Temat, w ramach którego prowadzona jest praca nad projektem: Literatura.
Ocena 6
Liczba uczestników: 13
Wiek: 10 - 11 lat
Czas realizacji projektu: 3 tygodnie
Typ projektu: społeczny Projekt badawczy
Produkt: album Poetic World.
Cel: zbadanie twórczości i prześledzenie, w jaki sposób skłonności artystyczne i muzyczne znalazły odzwierciedlenie w twórczości poety.
Etapy pracy nad projektem:
1. Sformułowanie problemu
2. Gromadzenie i analiza informacji
3. Sporządzanie planu rozwiązania problemu
4. Realizacja projektu
5. Prezentacja i obrona projektu
Wybór problemu
Co za dźwięki! nieruchomy słuchaj
Słodkie dźwięki I;
Zapominam o wieczności, niebie, ziemi,
Samego siebie.
Po zapoznaniu się z kreatywnością odkryliśmy, że kreatywność- twórczość nie tylko poety, ale i osoby uzdolnionej twórczo zarówno muzycznie, jak i malarsko; osoba, która czuje swój bliski związek ze światem przyrody. Lermontow patrzył na przyrodę oczami artysty, słuchał jej jak muzyk. Dlatego czytelnicy postrzegają poezję Lermontowa nie tylko z punktu widzenia treści, znaczenia wierszy, ale także z punktu widzenia jej szczególnego brzmienia, szczególnego „głosu” tekstu: wizualnego i kolorystycznego. .
Stało się przed nami pytanie: w jaki sposób uzdolnienia malarskie i muzyczne znalazły odzwierciedlenie w poezji Lermontowa?
Naszym zdaniem teksty Lermontowa są emocjonalne i jasne, ale nie chwytliwe jak obraz olejny, ale przejrzyste i delikatne jak akwarela. Potencjał muzyczny twórczości Lermontowa jest również wielki, dźwiękopis aktywnie wykorzystywany w jego twórczości sprawia, że teksty poety są wyrafinowane, wzniosłe, ale jednocześnie smutne - smutne, jak poemat muzyczny lub wolny walc.
Prace są badane przez cały czas trwania literatury. Program klasy 9 obejmuje monograficzne studium twórczości poety, co zakłada stworzenie holistycznej koncepcji świata artystycznego.
Dlatego my postanowiliśmy stworzyć projekt „- poeta, artysta, muzyk”.
Zebrany przez nas materiał może być przydatny studentom zainteresowanym poezją Lermontowa. Może służyć jako dodatkowa literatura przygotowująca do lekcji literatury, M X K lub zajęć pozalekcyjnych.
Znaczenie
Po zidentyfikowaniu problemu jak talenty malarskie i muzyczne znalazły odzwierciedlenie w poezji Lermontowa), po przestudiowaniu odpowiedniej literatury doszliśmy do wniosku, że ten problem jest aktualny dzisiaj, ponieważ Lermontow jest tym zjawiskiem w poezji, które zwykle nazywa się cudem. Jest trzecie tysiąclecie, a Lermontow staje się poetą coraz nowocześniejszym. Każdy na nowo odkrywa Lermontowa dla siebie. Jego geniusz jest tak wszechstronny i wszechstronny, że te odkrycia będą kontynuowane bez końca. Bella Akhmadulina nazwała Lermontowa „najwyższym młodym człowiekiem we wszechświecie”. Na zawsze pozostanie zarówno poetą dojrzałym – siłą swego talentu i umysłu, jak i porywczym młodzieńcem – dzięki pasji uczuć i maksymalizmowi relacji ze światem. A to oznacza, że jego twórczość zawsze będzie nowoczesna, zawsze znajdzie najsilniejszy odzew w sercach młodych ludzi.
24 maja 2011 r., biorąc pod uwagę wybitny wkład w Kultura narodowa oraz w związku z przypadającą w 2014 roku 200. rocznicą jego urodzin, PREZYDENT FEDERACJI ROSYJSKIEJ podpisał dekret „O obchodach 200. rocznicy urodzin”
Plan zbierania informacji
1. Zwiedzanie biblioteki, wybór książek na temat „- poeta, artysta, muzyk”.
2.Przegląd zasobów Internetu.
3. Przegląd publikacji gazet i czasopism
Wybór produktu
Produktem naszego projektu będzie album „Poetic World”, który będzie zawierał zebrany materiał na ten temat.
Plan rozwiązywania problemów
1. Konferencja „Największa Młodzież Wszechświata”.
2. Praca twórcza „Oryginalność świata poetyckiego”.
3. Przygotowanie prezentacji na tematy:
- "poeta i muzyk"
- " - artysta".
4. Projekt albumu „Poetic World”.
Określenie niezbędnych środków
Encyklopedie, komputer, prace.
Notatka - instrukcja
Do Praca projektowa powiodło się, potrzebujesz:
1. Pracuj z pełnym zaangażowaniem
2. Pomagajcie sobie nawzajem
3. Poczuj się odpowiedzialny za wynik wspólnej pracy.
4. Zaplanuj swoją pracę
5. Omów przygotowany materiał
6. Przygotuj prezentację projektu
7. Podsumowując, bądź powściągliwy, obiektywny.
Organizacja pracy
Forma pracy to praca w grupach.
Podział na grupy
1 grupa.
Temat: „i muzyka”
2 grupa .
Temat: „- artysta”
Wdrożenie planu działania
1. „Największa młodzież wszechświata”
- Poeta, artysta, muzyk.
Na ten temat zebraliśmy następujący materiał.
Natura obdarzyła Lermontowa różnymi talentami. Posiadał rzadką muzykalność - grał na skrzypcach, fortepianie, śpiewał arie ze swoich ulubionych oper, a nawet komponował muzykę: istnieją dowody na to, że swoją "Kozacką kołysankę" opatrzył muzyką. Malował i malował olejami, a gdyby poświęcił się malarstwu, bez wątpienia mógłby zostać wybitnym artystą. Przez całe życie obok zeszytów stały pędzle i farby. W młodości na styl artystyczny Lermontowa wpłynęły obrazy Rembrandta, ich efekt światłocienia, ponurej kolorystyki. W „Księżniczce Ligowskiej” znajduje się opis obrazu – była to „fantazja, głęboka, ponura”. Być może Lermontow miał na myśli swoją pracę - portret wyimaginowanego przodka. Nie wszystko, co poeta namalował, przetrwało. Znany już 13 obrazy, około 50 akwareli, liczne szkice ołówkiem w albumach, na osobnych kartach, na kartach rękopisów. Z łatwością rozwiązywał złożone problemy matematyczne i był znany jako silny szachista. Był znakomicie wykształcony, oczytany i władał kilkoma językami obcymi. Wszystko było dla niego łatwe. A mimo to ciężką pracą udoskonalił swój genialny talent poetycki. Będąc rówieśnikiem Puszkina, chciał wejść do literatury z wierszami godnymi zajęcia miejsca obok Puszkina. Niezwykle wcześnie Lermontow poczuł w sobie przeznaczenie twórcy, zdał sobie sprawę z niewyobrażalnej wysokości wyczynu, którego musiał dokonać swoją pracą:
Kto może, ocean jest ponury,
Twoja znajomość tajemnic? Kto
Czy mój tłum powie moje myśli?
Jestem Bogiem albo nikim!
Tak napisał o sobie osiemnastoletni chłopiec. Kto na początku życia nie marzy o tym, by zaszokować świat swoimi czynami?
Muszę działać, robię to każdego dnia
Chciałbym uczynić go nieśmiertelnym.
... Moje życie jest jakoś krótkie
I obawiam się, że nie dam rady
Osiągnąć coś...
Ale ile udało mu się osiągnąć do końca 27 roku życia! Lermontow nie tylko dużo napisał w krótkim czasie: tworzył piórem cały świat. Niepowtarzalny, własny. Świat Lermontowa.
2. Oryginalność świata poetyckiego M. Yu.
Poetycki świat Lermontowa to niespokojny świat poszukiwań, intensywnych myśli, nierozwiązanych spraw i wielkich problemy filozoficzne. Bohater tego świata jest wstrząśnięty panującą wokół niesprawiedliwością. Jest pełen urazy i złości.
Poetycki świat Lermontowa to świat wzniosłych, pięknych uczuć: miłości i przyjaźni. Świat głębokich, subtelnych doznań ludzka dusza. A cała twórczość poety przesiąknięta jest lenistwem, tęsknotą za ideałem.
Lermontow patrzył na przyrodę oczami artysty, słuchał jej jak muzyk. W jego poetyckim świecie wszystko brzmi i śpiewa, wszystko błyszczy i mieni się kolorami. Oto jasny blask słonecznego dnia, oto księżycowy niebieski blask nocy.
Góry, skały, klify, strumienie, rzeki, drzewa - cała przyroda żyje w jego pracach. Mówi nawet kamieniami, a góry myślą, marszczą brwi, kłócą się między sobą, jak ludzie, klify płaczą, drzewa narzekają na Boga i śnią. Oto cała symfonia chmur, które zawsze się poruszają i zmieniają swój kształt. Oto łagodne góry Kaukazu, oto delikatna zamieć nad Moskwą.
Wyróżniają się takie wiersze Lermontowa, jak „Żagiel”, „Klif”, „Tamara”, „Liść dębu oderwał się od rodzimej gałęzi…”, „Księżniczka morza”, „Wychodzę sam na drogę…” niezwykłą muzykalnością. Podobnie jak wiele innych wierszy Lermontowa, są one osadzone w muzyce i często wykonywane na koncertach. Belinsky porównywał teksty Lermontowa z muzyką, a wiele dzieł poety pod względem bogactwa i siły barw ze sztukami plastycznymi. Tak więc o wierszu „Trzy dłonie” napisał: „płaskorzeźba obrazów, wypukłość form i jasny blask orientalnych kolorów łączą w tej sztuce poezję z malarstwem”.
3. Prezentacje w załączeniu.
4.Album "Poetic World" w załączeniu.
wnioski
Kreatywność wzbudziła nasze szczególne zainteresowanie.
Sama osobowość poety uderzała oryginalnością: odznaczał się rzadką muzykalnością – grał na skrzypcach, fortepianie, śpiewał arie ze swoich ulubionych oper, a nawet komponował muzykę; rysował i malował obrazy olejne; z łatwością rozwiązywał złożone problemy matematyczne i był znany jako silny szachista; Był znakomicie wykształcony, oczytany i władał kilkoma językami obcymi. Postanowiliśmy kontynuować naukę dziedzictwo poetyckie Pasternaka. Temat naszego projektu zdefiniowaliśmy następująco: „- poeta, artysta, muzyk”. Znaleziono problem: jak talenty malarskie i muzyczne znalazły odzwierciedlenie w poezji Lermontowa. Po przeanalizowaniu zebranych informacji przystąpiliśmy do opracowania rozwiązania problemu. Przygotowała prezentacje, stworzyła album „Poetic World”. Po wykonaniu planu działania doszliśmy do wniosku, że poeta piórem stworzył cały świat. Niepowtarzalny, własny. Świat Lermontowa:
Malarstwo i muzyka organicznie weszły w świat jego poezji;
Naszym zdaniem teksty Lermontowa są emocjonalne i jasne, ale nie chwytliwe jak obraz olejny, ale przejrzyste i delikatne jak akwarela;
Potencjał muzyczny twórczości Lermontowa jest również wielki, dźwiękopis aktywnie wykorzystywany w jego twórczości sprawia, że teksty poety są wyrafinowane, wysublimowane, tak że czasem to dźwięk, a nie znaczenie słów, decyduje o doborze obrazów.
Spis literatury wykorzystanej przy opracowaniu projektu:
1. Andreev - Czas na Krivicha. - M., 1964.
2. Teraz o tym. - M., 1964.
3. Bieliński M. Lermontow. - M., 1964.
4. Żurawlew i sens. Moskwa, 1991
4. Lermontow. - M., 1964.
5. W szkole słowa poetyckiego. Puszkin. Lermontow. Gogol. M., 1988.
6. Maksymow Lermontow. - M., 1964.
7. Skorkina dzieło liryczne w liceum. M., 2002.
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook I W kontakcie z
Czas jest rzeczą szkodliwą i nieuchwytną. Zawsze sączy się przez palce i odpływa nie wiadomo gdzie. Co zrobić, jeśli całe życie chciałeś pisać symfonie lepsze od Mozarta, a do tego masz dwójkę dzieci, żonę, matkę i palący projekt?
jesteśmy w środku strona internetowa Nas też ten problem bardzo niepokoi: chcemy realizować się w życiu i nie udławić się kością. Aby się nie poddawać i robić wielkie rzeczy, pomagają nam przykłady znanych osób, które z pewnością miały dość 24 godzin na dobę.
Leonardo da Vinci
Na szczycie naszej listy znajduje się słynny „ uniwersalny człowiek". Przypomnijmy, że Leonardo to wybitny artysta renesansu (czy wszyscy pamiętają Giocondę?), wynalazca (wszystkie jego wynalazki stanowiły podstawę budowy nowoczesnych łodzi podwodnych), naukowiec, a także pisarz i muzyk. I jako pierwszy wyjaśnił, dlaczego niebo jest niebieskie: „Błękit nieba wynika z grubości oświetlonych cząstek powietrza, które znajduje się między Ziemią a czernią powyżej”. Udało mu się to wszystko dzięki opracowanemu przez siebie systemowi snu: spał łącznie 2 godziny (kilka razy dziennie gasi światło na 15 minut), a wszystko inne czas wolny zmienił świat i siebie na lepsze.
Antoni Czechow
Genialny brat swojego brata (miał taki pseudonim). Słynny mistrz opowiadania, humorysta i satyryk, najwybitniejszy dramaturg i lekarz na pół etatu. Sam przyznał: „Medycyna jest moją legalną żoną, a literatura kochanką. Kiedy jeden się nudzi, nocuję u drugiego. Nieustannie rozdarty na styku dwóch talentów Czechow do końca życia zajmował się sprawami medycznymi. Nawet swoim psom nadawał imiona. leki: Brom i Hina. Ale szanował też swoją „kochankę”: w ciągu swojego życia Czechow stworzył ponad 300 dzieł, w tym opowiadania i imponujące dramaty. A wielki komik uwielbiał zbierać znaczki. Oto był człowiek!
Władimir Nabokow
Pisarz i entomolog, entomolog samouk. Na cześć Władimira Władimirowicza nazwano ponad 20 rodzajów motyli, z których jeden (to urocze!) Nazywa się Nabokovia. Nabokov również bardzo dobrze grał w szachy. Zrobili kilka trudnych problemów szachowych. Jego miłość do tego intelektualnego sportu znalazła odzwierciedlenie w powieści „Obrona Łużyna”. Przypomnijmy, że Nabokov biegle władał język angielski. „Lolita” w Ameryce jest kochana tak samo jak my.
Johann Wolfgang von Goethe
Goethe był znany nie tylko jako wielki pisarz i poeta, ale także jako naukowiec: dokonał kilku odkryć w dziedzinie teorii światła. Ponadto aktywnie zbierał minerały - jego kolekcja obejmuje 18 000 egzemplarzy (jasne jest, skąd Faust miał takie pragnienie alchemii). Autor słynnego dramatu miał tyle szczęścia albo dobrze, że spał tylko 5 godzin na dobę, a sił starczyło mu na wiele, wiele dokonań. Być może dzieje się tak dlatego, że Goethe przestrzegał surowe zasady i był zwolennikiem zdrowego stylu życia: w ogóle nie pił alkoholu i nie tolerował zapachu dymu tytoniowego. Dlatego żył 82 lata i zdołał stworzyć tak wiele rzeczy.
Hugh Jackman
Nie tylko słynny aktor, ale także artysta z Broadwayu, i to jaki! W ciągu jednego sezonu udało mu się zdobyć wszystkie najważniejsze nagrody teatralne. Każdy zna trzeci obszar działalności Jackmana, w którym osiągnął sukces – życie rodzinne. Hugh i Deborra-Lee Furness są małżeństwem od 20 lat i razem mają dwoje dzieci. Tak, co tam jest! Nasz Hugh jest generalnie zdolny do wszystkiego: potrafi grać na pianinie, gitarze, skrzypcach, a także… wibrować źrenicami, a nawet żonglować. Prawdopodobnie nawet Wolverine nie może tego zrobić.
Salvador Dali
Wszyscy mówią, że jest szalony, ale milczą o tym, że był uniwersalny. Dali zasłynął nie tylko jako malarz i rzeźbiarz, ale także jako reżyser strasznego psa andaluzyjskiego. Dali napisał także kilka „dzieł”: „ Sekretne życie Salvador Dali, opowiedziany przez siebie” oraz „Dziennik geniusza”. Ze względu na swoje psychodeliczne arcydzieła skromny geniusz często „zboczył” pod względem snu. Wyjaśnijmy: Dali wynajął dla siebie specjalnego służącego, który widząc, że właściciel zaczyna zasypiać w kompletnym wyczerpaniu, obudził go po odczekaniu kilku sekund. Rozczochrany Dali natychmiast chwycił papier i spróbował naszkicować to, co zobaczył w pierwszych sekundach powierzchownej fazy snu.
Michaił Łomonosow
Rosyjski przyrodnik, chemik i fizyk, poeta, artysta... Trudno tu wymienić wszystko. Łomonosow jest nie tylko aktywną postacią - jest czczony jako reformator. To on przeprowadził reformę wersyfikacji. Dlatego przez zapamiętywanie jamb i pląsawic jesteśmy, o dziwo, zobowiązani do wybitnego chemika. Nawiasem mówiąc, bycie mądrym nie oznacza bycia zastraszanym. Na przykład podczas studiów w Marburgu Łomonosow doskonale opanował umiejętność posługiwania się mieczem. Miejscowi chuligani unikali tego nazbyt zdolnego i zręcznego Moskwy. Na pewno utalentowana osoba utalentowany pod każdym względem!
Izaaka Newtona
Każdy powinien wiedzieć, że słynie nie tylko z jabłka, które spadło mu na głowę. Newton napisał książki teologiczne, w których mówił o zaprzeczeniu Trójcy Świętej, był także przewodniczącym Royal Society of Arts. Niewiele osób wie, że Newton wynalazł także dwie niezwykle pomysłowe rzeczy: środek do przenoszenia kotów i drzwi dla nich (gdzie byśmy teraz bez nich byli?). Winę za to ponosi jego miłość do futrzastych i wąsatych przyjaciół. Newton wolał energiczną aktywność od snu - na nocny odpoczynek poświęcał tylko 4 godziny dziennie.
Benjamin Franklin
Wszyscy znamy go jako wujka od dolara i polityki, ale Franklin wciąż jest jak nasz Łomonosow. Był dziennikarzem i wynalazcą. Wynalazł na przykład piec („kominek pensylwański”), a także przewidział pogodę. Pierwszy opracował szczegółową mapę Prądu Zatokowego. Założył Akademię Filadelfijską, a także pierwszą bibliotekę publiczną w Stanach Zjednoczonych. Franklin też miał talent muzyczny. Wujowi Benowi udało się nadążyć za wszystkim, ściśle przestrzegając codziennego reżimu, w którym na sen przeznaczano tylko 4 godziny dziennie.
Aleksander Borodin
Człowiek, którego portret wisi zarówno na lekcji muzyki, jak i na lekcji chemii. Czy wiesz, że autor słynna opera„Książę Igor” był też chemikiem i lekarzem? Żartobliwie nazywał siebie „muzykiem niedzielnym”: musiał poświęcić wolne dni, by coś takiego stworzyć dla świata muzyki. Wspomnienie o codziennym życiu Borodina pozostawiła jego żona: „Mogłem siedzieć dziesięć godzin z rzędu, w ogóle nie mogłem spać, nie jadłem obiadu”. Nadal tak! W końcu, jak wiecie, jednym z mott Borodina było takie super motywujące zdanie: „Wszystko, czego nie mamy, zawdzięczamy tylko sobie”. Aleksander Porfiryewicz był także aktywną osobą publiczną - był jednym z inicjatorów otwarcia Kobiecych Kursów Medycznych.
Pchła (Michael Peter Balzary)
Niestrudzony i odważny basista Red Hot Chilli Peppers. Zasłynął ze swojego unikalnego stylu gry na gitarze basowej, który został nazwany slappingiem i poppingiem - slaps and Tweaks. Zaskakujące jest to, że Flea poszedł na studia muzyczne dopiero w 2008 roku (po 25 latach grania w zespole) - przyznał, że zawsze grał ze słuchu, ale nie znał teorii muzyki. Niemniej Flea jest uznawany za jednego z najlepszych basistów wszechczasów. Jak to mówią, graj ćwierć wieku, ucz się przez wiek. A jeśli myślisz, że muzycy rockowi przez cały dzień tylko się buntują, to Flea jest dla ciebie zaprzeczeniem: jego filmografia obejmuje 25 filmów, w tym kreskówki. Nawiasem mówiąc, jest tym szalonym szefem w filmie „Powrót do przyszłości - 2”.
Michał Bułhakow
W wczesne lata Bułhakow pracował jako lekarz ziemstwa i musiał być lekarzem ogólnym: lekarzem rodzinnym, ginekologiem, chirurgiem i dentystą. „Notatki młodego lekarza” zawdzięczają swoje narodziny właśnie temu okresowi życia młodego Bułhakowa. Trudno było połączyć uzdrawianie z kreatywnością, więc musiałem „orać” zmianę, leczyć bezpretensjonalnych mieszkańców wsi przez cały dzień, a potem także wykroić czas na pisanie… Czegokolwiek nie poświęcisz dla sztuki. Pewnego razu w liście do matki napisał: „Nocą piszę” Notatki lekarza ziemstwa. Może się okazać, że to solidna rzecz”. Bułhakow jest także przykładem właściwego stosunku do krytyki. Zebrał artykuły krytyczne o ich twórczości, w tym 298 negatywnych i 3 pozytywne recenzje krytyków.
Cóż, nadal uważasz, że masz za mało czasu?
Pałac Kuleborn. Szkic Karla Schinkla do opery Ondine Ernsta Theodora Amadeusa Hoffmanna. 1815-1816 lat Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin
W dobie rozpowszechnienia się powszechnej alfabetyzacji muzycznej w wyższych, a następnie w klasach średnich, muzyczny wypoczynek monarchów, pisarzy, artystów i aktorów nie był niczym nadzwyczajnym. Arzamas zgromadził dzieła najwybitniejszych kompozytorów-amatorów XVII-XX wieku.
Henryk VIII Tudor, król Anglii (1491-1547)
To Henrykowi VIII najczęściej przypisuje się autorstwo słynnej angielskiej piosenki. „Zielone rękawy”, a więcej niż jedno pokolenie brytyjskich muzykologów łamało włócznie w bitwie o udowodnienie jego autorstwa. To absolutnie wiadomo Henryk VIII napisał tyle instrumentalnych pieśni i tańców, ile podpisał edyktów i wyroków śmierci. Oto jedna z najlepszych piosenek króla:
Henryk VIII. „Wypoczynek w dobre towarzystwo» Wykonywane przez The King's SingersIwan Groźny, suweren, car i wielki książę całej Rusi (1530-1584)
Niestrudzona działalność Iwana Groźnego obejmowała nie tylko wojny i spory, ale także reformy kulturowe - nowe style architektury, wprowadzenie druku, reformy teologiczne i kościelne. Cesarz szczególnie upodobał sobie śpiew kościelny iz własną kaplicą pod kierunkiem jednego z pierwszych rosyjskich kompozytorów Fiodora Krestyanina codziennie brał udział w nabożeństwie. Od Groznego-kompozytora pochodził rękopis dwóch sticherów zatytułowanych "Księga czasownika Stihirar miesięcznik, czyli Oko Diakona". Jeden jest poświęcony metropolicie moskiewskiemu Piotrowi, który żył w XIII-XIV wieku, drugi poświęcony jest Spotkaniu Ikony Matki Bożej Włodzimierskiej (patrz „Muzyka patriotyczna”). Są napisane w nietypowy sposób język poetycki, łącząc teksty bezpośrednio z treścią muzyczną (nietypowe jak na tamte czasy śpiewy sylab), a pod względem treści muzycznej dorównuje najlepszym przykładom tego gatunku XVI wieku.
Iwana IV Groźnego. kompletna kolekcja stichera Występ: chór męski Patriarchatu Moskiewskiego „Pieśń staroruska” pod dyrekcją Anatolija GrindenkoJean-Jacques Rousseau, pisarz, filozof, myśliciel (1712-1778)
Autor „Rozpraw o naukach i sztukach”, „Wyznaniach”, znany zwolennik prostego, nieskomplikowanego sposobu życia, powrotu człowieka do natury, Rousseau był jednym z najbardziej wyrafinowanych kompozytorów swoich czasów. Pisał pieśni, koncerty, sonaty i inne kompozycje instrumentalne, a szczególną sławę zyskała jego jednoaktowa opera (interludium) Czarodziej ze wsi, napisana w 1752 roku. Dla niej król Ludwik XV po inscenizacji w Fontainebleau zaproponował Rousseau dożywotnią emeryturę, której jednak z dumą odmówił. Pasterska fabuła, błyskotliwa i przystępna muzyka sprawiły, że interludium Rousseau było pożądane na wielu scenach Europy. Nikolai Karamzin pozostawił wspomnienia o tych produkcjach w swoich Listach rosyjskiego podróżnika.
Jean-Jacques Rousseau. „Wioskowy czarodziej” Aria „J” jest perdu tout mon bonheur” Wykonanie: Gabriela Bürgler (sopran); Cantus firmus consort & Kammerchor, dyrygent Andreas Reitze
Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, niemiecki pisarz (1776-1822)
Hoffmann tak bardzo kochał muzykę, że Wilhelm zmienił nawet swoje trzecie imię na Amadeus na cześć ukochanego Mozarta. Ostatni pisarz wielka epoka Oświecenie niemieckie, Hoffmann poszukiwał już czysto romantycznego związku muz i szczerze całą swoją twórczością przyczynił się do jego umocnienia. Nie tylko komponował opery, ale nawet malował teatry i scenografie, w których wystawiano te opery, choć libretta do nich na przykład komponowali inni poeci. Hoffmann uważał pracę muzyczną za bardziej opłacalną niż literacką i nieustannie starał się gdzieś zająć miejsce dyrygenta. Opera- najczęściej niestety bezskutecznie. Oprócz oper Hoffmann dużo pisał muzyka kameralna, a jego Symfonia Es-dur jest nadal dość często wykonywana koncertowo. Ostatni i najbardziej udane pisanie Opera Hoffmanna Ondine (1816) do libretta Friedricha de la Motte-Fouquet. Co prawda i tutaj Hoffmann nie miał szczęścia: teatr spłonął wraz ze scenografią (partytura na szczęście ocalała). Znacznie większy sukces odniósł Hoffmann – ostatni oświecający i pierwszy romantyk – jako prawnik.
Ernsta Teodora Amadeusza Hoffmanna. Uwertura do „Ondyny” Wykonanie: chór i Orkiestra symfoniczna Radio Bawarskie, dyrygent Jan Kutsir. 1960
Aleksander Gribojedow, rosyjski dramaturg, poeta, dyplomata (1795-1829)
Gribojedow był typowym dyletantem epoki Glinki (podobnie jak Alyabyev Aleksander Aliabiew- autor romansu „Słowik” do słów A. Delviga., Gurilew Aleksandra Gurilewa- autor romansu „Dzwon dzwoni monotonnie” do słów I. Makarowa., Warłamow Aleksander Warłamow- autor romansu „Zamieć przetacza się ulicą” do słów D. Glebowa. i inni). Od autora nieśmiertelnego „Biada dowcipowi” nie pozostał jednak ani jeden romans - najpopularniejszy gatunek epoki (ale ci sami kompozytorzy komponowali już swoje romanse na podstawie jego wierszy). Griboyedov bardziej lubił muzykę instrumentalną i przez długi czas improwizował na fortepianie. Oczywiście improwizacje te nie zostały nagrane, a po muzyku Gribojedowie pozostały tylko dwa walce: As-dur i e-moll. Powstawały one równolegle ze słynną komedią (zima 1823-1824) i zdecydowanie łączą się z atmosferą tworzenie muzyki w domu w moskiewskich rodzinach tego społeczeństwa i tamtych czasów: „Słychać flet, to jak fortepian…”
Aleksander Gribojedow. Dwa walce Wykonywane przez: Phillip Cyr
Lew Tołstoj, rosyjski pisarz, myśliciel (1828-1910)
Miłość Lwa Nikołajewicza do muzyki była raczej wybiórcza i niezwykła, co wszyscy pamiętamy z jego opisów w Wojnie i pokoju oraz Sonacie Kreutzera. W późniejszych latach życia w Jasnej Polanie Tołstoj często otaczał się muzykami, w szczególności wśród jego kręgu byli kompozytorzy Tanejew i Goldenweiser. Wtedy też ujawnił się „grzech młodości” pisarza – w 1848 roku, w wieku 20 lat, nie tworząc jeszcze ani jednego kompozycja literacka, Tołstoj napisał już walca. (To prawda, trwało to tylko minutę i według niektórych źródeł we współpracy z jednym z jego ówczesnych przyjaciół). Czasami Tołstoj grał tego walca, ale z wielką niechęcią; w pewnym momencie Taneyev i Goldenweiser przekonali go do tego, po czym natychmiast nagrali występ w sąsiednim pokoju. Był rok 1906, Tołstoj miał już 78 lat, ale zachował doskonały słuch i pamięć muzyczna. Dzięki tej historii możemy teraz słuchać jedynej kompozycja muzyczna Tołstoj – Walc F-dur.
Lew Tołstoj. Walc F-dur Wykonawcy: Leon KleiserFriedrich Nietzsche, niemiecki filozof (1844-1900)
Zadebiutowany przez Narodziny tragedii z Spirit of Music, wielbiciel Wagnera, Nietzsche był namiętnie zakochany w muzyce. Po otrzymaniu pierwszych lekcji od ojca, w wieku 17 lat zaczął samodzielnie pisać muzykę, a do czasu poznania Wagnera w 1868 roku napisał już ponad 70 kompozycji. W zasadzie były to krótkie utwory fortepianowe: duża forma mu nie odpowiadała. Powstało wiele pieśni, zespołów wokalnych, chórów, a nawet dwie kompozycje duchowe. Kariera kompozytorska Nietzschego nie trwała jednak długo, niespełna 15 lat: tak czczeni przez niego muzycy kręgu wagnerowskiego zabili ostatecznie jego wiarę w siłę własnego talentu muzycznego. Jeszcze tylko raz, w 1882 roku, napisze „Hymn do życia” na podstawie wersetów podyktowanych mu przez Lou Salome, femme fatale jego losu. Ten utwór na chór i orkiestrę okaże się najbardziej praca wykonywalna Nietzschego.
Fryderyk Nietzsche. „Hymn do życia” Wykonawcy: Orchestra 1813, Orchestra e Coro del Conservatorio di ComoDla rosyjskiego czytelnika interesujący będzie romans Nietzschego z wierszami Aleksandra Siergiejewicza Puszkina.
Fryderyk Nietzsche. „Zaklęcie” (przetłumaczone na język niemiecki przez Theodora Opitza) Wykonywane przez: Loretta Altman (fortepian), Valerie Kinslow (sopran)Wasilij Polenow, rosyjski artysta (1844-1927)
Polenow miał się dobrze edukacja muzyczna i dość wysokie ambicje kompozytorskie. Interesował się nowościami europejskimi, w szczególności Wagnerem, przyjaźnił się z Iwanem Siergiejewiczem Turgieniewem i Poliną Viardot, stale zajmował się scenografią operową, w tym w Moskiewskiej Prywatnej Operze Rosyjskiej. Polenow pisał romanse i pieśni, chóry, muzykę do przedstawień, a nawet całą operę Duchy Hellady do libretta Sawwy Mamontowa (który wystawił ją w swoim teatrze w 1894 r.). Naturalnie, scenografia również należała do samego Polenova i jest znacznie lepiej znana miłośnikom sztuki niż muzyki. Wiele kompozycji Polenowa nie zachowało się, a wiele wymagało poważnej edycji muzycznej. Nie tak dawno temu muzyka Polenova zabrzmiała ponownie - sto lat po zapomnieniu.
Wasilij Polenow. „Radujcie się”, fragment muzyki do dramatu Apollona Majkowa „Dwa światy” Wykonawcy: Kaluga Chamber Orchestra i Kaluga Chamber Choir, dyrygent Garry AzatovMichaił Kuźmin, rosyjski poeta (1872-1936)
Kuźmin w młodości poważnie chciał zostać kompozytorem i jeszcze przez trzy lata (od 1901 do 1904) studiował w Konserwatorium Petersburskim u samego Rimskiego-Korsakowa. Jego studenckie kompozycje obejmowały prawie wszystkie gatunki akademickie, ale szczególnie popularna była muzyka do produkcji dramatycznych, na przykład Blok's Puppet Show. Później, gdy Kuźmin opuścił konserwatorium, nadal brał żywy udział w życiu artystycznym Petersburga jako performer i najczęściej śpiewał piosenki do własnych słów ze scen Zbłąkanego Psa lub kawiarni Komediantów. Oto był, jak mówią, w strumieniu: to właśnie w tych latach, że świetna ilość autorzy piosenek (na przykład Dmitrij Bohemsky, Vladimir Sabinin i inni), którzy często wykonywali swoje piosenki intymnie, półgłosem. Ten styl osiągnął punkt kulminacyjny późniejsza twórczość Alexander Vertinsky i piosenki Kuzmina zostały zapomniane. Nie zachowało się ani jedno nagranie jego śpiewu - tylko odczyty poezji. Niektóre z jego piosenek można usłyszeć.
Michaił Kuźmin. „Pieśni Aleksandryjskie. Pierwszy notatnik ”(1905) Wykonawcy: Mila Shkirtil (mezzosopran), Yuri Serov (fortepian) Michaił Kuźmin. „Wiersze duchowe” (1901-1903) Wykonawcy: Mila Shkirtil (mezzosopran), Yuri Serov (fortepian)Charles Spencer (Charlie) Chaplin, aktor, reżyser (1889-1977)
Podobnie jak inni kompozytorzy amerykańskiej sceny, jak na przykład słynny Irving Berlin, Chaplin był muzycznym analfabetą. Istniało nawet określenie „kompozytorzy gwiżdżący” – pracowali z sekretarkami. Jednak muzyka zajmowała kolosalną rolę w życiu wielkiego komika. Muzykę do swoich filmów zawsze tworzył sam, korzystając nie tylko z własnego, ale i cudzego materiału (francuski fokstrot „Titina” w edycjach „Gorączki złota” z 1942 i 1956 roku czy tango „Fioletowa sprzedawczyni” w „Ogniach duże miasto"). Największe wymagania stawiał sekretarkom i aranżerom – praca nad partyturą filmu przeradzała się niekiedy w prawdziwą udrękę dla zespołu muzycznego. Muzyka, a nie mowa, pozostawała głównym emocjonalnym wsparciem fabuły i gry do końca życia wielkiego artysty. Chaplin dyktował mu muzyczne pomysły, najczęściej grając na skrzypcach, choć potrafił też grać na pianinie. W latach 50., mieszkając w Szwajcarii podczas długiej przerwy po Limelight, Chaplin przerobił całą muzykę do swoich starych filmów niemych z przełomu lat 1910 i 20. Ostatnią partyturą Chaplina była muzyka do słynnego melodramatu The Kid z 1921 roku, który ukazał się w nowym wydaniu muzycznym w 1971 roku.
Charlesa Chaplina. Walc z filmu „Światła miasta” (1931) Wykonanie: orkiestra jazzowa pod dyrekcją Jakowa Skomorowskiego, nagrane w 1937 rWyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.
Wysłany dnia http://www.allbest.ru/
MINISTERSTWO SZKOLNICTWA WYŻSZEGO I ŚREDNIEGO REPUBLIKI UZBEKISTANU
STANOWY UNIWERSYTET W ANDIJANIE
WYDZIAŁ FILOLOGICZNY
KATEDRA JĘZYKA I LITERATURY ROSYJSKIEJ
ŚWIAT SZTUKI FG LORCA
Wykonane:
Achmadzhanova Nazokat
Wstęp
2. Kreatywność pisarza
Wniosek
Bibliografia
Wstęp
Federico Garcia Lorca to hiszpański poeta i dramaturg, znany również jako muzyk i grafik. Centralna postać „pokolenia 27”, jedna z najjaśniejszych i najbardziej znaczących postaci hiszpańskiej kultury XX wieku. Zabity na początku hiszpańskiej wojny domowej.
Dziś poezja i dramaturgia Lorki cieszą się powszechnym uznaniem nie tylko w jego ojczyźnie, nie tylko w krajach języka hiszpańskiego, ale na całym świecie. „Jeżeli w oczach współczesnych Garcia Lorca był tylko jednym z błyskotliwej galaktyki hiszpańskich poetów lat 20-30, to teraz jego twórczość zajęła miejsce wśród najwyższych osiągnięć kultura artystyczna XX wieku” – słusznie zauważył L. Ospovat w swoim artykule wprowadzającym do jednego ze zbiorów dzieł Lorki.
Lorca jest znana i kochana przez wielu. Więcej niż jedno pokolenie tłumaczy tłumaczyło i tłumaczy jego wiersze: M. Tsvetaeva, V. Andreev, A. Geleskul, O. Savich, V. Parnakh, M. Samaev, A. Yakobson, V. Kapustina, G. Shmakova i wiele, wiele innych. Krajową, a później światową sławę Lorca przyniósł przede wszystkim swoje poetyckie cykle „Cante Jondo” i „Romancero gitano”, przesiąknięte andaluzyjskim folklorem, stanowiące prawdziwe arcydzieła liryki. Główne zbiory poezji poety: „Libro de poemas” (1921), „Canciones” (1927), „Romancero Gitano” (1928), „Poema del cante jondo” (1931), „Poeta en Nueva York” (1929) -1930) .
1. Biografia Federico Garcii Lorki
W szkole wrażliwy chłopiec nie uczył się zbyt dobrze. W 1909 roku rodzina przeniosła się do Granady. W latach 1910-tych Federico aktywnie uczestniczył w życiu lokalnego środowiska artystycznego.
W 1914 Lorca rozpoczął studia prawnicze, filozoficzne i literackie na Uniwersytecie w Granadzie. Garcia Lorca dużo podróżuje po kraju.
W 1918 roku Lorca opublikował swój pierwszy zbiór poezji Impresiones y paisajes („Impresje i pejzaże”), który przyniósł mu, jeśli nie sukces komercyjny, to przynajmniej sławę.
W 1919 roku Garcia Lorca przyjeżdża do Madrytu. Na stołecznym uniwersytecie poznaje Salvadora Dali i Luisa Bunuela, a także Gregorio Martineza Sierrę, dyrektora Teatru Eslava. Na prośbę Martineza Sierry Lorca pisze swoją pierwszą sztukę El maleficio de la mariposa (Czary motyla) i reżyseruje ją (1919-1920). Do 1928 studiował na Uniwersytecie w Madrycie.
W kolejnych latach Garcia Lorca staje się wybitną postacią wśród artystów awangardowych.
Wydał nowe zbiory poezji, m.in. Romancero gitano (Romancero cygańskie, 1928). W tych wierszach poeta, według niego własne słowa, „Chciałem połączyć cygańską mitologię z całą dzisiejszą codziennością”.
Rok później Garcia Lorca wyjeżdża do Nowego Jorku, w wyniku czego wkrótce pojawiają się nowe utwory - tomik wierszy Poeta en Nueva York („Poeta w Nowym Jorku”, 1931), gra El publico („Publiczny”, 1931, 1936) i Asi que pasen cinco anos „Kiedy minęło pięć lat” (1931).
Powrót poety do Hiszpanii zbiegł się z upadkiem reżimu Primo de Rivera i powstaniem Drugiej Republiki Hiszpańskiej.
W 1931 roku Garcia Lorca został mianowany dyrektorem teatru studenckiego La Barraca („Balagan”). Pracując w teatrze, Lorca tworzy swoje najsłynniejsze sztuki: Bodas de sangre (" krwawy ślub”), Yerma („Yerma”) i La casa de Bernarda Alba („Dom Bernardy Alby”).
Latem 1936 roku Garcia Lorca planował wyjazd do Meksyku, ale postanowił najpierw udać się do ojczyzny.
Trzy dni przed wybuchem buntu wojskowego wojna domowa, García Lorca, którego sympatie do hiszpańskiej lewicy i rządu republikańskiego były dobrze znane, wyjechał z Madrytu do Granady, choć było oczywiste, że czeka go tam poważne niebezpieczeństwo: na południu Hiszpanii pozycje prawicy były szczególnie silne. 16 sierpnia 1936 r. frankiści aresztowali Garcíę Lorcę w domu poety Luisa Rosalesa (którego bracia byli falangistami) i prawdopodobnie następnego dnia poeta został zastrzelony na rozkaz gubernatora Valdesa Guzmána i potajemnie pochowany 2 km dalej. z Fuente Grande. Po tym, aż do śmierci generała Franco, książki Garcíi Lorki były zakazane w Hiszpanii. Jednocześnie należy zaznaczyć, że utrzymywał przyjazne stosunki z przywódcami JONS Falange, José Antonio Primo de Rivera i Onesimo Redondo Ortegą.
Istnieje wersja, w której poeta nie został zabity i po prostu zaginął. W 2008 r. wnuczka nauczyciela, zastrzelona wraz z Lorcą, zażądała ekshumacji ciał ze wspólnego grobu, w którym Lorca miał spoczywać (zgodnie z ustawą o przywracaniu pamięci historycznej).
Ekshumację tego i 18 innych masowych grobów przeprowadzono na polecenie sędziego Baltasara Garzona, działając z własnej inicjatywy, co doprowadziło do utraty przez niego urzędu i postawienia mu zarzutów karnych za nadużycie władzy. Żadnych szczątków nie znaleziono nie tylko w grobie, ale w całym powiecie miejskim, gdzie według oficjalnej wersji rozegrała się tragedia. Bardziej mityczna wersja głosi, że ranny poeta został potajemnie przetransportowany do Argentyny, ale nie pamiętał już swojego imienia i przeszłości.
W 2015 roku hiszpańska sieć nadawcza Cadena SER opublikowała 22 kwietnia nieznane wcześniej dokumenty z archiwum Generalnej Dyrekcji Policji w Granadzie, potwierdzające egzekucję Federico Garcii Lorki przez frankistów (mianowicie raport policyjny z 1965 roku, w którym stwierdzono, że Lorca był „ niewiarygodny” z powodu swoich socjalistycznych poglądów, przynależności masońskiej i podejrzeń o homoseksualizm).
Dzieła Garcii Lorki zostały przetłumaczone na wiele języków, na język rosyjski przełożyli je M. Cwietajewa (przetłumaczyła Lorcę w ostatnich dniach życia), N. Asejew, W. Parnach, A. Geleskul, Yunna Moritz, N. Trauberg, N. Malinovskaya, B. Dubin, N. Vanhanen, K.M. Gusiew i inni.
Wielu uznaje, że Lorca na końcu wiersza „Historia i cykl trzech przyjaciół” (1930, zbiór „Poeta w Nowym Jorku”) przewidział wojnę secesyjną, własną śmierć i nieznane miejsce pochówku.
2. Kreatywność pisarza
Lorca urodził się w małej wiosce Fuentevaqueros, niedaleko Granady, w zamożnej rodzinie. Po ukończeniu szkoły średniej, za namową ojca, wstąpił na uniwersytet w Granadzie, nie wykazując jednak żadnego zapału do nauki. W tym czasie początek jego działalności literackiej. W 1919 roku Lorca przeniósł się do stolicy i całkowicie poświęcił się twórczości. W marcu 1920 roku teatr Eslava w Madrycie wystawia jego pierwszą sztukę El maleficio de la mariposa, która nie odniosła sukcesu.
Latem 1921 roku ukazał się pierwszy zbiór wierszy Lorki, Księga wierszy ( Libro de poemas ). W tym czasie rozpoczęły się prace nad wierszami, które znalazły się w zbiorze „Pieśni” (Canciones, wiersze 1921 – 1924, wyd. 1927), „Pierwsze pieśni” (Primeras canciones, wiersze 1922, wyd. 1935). .). Najwcześniejsza z tych książek nadal nosi bardzo wyraźny ślad praktyki, echa jego pasji do poezji Beckera, Jimeneza, Machado.
A sam poeta w jednym ze swoich wierszy przyznał, że „mgła ksiąg i słów” opada na „cień jego duszy”.
To prawda, że już można znaleźć zainteresowanie Sztuka ludowa. Jednak, jak słusznie później napisał Neruda, odwołanie się Lorki i jego przyjaciela Albertiego do folkloru hiszpańskiego z początku „było tylko grą prymitywów, w której odnaleźli szczególny urok, jak po wyrównaniu klombów i gładko przystrzyżonych trawnikach, pociąga ich bujna roślinność wiosennych łąk, ale obaj świadomie przezwyciężyli prymityw, a ich twórczość nabrała cech prawdziwej, głębokiej narodowości. Proces przezwyciężania „gry w prymityw” u Lorki przebiegał niezwykle łatwo i szybko, ze względu na wrodzone poecie poczucie pokrewieństwa z ludem.
Już w "Pieśniach" trochę specyficzne cechy jego poezja, zachowana w całym jego dziele.
Lorca jako artysta jest najmniej opisowy. Poeta preferuje emocjonalną aluzję, która tworzy liryczną atmosferę akcji, a same wydarzenia pojawiają się pod subtelną osłoną tajemniczości. Każdy wiersz to ogromny poetycki świat, ale jednocześnie zaproszenie do kreatywności, która rozbudza wyobraźnię czytelnika, pozwala mu poetycko dokończyć niewypowiedziane.
Hiszpania w wierszach Lorki jawi się jako poetycko przekształcona, to jest Hiszpania opowieść ludowa i legendy. A jednocześnie prawdziwa Hiszpania zawsze wyłania się z tej mgły legendy, oszczędne, ale niezwykle wyraziste szczegóły za każdym razem w wierszach Lorki przerzucają pomost między tymi dwoma stronami ojczyzny poety. Świat w poezji Lorki jawi się w swej poetyckiej integralności i harmonii. Człowiek i natura są w nim tak nierozerwalnie związane, że przyroda okazuje się być humanizowana, a o człowieku myśli się jedynie jako o cząstce kosmosu. Dla Lorca jest to nie tylko źródło wielu jego obrazów, natura, jej prawa naturalne stają się najważniejszą miarą w moralnej ocenie rzeczywistości: poeta mierzy moralną wartość i najwyższą sprawiedliwość tego, co się dzieje, bliskością natury, przestrzegania jej praw.
W istocie przez całą poezję Lorki przewija się kilka najważniejszych wątków: los, najczęściej postrzegany z domieszką fatalizmu, śmierć, miłość. To prawda, że \u200b\u200bw pierwszych zbiorach poeta, jakby wciąż ze strachem dotyka tematu losu i śmierci, stara się ukryć przed straszną nieuchronnością śmierci. Na przykład w miniaturach „Łowca” (Cazador) i „Ścięcie trzech drzew” (Cortaron tres arboles) śmierć ukazana jest jako efekt agresywnej ingerencji człowieka w przyrodę, ale wciąż nie ma poczucia jej nieuchronności i , co najważniejsze, jego wieczna niewidzialna obecność na świecie.
Zbiory te ukazują również typowo lorkowskie środki wyrazu poetyckiego. Figuratywna struktura wierszy Lorki często uderza swoją niezwykłością. Dojrzałe umiejętności przyszły do Lorki niezwykle szybko. Rzeczywiście, w tych samych latach, w których zakończono prace nad Pieśniami, młody poeta pracował nad Poema del cante jondo (Poema del cante jondo, wiersze 1921-1924, wyd. 1931), jednym z uznanych arcydzieł jego poezji.
W wykładzie o kcante hondo, który Lorca odczytał uczestnikom festiwalu, tak określił wyjątkowe cechy tej poezji: „Niezliczone gradacje Cierpienia i Smutku… Gdziekolwiek się rodzą, w sercu Sierra czy w pomarańczowych ogrodach Sewilli, czy na harmonijnym wybrzeżu Morza Śródziemnego, te strofy mają wspólną treść: Miłość i śmierć… Ale Miłość i śmierć widziana oczami Sybil…”.
Zauważając dalej „głębokość i intymność” przeżyć charakterystycznych dla cante jondo, Lorca powiedział, że Smutek, jeden z głównych „bohaterów” tych dzieł, pojawia się w postaci „ciemnoskórej kobiety polującej na ptaki z sieciami od wiatru ”. Andaluzyjska pieśń ludowa nie zna półtonów: „Andaluzyjczyk albo wysyła wołanie do nieba, albo całuje czerwonawy pył swoich dróg”. Akcja cante hondo rozwija się zawsze w beznadziejną noc, a tylko ciemność i gwiazdy okazują się świadkami rozgrywających się wokół tragedii. „Wszystkie wersety cante jondo” – argumentował Lorca – „pełne są wspaniałego panteizmu”, takie „postacie”, jak powietrze, ziemia, morze, wiatr, szloch działają w nich na równi. I podsumował: „Konieczne jest zabranie ludziom tylko tych najgłębszych esencji i jednej lub dwóch kolorowych linii, w żadnym wypadku nie starając się dokładnie naśladować jej unikalnych modulacji, ponieważ robiąc to, tylko zamącimy głębię piosenki. " Stworzony przez poetę „Poemat Cante Jondo” pozostał niezrównany, ponieważ Lorca odtworzył w nim samą istotę poetyckiego myślenia ludzi.
Lorca prawie nie ucieka się nawet do zwykłej formy cante hondo - czterowierszowej sigiriya i petenery, trzywierszowej solea. Pisze w dowolnej wielkości, zmieniając się w zależności od nastroju lirycznego. Ale z niesamowitą mocą ujawnia się wewnętrzny duch, znaczenie i charakter pieśni andaluzyjskiej. Pierwszy wiersz, „Balladilla o trzech rzekach” (Baladilla de los tres rios), niejako zarysowuje kontekst geograficzny tej pieśni: obie Andaluzja – nadmorska i równinna, oddzielona górami i obmywana rzekami Gwadalkiwir, Dauro i Genil. W tym wierszu jest ekspresyjny obraz, którego znaczenie nie jest od razu zrozumiałe. „Rzeka Gwadalkiwir rozlewała się brodą w kolorze granatu”. I dalej: „Dwie rzeki Granady: jedna – łzy, krew – druga”. Pierwszy obraz może wydawać się zbyt „książkowy”. Tymczasem jest to wynik najdokładniejszej obserwacji: faktem jest, że Gwadalkiwir płynie korytem z czerwonej gliny, az gór wygląda jak strumień krwi lub zakrwawiona broda nieznanego olbrzyma. Dauro ma skaliste dno, stąd „jedna to łzy, druga to krew”.
3. Spektakl „Dona Rosta, panna, czyli język ptaków”
Ostatnią sztuką Federico, wystawioną za jego życia, była Doña Rosita, Maiden, czyli język kwiatów. Mówi o czasie, który przemija, niszcząc ludzkie życie. Pomimo nieco frywolnego tonu fabuły, w tej pracy temat ten osiąga szczególną głębię. Premiera odbyła się 12 grudnia 1935 roku w Principal Palace Theatre w Barcelonie. Spektakl rozgrywa się w Granadzie w r koniec XIXw wieku, w akcie drugim i trzecim daje się już wyczuć wpływ nowego stulecia.
Pomysł na sztukę zrodził się w jego studenckich latach, kiedy on Francuska książka, podręcznik botaniczny nt różne odmiany róże. Szczególne wrażenie zrobił na poecie opis jednodniowej róży - Rosa mutabile, której kwiat rozkwita rano, w pełni otwiera się w porze obiadowej i więdnie wieczorem. Federico widział w tym kwiacie symbol ludzkiego życia: o poranku kwitnienie, w południe dojrzałość, wieczorem więdnięcie i śmierć. W swojej sztuce Lorca opisuje trzy epoki głównego bohatera. Na początku dramatu ma zaledwie dwadzieścia lat, w drugim akcie ma już trzydzieści pięć, aw trzecim czterdzieści pięć. Sam Lorca miał wtedy 37 lat i całkiem możliwe, że czuł, jak szybko czas ucieka, pozostawiając pustkę, brak uczuć, samotność i może miał przeczucie rychła śmierć. W każdym razie w żadnej innej sztuce Lorca nie był w stanie tak dramatycznie przedstawić upływu czasu. W pierwszym akcie spektakl pełen jest muzyki, radości i pieśni zaczerpniętych z andaluzyjskiego folkloru. Akcja toczy się w ogród zimowy, który jest pełny różne kolory. Widz zanurza się w „poezji roślinnej”. W centrum sztuki znajduje się miłość Rosity do kuzyna. Tylko Rosita ma imię, reszta bohaterów ma imiona pospolite: Komilica, Ciocia, Wujek, Siostrzeniec, w tle: Rodzina Manoli, Matka Starych Panny, Młody Człowiek, Dwóch Robotników, Profesor Ekonomii, a nawet Głos. W ten sposób możesz natychmiast podkreślić zbliżenie główny bohater, Rosita, stara panna. Miłość w sztuce pozostanie niedokończona, będzie unosiła się w powietrzu, jak zapach tej róży, której życie trwa tylko jeden dzień. Tej miłości, której już nie będzie, która nie może i nie chce się spełnić. Oto najwyższe ucieleśnienie jego ulubionej idei - idea „niemożliwej miłości”.
Fabuła spektaklu jest dość prosta. W pierwszym akcie Siostrzeniec mówi, że po rodzicach wyjeżdża do Ameryki. Ślubuje wrócić do Rosity, a ciocia odpowiada na jego słowa o wyjeździe: „Wbijesz jej w serce strzałę z fioletową wstążką”. Wykorzystano tu jeden z obrazów walki byków: strzałkę ozdobioną wielobarwnymi wstążkami, którą banderillero wbija w kark byka. Obraz „strzały z purpurową wstążką” został już powiedziane o przyszłych cierpieniach: ma kolor namiętności i bólu śmiertelnej rany.
W drugim akcie pojawia się postać karykaturalna - profesor-pedant. możliwe, że jego pierwowzorem stał się pewien profesor, którego Lorca znał jeszcze w Granadzie. Wiedząc, że od wyjazdu narzeczonego Rosity minęło już piętnaście lat, profesor zaczyna o nią zabiegać. Daje Rosicie dziwny prezent, który w pełni charakteryzuje jego charakter: „To jest Wieża Eiffla wykonana z masy perłowej, oparta na dwóch gołębiach niosących w dziobach koło postępu przemysłowego”. I dodaje: „Chciałem Wam podarować małą srebrną armatę, przez którą widać Notre Dame w Lourdes, albo sprzączkę do paska w kształcie węża z czterema ważkami, ale wtedy pomyślałem, że Eiffel Wieża to prezent o bardziej wyrafinowanym guście.” Aby dodać jeszcze więcej komizmu, Lorca wprowadza na scenę oburzoną pielęgniarkę: „Byłam tutaj, za drzwiami… i postawiłam miotłę do góry nogami, no, żeby wyrzucić stąd tego dżentelmena”.
A Rosita czeka na list zza oceanu. Czas mija, Rosita nie wychodzi już z domu, czas jej świetności minął, jej przyjaciele już dawno założyli rodziny, a ona jest zmuszona uschnąć w czterech ścianach. Wskazują na nią palcami, jakby była porzucona, o niespełnionej miłości może tylko marzyć... Ale może list przyjdzie? Wypowiada zdanie, na punkcie którego sam Lorca ma obsesję: „Nie chcę widzieć, jak mija czas”. Ale to mija, mija ją… Nie pamięta już twarzy swojego kochanka, tylko miłość jest przechowywana w jej sercu, co stopniowo odbiera Rosicie całą witalność.
W końcu nadchodzi długo oczekiwany list. Bratanek informuje, że nie może przyjechać, ale proponuje ślub „przez pełnomocnika”.
W tym czasie odbywały się takie ceremonie, zwłaszcza jeśli dziewczyna pozostała w domu, a młody człowiek wyjechał do Nowego Świata.
Ale małżeństwo przez pełnomocnika nie zostało skonsumowane...
Minęło kolejne dziesięć lat. Pan młody ożenił się z innym. dla nieszczęsnej Rosity upadek nadziei jest upadkiem całego świata. Wujek zmarł, dom popada w ruinę, Rosita, Ciocia i Pielęgniarka muszą opuścić rodzinne mury. Pielęgniarka grozi, że pojedzie do Ameryki, ten sam Tucuman, i tam poszuka nikczemnego kuzyna, „aby odciąć mu głowę szablą i wbić między kamienie, a potem odciąć prawa ręka który napisał fałszywe śluby i fałszywe zapewnienia miłości.
Pojawia się kolejna postać, profesor retoryki, frajer i lament, starający się uwieść Rositę. Ponura atmosfera gęstnieje jeszcze bardziej. Ostatnie słowa Rositas toną we łzach, a jednocześnie są pełne szczególnej siły, przywołując obrazy nieuchronnej samotności i wyblakłego koloru życia: „To już koniec… a jednak mimo wszystkich straconych nadziei idę spać i obudzić się z najstraszniejszym z żalów – żalem, że umarła dla mnie wszelka nadzieja. Chcę uciec, nie chcę widzieć, chciałbym stać się wolny i pusty... A jednak nadzieja mnie prześladuje, oblega, gryzie - jak konające zwierzę, zaciskając szczęki po raz ostatni na moim gardle .
Ostatnia uwaga Rosity, wypowiedziana pod zasłoną, jest powrotem do tego samego ostatniego dwuwiersza o rosa mutabile: W godzinie, gdy na ziemię zapadnie noc, ona opadnie i umrze cicho.
Wniosek
Podsumowując, należy zauważyć, że potencjał twórczy Lorki był ogromny. Zajmował się dramaturgią (jego dramaty stały się klasykami światowego repertuaru), reżyserią teatralną (i stworzył teatr zaawansowany dla swojej sytuacji kulturowej). poeta dramatopisarz
Wyróżnił się jako krytyk literacki i muzykolog. Poza tym trochę rysował i grał muzykę - więc dla siebie. Ale główną „specjalnością” Lorki zawsze była poezja liryczna.
Lorca był pełen planów, chciał napisać sztukę skierowaną przeciwko wojnie, tragedię polityczną, „kilka dramatów o charakterze społecznym i humanistycznym”. Plany te nie miały się spełnić, życie Federico Garcii Lorki zostało tragicznie przerwane: w nocy 19 sierpnia 1936 roku został zastrzelony przez hitlerowców. Ale nie udało im się zabić pamięci o wielkim hiszpańskim pisarzu, którego przeznaczeniem jest nieśmiertelność.
Bibliografia
1. Federico Garcia Lorca. Canciones. Poemas sueltos. Varia. - Madryt, 1981.
2. Federico Garcia Lorca. Piosenka chce stać się światłem. - St. Petersburg, "Azbuka-classic", 2004.
3. Federico Garcia Lorca. O sztuce. - M., "Sztuka", 1971.
4. Federico Garcia Lorca. Ulubione. - M., "Oświecenie", 1986.
Hostowane na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Przegląd twórczości dramatycznej G. Lorki w przekładach języka ukraińskiego. Fenomen hiszpańskości i kultury andaluzyjskiej w tekstach, symbolice biblijnej i katolicyzmie. Pośrednie dopasowanie dramaturgii Lorki z twórczością M. Kostomarowa, M. Maeterlincka.
artykuł, dodano 22.02.2018
Cechy rozwoju kultury w XX wieku, który stał się nowym „złotym wiekiem” literatury hiszpańskiej, kiedy po długim zastoju narodziła się na nowo poezja. Etapy twórczości Lorca. Cechy poetyki na przykładzie analizy wiersza „Powrót ze spaceru”.
test, dodano 20.01.2011
Krótka informacja o ścieżce życia i twórczości M.Yu. Lermontow - wybitny rosyjski poeta, prozaik, dramaturg, artysta. Czynniki wpływające na kształtowanie się osobowości poety. Leczenie na wodach mineralnych Kaukazu, kreatywność w tym okresie.
prezentacja, dodano 12.10.2013
Studium cech stylistycznych mowa monologowa w sztuce „Co się stało w zoo” amerykańskiego dramatopisarza Edwarda Albee. Monologi są głównym instrumentem dramaturgii pisarza. Stylistyczne środki tkwiące w monologach głównego bohatera.
praca semestralna, dodano 15.02.2013
Studium ścieżki życia i twórczości wielkiego rosyjskiego poety M.Yu. Lermontow. Dzieciństwo, młodość, czynniki i wydarzenia wpływające na kształtowanie się osobowości poety. tekst piosenki różne lata oraz wiersze Lermontowa o celu poety i poezji.
praca semestralna, dodano 10.01.2011
Biografia Jurija Karłowicza Oleszy - rosyjskiego radzieckiego pisarza, poety i dramatopisarza, znanego jako autor bajki „Trzech grubasów”. Pojęcie terminu „awangarda”. Analiza twórczości pisarza w celu rozpoznania cech awangardy w nim na przykładzie powieści „Zazdrość”.
praca semestralna, dodano 15.06.2010
Biografia i kreatywny sposób Fiodor Sologub – rosyjski poeta, prozaik, dramaturg, publicysta, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli symbolizmu i jeden z najmroczniejszych romantyków literatury rosyjskiej. Pojednanie umierającego poety z jego trudnym losem.
praca twórcza, dodano 01.11.2015
Biografia wielkiego rosyjskiego poety Aleksandra Siergiejewicza Puszkina: rodzice, lata nauki i pierwsze prace. Ocena wkładu literackiego A.S. Puszkina w system tworzenia współczesnego języka rosyjskiego. Portrety życiowe poety i tragedia jego śmierci.
prezentacja, dodano 16.12.2013
Dzieciństwo i młodzieńcze lata ludowego poety Tatarstanu Roberta Mugallimowicza Minnullina. Świat twórczości poety. Wiersze dla dorosłych. Ton poezji Minnullina. Rozumienie artystyczne obraz z dzieciństwa. Główny wartości kreatywność dla dzieci.
streszczenie, dodano 01.09.2015
Twórcze dziedzictwo wielkiego rosyjskiego poety Siergieja Jesienina. Biografia poety, emocjonalne tło dzieciństwa. Motyw skazanej na porażkę przemijania bytu. Pierwsze opublikowane wiersze. Grupa literacka Imagistów. Autobiografia Jesienina, wersje jego tragicznej śmierci.
Światowa literatura obfituje w wielkie nazwiska. W tradycja literacka prawie każdy z wiodących krajów świata może znaleźć kilkanaście nazwisk, które na zawsze weszły do annałów literatury światowej, ale są wśród nich pisarze, których nazwiska są uosobieniem kultury ich kraju, jego symboli literackich. Dla Rosji są to Puszkin, Tołstoj i Dostojewski, dla Wielkiej Brytanii Byron, Szekspir i Dickens, dla Niemiec Goethe i Schiller, a dla Hiszpanii Miguel Cervantes i Federico Garcia Lorca.
Federico Garcia Lorca to hiszpański poeta, dramaturg i muzyk, jeden z najsłynniejszych hiszpańskich poetów. Jeśli Miguel Cervantes i jego bohater stali się rzecznikami hiszpańskiej tradycji kulturowej, hiszpańskiego światopoglądu, wielu myślicieli uważało „kiszotyzm” za jeden z podstawowych elementów „hiszpańskości”, to Garcia Lorca stał się śpiewakiem Hiszpanii XX wieku, „ międzynarodowy symbol” i jednocześnie „poeta ludowy”.
Wizerunek Lorki w ZSRR. Lorca jako symbol
Federico Garcia Lorca jest prawdopodobnie najsłynniejszym i najbardziej ukochanym hiszpańskim poetą w Rosji. Można go również nazwać najczęściej tłumaczonym autorem hiszpańskim. Wielu wybitnych pisarzy hiszpańskich otrzymało tylko jeden przekład swoich najważniejszych dzieł lub w ogóle ich nie przetłumaczono. Z drugiej strony Lorca była tłumaczona i studiowana przez Rosjan „od góry do dołu”.
Bez względu na to, jak smutno było to powiedzieć, ale popularność Lorki w ZSRR i Rosji była pod wpływem jego tragiczna śmierć. Wizerunek Lorki w sowieckim społeczeństwie jest nierozerwalnie związany z wojną domową. Lorca padł ofiarą frankistów. Przed pamiętnym rokiem 1936, który pochłonął życie wielu hiszpańskich intelektualistów po obu stronach konfliktu, niewiele pisano o Lorce w Związku Radzieckim, ograniczając się do kilku wzmianek o nim wśród innych przedstawicieli literatury hiszpańskiej. Po jego śmierci w sowieckiej prasie pojawiło się jednocześnie kilka nekrologów. Lorca pojawił się w nich jako ofiara brunatnej zarazy, as poeta ludowy, zabity przez „bandę najemników międzynarodowego faszyzmu”. Jego wizerunek był mocno upolityczniony. Dla obywateli radzieckich stał się symbolem wolnej republikańskiej Hiszpanii, symbolem „miłości obywateli radzieckich do kultury hiszpańskiej” i „współczucia dla narodu hiszpańskiego”.
Lorca i pokolenie 27.
W 1919 roku Lorca został zapisany do akademika w Madrycie, studiowali tu także Jorge Guillon i Salvador Dali, którzy zostali przyjaciółmi Lorki. Tu też Lorca i jego towarzysze spotykali „uznanych” pisarzy epoki – Miguela de Unamuno i Antonio Machado, najwybitniejszych przedstawicieli „Generacji 98”. Tak nazywała się grupa hiszpańskich intelektualistów, którzy ostro identyfikowali problemy w swojej pracy rozwój historyczny Hiszpania. Kiedy „powolne samobójstwo Hiszpanii” dobiegało końca, monarchia przeżywała swoje ostatnie lata, a przedstawiciele „pokolenia 98” rozpierzchli się „w różne zakątki” pola ideowego Hiszpanii i przenieśli się do lepszy świat pałeczkę przejęło „Pokolenie 27”. Jej najwybitniejszymi przedstawicielami byli Garcia Lorca, Jorge Guillon i Salvador Dali.
Zupełnie inaczej postawiono akcenty w twórczości „pokolenia 27”. Twórczość starszego pokolenia i jego „wizerunek Hiszpanii” była zorientowana „do wewnątrz”, oparta na refleksji nad problemami narodowymi, podczas gdy młodsze pokolenie odwracało obraz Hiszpanii „na zewnątrz”, niosło go w świat, ich praca stawała się bardziej "Europejski". Wśród przedstawicieli „pokolenia” panuje wewnętrzna kontrowersja: łączyło ono „narodowość hiszpańską” (Lorca) i „awangardę” (Dali). Duży wpływ Wpływ na twórczość pokolenia miał Juan Ramno Jiménez, który stał się swoistym „łącznikiem” między dwoma pokoleniami.
Hiszpania w pracach Lorki
Lorca pochodzi z hiszpańskiej prowincji Granada w Andaluzji, pochodzi z rodziny zamożnych właścicieli ziemskich. Ten fakt z biografii Lorki nie pasował do obrazu „męczennika i”. bohater ludowy’ i dlatego często milczał. Ojciec Lorki pięknie grał na gitarze, komponował i śpiewał „kanty-hondo” (piosenki andaluzyjskie) i uzależnił syna od Kultura ludowa. Obrazy rodzimej Andaluzji i motywy folklorystyczne stały się dla młodego poety jednym ze źródeł inspiracji. Próbuje wizerunku „cygana andaluzyjskiego”. Jego "Zbiór wierszy", wydany podczas jego terminowania w Madrycie w 1921 roku, jest nasycony oryginalnością, czuć w nim andaluzyjskie pieśni ludowe "sigiri". W 1923 roku Lorca wraz z kompozytorem Manuelem de Fallą zorganizował festiwal andaluzyjskich pieśni ludowych i w tym samym roku wydał zbiór „Wiersze o Kancie Hodno”, który stał się „pozdrowieniami z dzieciństwa”, wspomnieniem jego ojca.
szczyt " poezja ludowa» Lorca została wydana w 1928 roku przez cykl „Gypsy Romancero”, przesycony folklorystycznymi obrazami i duchami Cyganów andaluzyjskich. W słynnym wierszu „Romans księżyca, księżyca” w tle opowieść ludowa o księżycu, który odebrał życie dziecku, rozwija się obraz hiszpańskiego życia ludowego.
Cyganom w kuźni ukazał się księżyc w jaśminowym szalu.
A dziecko patrzy, patrzy, a spojrzenie chłopca jest zdezorientowane.
Księżyc wyrzucił ramiona i drażni północny wiatr
z blaszaną klatką piersiową, bezwstydną i nieskalaną.
Księżycu, mój księżycu, schowaj się!
Jeśli Cyganie wrócą, zabiorą ci serce i wybiją srebro
Ręce dzieci są złożone na lodowym kowadle
Zasłaniając dumnie powieki, kołysząc się we mgle
Zza oliwek wychodzą brązy i śpią - Cyganie.
Gdzieś szlochała sowa -
Tak niepocieszony i subtelny!
Księżyc bierze dziecko za rękę w ciemne niebo.
Krzyczeli Cyganie w kuźni, echo płakało w zaroślach...
A wiatry śpiewały i śpiewały dla odpoczynku odchodzących.
Mówiąc o „Hiszpanii” w twórczości Lorki, nie sposób nie wspomnieć o motywach religijnych. Hiszpania znana jest ze swojej religijności, katolicyzm w tym kraju jest jednym z fundamentów kultury. Lorca jak prawdziwy Hiszpan był głęboko osoba religijna. Jednymi z ulubionych „chrześcijańskich” wizerunków poety były wizerunki świętego Salwadora i wielkiej męczennicy Eulalii.
Lorca i awangarda
„Motywy ludowe” w twórczości Lorki umiejętnie łączyły się z surrealizmem, który był dla poety tylko jednym ze sposobów postrzegania świata. Lorki nie można nazwać surrealistą. Elementy tego nurtu w jego twórczości determinowała „partia”, w szczególności bliska znajomość z Salvadorem Dali, pod którego wpływem Lorca próbował rysować surrealistyczne obrazy co, muszę powiedzieć, nie poszło mu zbyt dobrze. Przyjaźń między artystą a poetą została zbudowana na kontraście między „awangardą a folklorem”, „ateizmem a religijnością”.
Na surrealistyczne motywy w twórczości Lorki wpłynął także jego kontakt z „kulturą amerykańską”, poeta od dwóch lat mieszka w Nowym Jorku, studiuje literaturę amerykańską i stamtąd przywozi zbiór „A Poet in New York”.
Wszystkie aspekty twórczości F. Garcia Lorca.
Garcia Lorca znany jest nie tylko jako poeta, ale także jako muzyk, artysta plastyk i dramaturg. Poezja, muzyka i teatr były w jego twórczości nierozłączne. Muzykowanie rodziców i znajomość 11-letniego Lorki z Manuelem de Fallą, który nauczył chłopca śpiewu „katno-hondo”, zadecydowały o tym, że droga twórcza Garcii Lorki zaczęła się od muzyki. Antonio Seguro Mesa nauczył go gry na pianinie. Już w wieku 18 lat Lorca zdobył pierwszą miłość publiczności, doskonale wykonując prace własny skład. Niestety, wczesne pisma Lorki nie zachowały się.
Pewnego dnia, jako dziecko, młody Federico uczestniczył w przedstawieniu wędrowca Teatr kukiełkowy w rodzinnej wiosce Fuenta Lakeros. Wywarło to na nim niezatarte wrażenie. Zaczął organizować przedstawienia w domu, wycinając figurki lalek z tektury. Później zaczął grać improwizacje o tematyce religijnej, aktywnie pociągając do nich domowników. Tak zaczęła się jego miłość do teatru.
Talent dramatopisarza ujawni się wiele lat później. W 1921 roku ukazała się sztuka „Witchcraft of the Butterfly”. Lorca napisał ją po spotkaniu z Gregorio Martinezem, dyrektorem awangardowego teatru Elava. Tam wystawiano sztukę z bezpośrednim udziałem autora. W „okresie amerykańskim” Lorca napisał sztuki „Publiczność” i „Kiedy mija pięć lat”, a po powrocie z podróży w 1930 roku został dyrektorem studenckiego teatru „Balagan”. W kolejnych latach tworzy swoje najsłynniejsze dzieła dramatyczne „Krwawe wesele”, „Yerma”, „Dom Bernarda Alby”.
Zanurzony w świat teatru Lorca nie porzuca swoich kompozytorskich pretensji, sam pisze fragmenty muzyczne do swoich sztuk.
Przemijalność życia
Federico Garcia Lorca żył jasnym ale krótkie życie. Stał się najjaśniejszym błyskiem na niebie kultury hiszpańskiej. To niesamowite, ale wielu wspaniałych ludzi, którym jest przeznaczona śmierć u zarania sił, przewiduje swoją wczesną śmierć i, odnosząc się do ich pracy, trudno tego nie zauważyć. To samo dotyczy Garcii Lorki, której jednym z głównych motywów pracy była „tragedia” i „przemijalność” tego życia. Liryczny bohater poety często pojawiał się w postaci nieszczęśliwego kochanka, rozpalonego namiętnością i godzącego się ze swoją niemocą. Często w jego utworach pojawia się wizerunek „kalekiego twórcy”, poety przebitego strzałami lub pozbawionego kończyn.
Federico oczywiście odczuwał tragedię swojej epoki i przewidywał przedwczesny koniec własnego życia.
A! A śmierć na mnie czeka
na tej drodze do krowy!
Pisze, a te wersety stają się prorocze. Osobiste losy poety i losy kraju połączyły się w pamiętny dzień 16 sierpnia 1936 r. Miesiąc po rozpoczęciu wojny domowej, w drodze do rodzinnej Andaluzji, Lorca został schwytany przez prawicę i następnego dnia rozstrzelany. Twórczość poety była zakazana w Hiszpanii do 1975 roku, aż do śmierci caudillo, ale popularność znalazła poza Półwyspem Iberyjskim, w „krajach sympatycznych”, zwłaszcza w ZSRR.