ปัจจุบัน ภาพวาดร่วมสมัยได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ดังนั้นจึงเป็นที่รู้จักไม่เพียงแต่จากแนวโน้มที่จะขยายขอบเขตและสำรวจวิธีการแสดงออกแบบใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงยอดขายที่สูงเป็นประวัติการณ์ในตลาดศิลปะร่วมสมัยในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา นอกจากนี้ ศิลปินจากเกือบทั่วทุกมุมโลก ตั้งแต่อเมริกาไปจนถึงเอเชีย ต่างก็เพลิดเพลินกับความสำเร็จ ต่อไป คุณจะพบว่าชื่อของใครเป็นตัวแทนของภาพวาดร่วมสมัยที่ดีที่สุดในโลก เขาคือใคร ศิลปินร่วมสมัยที่แพงที่สุด และใครที่ขาดชื่อนี้
ศิลปินร่วมสมัยที่แพงที่สุด
ในบรรดาชื่อมากมายของภาพวาดสมัยใหม่ ภาพวาดของศิลปินบางคนเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ในบรรดาภาพวาดที่แพงที่สุดนั้นเป็นของ Jean-Michel Basquiat ศิลปินแนวนีโอเอ็กซ์เพรสชันนิสต์และกราฟฟิตีชื่อดังซึ่งเสียชีวิตเมื่ออายุ 27 ปี ในรายชื่อของเรา คุณจะเห็นเฉพาะศิลปินผู้มั่งคั่งเจ็ดคนแรกที่ยังมีชีวิตอยู่จนถึงทุกวันนี้
บริซ มาร์เดน
ผลงานของนักเขียนชาวอเมริกันคนนี้ค่อนข้างยากที่จะจำแนกและนำไปสู่ขบวนการทางศิลปะชิ้นเดียว แม้ว่าเขามักจะถูกจัดว่าเป็นตัวแทนของความเรียบง่ายหรือนามธรรมก็ตาม แต่แตกต่างจากศิลปินในรูปแบบเหล่านี้ ซึ่งดูเหมือนภาพวาดไม่เคยถูกแตะต้องมาก่อน ภาพวาดสมัยใหม่ของ Marden ยังคงรักษาลายเส้นมีดสีและร่องรอยอื่น ๆ ของผลงานของเขา หนึ่งในผู้ที่มีอิทธิพลต่อผลงานของเขาถือเป็นศิลปินร่วมสมัยอีกคนหนึ่งคือ Jasper Johns ซึ่งคุณจะเห็นชื่อในภายหลัง
เจิ้ง ฟานจือ
ศิลปินร่วมสมัยคนนี้เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญในวงการศิลปะจีนในปัจจุบัน เป็นผลงานของเขาที่เรียกว่า "The Last Supper" ซึ่งสร้างจากผลงานอันโด่งดังของ Leonardo da Vinci ซึ่งขายได้ในราคา 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐและกลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดที่ภาพวาดเอเชียสมัยใหม่สามารถอวดได้ ผลงานที่มีชื่อเสียงอีกอย่างคือผลงานของศิลปิน "Self-Portrait", อันมีค่า "Hospital" และภาพวาดจากซีรีส์ "Masks"
ในยุค 90 สไตล์การวาดภาพของเขามักจะมีการเปลี่ยนแปลงและในที่สุดก็เปลี่ยนจากการแสดงออกไปสู่สัญลักษณ์
ปีเตอร์ ด็อก
Peter Doig เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวสก็อตที่มีชื่อเสียงระดับนานาชาติ ซึ่งผลงานของเขาเต็มไปด้วยธีมของความสมจริงที่มีมนต์ขลัง ผลงานหลายชิ้นของเขามีแนวโน้มที่จะทำให้ผู้ชมสับสน แม้ว่าจะเป็นภาพที่เป็นที่รู้จัก เช่น ตัวเลข ต้นไม้ และอาคารก็ตาม
ในปี 2558 ภาพวาดของเขา "Swamped" สามารถทำลายสถิติและกลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดโดยศิลปินร่วมสมัยจากสกอตแลนด์โดยถูกขายทอดตลาดในราคา 25.9 ล้าน ภาพวาดของ Doig "The Architect's House in the Hollow", "White Canoe", "Reflection", "Roadside Diner" และอื่นๆ ก็ได้รับความนิยมเช่นกัน
คริสโตเฟอร์ วูล
ในงานของเขา ศิลปินร่วมสมัย คริสโตเฟอร์ วูล สำรวจแนวคิดหลังแนวความคิดต่างๆ ภาพวาดร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปินคือบล็อกตัวอักษรที่แสดงเป็นสีดำบนพื้นผ้าใบสีขาว
ภาพวาดของศิลปินร่วมสมัยดังกล่าวก่อให้เกิดความขัดแย้งและความไม่พอใจอย่างมากในหมู่ผู้ที่นับถือภาพวาดแบบดั้งเดิม แต่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งผลงานชิ้นหนึ่งของ Wool "Apocalypse" ทำให้เขามีรายได้ 26 ล้านเหรียญ วูลไม่ได้คิดนานเกี่ยวกับชื่อภาพเขียน แต่ตั้งชื่อตามคำจารึก: "Blue Fool", "Trouble" ฯลฯ
แจสเปอร์ จอห์น
ศิลปินร่วมสมัย Jasper Johns เป็นที่รู้จักจากทัศนคติที่ดื้อรั้นต่อ Abstract Expressionism ซึ่งครอบงำวงการจิตรกรรมในช่วงแรกของอาชีพศิลปิน นอกจากนี้เขาทำงานด้วยการสร้างผืนผ้าใบราคาแพงที่มีธง ป้ายทะเบียน ตัวเลข และสัญลักษณ์อื่นๆ ที่รู้จักกันดี ซึ่งมีความหมายที่ชัดเจนอยู่แล้วและไม่จำเป็นต้องถอดรหัส
อย่างไรก็ตาม ภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปินร่วมสมัย ได้แก่ ผลงานอเมริกัน "Flag" ซึ่งขายทอดตลาดในปี 2010 ในราคา 28 ล้านดอลลาร์ คุณสามารถดูผลงาน "Three Flags", "False Start", "จาก 0 ถึง 9", "Target with Four Faces" และอื่น ๆ อีกมากมาย
แกร์ฮาร์ด ริชเตอร์
ศิลปินสมัยใหม่จากประเทศเยอรมนีคนนี้ เช่นเดียวกับจิตรกรหลายคนในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขา ศึกษาการวาดภาพเชิงวิชาการที่เหมือนจริง แต่ต่อมาเริ่มสนใจงานศิลปะที่ก้าวหน้ามากขึ้น
ในงานของผู้เขียนเราสามารถเห็นอิทธิพลของขบวนการทางศิลปะมากมายของศตวรรษที่ 20 เช่นการแสดงออกทางนามธรรม ศิลปะป๊อป ศิลปะแบบเรียบง่าย และแนวความคิด แต่ในขณะเดียวกันริกเตอร์ก็ยังคงมีทัศนคติที่ไม่เชื่อต่อความเชื่อทางศิลปะและปรัชญาที่เป็นที่ยอมรับทั้งหมดโดยมีความมั่นใจ การวาดภาพสมัยใหม่คือพลวัตและการค้นหา ผลงานของศิลปิน ได้แก่ "ดินแดนแห่งทุ่งหญ้า", "การอ่าน", "1,024 สี", "กำแพง" ฯลฯ
เจฟฟ์ คูนส์
และสุดท้าย เขาอยู่ที่นี่ - ศิลปินร่วมสมัยที่แพงที่สุดในโลก Jeff Koons ชาวอเมริกันทำงานในสไตล์นีโอป๊อป และเป็นที่รู้จักจากความคิดสร้างสรรค์ที่ติดหู ไร้ค่า และท้าทาย
เขาเป็นที่รู้จักส่วนใหญ่ในฐานะผู้ประพันธ์งานประติมากรรมสมัยใหม่จำนวนมาก ซึ่งบางชิ้นก็จัดแสดงที่แวร์ซายส์ด้วย แต่ในบรรดาผลงานของศิลปินยังมีภาพวาดที่ผู้เชี่ยวชาญพิเศษยินดีจ่ายเงินหลายล้านดอลลาร์: "Bell of Liberty", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" และอื่น ๆ
เอาไปเองแล้วบอกเพื่อนของคุณ!
