Aspetto storico e psicologico
Lezione 1
L'apparizione della figura dell'esecutore nell'arte della musica è un processo storico associato alla differenziazione della creatività musicale. Nell'Europa occidentale, ciò è avvenuto sotto l'influenza di ragioni sociali e culturali e il processo di differenziazione è continuato per diversi secoli. Le sue origini risalgono al XIV secolo, quando inizia il Rinascimento in Italia e poi in altri paesi europei. In precedenza, di fronte al musicista, si univano contemporaneamente sia il creatore della composizione musicale che l'esecutore. Il concetto di paternità, fissando il testo musicale allora non esisteva. Tra l'enorme numero di motivi culturologici che hanno gettato le basi per l'emergere della figura di un musicista esecutore, il ricercatore dell'interpretazione nella musica N.P. Korykhalova indica: 1) la complicazione della notazione dalla fine del XII secolo, la riproduzione di musica. Notiamo anche il graduale rafforzamento dell'individualità dell'autore e la complicazione del testo musicale.
L'accelerazione di questo processo alla fine del XV secolo, grazie all'invenzione della notazione musicale, fu un passo importante nella messa in sicurezza del testo dell'autore. E nel 1530, nel trattato di Ascolto, l'esecuzione è indicata come un'attività musicale pratica autonoma.
A poco a poco, iniziarono a formarsi i requisiti per la personalità dell'esecutore, le sue capacità professionali e psicologiche. Più importante-
la maggior parte di loro sono legati a la subordinazione della volontà dell'esecutore alla volontà del compositore, la capacità dell'artista di mostrare la sua individualità creativa.È sorta la domanda: qual è lo stato dell'attività di un musicista-esecutore - solo riproduttivo o forse e creativo? E qual è l'essenza della volontà creativa dell'artista, cosa è permesso fare all'artista?
A quel tempo si credeva che la creatività dell'artista fosse necessariamente associata alla correzione del testo musicale, introducendovi i propri elementi intonazionali e materici, solitamente associati alla dimostrazione di capacità tecniche. Sì, e ogni musicista ha poi padroneggiato l'arte dell'improvvisazione e ha potuto "aggiornare" assolutamente liberamente la composizione. Appaiono frammenti di una forma musicale e persino di generi in cui originariamente si supponeva la libertà musicale. Nel XVII secolo l'arte della cadenza raggiunse un alto sviluppo nella musica strumentale e vocale. E il preludio o fantasia nella sua natura contiene libertà di improvvisazione.
La svolta nella risoluzione di questo problema cade alla fine del XVIII secolo: i compositori di quel tempo cercarono più attivamente di rafforzare il loro diritto al testo e all'immagine di un'opera musicale. Beethoven fu il primo a scrivere una cadenza per il suo terzo concerto per pianoforte. Rossini ha citato in giudizio i cantanti per aver introdotto le cadenze nelle arie d'opera troppo liberamente. La registrazione del test musicale diventa sempre più dettagliata, l'arsenale delle osservazioni dell'esecuzione si espande insolitamente. Tuttavia, per tutto il XIX secolo, ci fu anche una risposta da parte degli artisti. La sua espressione è stata in gran parte l'emergere e lo sviluppo attivo di trascrizioni, parafrasi e pot-pourri. Ogni esecutore, soprattutto un grande concertista, ha ritenuto suo dovere esibirsi con le proprie trascrizioni e parafrasi. Questo genere ha permesso qualcun'altro
presenta la musica a modo tuo, e quindi dimostrare le loro possibilità creative mostra la tua volontà. Tuttavia, già a metà del XIX secolo, cominciò a emergere una nuova comprensione della volontà creativa e della libertà psicologica dell'esecutore, che un tempo si esprimeva in un concetto molto capiente: interpretazione, cosa significa comprendere lo spirito di un'opera, la sua interpretazione, interpretazione. Chi ha introdotto questo termine per la prima volta rimane negli annali della storia, ma è noto per certo che i fratelli Marie e Leon Escudier, scrittori e giornalisti musicali francesi, hanno attirato l'attenzione su di esso nelle recensioni.
Nel frattempo, il rapido sviluppo della cultura musicale nel XIX secolo richiedeva sempre più urgentemente lo status di esecutore, un musicista che avrebbe dedicato la sua attività all'esecuzione opere altrui. A questo punto, si era accumulato un enorme strato di musica che volevo suonare e promuovere ampiamente. Le composizioni stesse sono diventate più lunghe e complesse in termini di linguaggio musicale e consistenza. Pertanto, per scrivere musica, bisognava dedicarsi solo alla creatività compositiva, e per suonarla ad alto livello bisognava esercitarsi molto su uno strumento musicale, sviluppando il livello tecnico necessario. Se si trattava di una composizione orchestrale, non poteva più essere suonata in pubblico dopo una prova. Non è quindi un caso che l'impareggiabile pianista, secondo l'Europa illuminata, il “re del pianoforte”, Liszt, nel pieno della sua carriera artistica, abbia lasciato l'attività esecutiva all'età di 37 anni per dedicarsi esclusivamente alla composizione musicale.
