เฟลกอนโตวา อนาสตาเซีย
ชั้น 7ความเชี่ยวชาญ "ทฤษฎีดนตรี"มาอูดอด ชิ หมายเลข 46, เคเมโรโว
ไซเกรวา วาเลนตินา อาฟานาซีฟนา
ที่ปรึกษาทางวิทยาศาสตร์,ครูสาขาวิชาทฤษฎี MAOU DOD "DSHI No. 46"
การแนะนำ
ในทุกๆ เมืองใหญ่มีวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ยังเป็นที่ต้องการใน โรงโอเปร่าและในสังคมฟิลฮาร์โมนิก แต่แนวซิมโฟนีเองซึ่งเป็นหนึ่งในแนวเพลงเชิงวิชาการที่น่านับถือที่สุด กำลังถูกแทนที่ด้วยดนตรีแชมเบอร์และอิเล็กทรอนิกส์ และอาจถึงเวลานั้นจะมาถึงเมื่อแนวเพลงที่ยอดเยี่ยมเช่นซิมโฟนีจะไม่แสดงในคอนเสิร์ตอีกต่อไป อย่างน้อยพวกเขาก็เกือบจะหยุดแต่งซิมโฟนีแล้ว ความเกี่ยวข้องหัวข้อวิจัย: ความสนใจอย่างไม่ลดละในคำถามเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของประเภท "ซิมโฟนี" ในอนาคต อะไรรอซิมโฟนีในศตวรรษที่ 21: การเกิดใหม่หรือการลืมเลือน? วัตถุประสงค์ของการศึกษาเป็นซิมโฟนีที่เป็นแนวเพลงและเป็นวิธีที่จริงจังในการทำความเข้าใจโลกและการแสดงออกของมนุษย์ สาขาวิชาที่ศึกษา: วิวัฒนาการของแนวเพลงซิมโฟนิกจากต้นกำเนิดจนถึงปัจจุบัน เป้าหมายของงาน:ศึกษาคุณสมบัติของการพัฒนาแนวเพลงไพเราะ วัตถุประสงค์ของการวิจัย: วิเคราะห์เนื้อหาทางวิทยาศาสตร์และทฤษฎีเกี่ยวกับปัญหา อธิบายกฎซิมโฟนิก บรรทัดฐาน แบบจำลอง และแนวโน้มในการพัฒนาแนวเพลง
บทฉัน. ประวัติความเป็นมาของคำว่า "ซิมโฟนี"
ซิมโฟนี (จากภาษากรีก ซิมโฟนี - ความสอดคล้อง จาก sýn - ร่วมกัน และ โทรศัพท์ - เสียง) งานดนตรีในรูปแบบโซนาตาไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี หนึ่งในแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีซิมโฟนิก ในซิมโฟนีบางรายการ นักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวก็มีส่วนร่วมด้วย Symphony เป็นหนึ่งในแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุด “สำหรับฉัน การสร้างซิมโฟนีหมายถึงการใช้วิธีสมัยใหม่ทั้งหมด เทคโนโลยีดนตรีสร้างสันติภาพ” กุสตาฟ มาห์เลอร์ นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย กล่าว
เบื้องต้นใน กรีกโบราณ“ซิมโฟนี” เป็นชื่อที่ตั้งให้กับเสียงร้องที่ไพเราะพร้อมเพรียงกัน ใน โรมโบราณนี่คือสิ่งที่เรียกว่าวงดนตรีหรือวงออเคสตราแล้ว ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปถือเป็น "ซิมโฟนี" (ในฝรั่งเศสความหมายนี้ยังคงอยู่จนถึงศตวรรษที่ 18) เครื่องดนตรีบางชนิดสามารถเรียกเช่นนี้ได้ (โดยเฉพาะ hurdy-gurdy) . ในเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีเป็นคำทั่วไปสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลายชนิด - พิณและเวอร์จิล ในฝรั่งเศส เป็นชื่อที่ตั้งให้กับออร์แกนถัง ฮาร์ปซิคอร์ด กลองสองหัว ฯลฯ
ในช่วงปลายยุคบาโรก คีตกวีบางคน เช่น Giuseppe Torelli (1658-1709) แต่งผลงานให้กับวงเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องเป็น 3 จังหวะ โดยมีลำดับจังหวะเร็ว-ช้า-เร็ว แม้ว่างานดังกล่าวมักเรียกว่า "คอนเสิร์ต" แต่ก็ไม่ต่างจากงานที่เรียกว่า "ซิมโฟนี"; ตัวอย่างเช่น มีการใช้ธีมการเต้นรำในตอนจบของทั้งคอนเสิร์ตและซิมโฟนี ความแตกต่างเกี่ยวข้องกับโครงสร้างของส่วนแรกของวงจรเป็นหลัก: ในซิมโฟนีมันง่ายกว่า - ตามกฎแล้วเป็นรูปแบบไบนารีสองส่วนของการทาบทามบาโรก โซนาต้า และชุด (AA BB) เฉพาะในศตวรรษที่สิบหกเท่านั้น มันเริ่มนำมาใช้กับ ผลงานแต่ละชิ้นเดิมทีเป็นนักร้องนำโดยนักแต่งเพลงเช่น Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie Musicali, 1610) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629) นักแต่งเพลงชาวอิตาลีศตวรรษที่ 17 คำว่า "ซิมโฟนี" (ซินโฟเนีย) มักหมายถึงการบรรเลงโอเปร่า โอราโตริโอ หรือแคนตาตา และคำในความหมายก็ใกล้เคียงกับแนวคิดของ "โหมโรง" หรือ "ทาบทาม"
ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นการทาบทามของอิตาลี ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้โดเมนิโก สการ์ลัตติ เมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้เรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วยสามส่วนที่ตัดกัน: allegro, andante และ allegro ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียว คุณสมบัติของรูปแบบโซนาต้าถูกร่างไว้ในส่วนแรก เป็นรูปแบบนี้ที่มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของซิมโฟนีออเคสตรา ในทางกลับกัน ซิมโฟนีรุ่นก่อนคือโซนาตาออเคสตราซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน คำว่า "การทาบทาม" และ "ซิมโฟนี" ถูกใช้สลับกันในช่วงศตวรรษที่ 18
ในศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีแยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็นแนวคอนเสิร์ตอิสระ โดยปกติจะมี 3 จังหวะ (“เร็ว - ช้า - เร็ว”) การใช้คุณลักษณะของชุดเต้นรำสไตล์บาโรก โอเปร่าและคอนแชร์โต นักแต่งเพลงจำนวนหนึ่ง และเหนือสิ่งอื่นใด เจ.บี. Sammartini ได้สร้างแบบจำลองของซิมโฟนีคลาสสิก ซึ่งเป็นงานสามการเคลื่อนไหวสำหรับวงออเคสตราเครื่องสาย ซึ่งการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมักอยู่ในรูปแบบของ rondo ธรรมดาหรือรูปแบบโซนาตาในยุคแรก เครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ถูกเพิ่มเข้าไปในสายอย่างค่อยเป็นค่อยไป เช่น โอโบ (หรือฟลุต) เขาสัตว์ ทรัมเป็ต และกลองทิมปานี สำหรับผู้ฟังแห่งศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีถูกกำหนดโดยบรรทัดฐานคลาสสิก: เนื้อสัมผัสแบบโฮโมโฟนิก, ความสามัคคีแบบไดโทนิก, ความแตกต่างอันไพเราะ, ลำดับการเปลี่ยนแปลงไดนามิกและธีมที่กำหนด ศูนย์กลางที่ปลูกฝังซิมโฟนีคลาสสิกคือเมืองมันไฮม์ของเยอรมัน (ที่นี่ Jan Stamitz และนักเขียนคนอื่น ๆ ขยายวงจรไพเราะเป็นสี่ส่วนโดยแนะนำการเต้นรำสองชุดจากชุดบาโรก - มินูเอต์และทรีโอ) และเวียนนาที่ซึ่งไฮเดิน โมสาร์ท , Beethoven (เช่นเดียวกับรุ่นก่อนๆ ซึ่ง Georg Monn และ Georg Wagenseil มีความโดดเด่น ได้ยกระดับแนวเพลงซิมโฟนีขึ้นไปอีกระดับ... Johann Sebastian Bach (1685-1750, Germany)
บทครั้งที่สอง. ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ
1. คลาสสิกเวียนนา
1.1. ฟรานซ์ โจเซฟ ไฮเดิน
ในงานของ Franz Joseph Haydn (1732-1809) ในที่สุดวงจรไพเราะก็ก่อตัวขึ้น ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของเขายังคงไม่แตกต่างไปจากแชมเบอร์มิวสิคเลย และแทบจะไม่ไปไกลกว่าความบันเทิงทั่วไปและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้นเลย เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงออกมากกว่านี้ โลกลึกรูปภาพ ("Funeral Symphony", "Farewell Symphony" ฯลฯ) ซิมโฟนีของเขาค่อยๆ เต็มไปด้วยเนื้อหาดราม่าที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ความสำเร็จสูงสุดของการแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือซิมโฟนี "ลอนดอน" ทั้งสิบสองชุด
โครงสร้างโซนาต้าอัลเลโกร. ซิมโฟนีแต่ละเพลง (ยกเว้น C minor) เริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ของตัวละครที่สง่างาม เคร่งขรึม เน้นการคิด บทกวีที่ไพเราะ หรือใคร่ครวญอย่างสงบ (โดยปกติจะเป็นจังหวะ Largo หรือ Adagio) การแนะนำอย่างช้าๆ แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา (ซึ่งเป็นส่วนแรกของซิมโฟนี) และในขณะเดียวกันก็เป็นการเตรียมการ ไม่มีความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่างที่ชัดเจนระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนรอง ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและมีลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง การพัฒนาที่สร้างขึ้นโดยการแยกแรงจูงใจได้รับการพัฒนาที่สำคัญในซิมโฟนีของ Haydn ส่วนสั้นๆ แต่ใช้งานมากที่สุดจะถูกแยกออกจากธีมของส่วนหลักหรือส่วนรอง และผ่านการพัฒนาอิสระที่ค่อนข้างยาว (การมอดูเลตอย่างต่อเนื่องในคีย์ต่างๆ ดำเนินการด้วยเครื่องมือที่แตกต่างกันและในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน) สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน
ส่วนที่สอง (ช้า)มีบุคลิกที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ บางครั้งก็เหมือนเพลงในบางกรณีเหมือนเดินขบวน รูปร่างก็แตกต่างกันไปเช่นกัน ที่พบมากที่สุดคือรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน
มินูเอตส์การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" มักเรียกว่า Menuetto มินิเอตของ Haydn จำนวนมากมีลักษณะของการเต้นรำแบบคันทรี่ด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ท่วงทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน มินูเอต์แบบดั้งเดิมขนาดสามจังหวะยังคงอยู่ แต่จะสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบชาวนาที่เป็นประชาธิปไตย
รอบชิงชนะเลิศตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn มักจะดึงดูดความสนใจ ภาพประเภทแถมยังกลับมาฟังเพลงฟ้อนรำอีกด้วย รูปแบบส่วนใหญ่มักจะเป็นโซนาตาหรือรอนโดโซนาตา ในตอนจบของซิมโฟนี "ลอนดอน" บางช่วง เทคนิคของการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของดนตรีและสร้างพลังให้กับโครงสร้างดนตรีทั้งหมด [ 4, น. 76-78]
วงออเคสตราองค์ประกอบของวงออเคสตราก็ถูกกำหนดไว้ในงานของ Haydn ด้วย มันขึ้นอยู่กับเครื่องมือสี่กลุ่ม ส่วนเครื่องสายซึ่งเป็นส่วนนำของวงออเคสตราประกอบด้วยไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส กลุ่มไม้ประกอบด้วย ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต (ไม่ได้ใช้ในซิมโฟนีทุกประเภท) และบาสซูน กลุ่มทองเหลืองของ Haydn ประกอบด้วยเขาและแตร ในบรรดาเครื่องเพอร์คัชชัน Haydn ใช้เฉพาะกลองทิมปานีในวงออเคสตรา ข้อยกเว้นคือ "London Symphony" ที่สิบสอง, G major ("Military") นอกจากกลองทิมปานีแล้ว Haydn ยังแนะนำสามเหลี่ยม ฉาบ และกลองเบสอีกด้วย โดยรวมแล้วงานของ Franz Joseph Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ
1.2. โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) ร่วมกับ Haydn ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของดนตรีซิมโฟนีของยุโรป ในขณะที่ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart ปรากฏก่อน London Symphonies ของ Haydn ด้วยซ้ำ โมสาร์ทแก้ปัญหาวงจรซิมโฟนิกด้วยวิธีของเขาเองโดยไม่ต้องทำซ้ำ Haydn จำนวนซิมโฟนีทั้งหมดของเขาเกิน 50 แม้ว่าตามจำนวนต่อเนื่องที่ยอมรับในดนตรีวิทยาของรัสเซีย แต่ซิมโฟนีสุดท้าย - "จูปิเตอร์" - ถือเป็นวันที่ 41 การปรากฏตัวของซิมโฟนีของโมสาร์ทส่วนใหญ่เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วงปีแรก ๆ ของงานของเขา ในช่วงยุคเวียนนา มีการสร้างซิมโฟนีเพียง 6 เพลงสุดท้ายเท่านั้น ได้แก่: "Linzskaya" (1783), "Prague" (1786) และสามซิมโฟนีในปี 1788
ซิมโฟนีเพลงแรกของโมสาร์ทได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของเจ.เอส. บาค. มันแสดงให้เห็นทั้งในการตีความวงจร (3 ส่วนเล็ก ๆ , ไม่มีมินูเอต, องค์ประกอบออเคสตราเล็ก ๆ ) และในรายละเอียดที่แสดงออกต่าง ๆ (ทำนองของธีม, ความแตกต่างที่แสดงออกของเมเจอร์และไมเนอร์, บทบาทนำของไวโอลิน)
การเยี่ยมชมศูนย์กลางหลักของซิมโฟนียุโรป (เวียนนา, มิลาน, ปารีส, มันน์ไฮม์) มีส่วนทำให้วิวัฒนาการของการคิดซิมโฟนีของโมซาร์ท: เนื้อหาของซิมโฟนีได้รับการตกแต่งให้สมบูรณ์, ความแตกต่างทางอารมณ์จะสว่างขึ้น, การพัฒนาเฉพาะเรื่องมีความกระตือรือร้นมากขึ้น, ขนาดของชิ้นส่วน ขยายใหญ่ขึ้น และเนื้อสัมผัสของวงออเคสตราก็ได้รับการพัฒนามากขึ้น ต่างจาก "London Symphonies" ของ Haydn ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะพัฒนาซิมโฟนีประเภทหนึ่ง ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart (หมายเลข 39-41) ไม่ได้ให้ความสำคัญกับการพิมพ์ แต่เป็นซิมโฟนีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริง แต่ละคนรวบรวมสิ่งใหม่ที่เป็นพื้นฐาน ความคิดทางศิลปะ. ซิมโฟนีสองเพลงจากสี่เพลงสุดท้ายของโมสาร์ทมีการแนะนำอย่างช้าๆ ส่วนอีกสองเพลงไม่มี ซิมโฟนีหมายเลข 38 (“ปราก”, ดีเมเจอร์) มี 3 การเคลื่อนไหว (“ซิมโฟนีไม่มีไมนูเอต”) ที่เหลือมี 4 การเคลื่อนไหว
ลักษณะเด่นที่สุดของการตีความแนวซิมโฟนีของโมสาร์ท ได้แก่:
· ละครความขัดแย้ง ในระดับต่างๆ ของส่วนต่างๆ ของวงจร แต่ละหัวข้อ ต่างๆ องค์ประกอบเฉพาะเรื่องภายในธีม - ความแตกต่างและความขัดแย้งปรากฏในซิมโฟนีของโมสาร์ท ธีมซิมโฟนีของโมสาร์ทหลายเพลงเริ่มแรกปรากฏเป็น "ตัวละครที่ซับซ้อน": สร้างขึ้นจากองค์ประกอบที่ตัดกันหลายประการ (เช่น ธีมหลักในตอนจบของวันที่ 40 ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีจูปิเตอร์) ความแตกต่างภายในเหล่านี้เป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาอันน่าทึ่งในเวลาต่อมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพัฒนา:
1. การตั้งค่ารูปแบบโซนาต้า ตามกฎแล้ว โมซาร์ทกล่าวถึงสิ่งนี้ในทุกส่วนของซิมโฟนีของเขา ยกเว้นมินิเอต มันเป็นรูปแบบโซนาต้าซึ่งมีศักยภาพมหาศาลในการเปลี่ยนแปลงธีมเริ่มต้นที่สามารถเปิดเผยโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ได้อย่างลึกซึ้งที่สุด ในการพัฒนาโซนาต้าของ Mozart นั้นสามารถทำได้ ความหมายที่เป็นอิสระหัวข้อนิทรรศการใด ๆ รวมถึง การเชื่อมต่อและขั้นสุดท้าย (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนี "จูปิเตอร์" ในการพัฒนาส่วนแรกธีมของ z.p. และ st.p. ได้รับการพัฒนาและในส่วนที่สอง - st.t.);
2. บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของเทคโนโลยีโพลีโฟนิก เทคนิคโพลีโฟนิกต่างๆ มีส่วนช่วยอย่างมากต่อการแสดงละคร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานต่อมา (มากที่สุด) ตัวอย่างที่ส่องแสง- ตอนจบของซิมโฟนี "จูปิเตอร์");
3. การออกจากประเภทเปิดในเพลงไพเราะและตอนจบ คำจำกัดความของ "แนวเพลงในชีวิตประจำวัน" ไม่สามารถใช้ได้กับพวกเขา ไม่เหมือนของ Haydn ในทางตรงกันข้ามโมสาร์ทใน minuets ของเขามักจะ "ทำให้เป็นกลาง" หลักการเต้นโดยเติมดนตรีด้วยละคร (ในซิมโฟนีหมายเลข 40) หรือด้วยการแต่งเนื้อร้อง (ในซิมโฟนี "จูปิเตอร์");
4. การเอาชนะตรรกะชุดสุดท้ายของวงจรซิมโฟนิกครั้งสุดท้ายเป็นการสลับส่วนต่างๆ การเคลื่อนไหวของซิมโฟนีทั้งสี่ของโมสาร์ทแสดงถึงความสามัคคีตามธรรมชาติ (เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในซิมโฟนีหมายเลข 40);
5.เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับ ประเภทเสียงร้อง. ดนตรีบรรเลงคลาสสิกก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของโอเปร่า ในโมสาร์ท อิทธิพลของการแสดงออกทางโอเปร่านี้รู้สึกได้อย่างแข็งแกร่งมาก มันแสดงให้เห็นไม่เพียงแต่ในการใช้น้ำเสียงโอเปร่าที่มีลักษณะเฉพาะเท่านั้น (เช่นใน หัวข้อหลักซิมโฟนีที่ 40 ซึ่งมักถูกเปรียบเทียบกับบทเพลงของเชรูบิโน “ฉันบอกไม่ได้ ฉันอธิบายไม่ได้...”) ดนตรีไพเราะของโมสาร์ทเต็มไปด้วยการผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมและความตลกขบขัน ความประเสริฐและความธรรมดา ซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานโอเปร่าของเขาอย่างชัดเจน
1.3. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770-1827) ได้ทำให้แนวเพลงซิมโฟนีสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ในซิมโฟนีของเขา ความกล้าหาญ ละคร และปรัชญาได้รับความสำคัญอย่างยิ่ง ส่วนของซิมโฟนีมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดมากขึ้น และวงจรก็มีความสามัคคีมากขึ้น หลักการของการใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องที่เกี่ยวข้องกันในการเคลื่อนไหวทั้งสี่ซึ่งดำเนินการในซิมโฟนีที่ห้าของเบโธเฟนนำไปสู่การเกิดขึ้นของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนีวัฏจักร เบโธเฟนเข้ามาแทนที่มินิเอตอันเงียบสงบด้วยเชอร์โซที่มีชีวิตชีวาและมักจะวุ่นวาย เขายกระดับการพัฒนาเฉพาะเรื่องไปสู่ระดับใหม่ โดยกำหนดให้ธีมของเขาเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท รวมถึงการพัฒนาที่ขัดแย้งกัน การแยกส่วนของธีม การเปลี่ยนโหมด (หลัก - รอง) การเปลี่ยนแปลงจังหวะ
เมื่อพูดถึงซิมโฟนีของ Beethoven เราควรเน้นย้ำถึงนวัตกรรมด้านออเคสตราของเขา ท่ามกลางนวัตกรรม:
1. การก่อตัวที่แท้จริงของกลุ่มทองแดง แม้ว่าทรัมเป็ตจะยังคงเล่นและบันทึกร่วมกับกลองทิมปานี แต่ในทางปฏิบัติแล้วทรัมเป็ตและแตรเริ่มได้รับการปฏิบัติเป็นกลุ่มเดียว พวกเขายังเข้าร่วมด้วยทรอมโบนซึ่งไม่ได้อยู่ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราของ Haydn และ Mozart ทรอมโบนเล่นในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 (ทรอมโบน 3 ตัว) ในฉากพายุฝนฟ้าคะนองในวันที่ 6 (ที่นี่มีเพียง 2 เท่านั้น) รวมถึงในบางส่วนของวันที่ 9 (ในเชอร์โซและในตอนสวดมนต์ของตอนจบ เช่นเดียวกับใน coda);
2. การบดอัดของ "ชั้นกลาง" บังคับให้แนวดิ่งเพิ่มขึ้นด้านบนและด้านล่าง ขลุ่ยปิคโคโลปรากฏด้านบน (ในทุกกรณีข้างต้น ยกเว้นตอนสวดมนต์ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 9) และด้านล่าง - คอนทราบาสซูน (ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 และ 9) แต่ไม่ว่าในกรณีใด วงออเคสตราของเบโธเฟนจะมีฟลุตและบาสซูนสองตัวเสมอ
3. Beethoven เป็นการสานต่อประเพณีของ London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนีรุ่นหลังๆ ของ Mozart โดยได้เพิ่มความเป็นอิสระและความสามารถพิเศษของชิ้นส่วนต่างๆ ของเครื่องดนตรีเกือบทั้งหมด รวมถึงทรัมเป็ต (การแสดงเดี่ยวอันโด่งดังนอกเวทีใน Leonora ทาบทามหมายเลข 2 และหมายเลข 3) และกลองทิมปานี . เขามักจะมีสาย 5 ส่วน (ดับเบิลเบสแยกออกจากเชลโล) และบางครั้งก็มากกว่านั้น (การเล่นแบบแบ่ง) เครื่องเป่าลมไม้ทั้งหมด รวมทั้งบาสซูน และเขาสัตว์ (ในการขับร้องในวงประสานเสียง เช่น ในวง Scherzo Trio ของซิมโฟนีที่ 3 หรือแยกกัน) สามารถเล่นเดี่ยวได้เมื่อแสดงวัสดุที่สว่างมาก
2. ยวนใจ
บ้าน คุณสมบัติที่โดดเด่นยวนใจคือการเติบโตของรูปแบบองค์ประกอบของวงออเคสตราและความหนาแน่นของเสียงเพลงประกอบปรากฏขึ้น นักแต่งเพลงโรแมนติกได้รับการเก็บรักษาไว้ โครงการแบบดั้งเดิมแต่กลับเต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ๆ สถานที่ที่โดดเด่นในหมู่พวกเขาถูกครอบครองโดยซิมโฟนีเนื้อเพลงซึ่งหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือ Symphony in B minor โดย F. Schubert บรรทัดนี้ยังคงดำเนินต่อไปในซิมโฟนีของ F. Mendelssohn-Bartholdy ซึ่งมักมีลักษณะเป็นภาพวาดและทิวทัศน์ ดังนั้นซิมโฟนีจึงได้รับคุณลักษณะทางโปรแกรมซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก Hector Berlioz นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้โดดเด่น เป็นคนแรกที่สร้างโปรแกรมซิมโฟนี โดยเขียนโปรแกรมบทกวีในรูปแบบของเรื่องสั้นเกี่ยวกับชีวิตของศิลปิน อย่างไรก็ตาม แนวคิดแบบเป็นโปรแกรมในดนตรีโรแมนติกมักถูกรวมไว้ในรูปแบบของบทกวีซิมโฟนี จินตนาการ และอื่นๆ ที่เป็นส่วนหนึ่ง ผู้เขียนซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 นั่นคือ G. Mahler ซึ่งบางครั้งก็ดึงดูดองค์ประกอบเสียงร้อง ซิมโฟนีที่สำคัญในตะวันตกถูกสร้างขึ้นโดยตัวแทนของใหม่ โรงเรียนแห่งชาติ: ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - A. Dvorak ในสาธารณรัฐเช็ก ในศตวรรษที่ 20 - K. Szymanowski ในโปแลนด์, E. Elgar และ R. Vaughan Williams ในอังกฤษ, J. Sibelius ในฟินแลนด์ ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส A. Honegger, D. Milhaud และคนอื่น ๆ โดดเด่นด้วยคุณสมบัติที่เป็นนวัตกรรมของพวกเขา หาก ณ ปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในขณะที่ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (มักสำหรับวงออเคสตราแบบขยาย) มีอิทธิพลเหนือ ต่อมา "แชมเบอร์ซิมโฟนี" ซึ่งมีขนาดพอเหมาะและมีไว้สำหรับวงดนตรีเดี่ยวก็เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้น
2.1. ฟรานซ์ ชูเบิร์ต (1797-1828)
ซิมโฟนีโรแมนติกที่สร้างโดยชูเบิร์ตถูกกำหนดไว้เป็นหลักในสองซิมโฟนีสุดท้าย - ลำดับที่ 8, B minor เรียกว่า "ยังไม่เสร็จ" และอันดับที่ 9, C Major พวกเขาแตกต่างอย่างสิ้นเชิงตรงข้ามกัน มหากาพย์ที่ 9 ตื้นตันใจกับความรู้สึกถึงความสุขที่พิชิตได้ทั้งหมด “ยังไม่เสร็จ” รวบรวมหัวข้อของการกีดกันและความสิ้นหวังอันน่าเศร้า ความรู้สึกดังกล่าวซึ่งสะท้อนถึงชะตากรรมของคนทั้งรุ่นยังไม่พบรูปแบบการแสดงออกที่ไพเราะต่อหน้าชูเบิร์ต สร้างขึ้นสองปีก่อนหน้าซิมโฟนีที่ 9 ของเบโธเฟน (ในปี พ.ศ. 2365) "Unfinished" ถือเป็นการเกิดขึ้นของแนวซิมโฟนิกใหม่ - ซึ่งเป็นโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา
ลักษณะสำคัญอย่างหนึ่งของซิมโฟนี B-minor คือวงจรของมันซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวเพียงสองการเคลื่อนไหว นักวิจัยหลายคนพยายามเจาะลึก "ความลึกลับ" ของงานนี้: ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมยังไม่เสร็จจริงหรือ? ในอีกด้านหนึ่ง ไม่ต้องสงสัยเลยว่าซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นเป็นวงจร 4 ส่วน: ภาพร่างเปียโนดั้งเดิมของมันมีชิ้นส่วนขนาดใหญ่ของการเคลื่อนไหวที่ 3 - เชอร์โซ การขาดความสมดุลของโทนเสียงระหว่างการเคลื่อนไหว (H minor ในท่อนที่ 1 และ E Major ในท่อนที่ 2) ยังเป็นข้อโต้แย้งที่ชัดเจนในความจริงที่ว่าซิมโฟนีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นล่วงหน้าเป็นท่อนที่ 2 ในทางกลับกัน ชูเบิร์ตมีเวลาเพียงพอหากต้องการทำซิมโฟนีให้เสร็จ: หลังจาก "ยังไม่เสร็จ" เขาได้สร้างผลงานจำนวนมาก รวมถึงซิมโฟนีที่ 9 แบบ 4 ตอนที่ 9 ด้วย มีข้อโต้แย้งอื่น ๆ สำหรับและต่อต้าน ในขณะเดียวกัน "Unfinished" ได้กลายเป็นหนึ่งในซิมโฟนีที่มีเพลงประกอบละครมากที่สุด โดยไม่ให้ความรู้สึกเกินควรเลย แผนของเธอในสองส่วนกลายเป็นจริงอย่างสมบูรณ์
ฮีโร่ของ "ยังไม่เสร็จ" มีความสามารถในการประท้วงอย่างสดใส แต่การประท้วงครั้งนี้ไม่ได้นำไปสู่ชัยชนะของหลักการที่ยืนยันชีวิต ในเรื่องความรุนแรงของความขัดแย้ง ซิมโฟนีนี้ไม่ด้อยไปกว่ากัน ผลงานละครเบโธเฟน แต่ความขัดแย้งนี้มีรูปแบบที่แตกต่างออกไป มันถูกถ่ายโอนไปยังขอบเขตโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา นี่คือละครแห่งประสบการณ์ ไม่ใช่การกระทำ พื้นฐานของมันไม่ใช่การต่อสู้ระหว่างคนสองคน หลักการตรงกันข้ามแต่การต่อสู้ก็อยู่ในตัวบุคคลนั้นเอง นี่คือ คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดการแสดงซิมโฟนีโรแมนติก ตัวอย่างแรกคือซิมโฟนีของชูเบิร์ต
บทสาม. ซิมโฟนีในรัสเซีย
มรดกอันไพเราะของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย - P.I. ไชคอฟสกี, A.P. โบโรดินา, เอ.จี. กลาซูนอฟ, สเครอาบิน, S.V. รัชมานินอฟ. เริ่มต้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบที่เข้มงวดของซิมโฟนีเริ่มล่มสลาย การเคลื่อนไหวสี่แบบเป็นทางเลือก: มีทั้งซิมโฟนีแบบเคลื่อนไหวเดียว (Myaskovsky, Kancheli, Boris Tchaikovsky) เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวที่สิบเอ็ด (Shostakovich) และแม้แต่การเคลื่อนไหวที่ยี่สิบสี่ (Hovaness) ตอนจบที่ช้าซึ่งเป็นไปไม่ได้ในซิมโฟนีคลาสสิกปรากฏขึ้น (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์) หลังจากซิมโฟนีที่ 9 ของเบโธเฟน ผู้แต่งเริ่มนำท่อนเสียงมาใส่ในซิมโฟนีมากขึ้น
ซิมโฟนีที่สองของ Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของงานของเขา มันเป็นผลงานชิ้นเอกไพเราะของโลกด้วยความสว่างความคิดริเริ่มสไตล์เสาหินและการนำภาพรัสเซียไปใช้อย่างชาญฉลาด มหากาพย์พื้นบ้าน. โดยรวมแล้วเขาเขียนซิมโฟนีสามอัน (อันที่สามยังเขียนไม่เสร็จ)
Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) เป็นหนึ่งในนักซิมโฟนิสต์ชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด มีการเปลี่ยนแปลงที่แปลกประหลาดในสไตล์ของเขา ประเพณีที่สร้างสรรค์ Glinka และ Borodin, Balakirev และ Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และ Taneyev เขาเป็นผู้เชื่อมโยงระหว่างศิลปะคลาสสิกของรัสเซียก่อนเดือนตุลาคมกับศิลปะดนตรีโซเวียตรุ่นเยาว์
3.1. ปิออตร์ อิลิช ไชคอฟสกี (1840)-1893)
ประการแรก ซิมโฟนีในรัสเซียคือไชคอฟสกี ซิมโฟนีชุดแรก "Winter Dreams" เป็นผลงานสำคัญชิ้นแรกของเขาหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เหตุการณ์นี้ซึ่งดูเป็นธรรมชาติมากในทุกวันนี้ ถือเป็นเหตุการณ์ที่ไม่ธรรมดาอย่างยิ่งในปี 1866 ซิมโฟนีรัสเซียซึ่งเป็นวงออเคสตราแบบหลายการเคลื่อนไหวเป็นจุดเริ่มต้นของการเดินทาง มาถึงตอนนี้มีเพียงซิมโฟนีแรกของ Anton Grigorievich Rubinstein และรุ่นแรกของ First Symphony ของ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov เท่านั้นที่มีอยู่ซึ่งไม่ได้รับชื่อเสียง ไชคอฟสกีรับรู้โลกอย่างมาก และซิมโฟนีของเขา - ซึ่งแตกต่างจากซิมโฟนีมหากาพย์ของ Borodin - มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ - ดราม่าและขัดแย้งกันอย่างรุนแรงในธรรมชาติ
ซิมโฟนีทั้งหกของไชคอฟสกีและซิมโฟนีของรายการ "มันเฟรด" เป็นโลกศิลปะที่แตกต่างกันออกไป ซึ่งเป็นอาคารที่สร้างขึ้นตามโครงการ "ส่วนบุคคล" แม้ว่า "กฎ" ของแนวเพลงซึ่งเกิดขึ้นและพัฒนาบนดินแดนยุโรปตะวันตกนั้นได้รับการสังเกตและตีความด้วยทักษะที่โดดเด่น แต่เนื้อหาและภาษาของซิมโฟนียังคงเป็นของชาติอย่างแท้จริง นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเพลงพื้นบ้านจึงฟังดูเป็นธรรมชาติในซิมโฟนีของไชคอฟสกี
3.2. อเล็กซานเดอร์ นิโคลาเยวิช สเครอาบิน (1872)-1915)
ซิมโฟนีของ Scriabin ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการหักเหอย่างสร้างสรรค์ของประเพณีต่างๆ ของซิมโฟนีคลาสสิกของศตวรรษที่ 19 ประการแรก นี่คือประเพณีการแสดงซิมโฟนิซึมของไชคอฟสกีและเบโธเฟนบางส่วน นอกจากนี้ ผู้แต่งยังนำคุณลักษณะบางอย่างของซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรมของ Liszt มาใช้ด้วย คุณสมบัติบางอย่างของสไตล์ออเคสตราของซิมโฟนีของ Scriabin เชื่อมโยงเขาเข้ากับวากเนอร์เป็นส่วนหนึ่ง แต่แหล่งข้อมูลต่างๆ ทั้งหมดนี้ได้รับการประมวลผลอย่างลึกซึ้งโดยเขาอย่างเป็นอิสระ ซิมโฟนีทั้งสามมีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิดโดยเป็นเรื่องธรรมดา แผนอุดมการณ์. สาระสำคัญของมันสามารถกำหนดได้ว่าเป็นการต่อสู้ บุคลิกภาพของมนุษย์โดยมีกองกำลังศัตรูคอยขัดขวางการสถาปนาเสรีภาพ การต่อสู้ครั้งนี้จบลงด้วยชัยชนะของฮีโร่และชัยชนะแห่งแสงสว่างอย่างสม่ำเสมอ
3.3. มิทรี ดมิตรีวิช ชอสตาโควิช (1906)-1975)
Shostakovich - นักแต่งเพลงและนักซิมโฟนี หากสำหรับ Prokofiev ด้วยความสนใจเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายสิ่งที่สำคัญที่สุดคือละครเพลงดังนั้นสำหรับ Shostakovich ในทางกลับกันแนวเพลงหลักคือซิมโฟนี ที่นี่คือที่ที่แนวคิดหลักของงานของเขาพบรูปแบบที่ลึกซึ้งและครอบคลุม โลกแห่งซิมโฟนีของโชสตาโควิชนั้นใหญ่มาก ในนั้นเราเห็นชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติในศตวรรษที่ 20 พร้อมด้วยความซับซ้อน ความขัดแย้ง สงคราม และความขัดแย้งทางสังคม
The Seventh (“Leningrad”) Symphony เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของผู้แต่ง มันเป็นสี่ส่วน ขนาดของมันใหญ่โต: ซิมโฟนีกินเวลานานกว่า 70 นาที ซึ่งเกือบครึ่งหนึ่งถูกครอบครองโดยการเคลื่อนไหวครั้งแรก “ปีศาจอะไรที่สามารถเอาชนะคนที่สามารถสร้างดนตรีแบบนี้ได้” หนังสือพิมพ์อเมริกันฉบับหนึ่งเขียนในปี 1942 Seventh Symphony ของ Shostakovich สามารถเรียกได้ว่าเป็น "Heroic Symphony" แห่งศตวรรษที่ 20 อย่างถูกต้อง
3.4. อัลเฟรด การ์ริวิช ชนิตต์เค (1934)-1998)
Schnittke - โซเวียตและ นักแต่งเพลงชาวรัสเซียนักทฤษฎีดนตรีและอาจารย์ (ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับรัสเซียและ นักแต่งเพลงชาวโซเวียต) หนึ่งในบุคคลสำคัญทางดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปินผู้มีเกียรติแห่ง RSFSR Schnittke เป็นหนึ่งในผู้นำด้านดนตรีแนวหน้า แม้จะได้รับความนิยมอย่างมากในดนตรีของนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนนี้ แต่คะแนนของซิมโฟนีหลายเพลงของเขายังไม่ได้รับการตีพิมพ์และไม่พร้อมใช้งานในรัสเซีย Schnittke เติบโตในผลงานของเขา ปัญหาเชิงปรัชญาซึ่งหลักๆ คือ มนุษย์และสิ่งแวดล้อม ซิมโฟนีชุดแรกประกอบด้วยลานตาที่มีสไตล์ แนวเพลง และทิศทางดนตรีที่แตกต่างกัน จุดเริ่มต้นสำหรับการสร้าง First Symphony คือความสัมพันธ์ระหว่างสไตล์ของความจริงจังและ เพลงเบา ๆ. ซิมโฟนีที่สองและสี่สะท้อนถึงการก่อตัวของการตระหนักรู้ในศาสนาของผู้แต่งเป็นส่วนใหญ่ ซิมโฟนีที่สองฟังดูเหมือนพิธีมิสซาโบราณ ซิมโฟนีที่สามเป็นผลมาจากความต้องการภายในของเขาที่จะแสดงทัศนคติต่อวัฒนธรรมเยอรมัน ซึ่งเป็นรากฐานของต้นกำเนิดของเยอรมัน ในซิมโฟนีที่สาม ประวัติศาสตร์ดนตรีเยอรมันทั้งหมดผ่านไปต่อหน้าผู้ฟังในรูปแบบของข้อความสั้น ๆ Alfred Schnittke ใฝ่ฝันที่จะสร้างซิมโฟนีทั้งเก้า - และด้วยเหตุนี้จึงได้ถ่ายทอดคำนับแบบหนึ่งให้กับ Beethoven และ Schubert ผู้เขียนหมายเลขเดียวกัน Alfred Schnittke เขียน Ninth Symphony (1995-97) ในขณะที่เขาป่วยหนักอยู่แล้ว เขามีจังหวะสามจังหวะและไม่ขยับเลย ผู้แต่งไม่มีเวลาทำคะแนนให้เสร็จในที่สุด เป็นครั้งแรกที่ Gennady Rozhdestvensky ดำเนินการเสร็จสิ้นและฉบับออเคสตรา ภายใต้การดูแลของการแสดงครั้งแรกจัดขึ้นที่มอสโกเมื่อวันที่ 19 มิถุนายน 2541 เวอร์ชันบรรณาธิการใหม่ของซิมโฟนีดำเนินการโดย Alexander Raskatov และแสดงในเดรสเดนเมื่อวันที่ 16 มิถุนายน พ.ศ. 2550
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 การผสมผสานหลักการของแนวเพลงต่างๆ ในงานเดียว ได้แก่ ซิมโฟนิก การร้องประสานเสียง แชมเบอร์ เครื่องดนตรีและเสียงร้อง ได้รับความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างเช่น Fourteenth Symphony ของ Shostakovich ผสมผสานซิมโฟนี เสียงร้องแชมเบอร์ และดนตรีบรรเลงเข้าด้วยกัน การแสดงประสานเสียงของ Gavrilin ผสมผสานลักษณะของ oratorio ซิมโฟนี วงจรเสียง,บัลเล่ต์,การแสดงละคร.
3.5. มิคาอิล จูราฟเลฟ
ในศตวรรษที่ 21 มีนักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์มากมายที่ร่วมไว้อาลัยให้กับซิมโฟนีนี้ หนึ่งในนั้นคือมิคาอิล Zhuravlev ด้วยละครเพลงและแถลงการณ์ทางการเมืองของเขา ผู้แต่งก้าวเข้าสู่แนวเดียวกับบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรีอย่างแอล. บีโธเฟน, พี. ไชคอฟสกี และดี. โชสตาโควิชอย่างกล้าหาญ ซิมโฟนีที่ 10 ของ M. Zhuravlev ในปัจจุบันสามารถเรียกได้อย่างง่ายดายว่า "ซิมโฟนีวีรชนแห่งศตวรรษที่ 21" นอกเหนือจากแง่มุมทางจริยธรรมทั่วไปของซิมโฟนีนี้แล้ว ควรสังเกตด้านความเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริงด้วย ผู้เขียนไม่ได้มุ่งมั่นในการสร้างสรรค์นวัตกรรมเพื่อประโยชน์ของนวัตกรรม บางครั้งเขาก็เป็นนักวิชาการที่เน้นย้ำและต่อต้านศิลปินที่เสื่อมทรามและเปรี้ยวจี๊ดอย่างเด็ดเดี่ยว แต่เขาสามารถพูดสิ่งใหม่อย่างแท้จริงได้ ซึ่งเป็นคำพูดของเขาเอง ประเภทไพเราะ. นักแต่งเพลง M. Zhuravlev ใช้หลักการของรูปแบบโซนาต้าอย่างเชี่ยวชาญอย่างน่าอัศจรรย์ แต่ละครั้งแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้อันไม่มีที่สิ้นสุด อันที่จริงการเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 และ 4 ที่รวมกันนั้นเป็นตัวแทนของ "super-sonata" ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งที่ 4 ทั้งหมดถือได้ว่าเป็นการขยายไปยังส่วนที่แยกจากกันของ coda นักวิจัยในอนาคตจะยังคงต้องรับมือกับการตัดสินใจจัดองค์ประกอบที่ไม่ธรรมดานี้
บทสรุป
เดิมทีซิมโฟนีถูกเรียกว่าผลงานที่ไม่เข้ากับกรอบของการแต่งเพลงแบบดั้งเดิม - ในแง่ของจำนวนส่วน, อัตราส่วนจังหวะ, การรวมกันของสไตล์ที่แตกต่างกัน - โพลีโฟนิก (ซึ่งถือว่าโดดเด่นในศตวรรษที่ 17) และโฮโมโฟนิกที่เกิดขึ้นใหม่ (ด้วย เสียงประกอบ) ในศตวรรษที่ 17 ซิมโฟนี (ซึ่งหมายถึง "ความสอดคล้อง การตกลง ค้นหาเสียงใหม่") เป็นชื่อของการประพันธ์ดนตรีที่ไม่ธรรมดาทุกประเภท และในศตวรรษที่ 18 ที่เรียกว่าซิมโฟนีที่แตกต่าง ซึ่งถูกสร้างขึ้นเพื่อให้เสียง ช่องว่างที่ลูกบอลชนิดต่าง ๆ แพร่หลายไป กิจกรรมทางสังคม. ซิมโฟนีกลายเป็นชื่อประเภทเฉพาะในศตวรรษที่ 18 ในแง่ของการแสดง ซิมโฟนีถือเป็นแนวเพลงที่ซับซ้อนมากอย่างถูกต้อง ต้องมีองค์ประกอบขนาดใหญ่ การมีเครื่องดนตรีหายากมากมาย ทักษะของออร์เคสตราและนักร้อง (หากเป็นซิมโฟนีพร้อมข้อความ) และเสียงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับดนตรีแนวอื่นๆ ซิมโฟนีก็มีกฎของตัวเอง ดังนั้น บรรทัดฐานสำหรับซิมโฟนีคลาสสิกคือวงจรการเคลื่อนไหวสี่จังหวะ โดยมีโซนาตา (รูปแบบที่ซับซ้อนที่สุด) อยู่ที่ขอบ โดยมีการเคลื่อนไหวช้าๆ และการเต้นรำในช่วงกลางขององค์ประกอบ โครงสร้างนี้ไม่ได้ตั้งใจ ซิมโฟนีสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการของความสัมพันธ์ของบุคคลกับโลก: กระตือรือร้น - ในส่วนแรก, สังคม - ในส่วนที่สี่, การไตร่ตรองและการเล่น - ในส่วนกลางของวงจร ใน จุดเปลี่ยนในระหว่างการพัฒนา ดนตรีไพเราะได้เปลี่ยนแปลงกฎเกณฑ์ที่มั่นคง และปรากฏการณ์เหล่านั้นในแวดวงศิลปะที่ตอนแรกทำให้เกิดความตกใจจึงเกิดความคุ้นเคย ตัวอย่างเช่นซิมโฟนีที่มีเสียงร้องและบทกวีไม่ได้เป็นเพียงอุบัติเหตุ แต่เป็นหนึ่งในเทรนด์ในการพัฒนาแนวเพลง
นักแต่งเพลงยุคใหม่ในปัจจุบันชอบรูปแบบซิมโฟนิก ประเภทห้อง, ต้องการน้อย องค์ประกอบขนาดใหญ่นักแสดง คอนเสิร์ตประเภทนี้ยังใช้แผ่นเสียงที่มีการบันทึกเสียงหรือเอฟเฟกต์อิเล็กทรอนิกส์อะคูสติกบางประเภทอีกด้วย ภาษาดนตรีที่ได้รับการปลูกฝังในดนตรีสมัยใหม่ในปัจจุบันนั้นเป็นการทดลองและเชิงสำรวจอย่างมาก เชื่อกันว่าการเขียนเพลงสำหรับวงออเคสตราในปัจจุบันหมายถึงการวางไว้บนโต๊ะ หลายคนเชื่อว่าเวลาของซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงที่นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ได้จบลงแล้วอย่างแน่นอน แต่มันเป็นเช่นนั้นจริงหรือ เวลาจะเป็นคำตอบของคำถามนี้
บรรณานุกรม:
- Averyova O.I. วรรณกรรมดนตรีในประเทศแห่งศตวรรษที่ 20: หนังสือเรียน เงินสงเคราะห์โรงเรียนดนตรีเด็ก: วันพฤหัสบดี ปีที่สอนวิชานี้ - อ.: ดนตรี, 2552. - 256 น.
- โบโรดิน. Second Symphony (“ Bogatyrskaya”) / บทความ - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
- วีรชนซิมโฟนีแห่งศตวรรษที่ 21 / บทความโดย V. Filatov // ร้อยแก้ว ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
- เลวิก บี.วี. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ: คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี ฉบับที่ 2. - ม.: ดนตรี, 2518. - 301 น.
- Prokhorova I. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ: สำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 โรงเรียนดนตรีเด็ก: หนังสือเรียน M.: ดนตรี, 2000. - 112 น.
- วรรณกรรมดนตรีรัสเซีย ฉบับที่ 4. เอ็ด. เอ็ม.เค. มิคาอิโลวา, E.L. ทอด. - เลนินกราด: "ดนตรี", 2529 - 264 หน้า
- ซิมโฟนี // ยานเดกซ์ พจนานุกรม › TSB, 1969-1978 - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
- ซิมโฟนี // วิกิพีเดีย. สารานุกรมฟรี - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://www.tchaikov.ru/symphony.html
- ชูเบิร์ต ซิมโฟนี "ยังไม่เสร็จ" // บรรยายต่อ วรรณกรรมดนตรี musike.ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://musike.ru/index.php?id=54
(จากภาษากรีก "ความสอดคล้อง") - ชิ้นส่วนสำหรับวงออเคสตราประกอบด้วยหลายส่วน ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาดนตรีออเคสตราคอนเสิร์ต
โครงสร้างคลาสสิก
เนื่องจากโครงสร้างมีความคล้ายคลึงกันกับโซนาตา ซิมโฟนีจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาตาสำหรับวงออเคสตรา โซนาต้าและซิมโฟนีรวมถึงทรีโอสี่ ฯลฯ เป็นของ "วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก" - รูปแบบดนตรีแบบวนรอบของงานซึ่งเป็นเรื่องปกติที่จะนำเสนออย่างน้อยหนึ่งส่วน (โดยปกติจะเป็นส่วนแรก) ในโซนาตา รูปร่าง. วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกเป็นรูปแบบวงจรที่ใหญ่ที่สุดในบรรดารูปแบบเครื่องดนตรีล้วนๆ
เช่นเดียวกับโซนาตา ซิมโฟนีคลาสสิกมีสี่การเคลื่อนไหว:
- ส่วนแรกเขียนด้วยจังหวะเร็วเขียนในรูปแบบโซนาต้า
- ส่วนที่สองในการเคลื่อนไหวช้าๆเขียนในรูปแบบของ rondo ซึ่งมักจะอยู่ในรูปแบบของโซนาต้าหรือรูปแบบการแปรผันน้อยกว่า
- การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม scherzo หรือ minuet ในรูปแบบไตรภาคี
- การเคลื่อนไหวที่สี่ ด้วยจังหวะเร็ว ในรูปแบบโซนาต้าหรือในรูปแบบของ rondo, rondo sonata
หากการเคลื่อนไหวครั้งแรกเขียนด้วยจังหวะปานกลาง ในทางกลับกัน อาจตามมาด้วยการเคลื่อนไหวครั้งที่สองอย่างรวดเร็วและช้าที่สาม (เช่น ซิมโฟนีที่ 9 ของ Beethoven)
เมื่อพิจารณาว่าซิมโฟนีได้รับการออกแบบสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ แต่ละส่วนในนั้นจึงเขียนได้กว้างและมีรายละเอียดมากกว่าเช่นในโซนาต้าเปียโนธรรมดา เนื่องจากมีความสมบูรณ์ หมายถึงการแสดงออกวงดุริยางค์ซิมโฟนีนำเสนอแนวคิดทางดนตรีอย่างละเอียด
ประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี
คำว่าซิมโฟนีถูกใช้ในสมัยกรีกโบราณ ยุคกลาง และใช้เพื่ออธิบายเครื่องดนตรีต่างๆ เป็นหลัก โดยเฉพาะเครื่องดนตรีที่สามารถสร้างเสียงได้มากกว่าหนึ่งเสียงในแต่ละครั้ง ดังนั้นในเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีจึงเป็นคำทั่วไปสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลายชนิด - พิณและเวอร์จิล ในฝรั่งเศสนี่เป็นชื่อของออร์แกนถัง ฮาร์ปซิคอร์ด กลองสองหัว ฯลฯ
คำว่าซิมโฟนีที่ใช้เรียกผลงานดนตรีที่ฟังดูเข้ากัน เริ่มปรากฏในชื่อผลงานบางชิ้นของศตวรรษที่ 16 และ 17 โดยผู้แต่งเช่น Giovanni Gabrieli (Sacrae Symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607 ), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie Musicali, 1610) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629)
ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นรูปเป็นร่างขึ้นภายใต้โดเมนิโก สการ์ลาตติเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้เรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วยสามส่วนที่ตัดกัน: allegro, andante และ allegro ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียว เป็นรูปแบบนี้ที่มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของซิมโฟนีออเคสตรา คำว่า "การทาบทาม" และ "ซิมโฟนี" ถูกใช้สลับกันในช่วงศตวรรษที่ 18
บรรพบุรุษที่สำคัญอื่นๆ ของซิมโฟนีคือชุดออเคสตราซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน และริปิเอโนคอนแชร์โต - รูปแบบที่ชวนให้นึกถึงคอนแชร์โตสำหรับเครื่องสายและต่อเนื่อง แต่ไม่มี เครื่องดนตรีเดี่ยว. ผลงานของ Giuseppe Torelli ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบนี้ และบางทีคอนเสิร์ตริปิเอโนคอนแชร์โตที่โด่งดังที่สุดก็คือ Brandenburg Concerto No. 3 ของ Johann Sebastian Bach
เขาถือเป็นผู้ก่อตั้งโมเดลซิมโฟนีคลาสสิก ในซิมโฟนีคลาสสิก เฉพาะการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งสุดท้ายเท่านั้นที่มีโทนเสียงที่เหมือนกัน และการเคลื่อนไหวตรงกลางจะถูกเขียนด้วยคีย์ที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวหลัก ซึ่งเป็นตัวกำหนดโทนเสียงของซิมโฟนีทั้งหมด ตัวแทนที่โดดเด่นของซิมโฟนีคลาสสิกคือ Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven เบโธเฟนขยายวงซิมโฟนีออกไปอย่างมาก ซิมโฟนีหมายเลข 3 ของเขา ("Eroica") มีขนาดและขอบเขตอารมณ์ที่เกินกว่าผลงานก่อนหน้านี้ทั้งหมด ซิมโฟนีหมายเลข 5 ของเขาอาจเป็นซิมโฟนีที่มีชื่อเสียงที่สุดเท่าที่เคยเขียนมา ซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเขากลายเป็นหนึ่งใน "ซิมโฟนีประสานเสียง" แรกๆ โดยมีการรวมท่อนสำหรับนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงในการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้าย
ซิมโฟนีโรแมนติกกลายเป็นความเชื่อมโยง รูปร่างคลาสสิกด้วยการแสดงออกถึงความโรแมนติก แนวโน้มซอฟต์แวร์ก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ปรากฏ. ลักษณะเด่นที่สำคัญของแนวโรแมนติกคือการเติบโตของรูปแบบองค์ประกอบของวงออเคสตราและความหนาแน่นของเสียง ผู้เขียนซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้ ได้แก่ Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tchaikovsky, A. Bruckner และ Gustav Mahler
เริ่มต้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 20 มีการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติมของซิมโฟนี โครงสร้างการเคลื่อนไหวทั้งสี่กลายเป็นทางเลือก: ซิมโฟนีสามารถมีการเคลื่อนไหวตั้งแต่หนึ่ง (7th Symphony) ถึงสิบเอ็ด (14th Symphony โดย D. Shostakovich) หรือมากกว่านั้น นักแต่งเพลงหลายคนทดลองใช้ซิมโฟนีหลายเมตร เช่น ซิมโฟนีที่ 8 ของกุสตาฟ มาห์เลอร์ ที่เรียกว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน" (เนื่องจากวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงที่แข็งแกร่งที่จำเป็นในการแสดง) การใช้รูปแบบโซนาต้าเป็นทางเลือก
หลังจากซิมโฟนีที่ 9 ของแอล. บีโธเฟน ผู้แต่งมักเริ่มนำท่อนร้องมาใส่ในซิมโฟนีมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ขนาดและเนื้อหาของเนื้อหาดนตรียังคงที่
รายชื่อผู้แต่งซิมโฟนีที่มีชื่อเสียง
Joseph Haydn - 108 ซิมโฟนี
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) ซิมโฟนี
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน - 9 ซิมโฟนี
Franz Schubert - 9 ซิมโฟนี
Robert Schumann - 4 ซิมโฟนี
Felix Mendelssohn - 5 ซิมโฟนี
Hector Berlioz - ซิมโฟนีหลายรายการ
Antonin Dvorak - 9 ซิมโฟนี
โยฮันเนส บราห์มส์ - 4 ซิมโฟนี
Pyotr Tchaikovsky - 6 ซิมโฟนี (เช่นเดียวกับซิมโฟนี Manfred)
Anton Bruckner - 10 ซิมโฟนี
กุสตาฟ มาห์เลอร์ - 10 ซิมโฟนี
- 7 ซิมโฟนี
Sergei Rachmaninov - 3 ซิมโฟนี
Igor Stravinsky - 5 ซิมโฟนี
Sergei Prokofiev - 7 ซิมโฟนี
Dmitri Shostakovich - 15 ซิมโฟนี (รวมถึงซิมโฟนีหลายห้อง)
Alfred Schnittke - 9 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ยิ่งกว่านั้น ข้อความนี้ใช้ได้กับทุกยุคสมัย ทั้งงานคลาสสิกของเวียนนา งานโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงในขบวนการต่อมา...
อเล็กซานเดอร์ ไมกาปาร์
แนวดนตรี: ซิมโฟนี
คำว่าซิมโฟนีมาจากภาษากรีกว่า "ซิมโฟเนีย" และมีความหมายหลายประการ นักศาสนศาสตร์เรียกสิ่งนี้ว่าเป็นแนวทางในการใช้คำที่พบในพระคัมภีร์ คำนี้แปลโดยพวกเขาว่าเป็นข้อตกลงและข้อตกลง นักดนตรีแปลคำนี้ว่าสอดคล้องกัน
หัวข้อของบทความนี้คือ ซิมโฟนีในฐานะแนวดนตรี ปรากฎว่าใน บริบททางดนตรีคำว่าซิมโฟนีมีความหมายที่แตกต่างกันหลายประการ ดังนั้น บาคจึงเรียกผลงานอันยอดเยี่ยมของเขาสำหรับซิมโฟนีคลาเวียร์ ซึ่งหมายความว่าพวกมันเป็นตัวแทนของการผสมผสานฮาร์มอนิก การรวมกัน - ความสอดคล้อง - ของเสียงหลาย ๆ เสียง (ในกรณีนี้คือสาม) แต่การใช้คำนี้เป็นข้อยกเว้นในสมัยของบาคในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ยิ่งไปกว่านั้นในผลงานของบาคเองยังแสดงถึงดนตรีที่มีสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
และตอนนี้เราเข้าใกล้หัวข้อหลักของเรียงความของเราแล้ว - ซิมโฟนีเป็นงานออเคสตราหลายส่วนขนาดใหญ่ ในแง่นี้ ซิมโฟนีปรากฏขึ้นราวปี ค.ศ. 1730 เมื่อบทนำของวงออเคสตราสำหรับโอเปร่าถูกแยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็นงานออเคสตราอิสระ โดยยึดเอาการทาบทามแบบอิตาลีสามส่วนเป็นพื้นฐาน
ความเป็นเครือญาติของซิมโฟนีกับการทาบทามนั้นไม่เพียงแสดงออกมาในความจริงที่ว่าแต่ละส่วนของการทาบทามทั้งสามส่วน: เร็ว - ช้า - เร็ว (และบางครั้งก็เป็นการแนะนำอย่างช้าๆ) กลายเป็นส่วนที่แยกอิสระของซิมโฟนี แต่ในความจริงที่ว่าการทาบทามทำให้ซิมโฟนีมีความคิดที่ขัดแย้งกับธีมหลัก (โดยปกติจะเป็นชายและหญิง) และด้วยเหตุนี้จึงทำให้ซิมโฟนีมีความจำเป็นสำหรับดนตรี รูปร่างใหญ่ความตึงเครียดอันน่าทึ่ง (และดราม่า) การวางอุบาย
หลักการสร้างสรรค์ของซิมโฟนี
หนังสือและบทความทางดนตรีมากมายอุทิศให้กับการวิเคราะห์รูปแบบของซิมโฟนีและวิวัฒนาการ วัสดุศิลปะซึ่งแสดงโดยแนวซิมโฟนีนั้นมีจำนวนมหาศาลทั้งในด้านปริมาณและรูปแบบที่หลากหลาย ที่นี่เราสามารถอธิบายลักษณะหลักการทั่วไปส่วนใหญ่ได้
1. ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ยิ่งกว่านั้น ข้อความนี้ใช้ได้กับทุกยุคทุกสมัย - สำหรับผลงานคลาสสิกของเวียนนา และสำหรับโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงที่มีการเคลื่อนไหวในภายหลัง ตัวอย่างเช่น The Eighth Symphony (1906) โดยกุสตาฟ มาห์เลอร์ มีความยิ่งใหญ่ในด้านการออกแบบเชิงศิลปะ เขียนขึ้นสำหรับวงกว้าง - แม้ตามแนวคิดของต้นศตวรรษที่ 20 - นักแสดงนักแสดง: วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ขยายออกไปจนรวมเครื่องเป่าลมไม้ 22 เครื่องและ 17 เครื่อง เครื่องดนตรีทองเหลือง คะแนนยังรวมถึงนักร้องประสานเสียงผสมและนักร้องประสานเสียงชายสองคน ในนี้มีการเพิ่มศิลปินเดี่ยวแปดคน (โซปราโนสามคน อัลโตสองตัว เทเนอร์ บาริโทนและเบส) และวงออเคสตราหลังเวที มักเรียกกันว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน" เพื่อที่จะแสดงได้ จำเป็นต้องสร้างเวทีคอนเสิร์ตฮอลล์ขนาดใหญ่ขึ้นใหม่
2. เนื่องจากซิมโฟนีเป็นงานที่มีการเคลื่อนไหวหลายรูปแบบ (สาม มักจะสี่ และบางครั้งมีการเคลื่อนไหวห้าการเคลื่อนไหว เช่น เพลง "Pastoral" ของ Beethoven หรือ "Fantastique" ของ Berlioz) จึงเป็นที่ชัดเจนว่ารูปแบบดังกล่าวจะต้องซับซ้อนอย่างยิ่ง เพื่อขจัดความซ้ำซากจำเจและความซ้ำซากจำเจ (ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียวนั้นหายากมาก ตัวอย่างคือ Symphony No. 21 โดย N. Myaskovsky)
ซิมโฟนีประกอบด้วยภาพดนตรี แนวคิด และธีมมากมายเสมอ พวกมันไม่ทางใดก็ทางหนึ่งกระจายระหว่างส่วนต่าง ๆ ซึ่งในทางกลับกันตรงกันข้ามกันและอีกด้านหนึ่งก่อให้เกิดความสมบูรณ์ที่สูงกว่าโดยที่ซิมโฟนีจะไม่ถูกมองว่าเป็นงานเดียว .
เพื่อให้ทราบถึงองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวของซิมโฟนี เราจึงมีข้อมูลเกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกหลายชิ้น...
โมสาร์ท. ซิมโฟนีหมายเลข 41 “จูปิเตอร์” ซีเมเจอร์
I. อัลเลโกร วีวาซ
ครั้งที่สอง อันดันเต้ กันตาบิเล
สาม. เมนูเอตโต อัลเลเกรตโต - ทริโอ
IV. โมลโต อัลเลโกร
เบโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 3, E-flat major, Op. 55 ("วีรบุรุษ")
ไอ. อัลเลโกร คอน บริโอ
ครั้งที่สอง มาร์เซีย ฟูเนเบร: อาดาจิโอ อัสไซ
สาม. เชอร์โซ: อัลเลโกร วีวาซ
IV. ตอนจบ : อัลเลโกร โมลโต, โปโก อันดันเต้
ชูเบิร์ต. ซิมโฟนีหมายเลข 8 ในบีไมเนอร์ (หรือที่เรียกว่า “ยังไม่เสร็จ”)
I. อัลเลโกร ผู้ดูแล
ครั้งที่สอง อันดันเต้ คอน โมโต
แบร์ลิออซ. ซิมโฟนีมหัศจรรย์
I. ความฝัน. ความหลงใหล: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - ศาสนา
ครั้งที่สอง บอล: วาลเซ่. อัลเลโกร ไม่ใช่ ทรอปโป
สาม. ฉากในทุ่งนา: Adagio
IV. ขบวนสู่การประหารชีวิต: Allegretto non troppo
V. ความฝันในคืนวันสะบาโต: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - ตาย irae
โบโรดิน. ซิมโฟนีหมายเลข 2 "Bogatyrskaya"
ไอ. อัลเลโกร
ครั้งที่สอง เชอร์โซ. เพรสติสซิโม่
สาม. อันดันเต้
IV. ตอนจบ อัลเลโกร
3. ส่วนแรกเป็นส่วนที่ซับซ้อนที่สุดในการออกแบบ ในซิมโฟนีคลาสสิกมักจะเขียนในรูปแบบของโซนาตาที่เรียกว่า อัลเลโกร. ลักษณะเฉพาะของรูปแบบนี้คืออย่างน้อยสองประเด็นหลักปะทะกันและพัฒนาในนั้น ซึ่งในแง่ทั่วไปที่สุดสามารถพูดได้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความเป็นชาย (ธีมนี้มักเรียกว่า พรรคหลักเนื่องจากเป็นครั้งแรกที่เกิดขึ้นในคีย์หลักของงาน) และหลักการของผู้หญิง (สิ่งนี้ ปาร์ตี้ด้านข้าง- เสียงจะดังขึ้นในคีย์หลักที่เกี่ยวข้องปุ่มใดปุ่มหนึ่ง) หัวข้อหลักทั้งสองนี้มีความเชื่อมโยงกันและเรียกว่าการเปลี่ยนจากหัวข้อหลักไปเป็นหัวข้อรอง เชื่อมต่อฝ่ายการนำเสนอเนื้อหาดนตรีทั้งหมดนี้มักจะมีบทสรุปที่แน่นอนเรียกว่าตอนนี้ เกมสุดท้าย.
หากเราฟังซิมโฟนีคลาสสิกด้วยความเอาใจใส่ที่ช่วยให้เราแยกแยะระหว่างสิ่งเหล่านี้ได้ทันทีตั้งแต่ครั้งแรกที่รู้จักกับงานนี้ องค์ประกอบโครงสร้างจากนั้นเราจะค้นพบในการปรับเปลี่ยนส่วนแรกของธีมหลักเหล่านี้ ด้วยการพัฒนารูปแบบโซนาต้าผู้แต่งบางคน - และเบโธเฟนคนแรก - สามารถระบุองค์ประกอบที่เป็นผู้หญิงในรูปแบบของตัวละครชายและในทางกลับกันและในระหว่างการพัฒนาธีมเหล่านี้ "ส่องสว่าง" พวกเขาในรูปแบบต่างๆ วิธี นี่อาจเป็นสิ่งที่สว่างที่สุด - ทั้งเชิงศิลปะและเชิงตรรกะ - เป็นศูนย์รวมของหลักการวิภาษวิธี
ส่วนแรกของซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นในรูปแบบสามส่วน โดยส่วนแรกจะถูกนำเสนอแก่ผู้ฟัง ราวกับว่าจัดแสดงไว้ (นั่นคือเหตุผลว่าทำไมส่วนนี้จึงเรียกว่านิทรรศการ) จากนั้นพวกเขาก็จะได้รับการพัฒนาและเปลี่ยนแปลง (ส่วนที่สอง คือการพัฒนา) และในที่สุดก็กลับมา - ไม่ว่าจะในรูปแบบดั้งเดิม หรือในความสามารถใหม่ (การบรรเลงใหม่) นี่คือที่สุด โครงการทั่วไปซึ่งนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แต่ละคนได้มีส่วนร่วมในบางสิ่งบางอย่างของตนเอง ดังนั้นเราจะไม่พบสิ่งก่อสร้างที่เหมือนกันสองชิ้นไม่เพียงแต่ในหมู่ผู้แต่งที่แตกต่างกันเท่านั้น แต่ยังพบสิ่งก่อสร้างเดียวกันด้วย (แน่นอนว่าหากเรากำลังพูดถึงผู้สร้างที่ยิ่งใหญ่)
4. หลังจากช่วงแรกของซิมโฟนีที่มีพายุบ่อยครั้ง จะต้องมีสถานที่สำหรับดนตรีที่มีโคลงสั้น ๆ สงบ และไพเราะอย่างแน่นอน กล่าวอีกนัยหนึ่งคือไหลแบบสโลว์โมชั่น ในตอนแรก นี่เป็นส่วนที่สองของซิมโฟนี และถือเป็นกฎที่ค่อนข้างเข้มงวด ในซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart การเคลื่อนไหวช้าๆ คือจังหวะวินาที หากมีการเคลื่อนไหวเพียงสามการเคลื่อนไหวในซิมโฟนี (เช่นในยุค 1770 ของ Mozart) การเคลื่อนไหวช้าๆ จะกลายเป็นการเคลื่อนไหวตรงกลาง หากซิมโฟนีมีการเคลื่อนไหวสี่การเคลื่อนไหว ในซิมโฟนียุคแรกจะมีการวางท่วงทำนองไว้ระหว่างการเคลื่อนไหวช้าและตอนจบที่รวดเร็ว ต่อมา เริ่มต้นด้วย Beethoven มินูเอตก็ถูกแทนที่ด้วย Scherzo ที่รวดเร็ว อย่างไรก็ตามเมื่อถึงจุดหนึ่งผู้แต่งก็ตัดสินใจเบี่ยงเบนไปจากกฎนี้จากนั้นการเคลื่อนไหวช้าๆก็กลายเป็นครั้งที่สามในซิมโฟนีและเชอร์โซก็กลายเป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สองดังที่เราเห็น (หรือค่อนข้างได้ยิน) ใน "Bogatyr" ของ A. Borodin ซิมโฟนี
5. ตอนจบของซิมโฟนีคลาสสิกมีลักษณะเป็นการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาพร้อมกับการเต้นรำและการร้องเพลง มักเป็นจิตวิญญาณพื้นบ้าน บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีก็กลายเป็นการถวายความอาลัยอย่างแท้จริง ดังเช่นใน Ninth Symphony (บทที่ 125) ของ Beethoven ซึ่งมีการนำนักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวเข้ามาในซิมโฟนี แม้ว่านี่จะเป็นนวัตกรรมสำหรับแนวซิมโฟนี แต่ไม่ใช่สำหรับ Beethoven เอง ก่อนหน้านี้เขาแต่งเพลง Fantasia สำหรับเปียโน นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา (Op. 80) ซิมโฟนีประกอบด้วยบทกวี "To Joy" โดย F. Schiller ตอนจบมีความโดดเด่นมากในซิมโฟนีนี้จนทั้งสามการเคลื่อนไหวที่อยู่ข้างหน้าถูกมองว่าเป็นการแนะนำที่ยิ่งใหญ่ การแสดงตอนจบนี้พร้อมเรียกร้องให้ “กอด ล้าน!” ในการเปิดการประชุมสามัญของสหประชาชาติ - การแสดงออกที่ดีที่สุดความปรารถนาทางจริยธรรมของมนุษยชาติ!
ผู้สร้างซิมโฟนีผู้ยิ่งใหญ่
โจเซฟ ไฮเดิน
โจเซฟ ไฮเดินมีอายุยืนยาว (1732–1809) ครึ่งศตวรรษของมัน กิจกรรมสร้างสรรค์สรุปด้วยสถานการณ์สำคัญสองประการ: การเสียชีวิตของ J. S. Bach (1750) ซึ่งสิ้นสุดยุคแห่งพหุโฟนี และการเปิดตัวซิมโฟนี Third (“ Eroic”) ของ Beethoven ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติก ในช่วงห้าสิบปีนี้ รูปแบบดนตรีเก่าๆ ได้แก่ มิสซา ออราโตริโอ และ คอนแชร์โตกรอสโซ- ถูกแทนที่ด้วยอันใหม่: ซิมโฟนี, โซนาต้าและ วงเครื่องสาย. สถานที่หลักที่ได้ยินผลงานที่เขียนในประเภทเหล่านี้ไม่ใช่โบสถ์และมหาวิหารเหมือนเมื่อก่อน แต่เป็นพระราชวังของขุนนางและขุนนางซึ่งในทางกลับกันก็นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในคุณค่าทางดนตรี - บทกวีและการแสดงออกเชิงอัตนัยเข้ามา แฟชั่น.
ทั้งหมดนี้ Haydn เป็นผู้บุกเบิก บ่อยครั้ง - แม้ว่าจะไม่ถูกต้องนัก - เขาถูกเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนี" นักแต่งเพลงบางคน เช่น Jan Stamitz และตัวแทนคนอื่นๆ ของโรงเรียน Mannheim (เมือง Mannheim ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นป้อมปราการของการแสดงดนตรีซิมโฟนีในยุคแรกๆ) ได้เริ่มแต่งเพลงซิมโฟนีสามจังหวะเร็วกว่า Haydn มากแล้ว อย่างไรก็ตาม ไฮเดินยกระดับฟอร์มนี้ขึ้นไปอีกระดับหนึ่งและชี้ทางไปสู่อนาคต ผลงานในยุคแรกของเขาได้รับอิทธิพลจาก C.F.E. Bach และผลงานชิ้นหลังของเขาคาดหวังถึงสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - Beethoven
เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาเริ่มสร้างผลงานเพลงที่มีความสำคัญทางดนตรีเมื่อเขาอายุครบสี่สิบปี ภาวะเจริญพันธุ์ ความหลากหลาย ความคาดเดาไม่ได้ อารมณ์ขัน ความคิดสร้างสรรค์ นี่คือสิ่งที่ทำให้ Haydn อยู่เหนือระดับของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน
ซิมโฟนีของ Haydn หลายเพลงได้รับชื่อ ผมขอยกตัวอย่างบางส่วนให้คุณฟัง
อ. อาบาคูมอฟ เพลย์ ไฮเดิน (1997)
ซิมโฟนีอันโด่งดังหมายเลข 45 เรียกว่า "อำลา" (หรือ "ซิมโฟนีใต้แสงเทียน"): บน หน้าสุดท้ายเมื่อจบซิมโฟนีนักดนตรีก็หยุดเล่นทีละคนและออกจากเวทีไปเหลือไวโอลินเพียงสองตัวจบซิมโฟนีด้วยคอร์ดคำถาม ลา - เอฟ ชาร์ป. Haydn เล่าถึงต้นกำเนิดของซิมโฟนีในเวอร์ชันกึ่งตลก: เจ้าชาย Nikolai Esterhazy ไม่ยอมให้สมาชิกวงออเคสตราออกจาก Eszterhazy ไปยัง Eisenstadt ซึ่งครอบครัวของพวกเขาอาศัยอยู่เป็นเวลานานมาก ด้วยความปรารถนาที่จะช่วยเหลือผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา Haydn จึงแต่งบทสรุปของซิมโฟนี "อำลา" ในรูปแบบของคำใบ้ที่ละเอียดอ่อนต่อเจ้าชาย - คำร้องขอลาที่แสดงเป็นภาพดนตรี เข้าใจคำใบ้แล้ว และเจ้าชายก็ออกคำสั่งที่เหมาะสม
ในยุคแห่งความโรแมนติกธรรมชาติอันน่าขบขันของซิมโฟนีถูกลืมไปและเริ่มมีความหมายที่น่าเศร้า ชูมันน์เขียนในปี พ.ศ. 2381 เกี่ยวกับนักดนตรีที่กำลังดับเทียนและออกจากเวทีในช่วงสุดท้ายของซิมโฟนี: "และไม่มีใครหัวเราะในเวลาเดียวกันเนื่องจากไม่มีเวลาหัวเราะ"
ซิมโฟนีหมายเลข 94“ With a Timpani Strike หรือ Surprise” ได้รับชื่อเนื่องจากเอฟเฟกต์ตลกในการเคลื่อนไหวช้าๆ - อารมณ์สงบของมันถูกรบกวนด้วยการตีกลองอันแหลมคม หมายเลข 96 “ปาฏิหาริย์” เริ่มถูกเรียกเช่นนั้นเนื่องจากสถานการณ์สุ่ม ในคอนเสิร์ตที่ Haydn จะแสดงซิมโฟนีนี้ ผู้ชมต่างรีบวิ่งจากกลางห้องโถงไปยังแถวแรกที่ว่างเปล่าพร้อมกับการปรากฏตัวของเขา และตรงกลางก็ว่างเปล่า ทันใดนั้นโคมระย้าก็พังลงมาตรงกลางห้องโถง มีผู้ฟังเพียงสองคนเท่านั้นที่ได้รับบาดเจ็บเล็กน้อย ได้ยินเสียงอุทานในห้องโถง:“ ปาฏิหาริย์! ความมหัศจรรย์!" ไฮเดินเองก็รู้สึกประทับใจอย่างยิ่งกับความรอดของผู้คนจำนวนมากโดยไม่สมัครใจ
ในทางกลับกันชื่อของซิมโฟนีหมายเลข 100 "ทหาร" นั้นไม่ได้ตั้งใจเลย - ส่วนที่รุนแรงพร้อมสัญญาณและจังหวะทางทหารแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน ภาพดนตรีค่าย; แม้แต่ Minuet ที่นี่ (ขบวนการที่สาม) ก็มีประเภท "กองทัพ" ที่ค่อนข้างห้าวหาญ การนำเครื่องเพอร์คัชชันของตุรกีมารวมไว้ในโน้ตของซิมโฟนีทำให้ผู้รักดนตรีในลอนดอนพอใจ (เทียบกับเพลง "Turkish March" ของโมสาร์ท)
หมายเลข 104 “ซาโลมอน”: นี่ไม่ใช่การแสดงความเคารพต่อนักแสดงจอห์น ปีเตอร์ ซาโลมอน ผู้ซึ่งทำสิ่งต่างๆ มากมายให้กับไฮเดินไม่ใช่หรือ? จริงอยู่ ซาโลมอนเองกลายเป็นผู้มีชื่อเสียงมากเนื่องจากไฮเดินถึงขนาดที่เขาถูกฝังไว้ในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์ “เพื่อนำไฮเดินไปลอนดอน” ตามที่ระบุไว้บนหลุมศพของเขา. ดังนั้นจึงควรเรียกซิมโฟนีว่า "ด้วย" กโลมอน” ไม่ใช่ “โซโลมอน” ดังที่บางครั้งพบใน โปรแกรมคอนเสิร์ตซึ่งทำให้ผู้ฟังหันไปทางกษัตริย์ในพระคัมภีร์อย่างไม่ถูกต้อง
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนซิมโฟนีครั้งแรกเมื่อเขาอายุแปดขวบ และครั้งสุดท้ายเมื่ออายุได้สามสิบสอง จำนวนทั้งหมดของพวกเขามากกว่าห้าสิบ แต่คนอายุน้อยหลายคนยังไม่รอดหรือยังไม่ถูกค้นพบ
หากคุณทำตามคำแนะนำของ Alfred Einstein ผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Mozart และเปรียบเทียบตัวเลขนี้กับซิมโฟนีเพียงเก้าเพลงของ Beethoven หรือสี่เพลงของ Brahms ก็จะชัดเจนทันทีว่าแนวคิดของแนวซิมโฟนีนั้นแตกต่างออกไปสำหรับผู้แต่งเหล่านี้ แต่ถ้าเราเลือกซิมโฟนีของโมสาร์ทออกมาโดยเฉพาะ ซึ่งก็เหมือนกับเพลงของเบโธเฟน ที่สามารถถ่ายทอดถึงผู้ชมในอุดมคติอย่างแท้จริง หรือกล่าวอีกนัยหนึ่งก็คือ มวลมนุษยชาติ ( มนุษยธรรม) ปรากฎว่าโมสาร์ทเขียนซิมโฟนีดังกล่าวไม่เกินสิบเพลงด้วย (ไอน์สไตน์เองก็พูดถึง "สี่หรือห้า"!) "ปราก" และซิมโฟนีสามวงในปี 1788 (หมายเลข 39, 40, 41) มีส่วนช่วยที่น่าทึ่งในคลังซิมโฟนีโลก
ในสามซิมโฟนีหลังนี้ ซิมโฟนีหมายเลขกลางคือหมายเลข 40 เป็นที่รู้จักดีที่สุด มีเพียง "A Little Night Serenade" และการทาบทามให้กับโอเปร่า "The Marriage of Figaro" เท่านั้นที่สามารถแข่งขันกับความนิยมได้ แม้ว่าเหตุผลของความนิยมนั้นยากที่จะระบุได้เสมอ แต่หนึ่งในนั้นในกรณีนี้อาจเป็นการเลือกโทนเสียง ซิมโฟนีนี้เขียนด้วยภาษา G minor ซึ่งเป็นสิ่งที่หายากสำหรับ Mozart ที่ชอบความร่าเริงและสนุกสนาน คีย์หลัก. จากซิมโฟนีสี่สิบเอ็ดบท มีเพียงสองบทเท่านั้นที่ถูกเขียน ไมเนอร์คีย์(ไม่ได้หมายความว่าโมซาร์ทไม่ได้แต่งเพลงรองในซิมโฟนีเมเจอร์)
สถิติของเขาคล้ายกัน คอนเสิร์ตเปียโน: จากยี่สิบเจ็ด มีเพียงสองคนเท่านั้นที่มีคีย์รอง เมื่อพิจารณาถึงยุคมืดมนซึ่งซิมโฟนีนี้ถูกสร้างขึ้น อาจดูเหมือนว่าการเลือกโทนเสียงถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าแล้ว อย่างไรก็ตาม สิ่งสร้างนี้มีอะไรมากกว่าความเศร้าโศกในแต่ละวันของคนๆ หนึ่ง เราต้องจำไว้ว่าในยุคนั้น คีตกวีชาวเยอรมันและออสเตรียพบว่าตัวเองตกอยู่ภายใต้ความเมตตาของแนวคิดและภาพของการเคลื่อนไหวทางสุนทรียศาสตร์ในวรรณคดีที่เรียกว่า "Sturm and Drang" มากขึ้นเรื่อยๆ
ชื่อของขบวนการใหม่นี้มาจากละครของ F. M. Klinger เรื่อง “Sturm and Drang” (1776) มีละครจำนวนมากเกิดขึ้นพร้อมกับฮีโร่ที่มีความหลงใหลและมักจะไม่สอดคล้องกัน นักแต่งเพลงยังรู้สึกทึ่งกับความคิดในการแสดงออกถึงความหลงใหลอันน่าทึ่งการต่อสู้อย่างกล้าหาญและมักจะโหยหาอุดมคติที่ไม่สามารถบรรลุได้ จึงไม่น่าแปลกใจที่ในบรรยากาศเช่นนี้ โมสาร์ทก็หันไปใช้คีย์รองเช่นกัน
ต่างจาก Haydn ที่มั่นใจมาโดยตลอดว่าจะแสดงซิมโฟนีของเขา - ไม่ว่าจะต่อหน้าเจ้าชาย Esterhazy หรือเช่นเดียวกับ "London people" ต่อหน้าสาธารณชนในลอนดอน - Mozart ไม่เคยรับประกันเช่นนี้ และถึงกระนั้นเขาก็เป็น อุดมสมบูรณ์อย่างน่าอัศจรรย์ หากซิมโฟนีในยุคแรกของเขามักจะให้ความบันเทิง หรืออย่างที่เราเรียกกันว่าดนตรี "เบาๆ" ในตอนนี้ ซิมโฟนีรุ่นหลังของเขาก็คือ "จุดเด่นของรายการ" ของคอนเสิร์ตซิมโฟนีใดๆ
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
เบโธเฟนสร้างซิมโฟนีเก้าเพลง อาจมีหนังสือที่เขียนเกี่ยวกับพวกเขามากกว่าที่มีบันทึกไว้ในมรดกนี้ ซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาคือวงที่สาม (E-flat major, “Eroica”), วงที่ห้า (C minor), วงที่หก (F major, “Pastoral”) และวงที่เก้า (D minor)
...เวียนนา 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2367 รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีที่เก้า เอกสารที่รอดชีวิตเป็นพยานถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในขณะนั้น การประกาศรอบปฐมทัศน์ที่กำลังจะมาถึงนั้นน่าสังเกต:“ ใหญ่ สถาบันดนตรีซึ่งจัดโดยคุณลุดวิก ฟาน เบโธเฟน จะมีขึ้นในวันพรุ่งนี้วันที่ 7 พฤษภาคม<...>ศิลปินเดี่ยว ได้แก่ Ms. Sontag และ Ms. Unger รวมถึง Messrs Heitzinger และ Seipelt หัวหน้าคอนเสิร์ตของวงออเคสตราคือ Mr. Schuppanzig วาทยากรคือ Mr. Umlauf<...>มิสเตอร์ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนจะมีส่วนร่วมในการกำกับคอนเสิร์ตเป็นการส่วนตัว”
ทิศทางนี้ส่งผลให้เบโธเฟนเป็นผู้แสดงซิมโฟนีด้วยตัวเองในที่สุด แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร? ท้ายที่สุด เมื่อถึงเวลานั้นเบโธเฟนก็หูหนวกแล้ว มาดูบัญชีของผู้เห็นเหตุการณ์กันดีกว่า
“เบโธเฟนแสดงท่าทีของตัวเอง หรือพูดง่ายๆ ก็คือ เขายืนอยู่หน้าอัฒจันทร์ของผู้ควบคุมวงและแสดงท่าทางอย่างบ้าคลั่ง” โจเซฟ โบห์ม นักไวโอลินของวงออเคสตราที่เข้าร่วมในคอนเสิร์ตประวัติศาสตร์ครั้งนั้นเขียน - ขั้นแรกเขาเหยียดตัวขึ้นไปจากนั้นก็เกือบจะนั่งยองๆ โบกแขนและกระทืบเท้าราวกับว่าเขาต้องการเล่นเครื่องดนตรีทั้งหมดพร้อมกันและร้องเพลงให้ทั้งคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริง Umlauf รับผิดชอบทุกอย่าง และนักดนตรีอย่างพวกเราก็ดูแลแค่กระบองของเขาเท่านั้น เบโธเฟนรู้สึกตื่นเต้นมากจนเขาไม่รู้เลยถึงสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขา และไม่ได้ใส่ใจกับเสียงปรบมือที่ดังกึกก้อง ซึ่งแทบจะไม่รู้ตัวเลยเนื่องจากความบกพร่องทางการได้ยิน ในตอนท้ายของแต่ละหมายเลข พวกเขาต้องบอกเขาอย่างชัดเจนว่าควรหันกลับเมื่อใด และขอบคุณผู้ชมสำหรับเสียงปรบมือ ซึ่งเขาทำอย่างงุ่มง่ามมาก”
ในตอนท้ายของซิมโฟนีเมื่อเสียงปรบมือดังสนั่นแล้ว Caroline Unger เข้าหา Beethoven และหยุดมือเบา ๆ - เขายังคงดำเนินการต่อไปโดยไม่รู้ว่าการแสดงจบลงแล้ว! - และหันหน้าไปทางห้องโถง จากนั้นทุกคนก็เห็นได้ชัดว่า Beethoven หูหนวกสนิท...
ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก ตำรวจต้องเข้าแทรกแซงเพื่อยุติเสียงปรบมือ
ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี
ในรูปแบบของซิมโฟนี P.I. ไชคอฟสกีสร้างผลงานหกชิ้น ลาสต์ซิมโฟนี - ซิกธ์ บีไมเนอร์ สหกรณ์ 74 - เขาเรียกว่า "น่าสงสาร"
ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2436 ไชคอฟสกีได้วางแผนสำหรับซิมโฟนีชุดใหม่ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นซิมโฟนีชุดที่หก ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาเขากล่าวว่า: "ในระหว่างการเดินทางฉันมีความคิดเรื่องซิมโฟนีอื่น... ด้วยรายการที่ยังคงเป็นปริศนาสำหรับทุกคน... โปรแกรมนี้ตื้นตันใจอย่างมากกับความเป็นตัวตนและ บ่อยครั้งระหว่างการเดินทาง จิตใจสงบ ร้องไห้หนักมาก”
ซิมโฟนีที่หกถูกบันทึกโดยผู้แต่งอย่างรวดเร็ว ในเวลาเพียงหนึ่งสัปดาห์ (4–11 กุมภาพันธ์) เขาบันทึกช่วงแรกและครึ่งวินาทีทั้งหมด จากนั้นงานก็หยุดชะงักไประยะหนึ่งด้วยการเดินทางจาก Klin ซึ่งนักแต่งเพลงอาศัยอยู่ ณ ขณะนั้นไปมอสโคว์ เมื่อกลับมาที่ Klin เขาทำงานในส่วนที่สามตั้งแต่วันที่ 17 ถึง 24 กุมภาพันธ์ จากนั้นก็มีการหยุดพักอีกครั้งและในช่วงครึ่งหลังของเดือนมีนาคมผู้แต่งก็จบตอนจบและส่วนที่สอง การจัดวงดนตรีต้องเลื่อนออกไปบ้างเนื่องจากไชคอฟสกีมีการวางแผนการเดินทางอีกหลายครั้ง เมื่อวันที่ 12 สิงหาคม การจัดวงดนตรีเสร็จสิ้น
การแสดงครั้งแรกของ Sixth Symphony จัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 16 ตุลาคม พ.ศ. 2436 ดำเนินการโดยผู้เขียน ไชคอฟสกีเขียนหลังการฉายรอบปฐมทัศน์: “มีบางอย่างแปลกเกิดขึ้นกับซิมโฟนีนี้! ไม่ใช่ว่าฉันไม่ชอบมัน แต่มันทำให้เกิดความสับสน สำหรับฉัน ฉันภูมิใจในสิ่งนี้มากกว่าองค์ประกอบอื่นๆ ของฉัน” เหตุการณ์ต่อไปเป็นเรื่องน่าเศร้า: เก้าวันหลังจากการแสดงซิมโฟนีรอบปฐมทัศน์ P. Tchaikovsky เสียชีวิตกะทันหัน
V. Baskin ผู้แต่งชีวประวัติเรื่องแรกของ Tchaikovsky ซึ่งปรากฏตัวทั้งรอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีและการแสดงครั้งแรกหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลงเมื่อ E. Napravnik แสดง (การแสดงนี้ได้รับชัยชนะ) เขียนว่า: "เราจำ อารมณ์เศร้าที่ครอบงำในห้องโถงของสมัชชาขุนนาง เมื่อวันที่ 6 พฤศจิกายน เมื่อมีการแสดงซิมโฟนี "น่าสงสาร" ซึ่งไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่ในการแสดงครั้งแรกภายใต้กระบองของไชคอฟสกีเองถูกแสดงเป็นครั้งที่สอง ในซิมโฟนีนี้ซึ่งน่าเสียดายที่กลายเป็นเพลงหงส์ของผู้แต่งของเรา เขาปรากฏตัวใหม่ไม่เพียง แต่ในเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในรูปแบบด้วย แทนที่จะเป็นปกติ อัลเลโกรหรือ เพรสโตมันเริ่มต้น อดาจิโอ ลาเมนโตโซ่ทำให้ผู้ฟังรู้สึกเศร้าใจที่สุด ในนั้น อาดาจิโอนักแต่งเพลงดูเหมือนจะบอกลาชีวิต ค่อยเป็นค่อยไป โมเรนโด(อิตาลี - ซีดจาง) ของวงออเคสตราทั้งหมดทำให้เรานึกถึงจุดสิ้นสุดอันโด่งดังของ Hamlet: “ ที่เหลือก็เงียบ"(ต่อไป - ความเงียบ)"
เราสามารถพูดคุยสั้น ๆ เกี่ยวกับผลงานดนตรีซิมโฟนิกชิ้นเอกเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้น ยิ่งไปกว่านั้น โดยไม่คำนึงถึงโครงสร้างทางดนตรีที่แท้จริง เนื่องจากการสนทนาดังกล่าวต้องใช้เสียงดนตรีที่แท้จริง แต่จากเรื่องราวนี้ ก็ชัดเจนว่าซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงและซิมโฟนีในฐานะการสร้างสรรค์ของจิตวิญญาณมนุษย์เป็นแหล่งความสุขอันล้ำค่าอันล้ำค่า โลกแห่งดนตรีไพเราะนั้นกว้างใหญ่และไม่สิ้นสุด
อ้างอิงจากวัสดุจากนิตยสาร Art ฉบับที่ 08/2009
บนโปสเตอร์: Great Hall of the St. Petersburg Academic Philharmonic ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich Tory Huang (เปียโน สหรัฐอเมริกา) และ Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)
เพลงบรรเลง. มักประกอบด้วย 4 ส่วน ซิมโฟนีคลาสสิกได้รับการพัฒนาในท้ายที่สุด 18 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 19 (เจ. ไฮเดิน, ดับเบิลยู. เอ. โมสาร์ท, แอล. เบโธเฟน). ในบรรดานักประพันธ์เพลงโรแมนติก ซิมโฟนีเนื้อเพลง (F. Schubert, F. Mendelssohn) และซิมโฟนีของรายการ (G. Berlioz, F. Liszt) มีความสำคัญอย่างยิ่ง คีตกวีชาวยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 19 และ 20 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนี (I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvorak, J. Sibelius ฯลฯ ) สถานที่สำคัญของซิมโฟนีในรัสเซีย (A. P. Borodin, P. I. Tchaikovsky, A. K. Glazunov, A. N. Scriabin, S. V. Rachmaninov, N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian และคนอื่น ๆ )
พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่. 2000 .
คำพ้องความหมาย:ดูว่า "SYMPHONY" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:
ดูข้อตกลง... พจนานุกรมคำพ้องความหมายภาษารัสเซียและสำนวนที่คล้ายกัน ภายใต้. เอ็ด N. Abramova, M.: พจนานุกรมรัสเซีย, 1999. ความสามัคคีของซิมโฟนี, ข้อตกลง; ความสอดคล้อง, ดัชนีพจนานุกรม, พจนานุกรม Symphonietta ของคำพ้องความหมายภาษารัสเซีย ... พจนานุกรมคำพ้อง
- (พยัญชนะกรีก) ดนตรีชิ้นใหญ่ที่เขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตรา พจนานุกรมคำต่างประเทศที่รวมอยู่ในภาษารัสเซีย Chudinov A.N. , 2453 ซิมโฟนีกรีก ซิมโฟเนีย จากซิน ร่วมกัน และโทรศัพท์ เสียง ความสามัคคี ความกลมกลืนของเสียง… … พจนานุกรมคำต่างประเทศในภาษารัสเซีย
ซิมโฟนีหมายเลข 17: ซิมโฟนีหมายเลข 17 (ไวน์เบิร์ก) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (โมสาร์ท), จีเมเจอร์, KV129 ซิมโฟนีหมายเลข 17 (Myaskovsky) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (คารามานอฟ) "อเมริกา" ซิมโฟนีหมายเลข 17 (สโลนิมสกี้) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (โฮวาเนส), ซิมโฟนีสำหรับเมทัลออร์เคสตรา, Op. 203... ...วิกิพีเดีย
ซิมโฟนี ซิมโฟนี ผู้หญิง (กรีกซิมโฟเนียความสามัคคีของเสียงความสอดคล้อง) 1. งานดนตรีขนาดใหญ่สำหรับวงออเคสตรา มักประกอบด้วย 4 การเคลื่อนไหว โดยท่อนแรกและมักจะเขียนในรูปแบบโซนาต้า (ดนตรี) “ซิมโฟนีสามารถเป็นได้… ... พจนานุกรมอูชาโควา
ซิมโฟนี- และฉ. ซิมโฟนี ฉ. , มัน. ซินโฟเนีย lat. ซิมโฟเนีย กรัม ความสอดคล้องของซิมโฟเนีย Krysin 2541 1. ดนตรีชิ้นใหญ่สำหรับวงออเคสตราประกอบด้วย 3-4 ส่วนซึ่งแตกต่างกันในลักษณะของดนตรีและจังหวะ ซิมโฟนีที่น่าสมเพช...... พจนานุกรมประวัติศาสตร์ Gallicisms ของภาษารัสเซีย
ผู้หญิง กรีก ดนตรี ความสอดคล้องของเสียง ความสอดคล้องของเสียงโพลีโฟนิก | Polyvocal ชนิดพิเศษ การประพันธ์ดนตรี. เฮย์เดน ซิมโฟนี. | ซิมโฟนีออนโอลด์ เปิด พันธสัญญาใหม่, รหัส, การระบุตำแหน่งที่มีการกล่าวถึงคำเดียวกัน ฉลาด... ... พจนานุกรมอธิบายของดาห์ล
- (ภาษาลาติน ซิมโฟเนีย จากภาษากรีก ซิมโฟเนีย สอดคล้องกัน, ข้อตกลง) ทำงานให้กับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกพัฒนาขึ้นในหมู่นักประพันธ์เพลงชาวเวียนนา โรงเรียนคลาสสิกค่ะ...... สารานุกรมสมัยใหม่
ซิมโฟนี- (ละตินซิมโฟเนียจากกรีกซิมโฟเนีย - ความสอดคล้องข้อตกลง) งานสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกได้รับการพัฒนาโดยผู้แต่งของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา - เจ ... ... พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ
ซิมโฟนี และเพศหญิง 1. ดนตรีชิ้นใหญ่สำหรับวงออเคสตรา 2. การโอน สารประกอบฮาร์มอนิก การรวมกันของบางสิ่ง n (หนังสือ). ส.ดอกไม้. ส.สี. ส.เสียง. | คำคุณศัพท์ ไพเราะ, aya, oe (ถึง 1 ค่า) เอส.ออร์เคสตรา...... พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov
- (พยัญชนะกรีก) ชื่อขององค์ประกอบออเคสตราในหลายส่วน ส. รูปแบบที่กว้างขวางที่สุดในสาขาดนตรีออเคสตราคอนเสิร์ต เนื่องจากมีความคล้ายคลึงกันในการก่อสร้างกับโซนาต้า ส. สามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาต้าสำหรับวงออเคสตรา ยังไง…… สารานุกรมของ Brockhaus และ Efron
หนังสือ
- ซิมโฟนี 2, อ. โบโรดิน. ซิมโฟนี 2, คะแนน, สำหรับวงออเคสตรา ประเภทสิ่งพิมพ์: เครื่องดนตรีประเภทคะแนน: วงออเคสตรา ทำซ้ำด้วยการสะกดของผู้เขียนต้นฉบับฉบับปี 1869...
คำ "ซิมโฟนี"กับ ภาษากรีกแปลว่า "ความสอดคล้อง" และแท้จริงแล้ว เสียงของเครื่องดนตรีหลายชนิดในวงออเคสตราสามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรีก็ต่อเมื่อเครื่องดนตรีเหล่านั้นเข้ากันเท่านั้น และแต่ละเครื่องดนตรีไม่ได้สร้างเสียงขึ้นมาเอง
ในสมัยกรีกโบราณ นี่เป็นชื่อของการผสมผสานเสียงที่ไพเราะและร้องเพลงพร้อมเพรียงกัน ในกรุงโรมโบราณ วงดนตรีหรือวงออเคสตราเริ่มถูกเรียกเช่นนี้ ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปและเครื่องดนตรีบางชนิดเรียกว่าซิมโฟนี
คำนี้มีความหมายอื่น ๆ แต่ล้วนมีความหมายถึงความเชื่อมโยง การมีส่วนร่วม การรวมกันที่กลมกลืน ตัวอย่างเช่น ซิมโฟนีก็เรียกว่าซิมโฟนีที่เกิดขึ้นใน จักรวรรดิไบแซนไทน์หลักการของความสัมพันธ์ระหว่างคริสตจักรกับหน่วยงานทางโลก
แต่วันนี้เราจะพูดถึงเฉพาะดนตรีซิมโฟนีเท่านั้น
ความหลากหลายของซิมโฟนี
ซิมโฟนีคลาสสิค- นี่คือผลงานดนตรีในรูปแบบโซนาต้าไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ซิมโฟนี (นอกเหนือจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา) อาจรวมถึงคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องด้วย มีซิมโฟนี-สวีท, ซิมโฟนี-แรปโซดี, ซิมโฟนี-แฟนตาซี, ซิมโฟนี-บัลลาด, ซิมโฟนี-ตำนาน, ซิมโฟนี-บทกวี, ซิมโฟนี-เรเควี่ยม, ซิมโฟนี-บัลเลต์, ซิมโฟนี-ละคร และซิมโฟนีละคร เป็นประเภทของโอเปร่า.
ซิมโฟนีคลาสสิกมักมี 4 การเคลื่อนไหว:
ส่วนแรก - เข้า ก้าวอย่างรวดเร็ว(อัลเลโกร ) ในรูปแบบโซนาต้า
ส่วนที่สอง - ใน อย่างช้าๆ มักจะอยู่ในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลง rondo, rondo sonata, การเคลื่อนไหวสามที่ซับซ้อน, มักจะอยู่ในรูปแบบของโซนาต้า;
ส่วนที่สาม - เชอร์โซหรือมินูเอต- ในรูปแบบสามส่วน da capo พร้อมทั้งสาม (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A)
ส่วนที่สี่ - ใน ก้าวอย่างรวดเร็วในรูปแบบโซนาตา ในรูปแบบรอนโดหรือรอนโดโซนาตา
แต่มีซิมโฟนีที่มีท่อนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว
โปรแกรมซิมโฟนีเป็นเพลงซิมโฟนีที่มีเนื้อหาเฉพาะซึ่งกำหนดไว้ในรายการหรือแสดงในชื่อเรื่อง หากซิมโฟนีมีชื่อ ชื่อนี้ก็คือรายการขั้นต่ำ เช่น "Symphony Fantastique" โดย G. Berlioz
จากประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี
ถือเป็นผู้สร้างซิมโฟนีและออร์เคสตรารูปแบบคลาสสิก ไฮเดน.
และต้นแบบของซิมโฟนีคือภาษาอิตาลี ทาบทาม(ผลงานดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนเริ่มการแสดง: โอเปร่า, บัลเล่ต์) ซึ่งพัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีโดย โมสาร์ทและ เบโธเฟน. เหล่านี้ นักแต่งเพลงสามคนเรียกว่า "เวียนนาคลาสสิก" คลาสสิกของเวียนนาสร้างดนตรีบรรเลงระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่สมบูรณ์แบบ กระบวนการก่อตั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - การประพันธ์ถาวรและกลุ่มออเคสตรา - ก็เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้เช่นกัน
วีเอ โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนในทุกรูปแบบและแนวเพลงที่มีอยู่ในยุคของเขาโดยให้ความสำคัญกับโอเปร่าเป็นพิเศษแต่ ความสนใจอย่างมากเขายังอุทิศตนให้กับดนตรีไพเราะ เนื่องจากตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานโอเปร่าและซิมโฟนีไปพร้อม ๆ กันดนตรีบรรเลงของเขาจึงโดดเด่นด้วยความไพเราะ โอเปร่าอาเรียและความขัดแย้งอันดราม่า โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีมากกว่า 50 บท ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือสามซิมโฟนีสุดท้าย - หมายเลข 39, หมายเลข 40 และหมายเลข 41 (“ Jupiter”)
K. Schlosser "เบโธเฟนในที่ทำงาน"
เบโธเฟนสร้างซิมโฟนี 9 ซิมโฟนี แต่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบซิมโฟนิกและการเรียบเรียงดนตรีเขาเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงซิมโฟนิกที่ใหญ่ที่สุด ยุคคลาสสิก. ใน Ninth Symphony ซึ่งเป็นการแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ทุกส่วนถูกหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยธีมที่ตัดกัน ในซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้แนะนำท่อนร้อง หลังจากนั้นผู้แต่งคนอื่นๆ ก็เริ่มทำเช่นนั้น ในรูปแบบของซิมโฟนีเขาพูดคำใหม่ อาร์. ชูมันน์.
แต่แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบที่เข้มงวดของซิมโฟนีเริ่มเปลี่ยนไป ระบบสี่ส่วนกลายเป็นทางเลือก: มันปรากฏขึ้น ส่วนหนึ่งซิมโฟนี (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky) ซิมโฟนีจาก 11 ส่วน(Shostakovich) และแม้กระทั่งจาก 24 ส่วน(โฮวาเนส). ตอนจบคลาสสิกจังหวะเร็วถูกแทนที่ด้วยตอนจบแบบช้า (ซิมโฟนีที่หกของ P.I. Tchaikovsky, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์)
ผู้เขียนซิมโฟนีคือ F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N . ริมสกี- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich และคนอื่น ๆ
ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่าองค์ประกอบของมันก่อตัวขึ้นในยุคของคลาสสิกเวียนนา
พื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคือเครื่องดนตรีสี่กลุ่ม: สายโค้งคำนับ(ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) เครื่องเป่าลมไม้(ฟลุต, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน, แซกโซโฟนที่มีหลากหลาย - เครื่องบันทึกโบราณ, ผ้าคลุมไหล่, ชาลูโม ฯลฯ รวมถึงเครื่องดนตรีพื้นบ้านอีกจำนวนหนึ่ง - บาลาบัน, ดูดุค, ซาเลกา, ฟลุต, ซูร์นา) ทองเหลือง(แตร, ทรัมเป็ต, คอร์เน็ต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา) กลอง(ทิมปานี ระนาด ไวบราโฟน ระฆัง กลอง สามเหลี่ยม ฉิ่ง แทมบูรีน คาสทาเน็ต ทอม-ทอม และอื่นๆ)
บางครั้งมีเครื่องดนตรีอื่นๆ รวมอยู่ในวงออเคสตราด้วย: พิณ, เปียโน, อวัยวะ(เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด-ลม เครื่องดนตรีประเภทที่ใหญ่ที่สุด) เซเลสต้า(เครื่องดนตรีประเภทเคาะคีย์บอร์ดขนาดเล็กที่ดูเหมือนเปียโนและเสียงเหมือนระฆัง) ฮาร์ปซิคอร์ด.
ฮาร์ปซิคอร์ด
ใหญ่วงซิมโฟนีออร์เคสตราสามารถมีนักดนตรีได้มากถึง 110 คน , เล็ก– ไม่เกิน 50.
ผู้ควบคุมวงจะเป็นผู้ตัดสินใจว่าจะนั่งที่นั่งในวงออเคสตราอย่างไร การจัดนักแสดงในวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้เกิดความดังที่สอดคล้องกัน ในอีก 50-70 ปี ศตวรรษที่ XX แพร่หลายมากขึ้น "ที่นั่งแบบอเมริกัน":ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองวางอยู่ทางด้านซ้ายของผู้ควบคุมวง ทางด้านขวาคือวิโอลาและเชลโล ในส่วนลึกมีเครื่องเป่าลมไม้และลมทองเหลือง, ดับเบิ้ลเบส; ด้านซ้ายเป็นกลอง
การจัดที่นั่งของนักดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา
มีพอร์ทัลเพลงเจ๋งๆ ขนาดใหญ่ตั้งอยู่ ที่นี่.