Rimas Tuminas: Kupiłem sobie duży telewizor. Rimas Tuminas: Jeśli nie wierzę, że moja praca może kogoś uratować, to po prostu tego nie robię - dem_2011

Teatr im. Kote Marjanishvili, sala, z której przechodzi się do garderob. Już tylko dziesięć minut pozostało do rozpoczęcia spektaklu, który tym razem Wachtangowici przywieźli na festiwal teatralny. Tym razem zespół Wachtangowa przyjechał z tragikomedią „Wiatr szumi w topolach” na podstawie sztuki współczesnego francuskiego dramaturga Geralda Sibleyrasa. Bierze w nim udział tylko trzech aktorów – Władimir Simonow, Maksym Sukhanov i Władimir Vdovichenkov.

Dzień wcześniej widziałem na scenie to utalentowane trio. Widz śmiał się, płakał, śmiał się jeszcze raz... I tak przez dwie i pół godziny. Teraz obserwuję tych chłopaków w procesie pracy. Na chwilę na sali pojawia się Maxim Sukhanov, po rozmowie z jednym z organizatorów udaje się do garderoby. Dostrzegam osobę kulejącą, już wyraźnie przypominającą Władimira Simonowa. Najdłużej zostaje tu ułożony i zmierzwiony Władimir Wdowiczenkow.

© Sputnik / Denis Aslanov

Władimir Wdowiczenkow jako Gustaw w scenie ze spektaklu „Wiatr szumi w topolach” francuskiego dramaturga Geralda Sibleyrasa w reżyserii Rimasa Tuminasa

Trwa normalny tok pracy. I wtedy pod drzwiami pojawia się karetka. Staje się jasne: coś dzieje się nie tak. Okazuje się, że aktor Władimir Simonow nie czuje się dobrze. W takich momentach przez głowę przechodzi mi myśl, która przerywa rozmowę z dyrektorem artystycznym Teatru Wachtangowa Rimasem Tuminasem. Tak, co ma wspólnego z wywiadem, gdy sam występ może być zagrożony! Tymczasem organizatorzy po konsultacji postanawiają wyjść na scenę i oznajmić to publiczności względów technicznych, rozpoczęcie spektaklu jest opóźnione. Wychodzą na korytarz, zbliżają się do sceny i w tym momencie pojawia się na niej wspaniała trójka. Ogólnie rzecz biorąc, wiatr zaszeleścił w topolach na czas, bez opóźnień, pomimo choroby aktora.

Rimas Władimorowicz Tuminas pojawia się w tej sali kilka minut po rozpoczęciu przedstawienia.

„Znalazłem miejsce, w którym ty i ja możemy odpocząć” – mówi mi jeden z najlepszych reżyserów teatralnych na świecie.

Idziemy dłuższą chwilę, przenosimy się do innego skrzydła teatru i w końcu trafiamy do małej sali, gdzie jest w miarę cicho i nie ma nikogo.

„Myślałem, że to miejsce jest odpowiednie” – mówi z uśmiechem Rimas Władimirowicz.

Najważniejsza jest droga, którą podążamy ku wakacjom

— Bohaterowie tej sztuki próbują uciec z domu opieki. Udaj się do miejsca, gdzie rosną topole. Ucieczka oznacza przezwyciężenie starości, samotności i choroby. Ale nie mogą tego zrobić. Z drugiej strony, gdyby udało im się spełnić swoje marzenie, czy nie zabiłoby to ich? W końcu spełnienie marzeń czasami oznacza utratę przewodnika, jedynego silnika. Gdzie jest zbawienie?

— Jest taka bułgarska przypowieść. Zima, ośnieżone góry, jak w Gruzji, wieś… Podchodzi młody człowiek do starszego mężczyzny – sąsiada, który tka linę i pyta: „Po co tkasz tę linę?” Starzec na to odpowiada: „Latem, gdy jest susza i poziom wody w rzekach opada, na dnie jednej z nich żyje stworzenie, które tę wodę pochłania. Dlatego tkam linę, żeby to stworzenie złapać. ” „A co, jeśli go złapiesz, a potem?” "No cóż, jak tylko go złapię i zabiorę do władz, gubernatora. Przyprowadzę go i powiem: Złapałem winowajcę wszystkich naszych kłopotów, szkodnika, a oni mnie wynagrodzą. Wynagrodzę to. poproś o mieszkanie dla jednego syna, samochód dla drugiego”. „No dobrze, ale jeśli nie złapiesz, co wtedy?” – mówi młody człowiek. „Wtedy lina pozostanie” – odpowiada starzec. To jest tak wieczny temat- pragnienia, marzenia ludzi. Tylko starsi ludzie mają prawo marzyć, a młodzi planować. Spełniaj swoje marzenia, pokonaj śmierć, odepchnij ją... Poczuj, że masz kontrolę nad sobą, nad życiem. I poczuj, że możesz wszystko. Albo znajdź inną ziemię obiecaną. Powiedzmy, że ktoś potrzebuje wakacji, ale wakacje są gdzieś daleko. Może być prawdziwy. I jesteśmy w drodze na wakacje.

© Sputnik / Denis Aslanov

— Czy ważna jest droga do niej, czy samo święto?

— Oczywiście ważny jest cel dotarcia do celu. Ale myślę, że może wymyśliliśmy święto, a ono po prostu nie istnieje…

- I zmyślili to, bo nie mogli bez niego żyć?

- Może zanim dotrzemy do tego święta, będzie już po wszystkim? A może oddalił się od nas jeszcze bardziej...? A może wylądowaliśmy na niewłaściwych wakacjach i nie znaleźliśmy niczego interesującego. To znaczy, że mamy tylko drogę do wakacji, jak lina starca... Ta droga jest najważniejsza. Bóg dał nam możliwość kroczenia drogą do święta. Może czeka nas tam śmierć, ale śmierć przez zwycięstwo, pokonanie, zdobycie pewnych szczytów. Niech nadejdzie śmierć, ale będzie piękna. Odwiecznym marzeniem ludzkości jest wziąć udział w tym święcie. Po prostu nie zauważamy, że jesteśmy na tej drodze do celebracji życia. Wszyscy starają się o to święto.

Moi rodzice i ich rodzice myśleli: cóż, nie udało nam się żyć tak, jak chcieliśmy, ale nasze dzieci będą żyły lepiej od nas. I myślę, że mi się nie udało, ale moje dzieci prawdopodobnie będą żyły lepiej, dlatego z pokolenia na pokolenie przekazujemy słodkie słowo wolność, słodkie słowo szczęście.

© Sputnik / Denis Aslanov

Maxim Sukhanov jako Fernand i Władimir Wdowiczenkow jako Gustaw w scenie ze spektaklu „Wiatr szumi w topolach” na podstawie sztuki francuskiego dramaturga Geralda Sibleyrasa w reżyserii Rimasa Tuminasa

— Twoje występy w Tbilisi to absolutne wyprzedanie, lawina emocji i przeżyć. Można to uznać za bezwarunkową tęsknotę za rosyjską kulturą. Wydaje mi się, że Gruzja kulturalnie znajduje się obecnie na ideologicznym rozdrożu. Próbuje zrozumieć to, co jest jej bliższe - Kultura Zachodu, z jego niemożliwym do wykorzenienia optymizmem, szczęśliwym zakończeniem, lub rosyjski, z jego refleksją, melancholią, depresją…

— Na Zachodzie potrafią stworzyć przedświąteczny nastrój w samym życiu, póki jeszcze żyjemy. Ale nie jesteśmy w stanie, mamy inną warstwę. Wytrzymujemy. Mamy więcej pokory... To też jest związane z religią. Jak mówi Czechow, my także zostaniemy zapamiętani, jakie to było dla nas trudne, niełatwe i bolesne. Ale tam, w niebie, zobaczymy niebo w diamentach. To niechęć do tworzenia tu i teraz, ale do zaprzeczenia wszystkiemu. Być pesymistą i wierzyć, że będzie nagroda, to religia życia.

— Religia zwycięstwa.

„Akceptujemy udrękę jako nieuniknioną, ale nigdy nie myślimy o tym, jak ją porzucić i zamienić każdy dzień naszego życia w małe wakacje. Nie możemy tego zrobić. I choć ci trzej bohaterowie przygotowują się do podróży, chcą opuścić to terytorium, nie zauważają, że uczestniczą w przygotowaniach do celebracji życia. Skomponowali już wakacje do tej kampanii. Myśl tworzy. Tworzy ich popęd, a oni już stali się inni. I choć nie wyszli, nie opuścili tego schroniska, będą inni. Nie ukorzą się, ale przyjmą jutro jako dar od Boga. To byłby dobry tytuł dla sztuki – „Jutro jest dzień, a jutro święto”.

© foto: Sputnik / Władimir Fedorenko

Maxim Sukhanov jako Fernand, Vladimir Simonov jako Rene, Vladimir Vdovichenkov jako Gustav (od lewej do prawej) w scenie ze spektaklu „Wiatr szumi w topolach” na podstawie sztuki francuskiego dramaturga Geralda Sibleyrasa

„Kiedyś planowałem, ale teraz jestem planowany”

— Dlaczego akurat ta sztuka trafiła do nas?

— Po pierwsze, inne przedstawienia są bardzo drogie i wielkoformatowe. Festiwale teatralne na całym świecie walczą o przetrwanie. Teraz świat jest zajęty innymi festiwalami - festiwalami wojny, polityków, oni zajęli nasze miejsce. Planują, ale nie marzą. Po drugie, byliśmy z tym występem na Litwie i tamtejsza publiczność zareagowała. Być może jest to własność małych narodów – gdy odbierzemy nam marzenie, zwracamy je. Pomyślałem, że odbije się to również echem w Gruzji. I po trzecie, jestem bardzo dumny z tych aktorów. Ten występ jest naszą wizytówką i naszą dumą gra aktorska. Aktorzy nie przemieniają się, poddają się refleksji, potrafią bawić się dystansem, patrzeć na siebie z zewnątrz. Bądź charakterem, a potem odejdź. Cieszę się, że stali się dumni z tego, że są Wachtangowitami. Jak mówi Wdowiczenkow, gdy go już wcześniej pytano, w jakim teatrze pan pracuje, odpowiedział wymijająco – tak, tak, w różnych… Szczególnie młodzi ludzie, gdy przychodzą na castingi i mówią, że są z Wachtangowskiego, od razu podnoszą stawki i oferują wyższą stawkę niż ich koledzy. Cieszę się z tego, bo aktorzy przychodzą i opowiadają mi o tym jako o radości, jako o wydarzeniu.

— Jak dziś aktorzy traktują Teatr Wachtangowa, bo to jest wasza zasługa. Jesteś osobą skromną i nie powiesz – o tak, to moja zasługa. Jak łatwo było Panu zawładnąć takim kolosem, bo Teatr Wachtangowa to nie Teatr Mały w Wilnie.

— Było to trudne pod względem czasu i ilości pracy. Ale miałam obsesję, chciałam jako misjonarka zrozumieć ten język, ten sposób istnienia, czy sprawdza się tylko w teatrze litewskim, czy też jest uniwersalny. A zwłaszcza mentalność rosyjska, czy jest ona w stanie to usłyszeć i zrozumieć? Tak, było to dla nich trudne, ale miałem obsesję na punkcie tego pomysłu i zawładnąłem ich duszami.

- I poddali się z radością?

„Byli gotowi się poddać”. Oszukiwali samych siebie, że są najlepsi, dobrzy i szczęśliwi. Zrozumieli jednak, że znaleźli się w dziurze. Jak powiedział Jurij Lyubimow, jesteście idiotami, Rimas i ja omawiamy wszystko, a jeśli będziesz słabo grać, Rimas odejdzie i znowu będziesz w piekle. To jego cytat (śmiech – przyp. autora). Wewnątrz byli na to gotowi. Pytanie brzmiało, komu się poddać. Generalnie w Moskwie to rozumieją - jeśli przyjedziesz do Moskwy, oznacza to, że musisz walczyć o miejsce, o miejsce w stolicy, o rejestrację. Musimy powierzyć tę rolę luminarzowi, powiedzmy Wasilijowi Łanowojowi, jak wszyscy mi radzili. I Towstonogow to zrobił. Była to szkoła dla sowieckich reżyserów teatralnych. Doradzali mi przyjaciele, koledzy i reżyserzy moskiewskich teatrów. I pomyślałam: ok, dojdę do nich później, a teraz zobaczę, co się tam dzieje w głębi, i wtedy zrozumiem ten teatr. Poza tym zachowywałem dystans. Jeśli to nie wyjdzie, pomyślałem, wyjdę, mam spokój. Wszędzie są teatry. Trochę się mylą, sądząc, że są mekką teatralnego świata. Nie potrafią patrzeć na siebie z ironią. Tak, jesteśmy, ale są jeszcze lepsi od Ciebie. Ta metoda, w której trzeba znaleźć osobę, przybliżyć ją i zrozumieć, to właśnie ich zafascynowało. A teraz stało się to trudniejsze.

- Dlaczego?

„Coś się udało, teatr postawił na sukces. Potrzebujemy pomysłów i motywacji. Znowu potrzebujemy przełomu. Zawsze należy się odżywiać, dokonywać w sobie rewolucji dobrą literaturą. Jednak wiek i zmęczenie robią swoje. Potrzebuję trochę odpoczynku. I jestem coraz dalej, coraz bardziej, teraz Teatr Bolszoj, teraz Niemirowicz-Danczenko, teraz wycieczki, teraz produkcje…

- Nie masz czasu się zatrzymać?

- Zrób sobie przerwę. Bardzo mi umknęło to, co chcę przeczytać. Czytam tylko w nocy i wtedy nie mogę spać. Bezsenność. Jesteś wyczerpany, nie masz gdzie nabrać sił, zatrzymać się, przemyśleć. Chcę odpocząć. I jestem napędzany, bo planują na mnie. Kiedyś planowałam, teraz jestem planowana.

— Aktorzy, czy zgodzą się na twoją przerwę?

– No cóż, wezmą (śmiech – przyp. autora). Dziś wszyscy chcą się bawić, wszyscy! Wcześniej czułam w nich jakąś wewnętrzną złość na siebie, porażkę aktorskie życie. Ale teraz chcą śpiewać, tworzyć, nie żądać ról, ale być, nadeszło zadowolenie.

— Czy masz ulubieńców w teatrze?

- Ja wszyscy utalentowani aktorzy Kocham.

– To znaczy, że nie masz żadnego talentu. Prowokuję cię.

- I postępujesz słusznie. Ale jestem pewien, że to aktorzy, którzy się nie doceniają, wystarczy się nimi zająć, pracować z nimi, a tacy się staną!

Czas na motywację

— Mówią o Tobie, że nikogo nie zwalniasz.

– Nikogo nie zwolniłem i nie mam zamiaru. Jest oczywiście wielu aktorów w wieku emerytalnym, którzy nie biorą czynnego udziału w przedstawieniach, ale skoro nie ma ochrony socjalnej, zwolnienie go oznacza skazanie go na biedę. Czego państwo nie daje człowiekowi, dopłacam mu z budżetu państwa teatru. I rozumiem, że przynajmniej w ten sposób wspieram ich życie i jakieś ambicje twórcze. W tym sensie mają poczucie, że nie zostały spisane na straty i nadal są potrzebne. Ale nie mogę ich wszystkich przytulić. Jest mnóstwo utalentowanych ludzi, zwłaszcza młodych. I to mnie przeraża.

- Dlaczego to jest przerażające?

— Bo chcę poważnie i dobrze współpracować ze wszystkimi, ale to niemożliwe. Myślisz, że to byłoby dobre i interesujące, ale nie dostajesz materiału. Jeśli nie masz czasu, nie przytulisz mnie, nie zostaniesz wciągnięty w ten krąg... I coraz częściej nachodzą mnie myśli - muszę wracać do domu.

- Korzenie wyrywają się...

- Tak, tak... Nadchodzi pewien wiek i ktoś Cię woła, ciągnie. Tak działa człowiek, a zwłaszcza życie teatru. Musisz wyjechać punktualnie. Nie umrę w Moskwie, do cholery! (śmiech) Na Cmentarz Nowodziewiczy nie ma miejsc. Wszystko jest tam zajęte, a do tego jest kolejka. I nie udaję. Jeśli umrzesz w Moskwie, nadal będą musieli cię przewieźć, a to jest drogie.

© Sputnik / Levan Avlabreli

— Czy Moskwa stała się twoim domem?

- Cóż, prawdopodobnie nadal tak jest lata studenckie. Tam mieszkałam, studiowałam, zakochałam się. Tak, staje się blisko ciebie, ponieważ staje się częścią twojego życia.

— W jednym z wywiadów przyznajesz, że w Twoim życiu był okres stagnacji, kiedy straciłeś ochotę na cokolwiek. To było przed przyjściem Teatr Wachtangowa?

- Tak, to był ten sam okres. Remont i budowa naszego teatru w Wilnie trwała czternaście lat. Marzyłem o czasie, kiedy budynek zostanie wyremontowany. Ale sposób, w jaki został zbudowany, nie chcę niczego w nim umieszczać, nie mówiąc już o niczym. Nie porównuję się z Fomenko, ale on nie mógł tak wejść do swojego teatru i Wasiliew nie mógł tego zrobić. Co to jest, trudno określić. Marzyłeś o domu, zbudowałeś go, ale mieszkasz w chacie...

- Zatem marzenie zostało już spełnione.

— Potrzebujemy nowej motywacji, aby iść dalej. Gdzie ona jest…? Potrzebujesz chwili odpoczynku, aby znaleźć motywację...

NA Nowa scena Teatr Akademicki nazwany na cześć premiery Wachtangowa - „Ryszard Trzeci”. Spektakl wystawił gruziński reżyser, dyrektor Rosyjskiego Teatru Dramatycznego w Tbilisi Avtandil Varsimaszwili.

Wachtangowici koncertowali w Gruzji przez kilka lat z rzędu, uczestniczyli w festiwale teatralne i wtedy zrodził się pomysł tej współpracy. Varsimashvili zaprosił do spektaklu gruziński zespół: artystę Mirona Shvelidze, kompozytora Eliso Ordzhonikidze, projektanta kostiumów Teo Kukhianiadze, aby stworzyć oryginalne przedstawienie, bez wpływu stylu Wachtangowa, ale z udziałem artystów Teatru Wachtangowa. Artyści zawsze podążają za reżyserem, realizując jego zadania i realizując jego pomysły.

Do roli Ryszarda III wybrano młodego artystę Maxima Sevrinsky'ego. Dziś Maxim gra główne role w teatrze, a jego rozwój rozpoczął się od roli Romea w sztuce dyrektor artystyczny Teatr Wachtangowa Rimas Tuminas „Minetti”. Swoją drogą to właśnie tą produkcją trzy lata temu otworzyła się Nowa Scena. Rimas Tuminas opowiedział VM o tym, jak Maxim dosłownie „wymusił uwagę”:

Sam Sevrinsky wymyślił rolę Romea (nie było jej w sztuce) i zaczął mi ją pokazywać. Chodził za mną, coś czytał... W efekcie miał w spektaklu kilka scen i stał się równym bohaterem spektaklu.

W Ryszardzie nie ma śladu Romea. Chociaż mogłoby tak być. Ryszard Trzeci wiedział, jak doprowadzić kobiety do szaleństwa: historia miłosna króla i pani Anny (aktorki Ksenia Kubasowa, Polina Czernyszowa) jest jedną z najwspanialszych i straszne historie miłość, o której nakręcono filmy i napisano utwory muzyczne.

Varsimaszwili wystawił „Ryszarda Trzeciego” ściśle według Szekspira, ale z gruzińskim akcentem. Intonacja Ryszarda III nie do końca ma gruziński akcent, byłoby to niegrzeczne i zbyt oczywiste, ale Stalina nie sposób nie rozpoznać. Nawiasem mówiąc, wielu nazywało i nadal nazywa Józefa Stalina „Ryszardem Trzecim”. Na przykład całkiem niedawno na kursie mistrzowskim w ramach Biennale Teatru w 2017 roku reżyser Walery Fokin, wystawiający sztukę o młodym Stalinie w Teatrze Aleksandryjskim, porównał go z tą postacią historyczną.

W spektaklu Teatru Wachtangowa Ryszard Trzeci jest mordercą, kłamcą, Janusem o dwóch twarzach od pierwszego pojawienia się na scenie. Straszy zarówno fizycznie (reżyser nieco wyolbrzymił swoje fizyczne niedociągnięcia i deformacje, choć istnieje kilka wersji na temat rozmiarów obrażeń Ryszarda III), jak i moralnie, zarówno na duszy, jak i na ciele. Co więcej, Ryszard Trzeci nawet nie wygląda jak człowiek. Jest pomyłką natury, potworem, który wpadł w łono księżnej Yorku (Olga Tumaikina, Marina Esipenko). Jak nocna fantazja Mary Shelley – Frankenstein.

Rzeczywiście Ryszard Trzeci w inscenizacji Varsimaszwilego nie jest człowiekiem, ale diabłem piekielnym, księciem ciemności. Zaprzedał duszę diabłu – widz rozumie od pierwszej sekundy spektaklu. Jego mroczna, krwawa, przeklęta droga do zdobycia tronu zakończy się całkowitym rozkładem, upadkiem, jak to miało miejsce w przypadku wszystkich tyranów, którzy spiskowali z królestwem zła – Hitlera, Stalina i innych. W Ryszardzie Trzecim pojawiają się cienie, duchy władców-tyranów. Jeśli się nad tym zastanowić, obserwując poczynania Ryszarda III, każdy z tyranów, w tym Napoleon, Hitler, Stalin, cierpiał na wadę fizyczną lub niedoskonałość - niski wzrost, dużą głowę... Lub zamienił się w fizycznego potwora na skutek swoich okrucieństw postępowało. „Ryszard Trzeci” jest jak „Portret Doriana Graya”, na którym widać wszelkie ślady zbrodni, czarne myśli człowieka, który przekroczył granicę dobra.

„Ryszard Trzeci” to spektakl bezlitosny wobec głównego bohatera i wszelkiej tyranii. Jest wiele przedstawień, w których w finale współczujemy niezwykłemu człowiekowi Ryszardowi III, który mimo wszystko odnosił zwycięstwa w bitwach i osiągnięcia jako władca. I w tym przedstawieniu nie jest mu go żal. Jak można współczuć Frankensteinowi – on nie jest mężczyzną?

Dyrektor artystyczny Teatru Wachtangowa Rimas Tuminas bardzo ostrożnie podchodzi do przedstawień, które mogą zawierać podobieństwa i wnioski polityczne. On sam, będąc obcokrajowcem – obywatelem Litwy, nie podejmuje się analizowania i oceniania życie polityczne w Rosji, uważając, że nie ma do tego prawa. Dlatego zaprosił Jurija Butusowa do wystawienia „Biegania” na podstawie sztuki Bułhakowa. Dlatego „Ryszard Trzeci” z wyraźnym nawiązaniem do Stalina został wystawiony na scenie Wachtangowa przez Awtandila Varsimaszwilego. Czy Ryszarda III można nazwać Stalinem? Jeżeli wielu historyków, naukowców i badaczy życia „przywódcy wszystkich czasów i narodów” tak robi, to dlaczego nie?

Gruzja ma bardzo dwuznaczny stosunek do Stalina. Represje wobec osobistości gruzińskiej kultury, literatury i teatru za panowania Stalina były potworne i Gruzja o tym pamięta. I przypomina nam.

Spektakl ma niesamowitą scenerię – odtworzono piekło, z którego wyszło i do którego trafiło w finale główny bohater. To prawda, że ​​to piekło istniało jeszcze przed przybyciem króla... Poprzedni władcy kraju robili wszystko, aby w ich królestwie zapanowało piekło. Widać to w wykonaniu. I jest też raj - niebo, z pełnia księżyca, gwiazdy, na które spadają ofiary. Ale nie tych o słabej woli, bojaźliwych, ale ofiary, które dały bitwę katom. O tym opowiada tragedia Szekspira „Ryszard Trzeci” i o tym opowiada sztuka „Ryszard Trzeci” na scenie Teatru Wachtangowa.

Odbył się tylko jeden pokaz, w którym wzięli udział czołowi badacze twórczości Szekspira, w szczególności profesor Aleksiej Bartoszewicz, wnuk wielkiego artysty Kaczałowa. Bartoszewicz wysoko ocenił spektakl Warsimaszwilego, nazywając go „bardzo interesującym i bardzo aktualnym”.

Anżelika Zaozerska

Gwiazdy Teatru Wachtangowa witają widzów w Rydze

20 kwietnia w Rydze odbył się pokaz spektaklu Teatru Wachtangowa „Uśmiechnij się, Panie, dla nas” Spektakl dyrektora artystycznego Teatru Wachtangowa Rimasa Tuminasa, „Uśmiechnij się dla nas, Panie” na podstawie powieści Grigorija Kanowicza „Mały Koza za grosz” została pokazana w stolicy Włotwy na scenie Teatru Dailes. Ta praca, przepojona miłością i współczuciem dla ludzi, nasuwa myśl: wystarczy, że my, mieszkańcy tej planety, wyrównamy rachunki.

Chociaż właśnie to dziś po raz kolejny uczyniły władze łotewskie, deklarując zamiar obciążenia Rosji rachunkiem za „okupację radziecką” na kwotę 185 miliardów euro. A jeśli tak sobie wyobrażasz faszystowskie Niemcy wygrałeś? A co to jest „okupacja radziecka”? Na przykład szkolenie tego samego Rimasa Tuminasa w moskiewskim GITIS, jego rosyjskim szkoła teatralna Najbliższe związki z teatrem rosyjskim to także „okupacja”?..

Bohater Siergieja Makowieckiego, Efraim, buduje nagrobki dla swoich rodaków. Kiedy żona Leah (Yulia Rutberg) zarzuca mu, że „bardziej kocha kamienie i pracę niż rodzinę”, odpowiada:

„Każdy na świecie musi być kochany. Ty idź i kamień. Kto go pokocha, samego? Kto, jeśli jesteśmy niemi... ludźmi?

Mieszkańcy krajów bałtyckich często porównują swój zewnętrzny chłód i pozbawioną uśmiechu przyrodę do skały, skały lub lodu. Ale że to tylko pozory, powiedzieli mi w wywiadzie Ilitańczycy Donatas Banionis i Juozas Budraitis oraz Łotysz Ivars Kalnins.

Narody bałtyckie, podobnie jak Żydzi w spektaklu „Uśmiechnij się do nas, Panie”, jak Rosjanie, wszystko biorą sobie do serca, martwią się, odczuwają nostalgię i marzą o lepszej przyszłości. Kto nie chce żyć szczęśliwie i bogato? Pytanie jest retoryczne.

Bohater Wiktora Sukhorukova, Avner Rosenthal, zanim przydarzyło mu się nieszczęście (pożar), był bogatym właścicielem, ale został żebrakiem.

„Możesz napełnić swój żołądek pieniędzmi, ale twoja dusza nadal pozostanie głodna. Aby dusza nie głodowała, Avner prosi o wszystkie wspomnienia. Niech pamiętają! Niech mu opowiedzą, jak czterdzieści lat temu żył Avner Rosenthal” – brzmi oryginalny tekst Kanovicha w przedstawieniu Tuminasa.

„Bóg nie dał zapomnienia” – ale przeliczanie pamięci o przeszłości kraju na euro, bez uwzględnienia wojny, pożarów, bitew, grobów, jest małostkowe i niesprawiedliwe.

„Czas to ognisko, wydarzenia to zarośla, a człowiek to owca na rzeź” – mówił na scenie „Nariga” Siergiej Makowiecki z sewrańskim akcentem.

W zeszłym roku występ ten został dobrze przyjęty w Ameryce i Kanadzie. Następnie zostanie rozegrany w Tallinie. Wydaje mi się, że taki teatr jest w stanie wypędzić okrucieństwo, cynizm, chciwość i niewdzięczność z najtwardszych serc. Nawet jeśli to tylko jeden wieczór, ale to dużo.

Rimas Tuminas: „Moja taktyka to delikatna siła”

Wpadł Rimas Tuminas życie teatralne Moskwa szybko. Przez wiele lat pełnił funkcję głównego dyrektora Litewskiego Narodowego Teatru Dramatycznego, a następnie założył i kierował Małym Teatr Dramatu Wilnie, w 2007 roku przyjął ofertę Agencja federalna kultury i kinematografii, aby zostać dyrektorem artystycznym Państwowego Teatru Akademickiego im. Jewgienija Wachtangowa. 20 stycznia Rimas Tuminas kończy 63 lata.

W rozmowie z VM, jednym z najlepszych reżyserów teatralnych na świecie, któremu udało się przywrócić chwałę Teatru Wachtangowa (nawiasem mówiąc, w lutym w ramach światowego tournée odbędzie się premiera sztuki Rimasa Tuminasa „Eugeniusz Oniegin” do Londynu), dzieli się przemyśleniami na temat czasu, życia Rosjanina w kontekście historii świata... A także po raz pierwszy wyjaśnia, dlaczego teraz w jego sercu zagościł smutek.

Rimasie Władimirowiczu, rozmawiamy z Tobą w Wigilię, kiedy króluje magia. W produkcji powieści Puszkina „Eugeniusz Oniegin” pokazałeś, w jakim elemencie znalazła się Tatiana, gdy zdecydowała się pokochać wróżenie. Co sądzisz o nieuleczalnym pragnieniu narodu rosyjskiego, by patrzeć w przyszłość? Mówią też, że jesteśmy bardzo przesądni i podatni na diabelstwo.

W wróżeniu dziewcząt widzę piękno, tajemnicę, poezję, szukanie nerwów przyszłości. I tu Wróżenie noworoczne, które emitują kanały telewizyjne - cóż za klownada, aktorstwo, dom wariatów! Kanały świętowały dziesięć lat do przodu wakacje noworoczne i po co wydawać pieniądze na wystawianie nowych przedstawień, jeśli można powtórzyć stare - i tak są takie same! Wydaje się, że cały świat żyje czystą zabawą. I nagle na tle tej budki dzieją się straszliwe tragedie, jak ataki terrorystyczne we Francji. Chciałabym powiedzieć: „Bądźmy skromniejsi, bądźmy ciszej”. Po to są Święta Bożego Narodzenia i Trzech Króli, abyśmy w ciszy mogli usłyszeć niebo, gwiazdy i głosy zwierząt... Nie ma potrzeby zasłaniać nieba, gwiazd, nocy... Marnujemy czas , a nie ma go zbyt wiele. A ja chcę robić spektakle bardzo szczegółowe, subtelne, a na pewno delikatne, ciche, głębokie, ze zjawiskami, znaczeniami, zdarzeniami...

We wrześniu ubiegłego roku na spotkaniu zespołu w Teatrze Wachtangowa powiedziałaś, że nie wiesz jeszcze, o czym będzie Twój kolejny występ, że musisz nabrać sił i pozbyć się złości. Oczywiście świat teatru Rosja czeka na Twoje produkcje.

Szczerze mówiąc, coś mnie przygnębiło – zarówno zdrowie, jak i powtarzający się cykl pobytu w teatrze. Od siedmiu lat kieruję Teatrem Wachtangowa i co siedem lat następuje zrozumienie tego, co dzieje się w teatrze. Aby to zrobić, trzeba zatrzymać się na chwilę, pomyśleć, zajrzeć w głąb siebie... Niestety wszystko nieuchronnie staje się rutyną - od występu do występu, od zabawy do zabawy, choć pięknej, dostatniej, ale w istocie rutyną. A w powietrzu czuję inny sposób istnienia, inny dialog, ale jeszcze nie wiem jaki.

Przyznam, że czuję się jak zakładnik Teatru Wachtangowa. Budował i budował teatr, ale dla siebie zbudował więzienie. Jestem zakładnikiem także dlatego, że muszę służyć interesom teatru, który kieruję i oczywiście jestem zobowiązany zwolnić nowa premiera(premiera mojej ostatniej produkcji „Uśmiechnij się do nas, Panie” odbyła się w marcu 2014) i zdaję sobie z tego sprawę. Ale naprawdę chcę wstrząsnąć dawnymi czasami i zacząć żyć szaleńczo lub zainscenizować coś szalonego, niesamowitego, co zniszczy mury więzienia.

Nie strasz nas, proszę. Czy naprawdę jesteś tak zły, że czujesz się jak więzień?

Prędzej czy później teatr nadal staje się więzieniem. To prawda, że ​​w więzieniu też są wakacje. Najważniejsze, że te święta nie są tylko w więzieniu, ale święta są dla wszystkich, dla publiczności.

Gwiazda sceny Wachtangowa Ludmiła Maksakowa powiedziała mi w wywiadzie, że Rimas Tuminas i zespół stali się jednym organizmem, jedną krwią i ciałem i że teraz nie można ich rozdzielić. Ale to jest bardzo poważne!

O to chodzi główny problemże nie możemy już bez siebie żyć. W takiej sytuacji konieczne jest zabicie tego, co kocha się najbardziej, dokonując w ten sposób ofiary. Ale kto powinien się poświęcać? Czy powinienem poświęcić siebie, czy poświęcić innych? W takiej sytuacji poza niepokojem, samotnością, zwątpieniem, zmartwieniem nie pozostaje nic innego ten moment Nie mogę tego zaoferować mojej grupie. Tak, właśnie taka atmosfera otacza nas dzisiaj, pracowników Teatru Wachtangowa.

W powieści Borysa Pasternaka Doktor Żywago zawarta jest cenna myśl, że sztuka zawsze mówi o śmierci i w tym przypadku szczera rozmowa rodzi się nowe życie. Być może poza śmiercią nie mogę zaoferować Teatrowi Wachtangowa niczego innego, ale ta oferta jest pełna nadziei - jeśli szczerze i poprawnie będziemy mówić o śmierci, otworzymy nowe życie i nową wiarę. Dziś teatr potrzebuje nowa wiara lub, w języku świeckim, nowe motto. Zobowiązany po 19 stycznia nadać swojemu trupie nowe motto. W żadnym wypadku nie będę Cię namawiał, żebyś się nie poddawał. Tylko śmierć! I odepchnąć to na bok, oszukać i spróbować zyskać nieśmiertelność - to właśnie postaramy się zrobić w nowym roku.

Kiedy zapytałem Wiktora Sukhorukova, którego zaprosiłeś z innego teatru do roli samobójcy Rosenthala w spektaklu „Uśmiechnij się do nas, Panie”, jak Rimas Tuminas tak trafnie trafił w nasze czasy, artysta odpowiedział: „Tuminas jest geniusz." Rimas Władimirowicz, wyjaśnij, jak wyczuwasz czas?

Sukhorukov jest człowiekiem zbyt hojnym, miłym i bogatym, aby tak oceniać innych. A poczucie czasu jest zawsze w środku. Zawsze. Ale dzisiaj trudno mi usłyszeć czas najbliższej przyszłości. Wszystkie argumenty, aby być, kontynuować, zostać, walczyć, odważyć się, zostały wyczerpane. Lubię to kluczowy moment. Musimy znaleźć motywację do dalszej pracy.

Czy naprawdę wszystko jest takie pesymistyczne?

Czytelnik nie powinien myśleć, że jeśli zacznę mówić o śmierci, to przyszłe przedstawienia będą smutne i ponure. Wręcz przeciwnie, gdy myślimy o śmierci, na myśl przychodzą nam Goldoni, Boccaccio i era rycerstwa. Swoją drogą widzę nadejście, a ściślej powrót epoki rycerskiej, kiedy ludzie umierają albo za kobietę, albo za wolność. Otwartością, szczerością, determinacją dotarcia do końca – dziś zapomnianych, „pomiętych” zasad. Mamy drugi i trzeci plan, podteksty. Nadchodzi czas, kiedy ludzie muszą żyć wyłącznie według pierwszego planu, bez wymówek, odosobnień, z całkowitą wiarą w swoje słowa. Idziemy na pojedynek - szukamy sprawiedliwości.

Rimas Władimirowicz, pojedynek jest bezpośredni, bez klaunów, a nie jak Don Kichot wiatraki?

Bezpośrednia bitwa. Jak w tragediach Szekspira, z początkiem świat jest zniszczony, zbrodniczy i trzeba go zharmonizować. To prawda, że ​​Szekspir nie napisał szóstego aktu: jak ludzie mogą żyć w harmonijnym świecie, kiedy wszyscy wrogowie zostali zabici, a złoczyńcy ukarani? Jesteśmy słabi i niestety nie spadkobiercy historii, ale jej twórcy. Kontynuujemy komponowanie Nowa historia, ale niestety nie mogą zostać godnymi spadkobiercami! Dopóki żyjemy w trzecim akcie tragedii Szekspira, dzielimy ziemie, spadki, pieniądze, miłość, pokój i zdaje się, że temu podziałowi nie ma końca... Przypomnę, że Szekspir w XVI wieku napisał już pięć aktów i załączyłem plan dla szóstego, ale w XXI wieku wciąż jesteśmy w trzecim, w środku konfliktu majątkowego.

Porozmawiajmy o rosyjskich klasykach, które ty i ty Wielki sukces wystawiany w teatrach rosyjskich. Na pewno masz wersję - co stało się z Onieginem w 10. rozdziale zniszczonym przez autora? Gdzie trafił główny bohater, co się z nim stało?

I co się stało z całą Rosją. Aleksander Siergiejewicz chciał dokończyć powieść i nadać bohaterowi cechy prawdziwego bohatera, ale tak się nie stało. Tak jak nie zdarzyło się to z Gribojedowem i Czackim, z Turgieniewem z Bazarowem, z Lermontowem z Pieczorinem... Nie udaje nam się stworzyć jeśli nie ideału, to przynajmniej bohatera, którego można by naśladować, na którym moralność przyszłości byłaby oparta. Może Puszkin powinien był wysłać Oniegina na wojnę? Jak w 1812 roku generał, którego poślubiła Tatiana, powrócił po zwycięstwie nad Napoleonem. Wyszła za mąż, kochając go za jego ludzki czyn, za jego działanie, za jego wiarę. Gdyby Oniegin wrócił nie tylko z wędrówek po cieplejszych krajach, możliwe, że Tatiana, rozpoznawszy w nim innego, zmieniłaby swój stosunek do niego. I tak mężczyzna zniknął z hoteli i nagle się pojawił – dlaczego? A Czechow z „wujkiem Wanią”, jak mówią, na długo zamknął pytanie bohatera.

Często wymawiam dla siebie monolog Sonyi ze sztuki „Wujek Wania” w chwilach, gdy się poddaję: „My, wujek Wania, będziemy żyć. Przeżyjemy długą, długą serię dni i długich wieczorów; Cierpliwie znośmy próby, jakie zsyła nam los; Już teraz pracujmy dla innych.”

Tak, musimy pracować… i „wszystko utonie w naszym miłosierdziu”. Ale w literaturze rosyjskiej to zawsze brzmi w ustach kobiety, a nie mężczyzny.

Nie odważyłeś się nazwać swojej produkcji „Tatiana”, dlaczego?

W teatrze podczas prób zawsze powtarzał: „To jest Tanya, tu chodzi o nią”. Ale się opieram trendy w modzie, kiedy reżyserzy rzucają tytułami według własnego uznania. Moim zdaniem w swoim własnym tytule produkcji klasyczna praca panuje arogancja, brak szacunku, zaniedbanie. Wierzę, że jeśli jest „Oniegin” - niech będzie „Oniegin”, „Maskarada” - potem „Maskarada”. Co więcej, jestem przekonany, że zachowując tytuł autora, tekst, reżyser i jego wykonanie stają się bogatsze. Po co szukać nowych interpretacji, skoro już dawno o tym zdecydował sam twórca?

Twój „Oniegin” wyrusza w lutym w trasę koncertową do Londynu. Wcześniej, sądząc po prasie międzynarodowej, podbił Amerykę. Jak możesz osobiście wytłumaczyć duże zainteresowanie Zachodu rosyjską klasyką? Ale po co im tak bardzo nasz Puszkin, Tołstoj, Dostojewski, Czechow, skoro mają swoich literackich gigantów?

Dla Zachodu istnieje odwieczna tajemnica – dlaczego oni, Rosjanie, nie mogą? Dlaczego w miłości nie ma szczęścia, żadne trzy siostry nie mogą nigdzie pójść, nikt nie może zostać bohaterem, chociaż istnieją ku temu wszystkie przesłanki? No cóż, nie mogą zrozumieć: dlaczego, skoro zaczyna się tak dobrze, tak pięknie i wszystko jest szeroko otwarte, to w końcu wszystko się wali? Według nich Zachód ocenia bohaterów bardzo racjonalnie Wynik końcowy. Na przykład na Litwie to zadeklarowali odważni ludzie Darius i Girenas, którzy przylecieli w 1933 r Ocean Atlantycki, ale nie dotarł do celu i zginął. Podczas gdy w Europie pytają: „To udało się czy nie? A jeśli im się nie udało, to jakimi są bohaterami?” Przyznają tylko: zadziałało, czy nie zadziałało? Żadne wyjaśnienie, że kompas jest zepsuty, nie jest przekonujące. Może powinniśmy częściej zastanawiać się, dlaczego to wciąż nie wychodzi?

Może my proces jest bardziej interesujący, niż wynik, wyszukiwanie, niż cokół?

Tak, nie – wręcz bardzo nam się podoba, że ​​nam się nie udało! Robiąc to, doprowadzamy się do męki, łez, rozstań, rozstań... Swoją drogą, rosyjski teatr dramatyczny jest tak silny i głęboki w dużej mierze dlatego, że kochamy nieszczęśliwe zakończenia. Czy zaprzeczysz, że chętnie rezygnujemy z miłości, żegnamy się, rozdzielamy, umieramy – a to wszystko jest tak zmysłowe, tak ekscytujące.

Tak pisali klasycy. Nie bez powodu Lew Tołstoj „wrzucił” Annę Kareninę pod pociąg?

Było ślisko, poślizgnąłem się... A tak na serio, źródła tego nieszczęścia sięgają głębi rosyjskiej historii. Rosjanie często chodzą o krok od śmierci, wiedzą o tym i co najbardziej zadziwiające, kochają to. A śmierć jest najgłębszą rzeczą, jaka może przydarzyć się człowiekowi, dlatego nasza literatura jest tak głęboka i rosyjski teatr psychologiczny jest tak głęboki. Na Zachodzie nie lubią śmierci i wolą o niej milczeć, a słowa Pasternaka „Sztuka mówi o śmierci” są im obce, choć tajemnicze. Powtarzam jednak, że rozpoznając śmierć, nie oddalając się od niej, już tworzymy coś nowego.

Wchłaniasz śmierć z mlekiem matki. Moje pierwsze wspomnienie to śmierć mojego pradziadka, który przeżył trzy wojny, a po nim śmierć jego syna, bohatera II wojny światowej i niekończące się łzy mojej babci i mamy. Wymyślamy śmierć, czy jest ona w nas - od naszych przodków?

Rosja przetrwała, cierpiała, walczyła. Z tego powodu często pojawiają się wezwania do walki. Ale osobiście od dawna jestem zmęczony wojną i zmaganiami. Wkraczając na ścieżkę bitwy, szukamy konfliktu, przyczyn konfliktu, jego natury, ale jednocześnie zapominamy, że jesteśmy bezpośrednimi spadkobiercami konfliktu. Faktem jest, że konflikt jest zjawiskiem żywym, Żyjąca istota, które akceptujemy i kontynuujemy. Jeśli zaakceptujemy konflikt jako jego spadkobierców, musimy znaleźć sposoby na jego obejście i skorygowanie jego natury. Nie daj Boże, żeby ktoś pomyślał, że to my jesteśmy autorami konfliktu. Jeśli znajdziemy siłę, aby odrzucić konflikty, zaczniemy słyszeć dźwięki świata, a nie tylko dźwięki wokół naszego domu.

Rimas Władimirowicz, nie jest tajemnicą, że aktorzy to trudna osoba, wymagająca specjalnego podejścia. A teatr to świat, który można tylko bardzo kontrolować silny mężczyzna. Proszę wyjaśnić swoją taktykę, strategię dyrektora artystycznego teatru?

Zgadzam się, aktorzy nie są łatwymi ludźmi! „Łagodna siła teatru” – to taktyka, którą wymyśliłam. To odrzucenie wymyślonej dyscypliny, ustanowienia porządku. Zarządzanie teatrem zacząłem od zniesienia wszelkich sankcji za spóźnienia i naruszenia. Apelowałem o zaufanie i profesjonalizm. W końcu jeśli jesteś profesjonalistą, na pewno dotrzesz na czas, prawda? Ale najpierw trzeba ich zrozumieć, przebaczyć, uwierzyć, dać wolność, a oni odpowiedzą i sami zrobią wszystko dobrze i na czas. Nigdy nie ukrywałem, że jeśli kogoś złapię, to nigdy nie puszczę. To jest moc - złapać osobę, przytrzymać go. Nie należę do tych, którzy rezygnują ze swoich łupów. Tak, dobrowolnie, ale jako ofiara. Może to być nie tylko osoba, artysta, ale także obraz. Dla reżysera ważne jest, aby uchwycić swoich ludzi i swoje obrazy...

Jeden epizod w dużej mierze zadecydował o całym moim życiu w teatrze, całej drodze, którą podążam do dziś. Wczesnym sobotnim jesiennym rankiem siedziałam u dentysty trzymając się fotela i przez okno zobaczyłam starszą kobietę z ciężką torebką, ledwo chodzącą. Nie mogłem powstrzymać się od myśli: „Kto czuje się teraz źle – ja czy ona?” Trudno w to uwierzyć, ale w tej chwili mój ból zęba zniknął. Ta biedna kobieta była kiedyś młoda, piękna, ukochana, a teraz może rano kupiła bułkę z mlekiem i idzie ze swoim ciężarem... W obrazie starszej kobiety widziałem losy mojej babci, moja mama i inne kobiety. Od tego momentu chciałam rozmawiać o ludziach, a nie o sobie. Kiedy zobaczyłem te wszystkie kobiety na twarzy tej kobiety, wydało mi się zarówno głupie, jak i wstydliwe otwieranie się, jak to się mówi, aby wyrazić siebie. Teatr Wachtangowa zrozumiał moją chęć wyrażenia swoich myśli i uczuć za pośrednictwem drugiej osoby. Wachtangowici grają innych ludzi, a nie siebie w proponowanych okolicznościach i w tym celu badają życie, świat i ludzi.

Rimas Władimirowicz, jak szybko znalazłeś zrozumienie ze strony trupy Teatru Wachtangowa? Dziś wszyscy Cię kochają – nie bez powodu: dałeś teatrowi wszystko, o czym mógł marzyć – sławę, honor, godność, twórczość. Z czym się spotkałeś na początku?

Każda osoba, która pochodzi z innego kraju, powinna zostać przyjęta do Twojego kraju ojczysty dom niełatwe. Ale jeśli ta osoba odczuwa ból tak jak ty, to jest twoją osobą, prawda? Trzeba po prostu być bardzo, bardzo szczerym i to jest główna trudność naszego zawodu. Możesz wziąć dowolną maskę - milczącą, wycofaną, surową, dziwną i chodzić z nią, nie zauważając innych. Ale co do mnie, porzuciłem jakąkolwiek maskaradę i natychmiast zacząłem otwarcie i szczerze rozmawiać z Wachtangowitami.

Ale swoją szczerością rozbroiłeś się, naraziłeś na ciosy, które, jak wiesz, miały miejsce?

Trafiłem do bardzo złożonego teatru, w trudny okres i ludzie zrozumieli, że znaleźli się w trudnej sytuacji. Robili wszystko, żeby dobrze wyglądać i nie poddawali się... Jak mogłam przy nich udawać, że jestem inna? Tak, to jest największa odwaga – być otwartym i szczerym wobec ludzi, którzy w Ciebie wierzyli. Jak długo wstydziłem się, że nie mogę wypłacić im wynagrodzenia, na jakie zasługują. Myślałam o odejściu, ustąpieniu miejsca komuś innemu. „Co ze mnie za przywódca, że ​​nie mogę płacić ludziom pieniędzy, aby mogli żyć jak ludzie?” - Dręczyło mnie zadawanie sobie tego pytania. Ale problemy finansowe z tyłu, a aktorzy Teatru Wachtangowa żyją dobrze pod każdym względem. Co więcej, nie zwolniłem ani jednego artysty. Było wielu doradców, którzy przekonali mnie, że muszę pozbyć się balastu.

Twój przyjaciel Juozas Budraitis powiedział w rozmowie z VM, że Rimas Tuminas tak bardzo kocha artystów, nawet tych przeciętnych, że żadnemu z nich nie jest w stanie pokazać drzwi. Czy to prawda?

W Teatrze Wachtangowa nie ma artystów przeciętnych. Ale nie przyjechałem tu, żeby budować dom czy tworzyć własny teatr. Do Moskwy przyjechałem wyłącznie po to, by kontynuować tradycje teatru rosyjskiego, na którym sam się wychowałem. W tej sytuacji menadżer nie ma prawa niczego zepsuć (poza rażącą niesprawiedliwością, kiedy artyści Teatru Wachtangowa zostali za wszystko ukarani grzywną, w wyniku czego wielu w ogóle nie otrzymało wynagrodzenia). Mam nadzieję, że za pomocą współczesnych metafor udało mi się przywrócić teatr Wachtangowa do jego korzeni.

Rimas Władimirowicz, ty i aktorzy jesteście mili i miłosierni. Natomiast jeden artysta powiedział mi, że nie zagra sceny w którejś z Twoich najnowszych produkcji, bo on, gwiazdor, jest zbyt leniwy, żeby siedzieć za kulisami przez trzy godziny i czekać na swój występ. Artysta powiedział, że go zrozumiałeś i puściłeś.

Jedną z głównych egzystencji w teatrze jest bycie twórcą nie tylko swojej roli, ale także przedstawienia, a co za tym idzie, bycie w zespole. Liczenie minut bycia na scenie, ile jest tekstu, jest tak prymitywne i stare, że po prostu uśmiecham się do takich ekscentryków i cierpliwie czekam. Może ta osoba jest jeszcze młoda, może czegoś nie rozumie, ale zrozumie? Będzie żył, bawił się i czuł, że udział w przedstawieniu jest bardzo ważny, ponieważ każdy występ pochodzi z komórek wszystkich. A jeśli cały czas będziesz liczyć, to tak Wiodącą rolę nie możesz czekać. Poza tym w teatrze trzeba przejść przez wszystko. Powiedzmy, że jesteś największym artystą, legendą, ale bądź tak miły i podaruj młody człowiek herbata. W tradycji Szkoła Wachtangowa, gdy luminarze służą młodym, a tym samym przyszłości. Przecież młodzi ludzie będą wtedy przez całe życie pamiętać, jak legenda dała im kapelusz i parasolkę. Musimy stworzyć wakacje dla młodych – w jakikolwiek sposób. I wybaczaj, wybaczaj wiele.

Proszę wymienić trzy najlepsze genialni mistrzowie Etap Wachtangowa? Na gali „Gwiazda teatralna”, która odbyła się w Twoim teatrze, Tatyana Doronina podziwiała Nikołaja Gritsenkę.

Wspaniałe trio - Nikołaj Gricenko, Jurij Jakowlew i Michaił Uljanow... Teatr Wachtangowa powraca do metody studyjnej, zgodnie z którą będziemy zatrudniać więcej niż jednego absolwenta na raz szkoła teatralna, ale w grupach, studiach.

Rimasie Władimirowiczu, czy planujesz wystawić sztukę dla Moskiewskiego Teatru Artystycznego? Oleg Tabakow w rozmowie z VM przyznał, że nie raz zwracał się do Was z tą propozycją.

Fascynuje mnie także Sovremennik, od którego rozpoczęłam moją rosyjską podróż inscenizacją Marii Stuart, i oczywiście Moskiewski Teatr Artystyczny. Oleg Pawłowicz jest mi osobą bardzo bliską i dobrze go czuję jako aktora, wiem... Rzeczywiście Tabakow stale proponuje występy w moskiewskim teatrze Teatr Sztuki spektaklu, a ja odpowiedziałam mu „tak” (swoją drogą podczas wręczenia nagród „Gwiazdy Teatru”). Ale chciałbym mieć czas, żeby nie urazić mojej trupy. Powiedzą: „Poszedł gdzie indziej” i będą mieli rację. Ale chcę wystawić spektakl, aby artyści zarówno sceny Wachtangowa, jak i Moskiewskiego Teatru Artystycznego zrozumieli, że jesteśmy jednym teatrem i nie mamy ze sobą nic wspólnego.

Kiedy Jurij Pietrowicz Lubimow stracił teatr Taganka, zaproponowałeś mu pracę – wystawienie sztuki „Demony” na podstawie powieści Dostojewskiego. To właśnie w Teatrze Wachtangowa odbyło się pożegnanie Jurija Pietrowicza. Proszę opowiedzieć nam o swojej przyjaźni i współpracy z Lyubimovem.

Kiedy Jurij Pietrowicz odszedł, miałem poczucie niesprawiedliwości ze wszystkiego. Tak, pozostały jego przedstawienia, książki i rękopisy. Nie udało nam się jednak zrozumieć jego genialnego mózgu i wiele z nich pozostało nierozpoznanych. Musiałem się spieszyć, żeby się od niego uczyć, kiedy Lubimow pracował w teatrze, wystawiał „Demony”, kiedy godzinami siedzieliśmy w moim biurze… Nigdy nie zapomnę silnej zamieci i moich urodzin oraz telefonu Jurija Pietrowicza, który przyszedł mi pogratulować. Mówię mu: „Co robisz, dlaczego? Sam przyjdę, taka śnieżyca. Czekałem na niego, wyjrzałem przez okno i zobaczyłem go owiniętego od stóp do głów, ramię w ramię z Katalin. Jurij Pietrowicz zaczął odwijać twarz z szalika i opowiadał o tym, co się z nim stało Wojna fińska, gdzie doznał odmrożenia twarzy, jest uczulony na mróz. Zostawieni sami sobie zaczęliśmy rozmawiać o moim życiu. Jurij Pietrowicz współczuł mi jak ojciec, a ja jak syn przeprosiłem go, rozumiejąc moje grzechy i słabości.

Jaki jest Twój największy grzech?

Kiedy słabnę, nienawidzę siebie zaciekłą nienawiścią i w tym momencie nie czułem teatru w swoich ramionach. A Jurij Pietrowicz wyjaśnił mi, jak stale trzymać teatr w pięści i co z tym zrobić. Ljubimow kazał mi przenieść się z rodziną do Moskwy, żeby barszcz był domowej roboty. Po tej rozmowie staliśmy się sobie bardzo bliskimi ludźmi. Nawiasem mówiąc, Lyubimov wysłał mnie do szpitala, abym mógł zostać zbadany. Odwiedziłem go w szpitalu, a on zaczął namawiać lekarzy, żeby mnie zbadali i natychmiast umówił się na badanie. Od tego czasu zacząłem odwiedzać szpitale. Staraliśmy się zrobić wszystko, aby Jurij Ljubimow wrócił do swojego domu, gdzie rozpoczął swoją podróż jako aktor, jako reżyser i aby zawsze pozostał w Teatrze Wachtangowa. A teraz Jurij Lubimow mieszka w Teatrze Wachtangowa, podobnie jak inni luminarze. Duch Michaiła Uljanowa, Rubena Simonowa i Nikołaja Gritsenki jest tutaj...

Rimas Władimirowicz, urodziłeś się tego samego dnia co Federico Fellini i z pewnością kochasz kino?

Fellini to mój ulubiony reżyser, a za nim plasują się inni Włosi z epoki neorealizmu. Jeśli chodzi o kino rosyjskie, lubię wczesnego Michałkowa.

Jak bohaterowie Czajkowskiego śpiewają zgodnie i rywalizują ze sobą - „Boję się!”: czy to żart - w mojej osobistej pamięci to już trzecia „Dama pik” w Bolszoj! Poprzednie miało jednak miejsce całkiem niedawno, bo niecałe trzy lata temu, i w przeciwnym razie zapewne nie otworzyłoby tak szybko drogi na scenę Bolszoj, ale spektakl Lwa Dodina, z opóźnieniem przeniesiony z Europy do Moskwy z dyrygentem Michaiłem Jurowskim i stały Władimir Galuzin w roli Germana zamienił się w wstyd tak oczywisty dla wszystkich -

Że po dwóch seriach występów został usunięty z repertuaru. W momencie moskiewskiej premiery Dodina Tuminas nie ugruntował się jeszcze jako reżyser operowy, a raczej nie miał nawet czasu na debiut w tej roli, stało się to nieco później, ale natychmiast w Bolszoj – razem z dyrygentem Tugan Sokhiev wydali „Katerina Izmailova”:

Następnie Tuminas wykonał dyptyk jednoaktowych oper XX wieku w MAMT z Korobowem:

a jego obecna „Dama pik” znów jest w Bolszoj i znowu u Sochijewa - dopiero trzecie dzieło Rimasa Tuminasa w Teatr Muzyczny.

Rozwiązanie przestrzeni zaproponowane przez stałego współpracownika Rimasa Tuminasa, artystę Adomasa Jacovskisa, jest minimalistyczne, rozpoznawalne i dość standardowe, wręcz abstrakcyjne: pomiędzy nutą imperialnej kolumnady katedry z wznoszącą się w górę konstrukcją, przypominającą rusztowania przy prawe skrzydło i gładkie, zaokrąglone, pozbawione twarzy, jakby „betonowe” „Ściana po lewej stronie (bardzo podobna była w „Katerinie Izmailowej”, zaprojektowanej oczywiście także przez Jacovskisa, ale tam ściana przynajmniej się poruszyła. ..) - pusta przestrzeń, nie licząc samotnych cokołów bez posągów. Na scenie balowej uzupełnia go stosunkowo niewielki stolik z „kryształowymi” sztućcami i zawieszone nad sceną lustro – podobne „miękkie lustra” bardzo często można spotkać w różnych europejskich przedstawieniach; a także sztuczną palmę w wannie, która pozostaje do następnego zdjęcia w sypialni hrabiny; na ostatnim zdjęciu domu gier - odpowiednio także stół, ale z kartami, a zatem bez naczyń. Bohaterowie ubrani są po europejsku – nie „historycznie”, ale „abstrakcyjnie”, w skromne, nudne sukienki, w formalne garnitury itp. aż po „małych żołnierzyków” z pierwszego zdjęcia, którzy zamiast mundurów noszą szare kurtki i czarne cylindry. Czarno-biało-szara paleta na pierwszym zdjęciu jest niezbyt urozmaicona odcieniami sukienek przechadzających się po Petersburgu pań w przedziale od błękitu do fioletu (projektantka kostiumów Maria Danilova).

Reżyser nie stara się wypełniać akcji każdą nutą, wręcz przeciwnie: wstępy orkiestrowe wykonywane są przy zasuniętej kurtynie i tam, gdzie to możliwe, bez dodatków i drobne postacie, bohaterowie zostają na scenie sami – muszę przyznać, wyglądają na trochę zagubionych, niemal zagubionych, ale może taki był zamysł reżysera. Ogólnie rzecz biorąc, wygodniej jest mówić o „Damowej pik” Tuminasa-Jatsovskisa-Sokhiewa, że ​​tak powiem, „apofatycznie” - łatwo jest wymienić niedociągnięcia, z których wynika jego stylowa, schludna produkcja, prawie nie mogąca powodować spalenia irytację u kogokolwiek (zwłaszcza jeśli pamiętamy poprzednią, Dodina...), trudniej wskazać jej specyficzne, oryginalne zalety. Żądanie od kogoś jest absurdem Teatr Bolszoj widowisko w duchu „wciągającej promenady”, czyli formatu „Damowej Pikowej”. ten sezon opanował także w Moskwie i na swój sposób z sukcesem:

Ale oczywiście trochę szkoda, że ​​reżyser, który dał takie coś wielki hołd„Mit petersburski” w jego fantastycznej „Maskaradzie” –

Sięgając do „Damowej pik”, ograniczył się do dyskretnej dekoracyjności graficznej, swojej zwyczajowo zweryfikowanej geometrii mise-en-scenes, baletowej plastyczności statystów (odpowiada za to kolejna stała współpracowniczka Rimasa Tuminasa, choreografka Anzhelika Kholina) , ale całkowicie unikał jakiejkolwiek konceptualności, nie podejmował najmniejszej próby paradoksalnego, nieoczekiwanego podejścia do materiału podręcznikowego, wykazywał nadmierną ostrożność. W którym zapewne wielu dostrzeże powód do radości, a nie smutku (znowu, także mając na uwadze świeżą pamięć o „oryginalnej” koncepcji Dodina).

Skład solistów również nie zapowiada rewelacyjnych przełomów i odkryć. Nazwisko Yusifa Eyvazova, które szybko (zbyt szybko) stało się sławne – nie tylko oczywiście dzięki małżeństwu i partnerstwu z Anną Netrebko, ale w w tym przypadku pełni funkcję „niezależnego”. jednostka kreatywna", bez jej wsparcia - pewnie przyciągnie to dodatkowo czyjąś uwagę, ale bez wydarzeń jakość muzyczna Szczerze mówiąc, nie wpływa to na wydajność. Eyvazov nie jest najgorszym tenorem lirycznym, w roli Hermana, powiedzmy, brakuje mu „dramatu” (i w dodatku czystego talentu aktorskiego), ale znowu wracam myślami do poprzedniej wersji „ Królowa pik” i „dramatyzm” Władimira Galuzina, być może preferujecie „liryzm” Eyvazova, zwłaszcza że jego wokal organicznie wpasowuje się w produkcję Tuminasa i odpowiada ogólnemu stylowi stylistycznemu Sochiewa – częściowo według mojego subiektywnego gustu ” przesłodzony” w duchu francuskim późny romantyzm, z wygładzonymi kulminacjami, z momentami nieodpowiednim brzmieniem pianissimo orkiestry, „akwarelą” dopasowaną kolorystycznie do scenografii i ogólnego tonu przedstawienia. Jednocześnie tempo Sochijewa będzie wyraźnie szybsze niż Fedosejewa w „Helikonie” -

Ale to nie kwestia tempa, Pletnevowi w przedstawieniu Fokina (jeszcze na Nowej Scenie Bolszoj, podczas rekonstrukcji Sceny Historycznej) też się nie spieszył, ale jego pauzy i tenuto były pełne zagadek i niepokojów:

Utwór Sochiewa, mimo całej swojej powolności, nie posiada znaczących przerw, podobnie jak nie ma kontrastów charakterystycznych dla rozwiązania muzycznego Jurowskiego Starszego (w osławionej „Damie pik” Dodina); wszystko chodzi płynnie i równomiernie. Ogólnie rzecz biorąc, nowa „Dama pik” Bolszoja okazuje się przeciwieństwem nie tyle nieudanej wersji Dodina, ile raczej dynamicznej, mocnej i zrozumiałej wersji Titel-Lazareva w MAMT:

Aby nie mówić na próżno o wynikach próby generalnej, wspomnę Annę Nechaevę w roli Lisy, ale w zasadzie jest to dobra, godna piosenkarka. Głos Larisy Dyadkovej, która śpiewała niesamowitą liczbę Hrabiny w najróżniejszych wersjach (uczestniczyła także w Dodin), nieco osłabł z wiekiem, ale w Tuminas Hrabina wydaje się stara, jak wcześniej sądzono, i nie spróbuj wyglądać młodziej lub flirtuj z Hermanem (co w Ostatnio stał się komunał za produkcje „Damowej pik”). Najbardziej wyrazisty numery wokalne Punktem kulminacyjnym tego długiego, trzyaktowego przedstawienia była, moim zdaniem, aria Jeleckiego „Kocham cię, kocham cię niezmiernie…”, bezbłędnie zaśpiewana przez Igora Gołowatenko (w oderwaniu od całej świty), scena trzecia, początek II aktu spektaklu.

I w ogóle odcinek „sala balowa” pozwala się czegoś złapać. Tu pojawia się, a nawet częściowo rozwija motyw maski, maskarady, złowrogiego żartu, konceptualizowanego w całości jako „Lermontowa” w przetworzonej przez Czajkowskiego fabule Puszkina. A w „duszpasterstwie” musimy to rozumieć najwyraźniej ci sami „włoscy komicy podróżujący”, którzy przybyli Bóg wie skąd, którzy wcześniej lub mam na myśli później zabawiali ludność (tańce w choreografii Anżeliki Kholiny) w intermezzo „Katerina Izmailova”? Fraza „Zobacz, ile schudłaś” w ustach Poliny-Milovzor (Olesya Petrov) jest ironicznie odgrywana... Na koniec oglądamy chór stojący na samym przodzie sceny, zwrócony do publiczności i lekko w górę (Do pudełko królewskie?), śpiewa „Chwała temu, Katarzyno”, nie można powstrzymać się od zastanowienia: do kogo adresują „Viva”?

Nie ma już o czym myśleć – w pozostałych filmach inscenizacja jest jak najbardziej zbliżona do formatu koncertowego, być może w kostiumach; bywalcy kasyna – nawet ci, którzy biorą udział w „grze” tylko przypadkowo wspinają się na stół, odskakują, wspinają się ponownie – bez zamieszania i podekscytowania; chór po prostu nie wstaje z krzeseł, śpiewa razem z nimi na siedząco. A więc aktywność przedśmiertna pokazana przez Hermana – strzela do siebie, wyrywa spod kombinezonu pistolet, i co za pistolet! - na koniec wydało mi się zbędne.