Per quanto riguarda la comprensione dell'interpretazione come base dell'attività creativa dell'artista, questo problema si acuì a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Lo stile del compositore dettava i propri requisiti per l'aspetto psicologico dell'esecutore. Molti compositori credevano che il compito
artista è solo quello di trasmettere accuratamente tutti i dettagli scritti dal creatore della musica. In particolare, I. F. Stravinsky ha aderito a questo punto di vista. È molto comune trovarlo anche oggi. A volte l'interpretazione viene sostituita dai compositori con il concetto di "apprendimento", "tecnica". Ad esempio, B. I. Tishchenko è fondamentalmente in disaccordo con il termine "interpretazione": "Non mi piace molto la parola "interpretazione": include essa stessa una deviazione dalla volontà dell'autore. E non lo riconosco assolutamente. Ma Vladimir Polyakov suona le mie sonate in modo diverso da me, e mi piace la sua performance più di me. Qual è il segreto qui? Probabilmente, questo è un livello più alto di abilità tecnica: suona più facilmente di me; se la cava senza pensare. Questa non è un'interpretazione, ma un diverso tipo di performance. E se mi convince, allora lo accetto con gratitudine e gioia ". [Ovsyankina G., 1999. S. 146].
Tuttavia, già più di cento anni fa ci si poteva imbattere in un'altra comprensione della questione, espressa da A. G. Rubinshtein: “La riproduzione è la seconda creazione. Chi ha questa capacità potrà presentare per bella una composizione mediocre, dandogli un tocco di sua invenzione, anche nell'opera di un grande compositore troverà effetti che o ha dimenticato di indicare o non ha pensato. [Korykhalova N., 1978. S. 74]. Allo stesso tempo, il compositore approva l'introduzione da parte dell'artista del proprio stato d'animo, diverso dal proprio, l'idea dell'autore (come ha detto C. Debussy a proposito dell'esecuzione del suo Quartetto d'archi). Ma è lo stato d'animo, e non l'interferenza nel testo musicale. Era questa comprensione dell'interpretazione che era caratteristica di B. A. Ciajkovskij: “Apprezzo gli interpreti che sono entrambi fedeli alla “lettera” del compositore e che hanno portato la loro comprensione ed empatia. Io porterò
Mer: Neuhaus e Sofronitsky, interpretando Schumann, erano entrambi fedeli al testo dell'autore, ma come suonava diverso Schumann sia in Neuhaus che in Sofronitsky. [Ovsyan-kinaG., 1996. S. 19].
Il problema della libertà psicologica, la manifestazione della volontà personale, la sua interdipendenza con l'intenzione del compositore, preoccupavano costantemente gli interpreti. Nella psicologia delle arti dello spettacolo sono emerse due tendenze opposte che rimangono rilevanti oggi: o il primato della volontà dell'autore nella performance o la priorità dell'immaginazione dello spettacolo. A poco a poco, la pratica musicale nella persona di musicisti eccezionali della fine del XIX - prima metà del XX secolo (A. G. e N. G. Rubinsteinov, P. Casals, M. Long, A. Korto, ecc.) Ha sviluppato un atteggiamento psicologicamente giustificato nei confronti dell'autore testo , combinando in misura maggiore o minore entrambe le tendenze. Un prezioso contributo è stato dato dalla scuola di spettacolo russa dei periodi pre-rivoluzionario e sovietico: A. N. Esipova, L. V. Nikolaev, K. N. Igumnov, G. G. Neugauz, L. N. Oborin, D. I. Oistrakh, D. B. Shafran, ecc. una tradizione di attenta attitudine al testo dell'autore, alla volontà creativa del compositore. La pratica conferma che il problema della libertà psicologica dell'esecutore rimane rilevante fino ad oggi.
arti dello spettacolo- uno dei tipi di attività artistica e creativa in cui le opere della cosiddetta creatività "primaria" si materializzano sotto forma di un certo sistema di segni e sono spesso destinate alla traduzione in uno o in un altro materiale specifico. Le arti dello spettacolo comprendono attività creative: attori e registi che incarnano sul palcoscenico, palcoscenico, arena circense, radio, cinema, televisione le opere di scrittori e drammaturghi; lettori, traducendo opere letterarie in discorsi vivi; musicisti, cantanti, strumentisti, direttori d'orchestra che riproducono opere di compositori; ballerini, coreografo ov, compositore ov, librettista ov.
Non ci sono arti dello spettacolo nelle arti visive, nell'architettura, nelle arti applicate (se non si tratta di un tipo particolare di artisti e si usano operai o macchine per tradurre l'idea in materia), la creatività letteraria, che, nonostante la creazione di opere finite che può essere eseguito dai lettori, è comunque destinato alla percezione diretta da parte del lettore.
Le arti dello spettacolo sono intrinsecamente considerate attività artistiche e creative, poiché non si basano su una semplice traduzione meccanica di un'opera eseguita in un'altra forma, ma sulla sua reincarnazione, che include elementi creativi come abituarsi al contenuto spirituale dell'opera; la sua interpretazione da parte dell'esecutore secondo la propria visione del mondo e posizione estetica.
Spesso per questo motivo, le opere di poeti, drammaturghi, sceneggiatori, compositori, coreografi acquisiscono diverse interpretazioni della performance, ognuna delle quali è una combinazione di autoespressioni dell'autore e dell'esecutore. A volte anche la performance di un attore dello stesso ruolo o di un pianista dello stesso studio diventa unica, poiché il contenuto persistente formatosi durante le prove passa attraverso il variare e l'improvvisazione nato nell'azione stessa della performance.
