nell'esecuzione della "Favorite" del compositore italiano G. Donizetti sul palco del Teatro della città di Lviv. Nel 1893 Krushelnytska si diplomò al Conservatorio di Lvov. Nel diploma di laurea di Salome, era scritto: "Questo diploma viene ricevuto da Panna Salomea Krushelnitskaya come prova di un'educazione artistica ricevuta con diligenza esemplare e successo straordinario, soprattutto in un concorso pubblico il 24 giugno 1893, per il quale le fu assegnata una medaglia d'argento medaglia." Mentre studiava ancora al conservatorio, Salomea Krushelnytska ricevette un'offerta dal Teatro dell'Opera di Lviv, ma decise di continuare gli studi. La sua decisione è stata influenzata dalla famosa cantante italiana Gemma Bellinchoni, che a quel tempo era in tournée a Lviv. Nell'autunno del 1893 Salomè parte per studiare in Italia, dove la professoressa Fausta Crespi diventa la sua maestra. Nel processo di studio, le esibizioni ai concerti in cui cantava arie d'opera furono una buona scuola per Salome. Nella seconda metà degli anni Novanta dell'Ottocento iniziano le sue trionfali esibizioni sui palcoscenici dei teatri di tutto il mondo: in Italia, Spagna, Francia, Portogallo, Russia, Polonia, Austria, Egitto, Argentina, Cile nelle opere Aida, Il trovatore di D. Verdi, Faust » S. Gounod, "Il cortile terribile" di S. Moniuszko, "Africano" di D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" e "Cio-Cio-San" di G. Puccini, "Carmen" di J. Bizet, "Elettra" di R. Strauss, "Eugene Onegin" e " regina di spade» di P.I. Čajkovskij e altri. Il 17 febbraio 1904, al Teatro alla Scala di Milano, Giacomo Puccini presentò la sua nuova opera Madama Butterfly. Mai prima d'ora il compositore era stato così sicuro del successo... ma il pubblico fischiò indignato l'opera. Il celebre maestro si sentì schiacciato. Gli amici convinsero Puccini a rielaborare la sua opera e a invitare Salome Krushelnitskaya alla parte principale. Il 29 maggio, sul palco del Teatro Grande di Brescia, ha avuto luogo la prima, questa volta trionfante, della rinnovata Madama Butterfly. Il pubblico ha chiamato sul palco gli attori e il compositore sette volte. Dopo lo spettacolo, commosso e grato, Puccini ha inviato a Krushelnitskaya il suo ritratto con la scritta: "Alla farfalla più bella e affascinante". Nel 1910, S. Krushelnitskaya sposò il sindaco della città di Viareggio (Italia) e l'avvocato Cesare Riccioni, che era un intenditore di musica ed un aristocratico erudito. Si sono sposati in uno dei templi di Buenos Aires. Dopo il matrimonio, Cesare e Salome si stabilirono a Viareggio, dove Salome acquistò una villa, che chiamò "Salome" e continuò a girare. Nel 1920, Krushelnitskaya lasciò il palcoscenico dell'opera all'apice della sua fama, esibendosi per l'ultima volta al Teatro di Napoli nelle sue opere preferite Lorelei e Lohengrin. Ha dedicato la sua vita all'attività concertistica da camera, eseguendo brani in 8 lingue. Ha girato l'Europa e l'America. In tutti questi anni fino al 1923 venne costantemente in patria e si esibì a Lvov, Ternopil e in altre città della Galizia. Aveva forti legami di amicizia con molte figure dell'Ucraina occidentale. Posto speciale a attività creativa i cantanti hanno preso parte ai concerti dedicati alla memoria di T.Shevchenko e I.Ya.Frank. Nel 1929 ebbe luogo a Roma l'ultimo concerto in tournée di S. Krushelnitskaya. Nel 1938 morì il marito di Krushelnitskaya, Cesare Riccioni. Nell'agosto del 1939, il cantante visitò la Galizia e, a causa dello scoppio della seconda guerra mondiale, non poté tornare in Italia. Durante l'occupazione tedesca di Leopoli, S. Krushelnytska era molto povera, quindi dava lezioni private di canto. Nel dopoguerra, S. Krushelnytska iniziò a lavorare al Conservatorio statale di Lviv intitolato a N.V. Lysenko. Tuttavia, la sua carriera di insegnante è appena iniziata, quasi finita. Durante la "ripulitura del personale dagli elementi nazionalisti" è stata accusata di non avere il diploma di conservatorio. Successivamente il diploma è stato ritrovato nei fondi del Museo storico della città. Vivendo e insegnando in Unione Sovietica, Salomeya Amvrosievna, nonostante numerosi ricorsi, per lungo tempo non riuscì a ottenere la cittadinanza sovietica, rimanendo sudditata dell'Italia. Alla fine, dopo aver scritto una dichiarazione sul trasferimento della sua villa italiana e di tutte le proprietà allo stato sovietico, Krushelnitskaya divenne cittadina dell'URSS. La villa fu subito venduta, risarcindo al proprietario una misera parte del suo valore. Nel 1951, Salome Krushelnitskaya ricevette il titolo di Operaia d'arte onorata della SSR ucraina e nell'ottobre 1952, un mese prima della sua morte, Krushelnitskaya ricevette il titolo di professore. Il 16 novembre 1952 il cuore del grande cantante smise di battere. Fu sepolta a Leopoli nel cimitero di Lychakiv accanto alla tomba del suo amico e mentore, Ivan Franko. Nel 1993, a Lviv, dove visse gli ultimi anni della sua vita, fu intitolata una strada a S. Krushelnytska. Nell'appartamento della cantante è stato inaugurato il museo commemorativo di Salomea Krushelnytska. Oggi il Teatro dell'Opera di Lviv, la Scuola Secondaria di Musica di Lviv, il Collegio Musicale di Ternopil (dove viene pubblicato il giornale Salomeya), la scuola di 8 anni nel villaggio di Belaya, le strade di Kiev, Lvov, Ternopil, Buchach sono prende il nome da S. Krushelnytska (vedi via Salomeya Krushelnytska). Nella Sala degli Specchi del Teatro dell'Opera e del Balletto di Lviv monumento in bronzo Salome Krushelnitskaya. Molte opere artistiche, musicali e cinematografiche sono dedicate alla vita e all'opera di Salomea Krushelnytska. Nel 1982, presso lo studio cinematografico A. Dovzhenko, il regista O. Fialko ha girato il film storico e biografico "Il ritorno della farfalla" (basato sull'omonimo romanzo di V. Vrublevskaya), dedicato alla vita e all'opera di Salomea Krushelnitskaya. L'immagine è basata sui fatti reali della vita della cantante ed è costruita secondo i suoi ricordi. Le parti di Salome sono eseguite da Gisela Zipola. Il ruolo di Salome nel film è stato interpretato da Elena Safonova. Inoltre, sono stati creati documentari, in particolare "Salome Krushelnitskaya" (diretto da I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (diretto da A. Frolov, Kiev, "Contact", 1997) , una trasmissione televisiva dal ciclo "Names" (2004), film documentario "Solo-mea" dal ciclo "Game of Fate" (regista V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18 marzo 2006 sul palco del Teatro Accademico Nazionale dell'Opera e del Balletto di Lviv intitolato a S. Krushelnitskaya ha ospitato la prima del balletto di Miroslav Skorik "Il ritorno della farfalla", basato su fatti della vita di Salomea Krushelnitskaya. Il balletto utilizza la musica di Giacomo Puccini. Nel 1995, la prima dell'opera "Salome Krushelnytska" (autore B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ebbe luogo nel Teatro drammatico regionale di Ternopil (ora teatro accademico). Dal 1987 a Ternopil si tiene il concorso Salomea Krushelnytska. Ogni anno Lviv ospita il concorso internazionale intitolato a Krushelnytska; i festival dell'opera d'arte sono diventati tradizionali.

Annette Dasch è una cantante lirica e soprano tedesca. Uno dei principali cantanti lirici tedeschi contemporanei. Annette Dasch è nata il 24 marzo 1976 a Berlino. I genitori di Annette, il padre, il giudice e la madre hanno studiato medicina, hanno amato la musica e hanno instillato questo amore nei loro quattro figli. A casa, tradizionalmente, tutti i membri della famiglia suonavano musica e cantavano insieme, una volta cresciuti, tutti i bambini sono diventati musicisti professionisti: la figlia maggiore - una pianista, i fratelli minori - uno - un cantante, basso baritono, un membro del pop classico quintetto "Adoro", il secondo - insegnante di musica. Fin dall'infanzia, Annette si è esibita a scuola ensemble vocale e sognava di diventare un cantante rock. Era anche una scout attiva e le piacciono ancora le escursioni e le escursioni. Nel 1996, Annette si è trasferita a Monaco per studiare canto accademicamente presso la Scuola Superiore di Musica e Teatro di Monaco. Nel 1998/99 ha inoltre seguito i corsi di musica e teatro presso l'Università di Musica e Teatro di Graz (Austria). Il successo internazionale arrivò nel 2000 quando vinse tre importanti concorsi vocali internazionali: il Concorso Maria Callas di Barcellona, ​​il Concorso di scrittura di canzoni Schumann a Zwickau e il concorso di Ginevra. Da allora, si è esibita sui migliori palcoscenici d'opera in Germania e nel mondo: all'Opera di Stato bavarese, a Berlino, a Dresda, all'Opera di Parigi e agli Champs Elysees, alla Scala, al Covent Garden, all'Opera di Tokyo, al Metropolitan Opera e molti altri. . Nel 2006, 2007, 2008 si è esibita al Festival di Salisburgo, nel 2010, 2011 al Festival Wagner di Bayorot. La gamma di ruoli di Annette Dasch è piuttosto ampia, compresi i ruoli di Armida ("Armida", Haydn), Gretel ("Hansel e Gretel", Humperdinck), Goose Girls ("Royal Children", Humperdinck), Fiordiligi ("Everybody Fa così" , Mozart), Elvira ("Don Giovanni", Mozart), Elvira ("Idomeneo", Mozart), Contessa ("Le nozze di Figaro", Mozart), Pamina ("Il flauto magico", Mozart), Anthony ("I racconti di Hoffmann", Offenbach), Liu ("Turandot", Puccini), Rosalind ("Il pipistrello", Strauss), Freya ("L'oro del Reno", Wagner), Elsa ("Lohengrin", Wagner) e Annette Dasch non è solo una cantante d'opera, esegue anche oratori e tiene concerti. Il suo repertorio comprende brani di Beethoven, Britten, Haydn, Gluck, Handel, Schumann, Mahler, Mendelssohn e altri. Loro concerti recenti il cantante si è esibito in tutte le principali città europee (ad esempio a Berlino, Barcellona, ​​Vienna, Parigi, Londra, Parma, Firenze, Amsterdam, Bruxelles), si è esibito ai festival Schubertiade di Schwarzenberg, festival musica antica a Innsbruck e Nantes, oltre ad altri festival prestigiosi. Dal 2008, Annette Dasch conduce il suo famosissimo programma musicale di intrattenimento televisivo "Dash Salon", il cui nome in tedesco è in consonanza con la parola "lavanderia" (Waschsalon). Nella stagione 2011/2012 Annete Dasch ha aperto una tournée europea con recital, i prossimi impegni operistici includono il ruolo di Elvira nel Don Giovanni al Metropolitan Opera nella primavera del 2012, poi il ruolo di Madame Pompadour a Vienna, una tournée con l'Opera di Vienna in Giappone con un ruolo in La vedova allegra", anche un'altra esibizione al festival di Bayorot.