อ่านเพิ่มเติมบนเว็บไซต์ของเรา:
แสดงมากขึ้น
ศิลปะสมัยใหม่มักเรียกว่าการเคลื่อนไหวทางศิลปะทุกประเภทที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงคราม มันเป็นช่องทางที่สอนผู้คนให้ฝันและสร้างสรรค์ความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง
เบื่อหน่ายกับพันธนาการของกฎเกณฑ์อันโหดร้ายในอดีต ศิลปินรุ่นเยาว์จึงตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวทางปฏิบัติใหม่ๆ ที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อน ตรงกันข้ามกับความทันสมัย พวกเขาหันไปใช้วิธีใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของตน ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของกิจกรรมสร้างสรรค์นั่นเอง ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบการทำงานที่กำหนดไว้นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่
ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? เราสามารถบรรลุงานศิลปะที่แท้จริงได้โดยวิธีใด? นักแนวคิดและนักมินิมอลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า “ถ้าศิลปะเป็นได้ทุกอย่าง มันก็จะเป็นอะไรก็ได้ไม่ได้” สำหรับพวกเขา การละทิ้งวิถีทางการมองเห็นตามปกติส่งผลให้เกิดเหตุการณ์ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ ลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 คืออะไร? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ
กราฟิกสามมิติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 มีชื่อเสียงในด้านกราฟิก 3 มิติ ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินสามารถเข้าถึงวิธีการใหม่ในการสร้างงานศิลปะของตนเอง สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากคุณพิจารณารูปแบบศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพ 3 มิติดูเหมือนจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านตามความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ใช้เพื่อสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนยางมะตอย
กราฟิก 3 มิติเคลื่อนตัวไปตามท้องถนนเมื่อหลายสิบปีก่อน และยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบสตรีทอาร์ตที่สำคัญที่สุดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติใน “ภาพวาด” ของตนที่สามารถทำให้ตื่นตาตื่นใจกับความสมจริงได้ ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ มากมายสร้างสรรค์งานศิลปะที่สามารถทำให้ทุกคนประหลาดใจได้
ศิลปะบนท้องถนนในศตวรรษที่ 21
สมัยก่อนอาชีพคนรวยเยอะมาก เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกปกคลุมไปด้วยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งการเข้าถึงของผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัดถูกปฏิเสธ เห็นได้ชัดว่าพลังอันมหาศาลของเขาไม่สามารถอ่อนระทวยไปตลอดกาลภายในอาคารที่อับชื้นได้ ตอนนั้นเองที่มันออกไปสู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของเราไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกทุกอย่างจะไม่ง่ายนัก
ไม่ใช่ทุกคนที่พอใจกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่เลวร้าย บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะใส่ใจกับการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลยังคงเติบโตและพัฒนาต่อไป
ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง เนื่องจากมีรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งสตรีทอาร์ตจึงแยกแยะได้ยากจากการก่อกวน
ทุกอย่างเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะบนท้องถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และชีวิตของเขาได้รับการสนับสนุนจาก Julio 204 และ Taki 183 พวกเขาทิ้งจารึกไว้ในที่ต่าง ๆ ในพื้นที่ของตน จากนั้นจึงขยายพื้นที่จำหน่าย คนอื่นๆ ตัดสินใจแข่งขันกับพวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของความสนุก ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้แห่งความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีการดั้งเดิมเพื่อสร้างชื่อเสียงให้กับตนเองและผู้อื่น
ในปี 1981 ศิลปะบนท้องถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat ช่วยเขาในเรื่องนี้ เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตี้กลุ่มแรกๆ ในปารีส เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนูซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้าง ผู้เขียนสังเกตว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรคำว่า หนู (rat) ใหม่แล้ว ผลลัพธ์ที่ได้คือศิลปะ (art) Blek เคยกล่าวไว้ว่า "หนูเป็นสัตว์อิสระเพียงชนิดเดียวในปารีสที่แพร่กระจายไปทุกที่ เช่นเดียวกับสตรีทอาร์ต"
ศิลปินข้างถนนที่โด่งดังที่สุดคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าเป็นอาจารย์หลักของเขา ผลงานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถเงียบทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ลายฉลุ เขาเผยให้เห็นสังคมยุคใหม่ด้วยความชั่วร้าย แบงก์ซี่มีสไตล์ดั้งเดิมที่ช่วยให้เขาสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมมากยิ่งขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือตัวตนของ Banksy ยังคงปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาเกี่ยวกับตัวตนของศิลปินได้
ในขณะเดียวกัน Street Art ก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อถูกผลักไสให้เคลื่อนไหวตามขอบถนน ศิลปะบนท้องถนนได้ขึ้นสู่เวทีการประมูลแล้ว ผลงานของศิลปินถูกขายไปในราคามหาศาลโดยผู้ที่ครั้งหนึ่งเคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา นี่คืออะไร พลังแห่งชีวิตแห่งศิลปะหรือกระแสหลัก?