Tipi [ | ]
Le arti dello spettacolo includono, ma non sono limitate a, danza, musica, opera, teatro, magia, illusione, mimo, recitazione artistica, teatro di marionette, arte performativa, lettura ad alta voce, oratorio.
Musica [ | ]
Teatro [ | ]
Danza [ | ]
Storia [ | ]
Le arti dello spettacolo hanno cominciato ad emergere nel processo di sviluppo della cultura artistica, a seguito del crollo del folklore, caratterizzato dall'inseparabilità della creazione di un'opera e della sua esecuzione. Inoltre, la loro comparsa è stata facilitata dall'emergere di metodi di fissazione scritta di composizioni verbali e musicali. Sebbene in una cultura sviluppata esistano forme di creatività olistica, in cui lo scrittore e l'esecutore sono la stessa persona (ad esempio, la creatività
una sfera speciale di attività artistica e creativa, in cui si materializzano i prodotti. creatività "primaria", registrata da un certo sistema di segni e destinata alla traduzione in uno o in un altro materiale specifico. A I. e. la creatività si riferisce a: attori e registi, incarnazione sul palco, palcoscenico, arena circense, radio, film, produzione televisiva. scrittori, drammaturghi; lettori, traducendo testi letterari in discorsi viventi; musicisti - cantanti, strumentisti, direttori d'orchestra, voci op. compositori; ballerini che incarnano le idee di coreografi, compositori, librettisti, quindi I. e. si distingue come una forma relativamente indipendente di attività artistica e creativa non in tutti i tipi di arte - non è nelle arti visive, nell'architettura, nelle arti applicate (se risulta necessario tradurre l'idea in materiale, si realizza opera di operai o macchine, ma non di artisti di tipo speciale); la creatività letteraria crea anche opere complete che, pur consentendone l'esecuzione da parte dei lettori, sono tuttavia destinate alla percezione diretta del lettore. Io e. sorto nel processo di sviluppo dell'arte. cultura, a seguito del crollo della creatività folcloristica (Folklore), che è caratterizzata dall'indivisibilità della creazione e dell'esecuzione, nonché dall'emergere di metodi di fissazione scritta dell'op. Tuttavia, anche in una cultura sviluppata, vengono preservate forme di creatività olistica, quando lo scrittore e l'esecutore sono combinati in una persona (creatività come Ch, Chaplin, I. Andronikov, B. Okudzhava, V. Vysotsky, ecc.). Io e. sono per loro natura attività artistiche e creative, perché non si basano su una traduzione meccanica dell'opera eseguita. in altro materiale
nuova forma, ma sulla sua reincarnazione, che include momenti creativi come abituarsi al contenuto spirituale del lavoro svolto; la sua interpretazione in accordo con la visione del mondo e le posizioni estetiche dell'esecutore; espressione da parte sua del suo atteggiamento nei confronti di ciò che si riflette nel prodotto. realtà, e come si riflette in essa; scelta dell'artista mezzi Per implementare adeguatamente la propria interpretazione del prodotto eseguibile. e fornendo comunicazione spirituale con spettatori o ascoltatori. Pertanto, la produzione poeta, drammaturgo, sceneggiatore, compositore, coreografo riceve diverse interpretazioni della performance, ognuna delle quali combina l'autoespressione sia dell'autore che dell'esecutore. Inoltre, ogni esecuzione di un attore dello stesso ruolo o di un pianista della stessa sonata diventa unica, perché il contenuto stabile sviluppato nel processo di prova viene rifratto attraverso il variabile, momentaneo e improvvisativo nato (Improvvisazione) nell'atto stesso dell'esecuzione e quindi unico. Carattere creativo I. e. porta al fatto che tra l'esecuzione e il prodotto eseguibile. sono possibili varie relazioni - dalla corrispondenza a una netta contraddizione tra di loro; quindi la stima del I. i- comporta la determinazione non solo del livello di abilità dell'esecutore, ma anche della misura della vicinanza del prodotto da lui creato. originale.
Materiale dalla nonciclopedia
Il compositore ha composto una sonata, una sinfonia o una storia d'amore e ha scritto la sua composizione su carta da musica. Un brano musicale è stato creato, ma la sua vita è solo all'inizio. Certo, puoi leggere ciò che è scritto nelle note con i tuoi occhi, "a te stesso". I musicisti lo sanno fare: leggono le note come noi leggiamo un libro, e ascoltano la musica con l'orecchio interno, nella mente. Tuttavia, la vita a tutti gli effetti di un'opera musicale inizia solo quando il pianista si siede al pianoforte, il direttore alza la bacchetta, quando il flautista o il trombettista porta gli strumenti alle labbra e gli ascoltatori seduti nella sala da concerto, nel teatro dell'opera o a casa - alla radio o alla TV, in una parola quando l'opera cade nelle mani di un musicista che si esibisce e inizia a suonare.