Il Teatro accademico nazionale dell'opera e del balletto di Odessa è uno dei teatri d'opera più antichi dell'Ucraina. L'inaugurazione del primo edificio teatrale ebbe luogo nel 1810. L'edificio moderno fu costruito nel 1887 dagli architetti F. Felner e G. Gelmer (Bureau Felner & Helmer) in stile barocco viennese. Il restauro completo dell'edificio teatrale è stato completato nel 2007. Area scenica - 500 mq. metri, il numero di posti a sedere - 1636. Il teatro è stato diretto da P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Pavlova e Isadora Duncan. Tra i solisti eccezionali del teatro - A. Azrikan. Tra le produzioni di successo della compagnia teatrale figurano: Carmen, La Traviata, Trovatore, Rigoletto, Cosacco al di là del Danubio, Cio-Cio-San, Natalka-Poltavka, Giselle, Lo Schiaccianoci, "La Bella Addormentata". Ha menzionato Alexander Pushkin Teatro di Odessa nel romanzo Eugene Onegin. Per il 120° anniversario del teatro, la Banca Nazionale dell'Ucraina ha emesso monete commemorative. Il Teatro dell'Opera e del Balletto può essere definito la più antica tra le istituzioni culturali della città. Odessa ricevette il diritto di costruire un teatro nel 1804 e nel 1809 era già stato costruito. L'autore di questo progetto è il famoso architetto francese Thomas de Thomon, che a quel tempo costruì numerosi edifici a San Pietroburgo. Ha avuto luogo il 10 febbraio 1810 grande apertura . La prima rappresentazione è stata l'opera in un atto di Frohlich The New Family e il vaudeville The Comforted Widow della compagnia russa P.V. Fortunatov. Nel 1873 il vecchio teatro bruciò completamente. Fortunatamente nessuna delle persone è rimasta ferita. Gli architetti viennesi F. Felner e G. Gelmer proposero di creare un progetto per un nuovo teatro cittadino, secondo i cui progetti furono costruiti teatri in molte città europee (Vienna, Budapest, Dresda, Zagabria, ecc.). Dal momento dell'incendio alla posa della prima pietra delle fondamenta del nuovo teatro trascorsero quasi 11 anni. L'inaugurazione del teatro ebbe luogo il 1 ottobre 1887. Nel marzo 1925, a seguito di un nuovo incendio, il palco bruciò completamente e la sala fu danneggiata. Il teatro fu ricostruito in breve tempo e gli spettacoli ripresero un anno dopo. Il palco ha ricevuto nuove attrezzature tecniche, sono state installate due tende in cemento armato che, se necessario, hanno tagliato il palco dalla sala delle udienze e dai locali di servizio. Come testimonia l'iscrizione sulla targa commemorativa, il 10 aprile 1944 sul balcone del teatro fu innalzato lo stendardo della liberazione della città dagli invasori nazisti (tra l'altro, i tedeschi progettarono di far saltare in aria il teatro durante ritiro). Il Teatro dell'Opera di Odessa è famoso, prima di tutto, per la sua architettura, e in termini di disposizione e dati tecnici non è inferiore ai migliori teatri d'Europa. In pianta l'edificio è costituito da un'aula delle udienze a ferro di cavallo, coperta da ballatoi, un foyer e un palco rettangolare con locali di servizio. Lungo l'asse longitudinale dell'edificio si trova un portale a due ordini dell'ingresso principale con alto attico, lungo l'asse trasversale si trovano gallerie a tre arcate di ingressi laterali. La disposizione è radiale: dal centro lungo i raggi in diverse direzioni vengono posati i passaggi verso l'uscita. Anche le scale che conducono direttamente all'uscita del teatro hanno gradini. L'edificio è coperto con un sistema di capriate metalliche, rivestimento in zinco. Il tetto della sala delle udienze ricorda la superficie di una parte di un ellissoide, tagliato da piani lungo gli assi di simmetria orizzontale e verticale; è coronato da una lanterna rotonda con cupola, completata da una bassa guglia. L'edificio del teatro è realizzato in stile barocco viennese. Esternamente strutturalmente è composta da 3 piani. Il 1° (seminterrato) e il 2°, decorati solo con colonne toscane nelle logge, formano un tutt'uno, appaiono ingombranti e fondamentali, conferendo all'edificio un aspetto statico. Il 3° piano, più leggero, traforato, dai dettagli raffinati, con logge ad arco, colonne e pilastri di ordine ionico, nasconde la pesantezza dei piani inferiori e crea l'illusione della leggerezza. Ulteriori effetti sono costituiti da un elegante portico e da un tetto a cupola. L'edificio sembra "galleggiare" sopra il suolo. Sopra la facciata si eleva un gruppo scultoreo raffigurante la musa della tragedia teatrale Melpomene su un carro imbrigliato da 4 pantere da lei conquistate. Sotto ci sono due gruppi scultorei anche mitologici: a sinistra Orfeo suona la cetra per il centauro, a destra la musa della danza Tersicore balla con una ragazza. Sul frontone del portico sono indicate diverse date in numeri romani: la prima riga - le date di inizio e fine della costruzione del teatro (1884-1887), la seconda riga - la frase "il teatro era in fiamme " e l'anno 1925, poi l'anno 1967 e la parola "ricostruzione". Lungo l'ingresso centrale si trovano gruppi scultorei rappresentanti la Commedia e la Tragedia: a sinistra un frammento della tragedia Ippolito di Euripide, a destra un episodio della commedia Gli Uccelli di Aristofane. Lungo il frontone nelle nicchie rotonde del piano superiore ci sono busti di scrittori e compositori russi: A. Pushkin, M. Glinka, A. Griboyedov, N. Gogol (scultori - F. Netali e F. Friedl, stucco - L. Strictius sotto la direzione di F. Etel). La parte più bella dell'edificio - l'interno, prima di tutto la sala degli spettatori, è stata realizzata nello stile del tardo rococò francese e decorata con ornamenti in stucco dorato. La composizione che decora il soffitto si basa su 4 dipinti a medaglione di Leffler basati sulle storie di Shakespeare ("Amleto", "Sogno di una notte di mezza estate", "Racconto d'inverno", "Come vi piace"). Un grande lampadario al centro del soffitto colpisce per l'eleganza dei dettagli traforati. Attraggono l'attenzione le graziose modanature in stucco delle gradinate, dei vestiboli laterali e lungo le scale che conducono ai palchi, lampade originali, candelabri e ornamenti intarsiati in bronzo. Il sipario, realizzato secondo lo schizzo di A. Golovin, colpisce per il suo gusto. Area scenica - 500 mq. metri. L'acustica unica della stanza ti consente di trasmettere anche un sussurro dal palco ad ogni angolo della sala. Nella sala, i posti per gli spettatori si trovano in platea, palchi del benoir, mezzanino, 1° e 2° ordine e in galleria. Tra i palchi spicca il palco "reale", al centro del mezzanino, proprio di fronte al palco. Nella prima fila ci sono 12 posti. Per arrestare l'assestamento dell'edificio e la formazione di crepe nelle sue strutture portanti, nel 1951-1956 si intervenne per consolidare le fondamenta del teatro silicizzandole con vetro liquido (furono colati circa 6 milioni di litri di vetro fuso attraverso le fosse nelle fondamenta). Nel 1965 -1967 - un restauro completo del teatro, sia all'esterno che all'interno. Il governo dell'URSS ha speso 4 milioni di rubli e 9 kg di foglia d'oro puro. Tuttavia, queste misure non aiutarono a lungo: il teatro fu costruito su rocce sedimentarie, quindi il processo di distruzione continuò. Verso la metà degli anni '90 l'edificio cadde in uno stato catastrofico e nel 1996 il Gabinetto dei Ministri ucraino stanziò fondi per un nuovo importante restauro. Il completamento dei lavori era stato inizialmente previsto per il 1999, poi più volte rinviato per mancanza di fondi. La fondazione è stata rafforzata mediante getto di pali di cemento armato. Un restauro completo dell'edificio è stato completato nel 2007. Il teatro ha dato un grande contributo allo sviluppo cultura musicale nel sud dell'Ucraina. P.I. Tchaikovsky, M.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rakhmaninov, Eugene Ysaye, Pablo Sarasate e altri hanno eseguito qui le loro opere, Enrico Caruso, Fyodor Chaliapin, Solomeya Krushelnitskaya, Antonina Nezhdanova, Leonid Sobinov, J. Anselmi, Titta Ruffo, Mattia Battistini, L. Geraldoni, Anna Pavlova, Isadora Duncan, E.V. Geltser hanno ballato. I direttori di spettacoli e concerti sinfonici erano A.G. Rubinshtein, E.F. Napravnik, A.S. Arensky, A. K. Glazunov e altri. Nel 1926 il teatro ottenne il titolo di "accademico", nel 2007 gli fu conferito lo status di "nazionale". Il teatro ospita concerti sinfonici, in particolare concerti d'organo, perché il teatro ha i migliori dati acustici della città e un organo incorporato. Da diversi decenni il teatro gestisce una scuola di balletto per bambini, un'istituzione creativa unica in città e una "fucina di personale" per la compagnia di balletto del teatro. Il teatro ha una grande compagnia d'opera, tra cui si possono notare: l'artista popolare ucraino Anatoly Boyko (basso), l'artista popolare ucraino Valentina Vasilyeva (mezzo-soprano), l'artista popolare ucraino Anatoly Kapustin (tenore), l'artista popolare ucraino Lyudmila Shirina (soprano). La compagnia di balletto del teatro è composta da 50 persone. Tra questi spiccano gli artisti onorati dell'Ucraina Andrey Musorin ed Elena Kamenskikh, partecipanti al Farewell Tour di Rudolf Nuriyev. Direttore principale del Teatro accademico nazionale dell'opera e del balletto di Odessa - Professore, Artista nazionale Ucraina Yarema Antonovich Skibinsky. I ballerini sono stati in tournée in Canada, Giappone, Vietnam, Sri Lanka, Cina, Ungheria, Bulgaria, Finlandia, Corea del Sud, Italia, Spagna, Portogallo - con Maya Plisetskaya, Indonesia, Svizzera, Svezia e altri paesi. Tra le produzioni più famose e di successo del teatro moderno ci sono le seguenti rappresentazioni: "Carmen", "La Traviata", "Il trovatore", "Rigoletto", "Zaporozhets oltre il Danubio", "Cio-Cio-San", "Natalka -Poltavka", "Giselle", "Lo Schiaccianoci", "La Bella Addormentata". A questi spettacoli la sala è solitamente piena. Alexander Sergeevich Pushkin "Eugene Onegin" (sezione "Estratti dal viaggio di Onegin"). Ma la sera blu si sta già facendo scura, presto per noi è ora di andare all'opera: c'è il delizioso Rossini, il servitore d'Europa - Orfeo ... ... Ma c'è solo fascino lì? E l'occhialino investigativo? E le date del backstage? Una prima donna? che ne dici del balletto?

