นักวิชาการในศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19:
ศิลปะที่สร้างขึ้นในแนวเดียวกับ Academy of Arts และติดต่อกับมัน วิชาการเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 1830 นี่คืองานศิลปะของแผนกที่สร้างขึ้นจากหลักการที่มีพื้นฐานมาจากลัทธิคลาสสิก นี่คือการผสมผสาน แนวโน้มจากการเคลื่อนไหวอื่นๆ ซ้อนทับอยู่ (ความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ของรัสเซีย สัญลักษณ์นิยม...)
Academy: พัฒนามาตรฐานการวาดภาพโดยพยายามยึดหลักการขั้นสูงที่สุด
นักวิชาการเบื้องต้น – 1830-ปัจจุบัน 1850
วิชาการ – 1850-60
นักวิชาการผู้ใหญ่ – 1870-80
1890s-1900s – วิชาการ (ในผลงานของ Vrubel) ด้วยการเพิ่มสไตล์ที่แตกต่าง
ด่าน 1: Bryullov, Bruni, Basin
การรับรู้ความเคลื่อนไหวของยุคโรแมนติก
วิชาการได้กลายเป็นสากล
ลุ่มน้ำ: 1. โสกราตีสปกป้องอัลซิเบียเดสในยุทธการโปติเดีย
Markov: 1. โชคลาภและขอทาน
Zavyalov, Nef, Raev: Nef ปลูกฝังความสนใจในเรื่องภาพเปลือย
Tyranov, Moller, Orlov (นักเรียนของ Venetsianov)
ตั้งแต่ปี 1850 - การใช้วิชาประวัติศาสตร์ มีจุดเปลี่ยนในเชิงวิชาการ
เรื่องราวพระกิตติคุณ ประวัติศาสตร์รัสเซีย
ประเภทห้องโบราณถูกแทนที่ด้วยศิลปะในการวาดภาพเชิงวิชาการ
Bronnikov, Vereshchagin, Flavitsky (“ผู้พลีชีพชาวคริสเตียนในโคลอสเซียม”)
การวาดภาพกลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการเปลี่ยนแปลงของรัฐบาล (พวกเขาต้องการฟื้นฟูความสนใจในภาษาโบราณ ประวัติศาสตร์ ฯลฯ)
เซมิราดสกี้, โพสต์นิคอฟ, โทมาเชฟสกี
ในเวลานี้เป็นเรื่องยากมากสำหรับผู้พเนจรที่จะฝ่าฟันไปได้ แต่พวกเขาโน้มน้าวให้อเล็กซานเดอร์ที่ 3 และเขาได้ดำเนินการปฏิรูปใน Academy of Arts
หลักการบางประการของวิชาการนิยมยังคงใช้โดยศิลปินจากขบวนการอื่น
วิชาการ(นักวิชาการชาวฝรั่งเศส) - ทิศทางในการวาดภาพชาวยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 การวาดภาพเชิงวิชาการเกิดขึ้นในช่วงเวลาของการพัฒนาสถาบันศิลปะในยุโรป พื้นฐานโวหารของการวาดภาพเชิงวิชาการเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 คือลัทธิคลาสสิกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - การผสมผสาน.
วิชาการเติบโตขึ้นโดยการปฏิบัติตามรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก ผู้ติดตามมีลักษณะลักษณะนี้โดยสะท้อนถึงรูปแบบศิลปะของโลกโบราณโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา นักวิชาการช่วยจัดวัตถุในการศึกษาศิลปะเสริมประเพณีของศิลปะโบราณซึ่งทำให้ภาพลักษณ์ของธรรมชาติกลายเป็นอุดมคติในขณะเดียวกันก็ชดเชยบรรทัดฐานของความงาม ตัวแทนฝ่ายวิชาการ ได้แก่ Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau ในฝรั่งเศส และ เฟโดรา บรูนีอเล็กซานดรา อิวาโนวา, คาร์ลา บรูลโลวาในประเทศรัสเซีย. นักวิชาการชาวรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยรูปแบบที่ประเสริฐ รูปแบบเชิงเปรียบเทียบสูง ความหลากหลาย ความหลากหลาย และความเอิกเกริก ฉากในพระคัมภีร์ ภูมิทัศน์ร้านเสริมสวย และภาพบุคคลในพิธีการได้รับความนิยม แม้ว่าเนื้อหาในภาพวาดจะมีเนื้อหาจำกัด แต่ผลงานของนักวิชาการก็โดดเด่นด้วยทักษะทางเทคนิคขั้นสูง Karl Bryullov สังเกตหลักการทางวิชาการในด้านองค์ประกอบและเทคนิคการวาดภาพ ได้ขยายโครงเรื่องต่างๆ ในงานของเขาให้เกินขอบเขตของหลักวิชาการตามหลักบัญญัติ ในระหว่างการพัฒนาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดเชิงวิชาการของรัสเซียได้รวมเอาองค์ประกอบของประเพณีที่โรแมนติกและสมจริงเข้าไปด้วย วิชาการเป็นวิธีการที่มีอยู่ในงานของสมาชิกส่วนใหญ่ สมาคมคนพเนจร. ต่อจากนั้น ภาพวาดเชิงวิชาการของรัสเซียก็มีลักษณะเฉพาะด้วยลัทธิประวัติศาสตร์นิยม อนุรักษนิยม และองค์ประกอบต่างๆ ความสมจริง.
ประเภทจิตรกรรมในช่วงกลางศตวรรษ (ค.ศ. 1850-1860)
รูปแบบของภาพเขียนก็เล็กลง
การวาดภาพเหมาะสำหรับพิพิธภัณฑ์และประชาชนมากกว่าสำหรับพระราชวัง
ช่วงเวลาของการปฏิรูปหลังจากความพ่ายแพ้ในสงครามไครเมียคำถามเรื่องการปลดปล่อยทาสก็เกิดขึ้น
แนวเพลงในชีวิตประจำวันปรากฏอยู่ในภาพวาด กราฟิก + กราฟิกในหนังสือพิมพ์
การเล่าเรื่องมีความสำคัญอย่างยิ่งในการวาดภาพประเภทต่างๆ
ส.ส. คลอดท์
นักเขียนแนววิชาการ
1. นักดนตรีป่วย 2402
2. ฤดูใบไม้ผลิที่แล้ว พ.ศ. 2406
ประเภทของความเห็นอกเห็นใจลักษณะทางอารมณ์
เอเอฟ เชอร์นิเชฟ
เขียนฉากบนท้องถนน
ลาก่อน (ออกจากหมู่บ้าน)
เอ็น.จี. ชิเดอร์
ฉันได้อะไรมากมายจาก Fedotov (ซีเปียจากยุค 40)
สิ่งล่อใจ 2399
ภาพวาดดังกล่าวเป็นจุดเริ่มต้นของ Tretyakov Gallery
เช้า. วอลคอฟ
1. การเรียนรู้หยุดชะงัก
เสริมสร้างตัวละคร
จัตุรัสเซนนายา
Obzhorny Row ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ในและ จาโคบี
1. นักโทษที่เหลือ พ.ศ. 2404
ภาพนี้ถือเป็นภาพแรกที่แสดงถึงการทำงานหนัก แต่ซีเปียของ Shevchenko มาก่อน
ความสิ้นหวังในทุกสิ่ง: ในรูป, สี
ตัวตลกที่ศาล
บ้านน้ำแข็ง
ทั้งสองมีสไตล์วิชาการมาก (สาย)
เค.เอ. ทรูตอฟสกี
1. การเต้นรำรอบในจังหวัดเคิร์สต์
เอ็น.วี. เนฟเรฟ
1. การต่อรอง (ฉากชีวิตทาสจากอดีตที่ผ่านมา) พ.ศ. 2409
ภาพวาดบนฝาผนังเป็นงานอดิเรกยอดนิยมในขณะนั้น
2. โรงเรียนอนุบาล
พวกเขา. ปรียานิชนิคอฟ
1. Jokers, Gostiny Dvor ในมอสโก
ฉากความอัปยศอดสูในที่สาธารณะ
วี.วี. ปิเคเรฟ
1. การแต่งงานที่ไม่สม่ำเสมอ พ.ศ. 2405
อัล. ยูชานอฟ
1. เห็นหน้าเจ้านาย พ.ศ. 2407
มีภาพวาดเดียวจากศิลปินคนนี้เท่านั้นที่รอดชีวิต
ความต่อเนื่องขององค์ประกอบจาก Fedotov
ความสมจริงเชิงวิพากษ์
นำมาสู่การมองโลกในแง่วิเคราะห์ สนใจด้านเศรษฐศาสตร์
การวาดภาพประเภทมาก่อน
รูปแบบของภาพเขียนมีขนาดเล็ก
การแพร่กระจายความคิดคำรามของพรรคเดโมแครต (คำถามเรื่องการปลดปล่อยชาวนา)
เหตุการณ์ในปี พ.ศ. 2424
ประเภทชีวิตประจำวันในรูปแบบกราฟิกเสียดสี ภาพประกอบหนังสือ
ภายในศตวรรษที่ 19 - ถึงศตวรรษที่ 20 - ช่วงเวลาแห่งการสะสมความแข็งแกร่งและการก่อตัวของงานศิลปะใหม่
เรื่องเล่า
ส.ส. คลอดท์
1.นักดนตรีป่วย
2. ฤดูใบไม้ผลิที่แล้ว
"ประเภทความเมตตา"
เอเอฟ เชอร์นิเชฟ
ฉากถนน
เครื่องบดอวัยวะ
การพรากจากกัน
เอ็น.จี. ชิเดอร์
1. สิ่งล่อใจ
กลับไปที่ P.A. Fedotov, ซีเปีย ““ ความงามของหญิงสาวผู้น่าสงสารนั้นต้องตาย” ถักเปีย »
มีการวางจุดเริ่มต้นของ Tretyakov Gallery แล้ว
เช้า. วอลคอฟ
1. จัตุรัสเซนนายา.