Non è stato però sempre così. Un tempo non c'era divisione in compositori ed esecutori, la musica veniva eseguita da chi la componeva. Questa situazione persiste nell'arte popolare. In una sera d'estate, i giovani si radunano alla periferia del villaggio. Qualcuno inizia una canzoncina, qualcun altro esce subito con la sua in risposta. È stato solo un ascoltatore e ora agisce come scrittore e interprete allo stesso tempo.
Il tempo passò. L'arte della musica si è sviluppata, le persone hanno imparato a registrarla, sono apparse persone che ne hanno fatto la loro professione. Le forme musicali sono diventate sempre più complesse, i mezzi di espressione sono diventati sempre più diversi e la registrazione della musica nel testo musicale è diventata più completa (vedi Notazione musicale). Alla fine del XVIII sec. nella cultura musicale europea c'era una "divisione del lavoro" finale tra i compositori e coloro che d'ora in poi eseguivano solo ciò che era stato scritto da altri. Infatti, durante l'Ottocento c'erano molti più musicisti che eseguivano la propria musica. F. Liszt, F. Chopin, N. Paganini, A. G. Rubinstein e più tardi, nel nostro secolo, S. V. Rachmaninov furono compositori straordinari e virtuosi eccezionali.
Eppure, l'esecuzione musicale è stata a lungo un'area speciale dell'arte musicale, che ha proposto molti eccellenti musicisti: pianisti, direttori d'orchestra, organisti, cantanti, violinisti e rappresentanti di molte altre specialità musicali.
Il lavoro di un musicista-esecutore si chiama creativo. Ciò che crea si chiama interpretazione di un'opera musicale. L'esecutore interpreta, cioè interpreta la musica a modo suo, offre la propria comprensione dell'opera. Non si limita a riprodurre ciò che è scritto nelle note. Del resto il testo musicale non contiene indicazioni così precise e univoche. Ad esempio, nelle note c'è "forte" - "ad alta voce". Ma la sonorità forte ha le sue sfumature, la sua misura. Puoi suonare o cantare a voce molto alta o un po' più piano, e puoi anche suonare o cantare a voce alta, ma piano o forte e con decisione, energia e così via, in molti modi diversi. E le indicazioni di tempo? Anche la velocità del flusso della musica ha una sua misura, e i segni "rapidamente" o "lentamente" danno solo la linea guida più generale. Ancora una volta, l'esecutore deve determinare la misura, le "sfumature" del tempo (sebbene esista un dispositivo speciale - un metronomo - per impostare il tempo).
Studiando attentamente il testo musicale della composizione, cercando di capire cosa l'autore volesse esprimere in musica, l'esecutore risolve problemi che gli richiedono un atteggiamento co-creativo nei confronti della composizione. Anche se volesse riprodurre la musica esattamente nella forma in cui sembrava al compositore e suonava originariamente, non potrebbe farlo. Gli strumenti musicali cambiano, migliorano, cambiano le condizioni in cui si svolge la performance: la musica suona diversamente in un piccolo salone o in un'enorme sala da concerto. I gusti artistici e le opinioni delle persone non rimangono invariati. Se l'esecutore riprende la musica contemporanea, esprimerà anche la sua comprensione del suo contenuto nel gioco. La sua interpretazione rifletterà i suoi gusti, il grado di padronanza delle capacità esecutive, la sua individualità si rifletterà e più significativa, più ampia è la personalità dell'artista, più interessante, ricca e profonda è la sua interpretazione. Pertanto, un brano musicale, che si ripete più e più volte, viene costantemente arricchito, aggiornato ed esiste, per così dire, in una varietà di opzioni di esecuzione. Ascolta come suona diversa la stessa composizione eseguita da artisti diversi. È facile vederlo confrontando i record sui dischi grammofonici di un brano musicale interpretato da diversi artisti. E lo stesso artista non suona lo stesso pezzo allo stesso modo. Il suo atteggiamento nei suoi confronti raramente rimane lo stesso.
Nel mondo delle arti dello spettacolo, uno dei posti principali appartiene alla scuola sovietica. Tali musicisti del nostro paese come pianisti E. G. Gilels e S. T. Richter, violinisti D. F. Oistrakh e L. B. Kogan, cantanti E. E. Nesterenko e I. K. Arkhipova e molti altri . I giovani musicisti sovietici hanno ripetutamente vinto e continuano a ottenere convincenti vittorie nelle competizioni internazionali. La veridicità, l'espressività e la profondità dell'interpretazione, un alto livello di abilità tecnica, l'accessibilità a una vasta gamma di ascoltatori contraddistinguono l'arte degli artisti sovietici.
Pokrovsky Andrey Viktorovich .
Studente di master presso l'Università di cultura e arte di San Pietroburgo
arti dello spettacolo
Annotazione: l'articolo tratta le questioni delle arti dello spettacolo come branca separata dell'arte secondaria: caratteristiche del mondo oggettivo dell'arte e del mondo soggettivo dell'esecutore, le fasi del lavoro dell'esecutore nella comprensione della realtà artistica.
Parole chiave: arti dello spettacolo, canto, musica, teatro, cultura, creatività, psicologia dell'arte.
Pokrovskij A.V. .
Laureato all'Università di cultura e arte di San Pietroburgo
arti dello spettacolo
Astratto:
nell'articolo sono considerate questioni delle arti dello spettacolo, come un ramo separato dell'arte secondaria: caratteristiche del mondo oggettivo dell'arte e del mondo soggettivo dell'Esecutivo, le fasi del lavoro dell'Esecutivo nella comprensione dell'arte di la realtà.
parole chiave: arti dello spettacolo, canto, musica, teatro, cultura, creatività, psicologia dell'arte.