Il Teatro Carlo Felice è il principale teatro lirico di Genova, in Italia. Il teatro si trova nel centro della città, vicino a Piazza Ferrari ed è uno dei simboli della città: davanti al teatro è installato il monumento equestre a Giuseppe Garibaldi. La decisione di costruire un nuovo teatro d'opera a Genova fu presa nel 1824, quando divenne chiaro che i teatri cittadini esistenti non soddisfacevano le esigenze della città. Il nuovo teatro avrebbe dovuto stare nella stessa fila e competere con i migliori teatri d'opera d'Europa. Fu indetto un concorso di architettura, in cui fu scelto il progetto dell'edificio del teatro dell'opera dell'architetto locale Carlo Barbarino, poco dopo, per la costruzione del palco e della sala, fu invitato inoltre il famoso milanese Luigi Canonica, che aveva già ha partecipato a diversi grandi progetti: il restauro della Scala, la costruzione di teatri a Milano, Cremona, Brescia, ecc. Per il teatro è stato scelto un luogo su cui sorgevano l'ex monastero domenicano e la chiesa di San Domenico. Questo complesso monastico, fin dal XIII secolo, è noto per la sua imponenza architettonica e per le preziose opere d'arte per la decorazione interna. Alcuni sostengono che il monastero sia stato “sacrificato” al teatro, ma ciò non è vero. Ai tempi del “Regno d'Italia” di Napoleone, nel monastero si trovavano le caserme e i magazzini del suo esercito. Il complesso era molto fatiscente e nel 1821, secondo il piano di ricostruzione della città, fu completamente demolito e nel 1824 fu presa la decisione di costruire un teatro. La prima pietra del nuovo edificio fu posta il 19 marzo 1826. L'inaugurazione ebbe luogo il 7 aprile 1828, anche se la costruzione e la decorazione non erano del tutto finite. La prima opera sulla scena teatrale è stata "Bianca e Fernando" di Vincenzo Belinni. Il teatro è intitolato al duca Carlo Felice di Savoia, sovrano di Genova. La sala a cinque livelli poteva ospitare circa 2500 spettatori. Negli anni successivi il teatro fu restaurato più volte, nel 1852 fu installata l'illuminazione a gas, nel 1892 quella elettrica. Per quasi quarant'anni, a partire dal 1853, Giuseppe Verdi trascorse gli inverni a Genova e mise più volte in scena le sue opere al Teatro Carlo Felice. Nel 1892, dopo una ricostruzione per celebrare il 400° anniversario della scoperta dell'America da parte di Cristoforo Colombo (Genova contesta il diritto di essere considerata la piccola patria di Colombo), fu chiesto a Verdi di comporre un'opera adatta a questo evento e di metterla in scena nella teatro, ma rifiutò, adducendo la sua età avanzata. Il teatro Carlo Felice fu costantemente aggiornato e rimase in buono stato fino alla seconda guerra mondiale. Il primo danno avvenne nel 1941, quando il tetto dell'edificio fu distrutto dai bombardamenti delle truppe alleate e il singolare dipinto del soffitto dell'auditorium fu gravemente danneggiato. Poi nell'agosto del 1943, dopo essere stati colpiti da una bomba incendiaria, i locali del backstage bruciarono, le scene e i camerini furono distrutti, ma l'incendio non colpì la sala principale, purtroppo in quel periodo il teatro soffrì maggiormente di ladri che rubarono molte cose preziose. Finalmente, nel settembre del 1944, dopo un bombardamento aereo, del teatro rimasero praticamente solo le mura. Il teatro, riparato frettolosamente, continuò la sua attività per tutto questo tempo e vi si esibì anche Maria Callas. I piani per un importante restauro dell'edificio teatrale iniziarono nel 1946. Nel 1951 fu selezionato un progetto sulla base di un concorso, ma non venne mai realizzato. Il teatro fu chiuso all'inizio degli anni '60 a causa del degrado. Nel 1963 il famoso architetto Carlo Scarpa fu incaricato di elaborare un progetto di ricostruzione, ma ritardò i lavori e il progetto fu pronto solo nel 1977, tuttavia, a causa della morte inaspettata dell'architetto nel 1978, il progetto fu interrotto. Il progetto successivo fu adottato nel 1984, Aldo Rossi fu scelto come architetto principale del nuovo teatro Carlo Felice. Il filo conduttore principale degli sviluppatori è stata la combinazione di storia e modernità. Sono state lasciate le pareti del vecchio teatro e la facciata con bassorilievi, così come alcuni elementi della decorazione interna, che sono riusciti ad inserirsi nei nuovi interni, tuttavia, per la maggior parte il teatro è stato ricostruito ex novo. Il 7 aprile 1987 fu posta la prima pietra del nuovo teatro. Dietro il vecchio teatro, è stato aggiunto un nuovo grattacielo che ospita palchi, controlli di piattaforme mobili, sale prove e camerini. L'auditorium stesso si trova nel teatro "vecchio", l'obiettivo degli architetti era ricreare l'atmosfera del vecchio piazza del teatro quando si tenevano spettacoli per strada nel centro della città. Pertanto, sulle pareti dell'atrio sono state realizzate finestre e balconi, imitando le pareti esterne degli edifici, e il soffitto è punteggiato da un "cielo stellato". Il 18 ottobre 1991 si alzò finalmente il sipario del Teatro Carlo Felice, il primo spettacolo di apertura della stagione fu Il trovatore di Giuseppe Verdi. Il Teatro Carlo Felice è uno dei teatri d'opera più grandi d'Europa, con una capienza di 2000 posti nella sala principale.

L'Opera di Lione o Opera Nouvel (Opera de Lyon, opera Nouvel) è un moderno teatro d'opera e balletto a Lione, in Francia. Prende il nome dal famoso architetto francese Jean Nouvel che progettò l'edificio. Gestito dalla compagnia statale Opera Nazionale di Lione. Il primo teatro dell'opera fu inaugurato a Lione nel 1756, fu progettato dall'architetto Jacques-Germain Soufflot, autore del Panthéon di Parigi. All'inizio del secolo successivo, il teatro era troppo piccolo e nel 1826 fu demolito e al suo posto fu eretto il nuovo Teatro dell'Opera di Lione. Gli architetti erano Antoine-Marie Chenavar e Jean-Marie Pollet. Il nuovo teatro contava circa 1200 posti. Il 1 luglio 1831, il teatro fu inaugurato con l'opera "La Dama Bianca" di François-Adrien Boildieu, tra l'altro questo compositore francese lavorò a lungo a San Pietroburgo. Nel XIX e XX secolo, il Teatro di Lione ha ospitato diverse prime francesi, tra cui I maestri cantori di Norimberga di R. Wagner e Boris Godunov di M. P. Mussorgsky, nonché la prima mondiale di "Waiting" di A. Schönberg e altri. Nel 1985 la città decise di ricostruire il teatro dell'opera sullo stesso sito e fu bandito un concorso. Secondo i risultati del concorso, la costruzione dell'edificio fu affidata all'eccezionale architetto francese Jean Nouvel. La costruzione iniziò nel 1989 e terminò nel 1993. Dell'edificio esistente nel 1831 è rimasto l'involucro: muri, facciata e atrio. Tutti i locali interni del teatro furono completamente rifatti, furono aggiunti i piani interrati per le sale prove e l'altezza dell'edificio fu raddoppiata grazie ad una cupola di vetro semicilindrica, che ospita principalmente il corpo di ballo. L'altezza totale dell'edificio con 5 piani interrati, una profondità di 20 metri e una cupola di 6 piani è di 62 metri, il volume è di circa 80.000 mq. L'aspetto dell'edificio, dovuto soprattutto alla cupola superiore color inchiostro, è stato inizialmente fortemente criticato, ora fa parte del paesaggio urbano ed è ben accolto dai cittadini. La facciata lasciata dall'edificio precedente è decorata con otto statue di muse, la musa Urania manca per due motivi: in primo luogo, per simmetria e, in secondo luogo, Urania non è correlata all'arte dell'opera. L'auditorium è stato costruito nel modo tradizionale Stile italiano, a ferro di cavallo e 6 ordini di balconi, la capienza della sala è di circa 1100 posti, motivo anche di critiche, poiché si ritiene che per Lione si tratti di una piccola capienza e il palco sia poco visibile da alcuni punti. L'attuale direttore principale dell'Opéra de Lyon è il direttore giapponese Kazushi Ono.

Il Gran Teatro La Fenice ("Phoenix") (Gran Teatro La Fenice) è un teatro d'opera di Venezia, più volte distrutto da un incendio e ricostruito. Il teatro è la sede del Festival Internazionale di Musica Contemporanea. Il Teatro La Fenice fu costruito tra il 1790 e il 1792. Il nome "Phoenix" riflette il fatto che il teatro è "rinato dalle ceneri" due volte. Nel 1774 il principale teatro d'opera veneziano dell'epoca, il San Benedetto, fu raso al suolo. La società di gestione lo restaurò, ma perse in tribunale la controversia con il proprietario e perse nuovamente il teatro. Di conseguenza, la compagnia ha deciso di costruire il proprio nuovo teatro dell'opera. La costruzione iniziò nel giugno 1790 e fu completata nel maggio 1792. Il teatro venne denominato "La Fenice", a testimonianza della rinascita. Fu inaugurato il 16 maggio 1792 con l'opera di Paisiello I Giochi di Agrigentum. Il 13 dicembre 1836 il teatro fu distrutto da un incendio, ma subito restaurato secondo il modello originario, sotto la direzione degli architetti Tommaso e Giambattista Medun. Un anno dopo, nel 1837, il teatro riaprì i battenti. Nell'Ottocento la Fenice divenne sede delle prime di molte opere di importanti autori italiani, in particolare Gioacchino Rossini (Tancredi, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Bellini (Capuleti e Montecchi, 1830, Beatrice di Tandi, 1833) . ) e Giuseppe Verdi (Ernani, 1843, Attila, 1846, Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Simon Boccanegra, 1857). La prima de La Traviata è stata inizialmente fischiata dal pubblico a Phoenix. Nel 1930 la Biennale di Venezia diede vita al primo festival internazionale di musica contemporanea. Nel 1937 il teatro fu ricostruito su progetto di Eugenio Miozzo. Le prime eccezionali del 20 ° secolo furono le produzioni dell'opera The Rake's Progress di I. Stravinsky (1951) e The Turn of the Screw di B. Britten. Il 29 gennaio 1996 l'edificio del teatro fu nuovamente distrutto da un incendio, appiccato dall'elettricista Enrico Carella, che cercava di evitare penalità contrattuali per ritardi nei lavori. Con il sostegno dello Stato, il teatro è stato restaurato e inaugurato solennemente il 14 dicembre 2003. In apertura si sono esibiti il ​​coro e l'orchestra della Scala, diretti da Muti. Nel programma delle celebrazioni in occasione della rinascita della Fenice figuravano le migliori orchestre del mondo, tra cui l'Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo diretta da Yuri Temirkanov, che ha eseguito opere di Čajkovskij e Stravinskij.

Il Metropolitan Opera è un teatro musicale situato al Lincoln Center di New York, New York, Stati Uniti. Il più grande teatro dell'opera del mondo. Viene spesso chiamato in breve "The Met". Il teatro appartiene ai palcoscenici d'opera più famosi del mondo. Il direttore artistico del teatro è James Levine. Amministratore delegato: Peter Gelb. Creato a spese della Metropolitan Opera House Company. Sovvenzionato da aziende ricche, individui. Il Metropolitan Opera aprì con l'esecuzione del Faust di Charles Gounod il 22 ottobre 1883, con il soprano svedese Christina Nilsson come protagonista femminile. Il teatro è aperto sette mesi all'anno: da settembre ad aprile. Ogni stagione vengono messe in scena circa 27 opere. Gli spettacoli si tengono ogni giorno, in totale circa 220 spettacoli. Da maggio a giugno il teatro va in tournée. Inoltre, nel mese di luglio, il teatro offre spettacoli gratuiti nei parchi di New York, raccogliendo un numero enorme di spettatori. Ci sono regolarmente trasmissioni radiofoniche e televisive in diretta. L'orchestra e il coro del teatro lavorano in modo permanente, e solisti e direttori d'orchestra sono invitati con un contratto per una stagione o per determinate rappresentazioni. Le opere vengono tradizionalmente rappresentate nella loro lingua originale. La base del repertorio sono i classici mondiali, compresi i compositori russi. La prima Metropolitan Opera, progettata da J. Cleveland Cudi, si trovava a Broadway, tra la 39a e la 40a strada. Nel 1966, il teatro si trasferì nel nuovo Lincoln Center a Manhattan e ne ha uno palco principale e tre ausiliari. L'auditorium principale ha una capienza di 3.800 posti e, nonostante le sue dimensioni, è noto per la sua eccellente acustica.