2. การเรียนรู้หยุดชะงัก
เรื่องโดย เกลบ อุสเพนสกี
ในและ จาโคบี
1. การหยุดนักโทษ (T.G. Shevchenko เป็นคนแรกที่สร้างในหัวข้อนี้: ซีเปีย "ยิปซี" และ "ชีวิตของบุตรผู้หลงหาย")
2. ตัวตลกในศาล
เค.เอ. ทรูตอฟสกี
1.จังหวัด
เอ็น.วี. เนฟเรฟ
1. การต่อรอง พ.ศ. 2409
2. โรงเรียนอนุบาล
พวกเขา. ปรียานิชนิคอฟ
1. โจ๊กเกอร์ Gostiny Dvor ในมอสโก
วี.วี. คูเคเรฟ
1. การแต่งงานที่ไม่เท่าเทียมกัน พ.ศ. 2405
อัล. ยูชานอฟ
1. เห็นหน้าเจ้านาย พ.ศ. 2407
องค์ประกอบประชดความชัดเจนและชัดเจนของ Fedotov
นักเขียนประเภท: การพัฒนางานศิลปะที่สมจริง
การวิจารณ์ศิลปะ
เอ.จี. Vereshchagin ในคอลเลกชัน "ปัญหาการพัฒนางานศิลปะรัสเซีย", 2514
การวิพากษ์วิจารณ์ก็แตกแยก
แง่บวก: Stasov
ชื่นชมกับการวาดภาพประเภทต่างๆ และความเชื่อมโยงระหว่างการพัฒนาของศิลปะกับมัน
Netrits ผู้ที่เชื่อมโยงอนาคตของศิลปะกับการวิเคราะห์ทางประวัติศาสตร์: Chernyshevsky, Dobrolyubov, Mikhailov
“ หมายเหตุเกี่ยวกับบทความก่อนหน้า” - นิตยสาร Sovremennik 2401 บทความของ Chernyshevsky อุทิศให้กับ A. Ivanov
Sovremennik วิพากษ์วิจารณ์ "The Bell" ของ Herzen เนื่องจากมีลักษณะเป็นการกล่าวหา
"เบลล์", "โพลาร์สตาร์"
หลัง พ.ศ. 2405-63 – เปลี่ยนแปลง ค่ายสำคัญ “ไปแล้ว”
ส่วนใหญ่ Stasov "อัศวินแห่งจิตรกรรมกล่าวหา"
วิธีแรก: เผยภาพวาดในชีวิตประจำวัน
แต่ไม่มีใครเหนือกว่า Fedotov
วิธีที่สอง: ความเป็นจริง อดีต ปัจจุบัน และเชื้อโรคแห่งอนาคต ศิลปะแห่งภาพรวมขนาดใหญ่ (อยู่ในยุค 70-80: Perov, Kramskoy, Surikov, Repin)
นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 40 ต้องขอบคุณ "โรงเรียนธรรมชาติ" ของ Gogol วรรณกรรมรัสเซียจึงกลายเป็นเวทีสำหรับการประกาศ ถกเถียง และสำรวจ "ประเด็นที่ยุ่งยากในยุคของเรา" Turgenev, Tolstoy, Dostoevsky - ในวรรณคดี, โรงละครรัสเซีย - ผ่าน Ostrovsky, ดนตรีรัสเซีย - ผ่านความพยายามของ "Mighty Handful", สุนทรียศาสตร์ - ต้องขอบคุณพรรคเดโมแครตที่ปฏิวัติโดยเฉพาะ Chernyshevsky มีส่วนทำให้การจัดตั้งวิธีการสมจริงเป็นวิธีการหลัก ในวัฒนธรรมทางศิลปะในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษ
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อความเป็นจริงตำแหน่งพลเมืองและศีลธรรมที่เด่นชัดและการวางแนวทางสังคมที่เฉียบแหลมกลายเป็นลักษณะของการวาดภาพซึ่งมีการสร้างระบบการมองเห็นทางศิลปะใหม่ซึ่งแสดงออกในสิ่งที่เรียกว่าความสมจริงเชิงวิพากษ์ . การเทศนาศิลปะการสะท้อนศิลปะเกี่ยวกับปัญหาศีลธรรมในจิตวิญญาณของ Dostoevsky และ Tolstoy - นี่คือวิธีที่จิตรกรชาวรัสเซียที่โดดเด่นเกือบทั้งหมดในเวลานี้เข้าใจงานของพวกเขาตามกฎแล้วผู้คนที่มีความสูงส่งทางวิญญาณที่ไม่ธรรมดาซึ่งดูแลชะตากรรมอย่างจริงใจ ของปิตุภูมิ แต่ความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับวรรณกรรมก็มีข้อเสียเช่นกัน บ่อยครั้งที่นำปัญหาสังคมเฉียบพลันทั้งหมดที่สังคมรัสเซียอาศัยอยู่ในเวลานั้นมาโดยตรงในความเป็นจริงศิลปินไม่ได้แสดงความคิดเหล่านี้มากนัก แต่เป็นนักวาดภาพประกอบโดยตรงและเป็นล่ามที่ตรงไปตรงมา ฝ่ายสังคมบดบังงานรูปภาพและงานพลาสติกล้วนๆ และวัฒนธรรมที่เป็นทางการก็เสื่อมถอยลงอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้อง “ภาพประกอบทำให้ภาพวาดของพวกเขาเสียหาย”
ศิลปะรัสเซียในช่วงกลางศตวรรษที่ 19
วิชาการกำลังเป็นรูปเป็นร่าง (ไม่มีแหล่งที่มาของความคิด มันเริ่มเก่าแล้ว)
30-60ส – จากการเสริมสร้างความเข้มแข็งของระบอบกษัตริย์นิโคลัส (กลุ่มสามเผด็จการ ออร์โธดอกซ์ สัญชาติ) ไปจนถึงสถานการณ์การปฏิวัติ
พ.ศ. 2407 (ค.ศ. 1864) - Academy of Arts ต้องการเฉลิมฉลองครบรอบหนึ่งร้อยปี แต่ในปี พ.ศ. 2406 นักเรียนได้ก่อการจลาจล
เซอร์ ศตวรรษที่ 19 - การเปลี่ยนแปลงของชนชั้นสูงกลายเป็นชนชั้นกลาง ชนชั้นกระฎุมพีต้องการขุนนาง กระบวนการแบ่งแยกชนชั้นสูงและชนชั้นกระฎุมพี
การจับคู่ของผู้พัน Fedotov P.A. 2391 ถ่ายทอดสาระสำคัญของกระบวนการ
เช่น. พุชกิน “การเดินทางจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสู่มอสโก”
บาราตินสกี้
ความสนใจเปลี่ยนไปเป็นการวิเคราะห์จิตวิทยารอบตัวชีวิต
ความยากจนของหลักการสร้างสรรค์ของลัทธิคลาสสิค
คลื่นลูกที่สองของลัทธิจินตนิยมขึ้นอยู่กับผลกระทบและความสมจริง
ความสมจริงเชิงวิพากษ์เกิดขึ้น
ความแปลกใหม่ ความโรแมนติกจอมปลอม...
ระยะเวลาผลทางวิชาการ
โพลาไรซ์ของปรากฏการณ์ทางศิลปะ (Ivanov "Messiah", Bryullov, Fyodor Bruni, Basin - ภาพวาด, I.P. Vitali, P.K. Klodt - ประติมากร, P.A. Fedotov - ผู้ก่อตั้งความสมจริงเชิงวิพากษ์, Shevchenko, Agni ด้วย) Salamatkin
โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม มอสโก
พ.ศ. 2400 (ค.ศ. 1857) - จุดเริ่มต้นของแกลเลอรี Tretyakov
การศึกษาประวัติศาสตร์ศิลปะเริ่มต้นขึ้น - การก่อตั้งภาควิชาศิลปะที่มหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก (2400)
ภาควิชาศิลปะในทุกมหาวิทยาลัย (ตามกฎบัตร)
พ.ศ. 2417 (ค.ศ. 1874) – ปราคอฟบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
พ.ศ. 2407 (ค.ศ. 1864) – พิพิธภัณฑ์สโตรกานอฟ
พ.ศ. 2408 (ค.ศ. 1865) – Chernyshevsky ปกป้องวิทยานิพนธ์ของเขาในหัวข้อ “ความสัมพันธ์เชิงสุนทรีย์ของศิลปะกับความเป็นจริง”
ตำแหน่งของศิลปินก็น่าอับอาย
AH มีการผูกขาด
เงินบำนาญ 2/3 ศตวรรษที่ 19
ปารีสถูกแบนจนถึงยุค 60 (สงสัย)
ค่อยๆสูญเสียความหมายไป
พื้นฐานของนโยบายศิลปะคือการเป็นผู้นำของ Nicholas I
อัสโตลิแยร์ เดอ กุสติน, 1839
พ.ศ. 2403- ในชุด AH นางแบบเปลือย
เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Artel ของศิลปิน (2406-2413)
สมาคมศิลปะแห่งแรกที่ศิลปินสร้างขึ้น
จัดทำโดยการสร้างนักเดินทาง
9 พฤศจิกายน พ.ศ. 2406 - ผู้เข้าแข่งขัน 14 คนสำหรับเหรียญใหญ่ปฏิเสธและออกจาก Academy of Arts เนื่องในวันครบรอบหนึ่งร้อยปี พวกเขาต้องการเขียนตามโปรแกรมที่พวกเขาเลือกเอง
“ การประท้วงครั้งที่ 14” (จิตรกร 13 คนประติมากรหนึ่งคน - V. Creighton)
ใน. Punin "Petersburg Artel" - เขียนเกี่ยวกับพวกเขา
จัดนิทรรศการครั้งแรกใน Nizhny Novgorod ในปี พ.ศ. 2408
พวกเขารับคำสั่งอะไรและสอน
- “อาร์เทลวันพฤหัสบดี”
แขกรับเชิญ (Repin, Antokolsky, Myasoedov, Chistyakov ฯลฯ )
พ.ศ. 2414 (ค.ศ. 1871) – นิทรรศการครั้งแรกของนักเดินทาง
วันพฤหัสบดีกลายเป็นโรงเรียนนอกระบบ
ส.ส. Ostroy “ ผลงานที่สะท้อนถึงศตวรรษ” - Petrov
เกี่ยวกับ Kiprensky และ Goethe - "ศิลปะรัสเซีย .. " - บทความของ Turchin เรื่อง "Kiprensky ในฝรั่งเศสและเยอรมนี"
ในปี พ.ศ. 2412 Myasoedov กลับจากต่างประเทศซึ่งเขาได้ศึกษาการจัดนิทรรศการ
พ. 1869-1870 – ร่างกฎบัตรของสมาคมผู้พเนจร
ส่วนที่สามสุดท้ายคือ "peredvizhne" (แต่ไม่เป็นเช่นนั้น)
สัญลักษณ์นิยม
ความสมจริงตามวัตถุประสงค์สู่ความสมจริงของภาพ
วิชาการตอนปลาย
“วิชาการเป็นนิรันดร์”
นีโอโรแมนติก
วรูเบล, เลวีตัน, วาสเนตซอฟ
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2404 - การทำให้เป็นประชาธิปไตยอย่างกว้างขวาง
อเล็กซานเดอร์ที่ 2 ปลดเปลื้องการเซ็นเซอร์
การทหาร zemstvo การปฏิรูปกระบวนการยุติธรรม
ก่อนปี พ.ศ. 2406 มีการลงโทษทางร่างกาย
กำจัดแผนกที่สาม (ตำรวจลับ)
ผู้พเนจร: Myasoedov, Perov, Kramskoy
บรรณาธิการกฎบัตรศิลปินชุดแรก
Ge “Peter I สอบปากคำ Tsarevich Al Peter ใน Monplaisir ใน Peterhof”
ในมอสโก + “ฉัน. กรอซนี" อันโตโคลสกี้
Tretyakov ซื้อภาพวาด 11 ภาพจาก 47 ภาพ
นิทรรศการครั้งที่ 2 พ.ศ. 2416 – Kramskoy “พระคริสต์ในทะเลทราย”, Perov “Dostoevsky”
พ.ศ. 2417 (ค.ศ. 1874) – AH พยายามอีกครั้ง
สังคมวิชาการดำรงอยู่จนถึงปี พ.ศ. 2426
Academy of Arts พยายามจัดนิทรรศการการเดินทางแต่ล้มเหลว
Polenov, Repin, Surikov, Savitsky, Yaroshenko + มาหา Wanderers
พ.ศ. 2423 (นิทรรศการครั้งที่ 8) - Vasnetsov“ หลังจากการต่อสู้กับชาว Polovtsians”
พ.ศ. 2424 (นิทรรศการที่ 9) – Surikov “ การประหารชีวิตสเตรลต์ซียามเช้า”
พ.ศ. 2426 (นิทรรศการครั้งที่ 11) – เรอปิน “ขบวนแห่ศาสนา”
พ.ศ. 2427 (ค.ศ. 1884) – “พวกเขาไม่ได้คาดหวัง” Repin
พ.ศ. 2428 (ค.ศ. 1885) – “อีวานผู้น่ากลัว”
พ.ศ. 2430 (นิทรรศการครั้งที่ 15) – Surikov “Boyaryna Morozova”
พ.ศ. 2433 (ค.ศ. 1890) – Ge “ความจริงคืออะไร”
พ.ศ. 2453 (ค.ศ. 1910) – กองหน้าชาวรัสเซีย (พูดออกมาใน 6 ปี)
ปัญหา:
สิ่งใหม่เพิ่มเติมสู่สังคม
คณะกรรมการ (ป้องกันลำดับชั้น)
พ.ศ. 2437 (ค.ศ. 1894) – การปฏิรูปสถาบันศิลปะ
ผู้พเนจรเข้ามามีอำนาจ (ริเริ่ม Al III)
AH การปฏิรูป พ.ศ. 2437:
การปฏิรูปประกอบด้วยการแก้ไขกฎบัตรของ Academy อย่างรุนแรงและการต่ออายุองค์ประกอบของอาจารย์ใหม่ทั้งหมด การโจมตีหลักมุ่งตรงไปที่ระบบโปรแกรมการศึกษาซึ่งเกิดการกบฏอันโด่งดังของคู่แข่งทั้งสิบสามคนในปี พ.ศ. 2406 ในขั้นต้นพวกเขาวางแผนที่จะละทิ้งโปรแกรมสำหรับการเดินทางไปต่างประเทศโดยสิ้นเชิง แต่ในที่สุดพวกเขาก็ยังคงอยู่โดยให้อิสระในการเลือกหัวข้อเท่านั้น Academy กลายเป็นสถาบันศิลปะที่สูงที่สุดซึ่งรับผิดชอบนโยบายของรัฐทั้งหมดในสาขาวิจิตรศิลป์ บทบาทในด้านศิลปะจะต้องคล้ายคลึงกับบทบาทของ Academy of Sciences ในสาขาวิทยาศาสตร์ โรงเรียนศิลปะชั้นสูงก่อตั้งขึ้นที่สถาบันแห่งนี้ ตำแหน่งนักวิชาการคงเดิม ตำแหน่งศาสตราจารย์ถูกยกเลิกไปในความหมายเดิมว่าเป็นตำแหน่งคุณธรรม และคงไว้เฉพาะครูในโรงเรียนเท่านั้น มีการรวบรวมรายชื่อนักวิชาการใหม่ ซึ่งรวมถึงนักเดินทางคนสำคัญทั้งหมดที่ยังไม่มีชื่อนี้ อาจารย์เก่าจะต้องถูกไล่ออก "ด้วยเงินบำนาญและเครื่องแบบ" ยกเว้น P.P. Chistyakov และมีการวางแผนที่จะเชิญคนใหม่ ๆ จากบรรดาผู้พเนจรด้วย มีกำหนดดังต่อไปนี้: Repin, Surikov, V. Vasnetsov, Polenov, Pryanishnikov, Vladimir Makovsky, Kuindzhi, Shishkin, Kiselev นักขี่ม้าและจิตรกรการต่อสู้ Kovalevsky; นอกจากนี้ประติมากร Beklemishev และ Salemann ช่างแกะสลัก Mate Surikov, Vasnetsov, Polenov และ Pryanishnikov ปฏิเสธที่จะย้ายจากมอสโกไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างเด็ดขาดซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมผู้สมัครของพวกเขาจึงถูกกำจัด แต่ส่วนที่เหลือได้รับการแต่งตั้งเป็นอาจารย์และได้รับอพาร์ทเมนท์ของรัฐบาลและการประชุมเชิงปฏิบัติการส่วนตัวที่ Academy การสอนแบ่งออกเป็นระดับล่างและระดับสูง ชั้นเรียนแรกแบ่งเป็นชั้นเรียนวิชาการ 2 ชั้นเรียน - ส่วนหัวและเต็มหน่วย ชั้นเรียนที่สอง - การประชุมเชิงปฏิบัติการพิเศษ ซึ่งความสำเร็จจะสิ้นสุดลงด้วยการเขียนภาพโปรแกรมตามธีมของตนเอง และหากประสบความสำเร็จ ก็สามารถเดินทางไปต่างประเทศเป็นเวลาสามปีได้ . ชั้นปูนปลาสเตอร์ - หัวและรูปร่าง - ถูกทำลาย; พวกเขาวาดและระบายสีจากแบบจำลองที่มีชีวิตเท่านั้น เราเขียนทั้งวันและทาสีในตอนเย็น ระบบเหรียญรางวัลถูกยกเลิก มีเพียงหมวดหมู่สำหรับภาพวาดและภาพร่างเท่านั้น ผู้ที่ได้รับสิ่งที่ดีที่สุดจะถูกย้ายจากหัวหน้าไปสู่ระดับเต็ม จากระดับเต็มไปจนถึงการประชุมเชิงปฏิบัติการของศาสตราจารย์-หัวหน้างาน ไม่มีกำหนดเวลาในการย้ายทีม และมีความเป็นไปได้ที่จะสำเร็จการศึกษาจากอะคาเดมี่ภายในหกหรือเจ็ดปีหรือสองปี นอกจากผลงานจากชีวิตแล้วยังมีการส่งภาพร่างในหัวข้อของตนเองซึ่งมีการแบ่งหมวดหมู่ด้วย ภาพร่างที่ประสบความสำเร็จมีความสำคัญไม่น้อยในการแปล นอกจากชั้นเรียนฝึกวาดภาพและระบายสีแล้ว หลักสูตรนี้ยังรวมหลักสูตรเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะ มุมมอง กายวิภาคศาสตร์ ฯลฯ อีกด้วย ป.
ในที่สุดในปี พ.ศ. 2437 ก็มีการปฏิรูป ผู้สนับสนุนและคำแนะนำที่แข็งขัน ได้แก่ Repin, Kuindzhi, Shishkin, V. Makovsky มาที่ Academy ในฐานะครู การปฏิรูปมีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดก้าวหน้าที่ว่า Academy ควรจะไม่เพียงแต่เป็นโรงเรียนแห่งความเป็นเลิศเท่านั้น แต่ยังเป็นโรงเรียนแห่งความคิดสร้างสรรค์ด้วย อาจารย์คนใหม่ - หัวหน้าเวิร์คช็อปควรจะมีส่วนช่วยในการพัฒนาบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ของนักเรียนเป็นหลัก มีการตัดสินใจว่าจะให้อิสระแก่นักเรียนในการสำรวจความคิดสร้างสรรค์มากขึ้น และให้เวลาพวกเขาในการทำงานอิสระมากขึ้น เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ ระยะเวลาของปีการศึกษาจึงสั้นลง ซึ่งไม่สิ้นสุดในเดือนตุลาคมเหมือนเมื่อก่อน แต่ในเดือนเมษายน บางสิ่งมีการเปลี่ยนแปลงในระบบการศึกษานั่นเอง เพื่อที่จะพัฒนาความเป็นปัจเจกบุคคลเชิงสร้างสรรค์ของนักเรียนมากขึ้นตัวอย่างเช่นคลาสปูนปลาสเตอร์สำหรับจิตรกรจึงถูกยกเลิกเหลือเพียงสถาปนิกเท่านั้น ระบบการสอบแข่งขันชิงเหรียญทองที่มีหัวข้อทั่วไปบังคับสำหรับทุกคนก็ถูกยกเลิกเช่นกัน แต่นักเรียนกลับได้รับสิทธิ์เขียนภาพข้อสอบในหัวข้อที่ไม่เสียค่าใช้จ่ายใดๆ แทน การบริหารจัดการกิจกรรมสร้างสรรค์ส่งต่อให้สภาอาจารย์ รวมถึงศิลปิน I.E. Repin, V.E. Makovsky และ A.I. Kuindzhi, ประติมากร V.A. Beklemishev และช่างแกะสลัก V.V. Mate มีการเลือกตั้งสมาชิกเต็มจำนวนประมาณหกสิบคนของ Academy of Arts ในหมู่พวกเขามีศิลปิน V.M. Vasnetsov, V.I. Surikov, V.D. Polenov, ประติมากร M.M. Antokolsky, นักวิทยาศาสตร์ชื่อดัง - นักประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียโบราณ I.E. Zabelin, นักเคมี D.I. Mendeleev นักประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียโบราณ N.P. Kondakov ผู้ก่อตั้งหอศิลป์ P.M. Tretyakov สมาชิกเต็มรูปแบบของ Academy มีสิทธิ์เข้าร่วมการประชุมของ Academy และมีส่วนร่วมในการอภิปรายประเด็นต่างๆ ที่เกิดขึ้นที่นั่น ชื่อของสมาชิกกิตติมศักดิ์ของ Academy of Arts มอบให้กับนักสะสมเป็นหลัก ตัวอย่างเช่นสมาชิกกิตติมศักดิ์ของ Academy คือนักวิทยาศาสตร์ P.P. Semenov-Tyan-Shansky - นักภูมิศาสตร์นักสะสมวุฒิสมาชิกสมาชิกสภาแห่งรัฐ
ประเภทในช่วงระยะเวลาของ peredvizhniki:
ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1870 เป็นต้นมา ลักษณะเฉพาะของแนวเพลงนี้คือศิลปินพยายามแสดงรายละเอียด: ขนาดของภาพวาดเพิ่มขึ้น
ผู้เข้าร่วม: Kramskoy, Ge, Perov, Maksimov, Savitsky, Myasoedov, Yaroshenko, Makovsky, Repin, Surikov, Savrasov, Shishkin, Kuindzhi และอื่น ๆ
ในยุค 70 การวาดภาพประชาธิปไตยแบบก้าวหน้าได้รับการยอมรับจากสาธารณชน เธอมีนักวิจารณ์ของตัวเอง - I.N. Kramskoy และ V.V. Stasov และนักสะสมของเขา - P.M. เทรตยาคอฟ เวลาที่สัจนิยมประชาธิปไตยของรัสเซียจะเฟื่องฟูในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กำลังจะมาถึง ในเวลานี้ ในใจกลางของโรงเรียนอย่างเป็นทางการ - สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - การต่อสู้ก็กำลังก่อตัวขึ้นเพื่อสิทธิทางศิลปะที่จะกลายมาเป็นชีวิตจริงซึ่งส่งผลให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า "การปฏิวัติของ 14 ” ในปี พ.ศ. 2406 ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy จำนวนหนึ่งปฏิเสธที่จะวาดภาพแบบเป็นโปรแกรมในธีมหนึ่งของมหากาพย์สแกนดิเนเวียเมื่อมีปัญหาสมัยใหม่ที่น่าตื่นเต้นมากมายและไม่ได้รับอนุญาตให้เลือกหัวข้อได้อย่างอิสระจึงออกจาก Academy ก่อตั้ง "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Artel of Artists” (F. Zhuravlev, A. Korzukhin, K. Makovsky, A. Morozov, A. Litovchenko ฯลฯ ) ในอพาร์ทเมนต์ของ Kramskoy บนบรรทัดที่ 17 ของเกาะ Vasilyevsky พวกเขาสร้างบางสิ่งที่คล้ายกับชุมชนคล้ายกับที่อธิบายไว้ในนวนิยายของ Chernyshevsky ภายใต้อิทธิพลซึ่งปัญญาชนเกือบทั้งหมดอยู่ภายใต้อิทธิพล "อาร์เทล" ไม่ได้มีมานานแล้ว และในไม่ช้ากองกำลังทางศิลปะของมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็ได้รวมตัวเป็นสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง (พ.ศ. 2413) นิทรรศการเหล่านี้เรียกว่าการเดินทางเพราะไม่เพียงจัดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกเท่านั้น แต่ยังจัดในจังหวัดด้วย (บางครั้งใน 20 เมืองในระหว่างปี) มันเหมือนกับการ "ไปหาคน" ของศิลปิน ความร่วมมือนี้มีมานานกว่า 50 ปี (จนถึงปี 1923) นิทรรศการแต่ละครั้งถือเป็นงานใหญ่ในชีวิตของชาวเมืองต่างจังหวัด Peredvizhniki ต่างจาก Artel ตรงที่มีโปรแกรมอุดมการณ์ที่ชัดเจน - เพื่อสะท้อนชีวิตที่มีปัญหาสังคมเฉียบพลันในทุกความเกี่ยวข้อง ศิลปะของ Peredvizhniki เป็นการแสดงออกของแนวคิดประชาธิปไตยที่ปฏิวัติในวัฒนธรรมศิลปะของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แนวเพลงในชีวิตประจำวันในผลงานที่ดีที่สุดของ Itinerants นั้นปราศจากเกร็ดเล็กเกร็ดน้อยใดๆ การวางแนวทางสังคมและความเป็นพลเมืองสูงของแนวคิดนี้ทำให้แนวคิดนี้แตกต่างออกไปในการวาดภาพประเภทยุโรปในศตวรรษที่ 19 ความร่วมมือนี้ก่อตั้งขึ้นตามความคิดริเริ่มของ Myasoedov โดยได้รับการสนับสนุนจาก Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, พี่น้อง Makovsky และ "สมาชิกผู้ก่อตั้ง" อื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งที่ลงนามในกฎบัตรฉบับแรกของความร่วมมือ ในช่วงทศวรรษที่ 70-80 มีศิลปินรุ่นเยาว์เข้าร่วม เช่น Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko, Savitsky, Kasatkin และคนอื่นๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 80 Serov, Levitan และ Polenov ได้มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการ Peredvizhniki รุ่น "แก่" ส่วนใหญ่มีสถานะทางสังคมต่างกัน โลกทัศน์ของเขาพัฒนาขึ้นในบรรยากาศของยุค 60 ผู้นำและนักทฤษฎีของขบวนการ Peredvizhniki คือ Ivan Nikolaevich Kramskoy (พ.ศ. 2380-2430) ซึ่งในปี พ.ศ. 2406 เป็นผู้นำ "การปฏิวัติ 14" ซึ่งเป็นผู้จัดงานที่น่าทึ่งและนักวิจารณ์ศิลปะที่โดดเด่น เขาเช่นเดียวกับเพื่อนสมาชิกในองค์กรโดดเด่นด้วยศรัทธาที่ไม่สั่นคลอนสิ่งแรกคือในพลังการศึกษาของศิลปะที่ออกแบบมาเพื่อสร้างอุดมคติของพลเมืองของแต่ละบุคคลและปรับปรุงเขาทางศีลธรรม
เป็นเวลาหลายศตวรรษแล้วที่มนุษย์ชื่นชมความสมบูรณ์แบบและความกลมกลืนของโลกรอบตัวเขา ฉันพยายามมองเห็นและจับภาพความงดงามและเอกลักษณ์แห่งช่วงเวลาของชีวิตบนผืนผ้าใบ ศิลปินหลายคนพยายามถ่ายทอดการผสมผสานสีที่กลมกลืนของโลกที่มองเห็นบนผืนผ้าใบได้ข้อสรุปเกี่ยวกับการมีอยู่ของหลักการภาพและกฎบางประการในการวาดภาพสีบนระนาบของรูปแบบผืนผ้าใบพื้นที่วัสดุแสงความกลมกลืนของสีที่สังเกตได้ ธรรมชาติ.
การสำรวจประสบการณ์การวาดภาพของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ทั้งในอดีตและปัจจุบันศิลปินและอาจารย์ชาวรัสเซีย Nikolai Petrovich Krymov ได้สรุปกฎพื้นฐานและหลักการของการวาดภาพเหมือนจริงในทฤษฎีของเขาอย่างเรียบง่ายและเข้าถึงได้มากที่สุด ตัวอย่างเช่น: “หญ้าในวันที่สีเทาก็เขียวเหมือนหญ้าในที่ร่มในวันที่แดดจ้า เงาบนหลังคาจากปล่องไฟในวันที่แดดจัดเป็นหลังคาเดียวกันแต่ไม่ได้รับแสงสว่างจากดวงอาทิตย์เหมือนกับในวันที่มีเมฆมาก และแน่นอนว่ากฎนี้เป็นที่รู้จักของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ทุกคน”
Krymov เรียกการวาดภาพแบบสมจริงว่าเป็นศิลปะแห่ง "การถ่ายทอดชีวิตจริงบนผืนผ้าใบ" เกี่ยวกับความคิดริเริ่มของภาษาศิลปะในการวาดภาพ Krymov กล่าวว่า: "ความคิดริเริ่มที่แท้จริงเป็นผลมาจากความปรารถนาอย่างจริงใจที่จะบอกความจริง"
“ในศิลปะการวาดภาพจำเป็นต้องถ่ายทอดธรรมชาติหรือการแสดงออกของธรรมชาติในความสัมพันธ์ที่เป็นจริงทั้งแสงและสี การจะทำเช่นนี้ได้ เราต้องศึกษาธรรมชาติ มองอย่างใกล้ชิดถึงความหมายของทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวเรา ..Vrubel เป็นนักสัจนิยม เขาใช้สีสันและโทนสีทั้งหมดสำหรับฉากมหัศจรรย์ของเขาจากชีวิต โดยสังเกตธรรมชาติอย่างซื่อสัตย์ แต่เขาถ่ายโอนเสียงจากวัตถุที่ไม่มีชีวิต (ตอไม้, หิน) ไปยังวัตถุที่เคลื่อนไหวได้ - ปีศาจ, แพน คุณสามารถทำงานแบบนี้ได้ก็ต่อเมื่อคุณเชี่ยวชาญศิลปะการวาดภาพเป็นอย่างดี”
หลักการวาดภาพหลักในงานศิลปะแบบสมจริงคือกฎของสีและโทนสี Krymov สร้างทฤษฎีภาพทั้งหมดของเขาจากปฏิสัมพันธ์ที่แยกไม่ออก “ในการวาดภาพเหมือนจริงมีสองแนวคิดหลัก: สีและโทนสี อย่าสับสน แนวคิดเรื่องสีรวมถึงแนวคิดเรื่องความอบอุ่นและความเย็น แนวคิดเรื่องโทนสีคือแนวคิดเรื่องแสงและความมืด ... ในการวาดภาพด้วยขาตั้งวัสดุเชิงพื้นที่ สีและโทนสีจะแยกกันไม่ออก ไม่มีสีแยก สีที่ใช้โทนสีไม่ถูกต้องจะไม่ใช่สีอีกต่อไป แต่เป็นเพียงการทาสี และไม่สามารถสื่อถึงปริมาตรของวัสดุในอวกาศได้ สีจะปรากฏร่วมกันในความสัมพันธ์แบบรูปภาพ สีคือจิตวิญญาณของการวาดภาพ ความงดงามและความหมาย... ปริมาณและพื้นที่ถ่ายทอดผ่านโทนสี ในการวาดภาพ เช่นเดียวกับในดนตรี ทุกสิ่งทุกอย่างจะต้องสอดคล้องกันและกลมกลืนเหมือนในวงออเคสตราที่ดี
กฎหลักและพื้นฐานในการวาดภาพคือทฤษฎีของน้ำเสียง Krymov ซึ่งได้ศึกษาประสบการณ์เก่าแก่หลายศตวรรษของปรมาจารย์ที่เก่งที่สุดในการพรรณนาความเป็นจริงได้สรุปว่า“ ในการวาดภาพเหมือนจริงโทนสีมีบทบาทหลักในการกำหนดบทบาท นักสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตทุกคนเขียนด้วยน้ำเสียง ในบรรดาศิลปินชาวรัสเซียที่เก่งที่สุด ฉันจะตั้งชื่อว่า Repin, Levitan, Serov, Vrubel, Korovin, Arkhipov” ที่นี่คุณยังสามารถระบุชื่อมากมาย - ยักษ์ใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา, Rubens, Rembrandt, Velasquez, Barbizons และตัวแทนที่ดีที่สุดของขบวนการอิมเพรสชั่นนิสต์ Monet, Degas, Sisley, Renoir
“โทนเสียงที่เหมาะสมทำให้ศิลปินเป็นอิสระจากการหารายละเอียด เพิ่มความลึกให้กับภาพ และวางวัตถุไว้ในที่ว่าง มีเพียงงานดังกล่าวเท่านั้นที่สามารถเรียกได้ว่างดงามซึ่งโทนสีทั่วไปและความสัมพันธ์ที่ถูกต้องระหว่างโทนสีของวัตถุแต่ละชิ้นและส่วนของภาพจะถูกจับและพบ
เรากำลังพูดถึงความแตกต่างของโทนสีเมื่อเฉดสีของสีเดียวกันแตกต่างกันในเรื่องความเข้มหรืออัตราส่วนรูรับแสง ถ้าสีต่างกัน แต่อัตราส่วนรูรับแสงเท่ากัน โทนสีก็จะเหมือนกัน หากภาพวาดมีสีต่างกัน
แต่ด้วยอัตราส่วนรูรับแสงเดียว แล้วเราก็บอกได้เลยว่าภาพที่วาดเป็นโทนสีเดียว... โทนสีที่ผิดพลาดทำให้ได้สีที่ผิด หากไม่มีน้ำเสียงที่เหมาะสม ก็เป็นไปไม่ได้เลยที่จะถ่ายทอดสภาพทั่วไปของธรรมชาติ พื้นที่ และวัสดุได้อย่างเป็นจริง การเปลี่ยนสีบางอย่างไม่สามารถส่งผลกระทบต่อองค์ประกอบพื้นฐานทั้งสามนี้ของการวาดภาพเหมือนจริงได้... สีจะมองเห็นได้ง่ายกว่า มีเพียงดวงตาของผู้มีพรสวรรค์ในการวาดภาพเท่านั้นที่สามารถมองเห็นความแตกต่างของโทนสีได้อย่างละเอียด ซึ่งหมายความว่าบุคคลดังกล่าวมีศักยภาพในการเป็นศิลปินมากขึ้น ดังนั้น นักดนตรีที่มีหูแหลมคมจะได้ยินความแตกต่างน้อยกว่าเซมิโทน
กฎแห่งเอกลักษณ์ของสีและความกลมกลืนของสีในภาพวาดนั้นขึ้นอยู่กับโทนสีทั่วไปของภาพ “ในภาพวาด ก็เหมือนกับในดนตรี ที่มักจะมีโทนเสียงที่แน่นอนอยู่เสมอ นี่คือกฎหมาย” “ศิลปินคนหนึ่งวาดภาพทุกสิ่งที่เขาเห็นเป็นสีฟ้า อีกคนวาดสีแดง และคนที่สามเป็นสีเทา แต่ถ้าโทนสีทั่วไปเป็นจริง พวกเขาทั้งหมดล้วนเป็นจิตรกร”
“โทนสีทั่วไปคือระดับความมืด ความเข้มของแสงของสี ซึ่งภาพรวมโดยรวมไม่เป็นไปตามนั้น โทนสีทั่วไปของวันสีเทาคือโทนเดียว และโทนสีทั่วไปของวันที่มีแดดจัดจะแตกต่างออกไป ในห้อง โทนสีโดยรวมจะแตกต่างออกไปอีกครั้ง และยังเปลี่ยนไปตามแสงสว่างภายนอกด้วย นี่คือจุดที่เราได้รับโทนสีที่หลากหลาย ขอบเขตที่หลากหลายในภาพวาดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ถ่ายภาพ "The Procession" ของ Repin มีแสงแดดแรงกล้าและมีเสียงดังแค่ไหน นำภาพวาดเล็กๆ “การจับกุมผู้โฆษณาชวนเชื่อ” เธอมืดแค่ไหน.. มีกระดาษฉีกขาดอยู่ สิ่งที่กลายเป็นสีขาวบนพื้นไม่ได้เขียนด้วยสีขาว แต่เขียนด้วย "หมึก" แต่กลับกลายเป็นสีขาว
จะวาดภาพอย่างไรให้ออกมางดงาม? เราต้องเขียนโดยนำความสัมพันธ์ของเรื่องหนึ่งไปยังอีกเรื่องหนึ่ง
เมื่อพวกเขาให้ฉันชาวดัตช์เพื่อซ่อมแซม ท้องฟ้าเป็นสีฟ้า ครั้งหนึ่งเคยเป็นธรรมเนียมที่จะบอกว่าราฟาเอลวาดภาพด้วยสีพิเศษบางสีที่สว่างกว่า ซึ่งโดยทั่วไปแล้วชาวอิตาลีวาดภาพท้องฟ้าสีฟ้าด้วยสีฟ้าอันแสนวิเศษที่พวกเขาไม่ทำอีกต่อไป และตอนนี้ฉันพยายามเติมสีฟ้าลงในหลุม - มันไม่เหมือนกันเลยมันใช้งานไม่ได้ ปรากฎว่าสว่างและเป็นสีน้ำเงินมาก จากนั้นผมก็เริ่มเข้มขึ้นไปจนถึงสีน้ำตาลเข้มผสมกับสีเขียว ทุกสิ่งทุกอย่างเกี่ยวกับชาวดัตช์คนนี้เป็นสีแดง สีแดง และเมฆก็เป็นสีแดง และเมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ ท้องฟ้าสีน้ำตาลเข้มก็ดูเป็นสีฟ้ามาก ดังนั้นปรมาจารย์ผู้เฒ่าจึงไม่มีสีพิเศษใดๆ”
ในการถ่ายทอดสาระสำคัญของโลกที่มองเห็นได้ การวาดภาพที่เหมือนจริงจะขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ของสีและโทนสีอีกครั้ง ต่างจากการวาดภาพแบบธรรมชาติ
“การทาสีคือการเรนเดอร์โทนสี (บวกสี) ของวัสดุที่มองเห็นได้
จิตรกรตัวจริงไม่ได้พยายามสร้างเหล็กในภาพ แต่ด้วยความกลมกลืนของโทนสีและการค้นหาโทนเสียงทั่วไป เนื่องจากแต่ละโทนอยู่ในตำแหน่งที่แน่นอน ผลลัพธ์ที่ได้คือภาพที่ถูกต้องของ วัสดุ.
ศิลปินใช้โทนสี ทาหน้า การแต่งกาย แต่ปรากฎว่าชุดเป็นผ้าไหมและหน้าเป็นสีเนื้อ เพราะเขาเข้าใจโทนสีทั่วไปและสีและความกลมกลืนของสีได้อย่างถูกต้อง จากนั้นก็ออกมาด้วยคำพูดของเดลาครัวซ์: “ขอดินให้ฉันแล้วฉันจะทาสีดวงอาทิตย์”
“นักธรรมชาตินิยมไม่เห็นน้ำเสียง อย่าจัดการกับปัญหาน้ำเสียง อุดมคติของความเป็นธรรมชาตินิยมคือ ใช้ชีวิตนิ่ง ใส่กรอบ และแขวนไว้เหมือนภาพวาด”
“ศิลปินทุกคนสังเกตเห็นว่ายิ่งพวกเขานำเฉดสีของวัตถุเข้าใกล้ธรรมชาติมากขึ้นเท่าใด วัสดุที่ใช้สร้างวัตถุนั้นก็จะยิ่งดีขึ้นเท่านั้น และในทางกลับกัน หากไม่สังเกตเฉดสีเหล่านี้ วัสดุของวัตถุที่ส่งผ่านก็จะหายไป หิมะถูกสร้างขึ้นถ้าคุณเขียนฤดูหนาวด้วยมะนาว, ผ้าไหมด้วยขนสัตว์, ตัวด้วยยาง, รองเท้าบูทด้วยเหล็ก ฯลฯ
ไม่ใช่การตกแต่งรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ แต่เป็นโทนสีที่เหมาะสมในการตัดสินใจเลือกวัสดุของวัตถุ
ความเที่ยงตรงของน้ำเสียงทั่วไปและความเที่ยงตรงของความสัมพันธ์ระหว่างวัตถุแต่ละชิ้นในภาพทำให้ศิลปินสามารถถ่ายทอดสภาพทั่วไปของธรรมชาติได้อย่างแม่นยำโดยไม่มีรายละเอียดมากเกินไป จัดเรียงวัตถุในช่องว่างอย่างถูกต้อง ถ่ายทอดเนื้อหาได้อย่างน่าเชื่อถือ นั่นคือถ่ายทอดชีวิตที่แท้จริง บนผืนผ้าใบ”
วรรณกรรม:
Nikolai Petrovich Krymov เป็นศิลปินและอาจารย์ บทความความทรงจำ อ.: รูปภาพ. ศิลปะ 2532
ข้อมูลที่เกี่ยวข้อง.
วิชาการ- ทิศทางในการวาดภาพที่ปรากฏในศตวรรษที่ 17 นักวิชาการก่อตั้งขึ้นอันเป็นผลมาจากการพัฒนาศิลปะคลาสสิกลัทธิคลาสสิก วิชาการเป็นการวาดภาพตามประเพณีของศิลปะและศิลปะโบราณ แต่มีขั้นสูงกว่าจัดระบบมีเทคนิคการดำเนินการที่ได้รับการพัฒนาอย่างดีกฎพิเศษสำหรับการสร้างองค์ประกอบ วิชาการมีลักษณะเฉพาะด้วยธรรมชาติในอุดมคติ เอิกเกริก และทักษะทางเทคนิคสูง ในความเข้าใจของสาธารณชน ลัทธิวิชาการคือการวาดภาพเหมือนจริงคุณภาพสูงและการดำเนินการที่ไร้ที่ติ พร้อมด้วยคุณลักษณะบางประการของลัทธิคลาสสิกซึ่งกระตุ้นให้เกิดความรู้สึกพึงพอใจทางสุนทรีย์ในระดับสูง ภาพวาดของนักวิชาการมักจะได้รับการออกแบบอย่างแม่นยำและพิถีพิถัน นักวิชาการมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะร้านเสริมสวยซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยการอธิบายอย่างละเอียด, การปฏิบัติตามหลักวิชาการและลัทธิคลาสสิกอย่างไร้ที่ติ, การดำเนินการที่ชาญฉลาด แต่โดดเด่นด้วยการออกแบบผิวเผิน
ด้วยเทคนิคพิเศษ ความลับในการจัดองค์ประกอบ การผสมสี องค์ประกอบสัญลักษณ์ และอื่นๆ ผลงานของนักวิชาการสามารถถ่ายทอดฉากต่างๆ ได้อย่างชัดเจนและครบถ้วนที่สุด ในศตวรรษที่ 19 ลัทธิวิชาการเริ่มรวมองค์ประกอบของแนวโรแมนติกและความสมจริงเข้าไว้ด้วยกัน ศิลปินนักวิชาการที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, ศิลปินหลายคนของ Association of Traveling Art Exhibitions, Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau, Paul Delaroche, Jean Jerome, Konstantin Makovsky, Henryk Semiradsky และคนอื่น ๆ อีกมากมาย วิชาการยังคงพัฒนาอยู่จนทุกวันนี้แต่ไม่แพร่หลายอีกต่อไป หากนักวิชาการก่อนหน้านี้อ้างว่าเป็นหนึ่งในแนวโน้มชั้นนำและโดดเด่นในด้านวิจิตรศิลป์ด้วยเหตุผลที่ทำให้ผู้ชมจำนวนมากเข้าใจได้มากที่สุดแล้ว นักวิชาการสมัยใหม่ก็จะไม่เข้ารับบทบาทที่ศิลปะวิชาการของศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอดีตอีกต่อไป . ต่อไปนี้ถือเป็นศิลปินวิชาการสมัยใหม่: Ilya Glazunov, Alexander Shilov, Nikolai Anokhin, Sergei Smirnov, Ilya Kaverznev, Nikolai Tretyakov และคนอื่น ๆ
นักขี่ม้า - คาร์ล บรูลอฟ
คลีโอพัตรา - อเล็กซานเดอร์ คาบาเนล
งูทองแดง - ฟีโอดอร์ บรูนี
ยกนิ้วให้ - ฌอง เจอโรม
ครึ่งวงกลม - พอล เดลาโรช
การกำเนิดของดาวศุกร์ - วิลเลียม บูเกโร
รายละเอียด หมวดหมู่: หลากหลายสไตล์และการเคลื่อนไหวในงานศิลปะและลักษณะพิเศษเผยแพร่เมื่อ 27/06/2014 16:37 เข้าชม: 4009วิชาการ... คำนี้เพียงอย่างเดียวทำให้เกิดความเคารพอย่างสุดซึ้งและบ่งบอกถึงการสนทนาที่จริงจัง
และนี่คือความจริง: ลัทธิวิชาการมีลักษณะเฉพาะด้วยหัวข้อเรื่อง การอุปมาอุปไมย ความเก่งกาจ และแม้กระทั่งความโอ่อ่าในระดับหนึ่ง
นี่คือทิศทางในการวาดภาพยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 เกิดจากรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก กล่าวอีกนัยหนึ่ง มันเป็นการทบทวนรูปแบบศิลปะของสมัยโบราณและยุคเรอเนซองส์ใหม่
Paul Delaroche "ภาพเหมือนของ Peter I" (1838)
ในฝรั่งเศส ตัวแทนของนักวิชาการ ได้แก่ Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau และคนอื่นๆ ลัทธิวิชาการของรัสเซียเด่นชัดโดยเฉพาะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เขาโดดเด่นด้วยฉากในพระคัมภีร์ไบเบิล ภูมิทัศน์ร้านเสริมสวย และภาพบุคคลในพิธีการ ผลงานของนักวิชาการชาวรัสเซีย (Fyodor Bruni, Alexander Ivanov, Karl Bryullov ฯลฯ ) มีความโดดเด่นด้วยทักษะทางเทคนิคขั้นสูง ในทางศิลปะ ลัทธิวิชาการได้ปรากฏอยู่ในผลงานของสมาชิกส่วนใหญ่ของสมาคมผู้พเนจร ภาพวาดเชิงวิชาการของรัสเซียค่อยๆ เริ่มได้รับคุณสมบัติของลัทธิประวัติศาสตร์นิยม (หลักการของการมองโลกในพลวัตในการพัฒนาประวัติศาสตร์ทางธรรมชาติ) อนุรักษนิยม (โลกทัศน์หรือทิศทางทางสังคมและปรัชญาที่วางภูมิปัญญาเชิงปฏิบัติแสดงออกในประเพณีเหนือเหตุผล) และความสมจริง .
I. Kaverznev “ วันอาทิตย์ที่สดใส”
นอกจากนี้ยังมีการตีความคำว่า "วิชาการ" ที่ทันสมัยกว่า: นี่คือชื่อที่มอบให้กับผลงานของศิลปินที่มีการศึกษาด้านศิลปะอย่างเป็นระบบและมีทักษะคลาสสิกในการสร้างสรรค์ผลงานในระดับเทคนิคระดับสูง คำว่า “วิชาการ” ปัจจุบันหมายถึงคุณลักษณะขององค์ประกอบและเทคนิคการแสดงมากกว่า แต่ไม่ได้หมายความถึงโครงเรื่องของงานศิลปะ
น. อโนคิน “ดอกไม้บนเปียโน”
ในโลกสมัยใหม่ ความสนใจในการวาดภาพเชิงวิชาการเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด สำหรับศิลปินร่วมสมัย หลายคนมีคุณลักษณะของนักวิชาการ: Alexander Shilov, Nikolai Anokhin, Sergei Smirnov, Ilya Kaverznev, Nikolai Tretyakov และแน่นอน Ilya Glazunov
ตอนนี้เรามาพูดถึงตัวแทนของนักวิชาการกันบ้าง
พอล เดลาโรช (1797-1856)
จิตรกรประวัติศาสตร์ชื่อดังชาวฝรั่งเศส เกิดที่กรุงปารีสและได้รับการพัฒนาในบรรยากาศทางศิลปะในหมู่คนที่ใกล้ชิดกับศิลปะ ในฐานะศิลปิน ในตอนแรกเขาแสดงตัวเองด้วยการวาดภาพทิวทัศน์ จากนั้นจึงเริ่มสนใจหัวข้อทางประวัติศาสตร์ จากนั้นเขาก็เข้าร่วมแนวคิดใหม่ของ Eugene Delacroix หัวหน้าโรงเรียนโรแมนติก ด้วยจิตใจที่สดใสและความรู้สึกเชิงสุนทรีย์อันละเอียดอ่อน Delaroche ไม่เคยพูดเกินจริงในละครของฉากที่บรรยายไว้ ไม่หลงไปกับเอฟเฟกต์ที่มากเกินไป คิดอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับองค์ประกอบของเขา และใช้วิธีทางเทคนิคอย่างชาญฉลาด ภาพวาดประวัติศาสตร์ของเขาได้รับการยกย่องอย่างเป็นเอกฉันท์จากนักวิจารณ์ และในไม่ช้า ภาพเหล่านั้นก็ได้รับความนิยมผ่านการตีพิมพ์ในรูปแบบงานแกะสลักและภาพพิมพ์หิน
P. Delaroche “การประหารชีวิตเจนเกรย์” (1833)
P. Delaroche “การประหารชีวิตเจนเกรย์” (1833) สีน้ำมันบนผ้าใบ 246x297 ซม. หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน
ภาพวาดประวัติศาสตร์โดยพอล เดลาโรช จัดแสดงครั้งแรกที่ Paris Salon ในปี พ.ศ. 2377 ภาพวาดดังกล่าวซึ่งถือว่าสูญหายไปเกือบครึ่งศตวรรษ และถูกส่งคืนสู่สาธารณะในปี พ.ศ. 2518
โครงเรื่อง: เมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1554 ราชินีแมรี ทิวดอร์แห่งอังกฤษประหารชีวิตผู้ท้าชิงที่ถูกคุมขังอยู่ในหอคอย ซึ่งเป็น “ราชินีเก้าวัน” เจน เกรย์ และสามีของเธอ กิลด์ฟอร์ด ดัดลีย์ ในตอนเช้ากิลฟอร์ด ดัดลีย์ถูกตัดศีรษะต่อสาธารณะ จากนั้นจึงอยู่ที่ลานใกล้กำแพงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ถูกเจน เกรย์ตัดหัว
มีตำนานเล่าว่าก่อนการประหารชีวิต เจนได้รับอนุญาตให้พูดถึงกลุ่มคนที่อยู่ในปัจจุบันและแจกจ่ายสิ่งของที่เหลืออยู่กับเธอให้กับเพื่อนของเธอ เธอสูญเสียการปฐมนิเทศและไม่สามารถหาทางไปที่เขียงได้ด้วยตัวเอง: “ฉันควรทำอย่างไรดีตอนนี้? [นั่งร้าน] อยู่ที่ไหน? ไม่มีเพื่อนคนไหนเข้ามาหาเจน และมีคนสุ่มจากฝูงชนพาเธอไปที่นั่งร้าน
ช่วงเวลาแห่งความอ่อนแอที่กำลังจะตายนี้ถูกบันทึกไว้ในภาพวาดของเดลาโรช แต่เขาจงใจเบี่ยงเบนไปจากสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่รู้จักกันดีของการประหารชีวิตโดยไม่ได้วาดภาพลานบ้าน แต่เป็นคุกใต้ดินที่มืดมนของหอคอย เจนสวมชุดสีขาว แม้ว่าในความเป็นจริงเธอสวมชุดสีดำเรียบง่ายก็ตาม
Paul Delaroche “ภาพเหมือนของ Henrietta Sontag” (1831), อาศรม
Delaroche วาดภาพบุคคลที่สวยงามและเป็นอมตะด้วยพู่กันของเขา ผู้คนที่โดดเด่นมากมายในยุคของเขา: Pope Gregory XVI, Guizot, Thiers, Changarnier, Remusat, Pourtales, นักร้อง Sontag ฯลฯ ช่างแกะสลักร่วมสมัยที่ดีที่สุดของเขาถือว่าการทำซ้ำภาพวาดและภาพเหมือนของเขาเป็นเรื่องน่ายินดี .
อเล็กซานเดอร์ อันดรีวิช อีวานอฟ (1806-1858)
S. Postnikov “ ภาพเหมือนของ A. A. Ivanov”
ศิลปินชาวรัสเซีย ผู้สร้างผลงานเกี่ยวกับเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลและตำนานโบราณ ตัวแทนของนักวิชาการ ผู้แต่งผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ "การปรากฏของพระคริสต์ต่อประชาชน"
เกิดมาในครอบครัวของศิลปิน เขาศึกษาที่ Imperial Academy of Arts โดยได้รับการสนับสนุนจาก Society for the Encouragement of Artists ภายใต้การแนะนำของพ่อของเขาซึ่งเป็นศาสตราจารย์ด้านการวาดภาพ Andrei Ivanovich Ivanov เขาได้รับเหรียญเงินสองเหรียญจากความสำเร็จในการวาดภาพ ในปี พ.ศ. 2367 เขาได้รับเหรียญทองขนาดเล็กจากภาพวาด “Priam Asks Achilles for the Body of Hector” ที่วาดตามโปรแกรม และในปี พ.ศ. 2370 เขาได้รับเหรียญทองขนาดใหญ่และ ชื่อศิลปินระดับ XIV สำหรับภาพวาดอีกเรื่องในเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล เขาพัฒนาทักษะของเขาในอิตาลี
ศิลปินใช้เวลา 20 ปีในการวาดภาพงานที่สำคัญที่สุดในชีวิตของเขา นั่นคือภาพวาด "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน"
A. Ivanov "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน" (2379-2400)
A. Ivanov "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน" (2379-2400) สีน้ำมันบนผ้าใบ 540x750 ซม. หอศิลป์ State Tretyakov
ศิลปินทำงานวาดภาพในอิตาลี สำหรับเธอ เขาแสดงภาพร่างมากกว่า 600 ภาพจากชีวิตจริง Pavel Mikhailovich Tretyakov ผู้รักงานศิลปะและผู้ใจบุญผู้มีชื่อเสียง ซื้อภาพร่างเพราะ... มันเป็นไปไม่ได้ที่จะซื้อภาพวาดนั้นเอง - มันถูกวาดตามคำสั่งของ Academy of Arts และอย่างที่เคยเป็นมาก็มีผู้ซื้อไปแล้ว
โครงเรื่อง: อ้างอิงจากบทที่สามของข่าวประเสริฐของมัทธิว แผนแรกที่ใกล้กับผู้ชมมากที่สุด แสดงให้เห็นกลุ่มชาวยิวที่เดินทางมายังแม่น้ำจอร์แดนตามผู้เผยพระวจนะยอห์นผู้ให้บัพติศมาเพื่อล้างบาปในชีวิตในอดีตของพวกเขาในแม่น้ำ ท่านศาสดาสวมชุดหนังอูฐสีเหลืองและเสื้อคลุมสีอ่อนที่ทำจากผ้าหยาบ ผมยาวสลวยและหนวดเคราหนาทำให้ใบหน้าซีดและบางของเขามีดวงตาที่จมลงเล็กน้อย หน้าผากที่สูงชัดเจน รูปลักษณ์ที่มั่นคงและชาญฉลาด หุ่นที่กล้าหาญ แข็งแกร่ง แขนและขาที่มีกล้ามเนื้อ - ทุกสิ่งเผยให้เห็นความแข็งแกร่งทางสติปัญญาและร่างกายที่ไม่ธรรมดาในตัวเขา ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากชีวิตนักพรตของฤาษี ในมือข้างหนึ่งเขาถือไม้กางเขนและอีกมือหนึ่งก็ชี้ผู้คนไปที่ร่างที่โดดเดี่ยวของพระคริสต์ซึ่งปรากฏแล้วในระยะไกลบนถนนที่เต็มไปด้วยหิน ยอห์นอธิบายให้คนที่มาชุมนุมกันฟังว่าคนเดินนำความจริงใหม่ ความเชื่อใหม่มาให้พวกเขา
ภาพสำคัญประการหนึ่งของงานนี้คือยอห์นผู้ให้บัพติศมา ผู้ชมยังคงรับรู้ถึงพระคริสต์ในรูปทรงทั่วไปของเขาสงบและสง่างาม ใบหน้าของพระคริสต์สามารถมองเห็นได้โดยใช้ความพยายามเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ร่างของจอห์นอยู่เบื้องหน้าของภาพและครอบงำ รูปร่างหน้าตาที่ได้รับแรงบันดาลใจของเขาเต็มไปด้วยความงามอันเข้มงวดและตัวละครที่กล้าหาญนั้นแตกต่างกับยอห์นผู้เผยแพร่ศาสนาที่เป็นผู้หญิงและสง่างามที่ยืนอยู่ข้างๆเขาทำให้นึกถึงศาสดาพยากรณ์ - ผู้ประกาศความจริง
ยอห์นรายล้อมไปด้วยผู้คนจำนวนมาก มีลักษณะทางสังคมที่หลากหลายและมีปฏิกิริยาแตกต่างออกไปต่อถ้อยคำของศาสดาพยากรณ์ ด้านหลังยอห์นผู้ให้บัพติศมาคืออัครสาวกสาวกในอนาคตและผู้ติดตามพระคริสต์: จอห์นนักศาสนศาสตร์หนุ่มผมแดงเจ้าอารมณ์ในชุดเสื้อคลุมสีเหลืองและเสื้อคลุมสีแดงและแอนดรูว์ผู้ถูกเรียกครั้งแรกมีหนวดเคราสีเทาห่อด้วยเสื้อคลุมมะกอก . ถัดจากพวกเขาคือ “ผู้สงสัย” ซึ่งไม่ไว้วางใจสิ่งที่ศาสดาพยากรณ์พูด มีคนกลุ่มหนึ่งอยู่ต่อหน้ายอห์นผู้ให้บัพติศมา บางคนตั้งใจฟังคำพูดของเขา บางคนมองดูพระคริสต์ มีชายชราผู้พเนจรคนหนึ่งและบางคนหวาดกลัวกับคำพูดของยอห์นซึ่งอาจเป็นตัวแทนของฝ่ายบริหารของชาวยิว
ที่เท้าของยอห์นผู้ให้บัพติศมามีชายสูงอายุผู้ร่ำรวยนั่งอยู่บนพื้นบนผ้าห่มและมีทาสนั่งยองๆ อยู่ข้างๆ เขา - ตัวเหลืองผอมแห้งมีเชือกพันรอบคอ ความคิดของศิลปินเกี่ยวกับการฟื้นฟูทางศีลธรรมของมนุษย์อยู่ในภาพของชายผู้ต่ำต้อยซึ่งเป็นครั้งแรกที่ได้ยินคำพูดแห่งความหวังและการปลอบใจ
ในส่วนด้านขวาของเบื้องหน้าของภาพ ชายหนุ่มร่างผอมครึ่งเปลือยที่หล่อเหลาซึ่งอาจมาจากครอบครัวที่ร่ำรวย ละทิ้งลอนผมอันเขียวชอุ่มจากใบหน้าของเขา มองดูพระคริสต์ ถัดจากชายหนุ่มครึ่งเปลือยสุดหล่อคือเด็กชายและพ่อของเขา “ตัวสั่น” พวกเขาเพิ่งอาบน้ำละหมาดเสร็จ และตอนนี้กำลังฟังจอห์นอย่างตื่นเต้น ความสนใจอย่างละโมบของพวกเขาเป็นสัญลักษณ์ถึงความพร้อมของพวกเขาที่จะยอมรับความจริงใหม่ คำสอนใหม่ เบื้องหลังกลุ่มเยาวชนผมสีแดงและ "ตัวสั่น" มีมหาปุโรหิตและอาลักษณ์ชาวยิวผู้สนับสนุนศาสนาราชการที่ไม่เห็นด้วยกับคำพูดของยอห์นโดดเด่น มีความรู้สึกต่าง ๆ บนใบหน้า: ความไม่ไว้วางใจและความเกลียดชังความเฉยเมยแสดงความเกลียดชังชายชราหน้าแดงจมูกหนาอย่างชัดเจนแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน นอกจากนี้ในฝูงชนยังมีคนบาปที่สำนึกผิดสวมเสื้อคลุมสีแดงเข้ม ผู้หญิงหลายคนและทหารโรมันที่ฝ่ายบริหารส่งมาเพื่อรักษาความสงบเรียบร้อย ที่ราบชายฝั่งหินมองเห็นได้โดยรอบ ในส่วนลึกมีเมืองหนึ่ง บนขอบฟ้ามีภูเขาสีฟ้าขนาดใหญ่ และเหนือพวกเขามีท้องฟ้าสีฟ้าใส
อิลยา เซอร์เกวิช กลาซูนอฟ (เกิด พ.ศ. 2473)
ศิลปินจิตรกรครูโซเวียตและรัสเซีย ผู้ก่อตั้งและอธิการบดีสถาบันจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งรัสเซีย I. S. Glazunova นักวิชาการ.
เกิดที่เลนินกราดในครอบครัวนักประวัติศาสตร์ รอดชีวิตจากการถูกล้อมเลนินกราด พ่อ แม่ ยาย และญาติคนอื่นๆ ของเขาเสียชีวิต เมื่ออายุ 12 ปี เขาถูกนำตัวออกจากเมืองที่ถูกปิดล้อมผ่านลาโดกา ไปตาม "เส้นทางแห่งชีวิต" หลังจากการปิดล้อมถูกยกเลิกในปี พ.ศ. 2487 เขาก็กลับไปที่เลนินกราด เขาศึกษาที่โรงเรียนศิลปะระดับมัธยมศึกษาเลนินกราดที่ LIZhSA ซึ่งตั้งชื่อตาม I. E. Repin ภายใต้ศาสตราจารย์ B. V. Ioganson ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต
ในปี 1957 นิทรรศการผลงานครั้งแรกของ Glazunov จัดขึ้นที่ Central House of Artists ในมอสโกซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก
I. กลาซูนอฟ “นีน่า” (1955)
ตั้งแต่ปี 1978 เขาสอนที่สถาบันศิลปะมอสโก ในปี 1981 เขาได้ก่อตั้งและเป็นผู้อำนวยการของ All-Union Museum of Decorative, Applied and Folk Art ในมอสโก ตั้งแต่ปี 1987 - อธิการบดีของสถาบันจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรม All-Russian
ภาพวาดยุคแรกของเขามาจากกลางทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ดำเนินการในลักษณะวิชาการและโดดเด่นด้วยจิตวิทยาและอารมณ์ บางครั้งอิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ฝรั่งเศสและรัสเซียและการแสดงออกของยุโรปตะวันตกก็เห็นได้ชัดเจน: "ฤดูใบไม้ผลิเลนินกราด", "อาดา", "นีน่า", "รถบัสคันสุดท้าย", "1937", "สอง", "ความเหงา", "รถไฟใต้ดิน", “นักเปียโน” Dranishnikov”, “Giordano Bruno”
ผู้เขียนผลงานกราฟิกชุดหนึ่งที่อุทิศให้กับชีวิตในเมืองสมัยใหม่: "สอง", "ทิฟ", "ความรัก"
ผู้แต่งภาพวาด "ความลึกลับแห่งศตวรรษที่ 20" (1978) ภาพยนตร์เรื่องนี้นำเสนอเหตุการณ์และวีรบุรุษที่โดดเด่นที่สุดในศตวรรษที่ผ่านมาด้วยการดิ้นรนทางความคิด สงคราม และภัยพิบัติ
ผู้เขียนผืนผ้าใบ "Eternal Russia" บรรยายถึงประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของรัสเซียในช่วง 1,000 ปี (1988)
I. Glazunov “รัสเซียนิรันดร์” (1988)
I. Glazunov “Eternal Russia” (1988) สีน้ำมันบนผ้าใบ 300x600
ประวัติศาสตร์ทั้งหมดของรัสเซียอยู่ในภาพเดียว ศิลปะโลกไม่ทราบตัวอย่างดังกล่าว ภาพวาด "Eternal Russia" เรียกได้ว่าเป็นตำราประวัติศาสตร์รัสเซียที่มีความยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงซึ่งเป็นเพลงแห่งความรุ่งโรจน์ของรัสเซีย
Glazunov เป็นผู้เขียนผลงานกราฟิกเก๋ที่อุทิศให้กับสมัยโบราณของรัสเซีย: วัฏจักร "Rus" (1956), "Kulikovo Field" (1980) ฯลฯ
ผู้เขียนชุดภาพประกอบผลงานหลักของ F. M. Dostoevsky
ผู้เขียนรายงานเรื่อง “การมีส่วนร่วมของประชาชนแห่งสหภาพโซเวียตต่อวัฒนธรรมและอารยธรรมโลก” (1980), อาคารยูเนสโก, ปารีส
สร้างชุดภาพบุคคลของบุคคลสำคัญทางการเมืองและสาธารณะของโซเวียตและต่างประเทศนักเขียนศิลปิน: Salvador Allende, Indira Gandhi, Urho Kekkonen, Federico Fellini, David Alfaro Siqueiros, Gina Lollobrigida, Mario del Monaco, Domenico Modugno, Innokenty Smoktunovsky, นักบินอวกาศ Vitaly Sevastyanov , Leonid Brezhnev, Nikolai Shchelokov และคนอื่นๆ
I. Glazunov "ภาพเหมือนของนักเขียน Valentin Rasputin" (1987)
ผู้แต่งผลงานชุด "เวียดนาม", "ชิลี" และ "นิการากัว"
ศิลปินโรงละคร: สร้างการออกแบบสำหรับการผลิตโอเปร่า "The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" โดย N. Rimsky-Korsakov ที่โรงละคร Bolshoi, "Prince Igor" โดย A. Borodin และ "The Queen of Spades” โดย P. Tchaikovsky ที่ Berlin Opera และสำหรับบัลเล่ต์ "Masquerade" "A. Khachaturian ที่ Odessa Opera House ฯลฯ
เขาสร้างภายในสถานทูตโซเวียตในกรุงมาดริด
มีส่วนร่วมในการบูรณะและบูรณะอาคารต่างๆ ในกรุงมอสโก เครมลิน รวมถึงพระราชวังเครมลิน
ผู้เขียนภาพวาดใหม่ "Dekulakization", "การขับไล่พ่อค้าออกจากวัด", "นักรบคนสุดท้าย" การศึกษาภูมิทัศน์ใหม่จากชีวิตในน้ำมันสร้างขึ้นด้วยเทคนิคฟรี ภาพเหมือนตนเองโคลงสั้น ๆ ของศิลปิน "And Spring Again"
I. Glazunov “การกลับมาของบุตรน้อยสุรุ่ยสุร่าย” (1977)
เซอร์เกย์ อิวาโนวิช สมีร์นอฟ (เกิด พ.ศ. 2497)
เกิดที่เลนินกราด เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะวิชาการแห่งรัฐมอสโกซึ่งตั้งชื่อตาม V.I. Surikov และปัจจุบันสอนการวาดภาพและการแต่งเพลงที่สถาบันแห่งนี้ ธีมหลักของงาน ได้แก่ ภูมิทัศน์เมืองมอสโก วันหยุดของรัสเซีย และชีวิตประจำวันของต้นศตวรรษที่ 20 ภูมิทัศน์ของภูมิภาคมอสโก และทางตอนเหนือของรัสเซีย
S. Smirnov “ ดอกบัวและระฆัง” (1986) กระดาษสีน้ำ
เขาเป็นสมาชิกของสมาคมศิลปินโลกรัสเซียซึ่งรวบรวมตัวแทนสมัยใหม่ของทิศทางคลาสสิกของการวาดภาพรัสเซียเพื่อสานต่อและพัฒนาประเพณีของนักวิชาการ
S. Smirnov “น้ำค้างแข็งศักดิ์สิทธิ์”
ศิลปินวิชาการสมัยใหม่กำหนดงานอะไรสำหรับตัวเอง? Nikolai Anokhin หนึ่งในนั้นตอบคำถามนี้: “ ภารกิจหลักคือการทำความเข้าใจความสามัคคีอันศักดิ์สิทธิ์สูงสุดเพื่อติดตามมือของผู้สร้างจักรวาล นี่คือสิ่งที่สวยงามอย่างแท้จริง: ความลึก ความงาม ซึ่งอาจไม่ได้เปล่งประกายด้วยเอฟเฟกต์ภายนอกเสมอไป แต่โดยพื้นฐานแล้วคือสุนทรียศาสตร์ที่แท้จริง เรามุ่งมั่นที่จะพัฒนาและเข้าใจความเชี่ยวชาญและความเชี่ยวชาญของรูปแบบที่รุ่นก่อนของเรามี”
น. อโนคิน “ในบ้านเก่าของชาวรากิติน” (2541)
ในภาพวาดของอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 ขบวนการทางศิลปะหลักสองขบวนเกิดขึ้น: ขบวนหนึ่งเกี่ยวข้องกับผลงานของพี่น้อง Carracci และเรียกว่า "วิชาการแบบโบโลเนส" ส่วนอีกขบวนหนึ่งเกี่ยวข้องกับงานศิลปะของหนึ่งในศิลปินที่สำคัญที่สุดในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 คาราวัจโจ.
วิชาการโบโลญญา- ทิศทางที่เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 และเข้ายึดครองในศตวรรษที่ 17 สถานที่สำคัญในจิตรกรรมอิตาลี ทัศนคติต่อตัวแทนมีการเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา ผู้ร่วมสมัยถือว่านักวิชาการเป็นผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่น แต่อีกหนึ่งศตวรรษต่อมาพวกเขาก็ถูกลืมไปโดยสิ้นเชิงและในศตวรรษที่ 19 ถูกกล่าวหาว่าเลียนแบบจุดอ่อนของการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
“ Academy of the Right Path” เป็นชื่อของเวิร์กช็อปส่วนตัวขนาดเล็กที่สร้างขึ้นในโบโลญญาในปี 1585 โดยลูกพี่ลูกน้องของศิลปิน Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) และ Annibale (1560-1609) Carracci ดังนั้นชื่อ - "วิชาการโบโลเนส" พวกเขาต้องการให้ความรู้แก่ปรมาจารย์ที่มีความเข้าใจอย่างแท้จริงเกี่ยวกับความงามและสามารถฟื้นฟูศิลปะการวาดภาพได้ซึ่งในความเห็นของพวกเขาได้เสื่อมถอยลง
มุมมองนี้มีเหตุผลร้ายแรง ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 นักทฤษฎีลัทธิพฤติกรรมนิยม ซึ่งเป็นขบวนการที่เกิดขึ้นในศิลปะอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 20-30 มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกร พวกเขาแย้งว่าไม่มีอุดมคติทางศิลปะสำหรับทุกคน ศิลปินสร้างสรรค์ผลงานของเขาบนพื้นฐานของแรงบันดาลใจอันศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ ไม่สามารถคาดเดาได้ และไม่ถูกจำกัดด้วยกฎของงานฝีมือ สีไม่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์และความละเอียดอ่อนของแผนผังที่พระเจ้าวางไว้ในจิตวิญญาณของศิลปินได้ ดังนั้น จึงไม่มีใครสามารถตัดสินคุณค่าของภาพวาดจากการดำเนินการทางเทคนิคได้ การเรียนรู้ทักษะไม่ถือว่าสำคัญขนาดนั้น
สถาบันไม่เห็นด้วยกับความคิดเห็นเหล่านี้ พี่น้อง Carracci กล่าวว่ามีอุดมคติแห่งความงามชั่วนิรันดร์ มันถูกรวบรวมไว้ในศิลปะแห่งสมัยโบราณ ยุคเรอเนซองส์ และเหนือสิ่งอื่นใดคือผลงานของราฟาเอล สถาบันเน้นย้ำถึงการฝึกทักษะความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคอย่างต่อเนื่อง พี่น้อง Carracci กล่าวว่าระดับของมันไม่เพียงขึ้นอยู่กับความชำนาญของมือเท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับการศึกษาและสติปัญญาด้วย ดังนั้นหลักสูตรทางทฤษฎีจึงปรากฏในโปรแกรมของพวกเขา: ประวัติศาสตร์ ตำนาน และกายวิภาคศาสตร์
หลักการของ Bologna Academy ซึ่งเป็นต้นแบบของสถาบันการศึกษาในยุโรปทั้งหมดในอนาคตสามารถติดตามได้จากผลงานของพี่น้องที่มีความสามารถมากที่สุด - Annibale Carracci (1560-1609) Carracci ศึกษาและศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบ เขาเชื่อว่าธรรมชาตินั้นไม่สมบูรณ์และจำเป็นต้องได้รับการเปลี่ยนแปลง เสริมให้ธรรมชาติกลายเป็นเรื่องที่ควรค่าแก่การพรรณนาตามบรรทัดฐานคลาสสิก ดังนั้นสิ่งที่เป็นนามธรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ลักษณะวาทศิลป์ของภาพของ Carracci ความน่าสมเพชแทนที่จะเป็นความกล้าหาญและความงามที่แท้จริง งานศิลปะของ Carracci ปรากฏทันเวลามาก สอดคล้องกับจิตวิญญาณของอุดมการณ์อย่างเป็นทางการ และได้รับการยอมรับและเผยแพร่อย่างรวดเร็ว
พี่น้อง Carracci เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพและการตกแต่งที่ยิ่งใหญ่ ผลงานชิ้นแรกๆ ของนักวิชาการชาวโบโลญญาและผลงานที่โด่งดังที่สุดของพวกเขาดำเนินการโดย Annibale และ Agostino Carracci และนักเรียนหลายคนในปี 1597-1604 - ภาพวาดแกลเลอรีของ Palazzo Farnese ในโรมในฉาก "Metamorphoses" ของ Ovid ใน Palazzo Farnese ในโรม การออกแบบของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลอย่างมากจากภาพวาดอันยิ่งใหญ่ของ Michelangelo อย่างไรก็ตาม พี่น้อง Carracci ต่างจากเขาตรงที่ให้ความสำคัญกับความงามเชิงนามธรรมของการวาดภาพเป็นอันดับแรก - ความถูกต้องของการวาดภาพ ความสมดุลของจุดสี และองค์ประกอบที่ชัดเจน ความสมบูรณ์แบบของรูปแบบครอบครองมากกว่าเนื้อหา อันนิบาเล การ์รัคชียังเป็นผู้สร้างสิ่งที่เรียกว่าภูมิทัศน์ที่กล้าหาญ ซึ่งก็คือ ภูมิทัศน์ในอุดมคติและสมมติขึ้น เนื่องจากธรรมชาติก็เหมือนกับมนุษย์ (ตามคำกล่าวของโบโลเนส) นั้นไม่สมบูรณ์ หยาบกร้าน และต้องการการปรับแต่งเพื่อที่จะนำเสนอในงานศิลปะ นี่คือภูมิทัศน์ที่กางออกด้วยความช่วยเหลือของฉากต่างๆ ในเชิงลึก โดยมีกลุ่มต้นไม้จำนวนมากที่สมดุลและซากปรักหักพังที่เกือบจะบังคับได้ โดยมีผู้คนร่างเล็กๆ ทำหน้าที่เป็นเพียงพนักงานเพื่อเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติ สีของโบโลเนสนั้นธรรมดาไม่แพ้กัน: เงาดำ, สีท้องถิ่น, สีที่จัดเรียงไว้อย่างชัดเจน, แสงที่ลอดผ่านปริมาตร
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 จิตรกรชาวโบโลญญา อันนิบาเล การ์รัคชี (1560 - 1609)เช่นเดียวกับคาราวัจโจ เขากลายเป็นนักปฏิรูปจิตรกรรมอิตาลี แตกต่างจากกลุ่มกบฏลอมบาร์ดเขาเป็นผู้พิทักษ์ประเพณีวัฒนธรรมเก่าแก่ของสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่กระตือรือร้นเป็นศิลปินในราชสำนักของพระคาร์ดินัลโอโดอาร์โดฟาร์เนเซและเป็นมัณฑนากรที่เก่งกาจที่สร้างภาพเขียนปูนเปียกพร้อมกับงานขาตั้ง ด้วยเส้นทางที่แตกต่างกัน ทั้งสองมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโรงเรียนศิลปะอื่นๆ ที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 ด้วย
ผลงานของ Annibale Carracci ถ่ายทอดทัศนคติใหม่ต่อประเพณีประจำชาติ ซึ่งกลายเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับศิลปินเมื่อในตอนท้ายของสไตล์เรอเนซองส์ ความรู้สึกที่แตกต่างของธรรมชาติและประวัติศาสตร์ถือกำเนิดขึ้น งานของศูนย์รวมความเป็นจริงใหม่เป็นเรื่องเร่งด่วนสำหรับ Carracci เช่นเดียวกับ Caravaggio แต่ทัศนคติอันประเสริฐของเขา แทนที่จะเป็นอิสระและไม่ถูกจำกัดทางจิตวิญญาณ เช่นเดียวกับทัศนคติของชาวลอมบาร์ดที่มีต่ออดีตต่อประเพณี ล้วนแต่รับเอาลักษณะของอุดมคติ ซึ่งศิลปินพยายามจะเลียนแบบ ในงานศิลปะ ธรรมชาติ และความเพ้อฝันของอันนิบาเล ความเป็นจริงและตำนานมีความเกี่ยวพันกัน และหลักการของการเชื่อมโยงธรรมชาติกับการปรับอุดมคติและสติปัญญาของภาพที่แท้จริงนี้จะเป็นพื้นฐานของผลงานของปรมาจารย์ในสไตล์คลาสสิกซึ่งเป็นต้นกำเนิดของศิลปะของ Annibale Carracci
อันนิบาเลเป็นจิตรกรที่มีพรสวรรค์มากที่สุดในบรรดาพี่น้องทั้งสามของคาร์รัคชี เขาศึกษาการวาดภาพกับลูกพี่ลูกน้องของเขา Lodovico (1555 - 1619) และแกะสลักกับ Agostino น้องชายของเขา (1557 - 1602) เขาเดินทางผ่านเมืองต่างๆ ของอิตาลี ไปเยือนเวนิส ปาร์มา หรืออาจจะเป็นฟลอเรนซ์ และตั้งแต่ปี 1582 เขาก็ทำงานในโบโลญญา ในปีเดียวกันนั้น พี่น้อง Carracci ได้ก่อตั้ง "Academy of those who have enter the true path" ขึ้นที่นี่ ซึ่งเป็นหนึ่งในสถาบันการวาดภาพที่มีอยู่ในอิตาลีตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 จากผนังมีปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงของโรงเรียน Bolognese เช่น Guercino, Domenichino, G. Reni, G. Lanfranco หลักการฝึกอบรมเช่นเดียวกับในทุกสถาบันการศึกษานั้นมีพื้นฐานมาจากการคัดลอกอาจารย์ชาวอิตาลีเก่า ๆ ศึกษาธรรมชาติเกี่ยวกับการอยู่ใต้บังคับบัญชาของแนวคิดการเลือกล่าสุดนั่นคือความสัมพันธ์กับแบบจำลองในอุดมคติบางอย่างที่รวบรวมความสำเร็จสูงสุดของปรมาจารย์ของ ศตวรรษที่ 16. อย่างไรก็ตาม วิธีการรวบรวมธรรมชาตินี้ไม่ได้หมายถึงการผสมผสานองค์ประกอบส่วนบุคคลที่ยืมมาจากศิลปินที่แตกต่างกัน และไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากคุณธรรมบทกวีของภาพวาดของพี่น้องแต่ละคน และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Annibale บทบาทที่น่าเศร้าในการประเมินกิจกรรมของพี่น้อง Carracci ในเวลาต่อมานั้นเกิดจากการปลอมแปลงของนักเขียนชีวประวัติ Malvasia ซึ่งอ้างว่าโคลงที่แต่งเองโดย Agostino และจดหมายถึง Annibale ซึ่งวิธีการของพี่น้องถูกนำเสนอแบบผสมผสาน เกี่ยวกับทฤษฎีการคัดเลือก สิ่งนี้ทำให้เป็นเรื่องยากเป็นเวลานานในการชี้แจงคุณค่าที่แท้จริงของการบรรลุการสังเคราะห์ความเป็นจริงและอุดมคติของอันนิบาเล
ในช่วงยุคโบโลญญา (ค.ศ. 1582-1594) มีการสร้างภาพแท่นบูชา ภาพวาดเนื้อหาในตำนาน ทิวทัศน์ ภาพบุคคล และภาพฉากจากความเป็นจริงหลายภาพ ความงามของโลกอันงดงามที่มีตัวละครในตำนานจมอยู่ในสภาพแวดล้อมที่ปกคลุมไปด้วยหมอกควันเบาบางในอากาศถูกถ่ายทอดผ่านภาพวาดของทศวรรษ 1590 “Adonis Finds Venus” (1595, เวียนนา, พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches) และ “Bacchae with Cupid and Two Satyrs” ” (ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Uffizi) รูปภาพของเทพเจ้าซึ่งมีความสัมพันธ์กับประติมากรรมโบราณและภาพวาดยุคเรอเนซองส์ซึ่งเป็นประเพณีทางวัฒนธรรมบางอย่างในอดีต รวบรวมความสมบูรณ์ทางอารมณ์ของชีวิต นอกจากนี้ยังเสริมด้วยพลังงานสีของผืนผ้าใบ ซึ่งเป็นสีที่สว่าง เย็นสบาย และส่องสว่างของจานสี Bolognese ของ Annibale
Annibale วาดภาพที่แตกต่างออกไป ไม่มีเกียรติและชอบเอาแต่ใจ แต่โลกแห่งความจริงที่หยาบกระด้างในภาพวาด "The Butcher's Shop" (ต้นทศวรรษ 1580, Oxford, Christ Church) ซากเนื้อสัตว์ที่ทาสีแดงเข้ม คนทั่วไปที่ทำงานในร้านขายเนื้อไม่ทำให้เกิดความรู้สึกถึงธรรมชาติอันโหดร้ายที่น่ากลัว การวาดภาพ "ฉากตลาด" เช่นนี้เป็นเรื่องปกติในหมู่ศิลปินทางตอนเหนือของอิตาลี
ด้านที่แปลกประหลาดของพรสวรรค์ของอันนิบาเลถูกเปิดเผยในภาพวาดบุคคลประเภท “The Bean Eater” (ต้นทศวรรษ 1580, โรม, Galleria Colonna), “Young Man with a Monkey” (ปลายทศวรรษ 1580, ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Uffizi) อันนิบาเลบันทึกทุกสิ่งที่ไม่สอดคล้องกับอุดมคติ โดยเน้นถึงความหยาบ ความบกพร่อง และธรรมชาติที่เป็นลักษณะเฉพาะ ถ่ายทอดออกมาตามความเป็นจริง โดยไม่มีความสัมพันธ์กับอุดมคติทางศิลปะ ความเชื่อมโยงที่ไม่คาดคิดมากมายกับสถานการณ์ชีวิตเฉพาะปรากฏในภาพวาดตนเองของ Annibale: "ภาพเหมือนตนเองกับหลานชายของเขาอันโตนิโอ" (มิลาน, Pinacoteca Brera), "ภาพเหมือนตนเองบนจานสี" (ทศวรรษ 1590, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, พิพิธภัณฑ์ State Hermitage ; ทำซ้ำ - 1595?, ฟลอเรนซ์, Gallery Uffizi) เผยให้เห็นความสนใจในธรรมชาติของเขา
อุดมคติและธรรมชาติปรากฏในความสอดคล้องกันอย่างสูงในงาน “Landscape with the Flight into Egypt” (ประมาณปี 1603, Rome, Doria Pamphilj Gallery) และ “Rest of the Holy Family on the Flight to Egypt” (ประมาณปี 1600, St. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจแห่งรัฐ ). ภาพพาโนรามาที่สร้างภาพสากลอันกว้างใหญ่ของโลกด้วยธรรมชาติในอุดมคติ - เนินเขา ช่องเขา ปราสาท ที่มองเห็นได้ในระยะไกลริมแม่น้ำและทะเล - รวมถึงบุคคลที่มีเสียงของนักบุญ คนเลี้ยงแกะ คนพายเรือ ฝูงสัตว์ . โลกจักรวาลในอุดมคติและโลกคอนกรีตเป็นหนึ่งเดียวทั้งทางพลาสติกและทางอารมณ์ ทำให้เกิดความรู้สึกเงียบสงบและเงียบสงบของชีวิต Annibale Carracci กลายเป็นผู้สร้างภาพลักษณ์ของธรรมชาติคลาสสิกที่เรียกว่ากล้าหาญ
และในขณะเดียวกัน ความรู้สึกเย็นชาทางวิชาการในการรับรู้ถึงมรดกทางคลาสสิกก็ปรากฏให้เห็นบนผืนผ้าใบ (“คุณกำลังมาใคร?”, ประมาณปี 1600, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) และ “Hercules at the Crossroads” (เนเปิลส์) , Capodimonte Gallery) ซึ่งมีรูปปั้นขนาดใหญ่คล้ายตัวละครในพระคัมภีร์และตัวละครในเทพนิยาย
ภาพวาดในแกลเลอรีของพระคาร์ดินัลฟาร์เนเซเป็นผลงานที่สำคัญที่สุดในยุคโรมัน (ค.ศ. 1595-1609) โปรแกรมสำหรับทาสีกล่องนิรภัย ผนังส่วนท้าย และดวงสี เรียบเรียงโดยพระคาร์ดินัล อากุกกี และได้รับแรงบันดาลใจจาก Metamorphoses ของโอวิด ผู้ชมจะได้สัมผัสกับพื้นที่ที่ขอบเขตระหว่างภาพลวงตาและความเป็นจริงถูกเปลี่ยน การเปลี่ยนจากภาพวาดในกรอบไปสู่การตกแต่งผนังด้วยสถาปัตยกรรมลวงตาเกิดขึ้นอย่างต่อเนื่อง โดยเปลี่ยนอัตราส่วนของ "ของจริง" และ "ลวงตา" เปลี่ยนบทบาทของความเป็นจริงและการตกแต่ง การเคลื่อนไหวแบบไดนามิกแทรกซึมเข้าไปในจังหวะการตกแต่งของภาพวาด และหลักการของความเป็นธรรมชาติ ราวกับว่ากระแสการเคลื่อนไหวนี้ไม่สามารถควบคุมได้ ซึ่งดำเนินการโดย Annibale อย่างต่อเนื่อง คาดการณ์ถึงหลักการของการวาดภาพสไตล์บาโรกที่ยิ่งใหญ่ โลกแห่งความงามและความรักที่สร้างขึ้นใหม่ด้วยจินตนาการของศิลปิน สูดลมหายใจด้วยความเย้ายวนแบบ hedonistic - จากการทะลุทะลวงที่ปรากฎสู่ท้องฟ้าที่เปิดกว้างตรงมุมห้องโถง ดูเหมือนว่าจะถูกพัดพาด้วยอากาศและส่องสว่างด้วยดวงอาทิตย์ ทำให้เกิดผิวด้านที่ส่องสว่าง ไปจนถึงสีสันที่สดใสและอิ่มเอิบ “อุดมคติ” และ “ของจริง” ในการสังเคราะห์ที่แยกไม่ออกได้รับเสียงที่ได้รับแรงบันดาลใจในภาพวาดนี้อีกครั้ง
ธีมที่น่าเศร้าของการฝังศพและการไว้ทุกข์ของพระคริสต์ น้ำท่วม และการประหารชีวิตของนักบุญทำให้ศิลปินตื่นเต้นในงานช่วงปลายของเขา “Pieta Farnese” (1599-1600, Naples, Capodimonte Gallery) เขียนขึ้นสำหรับครอบครัวของพระคาร์ดินัล การหันมาใช้รูปแบบสัญลักษณ์แบบดั้งเดิมไม่ได้ขัดขวาง Annibale จากการเติมเต็มฉากด้วยความรู้สึกที่จริงใจอย่างลึกซึ้ง ทำให้ฉากน่าสมเพชถ่ายทอดความโศกเศร้าของมารีย์ที่สนับสนุนพระกายของพระคริสต์อย่างจริงใจ
ในบรรดาผู้สำเร็จการศึกษารุ่นแรกจากสถาบันการศึกษา Guido Reni (1575-1642), Domenichino (ชื่อจริง Domenico Zampieri, 1581 - 1641) และ Guercino (ชื่อจริง Francesco Barbieri, 1591 - 1666) ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ผลงานของจิตรกรเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยเทคโนโลยีระดับสูง แต่ในขณะเดียวกันก็มีความเยือกเย็นทางอารมณ์และการอ่านวิชาอย่างผิวเผิน แต่แต่ละตัวก็มีคุณสมบัติที่น่าสนใจ
ดังนั้นในภาพวาดของโดเมนิชิโนเรื่อง "The Last Communion of St. Jerome" (1614) ภูมิทัศน์ที่แสดงออกอย่างมากจึงดึงดูดผู้ชมได้มากกว่าฉากแอ็คชั่นหลัก โอ่อ่าและมีรายละเอียดมากเกินไป
“ แสงออโรร่า” (1621 - 1623) โคมไฟเพดานโดย Guercino ใน Roman Villa Ludovisi ทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยพลังที่น่าทึ่งซึ่งเทพธิดาแห่งรุ่งอรุณบนรถม้าของเธอและตัวละครอื่น ๆ เคลื่อนไหว ภาพวาดของ Guercino นั้นน่าสนใจ โดยปกติแล้วจะทำด้วยปากกาและแปรงล้างแบบบางเบา ในการเรียบเรียงเหล่านี้ ความสามารถพิเศษของเทคนิคไม่ได้กลายเป็นงานฝีมืออีกต่อไป แต่เป็นศิลปะชั้นสูง
Salvator Rosa (1615-1673) ครองตำแหน่งพิเศษในหมู่นักวิชาการ ภูมิประเทศของเขาไม่มีอะไรที่เหมือนกันกับความเก่าแก่ที่สวยงาม โดยปกติแล้วจะเป็นรูปภาพของป่าทึบ หินโดดเดี่ยว ที่ราบทะเลทรายที่มีซากปรักหักพังที่ถูกทิ้งร้าง มีคนอยู่ที่นี่อย่างแน่นอน ทั้งทหาร คนเร่ร่อน และโดยเฉพาะอย่างยิ่งมักเป็นโจร (ในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 แก๊งโจรบางครั้งทำให้เมืองและทั้งจังหวัดตกอยู่ในความหวาดกลัว) โจรในผลงานของโรซ่าเป็นสัญลักษณ์ของการมีอยู่ของพลังธาตุที่มืดมน อิทธิพลของประเพณีทางวิชาการสะท้อนให้เห็นในองค์ประกอบที่ชัดเจนและเป็นระเบียบ ในความปรารถนาที่จะ "ยกย่อง" และ "แก้ไข" ธรรมชาติ
สำหรับความขัดแย้งทั้งหมดนักวิชาการโบโลญญามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาจิตรกรรม หลักการฝึกอบรมศิลปินที่พัฒนาโดยพี่น้อง Carracci เป็นพื้นฐานของระบบการศึกษาเชิงวิชาการที่ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน