วาดภาพด้วยส่วนต่างๆ ของร่างกายคุณเอง งานศิลปะจากสิ่งสกปรกบนรถยนต์ การวาดภาพด้วยส่วนของร่างกาย

วิจิตรศิลป์เกิดขึ้นพร้อมกับอารยธรรมของมนุษย์ แต่เราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าศิลปินโบราณที่ตกแต่งผนังถ้ำด้วยภาพวาดไม่สามารถจินตนาการได้ว่าศิลปะรูปแบบใดจะใช้เวลาหลายพันปีต่อมา

1. อนามอร์โฟซิส

Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพที่สามารถเข้าใจได้อย่างครบถ้วนจากจุดหรือมุมที่เฉพาะเจาะจงเท่านั้น ในบางกรณี ภาพปกติจะปรากฏขึ้นเฉพาะเมื่อคุณดูภาพผ่านกระจกเท่านั้น ตัวอย่างแรกสุดที่รู้จักกันของ anamorphosis คือผลงานบางชิ้นของ Leonardo da Vinci ย้อนหลังไปถึงศตวรรษที่ 15

ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ของรูปแบบศิลปะนี้ปรากฏในช่วงยุคเรอเนซองส์ รวมถึงภาพวาด The Ambassadors ของ Hans Holbein the Younger และจิตรกรรมฝาผนังของ Andrea Pozzo บนโดมของโบสถ์ Sant'Ignazio ในโรม ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา เทคนิคของ anamorphosis ได้พัฒนาไป และตอนนี้คุณจะพบทั้งภาพ 3 มิติบนกระดาษและศิลปะบนท้องถนนที่เลียนแบบรูในผนังหรือรอยแตกบนพื้น ความหลากหลายที่น่าสนใจเป็นพิเศษ ของสไตล์นี้เป็นการพิมพ์แบบอะนามอร์ฟิก

ตัวอย่างคือผลงานของนักศึกษาออกแบบกราฟิก Joseph Egan และ Hunter Thompson ซึ่งตกแต่งโถงทางเดินในวิทยาลัยด้วยข้อความที่บิดเบี้ยวซึ่งกลายเป็นข้อความเมื่อมองจากจุดหนึ่ง

2. ภาพเสมือนจริง

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 กระแสโฟโตเรียลลิสต์ได้ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งพยายามสร้างภาพที่สมจริงอย่างน่าทึ่งจนแยกไม่ออกจากภาพถ่าย พวกเขาคัดลอกแม้แต่รายละเอียดที่เล็กที่สุดจากภาพถ่ายเพื่อสร้างภาพวาดของตนเอง นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวที่เรียกว่าซูเปอร์เรียลลิสม์หรือไฮเปอร์เรียลลิสม์ ซึ่งไม่เพียงแต่ครอบคลุมการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประติมากรรมด้วย เขาค่อนข้างได้รับอิทธิพล ศิลปะป๊อปสมัยใหม่วัฒนธรรม.

อย่างไรก็ตาม แม้ว่าศิลปะป๊อปอาร์ตไม่ได้ใช้ภาพเชิงพาณิชย์ แต่ภาพเสมือนจริงก็สื่อถึงชีวิตประจำวันได้อย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ชีวิตประจำวัน. ศิลปินนักถ่ายภาพเสมือนจริงที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtley, Chuck Close และประติมากร Duane Hanson

3. พ่นสีรถยนต์ที่สกปรก

การวาดรูปบนรถที่ไม่ได้ล้างมักไม่ถือเป็นการ ศิลปะชั้นสูงเนื่องจาก "ศิลปิน" ส่วนใหญ่ไม่ค่อยเขียนอะไรมากไปกว่า "wash me" แต่นักออกแบบชาวอเมริกันวัย 52 ปีชื่อ Scott Wade มีชื่อเสียงด้วยภาพวาดอันน่าทึ่งที่เขาสร้างขึ้นบนหน้าต่างรถยนต์ที่เต็มไปด้วยฝุ่นจากถนนเท็กซัส เดิมที Wade วาดภาพบนหน้าต่างรถด้วยมือหรือไม้ แต่ตอนนี้เขาใช้เครื่องมือและแปรงพิเศษ ผู้สร้างประเภทศิลปะที่แปลกตาได้เข้าร่วมในนิทรรศการศิลปะหลายงานแล้ว

4. การใช้ของเหลวในร่างกายในงานศิลปะ

อาจจะดูแปลก แต่ก็มีศิลปินจำนวนมากที่สร้างสรรค์ผลงานโดยใช้ของเหลวในร่างกาย ตัวอย่างเช่น ศิลปินชาวออสเตรีย Hermann Nitsch ใช้ปัสสาวะและเลือดสัตว์จำนวนมหาศาลในงานของเขา ศิลปินชาวบราซิล Vinicius Quesada เป็นที่รู้จักจากผลงานภาพวาดชุด Blood and Piss Blues ที่น่าสังเกตก็คือ Quezada ใช้งานได้ด้วยเลือดของเขาเองเท่านั้น ภาพวาดของเขาสร้างบรรยากาศที่มืดมนและเหนือจริง

5. การวาดภาพด้วยส่วนของร่างกาย

ใน เมื่อเร็วๆ นี้ความนิยมของศิลปินที่ใช้ชิ้นส่วนเพิ่มมากขึ้น ร่างกายของตัวเองสำหรับการวาดภาพ ตัวอย่างเช่น Tim Patch ซึ่งเป็นที่รู้จักในนามแฝง "Pricasso" (เพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินชาวสเปน, ปาโบล ปิกัสโซ) วาดด้วย... องคชาตของเขา นอกจากนี้ ศิลปินชาวออสเตรเลียวัย 65 ปีคนนี้ยังใช้ก้นและถุงอัณฑะเป็นแปรงเป็นประจำ แพทช์ทำงานประเภทนี้มามากกว่าสิบปีแล้ว และความนิยมของเขาก็เพิ่มขึ้นทุกปี

สิ่งที่ควรค่าแก่การจดจำคือ Kira Ain Warsedji ผู้ใช้หน้าอกของเธอในการวาดภาพบุคคลแนวนามธรรม Ani K. ผู้วาดภาพด้วยลิ้นของเธอ และ Stephen Marmer ครูในโรงเรียนที่วาดภาพด้วยบั้นท้ายของเธอ บางทีสิ่งที่แปลกประหลาดที่สุดของศิลปินเหล่านี้ก็คือ Morten Viskum ชาวนอร์เวย์ ซึ่งควรจะวาดภาพด้วยมือที่ถูกตัดขาด

6. การสร้างภาพสามมิติแบบผกผัน

ในขณะที่อะนามอร์โฟซิสมีเป้าหมายเพื่อทำให้วัตถุสองมิติมีลักษณะเป็นสามมิติ แต่การเรนเดอร์ 3 มิติแบบย้อนกลับมีจุดมุ่งหมายที่จะทำสิ่งที่ตรงกันข้าม นั่นคือทำให้วัตถุสามมิติดูเหมือนภาพวาดหรือภาพวาด ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในพื้นที่นี้คือ Alexa Mead จากลอสแองเจลิส เธอใช้ปลอดสารพิษ สีอะครีลิคเพื่อทำให้ผู้คนดูเหมือนภาพวาดสองมิติที่ไม่มีชีวิต ศิลปินยอดนิยมอีกคนคือ Cynthia Greig จากดีทรอยต์ Greig ต่างจาก Mead ตรงที่ใช้สิ่งของในครัวเรือนทั่วไปมากกว่าแบบจำลองที่มีชีวิต เธอคลุมด้วยสีขาวและ ถ่านเพื่อสร้างภาพลวงตาแห่งความไม่จริง

7. ศิลปะเงา

เงาเป็นสิ่งที่หายวับไปตามธรรมชาติ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะบอกว่าเมื่อใดที่ผู้คนเริ่มใช้เงาเหล่านั้นในงานศิลปะ ศิลปินร่วมสมัยได้รับความเชี่ยวชาญอันน่าทึ่งในการทำงานกับเงา พวกเขาจัดวางวัตถุต่าง ๆ ในลักษณะที่สร้างเงา ภาพที่สวยงามคน คำพูด หรือสิ่งของ เนื่องจากโดยปกติแล้วเงามักจะเกี่ยวข้องกับบางสิ่งที่ลึกลับหรือลึกลับ ศิลปินจำนวนมากจึงใช้ธีมแห่งความสยองขวัญหรือการทำลายล้างในผลงานของพวกเขา

8. กราฟฟิตีย้อนกลับ

เช่นเดียวกับการทาสีรถที่สกปรก ศิลปะของกราฟฟิตี้แบบย้อนกลับเกี่ยวข้องกับการสร้างภาพโดยการขจัดสิ่งสกปรกแทนที่จะเติมสี ศิลปินมักใช้สายยางฉีดน้ำเพื่อขจัดสิ่งสกปรกและคราบสกปรกออกจากผนังเพื่อสร้างผลงาน ภาพวาดที่น่าทึ่ง. การเคลื่อนไหวเกิดขึ้นขอบคุณ ศิลปินชาวอังกฤษพอล "มูส" เคอร์ติส ผู้วาดภาพบนผนังสีดำควันของร้านอาหารที่เขาล้างจานเมื่อสมัยยังเป็นวัยรุ่น เบ็น ลอง ศิลปินชาวอังกฤษอีกคน สร้างภาพวาดของเขาบนหลังกองคาราวาน โดยใช้นิ้วเพื่อขจัดสิ่งสกปรกออกจากควันไอเสีย