แบบฟอร์ม
ปัจจุบันมีการจัดแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายประการ ทบทวนรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะถูกนำเสนอต่อความสนใจของคุณด้านล่าง
สำเร็จรูป
คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษ แปลว่า "พร้อม" จริงๆ แล้ว เป้าหมายของทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างเนื้อหาใดๆ แนวคิดหลักในที่นี้ก็คือ การรับรู้ของบุคคลต่อวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ ผู้ก่อตั้งขบวนการคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “น้ำพุ” ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นและวันที่
อะนามอร์โฟส
Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมหนึ่งเท่านั้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของเทรนด์นี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้อะไรก็ตามที่อยู่ในมือ ด้วยทักษะของเขา เขาจึงสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งได้ ซึ่งสามารถมองเห็นได้จากมุมหนึ่งเท่านั้น
ของเหลวชีวภาพในงานศิลปะ
การเคลื่อนไหวที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพที่วาดด้วยของเหลวของมนุษย์ ผู้ติดตามรูปแบบศิลปะสมัยใหม่นี้มักจะใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น แฮร์มันน์ นิตช์ ใช้เลือดและปัสสาวะจากสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดในวัยเด็กที่ยากลำบากในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง
ภาพวาดแห่งศตวรรษที่ XX-XXI
ประวัติโดยย่อของการวาดภาพประกอบด้วยข้อมูลที่ปลายศตวรรษที่ 20 กลายเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนในยุคของเรา ในช่วงหลังสงครามอันยากลำบาก ทรงกลมแห่งนี้ได้ประสบกับการเกิดใหม่อีกครั้ง ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ๆ ของความสามารถของตน
ลัทธิสุพรีมาติสต์
Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นวิธีชำระล้างงานศิลปะจากสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ด้วยการละทิ้งวิธีการถ่ายทอดภาพแบบเดิมๆ ศิลปินจึงแสวงหาที่จะปลดปล่อยงานศิลปะจากศิลปะที่พิเศษกว่านั้น งานที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้คือ "Black Square" อันโด่งดังของ Malevich
ศิลปะป๊อป
ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงคราม สังคมเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงระดับโลก ตอนนี้ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคกลายเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของชีวิต ผู้คนเริ่มถูกยกระดับให้เป็นลัทธิ และสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และผู้ติดตามขบวนการคนอื่นๆ พยายามใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา
ลัทธิแห่งอนาคต
ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของการเคลื่อนไหวนี้คือความปรารถนาที่จะมีสิ่งใหม่การทำลายกรอบของอดีต ศิลปินบรรยายถึงความปรารถนานี้โดยใช้เทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด กระแส การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของลัทธิแห่งอนาคต ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิแห่งอนาคต ได้แก่ Marinetti, Severini, Carra
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ไหลลื่นจากศิลปะใต้ดินที่ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์ในยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะในประเทศใหม่ ในเวลานี้ ลัทธิแอ็คชั่นนิยมของมอสโกได้ถือกำเนิดขึ้น ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ของมัน การทำลายเขตแดน (ตามตัวอักษรและเชิงเปรียบเทียบ) ทำให้สามารถพรรณนาทัศนคติของคนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศได้ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 กลายเป็นศิลปะที่แสดงออก น่ากลัว และน่าตกใจ แบบที่สังคมปิดตัวเองมานานแล้ว การกระทำของ Anatoly Osmolovsky (“ Mayakovsky - Osmolovsky”, “ ต่อต้านทุกคน”, “ สิ่งกีดขวางบน Bolshaya Nikitskaya”), การเคลื่อนไหว“ ETI” (“ ข้อความ ETI”), Oleg Kulik (“ Piglet แจกของขวัญ”, “ Mad Dog หรือข้อห้ามสุดท้าย” ซึ่งได้รับการปกป้องโดย Cerberus ผู้โดดเดี่ยว”) Avdey Ter-Oganyan (“ศิลปะป๊อป”) ได้เปลี่ยนประวัติศาสตร์ของศิลปะสมัยใหม่ไปตลอดกาล
รุ่นใหม่
Slava PTRK เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg บางคนอาจนึกถึงงานของเขาโดย Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยเฉพาะกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "ดินแดนแห่งโอกาส" ศิลปินสร้างคำจารึกจากไม้ค้ำยันบนอาคารโรงพยาบาลร้างในเยคาเตรินเบิร์ก สลาวาซื้อไม้ค้ำยันจากชาวเมืองที่เคยใช้มัน ศิลปินได้ประกาศการกระทำดังกล่าวบนหน้าโซเชียลเน็ตเวิร์กของเขา ซึ่งเพิ่มความน่าดึงดูดใจให้กับเพื่อนร่วมชาติของเขา
พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย
บางที ครั้งหนึ่ง ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 อาจดูเหมือนเป็นสื่อกลาง แต่ในปัจจุบัน ผู้คนจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ต่างมุ่งมั่นที่จะเข้าร่วมในสาขาศิลปะใหม่ พิพิธภัณฑ์จำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ กำลังเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กเป็นเจ้าของสถิติในสาขาศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่นี่ซึ่งเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในโลก
ห้องแรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali และ Warhol ประการที่สองคือพิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารอยู่ติดกับผลงานของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย
ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิช่วยให้คุณสัมผัสวัตถุที่จัดแสดงได้ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประหลาดใจด้วยสถาปัตยกรรมที่แปลกตาและผลงานของศิลปินร่วมสมัย พิพิธภัณฑ์ Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่จัดแสดงคอลเลกชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich เมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะร่วมสมัยจำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนาจัดแสดงผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยผู้มากความสามารถคนอื่นๆ
ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับเข้าใจยากน่าหลงใหลได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาลไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยไปพร้อมๆ กัน ศิลปะแห่งความทันสมัยเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาทำให้บุคคลที่รีบร้อนอยู่ตลอดเวลาหยุดชั่วขณะหนึ่ง หยุดจดจำความรู้สึกที่อยู่ลึกข้างใน หยุดเร่งฝีเท้าอีกครั้งและเร่งรีบเข้าสู่วังวนของเหตุการณ์และเหตุการณ์ต่างๆ
"ภูมิทัศน์ถนนเบิร์ชโกรฟ" 120x100
มีดพาเลท สีน้ำมัน ผ้าใบ
คอนสแตนติน ลอริส-เมลิคอฟ
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21
—
สัตว์กินพืชทุกชนิด,
เหยียดหยาม, แดกดัน, ประชด, ประชาธิปไตย - เรียกว่าความเสื่อมถอยของยุคที่ยิ่งใหญ่
ลัทธิหลังสมัยใหม่อยู่ในสถานการณ์ที่มีการกล่าวทุกสิ่งทุกอย่างต่อหน้าพวกเขา และสิ่งที่พวกเขาต้องทำคือใช้สิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้น ผสมผสานสไตล์ สร้างสรรค์ แม้จะไม่ใช่เรื่องใหม่ แต่เป็นงานศิลปะที่เป็นที่รู้จัก...
ทิศทางที่สว่างที่สุด:
- ลัทธินีโอเรียลลิสม์;
- ศิลปะขั้นต่ำ;
- ยุคหลังสมัยใหม่;
- ไฮเปอร์เรียลลิสม์;
- การติดตั้ง;
- สิ่งแวดล้อม;
- วิดีโออาร์ต;
- กราฟฟิตี;
- ทรานส์อาวานการ์ด;
- ศิลปะบนเรือนร่าง;
- ติดขัด;
- นีโอพลาสติซึม;
- ศิลปะข้างถนน;
- จดหมายศิลปะ;
- ไม่มีศิลปะ
1. ลัทธินีออเรียลลิสม์
นี่คือศิลปะของอิตาลีหลังสงคราม ซึ่งต่อสู้กับการมองโลกในแง่ร้ายหลังสงคราม
แนวหน้าใหม่ของศิลปะยูไนเต็ด
นักนามธรรมและนักสัจนิยมและกินเวลาเพียง 4 ปี แต่จาก
ศิลปินชื่อดังออกมา: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
เทรคคานี่. พวกเขาพรรณนาถึงคนงานและชาวนาอย่างชัดเจนและชัดเจน
แนวโน้มที่คล้ายกันได้ปรากฏในที่อื่น ๆ
ประเทศต่างๆ แต่โรงเรียนที่โดดเด่นที่สุดก็ถือเป็นโรงเรียนแห่งลัทธินีโอเรียลลิสม์ซึ่ง
ปรากฏตัวในอเมริกาผ่านความพยายามของนักอนุรักษ์นิยมดิเอโกริเวรา
ดู: เรนาโต กัตตูโซ
จิตรกรรมฝาผนังโดย Diego Rivera - ทำเนียบประธานาธิบดี (เม็กซิโกซิตี้ เม็กซิโก)
รายละเอียดของจิตรกรรมฝาผนังของ Diego Rivera สำหรับโรงแรม Prado ในเม็กซิโกซิตี้ “ความฝันในวันอาทิตย์ใน Alameda Park” 1948
2. งานศิลปะขั้นต่ำ
นี่คือทิศทางของเปรี้ยวจี๊ด
ใช้รูปแบบที่เรียบง่ายและไม่รวมการเชื่อมโยงใดๆ
คาร์ล อังเดร, 1964
เทรนด์นี้ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในตอนท้าย
60s พวกมินิมอลลิสต์เรียก Marcel Duchamp ว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรง
(สำเร็จรูป), Piet Mondrian (neoplasticism) และ Kazimir Malevich
(Suprematism) เขาเรียกว่าจัตุรัสดำของเขาเป็นงานแรก
ศิลปะขั้นต่ำ
เรียบง่ายและเรขาคณิตมาก
องค์ประกอบที่ถูกต้อง - กล่องพลาสติก, แท่งโลหะ,
โคน - ผลิตในสถานประกอบการอุตสาหกรรมตามแบบร่างของศิลปิน
ดู:
ผลงานของ โดนัลด์ จัดด์, คาร์ล
Andre, Sol Levita – พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์
ศิลปะร่วมสมัย (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน (นิวยอร์ก,
สหรัฐอเมริกา).
