Luigi Pirandello

POSTACIE Postacie z jeszcze nie napisanej komedii

Pasierbica.

Boy, Girl - obaj nie wypowiadają ani jednego słowa.

Madame Pace (osoba następnie wydalona).

Aktorzy i pracownicy teatru.

Dyrektor jest dyrektorem. Zwany dalej po prostu Dyrektorem.

Premier.

Druga aktorka.

Aktoreczka.

Młody aktor.

Inni aktorzy i aktorki

Kierownik sceny.

Kierowca sceny.

Sekretarka dyrektora.

Iluminatory i sceny robocze.

Akcja rozgrywa się w ciągu dnia, podczas próby, na scenie teatru dramatycznego.

Spektakl nie jest podzielony na akty i sceny. Akcja zostaje po raz pierwszy przerwana, gdy reżyser i szef bohaterów jeszcze nienapisanej komedii idą za kulisy, aby przemyśleć scenariusz, a aktorzy udają się do swoich toalet. Kurtyna nie jest dana. Za drugim razem zostaje przerwana z powodu inżyniera sceny, który przez pomyłkę poda kurtynę.

Wchodząc na salę, widzowie zobaczą podniesioną kurtynę i prawie pustą, zaciemnioną scenę… jednym słowem odniosą wrażenie, że nic nie jest jeszcze gotowe na spektakl.

Dwie drabiny (jedna po prawej, druga po lewej) łączą scenę z widownią.

Na dole, obok otwartego włazu, znajduje się przesunięty na bok boks suflera.

Z boku kabiny, przy samej rampie, stoi stół i fotel reżyserski, odwrócony tyłem do widowni. W pobliżu znajdują się jeszcze dwa stoły - jeden większy, drugi mniejszy, a wokół nich ustawione krzesła. Wszystko to jest gotowe do próby. Więcej krzeseł widać z tyłu sceny. Są dla aktorów czekających w kolejce. Dalej jest róg fortepianu. Po zgaszeniu świateł w sali na scenie pojawi się Mechanik. Ma na sobie niebieską bluzę roboczą, z torbą na narzędzia przy pasie. Mechanik przejdzie w najdalszy róg sceny, weźmie urządzenia do ustawiania scenografii, rozłoży je na proscenium i klękając zacznie wbijać gwoździe. Na uderzenie młotkiem zza kulis wybiegnie kierownik sceny.

Kierownik sceny. Co robisz?

Kierowca. Co ja robię? przybijam.

Kierownik sceny. Czy wiesz, która jest teraz godzina? (Patrzy na zegarek na rękę.) Wpół do jedenastej. Reżyser przyjdzie lada chwila i rozpocznie się próba.

Kierowca. Powiedz mi, proszę, kiedy będziesz pracować?

Kierownik sceny. Kiedy chcesz, tylko nie teraz.

Kierowca. Ale kiedy?

Kierownik sceny. Na pewno nie podczas próby! Zdobądź swoje śmieci teraz! Muszę przygotować scenę do drugiego aktu Zabawy zainteresowań.

Mechanik, wzdychając i przeklinając, zbiera instrument i schodzi ze sceny. Scena stopniowo zaczyna się zapełniać aktorami. Najpierw pojawia się jeden, potem drugi, a potem dwa naraz cała grupa. Na scenie powinno być dziewięć, dziesięć osób... słowem tyle, ile potrzeba na zaplanowaną na dziś próbę Play of Interests Pirandella. Wchodząc na scenę, aktorzy najpierw kłaniają się kierownikowi sceny, a następnie pozdrawiają się nawzajem. Niektórzy idą do swoich szaf; inni, wśród nich Prompter, trzymając pod pachą tekst sztuki zwinięty w tubę, pozostają na scenie czekając na Reżysera. Reszta wymienia dowcipy, ktoś zapala papierosa, ktoś narzeka na powierzoną mu rolę, ktoś głośno czyta fragmenty teatralnego magazynu. Bardzo pożądane jest, aby aktorzy i aktorki byli ubrani w kostiumy i sukienki w wesołych kolorach, a cała ta improwizowana scena, przy całej swojej naturalności, toczyła się szybkim, dobrym tempem. Jednego z aktorów można nawet posadzić przy pianinie i zmusić do zagrania czegoś śmiesznego, zatańczenia. Wtedy najmłodsi z aktorów i aktorek będą mogli nawet zatańczyć.

Kierownik sceny (klaszcze w dłonie, przywołując aktorów do porządku). Uwaga UWAGA! Dyrektor przyjechał!

Muzyka i taniec nagle ustają. Aktorzy zwracają się w stronę wejścia na widownię, z którego wyłania się Reżyser. Na głowie ma melonik, laskę pod pachą i grube cygaro w zębach. Idzie alejką między rzędami siedzeń i odpowiadając na pozdrowienia aktorów, wchodzi po drabinie na scenę. Sekretarka wręcza mu pocztę: czasopismo i kartki maszynopisu.

4 września w Teatrze Wołkowskim odbył się wernisaż spektaklu, którego premierę publiczność zobaczy 23 września - spektakl „Sześć postaci w poszukiwaniu autora” oparty na sztuce dramatopisarza pod tym samym tytułem Luigi Pirandello uzupełni dziewiętnasty Wołkowski międzynarodowy festiwal.

Otrzymał Andrzej Buben, reżyser z Polski edukacja teatralna Petersburga, dużo pracuje w Rosji i jest dobrze znany w Europie, często podejmując się tekstów o filozoficznym wydźwięku. Fabuła sztuki Pirandella porywa widza niczym Alicja po drugiej stronie lustra wg Odwrotna strona proces twórczy czyli stworzenie praca dramatyczna i narodziny spektaklu, i prowadzi do pytania - kto jest bardziej realny: postać czy aktor, osoba; bardziej iluzoryczna jest nasza rzeczywistość, która zmienia się z każdą chwilą, stając się mirażem, lub wykreowani przez autora bohaterowie, których egzystencja pozostaje niezmieniona. Głównymi bohaterami dzieła Pirandello są smutni bohaterowie niedokończonej sztuki, którzy przychodzą do teatru na próbę i zmuszają reżysera, by stał się ich autorem, by wcielił się w ich niedorealizowaną egzystencję na scenie.

Reżyser Andrzej Buben odrzucił autorską wizję postaci, czyli ze sztucznie stworzonych twarzy, mocnego makijażu, elementów dziedzictwa del arte, charakterystycznego dla teatrów dialektalnych Włoch, współczesnego Pirandella - sztuka powstała w 1921 roku. Spektakl przedstawiający teatr w teatrze, w którym aktorzy grający aktorów odchodzą od wszelkich znaków czasu i nadmiernej teatralności. Nie ma scenerii odwzorowującej rzeczywistość, jedynie ściana tła (podobna do tej z Sawmill Plus) staje się albo pionem do nieba, albo taflą jeziora, albo niemal portalem do innych światów, albo poprzez projekcję wideo , do duszy (Artysta - Svetlana Tuzhikova, Petersburg).

Spektakl rozpoczyna się jak zwykle - na scenę wchodzą jacyś ludzie - artyści zbierają się na próbę, pozdrawiają publiczność - każdy z osobna. Idą w kółko, wokół wspomnianej ściany, która zajmuje centralną część sceny, coraz szybciej i szybciej, powtarzając swoje czynności, pozdrawiając się nieskończoną ilość razy. Ich manipulacje za plecami są transmitowane na ściennym ekranie. Muzyka przyspiesza, dochodzą nowe dźwięki, lejkowaty ruch ludzi wiruje, ciągnie, torturuje wykonawców w coraz szybszym tempie. W końcu ten taniec pośpiechu i monotonii ustaje - przybywa suflet (Vladimir Meisinger) i reżyser (Nikolai Zuborenko). Ale ten lejek jest podany nie bez powodu, odzwierciedla całą późniejszą strukturę spektaklu.

Relacje między reżyserem a aktorami, autoprezentacja prima, tutejsze potyczki na próbach pokazują teatr, który zatracił twórczego ducha. Każdy tutaj jest maską, odgrywa rolę w zespole; niebiańscy według pozycji i postawy, ale prawdopodobnie zapomnieli, czym jest lot. A postacie w czerni, które wyszły z sali, dalekie są od natychmiastowego przełamania samozadowolenia. Takie odmienności – inteligentny ojciec Walerego Kiriłłowa, tragicznie załamana pasierbica Darii Taran, zmysłowa i lodowata cierpiąca matka Aleksandry Chilin-Giri, zdystansowany syn Maksyma Podzina, reprezentujący każdy konkretny typ, otaczający nieco zrelaksowanego reżysera-nie- tyran Nikołaj Zuborenko, poprowadź przedstawienie. Najbardziej aktywna z nich jest Pasierbica, aw tym Daria Taran duża rola czuje się wolny i nieskrępowany, stymulując i prowokując innych. Ale nie można powiedzieć, że w tym zespole ktoś rządzi, jak w orkiestrze wykonującej symfonię – wykonawcy solo, tworzą duety, rozpuszczają się w sobie. Młodsze dzieci - bezsłowne role chłopca i dziewczynki - to lalki w szarych ubrankach, są tam, gdzieś w swoim Lustrze, symboliczne w swojej beztwarzowości; wiele zmian na scenie widać w stosunku do nich uczestników spektaklu.

Kluczową sceną jest odgrywanie przez bohaterów sceny w burdelu. Zaczyna się najciekawszy – wyraźny pokaz przyzwyczajenia artysty do roli. Bohaterowie pokazują, co wydarzyło się w ich życiu, jest to dla nich bardzo bolesne. Dramat eskaluje, ale reżyser ucina scenę w połowie - jak to bywa na prawdziwych próbach, czyni swoje uwagi. Ale nietaktowny zawód - reżyser! Przynajmniej po tej przerwie jasna scena- miejsce „bohaterów” zajmują przyszli wykonawcy ról Ojca i Pasierbicy, Premiera i Premiera, Witalija Dauszewa i Tatiany Korowiny. Są bystrzy, młodzi i piękni, brzmi frywolny motyw, człowiek pełen witalności i oczywiście dumny ze swojej urody forma fizyczna, sprężystym krokiem schodzi po schodach do kobiety. Radośnie reagują na siebie – związek tych bohaterów jest oczywisty. Być może w tym odcinku jest też odpowiedź na wiszącą uwagę, dlaczego autor nie dokończył sztuki – „z powodu pogardy dla teatru, której domaga się dzisiejsza publiczność…”. Bohaterowie opierają się tej interpretacji, uważają ją za zabawną, nie chcą przerobić swojego dramatu na wodewil. Okazuje się, że przy pierwszym zapoznaniu aktora z rolą rola może się „oprzeć”, tylko oczywiście nie krzykami i śmiechem. Konflikt nie zostaje załagodzony, dopóki wykonawca roli nie zostanie nim przesiąknięty, nie sformułuje tła swojej postaci, swoich celów, zadań, marzeń i uczuć punkty bólowe to powinno stać się tym. W dalszej części tekstu okazuje się, że sam dramaturg nie może oprzeć się swoim bohaterom, rodzą się i rozwijają według pewnych praw, aw pewnym momencie fabuła ich życia układa się sama i tak, a nie inaczej. I tutaj „bohaterowie” rozgrywają przerwany epizod w burdelu, ale już na pionie pochyłej ściany, która w toku akcji staje się coraz mniej pochylona i staje się niemal przerażająca. Po tych scenach na próbie dochodzi do złamania. Wciąż niejawnie, ale krok po kroku, artyści „wchłaniają” esencję swoich postaci, każdy z nich; nikt nie może uciec od tego Po drugiej stronie lustra, dopóki nie przeżyje swojej roli. Ktoś bierze kukiełkę chłopca i dziewczynkę - także bohaterów, choć bez słów, ale ważnych postaci w dramacie reprezentowanych przez "bohaterów". Do każdej roli jest kilku „dublerów”, którzy powtarzają słowa z różną intonacją po tym, jak od czasu do czasu na scenie pojawiają się „postacie”, hałas i zgiełk. I już „chłopca” nie można wyrwać z rąk aktora, który jest teraz tym chłopcem (Rusłan Chalyuzow), jego oczy płoną obsesją, nagi potężne ręcełączą się z marionetkowym ciałem... Jak w lejek artyści wciągani są w obrazy „postaci”, które udowadniają, że są realne, bardziej realne niż zwykłe życie, które szybko zamienia się w „wczoraj”. Pod koniec na scenie nie ma już obserwatorów, wszyscy żyją i drżą z przerażenia wcielanej narracji. W finale nie wiadomo już, kto jest kontuzjowany – artysta podczas próby czy postać w filmie ta sprawa- manekin z pustą twarzą wykonany z papier-mache i szmat. Może zagrali za dużo, wpadli w inną rzeczywistość, jak w średniowiecznym misterium, kiedy aktor grający rolę straconego, Chrystusa lub grzesznika, był czasem przypadkowo ukrzyżowany. Reinkarnacja aktorska, zanurzenie się w roli - to wszystko.

To była próba kostiumowa, jeszcze nie premiera. Ale to już jest mocne, ugruntowane przedstawienie, bez tradycyjnych zastrzeżeń co do premiery, że "produkcja oczywiście będzie jeszcze rosła...". I straszne historie opowiadane przez bohaterów same w sobie robią wrażenie na widzu, ale tu kontekst jest jeszcze bardziej złożony niż w dramacie sentymentalnym. Inteligentna, głęboka wydajność, nie taka jak inne. Stanisławski byłby zadowolony.
Zdjęcie ze strony internetowej Teatru Wołkowskiego
Irina Pekarskaya, krytyk teatralny

Luigi Pirandello

POSTACIE Postacie z jeszcze nie napisanej komedii

Pasierbica.

Boy, Girl - obaj nie wypowiadają ani jednego słowa.

Madame Pace (osoba następnie wydalona).

Aktorzy i pracownicy teatru.

Dyrektor jest dyrektorem. Zwany dalej po prostu Dyrektorem.

Premier.

Druga aktorka.

Aktoreczka.

Młody aktor.

Inni aktorzy i aktorki

Kierownik sceny.

Kierowca sceny.

Sekretarka dyrektora.

Iluminatory i sceny robocze.

Akcja rozgrywa się w ciągu dnia, podczas próby, na scenie teatru dramatycznego.

Spektakl nie jest podzielony na akty i sceny. Akcja zostaje po raz pierwszy przerwana, gdy reżyser i szef bohaterów jeszcze nienapisanej komedii idą za kulisy, aby przemyśleć scenariusz, a aktorzy udają się do swoich toalet. Kurtyna nie jest dana. Za drugim razem zostaje przerwana z powodu inżyniera sceny, który przez pomyłkę poda kurtynę.

Wchodząc na salę, widzowie zobaczą podniesioną kurtynę i prawie pustą, zaciemnioną scenę… jednym słowem odniosą wrażenie, że nic nie jest jeszcze gotowe na spektakl.

Dwie drabiny (jedna po prawej, druga po lewej) łączą scenę z widownią.

Na dole, obok otwartego włazu, znajduje się przesunięty na bok boks suflera.

Z boku kabiny, przy samej rampie, stoi stół i fotel reżyserski, odwrócony tyłem do widowni. W pobliżu znajdują się jeszcze dwa stoły - jeden większy, drugi mniejszy, a wokół nich ustawione krzesła. Wszystko to jest gotowe do próby. Więcej krzeseł widać z tyłu sceny. Są dla aktorów czekających w kolejce. Dalej jest róg fortepianu. Po zgaszeniu świateł w sali na scenie pojawi się Mechanik. Ma na sobie niebieską bluzę roboczą, z torbą na narzędzia przy pasie. Mechanik przejdzie w najdalszy róg sceny, weźmie urządzenia do ustawiania scenografii, rozłoży je na proscenium i klękając zacznie wbijać gwoździe. Na uderzenie młotkiem zza kulis wybiegnie kierownik sceny.

Kierownik sceny. Co robisz?

Kierowca. Co ja robię? przybijam.

Kierownik sceny. Czy wiesz, która jest teraz godzina? (Patrzy na zegarek na rękę.) Wpół do jedenastej. Reżyser przyjdzie lada chwila i rozpocznie się próba.

Kierowca. Powiedz mi, proszę, kiedy będziesz pracować?

Kierownik sceny. Kiedy chcesz, tylko nie teraz.

Kierowca. Ale kiedy?

Kierownik sceny. Na pewno nie podczas próby! Zdobądź swoje śmieci teraz! Muszę przygotować scenę do drugiego aktu Zabawy zainteresowań.

Mechanik, wzdychając i przeklinając, zbiera instrument i schodzi ze sceny. Scena stopniowo zaczyna się zapełniać aktorami. Najpierw pojawia się jeden, potem drugi, potem dwóch naraz, a potem cała grupa. Na scenie powinno być dziewięć, dziesięć osób... słowem tyle, ile potrzeba na zaplanowaną na dziś próbę Play of Interests Pirandella. Wchodząc na scenę, aktorzy najpierw kłaniają się kierownikowi sceny, a następnie pozdrawiają się nawzajem. Niektórzy idą do swoich szaf; inni, wśród nich Prompter, trzymając pod pachą tekst sztuki zwinięty w tubę, pozostają na scenie czekając na Reżysera. Reszta wymienia dowcipy, ktoś zapala papierosa, ktoś narzeka na powierzoną mu rolę, ktoś głośno czyta fragmenty teatralnego magazynu. Bardzo pożądane jest, aby aktorzy i aktorki byli ubrani w kostiumy i sukienki w wesołych kolorach, a cała ta improwizowana scena, przy całej swojej naturalności, toczyła się szybkim, dobrym tempem. Jednego z aktorów można nawet posadzić przy pianinie i zmusić do zagrania czegoś śmiesznego, zatańczenia. Wtedy najmłodsi z aktorów i aktorek będą mogli nawet zatańczyć.

Kierownik sceny (klaszcze w dłonie, przywołując aktorów do porządku). Uwaga UWAGA! Dyrektor przyjechał!

Muzyka i taniec nagle ustają. Aktorzy zwracają się w stronę wejścia na widownię, z którego wyłania się Reżyser. Na głowie ma melonik, laskę pod pachą i grube cygaro w zębach. Idzie alejką między rzędami siedzeń i odpowiadając na pozdrowienia aktorów, wchodzi po drabinie na scenę. Sekretarka wręcza mu pocztę: czasopismo i kartki maszynopisu.

Dyrektor. Nie ma listów?

Sekretarz. NIE. To wszystko.

Dyrektor (Wręcza mu kartki z maszynopisem.) Zabierz to do mojego biura. (Rozglądając się, zwraca się do kierownika sceny.) Och, nie ma tu nic do oglądania! Daj mi światło, proszę.

Kierownik sceny. Jedna minuta! (Idzie zamówić światło.)

Wkrótce wszystko Prawa strona scenę, na której znajdują się aktorzy, zalewa oślepiające białe światło. Podczas gdy kierownik sceny bawił się oświetleniem, sufler zajął już swoje miejsce w kabinie, zapalił żarówkę i rozłożył przed sobą tekst przećwiczonej sztuki.

Dyrektor (Klaskanie). Zaczął, zaczął! (kierownik sceny). Kto jest nieobecny?

Kierownik sceny. Premiery!

Dyrektor. Jak zawsze! (Patrzy na zegar.) Spóźniliśmy się już dziesięć minut. Uwaga... Innym razem będzie wiadomo...

Zanim zdążył wylać swój gniew, z głębi sali rozległ się głos premiera: „Nie, nie! Nie zaznaczaj! Jestem tutaj!"

Ubrana cała na biało, w zalotnym kapeluszu i z małym pieskiem na ręku, pędem wirowała przez salę i frunęła po schodach na scenę.

Możesz pomyśleć, że ślubowałeś zawsze się spóźniać!

Premier. Przepraszam! Tak długo szukałem taksówki, żeby zdążyć na czas! Ale jeszcze nie zacząłeś! Poza tym w pierwszej scenie wcale nie jestem zajęty! (Wzywając dyrektora poufale po imieniu, popycha do niego psa.) Błagam, zamknij ją w łazience!

Dyrektor (zrzędliwie). Również pies! Jakby było ich tutaj mało. (ponownie klaszcząc w ręce suflera.) Zaczął, zaczął! Drugi akt Gry o interesy. (Siedząc na krześle.) Uwaga panowie! Kto jest zajęty w pierwszej scenie?

Aktorzy i aktorki schodzą ze sceny i zajmują miejsca z boku. Na miejscu pozostaje tylko trzech aktorów z pierwszej sceny, a nawet Premier, który ignorując słowa Reżysera, usiadł przy jednym ze stołów przeznaczonych do próby.

(Premier.) Jesteś zajęty?

Premier. I? Nie, panie dyrektorze!

Dyrektor (suchy). Więc odejdź, do cholery!

Premier wstaje i podchodzi do pozostałych, niezajętych aktorów siedzących z boku.

(Do suflera.) Rozpoczęty!

Luigi Pirandello

„Sześć znaków w poszukiwaniu autora”

Aktorzy przychodzą do teatru na próby. Premier jak zwykle spóźniony. Premier jest niezadowolony z tego, że podczas przedstawienia musi zakładać czapkę szefa kuchni. Reżyser wykrzykuje w sercu: „… czego wy ode mnie chcecie, skoro Francja już dawno przestała dostarczać nam dobrych komedii i jesteśmy zmuszeni wystawiać komedie tego Pirandella, który, żeby zrozumieć – trzeba zjeść funta soli i kto jakby celowo robi wszystko, żeby aktorzy, zarówno krytycy, jak i widzowie splunęli? Nagle w sali pojawia się teatralny tragarz, a za nim sześć postaci prowadzonych przez Ojca, który wyjaśnia, że ​​przyszli do teatru w poszukiwaniu autora. Proponują Dyrektorowi Teatru, aby stał się jego nową sztuką. Życie jest pełne takich absurdów, które nie potrzebują wiarygodności, bo są prawdą, a tworzenie iluzji prawdy, jak to jest w teatrze, to czyste szaleństwo. Autor dał życie bohaterom, a potem zmienił zdanie lub nie mógł ich podnieść do rangi sztuki, ale oni chcą żyć, sami są dramatem i płoną pragnieniem przedstawienia go tak, jak szalejące w nich namiętności podpowiadają ich.

Przerywając sobie nawzajem, bohaterowie próbują wyjaśnić, o co chodzi. Ojciec ożenił się z mamą, ale wkrótce zaczął zauważać, że nie jest ona obojętna na jego sekretarkę. Dał im obojgu pieniądze, aby mogli opuścić jego dom i zamieszkać razem. Syna, który miał wtedy dwa lata, wysłał do wsi, gdzie wynajął dla niego pielęgniarkę. Ale Ojciec nie stracił z oczu Nowa rodzina jego żona, dopóki nie wyjechała z miasta. Matka miała jeszcze troje dzieci: Pasierbicę, Chłopca i Dziewczynkę, którymi prawowity Syn pogardza, ponieważ są nieślubne. Po śmierci partnera Matka i dzieci wróciły do ​​siebie rodzinne miasto i żeby choć trochę zarobić, zaczęła szyć. Okazało się jednak, że właścicielka sklepu z modą, Madame Pace, wydaje jej polecenia tylko po to, by zmusić Pasierbicę do prostytucji: mówi, że Matka zniszczyła materiał i potrąca z pensji, więc Pasierbicę, aby pokryć potrąceń, potajemnie sprzedaje się przed matką. Pasierbica za wszystko obwinia Syna, potem Ojca, są usprawiedliwieni. Matka cierpi i chce wszystkich pogodzić. Ojciec mówi, że w każdym z uczestników dramatu występuje nie jeden, ale wiele występów, każdy ma zdolność bycia jednym z jednym, drugim z innymi, mówienie o integralności jednostki to nonsens. Syn, którego Pasierbica uważa za winnego, mówi, że jest postacią dramaturgicznie „niezrealizowaną” i prosi o pozostawienie go w spokoju. Bohaterowie się kłócą, a reżyser uważa, że ​​tylko autor może przywrócić porządek. Jest gotów doradzić im, aby zwrócili się do pewnego dramatopisarza, ale Ojciec sugeruje, aby Reżyser sam został autorem - wszystko jest takie proste, postacie już są, tuż przed nim.

Reżyser zgadza się, a na scenie ustawiana jest sceneria przedstawiająca pokój w lokalu Madame Pace. Reżyser zaprasza bohaterów na próby, aby pokazać aktorom, jak mają grać. Ale postacie same chcą przemawiać do publiczności, w ten sposób; czym oni są. Reżyser tłumaczy im, że to niemożliwe, na scenie zagrają ich aktorzy: Pasierbica – Premier, Ojciec – Premier itd. W międzyczasie bohaterowie będą odgrywać dramat na oczach aktorów kto będzie słuchaczem. Reżyser chce zobaczyć pierwszą scenę: rozmowę Pasierbicy z Madame Pace. Ale Madame Pace nie ma wśród postaci, które przyszły do ​​​​teatru. Ojciec uważa, że ​​jeśli scena zostanie odpowiednio przygotowana, Madame Pace może się nią zainteresować i ona się pojawi. Gdy na scenie wiszą wieszaki i kapelusze, naprawdę pojawia się Madame Pace – gruba lisica w ogniście czerwonej peruce z wachlarzem w jednej ręce i papierosem w drugiej. Aktorzy na jej widok są przerażeni i uciekają, ale Ojciec nie rozumie, dlaczego w imię „wulgarnej prawdomówności” trzeba zabijać ten „cud rzeczywistości, który sama sytuacja sceniczna powołuje do życia. " Madame Pace, mieszanką włoskiego i hiszpańskiego, wyjaśnia pasierbicy, że praca jej matki nie jest dobra, a jeśli pasierbica chce, aby Madame Pace nadal pomagała ich rodzinie, musi zdecydować się poświęcić. Słysząc to, Matka z krzykiem rzuca się na Madame Pace, zdziera jej perukę i rzuca ją na podłogę. Z trudem uspokajając wszystkich, Reżyser prosi Ojca o odegranie dalszego ciągu tej sceny. Wchodzi ojciec, zapoznaje się z Pasierbicą, pyta ją, jak długo przebywa w zakładzie Madame Pace. W prezencie oferuje jej fantazyjny kapelusz. Kiedy pasierbica zwraca mu uwagę, że jest w żałobie, prosi ją, by jak najszybciej zdjęła sukienkę. Premier i Premier próbują powtórzyć tę scenę. Ojciec i Pasierbica są w swoim wykonaniu zupełnie nie do poznania, wszystko jest o wiele gładsze, na zewnątrz piękniejsze, cała scena toczy się przy akompaniamencie głosu suflera. Postacie są wyśmiewane przez grę aktorską. Reżyser postanawia w przyszłości nie wypuszczać bohaterów na próby, ale na razie prosi ich o zagranie pozostałych scen. Reżyser chce usunąć uwagę Ojca, w której prosi Pasierbicę o jak najszybsze zdjęcie żałobnej sukni: taki cynizm doprowadzi widza do oburzenia. Pasierbica twierdzi, że to prawda, ale Dyrektor uważa, że ​​w teatrze prawda jest dobra tylko do pewnego stopnia. Pasierbica obejmuje Ojca, ale nagle do pokoju wpada Matka, która odrywa Pasierbicę od Ojca, wołając: „Niestety, to moja córka!” Aktorzy i reżyser są podekscytowani sceną, bohaterowie są pewni, że najważniejsze jest to, że tak to wszystko wydarzyło się w rzeczywistości. Reżyser wierzy, że pierwsza akcja zakończy się sukcesem.

Na scenie pojawiła się nowa dekoracja: kącik ogrodu z małym basenem. Aktorzy siedzą po jednej stronie sceny, bohaterowie po drugiej. Reżyser zapowiada rozpoczęcie drugiego aktu. Pasierbica opowiada, że ​​cała rodzina wbrew woli Syna przeniosła się do domu Ojca. Matka tłumaczy, że ze wszystkich sił próbowała pogodzić Pasierbicę z Synem, ale bezskutecznie. Ojciec wdaje się w kłótnię z Dyrektorem o iluzję i rzeczywistość. Umiejętność aktorów polega na stworzeniu iluzji rzeczywistości, podczas gdy postacie mają swoją własną, inną rzeczywistość, postać zawsze ma własne życie, naznaczony charakterystycznym dla niego samego wrodzone cechy on jest bardziej prawdziwy zwyczajna osoba, zwłaszcza aktor, który często potrafi być „nikim”. Rzeczywistość ludzi się zmienia i oni sami się zmieniają, podczas gdy rzeczywistość bohaterów się nie zmienia i oni sami się nie zmieniają. Kiedy postać się rodzi, od razu zyskuje niezależność, nawet od autora, a czasem zdarza się, że nabiera znaczenia, o jakim autorowi nawet się nie śniło! Ojciec skarży się, że zrodziła je fantazja autora, a potem odmówiła im miejsca na słońcu – więc próbują radzić sobie sami. Wielokrotnie prosili autora o wzięcie pióra, ale bezskutecznie, i sami poszli do teatru. Reżyser nadal kieruje scenografią. Syn bardzo przeszkadza pasierbicy. Jest gotowy do zejścia ze sceny i próbuje zejść, ale to nie działa, jakby jakaś tajemnicza siła trzymała go na scenie. Widząc to Pasierbica zaczyna się niekontrolowanie śmiać. Syn zostaje zmuszony do pozostania, ale nie chce brać udziału w akcji. Dziewczyna bawi się przy basenie. Chłopiec chowa się za drzewami, ściskając w dłoni rewolwer. Matka wchodzi do pokoju Syna, chce z nim rozmawiać, ale on nie chce jej słuchać. Ojciec próbuje zmusić go do słuchania Matki, ale Syn stawia opór, między Synem a Ojcem wybucha walka, Matka próbuje ich rozdzielić, w końcu Syn powala Ojca na podłogę. Syn nie chce się publicznie kompromitować. Mówi, że odmawiając grania spełnia tylko wolę tego, który nie chciał ich wyprowadzić na scenę. Reżyser prosi Syna, aby osobiście powiedział mu, co się stało. Syn mówi, że przechodząc przez ogród, zobaczył Dziewczynę w basenie, podbiegł do niej, ale nagle zatrzymał się, gdy zobaczył Chłopca, który szalonym wzrokiem patrzył na swoją utopioną siostrę. Kiedy Syn dochodzi do tego punktu swojej opowieści, zza drzew, w których ukrywał się Chłopiec, słychać strzał. Chłopiec jest niesiony za kulisy.

Aktorzy wracają na scenę. Jedni twierdzą, że Chłopiec naprawdę umarł, inni są przekonani, że to tylko gra. Ojciec krzyczy: „Co za mecz! Rzeczywistość sama w sobie, panowie, sama rzeczywistość!” Reżyser traci panowanie nad sobą, wysyła wszystkich do piekła i prosi o światło.

Scena i sala są oświetlone jasne światło. Dyrektor jest zirytowany: cały dzień idzie na marne. Jest już za późno na rozpoczęcie próby. Aktorzy rozchodzą się do wieczora. Reżyser poleca iluminatorowi wyłączenie światła. Teatr pogrąża się w ciemności, po czym w głębi sceny, jakby przez niedopatrzenie iluminatora, zapala się zielone podświetlenie. Pojawiają się ogromne cienie postaci, z wyjątkiem Chłopca i Dziewczynki. Na ich widok Reżyser z przerażeniem ucieka ze sceny. Na scenie pozostają tylko postacie.

Teatr. Premier się spóźnia. Premier jest oburzony koniecznością noszenia czapki szefa kuchni. Dyrektor jest zły, że nie dobre komedie. Jest tu sześć postaci. Głównym jest Ojciec. Przybyli w poszukiwaniu autora, który je wymyślił, ale nie napisał sztuki. Chcą żyć. Bohaterowie, przerywając sobie nawzajem, próbują wyjaśnić istotę. Ojciec ożenił się z matką, ale ona zakochała się w sekretarce. Ojciec dał im pieniądze, aby mogli mieszkać razem. Dwuletni syn został wysłany na wieś. Matka miała pasierbicę, chłopca i dziewczynkę. Prawowity Syn gardzi nimi jako nieślubnymi. Po śmierci współlokatorki Mama chce zarobić na szyciu. Ale kochanka Madame Pace psuje rozkazy zmuszenia pasierbicy do zostania prostytutką. Pasierbica obwinia Ojca lub Syna za nieszczęścia. Matka chce wszystkich pogodzić. Wszyscy się kłócą. Reżyser wierzy, że autorowi uda się przywrócić porządek. Ale Ojciec zaproponował Reżyserowi, aby został takim autorem - postacie są już przed nim.

Reżyser zgadza się, scenografia pokoju Madame Pace zostaje umieszczona na scenie. Reżyser nalega na próbę, a bohaterowie sami chcą wystąpić przed publicznością. Reżyser wyjaśnia, że ​​zagrają aktorzy. Ale najpierw postacie pokażą akcję. W pierwszej scenie rozmowa Pasierbicy z Madame Pace. Ale nie ma jej wśród tych, którzy przyszli do teatru. Ojciec mówi: niech scena będzie odpowiednio przygotowana - to przyciągnie Madame Pace. Ona się pojawi. Rzeczywiście, jest gruba lisica w ognistej peruce z wachlarzem i papierosem. Przerażeni aktorzy uciekają. Ojciec nie zgadza się na usunięcie cudu rzeczywistości spowodowanego samą sytuacją. Madame Pace, mieszanką hiszpańskiego i włoskiego, wyjaśnia pasierbicy, że musi poświęcić się dla dobra swojej rodziny. Matka z wrzaskiem zdziera perukę Madame. Reżyser, uspokajając bohaterów, prosi o kontynuację. Ojciec spotyka swoją pasierbicę, wręcza jej prezent i prosi, by zdjęła sukienkę. Aktorzy (Premier i Premier) chcą powtórzyć scenę. Ale postacie są nie do poznania. Aktorstwo jest zabawne dla bohaterów. Nowa dekoracja: ogród z basenem. Wbrew woli Syna Pasierbica przeniosła się do domu Ojca.

Matka chce wszystkich pogodzić. Ojciec kłóci się z dyrektorem o iluzję i rzeczywistość. Syn jest gotowy do zejścia ze sceny, ale jakaś siła go powstrzymuje. Dziewczyna przy basenie. Chłopiec schował się za drzewami z rewolwerem. Matka bezskutecznie chce rozmawiać z Synem, Ojciec próbuje zmusić Matkę do słuchania. Syn i Ojciec walczą, Matka próbuje się rozdzielić. Syn poniża Ojca, ale wstydzi się: nie chce być posłuszny woli autora, który nie chciał ich wyprowadzić na scenę. Na jego prośbę Syn powiedział reżyserowi, że widział w basenie Dziewczynę, chciał pomóc, ale zobaczył Chłopca, który szalonym wzrokiem patrzył na swoją topielcową siostrę. Gdy tylko Syn dociera w to miejsce, zza drzew słychać strzał. Chłopiec zostaje zabrany.

Aktorzy kłócą się: chłopiec nie żyje, czy to gra. Ojciec krzyczy, że nie ma gry, wszystko jest rzeczywistością. Reżyser jest wściekły - cały dzień stracony. Aktorzy rozchodzą się. Teatr w ciemności. W głębi sceny, gdzie pozostało podświetlenie, pojawiły się ogromne cienie postaci - nie ma Chłopca i Dziewczyny. Reżyser ucieka w przerażeniu, bohaterowie zostają.

Pomysł nadania akcji teatralności wymusił na Pirandello zwrócenie się ku popularnej jeszcze w renesansie technice „teatru w teatrze”. W sztuce Pirandella kurtyna jest podniesiona, aktorzy są na scenie, zajęci próbami nowa sztuka. W tej chwili od audytorium pojawia się sześć postaci oświetlonych jasnym światłem: Ojciec, Matka, Syn, Pasierbica, 14-letni chłopiec i 4-letnia dziewczynka. Aby oddzielić bohaterów od aktorów trupy, Pirandello zastosował technikę improwizowanej komedii i „nałożył” na postacie maski wyrażające istotę każdego z nich: Ojciec – wyrzuty sumienia, Matka – cierpienie, Syn – pogarda, Pasierbica – zemsta . Bohaterowie szukają autora, który by ich wcielił obrazy artystyczne i proponują reżyserowi wystawienie ich dramatu na scenie. Pirandello celowo spycha ze sobą dwie płaszczyzny: realną (aktorzy ćwiczący sztukę) i nierealną, fantastyczną (bohaterowie z niepisanej komedii). Postacie stworzone przez wyobraźnię, zdaniem Pirandello, są tak samo realne jak aktorzy, a nawet bardziej realne niż samo życie.

Dramat bohaterów zaczyna się zwyczajnie, a kończy tragicznie. To historia rodziny, w której Ojciec, myśląc, że żona jest zakochana w innym, opuszcza ją. Idzie do sekretarki męża i żyje z nim szczęśliwie, zostawiając najstarszego syna. Ma jeszcze trójkę dzieci. Po śmierci sekretarza rodzina wraca do rodzinnego miasta. Ta przeszłość. Obecna rodzina jest bardziej dramatyczna. Najstarsza córka(pasierbica), chcąc uchronić swoich bliskich od biedy, wkracza na drogę występku, spotykając się z mężczyznami w instytucji niejakiego Madame Pace. Ojciec, dowiedziawszy się o wszystkim, żałuje i osiedla rodzinę w swoim domu. Tutaj rozgrywa się nowa tragedia. Najstarszy syn odwraca się od Matki i nie uznaje Jej nieślubnych dzieci, Pasierbica nie chce pojednania z Ojcem. Rodzinny konflikt kończy się śmiercią dzieci: mała dziewczynka tonie w basenie i strzela do siebie Młodszy syn. Reżyser, oszołomiony tym wszystkim, co się dzieje, nie rozróżnia aktorstwa od rzeczywistości i przerywa przedstawienie. Ze sceny schodzą cztery postacie – nigdy nie udało im się wcielić w sztukę.

W sztuce nie ma spójnego rozwoju fabuły. Dramat bohaterów ujawnia się albo w ich historii, albo w spektaklu na scenie. pojedyncze chwile z ich życia (np. spotkanie Pasierbicy i Ojca w zakładzie Madame Pache), potem w finale – śmierć dwojga dzieci. Ta śmierć to ta sama fantazja, która stała się rzeczywistością, jak pojawienie się na scenie Madame Pace, której nie było wśród bohaterów. Taka jest siła sztuki, która według Pirandello może nie tylko zastąpić życie, ale i je prześcignąć. Stawiał sztukę na poziomie realności, przeciwstawiając się wiarygodności realności iluzji.

Przeszłość, teraźniejszość i najbliższa rzeczywistość zdają się współistnieć w sztuce Pirandello, co pozwala mu głębiej odsłonić dramatyczność bohaterów. Ten dramat ma charakter psychologiczny, ale odzwierciedla również moment społeczny – tragiczną sytuację jednostki współczesny pisarz społeczeństwa, co podkreślił w losie pasierbicy.

Za pomocą nieadekwatności „twarzy” i „maski” dramaturg próbował filozoficznie uzasadnić problem wyobcowania i rozbicia ówczesnych ludzi. W sztuce „maski” wszystkich postaci odzwierciedlają tylko niewielką część ich głębokiego życia wewnętrznego. Tylko „maska” Matki pokrywa się z jej prawdziwym obliczem kobiety cierpiącej, całkowicie pochłoniętej jednym uczuciem – miłością do dzieci.

Produkcja „Sześciu postaci” w Rzymie naznaczona była skandalem; spektaklowi towarzyszyły głośne okrzyki oburzenia i aprobaty publiczności, której większości trudno było porzucić tradycyjne wyobrażenia o teatrze i zaakceptować nowatorskie pomysły Pirandella.

Pirandello rozwija problem "dramatu-przedstawienia" w dwóch innych sztukach: "Każdy na swój sposób" i "Dzisiaj improwizujemy", które wraz z "Sześcioma postaciami" tworzyły "trylogię teatralną". W nowych sztukach, stosując tę ​​samą technikę „sceny na scenie”, Pirandello tworzy żywe przedstawienie teatralne, zacierając tradycyjne granice między reżyserem, aktorami i publicznością. Aktorzy niejako mają okazję improwizować, a publiczność - bezpośrednio uczestniczyć w rozwoju akcji. Tak więc aktorzy, reżyser i widzowie tworzą niejako wspólne przedstawienie – „cud sztuki”, który trwa chwilę. Pirandello podkreślił rolę reżysera w stworzeniu tego „cudu”.

Sztuka „Henryk IV” jest słusznie uważana za jedną z najgłębszych dramaty filozoficzne Pirandello, które czasem błędnie nazywa się farsą. Główny bohater(jego prawdziwe nazwisko nie jest wymienione) pojawia się jedynie pod „maską” żyjącego w XI wieku cesarza niemieckiego Henryka IV, a jego samotna willa jawi się jako zamek cesarski z salą tronową. Inne postacie w sztuce występują pod nimi Nazwy własne i pod nazwiskami postaci historycznych. Ale sztuka Pirandella nie jest historyczna, ale filozoficzna. Nie opowiada o losach cesarza niemieckiego, który wszedł w konflikt z papiestwem, ale o tragiczny los samotna osoba, która doświadczyła zdrady w miłości i przyjaźni.

Akcja spektaklu rozwija się w dwóch planach – przeszłości i teraźniejszości. Przeszłość to młodość bohatera, miłość i nadzieje na szczęście, a także szaleństwo na dwanaście lat po przypadkowym upadku z konia, nieoczekiwany powrót do zdrowia i granie roli cesarza Henryka IV przez osiem lat. Odejście od rzeczywistości w iluzję wynika w spektaklu z konfliktu między bohaterem a świeckim społeczeństwem, do którego wcześniej należał. Kiedy bohater, wyzdrowiawszy, dowiedział się, że jego zakochany rywal, który zaaranżował wypadek, zawładnął sercem ukochanej, postanowił nie wracać do społeczeństwa, w którym nie ma już dla niego miejsca. Dobrowolnie nałożona „maska” Henryka IV stała się rodzajem samoobrony, a zarazem protestem i kpiną, obracając maskarada karnawałowa w rzeczywistość swojego nowego bytu.

Teraźniejszość to spotkanie wyimaginowanego Henryka IV ze swoim były kochanek i jej córeczkę, narzeczoną siostrzeńca bohatera, a także jego rywala i wroga oraz lekarza gotowego leczyć chorych. Wszyscy pojawiają się przed Henrykiem IV ubranym w kostiumy postaci historycznych tamtej epoki. Jakby ich misja była humanitarna - chcą pomóc bohaterowi odzyskać zdrowie psychiczne. Ujawniając jednak sprzeczność między pozorem a istotą aktorzy, Pirandello ukazuje Henryka IV jako mędrca i filozofa, a wraz z nim tych, którzy chcą go przywrócić społeczeństwu obłudna moralność. W sali tronowej rozgrywa się prawdziwe widowisko, w którym zderza się „gra” dwóch stron: dobrowolnej, ale wymuszonej gry Henryka IV i gry – świeckiej zabawy tych, którzy przybyli do willi, którzy poddają go okrutna próba: zamiast portretów Henryka IV i jego ukochanej w młodości, w ramkę wpadają siostrzeniec bohatera i jego narzeczona. W tym kulminacyjnym momencie rozwoju akcji Henryk IV jest zmuszony zrzucić swoją „maskę”, aby zdemaskować oszustwo. Pokazuje swoje prawdziwa twarz samotnej i cierpiącej osoby i mści się, przebijając przeciwnika mieczem. Dokonany dwadzieścia lat później akt zemsty jest moralnym zwycięstwem bohatera, ale też pogłębia jego dramat – teraz musi on zawsze nosić swoją „maskę”, wchodząc w stworzony przez siebie iluzoryczny świat.

W „Henryku IV” nie ma rozwoju postaci głównego bohatera. Jego życie wewnętrzne ujawnia się za pomocą idei „twarzy” i „maski” i jawi się jako suma stanów psychicznych, zmiennych i nietrwałych, w zależności od sytuacji, w jakich bohater się znajduje. Ważną rolę w ujawnianiu się bohaterów dramatu Pirandello przypisuje paradoksowi: przybywający do willi goście odgrywają postacie historyczne z XI wieku, co stawia ich w pozycji błaznów i wyimaginowanego szaleńca, rozumiejącego tej błazenady, kpi z nich, a nawet porzuca swoją rolę. Drugi paradoks – zastępowanie portretów żywymi postaciami – prowadzi do odwrotnego rezultatu: mentalnie zdrowy mężczyzna, zemściwszy się, na zawsze przywdziewa „maskę” szaleństwa. Paradoksy w sztukach Pirandella to nie tylko spuścizna teatru „groteskowego”, dla którego najważniejsza była parodia nowoczesne społeczeństwo i burżuazyjnej rodziny, w paradoksach Pirandella odzwierciedlona została tragedia rzeczywistości i niekonsekwencja świadomości jego czasów.

W sztukach Pirandella brakuje nie tylko charakteru, ale i rozwoju akcji w jej tradycyjnym znaczeniu. Uwaga zostaje przesunięta z wydarzeń na akcję „werbalną”, przez co spektakl zatacza błędne koło, każdorazowo wracając do punktu wyjścia. W nowej strukturze spektaklu ucieleśniono pogląd pisarza na daremność wszelkich prób autoekspresji bohaterów. Tak więc „humoryzm” w dramaturgii Pirandella jest przede wszystkim analizą wewnętrzny świat postaci, prowadząc do zniszczenia złudzeń, a także łączenia w spektaklu elementów tragicznych i komicznych.

W aprobacie treści filozoficznych dramatu i nowych wymagań reżyserskich scena włoska ważna rola grał założony przez Pirandello w Rzymie w 1925 roku „Teatro d" arte "(" Teatr artystyczny"). Działalność teatru trwała trzy lata; jego tournée po Europie i Ameryka Łacińska przyniósł Pirandello światowe uznanie.

Swoje dzieło dramatyczne Pirandello uzupełnia sztukami, które sam nazwał „mitami”: „Nowa kolonia” (1928), „Łazarz” (1929), „Giganci gór” (1936). Jego odwoływanie się do „mitów” podyktowane jest chęcią znalezienia moralnego i filozoficznego oparcia w faszystowskich Włoszech, w których coraz bardziej odczuwał samotność. To także czas głębokich refleksji pisarza nad losami sztuki we współczesnym świecie.