9. ศิลปะบนเรือนร่างภาพลวงตา

การเพ้นท์ร่างกายหรือศิลปะบนเรือนร่างมีมานานแล้ว แม้แต่ชาวมายันและชาวอียิปต์โบราณก็ลองใช้รูปแบบศิลปะนี้ดู ภาพลวงตาศิลปะบนเรือนร่างสมัยใหม่เกี่ยวข้องกับการทาสีร่างกายมนุษย์เพื่อให้กลมกลืนกับพื้นหลังโดยรอบหรือหลอกตาด้วยวิธีอื่น บางคนวาดภาพตัวเองให้ดูเหมือนสัตว์หรือรถยนต์ ในขณะที่บางคนใช้สีเพื่อสร้างภาพลวงตาของรูบนผิวหนัง

10. กราฟิกแบบเบา

น่าแปลกที่ความพยายามครั้งแรกในการวาดภาพด้วยแสงไม่ถือเป็นศิลปะเลย Frank และ Lillian Gilbreath (ตัวละครในนวนิยาย Cheaper by the Dozen) มีชื่อเสียงในการเพิ่มประสิทธิภาพการทำงานของคนงาน ในช่วงต้นปี 1914 พวกเขาเริ่มใช้แสงและกล้องโดยเปิดชัตเตอร์เพื่อบันทึกการเคลื่อนไหวของพนักงานแต่ละคน ด้วยการศึกษาภาพแสงที่เกิดขึ้น พวกเขาหวังว่าจะพบวิธีทำให้งานง่ายขึ้นและง่ายขึ้น เทคนิคนี้ถูกนำมาใช้ในโลกศิลปะในปี 1935 เมื่อ Man Ray ศิลปินแนวเหนือจริงใช้กล้องโดยเปิดชัตเตอร์เพื่อถ่ายภาพตัวเองที่รายล้อมไปด้วยลำแสง

หนึ่งในวิธีหลักที่เราคิด ส่งผลให้มีการศึกษามากที่สุด แนวคิดทั่วไปและการตัดสิน (นามธรรม) ในงานศิลปะมัณฑนศิลป์ นามธรรมคือกระบวนการจัดรูปแบบธรรมชาติให้มีสไตล์

ใน กิจกรรมทางศิลปะมีนามธรรมอยู่ตลอดเวลา ในการแสดงออกที่รุนแรงใน ศิลปกรรมมันนำไปสู่ความเป็นนามธรรม ทิศทางพิเศษในศิลปกรรมแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือการปฏิเสธที่จะพรรณนาวัตถุจริงลักษณะทั่วไปที่รุนแรงหรือการปฏิเสธรูปแบบโดยสมบูรณ์องค์ประกอบที่ไม่มีวัตถุประสงค์ (จากเส้นจุดจุดระนาบ ฯลฯ ) การทดลองด้วยสี การแสดงออกโดยธรรมชาติ โลกภายในศิลปินจิตใต้สำนึกของเขาในรูปแบบนามธรรมที่วุ่นวายและไม่เป็นระเบียบ (การแสดงออกทางนามธรรม) ทิศทางนี้รวมถึงภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซีย V. Kandinsky

ตัวแทนขบวนการบางส่วนใน ศิลปะนามธรรมสร้างโครงสร้างที่เรียงลำดับตามตรรกะสะท้อนการค้นหาการจัดระเบียบที่มีเหตุผลของรูปแบบในสถาปัตยกรรมและการออกแบบ (Suprematism ของจิตรกรชาวรัสเซีย K. Malevich, คอนสตรัคติวิสต์ ฯลฯ ) Abstractionism แสดงออกในประติมากรรมน้อยกว่าในการวาดภาพ

ศิลปะนามธรรมเป็นการตอบสนองต่อความไม่ลงรอยกันทั่วไปของโลกสมัยใหม่ และประสบความสำเร็จเพราะงานศิลปะได้ประกาศการปฏิเสธจิตสำนึกในงานศิลปะและเรียกร้องให้ "ยอมริเริ่มรูปแบบ สีสัน และสีสัน"

ความสมจริง

จากศ. ความสมจริงจาก lat. เรียลลิส - จริง ในศิลปะในความหมายกว้างๆ การสะท้อนความเป็นจริงที่เป็นกลางและครอบคลุมโดยใช้วิธีการเฉพาะที่มีอยู่ในประเภทของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

ลักษณะทั่วไปของวิธีการสมจริงคือความน่าเชื่อถือในการสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ในเวลาเดียวกัน ศิลปะที่สมจริงมีหลากหลายวิธีในการรับรู้ การสรุปทั่วไป ภาพสะท้อนทางศิลปะความเป็นจริง (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin ฯลฯ )

ศิลปะที่สมจริงแห่งศตวรรษที่ 20 ได้รับความสดใส ลักษณะประจำชาติและหลากหลายรูปแบบ ความสมจริงเป็นปรากฏการณ์ที่ตรงกันข้ามกับความทันสมัย

เปรี้ยวจี๊ด

จากศ. เปรี้ยว - ขั้นสูง จี๊ด - การปลด - แนวคิดที่กำหนดความพยายามเชิงทดลองและสมัยใหม่ในงานศิลปะ ในทุกยุคสมัย ปรากฏการณ์ทางนวัตกรรมเกิดขึ้นในวิจิตรศิลป์ แต่คำว่า "เปรี้ยวจี๊ด" ได้รับการจัดตั้งขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ในเวลานี้ กระแสนิยมเช่น Fauvism, Cubism, Futurism, Expressionism และ Abstractionism ปรากฏขึ้น จากนั้นในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 สถิตยศาสตร์ได้เข้าครอบครองตำแหน่งแนวหน้า ในยุค 60-70 มีการเพิ่มศิลปะนามธรรมประเภทใหม่ - รูปแบบต่างๆของการกระทำ, การทำงานร่วมกับวัตถุ (ศิลปะป๊อป), ศิลปะแนวความคิด, ภาพถ่ายสมจริง, จลนศาสตร์ ฯลฯ ศิลปินแนวหน้าแสดงความคิดสร้างสรรค์เป็นการประท้วงต่อต้านแบบดั้งเดิม วัฒนธรรม.

ในทุกทิศทางที่ล้ำหน้าแม้จะมีก็ตาม หลากหลายมากเราสามารถระบุคุณสมบัติทั่วไปได้: การปฏิเสธบรรทัดฐานของจินตภาพคลาสสิก ความแปลกใหม่ที่เป็นทางการ ความผิดปกติของรูปแบบ การแสดงออก และการเปลี่ยนแปลงที่สนุกสนานต่างๆ ทั้งหมดนี้นำไปสู่การทำให้ขอบเขตระหว่างศิลปะและความเป็นจริงไม่ชัดเจน (งานสำเร็จรูป งานจัดวาง และสิ่งแวดล้อม) ทำให้เกิดเป็นผลงานศิลปะแบบเปิดที่บุกรุกสิ่งแวดล้อมโดยตรงในอุดมคติ ศิลปะแนวหน้าได้รับการออกแบบมาเพื่อบทสนทนาระหว่างศิลปินและผู้ชม ปฏิสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับงานศิลปะ การมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ (เช่น ศิลปะจลน์ศาสตร์ เหตุการณ์ต่างๆ ฯลฯ)

ผลงานของขบวนการแนวหน้าบางครั้งสูญเสียต้นกำเนิดของภาพและถูกบรรจุด้วยวัตถุของความเป็นจริงโดยรอบ ทิศทางที่ทันสมัยแนวหน้ามีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด ทำให้เกิดงานศิลปะสังเคราะห์รูปแบบใหม่

ใต้ดิน

ภาษาอังกฤษ ใต้ดิน - ใต้ดินดันเจี้ยน แนวคิดที่หมายถึงวัฒนธรรม "ใต้ดิน" ที่ขัดแย้งกับขนบธรรมเนียมและข้อจำกัดของวัฒนธรรมดั้งเดิม นิทรรศการของศิลปินในขบวนการดังกล่าวมักไม่ได้จัดขึ้นในร้านเสริมสวยและแกลเลอรี แต่จัดโดยตรงบนพื้นดินตลอดจนในทางเดินใต้ดินหรือรถไฟใต้ดิน ซึ่งในหลายประเทศเรียกว่าใต้ดิน (รถไฟใต้ดิน) อาจจะ, สถานการณ์นี้ยังมีอิทธิพลต่อความจริงที่ว่าทิศทางนี้ในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ชื่อนี้ได้ถูกก่อตั้งขึ้น

ในรัสเซีย แนวคิดเรื่องใต้ดินได้กลายเป็นสัญลักษณ์สำหรับชุมชนศิลปินที่เป็นตัวแทนงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการ

สถิตยศาสตร์

คุณพ่อ สถิตยศาสตร์ - สุดยอดความสมจริง ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 พัฒนาขึ้นในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 หลังจากที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสตามความคิดริเริ่มของนักเขียน A. Breton ในไม่ช้าสถิตยศาสตร์ก็กลายเป็นกระแสสากล นักสถิตยศาสตร์เชื่อว่าพลังงานสร้างสรรค์มาจากขอบเขตของจิตใต้สำนึกซึ่งปรากฏออกมาในระหว่างการนอนหลับ การสะกดจิต ความเพ้ออันเจ็บปวด การหยั่งรู้อย่างฉับพลัน การกระทำอัตโนมัติ ( เดินแบบสุ่มดินสอบนกระดาษ ฯลฯ)

ศิลปินแนวเซอร์เรียลิสต์ ต่างจากนักนามธรรมนิยมตรงที่ไม่ปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงวัตถุในชีวิตจริง แต่นำเสนอสิ่งเหล่านั้นในความสับสนวุ่นวาย โดยจงใจปราศจากความสัมพันธ์เชิงตรรกะ การขาดความหมาย การปฏิเสธการสะท้อนความเป็นจริงอย่างสมเหตุสมผลเป็นหลักการพื้นฐานของศิลปะแห่งสถิตยศาสตร์ เกี่ยวกับการแยกจาก ชีวิตจริงชื่อของทิศทางนั้นพูดได้: "sur" ในภาษาฝรั่งเศส "เหนือ"; ศิลปินไม่ได้แสร้งทำเป็นว่าสะท้อนความเป็นจริง แต่วางผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขาไว้ "เหนือ" ความสมจริงโดยส่งผ่านจินตนาการที่หลงผิดไปเป็นงานศิลปะ ใช่เป็นจำนวน ภาพวาดเหนือจริงรวมถึงผลงานที่คล้ายกันและอธิบายไม่ได้ของ M. Ernst, J. Miró, I. Tanguy รวมถึงวัตถุที่ประมวลผลโดยนักสถิตยศาสตร์ที่เกินกว่าจะจดจำได้ (M. Oppenheim)

การเคลื่อนไหวเหนือจริงซึ่งนำโดย S. Dali มีพื้นฐานมาจากความแม่นยำลวงตาในการสร้างภาพที่ไม่จริงซึ่งเกิดขึ้นในจิตใต้สำนึก ภาพวาดของเขามีความโดดเด่นด้วยลักษณะการวาดภาพที่ระมัดระวัง การแสดงแสงและเงาที่แม่นยำ มุมมอง ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับ จิตรกรรมเชิงวิชาการ. ผู้ชมที่ยอมจำนนต่อความโน้มน้าวใจของการวาดภาพลวงตาถูกดึงดูดเข้าไปในเขาวงกตของการหลอกลวงและความลึกลับที่แก้ไม่ได้: วัตถุแข็งแพร่กระจาย, วัตถุหนาแน่นกลายเป็นโปร่งใส, วัตถุที่เข้ากันไม่ได้บิดเบี้ยวและเปิดออก, ปริมาตรมหาศาลได้รับความไร้น้ำหนักและทั้งหมดนี้สร้างภาพที่เป็นไปไม่ได้ ในความเป็นจริง.

ข้อเท็จจริงนี้เป็นที่รู้จักกัน ครั้งหนึ่งในนิทรรศการ ผู้ชมยืนเป็นเวลานานต่อหน้าผลงานของ S. Dali โดยเพ่งดูอย่างระมัดระวังและพยายามเข้าใจความหมาย ในที่สุดด้วยความสิ้นหวังอย่างยิ่ง เขาพูดเสียงดัง: “ฉันไม่เข้าใจว่านี่หมายถึงอะไร!” S. Dali ซึ่งอยู่ในนิทรรศการได้ยินเสียงอัศเจรีย์ของผู้ชม “คุณจะเข้าใจความหมายของสิ่งนี้ได้อย่างไรถ้าฉันไม่เข้าใจตัวเอง” ศิลปินกล่าวโดยแสดงหลักการพื้นฐานของศิลปะเหนือจริง: วาดภาพโดยไม่ต้องคิด ไม่ไตร่ตรอง ละทิ้งเหตุผลและตรรกะ

นิทรรศการผลงานของนักสถิตยศาสตร์มักจะมาพร้อมกับเรื่องอื้อฉาว: ผู้ชมไม่พอใจกับภาพวาดที่ไร้สาระและเข้าใจยากและเชื่อว่าพวกเขาถูกหลอกและลึกลับ พวกเซอร์เรียลลิสต์ตำหนิผู้ชม โดยประกาศว่าพวกเขาล้าหลังและยังไม่โตพอที่จะตามทันผลงานของศิลปิน "ขั้นสูง"

คุณสมบัติทั่วไปของศิลปะแห่งสถิตยศาสตร์คือจินตนาการที่ไร้สาระ, alogism, การผสมผสานของรูปแบบที่ขัดแย้งกัน, ความไม่แน่นอนของการมองเห็น, ความแปรปรวนของภาพ ศิลปินหันมาเลียนแบบศิลปะดึกดำบรรพ์ ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก และผู้ป่วยทางจิต

ศิลปินของขบวนการนี้ต้องการสร้างความเป็นจริงบนผืนผ้าใบที่ไม่ได้สะท้อนความเป็นจริงที่แนะนำโดยจิตใต้สำนึก แต่ในทางปฏิบัติสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการสร้างภาพที่น่ารังเกียจทางพยาธิวิทยา การผสมผสานและศิลปที่ไร้ค่า (เยอรมัน - ศิลปที่ไร้ค่า; การผลิตจำนวนมากราคาถูกและไร้รสชาติได้รับการออกแบบ เพื่อผลภายนอก)

การค้นพบเหนือจริงบางส่วนถูกนำมาใช้ในพื้นที่เชิงพาณิชย์ ศิลปะการตกแต่ง, ตัวอย่างเช่น ภาพลวงตาช่วยให้คุณเห็นภาพหรือฉากที่แตกต่างกันสองภาพในภาพเดียวขึ้นอยู่กับทิศทางการรับชม

ผลงานของนักสถิตยศาสตร์ทำให้เกิดความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนที่สุดและสามารถระบุได้ในการรับรู้ของเราด้วยความชั่วร้าย นิมิตที่น่ากลัวและความฝันอันงดงาม ความรุนแรง ความสิ้นหวัง - ความรู้สึกเหล่านี้อยู่ในนั้น ตัวเลือกต่างๆปรากฏในผลงานของนักสถิตยศาสตร์ซึ่งมีอิทธิพลต่อผู้ชมอย่างแข็งขัน ความไร้สาระของงานสถิตยศาสตร์ส่งผลกระทบต่อจินตนาการและจิตใจที่เชื่อมโยงกัน

สถิตยศาสตร์เป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะที่มีการถกเถียงกัน บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมที่ก้าวหน้าอย่างแท้จริงหลายคนโดยตระหนักว่ากระแสนี้กำลังทำลายงานศิลปะ ต่อมาได้ละทิ้งมุมมองเหนือจริง (ศิลปิน P. Picasso, P. Klee และคนอื่น ๆ กวี F. Lorca, P. Neruda, ผู้กำกับชาวสเปน L. Buñuel ผู้สร้างภาพยนตร์เหนือจริง ) . ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 สถิตยศาสตร์ถูกแทนที่ด้วยทิศทางใหม่ที่โดดเด่นยิ่งกว่าของสมัยใหม่ แต่ก็แปลกประหลาด ส่วนใหญ่ผลงานที่น่าเกลียดและไร้ความหมายของนักสถิตยศาสตร์ยังคงเต็มห้องในพิพิธภัณฑ์

สมัยใหม่

คุณพ่อ ความทันสมัยจากภาษาละติน modernus - ใหม่ทันสมัย การกำหนดแบบรวมสำหรับแนวโน้ม ทิศทาง โรงเรียน และกิจกรรมล่าสุดทั้งหมดของปรมาจารย์ด้านศิลปะแต่ละบุคคลแห่งศตวรรษที่ 20 โดยฝ่าฝืนประเพณี ความสมจริง และพิจารณาการทดลองเป็นพื้นฐาน วิธีการสร้างสรรค์(ลัทธิโฟวิสม์, ลัทธิการแสดงออก, ลัทธิคิวบิสม์, ลัทธิอนาคตนิยม, ลัทธินามธรรม, ลัทธิดาดานิยม, สถิตยศาสตร์, ศิลปะป๊อป, ศิลปะทางเลือก, ศิลปะจลน์ศาสตร์, ลัทธิเหนือจริง ฯลฯ ) ลัทธิสมัยใหม่มีความหมายใกล้เคียงกับความเปรี้ยวจี๊ดและตรงข้ามกับลัทธิวิชาการ ลัทธิสมัยใหม่ได้รับการประเมินในเชิงลบโดยนักวิจารณ์ศิลปะโซเวียตว่า ปรากฏการณ์วิกฤติวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ศิลปะมีอิสระในการเลือกมัน เส้นทางประวัติศาสตร์. ความขัดแย้งของสมัยใหม่จะต้องได้รับการพิจารณาไม่คงที่ แต่ในพลวัตทางประวัติศาสตร์