Il teatro musicale da camera di stato "Opera di San Pietroburgo" è un teatro dell'opera a San Pietroburgo, in Russia. Il teatro si trova in una piccola ma accogliente dimora del barone von Derviz. Il Teatro musicale da camera è stato fondato nel 1987 a Leningrado dal principale direttore musicale russo, diventato famoso come innovatore dell'arte operistica, Artista onorato della Russia, vincitore del Premio teatrale nazionale "Maschera d'oro", "Soffito d'oro", People's Artista russo YURI ALEXANDROV. Il laboratorio creativo dell'Opera di San Pietroburgo, come originariamente concepito dal regista, alla fine si è riorganizzato in un professionista Teatro di Stato, ben noto non solo nel nostro paese, ma anche ben oltre lo spazio dell'opera russa. Nonostante la sua giovinezza, il teatro ha già una ricca biografia creativa. Per ventitré stagioni il Teatro da Camera si è formato come un unico organismo creativo con un programma unico e originale. La compagnia teatrale comprende solisti e musicisti di talento, molti dei quali sono artisti onorati della Russia, vincitori e studenti di concorsi internazionali e panrussi. Il repertorio dell'Opera di San Pietroburgo presenta l'intera gamma di generi dell'opera d'arte - dall'opera comica, all'opera buffa ai drammi musicali, comprese le opere di autori contemporanei: "Il gioco di Robin e Marion" di Adam de la Alle, "Falcon " di Bortnyansky, "Rosa bianca" di Zimmermann, "I Believe" di Piguzov, "Cane maculato che corre in riva al mare", "Il quinto viaggio di Cristoforo Colombo" di Smelkov, "Campana", "Rita" di Donizetti , "Eugene Onegin" di Čajkovskij, "Boris Godunov" di Mussorgsky (nel 1996 nominato per il Premio teatrale nazionale "Maschera d'oro"), "Giocatori - 1942" di Shostakovich (nel 1997 gli è stato assegnato il premio Highest Theatre Award of St. "Maschera d'Oro"), "Rigoletto" di Verdi (nel 1998 nominato per il Premio Teatrale Nazionale "Maschera d'Oro"), "Canzone d'amore e di morte di Cornet Christoph Rilke" Mattus (nel 1999 è stato insignito del Premio Teatrale Nazionale "Maschera d'Oro") " nelle nomination "Miglior spettacolo d'opera"), "La regina di picche" di Čajkovskij (nel 2000 nominato per il Premio teatrale nazionale "Maschera d'oro"), " Bella Elena Offenbach, "Antiformalist Raek" di Shostakovich, "Adrienne Lecouvreur" di Cilea, "Don Pasquale", "Pietro il Grande - lo Zar di tutta la Rus' o il falegname di Livonia" di Donizetti, "Gianni Schicchi" di Puccini e altri. Teatro dell'Opera di San Pietroburgo "Sono state messe in scena allestimenti di opere che a San Pietroburgo vengono rappresentate solo sul palco Teatro da camera - "Rita", "La campana", Donizetti, "Falcon" Bortnyansky, "Matrimonio segreto" Cimarosa, "Gamblers - 1942", Raek anti-formalista di Shostakovich, "Adrienne Lecouvreur" Chilea, "Pietro il Grande - Zar di tutta la Russia , o il falegname di Livonia" di Donizetti. Quasi tutte queste opere furono rappresentate per la prima volta in Russia. Il teatro fu in tournée in Finlandia, Svizzera, Germania, Stati Uniti, Mosca e in molte città della Russia. Nel 1997, il teatro organizzò e tenne il Festival Musicale Gaetano Donizetti, in cui venne eseguito il "Requiem" del compositore italiano. Per molto tempo il teatro non ebbe una sede propria e, finalmente, trovò la sua sede. Divenne la dimora del barone von Derviz, che si trova nel centro della vecchia Pietroburgo in via Galernaya, 33. L'inaugurazione dell'edificio restaurato ha avuto luogo il giorno dell'anniversario di San Pietroburgo, il 27 maggio 2003. E la prima première, che ha dato inizio a un nuovo ciclo nel storia dell'Opera di San Pietroburgo, divenne una sensazione musicale europea - un melodramma giocoso di Gaetano Donizetti "Pietro il Grande - lo Zar di tutta la Russia, o il falegname di Livonia". Un piccolo e accogliente palazzo in via Galernaya, che a cavallo tra il XIX e il XX secolo apparteneva al barone S.P. von Derviz, ha una ricca storia musicale e teatrale. Alla fine del XIX secolo qui furono messe in scena le rappresentazioni della "Casa degli Interludi", messe in scena da Vsevolod Meyerhold, che all'epoca lavorava sotto lo pseudonimo di "Dottor Dapertutto". Hanno partecipato il poeta e musicista M. Kuzmin, gli artisti N. Sapunov e S. Sudeikin, gli artisti N. Petrov, B. Kazarova-Volkova. K. Stanislavskij, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, E. Vakhtangov, A. Chekhov e molti altri artisti. Dal 1915, la casa cominciò a chiamarsi "Sala da concerto e teatro", nella quale si tenevano concerti con la partecipazione di F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Duncan. Concerti e spettacoli si sono svolti nella grande Sala Bianca con un palco appositamente attrezzato. Qui, miracolosamente (dopo gli eventi del club organizzati in epoca sovietica), l'interno è stato preservato: pareti in stucco barocco con sculture simboleggianti le arti, un svettante Genio con una lira in mano sopra il portale scenico riccamente decorato, lo stemma dei von Derviz sulle finestre delle porte d'ingresso. Sono stati conservati anche altri interni del palazzo: un lussuoso salotto moresco, ricoperto di ornamenti dorati, decorato con un pittoresco salotto con pannelli in acero, realizzato sotto forma di una bizzarra grotta del giardino d'inverno. Il primo proprietario del palazzo fu il famoso statista della prima metà del XVIII secolo, ministro del gabinetto sotto Anna Ioannovna A.P. Volynsky, che fu giustiziato nel 1740 per aver partecipato a una cospirazione contro il duca Biron. Quindi sua figlia, che sposò il conte I.I., possedeva la casa. Vorontsov. Un tempo la casa apparteneva ai mercanti Schneider, Balabin e poi al principe Repin. Nel 1870, l'architetto F.L. Miller rimodella la facciata e costruisce su un altro edificio. Nel 1883 la casa fu acquistata dal Barone S.P. von Derviz. Architetto P.P. Schreiber ricostruisce le case sul lato dell'argine inglese e della via Galernaya, unendole con una facciata comune. Sergei Pavlovich von Derviz (1863-1918) - discendente dell'antica famiglia Wiese, originaria della Germania. A metà del XVIII secolo, John-Adolf Wiese, che prestò servizio in Svezia, entrò al servizio russo come consulente legale e fu elevato alla nobiltà dal Sacro Romano Impero, con l'aggiunta di "von der". Il figlio Sergei aveva il grado di vero consigliere privato e il titolo di ciambellano della più alta corte. Possedeva miniere e tenute nelle province di Kiev, Ryazan e Orienburg. Lui, come sua madre, divenne famoso per il suo lavoro di beneficenza. L'attenzione principale è stata rivolta agli interni della casa, che, secondo la moda dell'epoca, sono stati realizzati in stili diversi. Nel 1902 la casa sul lato del terrapieno fu costruita su due piani, perdendo però l'aspetto di palazzo signorile. Nel 1909 la S.P. von Derviz vendette la casa dividendola in tre parti. Il primo fu acquistato dalla moglie del tenente generale A.A. Ignatieva, a sinistra (inclusa la villa su Galernaya) - N.N. Shebeko. Il palazzo fu ricostruito secondo il progetto dell'architetto A.P. Maksimov e in questa forma è arrivato ai nostri giorni. Negli anni 1911-1913 qui si trovava la "Casa degli interludi" di V. Meyerhold, un teatro-ristorante innovativo e bohémien con un repertorio unico. Dal 1913 - la sala teatrale di N. Shebeko. Dopo la rivoluzione: il comitato distrettuale dell'RCPb, l'Unione dei metalmeccanici, la Casa dell'Istruzione estone. Dal 1946 al 1991 – il club "Mayak". Il 27 maggio 2003, nel giorno del 300° anniversario di San Pietroburgo, dopo un lungo restauro, il palazzo divenne nuovamente casa teatrale. Qui suona l'opera e la musica sinfonica, nascono nuove produzioni del Teatro dell'Opera di San Pietroburgo, fondato e diretto da Yuri Alexandrov. Informazioni dal sito ufficiale del teatro: http://www.spbopera.ru

Il Teatro accademico statale dell'opera e del balletto di Ekaterinburg è un teatro d'opera e di balletto a Ekaterinburg, in Russia. Per la prima volta, una compagnia d'opera apparve a Ekaterinburg nella stagione 1879-1880: fu portata dal famoso imprenditore russo P. M. Medvedev. In futuro, le imprese operistiche furono ripetute più di una volta e negli anni '70 del XIX secolo i rappresentanti dell'intellighenzia locale organizzarono il Circolo musicale di Ekaterinburg. Dal 1907, le imprese d'opera a Ekaterinburg sono diventate annuali. Nel 1912, in piazza Drovyanaya (oggi piazza della Comune di Parigi) fu costruito uno speciale edificio teatrale (un auditorium da 1.200 posti) sul sito di un edificio circense in legno che esisteva dal 1896. Il Teatro Comunale (in epoca sovietica, Teatro Accademico dell'Opera e del Balletto A.V. Lunacharsky) fu progettato dall'architetto civile di Pyatigorsk Vladimir Nikolaevich Semyonov, simile ai famosi Teatri dell'Opera di Vienna e Odessa. Nel 1904, all'età di trent'anni, Semyonov vinse un concorso per creare un progetto per il Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg, la cui costruzione fu completata nel 1912. Il teatro fu inaugurato con l'opera A Life for the Tsar di Mikhail Ivanovich Glinka (02/09/10/12/1912). Il primo direttore d'orchestra - S. Barbini. La messa in scena de Il Flauto Magico di Ricardo Drigo (1914) diede inizio agli annali del balletto. Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, il teatro fu inaugurato nel 1919. Nel 1922 fu creata una compagnia di balletto, la prima rappresentazione della compagnia fu Coppélia di Delibes. Dal 1924 - il Teatro dell'Opera di Stato intitolato ad A.V. Lunacharsky. Nel 1925-26 ne divenne il direttore principale cantante famoso e il regista d'opera Alexander Ivanovich Ulukhanov, ha messo in scena le opere La storia dello zar Saltan e Werther. Dal 1931, il teatro ha un nuovo nome: Teatro dell'Opera e del Balletto di Sverdlovsk. A.V. Lunacarskij. Nel 1962 il teatro è stato insignito dell'Ordine della Bandiera Rossa del Lavoro e dal 1966 è diventato un teatro accademico. Nel 1981-82 fu effettuata una significativa ricostruzione dell'edificio, che fu completata entro il 26 dicembre 1982. Dal 1983 al 1985, sotto la guida dell'architetto e artista Georgy Shishkin (autore del progetto), furono avviati i lavori per creare un museo teatrale: un interno e un'esposizione permanente, che comprende originali strutture spaziali consolle con reperti, due grandi dipinti murali e una galleria di ritratti di solisti di teatro realizzati da questo artista. Le ricche tradizioni di imprese private, compagnie itineranti e circoli musicali cittadini hanno aiutato il teatro a guadagnare rapidamente fiducia e un grande nome. In epoca sovietica era chiamato il "laboratorio dell'opera sovietica", e spesso sul manifesto appariva la scritta "Il diritto della prima produzione appartiene al teatro". IN Tempi sovietici maestri eccezionali hanno lavorato qui. A Ekaterinburg, in seguito cantanti famosi - Artisti popolari dell'URSS: I. Kozlovsky, S. Lemeshev, I. Arkhipova, B. Shtokolov iniziarono la loro carriera. Il teatro è stato premiato due volte Premio di Stato URSS: nel 1946 (Premio Stalin) il primo di quelli periferici per la messa in scena dell'opera Otello e nel 1987 - per la nascita scenica dell'opera Il Profeta di V. Kobekin. I percorsi turistici della troupe sono più di cento città dell'URSS, partecipazione a numerosi festival teatrali, compresi quelli all'estero. Negli anni Novanta il teatro era in crisi. Nel 2006, con l'avvento di un nuovo direttore, il teatro ha ricevuto una seconda nascita. Direttore musicale teatro - Sergei Stadler. L'orchestra teatrale da lui guidata è una squadra di professionisti, che comprende artisti onorati della Russia, vincitori di concorsi panrussi e internazionali. Il teatro ha stabilito legami culturali e contatti creativi con Italia, Germania, Stati Uniti, Inghilterra, Corea, ecc. Sul suo palco si esibiscono spesso artisti ospiti illustri e si tengono festival musicali internazionali. Informazioni dal sito web del teatro http://www.uralopera.ru/ In effetti, la storia del teatro di Ekaterinburg è iniziata molto prima che venisse posato il primo mattone nelle fondamenta di questo lussuoso edificio. Negli anni settanta XIX anni secolo, il palcoscenico del primo teatro cittadino (ora il cinema "Colosseo") ospitò imprese operistiche metropolitane di prima classe. Dopo aver superato un'eccellente scuola di pubblico, nel 1874 gli amanti locali di questo genere organizzarono un circolo musicale, l'unico in tutto il paese, secondo la stampa dell'inizio del secolo, dove furono create in proprio lussuose produzioni operistiche, le più partiture musicali complesse hanno preso vita. Il tremante amore e venerazione per l'opera indussero poi le autorità cittadine a pensare di costruire il proprio teatro dell'opera. Nel 1912, il New City Theatre aprì la sua prima stagione con l'opera A Life for the Tsar di Mikhail Ivanovich Glinka (direttore S. Barbini, regista A. Altshuller). La prima rappresentazione del balletto (“Il Flauto Magico” di R. Drigo, coreografo - F. Troyanovsky) è datata 1914 (anche se il nome “Teatro dell'Opera e del Balletto” apparve solo nel 1931). Le ricche tradizioni di imprese private, compagnie itineranti e circoli musicali cittadini hanno aiutato il teatro a guadagnare rapidamente fiducia e un grande nome. Un decennio più tardi, tra i teatri periferici del giovane paese sovietico, si cominciò a menzionare Ekaterinburg (allora Sverdlovsk). Dalla metà degli anni '20, il Teatro dell'Opera di Sverdlovsk ha guadagnato fama e fama come uno dei migliori del paese, principalmente grazie alla presenza costante di musicisti e artisti di talento nella troupe. Qui hanno sempre lavorato artigiani eccezionali. I cantanti Sergei Lemeshev, Ivan Kozlovsky, i fratelli Pirogov, il direttore d'orchestra Ary Pazovsky, i registi Vladimir Lossky e Leonid Baratov hanno iniziato la loro carriera a Ekaterinburg. "Scuola del personale" - una tale definizione è stata assegnata alla troupe, che non è sfuggita al destino di tutti i provinciali Teatri russi diventare un vivaio per giovani talenti. Non contare il numero di "perdite": gli artisti d'opera Irina Arkhipova, Boris Shtokolov, Yuri Gulyaev, Evgenia Altukhova, i ballerini Nina Mlodzinskaya, Vladimir Preobrazhensky, Alexander Tomsky, Nina Menovshchikova. Tra le successive “perdite” ci sono i direttori d'orchestra Kirill Tikhonov, uno dei fondatori dell'Opera Helikon, e Evgeny Kolobov, il fondatore dell'Opera Novaya; direttore principale e direttore artistico dell'opera al Teatro musicale di Mosca. K.S.Stanislavsky e Vl.I.Nemirovich-Danchenko Alexander Titel; le star mondiali Vladimir Ognovenko e Galina Gorchakova; solista del Teatro Bolshoi Andrey Grigoriev; solista dell'"Opera Helikon" Andrey Vylegzhanin; la cantante Elena Voznesenskaya, la solista del balletto russo Marina Bogdanova e molti, molti altri... L'apice dell'entusiasmo del pubblico di Ekaterinburg è stato associato prima al nome del talentuoso direttore d'orchestra Yevgeny Kolobov, e poi al tandem creativo del direttore d'orchestra Yevgeny Brazhnik e il regista Alexander Titel. Evgeny Kolobov ha trascorso gli anni più felici della sua biografia al Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg, anni pieni di genuina creatività, i cui risultati saranno ricordati per molto tempo dagli amanti dell'opera e dai musicisti professionisti che hanno avuto la fortuna di diventare testimoni e co -creatori di eventi musicali come produzioni operistiche: "Pietro I" di Andrei Petrov (direttore E. Kolobov, regista Y. Petrov, artista M. Mukoseeva) e "La forza del destino" di Giuseppe Verdi (direttore E. Kolobov, regista S. Stein, artista I. Sevastyanov). Rappresentazioni Boris Godunov di Modest Mussorgsky (direttore Brazhnik, regia A. Titel, artista E. Heidebrecht), Il profeta di Vladimir Kobekin (direttore Brazhnik, regia A. Titel, artisti E. Heidebrecht e Y. Ustinov), Tales of Hoffmann Jacques Offenbach ( direttore d'orchestra Brazhnik, regista A. Titel, artista V. Leventhal) sono stati i migliori creati dall'unione di Alexander Titel e Yevgeny Brazhnik. Per molti anni hanno fissato il termine "fenomeno Sverdlovsk". Negli ultimi anni, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg ha dimostrato di potersi porre un'ampia varietà di compiti creativi e ottenere risultati di alta qualità. Sono state messe in scena le opere Eugene Onegin, Mazepa, Iolanta, Aleko di P. Tchaikovsky, La sposa dello zar di N. Rimsky-Korsakov, Il principe Igor di A. Borodin, Il flauto magico di W. A. ​​​​Mozart. , "Trovatore", "La Traviata", "Rigoletto", "Falstaff" di G. Verdi, "Madama Butterfly", "La Boheme" di G. Puccini, "Figlia del Reggimento" di G. Donizetti, "Il Barbiere di Siviglia" di G. Rossini , "La Sirenetta » A. Dvorak, balletti « Il lago dei cigni ”, “Lo Schiaccianoci” di P. Tchaikovsky, “Scheherazade” di N. Rimsky-Korsakov, “La creazione del mondo” di A. Petrov, “Le mille e una notte” di F. Amirov, “Don Chisciotte” di L. Minkus, “Il grande valzer” di I. Strauss. Il tempo cambia costantemente qualcosa nel teatro. Ogni stagione teatrale porta nuove vittorie e traguardi, dà vita a nuovi progetti e produzioni. Tra le ultime prime teatrali figurano La fanciulla di neve di N.A. Rimsky-Korsakov (direttore Vello Pyakhn, regista Alexei Stepanyuk, scenografo Igor Ivanov, maestro del coro Elvira Gaifullina), La Traviata di G. Verdi (direttore regista Alexei Lyudmilin, regista Alexei Stepanyuk, scene realizzate sotto la direzione di Ravil Akhmetzyanov, costumista Natalia Stepanova), Corsa di A. Adam (coreografo Jean-Guillaume Bart, direttore d'orchestra Michael Güttler, scenografa Elena Khailova), “Tosca” di G. Puccini (direttore-produttore Michael Güttler, il regista-produttore Irkin Gabitov, lo scenografo Mikhail Kurilko-Ryumin), il dramma musicale popolare “Khovanshchina” di M.P. Mussorgsky (direttore-produttore Sergei Stadler, regista-regista Boris Morozov, scenografo Igor Ivanov, maestro del coro Valery Kopanev), Madama Butterfly di G. Puccini (direttore di scena Mikhail Granovsky, regista Alexei Stepanyuk, scenografo Dmitry Cherbadzhi, maestro del coro Valery Kopanev), The Stone Flower di S. Prokofiev (coreografo Andrei Petrov, direttore d'orchestra Sergei Stadler, scenografo Stanislav Benediktov, costumista Olga Polyanskaya), La dama di picche di P. Tchaikovsky (direttore d'orchestra Mikhail Granovsky, regista Alexei Stepanyuk, scenografo Igor Ivanov, maestro del coro Elvira Gaifullina, coreografa Galina Kaloshina), A. Adam "Giselle" (versione scenica e produzione - People's Artist of l'URSS, vincitore del Premio di Stato dell'URSS Lyudmila Semenyaka, direttore d'orchestra - Artista onorato della Russia Alexei Lyudmilin, scenografo - Artista popolare russo, vincitore del Premio di Stato russo Stanislav Benediktov, costumista - Artista popolare dell'URSS, vincitore del Premio di Stato dell'URSS Lyudmila Semenyaka), V. A. Mozart "Le nozze di Figaro" (regista Fabio Mastrangelo, direttore di produzione - Operaio d'arte onorato della Russia Irkin Gabitov, scenografo - Artista onorato della Russia Vyacheslav Okunev, designer delle luci - Onorato L'operaio d'arte russo Damir Ismagilov, maestro di coro - onorato operaio di produzione russo Valery Kopanev, coreografa Alexandra Tikhomirova ), P. Bulbul ogly "Love and Death" (coreografo - Operaia d'arte onorata della Russia Nadezhda Malygina, direttore d'orchestra Fabio Mastrangelo, scenografo - Artista onorato della Russia, vincitore del Premio di Stato dell'URSS Igor Ivanov).

Ordine statale dei Buriati di Lenin Teatro accademico dell'opera e del balletto intitolato a N.A. G.T. dell'URSS Tsydynzhapov - teatro musicale nella città di Ulan-Ude. Storia del teatro. Negli anni '20 in Buriazia apparvero una scuola di musica e corsi di musica mobili. Nel 1929, un musical- studio teatrale, sulla base del quale fu creata nel 1931 la scuola tecnica delle arti. Nei primi anni, i compositori lavoravano nel teatro musicale della Buriazia: P.M. Berlinsky, M.P. Frolov, V.I. Moroshkin (1909-1942), coreografi: I.A. Moiseev, M.S. Arseniev, direttore d'orchestra M.A. Buchbinder, insegnanti: T. Glyazer, V. Ordinary, direttori: I. Tumanov, A.V. Mironsky (1899-1955), attore e regista G.Ts. Tsydynzhapov, artisti: G.L. Kigel, A. Timin e altri. Nel 1938, il primo dramma musicale nazionale “Bair” di P. Berlinsky fu messo in scena al Buryat Drama Theatre su testo di G.Ts. Tsydynzhapov e A. Shadayev. Nel 1940, il dramma fu messo in scena nella seconda edizione congiuntamente da B.B. Yampilov. In molti teatri nazionali dell'URSS a quel tempo, il dramma musicale era un genere di transizione verso l'opera. Il 20 dicembre 1939, il Presidium del Comitato esecutivo centrale della Repubblica socialista sovietica autonoma buriato-mongola adottò una risoluzione sulla riorganizzazione del teatro drammatico nazionale in un teatro drammatico musicale. La compagnia teatrale ha ricevuto diplomati delle scuole di teatro e musica, il coro e l'orchestra sono aumentati. Il 20 ottobre 1940 iniziò a Mosca il primo decennio dell'arte buriato-mongola. Il teatro ha proiettato i drammi musicali "Bair" di P. M. Berlinsky e "Erzhen" di V. Moroshkin e la prima opera dei Buriati "Enkhe-Bulat Bator" basata sull'epopea nazionale. Con decreto del Presidium del Soviet Supremo dell'URSS, il teatro fu insignito dell'Ordine di Lenin. Il direttore principale del teatro G. Tsydynzhapov è stato insignito del titolo di Artista popolare dell'URSS. Durante il Grande Guerra Patriottica il teatro ha creato diverse squadre di concerti. Le brigate hanno operato in unità militari e ospedali a Ulan-Ude, Transbaikalia e in Estremo Oriente. Nell'inverno del 1943, la brigata dei concerti sotto la guida di G. Tsydynzhapov tenne più di 60 concerti in alcune parti del fronte bielorusso. Nel 1943 il teatro mise in scena il suo primo balletto La Fontana di Bakhchisarai di B. Asafiev e l'opera Eugene Onegin di P. Tchaikovsky. Nel 1946, alcuni dei giovani artisti furono mandati a studiare a Mosca, al Conservatorio di Leningrado e alla Scuola Coreografica. E IO. Vaganova. G. Tsydynzhapov ha lavorato come regista al Teatro d'Arte di Mosca. Nel 1948 il teatro musicale fu separato dal teatro drammatico. Sulla base del teatro musicale, è stato creato il Teatro dell'Opera e del Balletto Buriato. Nel 1952 fu costruito un edificio per il teatro con 718 posti. L'autore del progetto di costruzione è l'architetto A. Fedorov. Sopra il portale centrale c'è un gruppo scultoreo "Cavalieri" con uno stendardo spiegato, lo scultore è A.I. Timin. Il 1 maggio ebbe luogo l'inaugurazione del teatro, la prima rappresentazione andò in scena il 7 novembre 1952. Nel 1959 si svolse a Mosca il Secondo Decennio Arte dei Buriati. L'opera "Brothers" di D. Ayusheev, il balletto "Beauty Angara" di L.K. Knipper e B.B. Yampilov, insignito nel 1973 del Premio di Stato della RSFSR. M. Glinka e il balletto "In the Name of Love" di J. Batuev e V. Meisel. In seguito ai risultati del Secondo Decennio, il titolo di Artista popolare dell'URSS fu assegnato a L.L. Linkhovoin, titoli di Artisti popolari della RSFSR - L.P. Sakhyanova, N. Petrova, B. Baldakov. Tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta nel teatro furono rappresentate più di 70 opere e balletti. Nel 1979, dopo una tournée a Mosca e Leningrado, il teatro ottenne il titolo di "accademico". Il titolo onorifico di "teatro accademico", il successo a Mosca, Leningrado, nel sud del paese nel 1979 divenne un potente incentivo per l'ulteriore crescita e miglioramento del teatro. Negli anni '70 e '80, molti maestri di talento si esibirono sul palco del Teatro Buryat. Le loro migliori scoperte creative sono diventate un contributo alla storia dello spettacolo musicale e teatrale nazionale. Questi sono gli artisti popolari dell'URSS, i solisti d'opera L.L. Linkhovoin, K.I. Bazarsadaev, D.T. Dashiev, artisti popolari della RSFSR S. Radnaev, V. Buruev, L. Levchenko, I. Kuzmina, solisti del balletto - un eccezionale maestro dell'arte del balletto L. Sakhyanova, n.a. RSFSR O. Korotkova, A. Pavlenko, V. Ganzhenko, E. Sambueva, Yu. Muruev e altri Il grande merito in tutti i successi del teatro appartiene al direttore principale del teatro I.Yu. Aizikovich e il regista teatrale D.Sh. Yahunaev, lavoratore onorato della RSFSR, musicista di formazione, che diresse il teatro per due decenni (1965-1986). Negli anni '80, i giovani solisti dell'opera G. Shoydagbayeva (ora Artista popolare dell'URSS), Artisti onorati della RSFSR - V. Balzhinimaev, O. Ayurova, B. Boroev, V. Tsydypova, divennero vincitori di vari premi internazionali e Competizioni russe, negli anni '90 E. Sharaeva (1995), T. Shoydagbaeva, B. Budaev, D. Zandanov. Produzioni della fine degli anni '90: balletto "Cipollino" di K. Khachaturian, coreografo G. Mayorov, direttore d'orchestra M. Baldaev Opera "La dama di picche" di P. Tchaikovsky (1999). Direttore musicale e direttore d'orchestra Roman Yurievich Moiseev, regista teatrale L. Erdenebulgan (Mongolia). Operetta I. Strauss " Pipistrello". Direttore musicale Roman Moiseev. Regista e coreografo A. Golyshev Opera di C. Gounod "Faust". Tournée del Teatro Accademico dell'Opera e del Balletto Buriato in Mongolia (1999). Negli ultimi anni il teatro ha realizzato progetti internazionali con la Mongolia, gli Stati Uniti, la Cina, ha partecipato al festival internazionale del balletto a Kiev, sul palco dell'opera nazionale. Tour di successo in Cina hanno coperto 26 città, tra cui Pechino, Shanghai, Shenyang, Haikou, Ganzhou e altre. La squadra di balletto ha rappresentato adeguatamente l'arte della Repubblica di Buriazia in luoghi prestigiosi in Cina, anche partecipando al festival internazionale di Dalian. Le tournée teatrali degli ultimi anni si sono svolte nelle regioni vicine: il territorio dell'Altai, la regione di Irkutsk, il territorio del Trans-Baikal, il distretto di Aginsky Buryat. Nel 2007, la compagnia di balletto è andata in tournée con grande successo in Ucraina, nelle città di Dnepropetrovsk e Donetsk. L'alto livello professionale degli spettacoli è testimoniato dalle valutazioni dei critici teatrali e dalle recensioni del pubblico. Tournée 2008-2009: Chita, Irkutsk, Angarsk, Shelekhov, Usolye-Sibirskoye, Ulan Bator ed Erdenet (Mongolia). Dal 12 al 20 dicembre 2009, la compagnia di balletto del teatro è stata in tournée a Tomsk, sono stati presentati spettacoli: "Il Lago dei Cigni", "Le mille e una notte", "Giselle" e lo spettacolo per bambini "Pinocchio". Si chiama la "Regina dei suoni". critici musicali L'artista popolare dell'URSS Galina Shoydagbayeva, vincitrice del Premio di Stato della Repubblica di Buriazia, vincitrice di tre concorsi internazionali, un soprano unico e straordinario. Canta sul palco del teatro Valentina Tsydypova, artista onorata della RSFSR, la più brillante rappresentante dell'arte vocale moderna. I proprietari del soprano Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova e Tuyana Damdinzhapova sono entrati nel periodo della fioritura creativa. Il teatro ha un forte gruppo di voci mezzosoprano: T. Shoydagbaeva, O. Khingeeva, E. Bazarsadaeva, la giovane O. Zhigmitova. I solisti sono apparsi con forti voci maschili: B. Gombozhapov, M. Namkhai, B. Dambiev, D. Shagdurov. Il giovane team creativo del balletto: B. Tsybikova, V. Mironova, A. Samsonova, B. Dambaev, B. Radnaev, B. Zhambalov si è dimostrato il migliore sul nostro palco e in tournée. L'edificio del teatro è attualmente in fase di ricostruzione, il cui completamento è previsto per il 2011. Nonostante tutte le difficoltà, la squadra continua a vivere una vita creativa completa: vengono rilasciate le prime esibizioni, il processo di prova è in corso e vengono effettuati tour. Solisti d'opera: Galina Shoydagbaeva, Valentina Tsydypova, Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova, Vera Vasilyeva, Ayuna Bazargurueva, Tatiana Shoydagbaeva, Oksana Khingeeva, Erzhena Bazarsadaeva, Olga Zhigmitova, Damba Zandanov, Bator Budaev, Bairzhab Dambi ev, Sergey Fomenko, Bair Tsydenzhapov, Munkhzul Namkhai, Dorzho Shagdurov, Badma Gombozhapov, Eduard Zhagbaev e altri. Solisti del balletto: Bayarma Tsybikova, Veronika Mironova, Anastasia Samsonova, Lia Baldanova, Evgenia Mizhitova, Evgenia Balzhinimaeva, Elena Khishiktueva, Ksenia Fedorova, Bulyt Radnaev, Bair Zhambalov, Bayarto Dambaev, Vladimir Kozhevnikov, Innokenty Ivanov, Viktor Dampilov, Bair Tsydypylov, Bator Nadmitov e altri. La direttrice artistica del balletto è Ekaterina Sambueva. L'artista principale è Mikhail Bolonev. In totale, negli oltre 70 anni di storia del teatro, sono state messe in scena più di 300 rappresentazioni di classici russi, classici mondiali e opere di compositori buriati. [modifica] Opere dei Buriati "On Baikal" di L. K. Knipper (1948, 2a edizione 1958) "Medegmash" di S. N. Ryauzov (1949, 2a edizione "Ai piedi dei Sayan" nel 1953) 1958), "Fratelli" (1961) di D. D. Ayusheev, "Alla fonte della primavera" (1960), "Insight" (1967), "Wonderful Treasure" (1970) di B. B. Yampilov. Nel 1971, l'opera Enkhe-Bulat Bator di M. P. Frolov fu restaurata. Balletti dei Buriati "Luce sulla valle" Ryauzov (1956, il primo balletto dei Buriati) "Nel nome dell'amore" J. Zh. Batuev e Maisel (1958) "La bellezza di Angara" di B. B. Yampilov e L. K. Knipper (1959, seconda edizione nel 1972) "Fiori della vita" (1962), "Geser" (1967), "Dzhangar" (1971) J. Zh. Batueva "Pathetic Ballad" B. B. Yampilov (1967) Opere sovietiche "Quiet Flows the Don" (1955), "Into the Storm" (1958); Il tafano di Spadavecchia (1962), Anna Snegina di Kholminov (1967) Balletti sovietici Il papavero rosso (1951); Shurale di Yarullin (1955), La Via del Tuono (1964); "La leggenda dell'amore" Melikov (1966), "Spartacus" (1970) e altri. L'edificio del teatro è un monumento architettonico di importanza federale. L'edificio fu costruito dal 1945 al 1952. Stile impero stalinista con elementi decorativi nazionali. Nel 1934, l'architetto dei laboratori di architettura e design del Consiglio comunale di Mosca, A. N. Fedorov, sviluppò un progetto per il Palazzo della Cultura Socialista per Ulan-Ude. Doveva costruire un "grande complesso scientifico e culturale", composto da una sala da concerto, un teatro, una biblioteca, un museo, un istituto di ricerca. Questo progetto non è stato approvato. Un nuovo progetto per il teatro musicale e drammatico fu sviluppato da A. N. Fedorov nel 1936. La costruzione iniziò nel 1938, ma fu presto interrotta. La costruzione avrebbe dovuto riprendere nel 1940 o 1941, ma a causa della guerra ciò non fu fatto. Nel 1950 morì A. N. Fedorov. Dall'autunno del 1951, l'architetto V. A. Kalinin fu impegnato nella costruzione del teatro. Gli autori del dipinto del plafond dell'auditorium furono gli artisti G. I. Rublev e B. V. Iordansky. L'edificio è in fase di ristrutturazione dal 2006. Il completamento della ricostruzione è stato rinviato più volte e è previsto per maggio 2011. Nel teatro si tengono concorsi Festival Internazionale arte del balletto intitolata a N.A. URSS Larisa Sakhyanova e n.d. Il russo Petr Abasheev.

Il Teatro dell'Opera di Roma (Teatro dell'Opera di Roma) è un teatro d'opera e di balletto a Roma, in Italia. A volte chiamato Teatro Costanzi, in onore del creatore Domenico Costanzi (1810-1898). fu costruito dall'imprenditore privato e finanziere Domenico Costanzi (1810-1898), architetto del progetto fu il milanese Achille Sfondrini (1836-1900). Il teatro fu costruito in diciotto mesi e inaugurato il 27 novembre 1880 con una produzione di l'opera "Semiramide" di Gioacchino Rossini. Una delle caratteristiche del teatro era la vicinanza all'albergo, sempre di proprietà Costanzi, tra l'albergo e il teatro c'era un passaggio sotterraneo e gli ospiti, compresi gli attori, se non lo facevano voleva essere visto per strada, poteva entrare in incognito a teatro lungo questo passaggio. Inizialmente il teatro Costanzi con una capienza di oltre 2200 spettatori aveva un anfiteatro a tre ordini di palchi, due gallerie separate. La cupola era decorata con affreschi di Anibale Brugnoli. La famiglia Costanzi gestì autonomamente il teatro, prima lo stesso Domenico, poi il figlio Enrico, e nonostante ci fossero molte difficoltà finanziarie, il teatro fu uno dei primi in Italia e ospitò molte prime assolute, tra cui Rural Honor di Pietro Mascagni e Tosca di Giacomo Puccini. Nel 1907 il teatro fu acquisito dalla Compagnia Teatrale Internazionale e Nazionale, Emma Carell fu nominata direttrice del teatro, per quattordici anni della sua gestione il teatro rimase anche uno dei teatri più importanti d'Italia. Ha ospitato molte prime mondiali, europee o italiane di opere e balletti, tra cui Boris Godunov di Mussorgsky e L'Uccello di fuoco di Stravinsky messi in scena dal Balletto russo di Diaghilev. Nel novembre del 1926 il Teatro Costanzi fu acquistato dal Comune di Roma. Il teatro subì una significativa ristrutturazione su progetto dell'architetto Marcello Piacentini: fu rifatta la facciata, fu spostato il portale d'ingresso sul lato opposto, all'interno del teatro fu eliminato l'anfiteatro e fu aggiunta un'altra gradinata, l'interno fu decorato con nuove modanature in stucco ed elementi decorativi, furono sostituiti i mobili e fu appeso un nuovo magnifico lampadario di 6 metri di diametro con 27.000 pezzi di cristallo. Il teatro ricevette il nome di "Regia Opera House" e riaprì i battenti il ​​27 febbraio 1928 con l'opera "Nero" di Arrigo Boito. Dal 1946 ad oggi il teatro è stato chiamato Teatro dell'Opera di Roma. Nel 1958 l'edificio fu nuovamente ricostruito e ammodernato e acquisì l'aspetto attuale. Lo stesso architetto Marcello Piacentini elaborò un progetto che prevedeva la modifica della facciata, dell'ingresso principale e del foyer, la sala fu climatizzata e fu effettuato un profondo restauro. Attualmente la capienza della sala è di circa 1600 posti. Il Teatro dell'Opera di Roma ha anche le proprie compagnie d'opera e di balletto e una scuola di danza classica; il balletto a Roma non è meno popolare dell'opera. Dal 1937, a estate il teatro lirico dà i suoi spettacoli all'aperto nelle Terme di Caracalla, sullo sfondo di un monumento architettonico dell'antichità.

Teatro accademico di opera e balletto di Perm intitolato a P.I. Čajkovskij è uno dei teatri più antichi della Russia. Per più di un secolo della sua storia, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm è rimasto invariabilmente il più grande centro musicale del paese, che ospita eventi creativi significativi. Nel teatro, spesso chiamato Casa Čajkovskij, sono state messe in scena tutte le opere teatrali del grande compositore. Il "fondo d'oro" del repertorio preserva con cura le opere classiche di Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov. Il teatro restituisce al pubblico tele musicali immeritatamente dimenticate. Per la prima volta in Russia, al teatro sono state messe in scena le opere: “Foam of Days” di E. Denisov, “Cleopatra” di J. Massenet, “Lolita” di R. Shchedrin basata sul romanzo di V. Nabokov, “Alcina "di G.F. Handel, "Orfeo" di C. Monteverdi, "Cristo" di A. Rubinstein. La terza Mecca del balletto, dopo Mosca e San Pietroburgo, si chiama Perm, dove, oltre al corpo di balletto accademico, c'è una rinomata scuola coreografica. Dagli anni '70, il Balletto di Perm è nell'orbita dell'attenzione instancabile di un vasto pubblico. L'unità dello stile esecutivo dei solisti e del corpo di ballo è una caratteristica del collettivo. Il Balletto di Perm è forse l'unica compagnia nella Federazione Russa composta interamente da diplomati di una scuola. Nemmeno un decennio Scena degli Uraliè stata una sorta di "trampolino di lancio" per molti artisti conosciuti ben oltre i confini della Russia. È iniziato il Teatro Perm biografia creativa tante "stelle di prima grandezza" della capitale e di altri grandi teatri del Paese e del mondo. I nomi di ballerini di fama mondiale - Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadezhda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Yuri Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - hanno glorificato il territorio di Perm. La partecipazione dei suoi cantanti lirici e ballerini a festival internazionali ha portato fama al Teatro di Perm. Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm è il promotore e l'organizzatore del Concorso Aperto di Balletto Russo Arabesque e delle Stagioni di Diaghilev: Festival Internazionale delle Arti di Perm-Pietroburgo-Parigi. Gli spettacoli di opera e balletto del Teatro di Perm sono diventati più volte nominati e vincitori del Festival teatrale nazionale panrusso " Maschera d'Oro". I principali solisti del Teatro di Perm hanno visitato diversi continenti del mondo con spettacoli e programmi di concerti. Dal 1973, la troupe di Perm al completo andò in tournée in Austria, Italia, Jugoslavia, Bulgaria, Cecoslovacchia, Germania, Polonia, Belgio, Paesi Bassi, Australia e Nuova Zelanda, Giappone e Corea del Sud, Inghilterra, Irlanda, Olanda, Spagna, Cina, Stati Uniti. In Francia e Cuba, Cambogia e Canada, Tailandia ed Egitto, Nicaragua, India e Stati Uniti, ovunque gli artisti si siano esibiti, hanno ricevuto il plauso della critica e hanno trovato amici e fan fedeli. Il Teatro accademico dell'opera e del balletto di Perm è stato creato nel XIX secolo su iniziativa del pubblico della regione di Kama, con la partecipazione del circolo musicale amatoriale della città, che comprendeva la famosa famiglia Diaghilev. La data ufficiale di fondazione del teatro è il 24 novembre 1870. La prima rappresentazione è l'opera "Una vita per lo zar" di M. Glinka. “A Perm il teatro come istituzione esiste da molto tempo. All'inizio c'era un teatro in legno in via Obvinskaya, ma bruciò nel 1863. Successivamente fu costruito un teatro in legno, successivamente smantellato ... Per la prima volta, gli abitanti della città di Perm videro una buona troupe e, inoltre, un'opera nell'inverno 1879/80 nel teatro di pietra ancora incompiuto. La troupe era tenuta dal successivamente noto imprenditore P.P. Medvedev... Nel 1896 iniziò un'intera epoca nella storia del Teatro di Perm. Viene preso sotto la loro diretta cura dai vocali della Duma cittadina, che decidono di dirigerlo impresa teatrale a spese della città; per la gestione diretta del teatro viene scelta la direzione cittadina, che si occupa di invitare gli artisti. Si è deciso di sostenere la compagnia d'opera a spese della città. VS Verkholantsev Breve saggio storico e statistico "La città di Perm, il suo passato e il suo presente" 1913 La prima stagione "municipale" si aprì... con la produzione di "Aida". In totale, la direzione ha trascorso sei stagioni, di cui una era un dramma, una era un'opera e un dramma, il resto erano opere. Iniziavano a settembre e terminavano prima della Quaresima. Durante la stagione si sono svolte fino a cento o più rappresentazioni, il repertorio annuale comprendeva oltre trenta opere. Sono stati messi in scena principalmente classici russi: "Eugene Onegin", "La regina di picche", "Mazepa" di P. Tchaikovsky, "Il principe Igor" di A. Borodin, "Boris Godunov" di M. Mussorgsky, "Il demone" di A Rubinstein. Oltre a loro, ci sono ospiti così rari sul palcoscenico dell'opera moderna come "The Enemy Force" di A. Serov, "May Night" di N. Rimsky-Korsakov, "The Stone Guest" di A. Dargomyzhsky e altri. Dalla metà degli anni '90 del XIX secolo, Perm ha conosciuto l'arte coreografica. Il 5 novembre 1896 ebbe luogo la rappresentazione del piccolo balletto di Zannenfeld "Il campo degli zingari ungheresi". Nel gennaio 1897, Il flauto magico di R. Drigo, poi La fata delle bambole di I. Bayer videro la luce sul palco di Perm... L'esistenza del teatro nei primi due decenni del XX secolo fu irregolare, ma l'opera continuò a vivere. Gli imprenditori hanno sostenuto l'interesse del pubblico per l'opera e il livello delle esibizioni affidandosi a cantanti di prima qualità. A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov e altri cantanti eccezionali si sono esibiti a Perm in diverse stagioni. Il 20 agosto 1921 si aprì la prima stagione teatrale dopo la Guerra Civile. Nei manifesti: "Demon", "Faust", "Aida", "Eugene Onegin", "Boris Godunov", "Rigoletto", "Il barbiere di Siviglia". Entro la fine degli anni '20, Perm divenne uno di quei centri dell'arte operistica, dove vengono volentieri cantanti eccezionali e direttori d'orchestra di talento. Così nella stagione 1925/26, i Permiani ammirarono l'inimitabile Carmen F. Mukhtarova e la stagione successiva - Lensky I. Kozlovsky. Per tutta la primavera del 1929, S. Lemeshev fece parte dello staff del teatro. Nel 1925 fu fondato a Perm il primo studio teatrale, che iniziò a formare ballerini classici, nonché ballerini di teatro, coro e orchestra. Il 2 febbraio 1926, lo studio mise in scena il balletto di A. Adam "Giselle". Il 20 ottobre 1931 ebbe luogo la prima di Swan Lake (coreografo O. Chaplygin). Negli anni prebellici, la compagnia di balletto era guidata da coreografi di tendenze e scuole diverse. I balletomani di Perm ricordarono a lungo N. Goncharova, R. Minaeva, B. Korshunova, A. Bronsky, A. Ezersky e altri ballerini nelle esibizioni di quegli anni. Durante gli anni della guerra, uno sfollato si esibì a Perm sul palco del teatro Teatro di Leningrado opera e balletto Kirov. La troupe di Perm non ha smesso di lavorare nelle città della regione ... Perché l'ex teatro Mariinsky è finito a Perm, poi Molotov? ... L'idea apparteneva al direttore d'orchestra A. Pazovsky, che qui ha mosso i suoi primi passi nella grande arte ... Le autorità locali hanno accolto questa proposta con comprensione. Gli abitanti di Leningrado lavorarono qui tre inverni e due estati: un periodo lungo per la storia della cultura musicale della città... La scuola del famoso Balletto Mariinskij, che successivamente ha contribuito alla creazione della Scuola coreografica di Perm ... basata sui materiali del libro di M. Stepanov, Y. Silin “125 anni. Teatro accademico dell'opera e del balletto di Perm. PI. Čajkovskij” nel 1995. Nel 1931 il teatro di Perm fu nominato “2a Opera di Stato degli Urali”. Negli anni del dopoguerra, il principale principi creativi Teatro di Perm, stabilito da tutta la sua preistoria. Uno dei principi fondamentali è il rinnovamento del repertorio a scapito delle opere raramente rappresentate sul palco. La rinascita di ciò che non è familiare, dimenticato, per vari motivi non accettato dal palcoscenico russo è tipica di tutti i periodi della vita del teatro. Il Teatro di Perm ha aperto al pubblico le grandi opere di S. Prokofiev: nella stagione 1981-82. ha eseguito la versione in due serate dell'autore dell'opera "Guerra e pace" di S. Prokofiev e per la prima volta in URSS ha dato vita scenica all'opera "Fiery Angel" (1984). L'apertura di molti tagli dell'opera "Guerra e Pace" si è ampliata, ha ampliato la linea nazionale-patriottica dell'opera, la drammaturgia dell'insieme è diventata più armoniosa e logica, i caratteri di alcuni dei personaggi principali sono diventati più sfaccettati. Questa produzione è passata alla storia e ha ricevuto il Premio di Stato della Federazione Russa. MI Glinka. Un altro principio vita creativa teatro - lavoro sulle opere di compositori contemporanei. A Perm, hanno ricevuto un biglietto per la vita dell'opera “Masquerade” di D. Tolstoy e “Le sorelle” di D. Kabalevskij, i balletti “Il fiore di pietra” di A. Fridlinder, “Bela” e “Grushenka” di B. Mashkov, “La riva della felicità” di A. Spadavecchia. Tra i principi creativi più interessanti del teatro c'è il tentativo di padroneggiare l'intero patrimonio di opera e balletto di P.I. Čajkovskij, originario della regione di Kama. Nel 1974, il Teatro accademico di Perm intitolato a P.I. Čajkovskij ha invitato i migliori solisti di molti teatri del paese e tutti i suoi spettatori al Primo Festival dell'Opera e del Balletto di Čajkovskij. Questa festa è stata ripetuta con successo nel 1983 e nel 1988. Il Teatro Perm è diventato una vera Casa Čajkovskij. L '"età dell'oro" del balletto di Perm, generosamente donata da N. Boyarchikov (capo coreografo del teatro, allievo dei famosi coreografi russi F. Lopukhov e B. Fenster) agli spettatori degli anni '70, è diventata un'emozionante leggenda per le generazioni successive . Tra le sue produzioni ci sono diverse varietà di linguaggio visivo come "Il meraviglioso mandarino" di B. Bartok, "Tre carte", "Romeo e Giulietta", "Lo zar Boris" di S. Prokofiev, "Orfeo ed Euridice" di A. Zhurbin. N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu. Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin. Nel 1965, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm prese il nome da P.I. Čajkovskij e nel 1969 lo status di teatro "accademico". I principi creativi formatisi negli anni del dopoguerra determinarono la strategia artistica del teatro nei difficili anni '90. Nel Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm risuonavano opere rare per il palcoscenico russo: Lucia di Lammermoor di Donizetti, che non veniva messa in scena da molti decenni, V.-A. Mozart, L'olandese volante di R. Wagner, l'opera Kashchei the Deathless di N. Rimsky-Korsakov, che praticamente non sta accadendo nel paese. Nel 1996, come direttore principale del teatro, G. Isahakyan ha messo in scena l'opera originale "Three Faces of Love", che comprendeva opere in un atto "Master Pedro's Raek" di M. de Falla, "Breasts of Tiresias" di F. Poulenc e "Maddalena", la prima opera del ventenne S. Prokofiev, il cui linguaggio scenico determinò in gran parte l'immagine moderna "opera" di Perm. A Perm, per la prima volta, l'opera di Alexander Tchaikovsky Le tre sorelle Prozorov, basata su A.P. Chekhov, e il suo balletto in un atto La regina di picche, una parafrasi della musica di P. Tchaikovsky, hanno visto le luci della ribalta. Le produzioni congiunte con coreografi, registi e artisti americani provenienti da Germania, Spagna, Svizzera e altri paesi e continenti sono diventate una buona tradizione. "Peer Gynt" di E. Grieg è stato messo in scena dal coreografo americano Ben Stevenson, "Concerto barocco" di J.S. Bach è un dono della Fondazione G. Balanchine. La produzione russo-spagnola dell'opera Salome di R. Strauss divenne un evento notevole al Festival Internazionale di Madrid nell'autunno del 1995. L'opera russa Il gallo d'oro di N. Rimsky-Korsakov è stata messa in scena dal regista svizzero D. Kagi e dall'artista tedesco S. Pasterkamp. Per il 200° anniversario dell'A.S. Pushkin, è stato preparato un programma unico "Opera Pushkiniana". Il gruppo di registi che ha lavorato all'Opera Pushkiniana ha ricevuto nel 1999 il Premio di Stato russo nel campo della letteratura e dell'arte. Nell'ambito delle opere "Diaghilev Seasons-2005" basate sulle trame di "Piccole tragedie" di A.S. Pushkin (Il cavaliere avaro, L'ospite di pietra, Mozart e Salieri, Durante la peste) e Boris Godunov, che componevano questo ciclo, sono andati avanti per un'intera giornata senza interruzioni. Nel 1990 si è tenuto il primo Concorso Open Arabesque Ballet, i cui direttori artistici erano Vladimir Vasiliev ed Ekaterina Maksimova. Da 20 anni, ogni due anni, ballerini provenienti da tutto il mondo si riuniscono a Perm per prendere parte a una competizione di balletto. Giovani cantanti di paesi diversi mondo ha partecipato al Primo Concorso Internazionale per giovani cantanti lirici, tenutosi a Perm nel 1993. Uno dei membri della giuria del concorso erano O. Borodina e D. Hvorostovsky - vincitori del Primo Competizione tutta russa giovani cantanti lirici, tenutasi a Perm nel 1987. Nel 1996 Tatyana Kuindzhi e Anzor Shomakhia, gli interpreti dei ruoli principali nella produzione di Perm dell'opera Don Pasquale di G. Donizetti, hanno ricevuto nel 1996 il Premio del Teatro Nazionale "Maschera d'oro" per i migliori ruoli femminili e maschili. Nel 1998, questo prestigioso premio è stato ricevuto per la scenografia dell'opera teatrale La regina di picche. Oggi il teatro è diretto da: direttore artistico - detentore dell'Ordine dell'Amicizia, vincitore del Premio Teatrale Nazionale "Maschera d'Oro" Teodor Currentzis, direttore principale - Artista onorato della Russia, Artista popolare della Repubblica del Bashkortostan Valery Platonov, ospite principale direttore d'orchestra - Artista onorato della Russia, vincitore del Premio di Stato della Repubblica di Bielorussia, vincitore del Premio teatrale nazionale "Maschera d'oro" Alexander Anisimov, coreografo capo - Alexei Miroshnichenko, maestro del coro - Dmitry Batin, artista principale-Elena Solovieva. Famosi scenografi della Russia e del mondo collaborano con il teatro: Y. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, Y. Kharikov, A. Kozhenkova, E. Heydebrecht, Y. Cooper e molti altri. Il "fondo d'oro" del repertorio del teatro, come prima, sono i classici, le produzioni vengono costantemente aggiornate, preservando non il museo, ma il moderno forma d'arte. I classici russi sono rappresentati dalle opere di A. Borodin "Il principe Igor", "La sposa dello zar" di N. Rimsky-Korsakov, "La fanciulla di neve". Opere popolari di G. Verdi, V.A. Mozart, R. Leoncavallo. In collaborazione con la Fondazione George Balanchine, continua il progetto russo-americano a lungo termine "Coreografia di George Balanchine sul palco di Perm". Il pubblico di Perm ha anche conosciuto la coreografia del suo giovane contemporaneo, l'eccezionale coreografo americano Jerome Robbins. Nell'ambito del progetto culturale russo-americano "George Balanchine's Choreography on the Perm Stage", i balletti in un atto "Somnambula" di V. Rieti, "Donizetti Variations" (2001), "Ballet Imperial" sulla musica del Sono stati messi in scena il Secondo Concerto per pianoforte di P. Čajkovskij (2002), il Concerto Barocco sulla musica di un concerto per due violini e orchestra d'archi di I.S. Bach e "Serenade" sulla musica di "Serenade for String Orchestra" di P. Tchaikovsky "Ballet Imperial" nel 2004 è diventato il vincitore del festival "Golden Mask" come miglior spettacolo di balletto. Nel 2005, insieme alla società olandese Stardust, è stato realizzato il progetto unico "Il lago dei cigni più grandioso del mondo". A cavallo del millennio, il teatro conferma sempre più la sua autorità di pioniere, continuando e arricchendo le tradizioni del “moderno laboratorio operistico”. Nel 2001 ha avuto luogo la prima dell'opera "Cleopatra" di J. Massenet, che non è mai stata rappresentata in Russia ed è quasi sconosciuta nel mondo. Nel 2004, per la prima volta in Russia, la magica opera “Alcina” di G. F. Handel, messa in scena per la prima volta in Russia, è stata la prima esperienza di rappresentazione di un'opera antica al Teatro di Perm, che ha aperto nuove sfaccettature del meraviglioso solisti dell'opera. Nel 2007, nell'anno del 400 ° anniversario dell'opera "Orfeo" di C. Monteverdi, quest'opera è stata rappresentata sul palco di Perm. Secondo il critico moscovita Dmitry Morozov, “Georgy Isahakyan ha messo in scena, forse, la sua migliore interpretazione e ha fatto una vera svolta artistica. Orfeo non è solo la prima produzione del capolavoro di Monteverdi in Russia, ma anche il primo successo del nostro teatro sul campo dell'opera antica. ... "Orfeo" si è rivelato il migliore e sicuramente il più armonioso performance musicale dell'anno". Nell'ambito del festival Diaghilev Seasons 2007, l'opera di N. Sidelnikov The Chertogon è stata rappresentata per la prima volta al mondo, suscitando grande interesse tra gli ospiti del festival, i musicisti professionisti e la critica. Eventi significativi degli ultimi anni sono la rappresentazione a Mosca, su invito del Teatro delle Nazioni, degli spettacoli "Lolita" e "Cleopatra", uno spettacolo sul famoso palco Teatro Mariinskij con il programma di balletto di J. Balanchine. Nel 2004, la troupe d'opera si è esibita al festival di arte contemporanea "SAKRO ART" a Lokkum con la prima mondiale dell'opera di A. Shchetinsky "Il Bestiario". Lo spettacolo è stato presentato anche al Teatro delle Nazioni di Mosca e al festival teatrale a Jaroslavl'. Nella primavera del 2006 e del 2007, le rappresentazioni del Teatro di Perm - "Carmen" di J. Bizet, "L'usignolo" di I. Stravinsky, "Cenerentola, o il racconto di Cenerentola" di J. Massenet e "... con il nome della Sirenetta" di A. Dvorak - divennero nuovamente candidati per la Maschera d'Oro. Le esibizioni in tournée della troupe a Mosca e San Pietroburgo ricevono un grande riscontro. La partecipazione degli artisti di Perm al festival Stars of the White Nights sul palco del Teatro Mariinsky, ai festival musicali Baltic Seasons a Kaliningrad, Panorama of Russian Opera Houses a Omsk, Crescendo nella capitale, sul palco del Teatro Bolshoi della Russia, aumentò la gloria del teatro di Perm. Nel gennaio 2008, la tournée dell'Opera di Perm in America sul palco della famosa Carnegie Hall, che un tempo si apriva al suono di un'orchestra diretta da Pyotr Tchaikovsky, è stata un enorme successo. Ora il Teatro di Perm intitolato a P. I. Tchaikovsky ha presentato il concerto "Tchaikovsky conosciuto e sconosciuto" con arie e scene di opere del grande compositore come "La regina di picche", "Cherevichki", "La pulzella d'Orleans", "Eugene Onegin ", "Iolanta", "Oprichnik", "Ondine", "Incantatrice", "Mazepa". Le esibizioni della troupe di Perm hanno ricevuto un'accoglienza molto calorosa da parte dell'esigente pubblico newyorkese e hanno ricevuto un'ampia risposta dalla stampa americana. Perm ospita tradizionalmente il Concorso Arabesque Open di ballerini russi, diretto da Vladimir Vasiliev ed Ekaterina Maksimova. Nel 2003, sotto il patrocinio dell'UNESCO, si è tenuto il primo Festival Internazionale "Le stagioni di Diaghilev:" Perm - San Pietroburgo - Parigi ". Uno dei primi festival in Russia, unendo tipi diversi arte sotto il segno della creatività e dell'ispirazione. La prima première della 137a stagione è stata l'opera spirituale "Cristo" di A. Rubinstein (dir. Georgy Isahakyan), messa in scena per la prima volta sul palcoscenico russo. Nel febbraio 2009 ha avuto luogo la prima dell'opera "Otello" diretta da V. Petrov, che ha debuttato come regista di teatro musicale. La prima russa e mondiale dell'opera Un giorno nella vita di Ivan Denisovich, apparsa grazie alla collaborazione creativa di G. Isahakyan e del compositore A. Tchaikovsky e alla buona volontà di A. I. Solzhenitsyn, ha avuto luogo nell'ambito delle IV Stagioni di Diaghilev Festival. Questa produzione ha aperto all'arte operistica il tema del "campo", che prima era appena stato toccato. Alla fine di marzo si sono svolte le prime di due balletti moderni in un atto: Medea (coreografo Y. Possokhov) e Ring (coreografo A. Miroshnichenko). I balletti della coreografia classica di M. Fokine, uno dei leggendari coreografi delle Stagioni russe di Diaghilev, sono stati ripresi appositamente per Le Stagioni di Diaghilev: Danze Polovtsiane e il balletto in miniatura La Visione della Rosa. Sono state queste esibizioni che sono state presentate dagli artisti di Perm al Teatro Bolshoi in occasione della celebrazione del centenario delle Stagioni russe di Diaghilev, avvenuta il 30 maggio. Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm ha preso parte al Festival del Teatro Nazionale "Golden Mask-2009" con lo spettacolo di balletto "Corsair" (coreografia di Marius Petipa, aggiornata dal regista di San Pietroburgo V. Medvedev) e l'opera "Orpheus" ( regista G. Isahakyan), presentato in anteprima nel novembre 2007. "Orfeo" ha ricevuto due Maschere d'Oro: per la migliore regia (regista G. Isahakyan) e per la migliore scenografia (scenografo Ernst Heydebrecht). Un anno dopo, il teatro ha preso parte al festival con lo spettacolo di balletto Medea (coreografo Yuri Posokhov) e l'opera One Day in the Life of Ivan Denisovich (direttore Georgy Isahakyan). Quest'ultimo ha ricevuto la "Maschera d'oro" nella nomination "Il miglior lavoro di un direttore d'orchestra", il premio è stato consegnato al direttore principale del teatro Valery Platonov.