A un amante inesperto, l'arte dell'esecutore sembra semplice e priva di qualsiasi fondamento filosofico o di altro tipo. In effetti, dietro di esso ci sono complessi paradigmi filosofici, che uno spettatore o un ascoltatore esperto può trovare nell'arte di artisti eccezionali.
Djatlov D.
Le arti dello spettacolo hanno avuto origine agli albori della cultura umana e solo nel XIX secolo sono emerse come una forma indipendente di creatività artistica, essendo oggi uno degli strumenti più importanti della cultura. Gli studi sulla performance oggi costituiscono una piccola parte del numero totale di studi su questioni artistiche. Le opere dedicate a questo argomento toccano principalmente questioni generali o considerano il lavoro di singoli maestri in vari campi dell'arte. Questo articolo si concentrerà su ciò che è ancora misterioso nel funzionamento del meccanismo della performance e causa grandi difficoltà nel suo studio, vale a dire la considerazione delle arti dello spettacolo come un'area separata del problema dell'arte secondaria nei processi di arte e attività creativa.
Questo argomento comporta una considerazione più dettagliata delle seguenti questioni: caratteristiche dell'interazione tra il mondo oggettivo dell'arte e il mondo soggettivo dell'artista-performer; principi e modelli di base delle arti dello spettacolo; caratteristiche del complemento reciproco dell'autore e dell'esecutore; fasi del lavoro dell'esecutore nella comprensione della realtà artistica;
Le moderne arti dello spettacolo hanno avuto origine e si sono sviluppate a lungo nelle viscere del canone del culto della chiesa. Ciò ha lasciato un'impronta speciale sull'intera tradizione professionale dello spettacolo, che per molti secoli ha unito un'ampia accessibilità e contenuti profondi, accompagnati da professionalità sempre più complesse. In continua evoluzione, oggi le arti performative sono definite come un sistema artistico ed estetico flessibile e multiforme dei processi di ricreazione di opere d'arte attraverso quasi tutti i tipi di arti. La performance è una struttura complessa che sintetizza diverse arti e dà vita a una nuova realtà artistica.
Nonostante il fatto che tutti i tipi di arte siano strettamente correlati tra loro e siano alimentati da un'unica fonte: la vita, la specificità delle arti dello spettacolo è evidente quando si confrontano arti come la pittura, in cui l'autore e l'esecutore sono una persona, e la musica, dove la composizione e l'esecuzione di un'opera sono processi diversi separati nel tempo. Principalecompito arti dello spettacolo - mediazione tra l'autore, che ha fissato la sua creazione con l'aiuto di un piano o di un certo sistema di segni, e lo spettatore (ascoltatore), cioè penetrazione nell'intenzione dell'autore e riproduzione di essa mediante mezzi accessibili al pubblico .
La creatività si manifesta sempre dove c'è comunicazione interpersonale, che si basa su un “incontro”, nel momento in cui si svolge un evento artistico. Oggi è possibile riprodurre un testo letterario o segni musicali sonori con l'ausilio di dispositivi tecnici. Tuttavia, poiché in questo processo è inclusa una persona vivente, la sua personalità diventa determinante per il risultato finale di questo tipo di attività. Tutti conoscono esempi di interpreti buoni e cattivi: musicisti, cantanti, lettori e attori. Lo stesso brano musicale o un ruolo drammatico in spettacoli diversi suonerà in modo diverso e anche l'impatto sullo spettatore sarà diverso. La padronanza dell'esecutore qui gioca un ruolo chiave: padronanza della metodologia, delle tecniche e dei mezzi espressivi che consentono di riprodurre qualsiasi stile e immagine.
L'arte dell'esecutore è complessa e sfaccettata. Di solito include teatro, musica, teatro e danza. Un performer è solitamente un artista che pratica e ripensa queste arti. Allo stesso tempo, è importante non solo avere una buona padronanza di qualsiasi tipo di arte, ma anche avere un ampio background teorico necessario per comprendere e trasmettere espressamente i tuoi pensieri all'ascoltatore o allo spettatore. Un artista professionista deve avere un complesso di qualità psico-emotive ed estetiche: stabilità emotiva e mentale, capacità di concentrazione, immunità agli stimoli, ecc. Il possesso di questo complesso è infinitamente importante, poiché l'assenza di una di queste qualità può caratterizzare l'artista più brillantemente della presenza di tutto il resto, e persino rendere impossibile una carriera artistica professionale. Inoltre, è importante un insieme di competenze e abilità professionali: possesso di tecnologia; senso dello stile e della forma (la capacità di abbracciare il tutto e allo stesso tempo riprodurre il più piccolo dettaglio); la capacità di pensare, sintetizzando tutte le conquiste dell'arte; concentrazione interiore, che coesiste con un temperamento schiacciante. La proprietà più importante dell'esecutore, ovviamente, èpensiero artistico , la massima chiarezza di esecuzione. Questo non è solo un calcolo esatto, è un pensiero organicamente integrale che assorbe sia il calcolo che l'ispirazione.
Sin dai tempi antichi, l'arte è stata la totalità di tutte le immagini più alte che sono nate nella mente dell'uomo. Il livello di sviluppo spirituale della civiltà sarebbe diverso se non ci fosse l'arte. L'obiettivo principale dell'esecutore in questo processo è trasmettere il contenuto artistico dell'opera, cercando di avvicinarsi alle vette spirituali che l'autore ha rivelato nella sua opera, unendo la fedeltà del raffigurato alla presenza della propria visione.
Il pensiero artistico dell'artista dovrebbe essere abbondantemente nutrito dai suoi molteplici hobby: letteratura, pittura, teatro, storia, musica, ecc. L'operazione più importante del pensiero artistico è il processo di scoprire il simile nel diverso, così come il diverso nel simile. In un pensiero artistico più sviluppato, questo processo diventa molto più complicato a causa delle rivelazioni della visione del mondo dell'artista, della confessione delle sue esperienze, dell'ambiguità delle sue idee artistiche, della generalizzazione dell'esperienza di vita e della trasformazione della realtà.
Che lo voglia o no, l'esecutore esprime tutto se stesso, le sue aspirazioni e valori personali dal palcoscenico, che si rivelano nell'incarnazione dell'opera. Da un lato, espandiamo la nostra esistenza, vivendo quegli eventi che non ci sono accaduti e non potrebbero accadere, e arricchiamo la nostra esperienza artistica e talvolta di vita. D'altra parte, entrando nel mondo ultraterreno, scopriamo in esso la misteriosa possibilità di un colloquio intimo con l'essenza stessa della vita vissuta nell'opera. Questo tocco sugli strati più profondi della vita extramateriale fa nascere in noi una risonanza di risposta che, manifestandosi in un'affermazione, diventa una confessione. Questo è esattamente ciò che ogni persona si aspetta dall'arte: la sincerità dell'autore e la confessione dell'esecutore. Poiché, nonostante nei tempi moderni, le prestazioni professionali si siano spostate dal tempio a un ambiente secolare, l'arte fino ad oggi conserva lo spirito di elevazione al di sopra della vita quotidiana, il desiderio di una percezione sublime e idealizzata del mondo, che è stata inizialmente determinata sotto l'influenza diretta dell'atmosfera del tempio.
L'attività creativa altamente organizzata dell'esecutore, basata sul testo dell'autore, è un livello di pensiero artistico, che include, da un lato, la generazione di nuove idee e, dall'altro, la riproduzione esatta del materiale originale . Questo processo è impossibile senza la capacità di trovare nuove soluzioni, vedendo l'integrità in ciò che si trasforma e in ciò che si ottiene come risultato della trasformazione.
Un approccio creativo alla performance è anche impossibile senza pensiero artistico e figurativo, senza intuizione, senza stato d'animo emotivo, senza attività valutativa. Un ruolo positivo nel pensiero artistico è svolto dalla visione di modi alternativi di sviluppare il pensiero, riflettere e lavorare con le associazioni su un determinato argomento. Di conseguenza, si sviluppa una certa complessa rete di movimenti, che funge da base per il libero movimento del pensiero. Nella fase iniziale di lavoro con un'opera, c'è sempre un certo eccesso di una varietà di versioni pronte per lo "scorrimento" e scenari per risolvere il problema, che alla fine si trasforma in un risultato più fruttuoso. Significativo in questo processo è che l'artista-performer -meta-individualità . È consapevole di se stesso sia come un tutto che come parte di un altro tutto con cui interagisce. L'empatia è possibile solo con piena consapevolezza di questo, solo in questo caso “l'arte accade” e si crea la poetica della performance.
Come ogni artista, l'esecutore è limitato. Limitata a modo suo: la forma dell'opera e la tradizione della sua esecuzione. Proprio come crea il pittore di icone, limitato dalla forma del canone, così l'esecutore non è in alcun modo violato nel suo lavoro dal famigerato “secondario”. Nel processo di elaborazione di un'opera, il compito principale dell'esecutore non è tanto quello di "sbrogliare" l'intenzione dell'autore, ma di cercarne l'autenticità esistenziale al momento. La linea sottile che separa l'autentico dal simile, l'autentico dall'illusorio, la vita dall'imitazione della vita, è spesso invalicabile per l'esecutore. Per far fronte alle difficoltà nel modo di tradurre un'immagine o un'opera, è importante che un esecutore padroneggi bene la tecnica delle arti dello spettacolo e le peculiarità del linguaggio dello spettacolo.
Metodo (greco "percorso, seguire") è un modo per raggiungere l'obiettivo, che coinvolge una serie di tecniche e mezzi. In quanto categoria di creatività artistica, il metodo delle arti dello spettacolo include concetti come interpretazione, linguaggio performativo, intuizione ed empatia.
Linguaggio performante è il linguaggio del cuore dell'esecutore, il linguaggio della sua anima, in cui comunica con il pubblico. Il testo dell'autore originale è usato come una tela, piena di sfumature e sfumature di atteggiamento, percezione e atteggiamento personale. Queste sfumature sono uniche per ognuno di noi e dipendono dalle profondità spirituali in cui il nostro cuore può sprofondare. Il linguaggio performativo è inteso come un insieme di mezzi espressivi e visivi, un arsenale di possibilità che il sistema dell'arte ha in questa fase dello sviluppo della civiltà. Che lingua è? Quali sono le sue caratteristiche? Quali mezzi espressivi usa? In che modo arricchisce o impoverisce il linguaggio dell'opera originale? Qual è la specificità del suo impatto sul pubblico?
I mezzi espressivi dell'esecutore sono strumenti sottili, a volte sottili per la coscienza esterna, come intonazione, timbro, gesto o espressioni facciali, in cui puoi mettere il tuo atteggiamento individuale nei confronti dell'azione, del pensiero o del sentimento. Allo stesso tempo, ovviamente, la subordinazione incondizionata del linguaggio performativo a obiettivi esclusivamente artistici, vale a dire l'interpretazione dell'immagine artistica.
Interpretazione , come modalità di interpretazione artistica di un'opera, è il risultato di un'attività performativa che appare nel processo di coniugazione dei tempi: storico e presente. Questo termine è entrato in uso a metà del diciannovesimo secolo e oggi è il concetto principale delle arti dello spettacolo.
L'opera, in un modo o nell'altro, coglie la vita e l'esperienza artistica dell'autore, essendo una "cronaca" dei momenti più intensi della sua vita. L'intero "tessuto" dell'opera, la struttura del testo, la sua rappresentazione grafica ci appare sotto forma di informazioni che informano il destinatario di cose ben precise. L'esecutore, interpretando queste informazioni, non è in alcun modo inferiore all'autore in termini di forza dell'impatto spirituale ed estetico. È lo stesso creatore di un pittore, compositore, scrittore o poeta. Nonostante il fatto che l'esecutore sia limitato dalla portata del testo ed è costretto a parlare la lingua dell'autore, non è un conduttore cieco della volontà dell'autore, poiché ha anche il suo linguaggio performativo, in cui comunica con il pubblico, riempiendo il messaggio informativo dell'autore con l'energia dell'interpretazione.
L'interpretazione sorge nella mente dell'esecutore nel processo di costruzione del proprio concetto e di selezione dei mezzi esecutivi necessari per la sua materializzazione. Non tutto nella nascita di un'interpretazione performativa avviene consapevolmente, soprattutto in una performance dal vivo. La spontaneità, la spontaneità espressiva, l'imprevedibilità e gli impulsi creativi dell'esecutore provengono spesso dal subconscio, alimentandosi da una fonte irrazionale. Pertanto, l'esecutore introduce certamente nell'interpretazione i tratti della propria individualità creativa, leggendo a modo suo l'intenzione dell'autore. Tuttavia, l'interpretazione dell'esecutore, essendo individualmente unica, non dovrebbe divergere o contraddire l'intenzione dell'autore.
Per raggiungere il suo obiettivo, l'artista-performer segue le fasi principali del processo creativo. Questo lavoro include: conoscenza dell'opera, biografia e opinioni estetiche dell'autore; svelare l'intenzione dell'autore; trovare la giusta struttura emotiva in determinate condizioni; identificazione del sottotesto semantico artistico ed estetico; introduzione di nuovi elementi creativi e soluzioni artistiche nell'opera; arricchimento dell'opera (immagine artistica), dovuto allo speciale stato creativo dell'esecutore; ricerca di specifici mezzi espressivi. Nel processo di lavoro su un'opera (immagine), è altrettanto importante che l'esecutore si fidi completamente dell'esperienza eintuizione .
Ogni nuova lettura e comprensione dell'originale è già un atto creativo di empatia con i sentimenti dell'autore. Allo stesso tempo, il processo creativo è spesso controllato non dalla struttura o dalla forma, ma dall'immaginazione e dall'intuizione, capaci di penetrare i confini della coscienza. Oggi nella scienza non esiste una comprensione comune di cosa sia l'intuizione, qual è la sua natura e il suo meccanismo d'azione.
L'attività intuitiva dell'artista performativo, molto probabilmente, fa riferimento alla sinergetica, come branca della scienza che studia i meccanismi di autocompletamento di nuove strutture e sistemi dalle immagini visive e mentali elementari alle rappresentazioni più complesse. Molti filosofi, psicologi e storici dell'arte hanno studiato i problemi dell'intuizione: I. Kant, F. Schelling, A. Bergson, B. Croce, F. Asmuv, L. Vygotsky, B. Tepos, Ya. Ponomrev, A. Nalchadzhyan, A. Khitruk, G.Dadomyan, A.Niktin. ecc. Tuttavia, secondo Mario Bunge, l'idea di intuizione oggi si riduce a una sorta di "raccolta dei rifiuti", dove vengono raccolti tutti i meccanismi, di cui non abbiamo un'idea precisa. Sebbene, secondo il riconoscimento di molti autori e interpreti, sia l'intuizione, come una sorta di intuizione creativa, che costituisce la base dell'intero processo creativo.
La conoscenza intuitiva nasce solitamente sotto forma di un'ipotesi inaspettata, uno schema simbolico in cui si indovinano solo i contorni del lavoro futuro.
L'intuizione è di due tipi:
logico - non viola la logica stabilita della conoscenza. Tale intuizione è formata da una catena di inferenze, generalizzazioni e analogie. Questo tipo di intuizione è chiamato "intuizione-ipotesi" o "intuizione-anticipazione". Questa intuizione consiste nell'indovinare il risultato, che è coerentemente confermato dalla prova logica.
Irrazionale - contrariamente alle opinioni consolidate e al sistema della conoscenza scientifica. Questo tipo di intuizione, per così dire, rompe il vecchio sistema di giudizi, pone nuovi problemi e fornisce altre spiegazioni per le anomalie e le contraddizioni delle teorie esistenti.
L'intuizione artistica e creativa "fonde" in un tutto unico il sensuale e il logico, l'inconscio e il conscio. La condizione per l'inizio dell'intuizione nelle arti dello spettacolo è un alto livello di relazione tra uomo e arte, pensiero artistico e padronanza del meccanismo di esecuzione dell'attività creativa.
Entrando in comunicazione con l'opera dell'autore, l'esecutore espande i confini del suo essere, includendo nella sua vita l'esperienza di vita di qualcun altro, come sua. La personalità dell'esecutore, per essere coinvolta nelle condizioni che hanno originato inizialmente l'esperienza artistica, deve "risuonare" con la personalità dell'autore. È chiamatocapacità empatica , senza il quale è impossibile ottenere un nuovo risultato di cui all'art. L'esecutore si correla con l'opera, analizza quanto sia consono alla sua anima ciò che esegue, e in accordo con ciò costruisce relazioni con l'immagine artistica creata.
L'esecuzione dell'empatia viene eseguita nel corso della decifrazione dell'idea dell'autore e della creazione di un'immagine artistica indipendente. Pertanto, il processo è inverso rispetto a quello dell'autore. L'idea dell'autore nasce solitamente sotto l'influenza di dominanti extra-artistiche. Nelle arti dello spettacolo è il contrario: le immagini create danno vita ad associazioni non artistiche. Cioè, l'atto di scoperta creativa dell'artista non avviene in modo razionale, ma sulla base dell'empatia. Ecco perché sentiamo la veridicità dei personaggi e delle immagini dell'autore, anche se spesso non possiamo provarli.
Tuttavia, sarebbe errato pensare che l'empatia porti automaticamente alla scoperta artistica. È solo una condizione tecnica per un atto creativo, necessaria in una certa fase del lavoro con il lavoro dell'autore. Tale "sentimento" e permanenza mentale nel materiale primario, fondendosi con esso, è garanzia dell'affidabilità delle informazioni acquisite. Non c'è da stupirsi che affermino che un attore è il lettore più intelligente e un musicista è l'ascoltatore più grato. La capacità empatica consente all'esecutore, attraverso la sua fisica, psiche, intelletto, sentimenti e contemplazione, di toccare l'essenza extra-materiale nascosta nella materia, per amore della quale viene creata qualsiasi opera d'arte.
Riassumendo il ragionamento sulle arti dello spettacolo, sembra importante sottolineare ancora una volta l'importanza per questo processo della personalità dell'esecutore, nonché la padronanza dell'intero meccanismo dell'attività creativa e del linguaggio delle sue arti dello spettacolo. Va ricordato che un'esecuzione artisticamente debole può cancellare i meriti di un'opera e un'esecuzione brillante può superarla e decorarla. La capacità di "reincarnarsi" dovrebbe essere accompagnata dal desiderio di percorrere l'intero percorso della creazione con l'autore, e non essere una cieca parodia dei segni esterni dello stile dell'autore e della sua epoca. L'esecutore deve essere contemporaneamente consapevole di se stesso come un tutto e parte di un altro tutto con cui interagisce.
Il principio fondamentale delle arti dello spettacolo è la rigorosa esecuzione del testo dell'autore, senza introdurre dettagli personali, e allo stesso tempo la capacità di rimanere se stessi. Nell'interpretare e ricreare un'opera, l'esecutore deve ogni volta, per così dire, superare i confini delle sue capacità, ponendosi un certo super-compito. In caso contrario, può verificarsi la necrosi dell'immagine artistica e l'artificialità dell'immagine. Capire che interpretare è sempre un atto creativo, e “ricreare” e “ricreare” sono concetti omogenei, può aiutare in questo.
L'esecutore deve sempre ricordare il valore educativo dell'arte, il potere del suo impatto sulla visione estetica del mondo e sull'immagine spirituale del pubblico. Pertanto, è importante rivelare il lavoro non solo dal lato tecnico, ma anche dal lato spirituale, per dare al pubblico solo i sentimenti più alti nelle loro interpretazioni. Si ritiene che la vera essenza umana dell'artista si manifesti nella performance, e un grande artista, prima di tutto, è una grande persona. Pertanto, servizio disinteressato all'arte, sviluppo personale, espansione delle proprie capacità tecniche e capacità drammatiche, portando la forma della performance alla massima perfezione, escludendo tutto il superfluo, in modo che il suono, la vista, il gesto - tutto sia fuso in un unico insieme, è importante.
Qualsiasi artista può ottenere grandi risultati in questo campo se è costantemente insoddisfatto del livello del suo sviluppo professionale, se ama molto e arde dal desiderio di trasmettere al pubblico tutto ciò che ama, affascinandolo con spontaneità di volontà e prestazioni emotive , la cui risposta immediata è sempre una risposta sensuale da parte del pubblico .
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