ศิลปะป๊อป

ภาษาอังกฤษ ศิลปะป๊อป,จากศิลปะยอดนิยม-ศิลปะยอดนิยม ขบวนการทางศิลปะในยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950 ความมั่งคั่งของศิลปะป๊อปเกิดขึ้นในยุค 60 ที่ปั่นป่วน เมื่อการจลาจลของเยาวชนปะทุขึ้นในหลายประเทศของยุโรปและอเมริกา ขบวนการเยาวชนไม่มีเป้าหมายเดียว - เป็นอันหนึ่งอันเดียวกันด้วยความน่าสมเพชของการปฏิเสธ

คนหนุ่มสาวพร้อมที่จะละทิ้งวัฒนธรรมในอดีตทั้งหมด ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ

ลักษณะเด่นของศิลปะป๊อปอาร์ตคือการผสมผสานระหว่างความท้าทายและความเฉยเมย ทุกสิ่งทุกอย่างล้วนมีค่าเท่ากันหรือไม่มีค่าพอๆ กัน สวยงามพอๆ กันหรือน่าเกลียดพอๆ กัน มีค่าพอๆ กันหรือไม่มีค่าพอๆ กัน บางทีเท่านั้น ธุรกิจโฆษณาบนพื้นฐานทัศนคติที่เฉยเมยและเชิงธุรกิจแบบเดียวกันต่อทุกสิ่งในโลก ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การโฆษณามีอิทธิพลอย่างมากต่อป๊อปอาร์ตและตัวแทนหลายคนทำงานและทำงานในศูนย์โฆษณา ผู้สร้างโปรแกรมโฆษณาและการแสดงสามารถตัดเป็นชิ้น ๆ และรวมเข้าด้วยกันตามที่ต้องการ ผงซักฟอกและ ผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงศิลปะ, ยาสีฟันและความทรงจำของบาค ศิลปะป๊อปก็ทำเช่นเดียวกัน

แรงจูงใจ วัฒนธรรมสมัยนิยมใช้ประโยชน์จากศิลปะป๊อปในรูปแบบต่างๆ แนะนำเข้าสู่ภาพผ่านภาพตัดปะหรือรูปถ่าย วัตถุจริงตามกฎแล้วในชุดค่าผสมที่ไม่คาดคิดหรือไร้สาระโดยสิ้นเชิง (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton) การวาดภาพสามารถเลียนแบบเทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพและเทคนิคป้ายโฆษณาได้ รูปภาพในหนังสือการ์ตูนสามารถขยายให้มีขนาดเท่ากับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (R. Lichtenstein) ประติมากรรมสามารถใช้ร่วมกับหุ่นจำลองได้ ตัวอย่างเช่น ศิลปิน K. Oldenburg สร้างความคล้ายคลึงกันของโมเดลการแสดงผล ผลิตภัณฑ์อาหารขนาดใหญ่ที่ทำจากวัสดุที่ผิดปกติ

มักไม่มีขอบเขตระหว่างประติมากรรมและจิตรกรรม งานศิลปะป๊อปอาร์ตไม่เพียงแต่มีสามมิติเท่านั้น แต่ยังเต็มไปทั่วทั้งห้องนิทรรศการอีกด้วย เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงดังกล่าว ภาพต้นฉบับของวัตถุวัฒนธรรมมวลชนจึงถูกเปลี่ยนแปลงและรับรู้แตกต่างไปจากสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันโดยสิ้นเชิง

หมวดหมู่หลักของศิลปะป๊อปไม่ใช่ภาพศิลปะ แต่เป็น "การกำหนด" ซึ่งช่วยลดขั้นตอนของผู้เขียนในการสร้างกระบวนการที่มนุษย์สร้างขึ้นโดยแสดงให้เห็นบางสิ่งบางอย่าง (M. Duchamp) กระบวนการนี้ถูกนำมาใช้โดยมีวัตถุประสงค์เพื่อขยายแนวความคิดทางศิลปะให้ครอบคลุมถึงกิจกรรมที่ไม่ใช่ศิลปะ ซึ่งเป็น "ทางออก" ของศิลปะสู่สาขาวัฒนธรรมมวลชน ศิลปินป๊อปอาร์ตเป็นผู้ริเริ่มรูปแบบต่างๆ เช่น เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น การจัดวางวัตถุ สภาพแวดล้อม และรูปแบบอื่นๆ แนวความคิดศิลปะ. การเคลื่อนไหวที่คล้ายกัน: ใต้ดิน, ไฮเปอร์เรียลลิซึม, ศิลปะทางเลือก, สำเร็จรูป ฯลฯ

ศิลปะปฏิบัติการ

ภาษาอังกฤษ ศิลปะสหกรณ์ย่อ จากศิลปะออพติคอล - ศิลปะออพติคอล ความเคลื่อนไหวทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ที่แพร่หลายในทศวรรษ 1960 ศิลปิน Op art นำไปใช้งานต่างๆ ภาพลวงตาขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของตัวเลขแบนและเชิงพื้นที่ ผลกระทบของการเคลื่อนไหวเชิงพื้นที่ การรวม และการลอยตัวของรูปแบบเกิดขึ้นได้โดยการแนะนำจังหวะซ้ำๆ สีที่คมชัดและคอนทราสต์ของโทนสี การตัดกันของโครงสร้างแบบเกลียวและโครงตาข่าย และเส้นที่บิดเบี้ยว ในศิลปะปฏิบัติการ การติดตั้งโครงสร้างแสงและไดนามิกที่เปลี่ยนแปลงมักจะถูกนำมาใช้ (จะอธิบายเพิ่มเติมในหัวข้อจลน์ศาสตร์) ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวที่ลื่นไหล การเปลี่ยนแปลงของภาพตามลำดับ รูปแบบที่ไม่เสถียรและจัดเรียงใหม่อย่างต่อเนื่องจะปรากฏในศิลปะปฏิบัติการในการรับรู้ของผู้ชมเท่านั้น ทิศทางยังคงเป็นสายเทคนิคของสมัยใหม่

ศิลปะจลนศาสตร์

จากกรัม kinetikos - กำลังเคลื่อนไหว การเคลื่อนไหวในศิลปะร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับการใช้โครงสร้างที่เคลื่อนไหวและองค์ประกอบแบบไดนามิกอื่นๆ อย่างกว้างขวาง จลนศาสตร์เป็น ทิศทางที่เป็นอิสระก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของปี 1950 แต่นำหน้าด้วยการทดลองในการสร้างงานศิลปะพลาสติกแบบไดนามิกในคอนสตรัคติวิสต์ของรัสเซีย (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko) และ Dadaism

ก่อนหน้านี้ ศิลปท้องถิ่นยังแสดงตัวอย่างสิ่งของและของเล่นที่เคลื่อนไหวได้ เช่น นกไม้แห่งความสุขจากภูมิภาค Arkhangelsk ของเล่นกลไกจำลองกระบวนการทำงานจากหมู่บ้าน Bogorodskoye เป็นต้น

ในศิลปะจลน์ศาสตร์ การเคลื่อนไหวถูกนำมาใช้ในรูปแบบที่แตกต่างกัน ผลงานบางชิ้นได้รับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกโดยตัวผู้ชมเอง บางชิ้นได้รับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกโดยการสั่นสะเทือนของอากาศ และงานอื่นๆ ขับเคลื่อนด้วยมอเตอร์หรือแรงแม่เหล็กไฟฟ้า ความหลากหลายของวัสดุที่ใช้ไม่มีที่สิ้นสุด - ตั้งแต่แบบดั้งเดิมไปจนถึงแบบล้ำสมัย วิธีการทางเทคนิคไปจนถึงคอมพิวเตอร์และเลเซอร์ กระจกเงามักใช้ในองค์ประกอบทางจลน์

ในหลายกรณี ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวถูกสร้างขึ้นโดยการเปลี่ยนแสง - ที่นี่จลนศาสตร์มาบรรจบกับศิลปะทางเลือก เทคนิคจลนศาสตร์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการจัดงานนิทรรศการ งานแสดงสินค้า ดิสโก้ และในการออกแบบจัตุรัส สวนสาธารณะ และการตกแต่งภายในสาธารณะ

ลัทธิจลน์นิยมมุ่งมั่นในการสังเคราะห์ศิลปะ: การเคลื่อนไหวของวัตถุในอวกาศสามารถเสริมด้วยเอฟเฟกต์แสง เสียง ดนตรีประกอบแสง ภาพยนตร์ ฯลฯ
เทคนิคศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด)

ไฮเปอร์เรียลลิสม์

ภาษาอังกฤษ เหนือจริง ความเคลื่อนไหวด้านจิตรกรรมและประติมากรรมที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและกลายเป็นงานวิจิตรศิลป์ระดับโลกในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 20

อีกชื่อหนึ่งสำหรับไฮเปอร์เรียลลิสม์คือความสมจริงด้วยแสง

ศิลปินในขบวนการนี้เลียนแบบภาพถ่ายโดยใช้วิธีจิตรกรบนผืนผ้าใบ พวกเขาวาดภาพโลก เมืองที่ทันสมัย: หน้าต่างร้านค้าและร้านอาหาร สถานีรถไฟใต้ดินและสัญญาณไฟจราจร อาคารที่พักอาศัย และผู้คนที่สัญจรไปมาบนท้องถนน โดยที่ เอาใจใส่เป็นพิเศษใช้กับพื้นผิวมันเงาที่สะท้อนแสง: แก้ว พลาสติก น้ำยาขัดเงารถ ฯลฯ การเล่นการสะท้อนบนพื้นผิวดังกล่าวสร้างความประทับใจของการแทรกซึมของช่องว่าง

เป้าหมายของนักไฮเปอร์เรียลลิสท์คือการพรรณนาโลกที่ไม่ใช่แค่ความจริงเท่านั้น แต่ยังมีความคล้ายคลึงและเหนือจริงอีกด้วย พวกเขาใช้สำหรับสิ่งนี้ วิธีการทางกลคัดลอกภาพถ่ายและขยายให้มีขนาดเท่ากับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (การฉายภาพสไลด์และตารางมาตราส่วน) ตามกฎแล้วสีจะถูกพ่นด้วยแอร์บรัชเพื่อรักษาคุณสมบัติทั้งหมดของภาพที่ถ่ายและไม่รวมการแสดงลายมือของศิลปินแต่ละคน

นอกจากนี้ผู้เยี่ยมชมนิทรรศการในบริเวณนี้สามารถพบกันได้ที่ห้องโถง ร่างมนุษย์ทำจากวัสดุโพลีเมอร์สมัยใหม่ขนาดเท่าของจริง แต่งกายด้วยชุดสำเร็จรูปและทาสีในลักษณะที่แยกไม่ออกจากผู้ชมโดยสิ้นเชิง สิ่งนี้ทำให้เกิดความสับสนและทำให้ผู้คนตกใจมาก

ภาพเสมือนจริงถูกกำหนดให้เป็นหน้าที่ในการทำให้การรับรู้ของเราในชีวิตประจำวันคมชัดขึ้นเพื่อเป็นสัญลักษณ์ สภาพแวดล้อมที่ทันสมัยสะท้อนถึงยุคสมัยของเราในรูปแบบ “เทคนิค” ที่แพร่หลายอย่างแม่นยำในยุคก้าวหน้าทางเทคนิคของเรา แก้ไขและเปิดเผยความทันสมัย ​​ซ่อนอารมณ์ของผู้เขียน ความสมจริงของแสงในงานโปรแกรมพบว่าตัวเองอยู่บนพรมแดน ทัศนศิลป์และเกือบจะก้าวข้ามไปเพราะเขาพยายามแข่งขันกับชีวิตนั่นเอง

สำเร็จรูป

ภาษาอังกฤษ พร้อมทำ - พร้อม หนึ่งในเทคนิคทั่วไปของงานศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด) ซึ่งประกอบด้วยความจริงที่ว่าวัตถุที่ผลิตทางอุตสาหกรรมถูกนำออกจากสภาพแวดล้อมตามปกติในชีวิตประจำวันและจัดแสดงใน ห้องโถงนิทรรศการ.

ความหมายของสิ่งสำเร็จรูปคือ: เมื่อสภาพแวดล้อมเปลี่ยนแปลง การรับรู้ของวัตถุก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ผู้ชมมองเห็นวัตถุที่แสดงบนแท่นไม่ใช่สิ่งที่มีประโยชน์ แต่เป็นวัตถุทางศิลปะ การแสดงออกของรูปแบบและสี ชื่อ Readymade ถูกใช้ครั้งแรกในปี 1913-1917 โดย M. Duchamp โดยเกี่ยวข้องกับ "วัตถุสำเร็จรูป" ของเขา (หวี ล้อจักรยาน เครื่องเป่าขวด) ในยุค 60 ศิลปะสำเร็จรูปเริ่มแพร่หลายในงานศิลปะแนวหน้าหลายแขนง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศาสนาดาดา

การติดตั้ง

จากอังกฤษ การติดตั้ง-การติดตั้ง องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่สร้างโดยศิลปินจากองค์ประกอบต่างๆ - ของใช้ในครัวเรือนผลิตภัณฑ์และวัสดุอุตสาหกรรม วัตถุธรรมชาติ ข้อความหรือข้อมูลภาพ ผู้ก่อตั้งสถานที่จัดวางนี้คือ Dadaist M. Duchamp และนักสถิตยศาสตร์ ด้วยการสร้างสรรค์สิ่งธรรมดาๆ ที่ผสมผสานกันอย่างแปลกประหลาด ศิลปินจึงให้ความหมายเชิงสัญลักษณ์ใหม่แก่พวกเขา เนื้อหาที่สวยงามของการติดตั้งในเกม ความหมายเชิงความหมายซึ่งเปลี่ยนแปลงไปตามตำแหน่งของสิ่งของ - ในสภาพแวดล้อมปกติในชีวิตประจำวันหรือในห้องนิทรรศการ การติดตั้งนี้สร้างขึ้นโดยศิลปินแนวหน้าหลายคน R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov

การจัดวางเป็นรูปแบบศิลปะที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 20

สิ่งแวดล้อม

ภาษาอังกฤษ สิ่งแวดล้อม - สภาพแวดล้อม, สิ่งแวดล้อม องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่ครอบคลุมซึ่งโอบรับผู้ชมราวกับสภาพแวดล้อมจริง เป็นหนึ่งในรูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแนวหน้าในยุค 60 และ 70 ประติมากรรมโดย D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg และ D. Hanson สร้างสรรค์สภาพแวดล้อมที่เป็นธรรมชาติซึ่งเลียนแบบการตกแต่งภายในด้วยร่างมนุษย์ การทำซ้ำความเป็นจริงดังกล่าวอาจรวมถึงองค์ประกอบของนิยายภาพลวงตาด้วย สภาพแวดล้อมอีกประเภทหนึ่งคือพื้นที่เล่นที่เกี่ยวข้องกับการกระทำบางอย่างของผู้ชม

กำลังเกิดขึ้น

ภาษาอังกฤษ เกิดขึ้น - เกิดขึ้นเกิดขึ้น ลัทธิแอ็คชั่นประเภทหนึ่ง ซึ่งพบได้ทั่วไปในศิลปะแนวหน้าในยุค 60 และ 70 เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นพัฒนาเป็นเหตุการณ์ที่กระตุ้นมากกว่าการจัดระเบียบ แต่ผู้ริเริ่มการกระทำจำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับผู้ชมด้วย เหตุการณ์เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 โดยเป็นรูปแบบหนึ่งของโรงละคร ในอนาคต ศิลปินส่วนใหญ่มักจัดกิจกรรมโดยตรงในสภาพแวดล้อมในเมืองหรือในธรรมชาติ

พวกเขาถือว่าแบบฟอร์มนี้เป็นงานที่เคลื่อนไหวซึ่งสภาพแวดล้อมและวัตถุมีบทบาทไม่น้อยไปกว่าผู้เข้าร่วมที่ยังมีชีวิตอยู่ในการกระทำ

การกระทำที่เกิดขึ้นกระตุ้นให้เกิดเสรีภาพของผู้เข้าร่วมแต่ละคนและการยักย้ายวัตถุ การกระทำทั้งหมดจะพัฒนาตามโปรแกรมที่วางแผนไว้ล่วงหน้า ซึ่งการด้นสดนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งจะช่วยระบายแรงกระตุ้นต่างๆ ที่เกิดขึ้นโดยไม่รู้ตัว เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นอาจรวมถึงองค์ประกอบของอารมณ์ขันและนิทานพื้นบ้าน เหตุการณ์ดังกล่าวแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความปรารถนาของลัทธิเปรี้ยวจี๊ดที่จะผสานศิลปะเข้ากับกระแสแห่งชีวิต

และสุดท้ายคือมุมมองที่ล้ำหน้าที่สุด ศิลปะร่วมสมัย- ซุปเปอร์แฟลต

ซุปเปอร์แฟลต

Superflat เป็นคำที่คิดค้นโดยศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น Takashi Murakami

คำว่า Superflat ถูกสร้างขึ้นเพื่ออธิบายภาษาภาพใหม่ที่ใช้โดยคนรุ่นใหม่ ศิลปินญี่ปุ่นเช่น ทาคาชิ มูราคามิ: “ฉันคิดถึงความเป็นจริง ภาพวาดของญี่ปุ่นและการวาดภาพและความแตกต่างอย่างไร ศิลปะตะวันตก. สำหรับญี่ปุ่น ความรู้สึกเรียบเป็นสิ่งสำคัญ วัฒนธรรมของเราไม่มีรูปแบบสามมิติ รูปแบบ 2 มิติที่สร้างขึ้นในการวาดภาพประวัติศาสตร์ของญี่ปุ่นนั้นคล้ายคลึงกับภาษาภาพที่เรียบง่ายและเรียบๆ ของแอนิเมชั่น การ์ตูน และการออกแบบกราฟิกสมัยใหม่"

ศิลปินในสมัยก่อนแทบจะจินตนาการไม่ออกว่าศิลปะสมัยใหม่จะมีรูปแบบแปลก ๆ อย่างไร

และสิ่งนี้มีรูปแบบดังต่อไปนี้:

1. อนามอร์โฟซิสศิลปะสมัยใหม่ประเภทนี้เกี่ยวข้องกับเทคนิคการเป็นตัวแทนที่สามารถเข้าใจได้อย่างถ่องแท้เมื่อมองด้วยเท่านั้น สถานที่เฉพาะหรือต่ำกว่า มุมหนึ่ง. ภาพวาดบางชิ้นสามารถมองเห็นได้ด้วยการมองในกระจกเท่านั้น รูปแบบศิลปะนี้ปรากฏขึ้นในสมัยของเลโอนาร์โด ดา วินชี (ศตวรรษที่ 15)
ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา anamorphosis ได้พัฒนามา รูปแบบที่ทันสมัยดูเหมือนศิลปะบนท้องถนน ด้วยการวาดภาพประเภทนี้ ศิลปินจะเลียนแบบรอยแตกบนพื้นหรือรูบนกำแพงจริงๆ

ผลงานของอิตวาน โอรอสซ์

2. ภาพเหมือนจริงศิลปะประเภทนี้มีต้นกำเนิดในช่วงทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ผ่านมา และศิลปินพยายามที่จะทำซ้ำเช่นนี้ ภาพที่สมจริงซึ่งก็ไม่ต่างไปจากรูปถ่าย รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ที่กล้องจับได้ทำให้เกิด “ภาพแห่งชีวิต” นักวิจารณ์มีมุมมองที่หลากหลายเกี่ยวกับความสมจริงของภาพถ่าย โดยบางคนเชื่อว่าการผลิตงานศิลปะเชิงกลไกมีความสำคัญมากกว่าแนวคิดและสไตล์

3. ภาพวาดบนรถสกปรกผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะรูปแบบนี้ไม่ได้พยายามที่จะพรรณนา รถสกปรกคำจารึกซ้ำซาก "ล้างฉัน" ผู้เชี่ยวชาญใช้แปรงและแปรงพิเศษในการทำงาน ในด้านนี้ Scott Wade คนที่ 52 (นักออกแบบกราฟิก) ถือเป็นปรมาจารย์ชั้นนำ เขาสร้างสรรค์การออกแบบที่แปลกใหม่และน่าทึ่งมากมายโดยใช้เพียงสิ่งสกปรกบนกระจกรถ อย่างไรก็ตาม เขาเริ่มต้นด้วยการใช้ชั้นฝุ่นบนถนนเท็กซัสเป็นผืนผ้าใบ ที่นั่นเขาวาดภาพล้อเลียนโดยใช้กิ่งไม้เล็กๆ และนิ้วของเขาเอง
ปัจจุบัน เวดได้รับเชิญให้โฆษณาผลิตภัณฑ์ของเขาตามองค์กรขนาดใหญ่และนิทรรศการศิลปะ

งานศิลปะโดยสก็อตต์ เวด

4. การใช้ของเหลวในร่างกายในการผลิตงานศิลปะนี่เป็นเรื่องแปลกโดยธรรมชาติ แต่ศิลปินหลายคนใช้ของเหลวในร่างกายในผลงานของพวกเขา ใดๆ ผู้มีการศึกษาฉันได้ยินเกี่ยวกับเรื่องนี้ แต่ 100% สิ่งที่เขาได้ยินเป็นเพียง "ยอดภูเขาน้ำแข็งอันไม่พึงประสงค์"
ตัวอย่างเช่น Hermann Nitsch ศิลปินชาวออสเตรีย ใช้ปัสสาวะหรือเลือดวัวในการทำงาน การเสพติดเหล่านี้เริ่มเกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองเมื่อตอนที่เขายังเป็นเด็ก และตอนนี้ ด้วยความหลงใหลในงานศิลปะรูปแบบแปลกตา เขาจึงถูกนำตัวเข้ารับโทษหลายครั้ง
ศิลปินชาวบราซิล Vinicius Quesada ใช้เพียงเลือดของตัวเองในผลงานของเขา โดยไม่ต้องใช้เลือดสัตว์ ภาพวาดของเขามีเฉดสีเขียว เหลือง และแดงที่ดูเศร้าๆ และมีบรรยากาศที่มืดมนเหนือจริง

Hermann Nitsch และผลงานของเขา

5. วาดภาพด้วยร่างกายของคุณเองในงานศิลปะร่วมสมัย ไม่เพียงแต่ศิลปินที่ใช้ของเหลวในร่างกายของตนเองในการผลิตภาพวาดเท่านั้นที่ได้รับความนิยม อาจารย์ที่วาดภาพโดยใช้ร่างกายค่อนข้างมีชื่อเสียงและเป็นที่ต้องการ
Kira Ain Varseji สร้างภาพบุคคลแบบนามธรรมโดยใช้หน้าอกของเธอ เธอถูกวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างมากเกี่ยวกับเรื่องนี้ อย่างไรก็ตามผู้หญิงคนนี้เป็นศิลปินที่เต็มเปี่ยมซึ่งทำงานตามรูปแบบคลาสสิกโดยใช้สีและแปรง
มีอีกไหม ศิลปินแปลก ๆซึ่งแทนที่จะใช้แปรงวาดภาพกลับใช้ส่วนต่างๆ ของร่างกายที่ไม่ได้มีวัตถุประสงค์เพื่อการนี้ ตัวอย่างเช่น Ani K. - วาดด้วยลิ้นของเธอและ Stephen Marmer ( ครูโรงเรียน) - วาดด้วยบั้นท้าย

“อานิ เค อยู่ที่ทำงาน”

6. ภาพสามมิติที่สุด ศิลปินชื่อดังในบริเวณนี้มี Mid Alexa ปรมาจารย์แห่งลอสแอนเจลิส ผลงานของเขาใช้สีอะครีลิคปลอดสารพิษ จึงทำให้ผู้ช่วยของเขาดูเหมือนภาพวาดสองมิติที่ไม่มีชีวิตชีวา มี้ดนำเสนออุปกรณ์ของเขาต่อสาธารณชนในปี 2552 บุคคลสำคัญอีกประการหนึ่งในสาขานี้คือศิลปินและช่างภาพชาวดีทรอยต์ Cynthia Greig เธอใช้สิ่งของธรรมดาๆ ในชีวิตประจำวันมากกว่าผู้คนในงานศิลปะของเธอ เธอคลุมด้วยสีขาวหรือถ่าน ทำให้สิ่งต่างๆ ดูแบนและเป็นสองมิติจากภายนอก

หนึ่งในผลงานของ Alexa Meade

7. ศิลปะและเงาไม่เป็นที่ทราบแน่ชัดว่าเมื่อใดที่มนุษยชาติเริ่มใช้เงาในงานศิลปะ แต่ถึงแม้จะมีทุกอย่าง ศิลปินสมัยใหม่ก็ยังมีความโดดเด่นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ปรมาจารย์ใช้เงาเพื่อวางตำแหน่งวัตถุต่างๆ และแม้กระทั่งสร้างภาพเงาของคำ วัตถุ และผู้คน
ศิลปะเงามีชื่อเสียงที่น่าขนลุกเล็กน้อย อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ได้ป้องกัน "ศิลปินเงา" จากการใช้สไตล์นี้เพื่อพัฒนาธีมของการทำลายล้าง ความเสื่อมโทรม และความสยองขวัญ

ผลงานของศิลปิน Teodosio Aurea

8. "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ"รูปแบบศิลปะนี้เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ภาพวาดโดยการขจัดสิ่งสกปรก แต่ไม่ต้องเติมสี บ่อยครั้งที่ศิลปินใช้เครื่องซักผ้าเพื่อขจัดสิ่งสกปรกออกจากด้านหน้าบ้านพร้อมทั้งสร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่สวยงาม ประเภทนี้ศิลปะถือเป็นข้อขัดแย้งในหมู่สาธารณชน ซึ่งเป็นสาเหตุที่ผู้คนที่มีส่วนร่วมใน "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ" มักจะปะทะกับตำรวจอยู่ตลอดเวลา

งานศิลปะโดยศิลปินมูส

9. ภาพลวงตาศิลปะบนเรือนร่างมนุษยชาติได้วาดภาพบนร่างกายอย่างแท้จริงตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง ทั้งชาวมายันและชาวอียิปต์โบราณต่างฝึกฝนศิลปะบนเรือนร่าง ศิลปะประเภทนี้เกี่ยวข้องกับการใช้ร่างกายมนุษย์เป็นผืนผ้าใบในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่สามารถทำได้ มุมที่แตกต่างกันหลอกลวงผู้สังเกตการณ์ ภาพลวงตาบนร่างกายอาจอยู่ในรูปของบาดแผล รถยนต์ หรือสัตว์ก็ได้ ฮิคารุ โช ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่น มีชื่อเสียงจากการวาดตัวการ์ตูนบนร่างกายมนุษย์

งานศิลปะโดย ฮิคารุ โช

10. การวาดภาพด้วยแสงเริ่มใช้การวาดภาพด้วยแสงในปี พ.ศ. 2457 เพื่อวัตถุประสงค์ในทางปฏิบัติ - ฝ่ายบริหารบันทึกการเคลื่อนไหวของคนงานในการผลิต หลังจากประมวลผลข้อมูลแล้ว พนักงานก็ลาออกหรือมองหาวิธีในการหาวิธีที่ง่ายกว่าสำหรับพนักงานในการทำงาน

ในปี 1935 Man Ray ศิลปินแนวเซอร์เรียลลิสต์ใช้กล้องโดยเปิดชัตเตอร์เพื่อถ่ายภาพตัวเองยืนอยู่ท่ามกลางแสงไฟ เป็นเวลานานมากแล้วที่ไม่มีใครเดาได้ว่าภาพนี้มีลอนแสงแบบใด เฉพาะในปี 2552 เท่านั้นขอบคุณ ความก้าวหน้าทางเทคนิคเห็นได้ชัดว่าสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่การหยิกแบบสุ่ม แต่เป็นภาพสะท้อนของลายเซ็นของศิลปิน

ศิลปะร่วมสมัยมักเรียกกันว่าศิลปะทุกชนิด การเคลื่อนไหวทางศิลปะซึ่งพัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงคราม มันเป็นช่องทางที่สอนผู้คนให้ฝันและสร้างสรรค์ความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง

เบื่อหน่ายกับพันธนาการของกฎเกณฑ์อันโหดร้ายในอดีต ศิลปินรุ่นเยาว์จึงตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวทางปฏิบัติใหม่ๆ ที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อน ตรงกันข้ามกับความทันสมัย ​​พวกเขาหันไปใช้วิธีใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของตน ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของตัวเองมาก กิจกรรมสร้างสรรค์. ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบการทำงานที่กำหนดไว้นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่

ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? เราสามารถบรรลุงานศิลปะที่แท้จริงได้โดยวิธีใด? นักแนวคิดและนักมินิมอลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า “ถ้าศิลปะเป็นได้ทุกอย่าง มันก็จะเป็นอะไรก็ได้ไม่ได้” สำหรับพวกเขาการจากไปจากปกติ ทัศนศิลป์ส่งผลให้เกิดเหตุการณ์ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ ลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 คืออะไร? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ

กราฟิกสามมิติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 มีชื่อเสียงในด้านกราฟิก 3 มิติ ด้วยการพัฒนา เทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ศิลปินได้เข้าถึงวิธีการใหม่ๆ ในการสร้างงานศิลปะของตน สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากคุณพิจารณารูปแบบศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพ 3 มิติดูเหมือนจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านค่ะ อย่างแท้จริงคำนี้. ใช้เพื่อสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนยางมะตอย

กราฟิก 3 มิติเคลื่อนตัวไปตามท้องถนนเมื่อหลายสิบปีก่อน และยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบสตรีทอาร์ตที่สำคัญที่สุดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติใน “ภาพวาด” ของตนที่สามารถทำให้ตื่นตาตื่นใจกับความสมจริงได้ ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ มากมายสร้างสรรค์งานศิลปะที่สามารถทำให้ทุกคนประหลาดใจได้

ศิลปะบนท้องถนนในศตวรรษที่ 21

สมัยก่อนอาชีพคนรวยเยอะมาก เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกปกคลุมไปด้วยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งการเข้าถึงของผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัดถูกปฏิเสธ เห็นได้ชัดว่าพลังอันมหาศาลของเขาไม่สามารถอ่อนระทวยไปตลอดกาลภายในอาคารที่อับชื้นได้ ตอนนั้นเองที่มันออกไปสู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของเราไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกทุกอย่างจะไม่ง่ายนัก

ไม่ใช่ทุกคนที่พอใจกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่เลวร้าย บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะใส่ใจกับการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลยังคงเติบโตและพัฒนาต่อไป

ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง เนื่องจากมีรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งสตรีทอาร์ตจึงแยกแยะได้ยากจากการก่อกวน

ทุกอย่างเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะบนท้องถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และจูลิโอ 204 และทากิ 183 ก็ทำให้เขามีชีวิตอยู่และทิ้งจารึกไว้ สถานที่ที่แตกต่างกันพื้นที่ของคุณแล้วจึงขยายพื้นที่จำหน่าย คนอื่นๆ ตัดสินใจแข่งขันกับพวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของความสนุก ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้แห่งความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีการดั้งเดิมเพื่อสร้างชื่อเสียงให้กับตนเองและผู้อื่น

ในปี 1981 ศิลปะข้างถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat ช่วยเขาในเรื่องนี้ เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตี้กลุ่มแรกๆ ในปารีส เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนูซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้าง ผู้เขียนสังเกตว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรคำว่า หนู (rat) ใหม่แล้ว ผลลัพธ์ที่ได้คือศิลปะ (art) Blek เคยกล่าวไว้ว่า "หนูเป็นสัตว์อิสระเพียงชนิดเดียวในปารีสที่แพร่กระจายไปทุกที่ เช่นเดียวกับสตรีทอาร์ต"

มีชื่อเสียงที่สุด ศิลปินข้างถนนคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าเป็นอาจารย์หลักของเขา ผลงานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถเงียบทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ลายฉลุ เขาเผยให้เห็นสังคมยุคใหม่ด้วยความชั่วร้าย แบงก์ซี่มีสไตล์ดั้งเดิมที่ช่วยให้เขาสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมมากยิ่งขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือตัวตนของ Banksy ยังคงปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาเกี่ยวกับตัวตนของศิลปินได้

ในขณะเดียวกัน Street Art ก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อถูกผลักไสให้เคลื่อนไหวตามขอบถนน ศิลปะบนท้องถนนได้ขึ้นสู่เวทีการประมูลแล้ว ผลงานของศิลปินถูกขายไปในราคามหาศาลโดยผู้ที่ครั้งหนึ่งเคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา นี่คืออะไร พลังแห่งชีวิตแห่งศิลปะหรือกระแสหลัก?

แบบฟอร์ม

ปัจจุบันมีการจัดแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายประการ ทบทวนรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะถูกนำเสนอต่อความสนใจของคุณด้านล่าง

สำเร็จรูป

คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษ แปลว่า "พร้อม" โดยพื้นฐานแล้วเป้าหมาย ทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างวัตถุใดๆ แนวคิดหลักในที่นี้ก็คือ การรับรู้ของบุคคลต่อวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ ผู้ก่อตั้งขบวนการคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “น้ำพุ” ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นและวันที่

อะนามอร์โฟส

Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมหนึ่งเท่านั้น หนึ่งใน ตัวแทนที่โดดเด่นการเคลื่อนไหวนี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้อะไรก็ตามที่อยู่ในมือ ด้วยทักษะของเขา เขาจึงสามารถสร้างสรรค์ผลงานได้ ผลงานที่น่าทึ่งซึ่งมองเห็นได้เพียงบางมุมเท่านั้น

ของเหลวชีวภาพในงานศิลปะ

การเคลื่อนไหวที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพที่วาดด้วยของเหลวของมนุษย์ ผู้ติดตามรูปแบบศิลปะสมัยใหม่นี้มักจะใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น แฮร์มันน์ นิตช์ ใช้เลือดและปัสสาวะจากสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดในวัยเด็กที่ยากลำบากในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง

ภาพวาดแห่งศตวรรษที่ XX-XXI

ประวัติโดยย่อของการวาดภาพประกอบด้วยข้อมูลที่กลายเป็นช่วงปลายศตวรรษที่ 20 จุดเริ่มสำหรับศิลปินชื่อดังมากมายในยุคของเรา ในอาการหนัก ปีหลังสงครามทรงกลมได้ประสบกับการเกิดใหม่แล้ว ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ๆ ของความสามารถของตน

ลัทธิสุพรีมาติสต์

Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นวิธีชำระล้างงานศิลปะจากสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ด้วยการละทิ้งวิธีการถ่ายทอดภาพแบบเดิมๆ ศิลปินจึงแสวงหาที่จะปลดปล่อยงานศิลปะจากศิลปะที่พิเศษกว่านั้น งานที่สำคัญที่สุดใน ประเภทนี้ทำหน้าที่เป็น "Black Square" อันโด่งดังโดย Malevich

ศิลปะป๊อป

ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงคราม สังคมเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงระดับโลก ตอนนี้ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคได้กลายเป็น ส่วนที่สำคัญที่สุดชีวิต. ผู้คนเริ่มถูกยกระดับให้เป็นลัทธิ และสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และผู้ติดตามขบวนการคนอื่นๆ พยายามใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา

ลัทธิแห่งอนาคต

ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของการเคลื่อนไหวนี้คือความปรารถนาที่จะมีสิ่งใหม่การทำลายกรอบของอดีต ศิลปินบรรยายถึงความปรารถนานี้โดยใช้เทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด กระแส การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของลัทธิแห่งอนาคต ที่สุด ตัวแทนที่มีชื่อเสียงลัทธิแห่งอนาคตคือ Marinetti, Severini, Carra

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ไหลลื่นจากศิลปะใต้ดินที่ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์แห่งยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะของตน ประเทศใหม่. ในเวลานี้ ลัทธิแอ็คชั่นนิยมของมอสโกได้ถือกำเนิดขึ้น ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ของมัน การทำลายขอบเขต (ตามตัวอักษรและ เปรียบเปรยคำพูด) ทำให้เราสามารถพรรณนาถึงทัศนคติได้ คนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 กลายเป็นศิลปะที่แสดงออก น่ากลัว และน่าตกใจ แบบที่สังคมปิดตัวเองมานานแล้ว การกระทำของ Anatoly Osmolovsky (“ Mayakovsky - Osmolovsky”, “ ต่อต้านทุกคน”, “ สิ่งกีดขวางบน Bolshaya Nikitskaya”), การเคลื่อนไหว“ ETI” (“ ข้อความ ETI”), Oleg Kulik (“ Piglet แจกของขวัญ”, “ Mad Dog หรือข้อห้ามสุดท้าย” ซึ่งได้รับการปกป้องโดย Cerberus ผู้โดดเดี่ยว”) Avdey Ter-Oganyan (“ศิลปะป๊อป”) ได้เปลี่ยนประวัติศาสตร์ของศิลปะสมัยใหม่ไปตลอดกาล

รุ่นใหม่

Slava PTRK เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg บางคนอาจนึกถึงงานของเขาโดย Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยเฉพาะกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "ดินแดนแห่งโอกาส" ศิลปินสร้างคำจารึกจากไม้ค้ำยันบนอาคารโรงพยาบาลร้างในเยคาเตรินเบิร์ก สลาวาซื้อไม้ค้ำยันจากชาวเมืองที่เคยใช้มัน ศิลปินประกาศการดำเนินการบนเพจของเขา เครือข่ายสังคมเพิ่มการอุทธรณ์ไปยังเพื่อนร่วมชาติ

พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย

บางทีครั้งหนึ่งงานศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 อาจดูเหมือนเป็นสื่อกลาง แต่ทุกวันนี้ทุกอย่าง ผู้คนมากขึ้นมุ่งมั่นที่จะเข้าร่วมสาขาศิลปะใหม่ ทั้งหมด พิพิธภัณฑ์เพิ่มเติมเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กเป็นเจ้าของสถิติในสาขาศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่นี่ซึ่งเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในโลก

ห้องแรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali และ Warhol ประการที่สองคือพิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารอยู่ติดกับผลงานของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย

ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิช่วยให้คุณสัมผัสวัตถุที่จัดแสดงได้ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประหลาดใจด้วยสถาปัตยกรรมที่แปลกตาและผลงานของศิลปินร่วมสมัย พิพิธภัณฑ์ Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่จัดแสดงคอลเลกชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich เมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะร่วมสมัยจำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนาจัดแสดงผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยผู้มากความสามารถคนอื่นๆ

ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับเข้าใจยากน่าหลงใหลได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาลไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยไปพร้อมๆ กัน ศิลปะแห่งความทันสมัยเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาทำให้บุคคลที่รีบร้อนอยู่ตลอดเวลาหยุดชั่วขณะหนึ่ง หยุดจดจำความรู้สึกที่อยู่ลึกข้างใน หยุดเร่งฝีเท้าอีกครั้งและเร่งรีบเข้าสู่วังวนของเหตุการณ์และเหตุการณ์ต่างๆ

ศิลปะถูกสร้างขึ้นเพื่อสร้างความสุข ความประหลาดใจ และบางครั้งก็ทำให้สาธารณชนตกใจ

คนที่มีความคิดสร้างสรรค์มักจะคลั่งไคล้อยู่เสมอ จินตนาการของพวกเขาไม่มีขีดจำกัด ก่อนที่คุณจะเป็นงานศิลปะร่วมสมัยประเภทที่แปลกที่สุด

1. Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพที่สามารถเข้าใจได้อย่างครบถ้วนจากจุดหรือมุมเฉพาะเท่านั้น ในบางกรณี ภาพปกติจะปรากฏขึ้นเฉพาะเมื่อคุณดูภาพผ่านกระจกเท่านั้น ตัวอย่างแรกสุดที่รู้จักกันของ anamorphosis คือผลงานบางชิ้นของ Leonardo da Vinci ย้อนหลังไปถึงศตวรรษที่ 15

2. ภาพเสมือนจริง ขบวนการโฟโตเรียลลิสต์เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษ 1960 ผู้สร้างพยายามที่จะสร้างภาพที่สมจริงอย่างน่าทึ่งซึ่งไม่ต่างจากภาพถ่าย พวกเขาคัดลอกแม้แต่รายละเอียดที่เล็กที่สุดจากภาพถ่ายเพื่อสร้างภาพวาดของตนเอง นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวที่เรียกว่าซูเปอร์เรียลลิสม์หรือไฮเปอร์เรียลลิสม์ ซึ่งไม่เพียงแต่ครอบคลุมการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประติมากรรมด้วย เขาค่อนข้างได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมป๊อปอาร์ตสมัยใหม่

3. พ่นสีรถยนต์ที่สกปรก การวาดภาพบนรถที่ไม่ได้ล้างมักไม่ถือเป็นศิลปะชั้นสูง เนื่องจาก "ศิลปิน" ส่วนใหญ่ไม่ค่อยเขียนอะไรมากไปกว่า "ล้างฉัน" แต่นักออกแบบชาวอเมริกันวัย 52 ปีชื่อ Scott Wade มีชื่อเสียงด้วยภาพวาดอันน่าทึ่งที่เขาสร้างขึ้นบนหน้าต่างรถยนต์ที่เต็มไปด้วยฝุ่นจากถนนเท็กซัส เดิมที Wade วาดภาพบนหน้าต่างรถด้วยมือหรือไม้ แต่ตอนนี้เขาใช้เครื่องมือและแปรงพิเศษ

4. การใช้ของเหลวในร่างกายในงานศิลปะ อาจจะดูแปลก แต่ก็มีศิลปินจำนวนมากที่สร้างสรรค์ผลงานโดยใช้ของเหลวในร่างกาย ตัวอย่างเช่น ศิลปินชาวออสเตรีย Hermann Nitsch ใช้ปัสสาวะและเลือดสัตว์จำนวนมหาศาลในงานของเขา ศิลปินชาวบราซิล Vinicius Quesada เป็นที่รู้จักจากผลงานภาพวาดชุด “Blood and Piss Blues” ที่น่าสังเกตก็คือ Quezada ใช้งานได้ด้วยเลือดของเขาเองเท่านั้น ภาพวาดของเขาสร้างบรรยากาศที่มืดมนและเหนือจริง

5. การวาดภาพด้วยส่วนของร่างกาย เมื่อเร็ว ๆ นี้ ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในหมู่ศิลปินที่ใช้ส่วนต่างๆ ของร่างกายตนเองในการวาดภาพ ตัวอย่างเช่น Tim Patch ซึ่งเป็นที่รู้จักในนามแฝง “Pricasso” (เพื่อเป็นเกียรติแก่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ชาวสเปน Pablo Picasso) วาดภาพด้วย... อวัยวะสืบพันธุ์ของเขา นอกจากนี้ ศิลปินชาวออสเตรเลียวัย 65 ปียังใช้บั้นท้ายและถุงอัณฑะเป็นแปรงเป็นประจำ แพทช์ทำงานประเภทนี้มามากกว่าสิบปีแล้วและความนิยมของเขาก็มีเพิ่มขึ้นทุกปี

6. การสร้างภาพสามมิติแบบผกผัน ในขณะที่ศิลปินใช้อะนามอร์โฟซิสเพื่อทำให้วัตถุสองมิติดูเป็นสามมิติ แต่การเรนเดอร์ 3 มิติแบบย้อนกลับได้รับการออกแบบมาให้ทำตรงกันข้าม นั่นคือทำให้วัตถุสามมิติดูเหมือนภาพวาดหรือภาพวาด ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในพื้นที่นี้คือ Alexa Mead จากลอสแองเจลิส เธอใช้สีอะครีลิคปลอดสารพิษเพื่อทำให้ผู้คนดูเหมือนภาพวาดสองมิติที่ไม่มีชีวิต

7. ศิลปะเงา เงาเป็นสิ่งที่หายวับไปตามธรรมชาติ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะบอกว่าเมื่อใดที่ผู้คนเริ่มใช้เงาเหล่านั้นในงานศิลปะ ศิลปินสมัยใหม่มีทักษะที่น่าทึ่งในการทำงานกับเงา พวกเขาจัดวางวัตถุต่างๆ ในลักษณะที่เงาของมันสร้างภาพที่สวยงามของบุคคล คำพูด หรือวัตถุ เนื่องจากโดยปกติแล้วเงามักจะเกี่ยวข้องกับบางสิ่งที่ลึกลับหรือลึกลับ ศิลปินจำนวนมากจึงใช้ธีมแห่งความสยองขวัญหรือการทำลายล้างในผลงานของพวกเขา

8. กราฟฟิตีย้อนกลับ เช่นเดียวกับการทาสีรถที่สกปรก ศิลปะของกราฟฟิตี้แบบย้อนกลับเกี่ยวข้องกับการสร้างภาพโดยการขจัดสิ่งสกปรกแทนที่จะเติมสี ศิลปินมักใช้สายยางฉีดน้ำเพื่อขจัดสิ่งสกปรกและคราบสกปรกจากท่อไอเสียออกจากผนัง ทำให้เกิดผลงานภาพวาดที่น่าทึ่ง การเคลื่อนไหวนี้ถือกำเนิดขึ้นโดยศิลปินชาวอังกฤษ Paul “Moose” Curtis ผู้วาดภาพบนผนังสีดำควันของร้านอาหารที่เขาล้างจานสมัยเป็นวัยรุ่น เบ็น ลอง ศิลปินชาวอังกฤษอีกคน สร้างภาพวาดของเขาบนหลังกองคาราวาน โดยใช้นิ้วเพื่อขจัดสิ่งสกปรกออกจากควันไอเสีย