3. ยุคหลังสมัยใหม่ นี่คือรายการแนวโน้มที่ไม่สมจริงจำนวนมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 20
วันเชกี มูตู. Collage “อวัยวะสืบพันธุ์ของสตรีวัยผู้ใหญ่”, 2548
วัฏจักรเป็นลักษณะของศิลปะแต่
ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นตัวอย่างแรกของ “การปฏิเสธของการปฏิเสธ” ตอนแรก
ลัทธิสมัยใหม่ปฏิเสธความคลาสสิก และลัทธิหลังสมัยใหม่ก็ปฏิเสธลัทธิสมัยใหม่ เช่น
เขาเคยปฏิเสธคลาสสิกมาก่อน ลัทธิหลังสมัยใหม่กลับคืนสู่รูปแบบเหล่านั้นและ
รูปแบบที่มีอยู่ก่อนสมัยใหม่แต่ในระดับที่สูงกว่า
ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นผลผลิตจากยุคนั้น
เทคโนโลยีล่าสุด ดังนั้นคุณลักษณะเฉพาะของมันคือการผสม
รูปแบบ รูปภาพ ยุคสมัยและวัฒนธรรมย่อยต่างๆ สิ่งสำคัญสำหรับนักหลังสมัยใหม่
กลายเป็นคำพูด การสลับคำพูดอย่างคล่องแคล่ว
ดู: Tate Gallery (ลอนดอน,
สหราชอาณาจักร) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติปอมปิดู
(ปารีส ประเทศฝรั่งเศส) พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
เหนือจริง ศิลปะที่เลียนแบบการถ่ายภาพ
ปิดชัค. "โรเบิร์ต", 2517
ศิลปะนี้เรียกอีกอย่างว่า Superrealism
Photorealism, Radical Realism หรือ Cold Realism สิ่งนี้ปรากฏขึ้น
ทิศทางในอเมริกาในยุค 60 และ 10 ปีต่อมาก็แพร่หลายมา
ยุโรป.
ไฮเปอร์เรียลลิสม์, โฟโตเรียลลิซึม, ดอน เอ็ดดี้,
ศิลปินของขบวนการนี้อย่างแน่นอน
คัดลอกโลกตามที่เราเห็นในภาพถ่าย ในผลงานของศิลปิน
เราสามารถอ่านการประชดบางอย่างเกี่ยวกับผลิตภัณฑ์ที่มนุษย์สร้างขึ้นได้ ศิลปินวาดภาพเป็นหลัก
เรื่องราวจากชีวิตของมหานครสมัยใหม่
ริชาร์ด เอสเตส- ชอบวาดภาพเงาสะท้อนของเมืองใหญ่บนหน้าต่างร้านค้า บนฝากระโปรงรถ หรือบนเคาน์เตอร์ร้านกาแฟ
ดู:
ผลงานโดย Chuck Close, Don Eddie, Richard Estes - พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน, พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์บรูคลิน (สหรัฐอเมริกา)
5. การติดตั้ง
นี่คือองค์ประกอบในแกลเลอรีที่สามารถสร้างจากอะไรก็ได้สิ่งสำคัญคือมีคำบรรยายและแนวคิด
น้ำพุ (ดูชองป์)
เป็นไปได้มากว่าสิ่งนี้จะไม่เกิดขึ้น
คำแนะนำ หากไม่ใช่สำหรับโถปัสสาวะอันเป็นเอกลักษณ์ของ Duchamp ชื่อหลักของโลก
ผู้ติดตั้ง: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis และ Kabakov
“จิม ไดน์. จากการรวบรวมศูนย์ปอมปิดู”
สิ่งสำคัญในการติดตั้งคือข้อความย่อยและพื้นที่ที่ศิลปินชนกับวัตถุซ้ำซาก
ดู:
เทต โมเดิร์น (ลอนดอน สหราชอาณาจักร), พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
6. สิ่งแวดล้อม นี่คือศิลปะในการสร้างองค์ประกอบสามมิติที่จำลองสภาพแวดล้อมจริง
เป็นการเคลื่อนไหวในศิลปะแห่งสิ่งแวดล้อม
ปรากฏขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ล่วงหน้าไปบ้าง
ทศวรรษที่ศิลปิน Dadaist เมื่อเขานำเสนอต่อสาธารณชนของเขา
งาน “อาคารเมิร์ซ” เป็นโครงสร้างสามมิติที่สร้างจากวัตถุต่างๆ และ
วัตถุไม่เหมาะกับสิ่งอื่นใดนอกจากการใคร่ครวญ
เอ็ดเวิร์ด คีนฮอลซ์
ประวัติศาสตร์ในฐานะชาวไร่ครึ่งศตวรรษต่อมา แนวเพลงนี้ก็กลายเป็น
Edward Kienholz และ George Siegel ทำงานและประสบความสำเร็จ เข้าสู่การทำงานของคุณ
พวกเขาจำเป็นต้องแนะนำองค์ประกอบที่น่าตกใจของจินตนาการที่หลงผิด
ดู:
ผลงานของ Edward Kienholz และ George Siegel
— พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย (สตอกโฮล์ม สวีเดน)
7. วิดีโออาร์ต แนวโน้มนี้เกิดขึ้นในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 เนื่องจากการถือกำเนิดของกล้องวิดีโอแบบพกพา
นี่เป็นอีกความพยายามที่จะคืนงานศิลปะให้
ความเป็นจริง แต่ตอนนี้ด้วยความช่วยเหลือจากเทคโนโลยีวิดีโอและคอมพิวเตอร์
American Nam June Paik ถ่ายวิดีโอภาพสมเด็จพระสันตะปาปาเดินผ่านถนน
นิวยอร์กและกลายเป็นศิลปินวิดีโอคนแรก
การทดลองของ Nam June Paik ได้รับอิทธิพล
โทรทัศน์, มิวสิควิดีโอ (เขาเป็นผู้ก่อตั้งช่อง MTV),
เอฟเฟ็กต์คอมพิวเตอร์ในโรงภาพยนตร์ ผลงานของจูน ไพค์ บิล วิโอลาเป็นคนทำ
ทิศทางของศิลปะเป็นสาขาหนึ่งของกิจกรรมการทดลอง พวกเขาใส่
จุดเริ่มต้นของ "ประติมากรรมวิดีโอ" "การติดตั้งวิดีโอ" และ "วีดิทัศน์โอเปรา"
ดู:
ศิลปะวิดีโอ ตั้งแต่แนวไซเคเดลิกไปจนถึงโซเชียล
(ดังในจีน Chen-che-yen บน Youtube.com)
8. กราฟฟิตี้ จารึกและภาพวาดบนผนังบ้านพร้อมข้อความที่กล้าหาญ
ปรากฏตัวครั้งแรกในยุค 70 ในภาคเหนือ
อเมริกา. เจ้าของแกลเลอรีจากเขตใดเขตหนึ่งมีส่วนร่วมในการปรากฏตัวของพวกเขา
แมนฮัตตัน. พวกเขากลายเป็นผู้อุปถัมภ์ความคิดสร้างสรรค์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ข้างๆ
ชาวเปอร์โตริโกและจาเมกา กราฟฟิตี้ผสมผสานองค์ประกอบของความเป็นเมือง
วัฒนธรรมย่อยและชาติพันธุ์
Keith Haring อัจฉริยะด้านศิลปะป๊อปอาร์ต
ชื่อจากประวัติศาสตร์กราฟฟิตี้: Keith Haring,
ฌอง-มิเชล บาสเกียต, จอห์น มาธอม, เคนนี ชาร์ฟ บุคลิกภาพฉาวโฉ่
- Banksy ศิลปินกราฟฟิตี้ชาวอังกฤษ มีโปสการ์ดแสดงผลงานของเขาอยู่ครบ
ร้านขายของที่ระลึกของอังกฤษ
ดู:
พิพิธภัณฑ์กราฟฟิตี (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา) ทำงานโดย Banksy - บนเว็บไซต์ banksy.co.uk
9. ทรานซาวันต์การ์ด.
หนึ่งในกระแสของการวาดภาพยุคหลังสมัยใหม่ ผสมผสานอดีต จิตรกรรมใหม่ และความหมาย
ผลงานของศิลปินข้ามชาติ Alexander Roitburd
ผู้เขียนคำว่า transavantgarde คือ
นักวิจารณ์ร่วมสมัย โบนิโต โอลิวา ด้วยคำนี้เขาให้นิยามความคิดสร้างสรรค์
เพื่อนร่วมชาติ 5 คน - ซานโดร เคีย, เอ็นโซ กุคคิ, ฟรานเชสโก
เคลเมนเต, มิมโม ปาลาดิโน, นิโคโล เด มาเรีย ความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขามีลักษณะดังนี้:
การผสมผสานสไตล์คลาสสิกขาดความผูกพันกับชาติ
โรงเรียนเน้นสุนทรียภาพและพลวัต
Francesco Clemente ในเชิร์น (แฟรงก์เฟิร์ต)
ชม: พิพิธภัณฑ์ Peggy Collection
Guggenheim (เวนิส, อิตาลี), พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ที่ Palazzo
(เมืองเวนิส ประเทศอิตาลี) หอศิลป์ร่วมสมัย (เมืองมิลาน ประเทศอิตาลี)
10. ศิลปะบนเรือนร่าง ทิศทางหนึ่งของลัทธิแอ็คชั่น ร่างกายทำหน้าที่เป็นผืนผ้าใบ
ศิลปะบนเรือนร่างเป็นหนึ่งในการสำแดงวัฒนธรรมพังก์แห่งยุค 70
เกี่ยวข้องโดยตรงกับแฟชั่นสำหรับรอยสักและการเปลือยกายในขณะนั้น
ภาพมีชีวิตถูกสร้างขึ้นตรงหน้า
ผู้ชมที่บันทึกไว้ในวิดีโอแล้วออกอากาศในแกลเลอรี บรูซ
Nauman วาดภาพโถปัสสาวะของ Duchamp ในแกลเลอรี ดูเอตกิลเบิร์ตและ
จอร์จเป็นประติมากรรมที่มีชีวิต พวกเขาแสดงให้เห็นประเภทของชาวอังกฤษโดยเฉลี่ย
ดู: ตัวอย่างเช่นบนเว็บไซต์ของศิลปิน Orlan orlan.eu
11. การวางซ้อนกัน สมาคมศิลปะอังกฤษเพื่อการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง ต่อต้านนักมโนทัศน์
นิทรรศการครั้งแรกจัดขึ้นที่ลอนดอนในปี 2550
เหมือนการประท้วงต่อต้านแกลเลอรี่เทต ตามฉบับหนึ่งพวกเขาประท้วงใน
เกี่ยวข้องกับการซื้อผลงานของศิลปินโดยฝ่าฝืนกฎหมาย เสียงรบกวน
ดึงดูดความสนใจไปที่ Stuckists ในสื่อ ขณะนี้ในโลกก็มี
ศิลปินมากกว่า 120 คน คำขวัญของพวกเขา: ศิลปินที่ไม่วาดภาพก็ไม่ใช่ศิลปิน
บิลลี่ ชิลดิช. ริมป่า"
คำว่า Stuckism ถูกเสนอโดย Thomson
ศิลปิน Tracey Emin อุทานเกี่ยวกับบิลลี่แฟนของเธอ
Childisha: ภาพวาดของคุณติด ติด ติด! (อังกฤษ ติด!
ติดอยู่! ซ้อนกัน!)
ดู:
บนเว็บไซต์ Stuckist Stuckism.com
ผลงานโดย Charlie Thomson และ Billy Childish ที่ Tate Gallery (ลอนดอน สหราชอาณาจักร)
12. นีโอพลาสติก
ศิลปะนามธรรม จุดตัดของเส้นตั้งฉาก 3 สี
นักอุดมการณ์แห่งทิศทางคือ Dutchman Piet
มอนเดรียน. เขาถือว่าโลกเป็นเพียงภาพลวงตา ดังนั้นงานของศิลปินคือการทำความสะอาด
การวาดภาพจากรูปแบบที่ตระการตา (เป็นรูปเป็นร่าง) ในนามของสุนทรียศาสตร์
(นามธรรม) แบบฟอร์ม
ศิลปินแนะนำให้ทำเช่นนี้
ให้กระชับที่สุดโดยใช้ 3 สี คือ น้ำเงิน แดง และ
สีเหลือง. พวกมันเติมเต็มช่องว่างระหว่างเส้นตั้งฉาก
พีต มอนเดรียน. แดง เหลือง น้ำเงิน และดำ
นีโอพลาสติกนิยมยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักออกแบบ สถาปนิก และศิลปินกราฟิกอุตสาหกรรม
ดู:
ผลงานของ Piet Mondrian และ Theo Vannoy Doesburg ที่พิพิธภัณฑ์เทศบาลกรุงเฮก
13. สตรีทอาร์ต
ศิลปะซึ่งเมืองนี้ใช้เป็นนิทรรศการหรือผืนผ้าใบ
เป้าหมายของศิลปินข้างถนน: ดึงดูดผู้คนที่สัญจรไปมาในบทสนทนาโดยอาศัยความช่วยเหลือจากงานศิลปะจัดวาง ประติมากรรม โปสเตอร์ หรือลายฉลุ
ตั้งแต่วันที่ 8 มิถุนายนถึง 31 กรกฎาคม VI International Biennale of Young Art จะจัดขึ้นที่มอสโก ศิลปินมากกว่า 50 คนจากทั่วโลกที่มีอายุต่ำกว่า 35 ปีนำเสนอผลงานของพวกเขา แต่ศิลปินร่วมสมัยไม่เพียงแค่จัดแสดงในแกลเลอรีหรือพิพิธภัณฑ์เท่านั้น คุณมักจะสามารถซื้อผลงานของพวกเขาได้ ซึ่งไม่จำเป็นต้องมีราคาแพงเสมอไป การเผยแพร่ศิลปะร่วมสมัยให้แพร่หลายได้ก่อให้เกิดกระบวนการทำให้ราคาเป็นประชาธิปไตย ซึ่งทำให้ชาวเมืองบางส่วนเริ่มรวมค่าภาพวาดไว้ในงบประมาณการปรับปรุงใหม่ แม้แต่บ้านประมูลและงานแสดงศิลปะซึ่งเริ่มจัดแสดงผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ก็ไม่สามารถละเลยความสนใจในงานศิลปะของชนชั้นกลางได้ The Village ขอให้นักข่าวและเจ้าของร่วมของแกลเลอรี Oily Oil Ekaterina Polozhentseva เลือกผลงานของศิลปินรัสเซียร่วมสมัยที่มีราคาไม่แพงทั้งในด้านแนวทางและราคา
เอคาเทรินา โปโลเจนเซวา
ทิโมฟีย์ ราดยา
Tim Radya ศิลปินจากเมือง Ekaterinburg ผสมผสานปรัชญาและสตรีทอาร์ตเข้ากับผลงานของเขา ทิมเป็นนักปรัชญาที่ได้รับการฝึกฝนและเป็นศิลปินโดยธรรมชาติ โดยธรรมชาติแล้วได้สั่งสอนแนวคิดเกี่ยวกับงานในอนาคตมาเป็นเวลานาน จากนั้นจึงนำไปปฏิบัติในพื้นที่เมืองโดยได้รับความช่วยเหลือจากเพื่อนและเพื่อนร่วมงานกลุ่มเล็กๆ ของเขา วลีที่กลายมาเป็นมีม เช่น “ฉันจะกอดเธอ แต่ฉันเป็นเพียงข้อความ” “ยิ่งแสงมากเท่าไหร่ก็ยิ่งมองเห็นได้น้อยลงเท่านั้น” หรือ “เราเป็นใคร เรามาจากไหน เรากำลังจะไปที่ไหน” กลายเป็นส่วนหนึ่งของสภาพแวดล้อมในเมืองชั่วคราว แต่ยังคงอยู่ในรูปถ่ายของ Radi ตลอดไป เขาขายพวกมันในแกลเลอรี่
ทิโมฟีย์ ราดยา. ลงมาพร้อมกับความตาย 2556. การพิมพ์ภาพถ่ายบนกระดาษด้าน. 60 x 80 ยอดจำหน่าย 15/24. ราคา - 44,000 รูเบิล. ซื้อ-อาร์ตวิน แกลเลอรี่
อเล็กเซย์ ดูบินสกี้
Dubinsky เกิดที่เมือง Grozny ในปี 1985 และได้รับการศึกษาแบบคลาสสิกที่ Russian Academy of Painting, Sculpture and Architecture ของ Ilya Glazunov Alexey ทำงานในลักษณะของการแสดงออกเชิงนามธรรมซึ่งเบื้องหลังจะมีภาพลักษณ์ของฮีโร่อยู่เสมอ - Alexey เองเพื่อนของเขาหรือ "ครอบครัวที่ค่อนข้างมีความสุข" ในฤดูใบไม้ผลิปี 2018 Dubinsky มีนิทรรศการส่วนตัวขนาดใหญ่ที่ดูแลโดย Sofia Simakova ที่แกลเลอรี Triumph หลังจากนั้นการปรากฏตัวของ Alexey ในรายการนี้ก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก: งานขนาดใหญ่ (เมตรต่อเมตร) ของ Dubinsky มีมานานแล้วที่นอกเหนือไปจากหมวดหมู่ราคา ที่เหมาะสมที่จะพูดถึงออกมาดัง ๆ แต่กราฟิกจากปีก่อนๆ ยังคงมีให้ซื้อได้โดยไม่กระทบต่องบประมาณส่วนตัวหรือครอบครัวของคุณ
คิริลล์ใคร
หากคุณเห็นป้ายที่สะดุดตาบนถนนในมอสโก โปรดทราบว่าแบนเนอร์เหล่านี้สร้างขึ้นโดยคนคนหนึ่งที่รักการเดินจริงๆ - Kirill Lebedev เครื่องหมายการค้าที่สองของวลี Who is ที่เขียนด้วยตัวอักษรตัวพิมพ์ใหญ่ มันมักจะเกิดขึ้นที่ตัวอักษรแต่ละตัวจะถูกวาดด้วยสีที่ต่างกัน ใครที่สับสนกับคนอื่นได้ยาก เมื่อสองสามปีที่แล้วเจ้าของแกลเลอรี Elvira Tarnogradskaya และ Nadezhda Stepanova ขอให้ Kirill ถ่ายโอนผลงานหลายชิ้นลงบนผืนผ้าใบ: ความสำเร็จของแนวคิดนี้ชัดเจน ราคาสำหรับผู้ที่เพิ่มขึ้นเร็วกว่าดวงตาใหม่ของเขาปรากฏขึ้นในเมือง แต่ยังมีตัวเลือกสำหรับผู้ที่นับเงินอีกด้วย - งานพิมพ์ซิลค์สกรีนพร้อมลายเซ็นของผู้เขียนและผลิตในจำนวนจำกัด
ยูเลีย อิโอซิลซอน
โยซิลซอนเกิดที่มอสโกในปี 1992 ตอนนี้ Julia อาศัยอยู่ในลอนดอนซึ่งเธอกำลังรับปริญญาตรีที่ Slade School of Art ในคณะวิจิตรศิลป์ การอยู่ในเวิร์คช็อปศิลปะของนักเรียนตลอดเวลาไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เธอจัดนิทรรศการส่วนตัวในแกลเลอรี "Triumph" ของมอสโก โดยปกติแล้วเธอจะแสดงผลงานบนผ้าไหมที่ขึงไว้บนเปลหาม ในบรรดาวีรบุรุษของผลงาน หมาป่าและกระต่ายจากโซเวียต "เดี๋ยวก่อน!" เป็นที่จดจำได้ Iosilzon จะต้องประหยัดเงินจำนวนมากในการวาดภาพ แต่กราฟิกยังสามารถซื้อได้ด้วยเงินเพียงเล็กน้อย
อันตอน โตติบัดเซ
Anton Totibadze เป็นบุตรชายของศิลปิน Konstantin Totibadze และเป็นหลานชายของศิลปิน Georgy Totibadze แอนตันยังคงสานต่อประเพณีของครอบครัวโดยไม่ได้กล่าวไว้ในการวาดภาพหุ่นนิ่งและทิวทัศน์ในชีวิตประจำวัน ซึ่งมักจะได้รับแรงบันดาลใจจากการทำบาร์บีคิวในสวนของเขาเอง พิพิธภัณฑ์รัสเซียเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้รวมผลงานชิ้นหนึ่งของ Anton Totibadze ไว้ในคอลเลกชันแล้ว ไม่เลวสำหรับศิลปินอายุ 25 ปี
อันตอน โตติบัดเซ. ความไม่สะดวกชั่วคราว 2017. ผ้าใบ, อุบาทว์. 15 x 19. ราคา - 25,000 รูเบิล. ซื้อ - OilyOil.com
เอล โนแมด
Anna Asyamova เกิดที่คาซัคสถาน สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยศิลปะ Kemerovo ผลงานในยุคแรกๆ ของเธอคือภาพเหมือนนักพรต เมื่อวาดภาพซึ่งเธอไม่ได้ผสมสี ต่อมาเอลส์เริ่มสนใจในการวาดภาพและเริ่มวาดภาพบุคคลในสไตล์ของปรมาจารย์รุ่นเก่าแล้วแปลงเป็นเป้สะพายหลังหรือของเล่นนุ่ม ๆ โดยใช้ซิปเพื่อทำให้งานมีความหลากหลาย ในระยะนี้ Vladimir Dubossarsky สังเกตเห็นเธอและแนะนำให้จัดนิทรรศการร่วมกัน แน่นอนว่าหนึ่งในศิลปินชาวรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งมีราคาแพงที่สุดมีอิทธิพลต่อต้นทุนผลงานใหม่ของ Ales แต่วันนี้ยังสามารถซื้องานยุคแรกได้ในราคาสูงถึง 22,000 รูเบิล
เอล โนแมด. งานแต่งงาน. 2013. กระดาษลัง อะคริลิก ปากกาสักหลาด. 70 x 100 ราคา - 22,000 รูเบิล. ซื้อ - OilyOil.com
วาเลรี่ ชตัก
Valery Chtak เป็นศิลปินที่มีประวัตินิทรรศการมายาวนานและมีสไตล์ที่เป็นที่รู้จัก งานของเขามักเป็นจานสีขาวดำขาวดำพร้อมข้อความ ในภาพเขียนของเขามีภาพวาดเล็กๆ น้อยๆ และภาพธรรมดาๆ มากมายราวกับมาจากผนังทางเดินใต้ดินในบริเวณใกล้เคียง บรรณารักษ์โดยการฝึกอบรม Chtak ทำงานมากด้วยคำว่า: "คนตายทุกคนก็ตายเท่ากัน", "รักที่จะสนุก, เกลียดชังและแก้แค้น" หรือ "เมื่อถึงเวลาเที่ยงคืนในมอสโกวก็เที่ยงคืนในมูร์มันสค์ด้วย" - ศิลปิน เนื้อเพลงซึ่งก็น่าซื้อวันนี้เช่นกัน
มิทรี แอสค์
Dmitry Aske เป็นศิลปินอีกคนที่ย้ายจากถนนไปยังสตูดิโอศิลปะ งานของ Aske ในปัจจุบันส่วนใหญ่เป็นการซ้อนแผงไม้ ตัดและทาสีด้วยมือ ซึ่งศิลปินประกอบเป็นแผง ในบรรดางานที่มีงบประมาณจำกัดของ Dima ปัจจุบันควรให้ความสนใจกับการพิมพ์ซิลค์สกรีนด้วยการวาดด้วยมือด้วยสีอะครีลิค ลายพิมพ์ของอาซึกะมีลายเซ็นและหมายเลข
มิทรี แอสค์. พระพุทธเจ้า. การพิมพ์ซิลค์สกรีน กระดาษอะคริลิก กระดาษฝ้าย 50 x 50 ราคา - 16,000 รูเบิล. ซื้อ - format1.net
ภาพถ่าย:หน้าปก, 15–21 - น้ำมันมัน, 1 - Artwin, 2 - Timofey Radya, 3–7, 12–14 - ตัวอย่าง, 8, 25, 26 - แกลเลอรีออนไลน์ “ปัญหากำแพงสีขาว”, 9–11, 22–24 - Gallery Triangle, 27 - “รูปแบบหนึ่ง”
งานศิลปะของศิลปินหนุ่มชาวรัสเซียที่มีราคาแพงที่สุด (แม้แต่ผู้ที่เคยได้ยินชื่อมานานแล้ว) ก็ยังสามารถเข้าถึงได้ “ตั๋วเข้าชม” ที่ติด 20 อันดับแรกจะมีราคาต่ำกว่า 5,000 ดอลลาร์
แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับการจัดอันดับใหม่ของเราคือผลงานที่แพงที่สุดในโลก 10 อันดับแรกโดยศิลปินอายุต่ำกว่า 33 ปี ซึ่งมาจากสองนามสกุล ด้วยความไม่ต้องการชะตากรรมที่คล้ายคลึงกันสำหรับผู้แต่งของเรา เราจึงใช้กฎดั้งเดิมของเราว่า "ศิลปินหนึ่งคน - หนึ่งภาพ"
นอกจากนี้ยังมีการตัดสินใจเพิ่มขีดจำกัดอายุสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์จาก 33 ปีเป็น 35 ปี เนื่องจากเป็นยุคนี้ที่ถือเป็นเกณฑ์อย่างเป็นทางการสำหรับ "ศิลปินรุ่นเยาว์" ในการแข่งขันรางวัลและงาน Biennales ของรัสเซีย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง 35 ปีเป็นช่วงที่ถูกตัดสิทธิ์สำหรับการเสนอชื่อ "คนรุ่นใหม่" ของรางวัลนวัตกรรมสำหรับการเสนอชื่อ "ศิลปินรุ่นเยาว์" ในรางวัล Kandinsky สำหรับการเข้าร่วมใน Moscow International Biennale ของ Young Art Youngart.ru เพื่อรับสิ่งจูงใจ ทุนการศึกษาจาก Garage Center และโครงการอื่นๆ อีกมากมายสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ ดังนั้นเราจึงต้องแยกทุกคนที่เกิดก่อนปี 1979 ออกจากการจัดอันดับอย่างไม่เต็มใจ
เกณฑ์การคัดเลือกถัดไป: สถานที่เกิด - สหภาพโซเวียต ดังนั้นการจัดอันดับไม่เพียงรวมถึงเพื่อนร่วมชาติของเราในปัจจุบันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปินคนอื่น ๆ จากวงโคจรของศิลปะรัสเซียจากใกล้และต่างประเทศไม่ว่าจะเป็นยูเครนฝรั่งเศสหรือบริเตนใหญ่ ดังนั้นอย่าสับสนกับชื่อบุคคล - นี่คือสิ่งที่ตั้งใจไว้ทุกอย่าง
และแน่นอนว่าการให้คะแนนของเรานั้นขึ้นอยู่กับการขายทอดตลาดสาธารณะเท่านั้นเช่นเคย ข้อเสนอแกลเลอรีจะไม่ถูกนำมาพิจารณา เนื่องจากนี่เป็นเรื่องที่คลุมเครือมาก ราคาไม่ได้คำนึงถึงพรีเมี่ยมของผู้ซื้อ และโดยทั่วไปจะเสนอราคาในสกุลเงินของธุรกรรมและเป็นดอลลาร์ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย นี่คือสิ่งที่เราได้รับ
สิ่งที่สามารถสังเกตได้จากผลลัพธ์?
ศิลปะของศิลปินหนุ่มชาวรัสเซีย (แม้แต่คนที่เคยได้ยินชื่อมานานแล้ว) ก็ยังค่อนข้างถูก “ตั๋วเข้าชม” ที่ติด 20 อันดับแรกจะมีราคาต่ำกว่า 5,000 ดอลลาร์ และในราคา 8,000–10,000 ดอลลาร์แล้ว นักสะสมสามารถซื้อสิ่งที่ดีที่สุดของ Tatyana Akhmetgalieva, Valery Chtak หรือ Vitaly Rusakov ซึ่งเป็น "ชาวฝรั่งเศสชาวรัสเซีย" ที่ไม่ค่อยมีคนรู้จัก เมื่อเร็ว ๆ นี้แกลเลอรีฝรั่งเศสได้นำกราฟฟิตีของหลังมาที่มอสโกไปที่ Salon of Fine Arts ดังที่พวกเขากล่าวว่าศิลปินค่อนข้างได้รับความนิยม โดยรวมแล้ว คุณจะต้องแปลกใจที่ในการซื้องานศิลปะรุ่นเยาว์ของรัสเซีย 20 อันดับแรก นักสะสมหรือนักลงทุนสมมุติจะต้องใช้เงิน 218,903 ดอลลาร์ (ปรับตามเงื่อนไข "ศิลปินหนึ่งคน - ภาพวาดหนึ่งภาพ")
ผู้ที่แสวงหา "สูตรสำเร็จ" ที่เป็นสากลในงานศิลปะจะต้องผิดหวังในครั้งนี้เช่นกัน ไม่มีรูปแบบและทิศทางที่โดดเด่นเพียงประการเดียวในผลงานของกลุ่มเจ้าของแผ่นเสียง ในทางตรงกันข้าม มีการนำเสนอประเภทและเทรนด์ที่หลากหลาย จากลัทธิหลังสมัยใหม่สู่ความสมจริง ยังมีความหลากหลายทางเทคโนโลยีอย่างสมบูรณ์ มีทั้งงานกราฟิก การถ่ายภาพ ผ้า และเซรามิก แต่ถึงกระนั้น ผลงาน 11 จาก 20 ชิ้นยังเป็นภาพวาด (ผ้าใบ สีน้ำมัน หรืออะคริลิก) นี่เป็นคำทักทายสำหรับผู้ที่ทำนายความตายของการวาดภาพโดยทั่วไปและโดยเฉพาะในงานศิลปะร่วมสมัยมานานแล้ว
ดังนั้นประเภทของงานศิลปะและประเภทของงานจึงไม่ได้ชี้ขาด ในขณะเดียวกันก็เป็นที่ชัดเจนว่าเพื่อที่จะประสบความสำเร็จคุณต้อง "อยู่ในกระแส" - ไม่ใช่ในรัสเซีย แต่ในระดับโลก ศิลปินรุ่นเยาว์ชาวรัสเซียพยายามทำสิ่งนี้: ผลงานของพวกเขาได้รับการปรับปรุงอย่างมาก
ในการทำเช่นนี้ ในหลายกรณี พวกเขาใช้ประเด็นทางสังคมที่รุนแรง ลวดลายทางภาพที่เกี่ยวข้องและเทคนิคทางศิลปะ การผสมผสานประเภทและประเภทของศิลปะในจิตวิญญาณหลังสมัยใหม่ เช่นเดียวกับการพิมพ์ลายฉลุการออกแบบบนพื้นผิวผ้าใบ เช่น กราฟฟิตี้ หรือเทคนิคศิลปะดิจิทัลในการวาดภาพ อย่างไรก็ตามแม้จะมีลัทธิหลังสมัยใหม่และการปฐมนิเทศทางสังคมที่รุนแรง แต่ผู้เขียนก็ไม่ลืมอย่างชัดเจนว่าผลงานเหล่านี้ควรดูน่าพึงพอใจและเข้ากับการออกแบบตกแต่งภายในที่ทันสมัย ดังนั้นความเรียบเนียนและความมันเงาจึงพยักหน้าสู่ความสมจริง (photorealism) และแน่นอน ลองพิจารณาข้อดีอย่างมากสำหรับผู้ซื้อที่การจัดอันดับศิลปินรุ่นเยาว์ของเรายังคงสามารถทำได้โดยไม่ต้องมีภาพนู้ดแสนหวานโรแมนติกซึ่งมีการขายอย่างหนาแน่นในการประมูล (โชคดีที่ส่วนใหญ่มาจากการประมูลภายใน) และโพสต์อย่างกระตือรือร้นในบล็อกด้วยซ้ำ
อีกสิ่งหนึ่งที่โดดเด่นคือช่องว่างขนาดใหญ่ระหว่างผลลัพธ์แรกและผลลัพธ์ที่สอง ศิลปะดิจิทัลเชิงนวัตกรรมที่ทำลายสถิติของ Oleg Dou แยกจากอันดับที่สอง - ภาพวาดของ Veronica Smirnova - มากถึง 20,000 ดอลลาร์ อย่างไรก็ตามทันทีที่เราฝ่าฝืนกฎ "ศิลปินหนึ่งคน - หนึ่งภาพ" - และเอกอัครราชทูตรัสเซียของโปรแกรม Adobe Photoshop (ในเดือนเมษายน 2555 ผลงานของ Oleg Dou ที่ได้ขึ้นปก Photoshop เวอร์ชัน CS6) อีกเจ็ดอันดับในการจัดอันดับของเราด้วยผลงานของเขา ทำไมไม่ใช่หลิวชุนซีล่ะ? แต่โดของเราอายุน้อยกว่าสองปีด้วยซ้ำ
น่าแปลกที่เกือบครึ่งหนึ่งของสถิติใน 20 อันดับแรกของเรามาจากปี 2554-2556 นั่นคือสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ "สิ่งที่ผ่านไปแล้ว" ก่อนเกิดวิกฤติ แต่เป็นกระบวนการเชิงพาณิชย์ที่มีชีวิต
เป็นที่น่าสังเกตว่ามีเพียงหกผลงานจากการจัดอันดับ 20 อันดับแรกเท่านั้นที่ได้รับคะแนนสูงในการประมูลระดับชาติของเรา - ที่ "Golden Section" ของเคียฟและที่ Moscow VLADEY และการประมูล "Russian Gallery of Art" ส่วนที่เหลือทั้งหมดรวบรวมเงินสดจากการประมูลในต่างประเทศซึ่งส่วนใหญ่มักจะอยู่ที่ Phillips ซึ่งเป็นของเจ้าของชาวรัสเซียด้วย และประเด็นนี้ไม่เพียงแต่ไม่มีศาสดาพยากรณ์ในประเทศของเขาเองเท่านั้น และไม่เพียงเท่านั้นในรัสเซียการซื้อผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ยังคงถูกมองว่าเกือบจะเป็นเรื่องผิดปกติ นอกจากนี้โครงสร้างพื้นฐานการประมูลระดับชาติที่ทำงานร่วมกับงานศิลปะร่วมสมัยเพิ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง การประมูล VLADEY แบบเดียวกันเพิ่งจัดขึ้นเพียงการประมูลครั้งแรกและผู้จับเวลาเก่าของตลาดการประมูลในมอสโกที่มีศิลปะร่วมสมัย (โดยเฉพาะศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21) ใช้งานไม่ได้: ผู้ชมของผู้ซื้อมีน้อยและไม่สามารถรับค่าคอมมิชชั่นที่ดีได้ รายการราคาไม่แพง แต่ในอนาคตอันใกล้นี้ เฉพาะกลุ่มของศิลปะร่วมสมัยราคาไม่แพงนี้จะถูกโจมตีโดยรูปแบบการซื้อขายอื่น ๆ - แพลตฟอร์มอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ที่มีชื่อเสียงออฟไลน์ที่แข็งแกร่งอยู่เบื้องหลัง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อวันก่อนโครงสร้างของ Sergei Gridchin (เจ้าของที่อยู่อาศัยศิลปะ Gridchinhall) ประกาศเปิดตัวในเดือนกันยายนของแพลตฟอร์มอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ Artlet.com - ทันทีที่มีผลงานนับพันชิ้นจากศิลปินร่วมสมัยเกือบ 200 คน พวกเขาจะไม่รวมไว้ในการจัดอันดับของเรา (ไม่มีหลักการประมูล) แต่เราทุกคนต้องไป ไม่ใช่หมากฮอส
เว็บไซต์บรรณาธิการ
ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต