Ułóż puzzle
Komentarz
Podobny
Ulubione
„Mona Lisa”, „Gioconda” czy „Portret pani Lisy del Giocondo” (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to najsłynniejszy obraz Leonarda da Vinci i być może najsłynniejszy obraz na świecie. Od ponad pięciu stuleci Mona Lisa hipnotyzuje świat swoim uśmiechem, którego naturę próbuje wyjaśnić wielu naukowców i historyków. Według najnowszych danych portret powstał w latach 1503-1519. Istnieją dwie wersje obrazu Leonarda, wcześniejsza znajduje się w prywatnej kolekcji, późniejsza na wystawie w Luwrze.
UWAGI: 47 Pisać
„Mona Lisa”, „Gioconda” czy „Portret pani Lisy del Giocondo” (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to najsłynniejszy obraz Leonarda da Vinci i być może najsłynniejszy obraz na świecie. Od ponad pięciu stuleci Mona Lisa hipnotyzuje świat swoim uśmiechem, którego naturę próbuje wyjaśnić wielu naukowców i historyków. Według najnowszych danych portret powstał w latach 1503-1519.
Istnieją dwie wersje obrazu Leonarda, wcześniejsza znajduje się w prywatnej kolekcji, późniejsza na wystawie w Luwrze. Według jednej wersji modelem Leonarda nie była Lisa Gherardini, ale uczennica artysty Salay, którego wizerunek można znaleźć na wielu obrazach Leonarda, ale większość historyków nadal zgadza się, że jest to portret Lisy Gherardini (Lisa del Giocondo), żona florenckiego kupca Francesco del Giocondo.
„Mona Lisa” była jednym z wybranych dzieł, z którym sam malarz się nie rozstawał. Niektórzy znawcy uważają Giocondę za kwintesencję nie tylko twórczości da Vinci, ale także jego światopoglądu i filozofii.
Inne wersje
Tajemnica Mony Lisy
Dziś każdy może zamówić dla siebie portret w przystępnej cenie. Jednak jeszcze kilkadziesiąt lat temu na taki luksus mogły sobie pozwolić tylko dość zamożne osoby.
W okresie renesansu za prestiż uważano możliwość zamówienia portretu u artysty. Taka usługa była dość droga, dlatego jej obecność we wnętrzu podkreślała wysoki status społeczny osoby i przekonująco świadczyła o jej materialnym bogactwie.
„Mona Lisa” Leonarda da Vinci, znana również jako „Gioconda”, słusznie uważana jest za najbardziej rozpoznawalny portret na całym świecie. Każdego roku tysiące ludzi z różnych krajów przyjeżdżają do Paryża i odwiedzają Luwr, aby na własne oczy zobaczyć to arcydzieło. Leonardo Da Vinci pozostawił światu nie tylko portret kobiety, ale tajemnicę. Geniusz nie pozostawił żadnej wzmianki o swojej pracy, ale wielu krytyków sztuki zgodnie zgadza się, że artysta rozpoczął pracę nad portretem w 1503 roku. Istnieje hipoteza, że obraz powstał na zamówienie bogatego florenckiego kupca handlującego jedwabnymi tkaninami Francesca del Giocondo i jego żony Lisy. Jednak z nieznanych przyczyn portret nie został dostarczony klientowi.
Naukowcy sugerują, że portret powstał na cześć jakiegoś wydarzenia. Być może został zamówiony przez Francesco del Giocondo do dekoracji nowego domu, który kupił w 1503 roku. A może obraz został namalowany na cześć narodzin drugiego dziecka w rodzinie Giocondo - Andrei, który urodził się w grudniu 1502 roku, trzy lata po śmierci córki w 1499 roku.
Historia powstania portretu wciąż pozostaje tajemnicą. Do tej pory nie ma wystarczająco uzasadnionej wersji tego, jaka kobieta jest przedstawiona na płótnie i czy naprawdę istniała. Według współczesnych Da Vinci nigdy się z nim nie rozstał, a nawet zabrał go ze sobą do Francji na dwór królewski. Dopiero umierający artysta zmuszony był rozstać się z portretem, przekazując go przyjacielowi i mecenasowi, królowi Franciszkowi I, który później dodał obraz do swojej osobistej kolekcji.
Tajemniczy uśmiech „Mony Lisy” stał się przedmiotem inspiracji dla wielu kreatywnych osób. Na pierwszy rzut oka na portret wydaje się, że jego bohaterka uśmiecha się zalotnie, ale jeśli przyjrzeć się bliżej, widać, że na twarzy kobiety nie ma nawet cienia uśmiechu.
Czy Mona Lisa się uśmiecha, czy nie? Częściowo. Takiej odpowiedzi na to pytanie udzielają najbardziej znani badacze sztuki, którzy przez wiele lat badali obraz. Sugerują, że patrząc na portret, widz zwraca przede wszystkim uwagę na oczy Mony Lisy, a wszystko inne, łącznie z jej ustami, znajduje się w polu widzenia peryferyjnego. Widząc peryferyjnie, osoba nie rozróżnia wyraźnie szczegółów, ale widzi czarno-białe kolory, a także cienie i ruch. Dlatego z powodu cieni na policzkach i kącikach ust Mony Lisy wydaje się, że jej usta są uniesione w półuśmiechu.
Oczywiście postrzeganie pewnych emocji, a także piękna zależy od widza, więc nikt nie może z całą pewnością stwierdzić, czy Mona Lisa na zdjęciu się uśmiecha, czy odwrotnie, jest pogrążona w melancholii.
Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura renesansu (renesans) Zamieszczono 02.11.2016 16:14 Wyświetleń: 2542„Mona Lisa” („La Gioconda”) Leonarda da Vinci to do dziś jeden z najsłynniejszych obrazów sztuki zachodnioeuropejskiej.
Jej głośna sława wiąże się zarówno z wysokimi walorami artystycznymi, jak i atmosferą tajemniczości, jaka otacza to dzieło. Tajemnicę tę zaczęto przypisywać obrazowi już nie za życia artysty, ale w kolejnych stuleciach, rozpalając zainteresowanie nim sensacyjnymi doniesieniami i wynikami badań nad obrazem.
Uważamy za słuszne przeprowadzenie spokojnej i wyważonej analizy meritum tego obrazu oraz historii jego powstania.
Najpierw o samym obrazie.
Opis obrazka
Leonardo da Vinci „Portret pani Lisy Giocondo. Mona Lisa” (1503-1519). Deska (topola), olej. 76x53 cm Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia kobietę (portret w połowie długości). Siedzi na krześle ze złożonymi dłońmi, jedną ręką spoczywa na jego podłokietniku, a drugą na górze. Odwróciła się na krześle prawie twarzą do widza.
Jej gładkie włosy z przedziałkiem pośrodku są widoczne przez zarzucony na nie przezroczysty welon. Opadają na ramiona dwoma rzadkimi, lekko pofalowanymi pasmami. Żółta sukienka, ciemnozielona peleryna...
Niektórzy badacze (w szczególności Boris Vipper, rosyjski, łotewski, radziecki historyk sztuki, pedagog i muzealnik, jeden z założycieli narodowej szkoły zachodnioeuropejskich historyków sztuki) zwracają uwagę, że ślady mody Quattrocento widoczne są w twarzy Mony Lisy: jej brwi są ogolone, a włosy na czubku czoła.
Mona Lisa siedzi w fotelu na balkonie lub loggii. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i zawierać dwie boczne kolumny loggii. Być może sam autor to zawęził.
Za Mona Lisą znajduje się pustynny obszar z krętymi strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami; teren rozciąga się do wysokiej linii horyzontu. Ten krajobraz daje obraz majestatu i duchowości kobiety.
V. N. Grashchenkov, rosyjski krytyk sztuki specjalizujący się w sztuce włoskiego renesansu, uważał, że Leonardo, w tym dzięki krajobrazowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mona Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd zewnętrzny i struktura psychiczna konkretnej osoby jest przez niego przekazywana z niespotykaną dotąd syntetycznością… „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widoczny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawionych abstrakcyjnie z ich indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwie zauważalnym ruchem, który jak lekkie zmarszczki biegnie po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można odgadnąć całe bogactwo możliwości fizycznej i duchowej egzystencji.
Słynny uśmiech Mony Lisy
Uśmiech Mony Lisy jest uważany za jedną z głównych tajemnic obrazu. Ale czy tak jest naprawdę?
Uśmiech Mony Lisy (fragment obrazu) – Leonardo da Vinci
Ten lekki błądzący uśmiech można znaleźć w wielu pracach samego mistrza oraz wśród Leonardesques (artystów, których styl pozostawał pod silnym wpływem maniery Leonarda z okresu mediolańskiego, którzy byli wśród jego uczniów lub po prostu przejęli jego styl). Oczywiście w "Monie Lisie" osiągnęła swoją doskonałość.
Spójrzmy na kilka zdjęć.
F. Melzi (uczeń Leonarda da Vinci) „Flora”
Ten sam beztroski uśmiech.
Obraz „Święta Rodzina”. Wcześniej przypisywano go Leonardowi, ale teraz nawet Ermitaż uznał, że jest to dzieło jego ucznia Cesare da Sesto
Ten sam lekki błądzący uśmiech na twarzy Maryi Panny.
Leonardo da Vinci „Jan Chrzciciel” (1513-1516). Luwr (Paryż)
Tajemniczy jest również uśmiech Jana Chrzciciela: dlaczego ten surowy Prekursor uśmiecha się i wskazuje w górę?
Kto był pierwowzorem Mony Lisy?
Jest informacja anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda da Vinci, do której powołuje się Vasari. To właśnie ten anonimowy autor pisze o handlarzu jedwabiem Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony.
Ale jakich opinii nie było na temat identyfikacji modelu! Było wiele założeń: jest to autoportret samego Leonarda, portret matki artysty Kateriny, nazywano różne nazwiska współczesnych i współczesnych artysty ...
Ale w 2005 roku naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu, badając notatki na marginesach tomu florenckiego urzędnika, znaleźli wpis: „... teraz da Vinci pracuje nad trzema obrazami, z których jeden jest portretem Lisy Gherardini”. Żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo była Lisa Gherardini. Obraz został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin drugiego syna. Ta zagadka jest prawie rozwiązana.
Historia obrazu i jego perypetie
Pełny tytuł obrazu Ritratto di Monna Lisa del Giocondo„(Włoski) -„ Portret pani Lisy Giocondo ”. Po włosku mam donnę Oznacza " moja pani”, w skróconej wersji, to wyrażenie zostało przekształcone monna Lub mona.
Ten obraz zajmował szczególne miejsce w twórczości Leonarda da Vinci. Po spędzeniu na nim 4 lat i opuszczeniu Włoch w dojrzałym wieku artysta zabrał ją ze sobą do Francji. Możliwe, że nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku. W tym przypadku ukończył go na krótko przed śmiercią w 1519 roku.
Następnie obraz był własnością jego ucznia i asystenta Salai.
Salai na rysunku Leonarda
Salai (zm. 1525) pozostawił obraz swoim siostrom mieszkającym w Mediolanie. Nie wiadomo, w jaki sposób portret trafił z Mediolanu do Francji. Król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salai i trzymał go w swoim Château de Fontainebleau, gdzie pozostawał aż do czasów Ludwika XIV. Przeniósł go do Pałacu Wersalskiego, po rewolucji francuskiej w 1793 roku obraz trafił do Luwru. Napoleon podziwiał La Gioconda w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, a potem wróciła do muzeum.
Podczas II wojny światowej obraz został przeniesiony z Luwru do Château d'Amboise (gdzie zmarł i został pochowany Leonardo), następnie do opactwa Loc Dieu, a następnie do Muzeum Ingres w Montauban. Po zakończeniu wojny Gioconda wróciła na swoje miejsce.
W dwudziestym wieku obraz pozostał w Luwrze. Dopiero w 1963 roku odwiedziła USA, aw 1974 - Japonię. W drodze z Japonii do Francji Mona Lisa została wystawiona w Muzeum. A. S. Puszkin w Moskwie. Te wyjazdy zwiększyły jej sukces i sławę.
Od 2005 roku znajduje się w osobnym pomieszczeniu w Luwrze.
Mona Lisa za kuloodpornym szkłem w Luwrze
21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez włoskiego pracownika Luwru, Vincenzo Perugię. Być może Perugia chciała przywrócić Giocondę do jej historycznej ojczyzny. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Była wystawiana w kilku włoskich miastach, a następnie wróciła do Paryża.
Doświadczyli „La Gioconda” i aktów wandalizmu: oblali ją kwasem (1956), rzucili w nią kamieniem, po czym ukryli ją za kuloodporną szybą (1956), a także glinianym kubkiem (2009), próbowali spryskać obraz czerwoną farbą z puszki ze sprayem (1974).
Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy, a także artyści awangardowi XX wieku. zaczął bezlitośnie eksploatować wizerunek Mony Lisy. Ale to zupełnie inna historia.
„Gioconda” jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretowego włoskiego renesansu.
Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach dla rozrywki czytelników. Tekst Vasariego zawiera również dokładny opis brakujących brwi na obrazie. Ta nieścisłość mogłaby powstać tylko wtedy, gdyby autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych. Aleksey Dzhivelegov pisze, że wskazanie Vasariego, że „praca nad portretem trwała cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo nie przebywał we Florencji tak długo po powrocie z Cezara Borgii, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał ją przez pięć lat. Naukowiec pisze również o błędnym wskazaniu niekompletności portretu - „portret niewątpliwie był malowany przez długi czas i doprowadzony do końca, bez względu na to, co powiedział Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artysta, który w zasadzie nie mógł ukończyć żadnego większego dzieła. I nie tylko został ukończony, ale jest to jedna z najstaranniej wykończonych rzeczy Leonarda.
Ciekawostką jest fakt, że w swoim opisie Vasari podziwia talent Leonarda do oddawania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo między modelem a malarstwem. Wydaje się, że ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na gościach pracowni artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.
Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, chociaż Leonardo wyjechał z Włoch do Francji w 1516 roku, zabierając ze sobą obraz. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w zbiorach francuskiego króla Franciszka I, ale nie jest jasne, kiedy i jak go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.
Inny
Być może artysta tak naprawdę nie dokończył obrazu we Florencji, ale zabrał go ze sobą, wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnie pociągnięcie pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym powiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, to ukończył go na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos-Luce w pobliżu królewskiego zamku Amboise).
Choć informacje o tożsamości kobiety podaje Vasari, to przez długi czas istniała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:
Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu przestudiowali notatki na marginesach tomu należącego do florenckiego urzędnika, osobistego znajomego artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym malarzem starożytnej Grecji Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisy Gherardini. Obraz, jak dowodzą naukowcy w tym przypadku, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna o imieniu Andrea.
Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, więc portret jest prawie w połowie długości. Fotel, w którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu widoczna jest za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i mieścił dwie boczne kolumny loggii, z których obecnie wychodzą dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.
Loggia wychodzi na opustoszałe pustkowie meandrujących strumieni i jeziora otoczonego ośnieżonymi górami, które rozciąga się na wysoką linię horyzontu za postacią. „Mona Lisa przedstawiona jest siedząc w fotelu na tle pejzażu, a już samo porównanie jej postaci, która jest bardzo blisko widza, z pejzażem widocznym z daleka, jak ogromna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. Temu samemu wrażeniu sprzyja kontrast zwiększonej plastycznej namacalności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z pejzażem przechodzącym w mglistą dal, niczym wizja, z dziwacznymi skałami i wijącymi się wśród nich kanałami wodnymi.
Kompozycja
Boris Vipper pisze, że mimo śladów Quattrocento „swoim ubiorem z małym wycięciem na piersi i rękawami w swobodnych fałdach, zupełnie jak przy wyprostowanej postawie, lekkim obrocie ciała i delikatnym ruchu rąk , Mona Lisa należy całkowicie do epoki stylu klasycznego”. Michaił Alpatow zwraca uwagę, że „La Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półfigura tworzy coś całości, złożone dłonie dopełniają obrazu. Teraz oczywiście nie mogło być mowy o kapryśnych lokach wczesnego Zwiastowania. Jednak bez względu na to, jak złagodzone są wszystkie kontury, falujący kosmyk włosów Gioconda współgra z przezroczystym welonem, a zwisająca tkanina przerzucona przez ramię znajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo wykazuje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.
Stan aktulany
„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik tendencji autora do eksperymentowania z farbami, z powodu którego fresk „ Ostatnia wieczerza„Ogólnie rzecz biorąc, prawie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, rysunkiem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Przyjmuje się np., że początkowo rękawy jej sukni mogły być czerwone - co widać na kopii obrazu z Prado.
Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą go już pokazywać na wystawach: „Na obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy”.
Analiza
Technika
Jak zauważa Dzhivelegov, do czasu stworzenia Mona Lisy, umiejętności Leonarda „weszły już w fazę takiej dojrzałości, kiedy wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym zostały ustalone i rozwiązane, kiedy Leonardo zaczął myśleć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługują na to, by się nimi zająć. A kiedy znalazł w twarzy Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych zadań techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał za pomocą technik już wcześniej opracowanych i przetestowanych przez niego, zwłaszcza za pomocą swoich słynnych sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, aby do końca odsłoniły wewnętrzny świat człowieka. Boris Whipper zadaje pytanie, „w jaki sposób osiąga się tę duchowość, tę niegasnącą iskrę świadomości na obraz Mony Lisy, należy zatem wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mówić, że „modelarstwo jest duszą malarstwa”. To właśnie sfumato tworzy mokre spojrzenie Giocondy, jej lekki jak wiatr uśmiech i niezrównaną pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. Leonardo zalecał w tym celu umieszczenie między źródłem światła a ciałami, jak to określa, „rodzaj mgły”.
Alpatov dodaje, że „w miękko topniejącej mgiełce spowijającej twarz i postać Leonardo zdołał wywołać wrażenie nieograniczonej zmienności ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to ze względu na zacienienie jej oczodołów można by pomyśleć, że są lekko zmarszczone; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach rysują się ledwie dostrzegalne cienie, które każą wierzyć, że co minutę otworzą się, uśmiechną, przemówią. Już sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niekonsekwencji jej przeżyć. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostała ani jedna ostra kreska, ani jeden kanciasty kontur; i choć krawędzie przedmiotów są w nim wyraźnie wyczuwalne, wszystkie one rozpuszczają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półmroku.
Sceneria
Krytycy sztuki podkreślają organiczność, z jaką artysta łączył portretowe cechy osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojność portretu.
Vipper uważa krajobraz za drugi środek, który tworzy duchowość obrazu: „Drugim środkiem jest związek między postacią a tłem. Fantastyczny, skalisty, jakby widziany przez morską wodę pejzaż na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niewiarygodnie bliska i namacalna, a krajobraz postrzegamy jako promieniowanie jej własnego snu.
Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, także dzięki krajobrazowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura psychiczna konkretnej osoby są im przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm koresponduje z kosmiczną abstrakcją pejzażu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek śladów obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu nie tylko wszystkie kontury postaci i krajobrazu oraz wszystkie odcienie kolorów są złagodzone. W najsubtelniejszych, prawie niedostrzegalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego zostaje złagodzona do granic możliwości, roztopiona i gotowa do zaniku. (...) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widoczny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawionych abstrakcyjnie z ich indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwie zauważalnym ruchem, który jak lekkie zmarszczki biegnie po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można odgadnąć całe bogactwo możliwości fizycznej i duchowej egzystencji.
„Mona Lisa” utrzymana jest w złotobrązowych i czerwonawych tonach pierwszego planu oraz szmaragdowo zielonych tonach w oddali. „Przezroczyste, jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ludzką ręką, ale tą wewnętrzną siłą materii, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, ta praca z czasem pociemniała, a jej proporcje kolorów nieco się zmieniły, jednak nawet teraz wyraźnie widać przemyślane porównania odcieni goździków i ubrań oraz ich ogólny kontrast z niebieskawo-zielonym. „podwodny” ton krajobrazu .
Uśmiech Giocondy
Historyk sztuki Rotenberg uważa, że „niewiele jest portretów w sztuce światowej, które dorównują Mona Lisie pod względem siły wyrażania osobowości człowieka, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To niezwykła intensywność intelektualna portretu Leonarda odróżnia go od portretowych obrazów Quattrocento. Ta jego cecha jest dostrzegana tym ostrzej, że odnosi się do portretu kobiecego, w którym postać modelki została wcześniej ujawniona w zupełnie innym, głównie lirycznym tonie figuratywnym. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia wolności osobistej, duchowej harmonii człowieka opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości ani pogardy; jest postrzegany jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.
Boris Whipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolonego czoła być może nieświadomie potęguje dziwną tajemniczość jej wyrazu twarzy. Dalej pisze o sile oddziaływania obrazu: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mona Lisy, jej naprawdę niezrównany efekt hipnotyczny, to odpowiedź może być tylko jedna - w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwstawne interpretacje zostały umieszczone w uśmiechu Mony Lisy. Chcieli w nim odczytać dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy poszukiwano za wszelką cenę indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo osiągnął właśnie typową duchowość. Po drugie, co jest chyba jeszcze ważniejsze, próbowali przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona intelektualne korzenie. Cud Mona Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną tablicą, nieodparcie odczuwamy obecność obdarzonej rozumem istoty, z którą można rozmawiać i od której można oczekiwać odpowiedzi.
Lazarev przeanalizował to jako naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową formułą psychologicznego odrodzenia, formułą, która przebiega jak czerwona nić przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później w rękach swoich uczniów i naśladowców stał się pieczęcią tradycyjną. Podobnie jak proporcje figur Leonarda, zbudowana jest na najdrobniejszych miarach matematycznych, na ścisłym uwzględnieniu walorów wyrazu poszczególnych partii twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i właśnie na tym polega siła jego uroku. Zabiera z twarzy wszystko, co twarde, napięte, zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych doznań emocjonalnych, w swej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do płynącej po wodzie fali.
Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Ktokolwiek przedstawia obrazy Leonarda, pojawia się w nim wspomnienie dziwnego, zniewalającego i tajemniczego uśmiechu, który czai się na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech, zastygły na wydłużonych, drżących ustach, stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „Leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda przede wszystkim urzeka i dezorientuje widza. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł najbardziej różnorodną, z której żadna nie była zadowalająca. (…) Przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy łączyły się dwa różne elementy, zrodziło się wielu krytyków. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki dostrzegli najdoskonalszy obraz antagonizmu, jaki rządzi życiem miłosnym kobiety, powściągliwości i uwodzenia, ofiarnej czułości i lekkomyślnie żądającej zmysłowości, pochłaniającej mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w obliczu Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogą groźbę.
Demoniczny urok tego uśmiechu szczególnie fascynuje widza. Setki poetów i pisarzy pisało o tej kobiecie, która wydaje się uwodzicielsko uśmiechnięta, potem zastygła, chłodno i bezdusznie patrząc w przestrzeń, i nikt nie odgadł jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).
Miejsce w rozwoju gatunku
„Mona Lisa” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł gatunku portretowego, które wpłynęło na dzieła Wielkiego Renesansu i pośrednio przez nie – na cały późniejszy rozwój gatunku portretowego, który „powinien zawsze powracać do Mona Lisy jako nieosiągalny, ale obowiązujący model”.
Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie szereg znaczących dzieł tego gatunku, to ich dokonania w dziedzinie portretu były niewspółmierne do dokonań w głównych gatunkach malarskich – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretowego była widoczna już w samej „ikonografii” wizerunków portretowych. W rzeczywistości dzieła portretowe z XV wieku, z całym ich niepodważalnym podobieństwem fizjonomicznym i emanującym z nich poczuciem wewnętrznej siły, nadal wyróżniały się zewnętrznymi i wewnętrznymi ograniczeniami. Całe to bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, które charakteryzuje biblijne i mitologiczne obrazy malarzy XV wieku, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego można dostrzec we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) W porównaniu z nimi portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy w swoim znaczeniu stał się na równi z najbardziej żywymi obrazami innych gatunków malarskich.
W swojej pionierskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka do charakteryzacji psychologicznej. Wykonawszy portret w formacie pokoleniowym, artysta był w stanie zademonstrować szerszy zakres technik malarskich. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów idei przewodniej. „Głowa i ręce są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęca się resztę jego elementów. Baśniowy krajobraz jakby świeci przez wody morskie, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jego głównym celem nie jest odciąganie uwagi widza od twarzy. I ta sama rola jest powołana do spełnienia szaty, która rozpada się na najmniejsze fałdy. Leonardo świadomie unika ciężkich draperii, które mogłyby przysłonić wyrazistość dłoni i twarzy. Tym ostatnim każe więc występować ze szczególną siłą, im bardziej, im skromniejszy i bardziej neutralny jest pejzaż i strój, upodabniany do cichego, ledwie zauważalnego akompaniamentu.
Uczniowie i zwolennicy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Niektóre z nich (z kolekcji Vernona, USA; z kolekcji Waltera, Baltimore, USA; i od pewnego czasu Mona Lisa z Isleworth, Szwajcaria) są uznawane przez ich właścicieli za autentyczne, a obraz w Luwrze jest kopią. Istnieje również ikonografia „Aktu Mony Lisy”, reprezentowana przez kilka opcji („Piękna Gabriela”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej wykonana przez własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, napisana przez samego mistrza.
Po tym, jak Mona Lisa zyskała niesamowitą popularność dzięki kradzieży w 1911 r. (patrz sekcja poniżej), artyści zwrócili na nią uwagę, czyniąc z niej przedmiot eksperymentów i nadając jej popularności dodatkowy impuls. „Malewicz i Duchamp przeciwstawili swoją antysztukę eksperymentu tradycyjnej sztuce ze wszystkimi jej „burżuazyjnymi” wartościami. Opinia publiczna została do głębi obrażona, a Mona Lisa stała się jeszcze bardziej sławna.
- Kazimierz Malewicz w 1914 roku wykonał kolaż „Kompozycja z Moną Lisą”, w którym dwukrotnie przekreślił wizerunek jej reprodukcji i napisał u góry „Częściowe zaćmienie”.
- Dadaista Marcel Duchamp w 1919 roku stworzył L.H.O.O.Q. , który był reprodukcją słynnego obrazu z wąsami. Nazwa ukryła smutek: jeśli szybko powiesz „L.H.O.O.Q.”, to po francusku otrzymasz frazę „Elle a chaud au cul”(„ma gorący tyłek”, czyli „dziewczyna jest bardzo podniecona”).
- Fernand Léger w 1930 roku namalował Mona Lisę z kluczami.
- Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, na którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
- Salvador Dali w 1964 roku namalował „Autoportret” jako Mona Lisa.
Światowa trasa koncertowa Mony Lisy w latach 60. XX wieku przyczyniła się do globalizacji jej sławy (patrz poniżej). Znalazło to odzwierciedlenie w sztuce: „Amerykańscy artyści awangardowi nie obalili Mony Lisy z piedestału, jak kiedyś zrobili to ich europejscy odpowiednicy. Wręcz przeciwnie, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg i inne gwiazdy pop-artu zaczęły eksploatować wizerunek Mony Lisy w taki sam sposób, jak inne wytwory kultury popularnej – od puszki zupy Campbella po Marilyn Monroe.
- Andy Warhol w 1963 i 1978 roku stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisa” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” (1963).
- Przedstawiciel sztuki figuratywnej Fernando Botero w 1959 roku napisał „Mona Lisa, wiek dwunastu lat”, aw 1963 roku stworzył wizerunek Mony Lisy w zwykły sposób, wyolbrzymiając jej wagę.
- Jasper Johns wykorzystał jej podobiznę na rysunku 7 w 1968 roku.
- Robert Rauschenberg stworzył Pneumonia Lisa w 1982 roku.
- Słynny artysta graffiti, Banksy, stworzył rysunek Mony Lisy, przedstawiający ją w pełnym rozkwicie, odwróconą tyłem do widza, podnoszącą rąbek i pokazującą nagi tyłek. Jest także właścicielem "Mona Lisa Mujaheddin" - Gioconda z granatnikiem.
W nowym czasie
Lokalizacja
Do dnia jego śmierci w 1525 roku asystent Leonarda (i prawdopodobnie kochanek) o imieniu Salai posiadał, sądząc po wzmiankach w jego osobistych dokumentach, portret kobiety zwanej „Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez jego nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom mieszkającym w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, jak w tym przypadku portret trafił z Mediolanu z powrotem do Francji. Nie wiadomo też kto i kiedy dokładnie odciął brzegi obrazu z kolumnami, który według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniał w pierwotnej wersji. W przeciwieństwie do innej kadrowanej pracy Leonarda – „Portret Ginevra Benchi”, której dolna część została odcięta, bo ucierpiała z powodu wody lub ognia, w tym przypadku przyczyny miały najprawdopodobniej charakter kompozycyjny. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.
Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salai (za 4000 écu) i trzymał go w swoim Château de Fontainebleau, gdzie pozostawał aż do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przeniósł ją do pałacu wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru w 1793 roku. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w pałacu Tuileries, po czym wróciła z powrotem do muzeum. W czasie II wojny światowej ze względów bezpieczeństwa obraz przewieziono ze względów bezpieczeństwa z Luwru do zamku Amboise (miejsce śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu i wreszcie do Muzeum Ingres w Montauban, z gdzie po zwycięstwie powrócił bezpiecznie na swoje miejsce.
Jedna z tajemnic związana jest z głębokim przywiązaniem, jakie autorka żywiła do tego dzieła. Padały różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo przeciągał pracę, by zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzhivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w nim punkt zastosowania wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz sekcja Technika). Pomimo tego, że „Mona Lisa” była wysoko ceniona przez współczesnych artystce, w przyszłości jej sława przygasła. Obraz został szczególnie zapamiętany dopiero w połowie XIX wieku, kiedy to artyści bliscy symbolizmowi zaczęli go wychwalać, kojarząc go ze swoimi wyobrażeniami na temat kobiecej tajemnicy. Krytyk Walter Pater w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku wyraził swoją opinię, opisując postać na obrazie jako rodzaj mitycznego ucieleśnienia wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, między którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałem sekrety życia pozagrobowego”.
Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później, dzięki czemu nie zszedł z łamów gazet. Krytyk sztuki Grigorij Kozłow w swoim studium „Próba sztuki” w rozdziale „La Gioconda. Jak zostać gwiazdą szczegółowo opisuje jej drogę do sławy na przestrzeni wieków. Porównuje jej sławę do rozprzestrzeniania się kręgów na wodzie z przewróconego kamienia i zwraca uwagę, że na przestrzeni wieków chwała ta przechodziła przez kilka etapów:
- I krąg: artyści i krytycy (XVI w.). Współcześni Leonarda, którzy zajmowali się sztuką, bardzo docenili tę pracę. Wśród wielbicieli „Mony Lisy” byli Raphael, Vasari i inni.
- II krąg: królowie (XVI-XVIII w.). Lokacja w zbiorach Franciszka I Francuskiego (który powiesił ją w swoim ulubionym pokoju - łaźni), potem jej wędrówka po pałacach królewskich (Fontainebleau, Luwr, Wersal, Tuileries). Jednak do XVIII wieku pociemniał i został całkowicie zapomniany, ale rewolucja francuska wszystko zmieniła - obraz został skonfiskowany dla pierwszego na świecie publicznego muzeum w Luwrze, gdzie Fragonard zobaczył go i docenił, zaliczając do najcenniejszych obrazów muzeum. Napoleon, dochodząc do władzy, zabrał ją do swojej sypialni, która stała się dla niej „odskocznią do chwały”, ale po zostaniu cesarzem po 3 latach zwrócił ją do Luwru, który został nazwany jego imieniem. Jednak obraz był dobrze znany tylko koneserom i bynajmniej nie był uważany za najlepsze dzieło artysty.
- III krąg: inteligencja (XIX w.). W Luwrze „Mona Lisa” nie od razu zajęła wiodące miejsce - „primadonną” muzeum było „Wniebowstąpienie Marii Panny” Murillo (obecnie w Prado). Po raz pierwszy na obrazie przedstawiającym wnętrze Luwru pojawiła się w 1833 roku (art. S. Morse). Decydującą rolę na tym etapie odegrali pisarze romantyczni, którzy odnaleźli w niej ideał femme fatale stworzony przez Leonarda, którego czcili (Walter Pater, Theophile Gaultier – który „wymyślił” uśmiech, Jules Verne – który wynalazł miłość autora historia dla modelki i trójkąt miłosny z mężem). „Odkrycie” uśmiechu stało się „odkryciem” obrazu dla intelektualistów. Wynalazek fotografii przyczynił się do rozpowszechnienia reprodukcji. „Intelektualiści epoki wiktoriańskiej stali się kultem, który czcił tajemniczą i śmiertelną kobietę, której zdjęcie trzymali na biurku. Słowa Waltera Patera: „Ta, która jest starsza niż skały…” – stały się ich hasłem. Europejski bestseller Mereżkowskiego Zmartwychwstali bogowie o Leonardzie podjął ten temat.
- 4 krąg: tłum (od 1911). Jakościowy skok w sławie obrazu wiąże się z jego kradzieżą i zwrotem (patrz rozdział poniżej). Wtedy awangardowi artyści zrobili krok, wybierając ją jako obiekt swoich eksperymentów.
- Piąty krąg: wiek globalizacji (II połowa XX wieku). De Gaulle, wysyłając obraz w 1962 roku jako „dyplomata” do Stanów Zjednoczonych, przyczynił się do dalszej sławy. Jacqueline Kennedy była osobistą patronką słynnego dzieła Leonarda podczas wizyty „Mony Lisy”, a media porównywały obie panie – Giocondę i Jacqueline, nazywając drugą współczesną amerykańsko-francuską Mona Lisą. Amerykę ogarnęła Giocondomania, po czym obraz pojawił się w reklamie i stał się znakiem towarowym. A amerykańscy artyści (Warhol, Rauschenberg itp.) Wprowadzili ją w pop-art, jak Marilyn Monroe. Podczas dalszej wycieczki po obrazie, który został szczegółowo opisany w prasie, zobaczyły go miliony, na przykład w ZSRR oglądało go 4600 osób dziennie. Próbowano jej wielokrotnie (zobacz sekcję Wandalizm poniżej), a każdy incydent jeszcze bardziej obracał kołem zamachowym sławy.
Kradzież
Mona Lisa od dawna byłaby znana tylko koneserom sztuk pięknych, gdyby nie jej wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę.
Współczesny jej perypetiom krytyk Abram Efros pisał: „...strażnik muzealny, który nie oddalił się od obrazu od czasu jego powrotu do Luwru po uprowadzeniu w 1911 roku, nie strzeże ani portretu Żona Francesca del Giocondo, ale obraz pół-człowieka, pół-węża, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego w zimnej, nagiej, skalistej przestrzeni, która rozciągała się za jego plecami.
Wandalizm
- W 1956 r. dolna część obrazu została uszkodzona, gdy zwiedzający oblał ją kwasem.
- 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (stratę odnotowano później). Następnie Mona Lisa była chroniona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami.
- W kwietniu 1974 roku na wystawie w Tokio kobieta, zaniepokojona polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych (których nie wpuszczono na wystawę w celu zwiększenia pojemności sali), próbowała spryskiwać czerwoną farbą z puszki.
- 2 kwietnia 2009 r. Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwa francuskiego, rzuciła w szklankę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.
w kulturze
- Na jej cześć nazwano krater Mona Lisa na Wenus.
- Kradzież Mony Lisy jest poświęcona opowiadaniu Georg Game „The Thief” (), od którego pochodzi nazwa zbioru opowiadań o tym samym tytule.
- Vladimir Mayakovsky, Cloud in Pants: „...jesteś Giocondą, którą trzeba ukraść! I ukradli” (napisane pod świeżym wrażeniem porwania i zwrotu obrazu).
Możemy go stworzyć w Paryżu, w Luwrze. Rzędy podłużnych galerii na ścianach - cenne dowody twórczego geniuszu człowieka; każdy szkic, każda głowa jest magazynem historycznej przeszłości, żywym świadectwem nielicznych wybranych.
Przejdź przez amfiladę sal, a dojdziesz do małej galerii, zwanej Salą Kwadratową, która kontynuuje te długie galerie, ale wszystko jest od nich oddzielone. Na jego ścianach jest tylko pewna liczba obrazów, pośrodku pewna liczba miękkich foteli, a przed obrazem pośrodku, na lewo od wejścia, przed z Mony Lisy.
Niektórzy goście siedzą w milczeniu, patrząc i myśląc być może o baśniach i legendach, które powstały w ciągu 400 lat dzięki temu wyjątkowemu obrazowi, a jeśli mają okazję istnieć, próbują dostrzec w myślach całe piękno tego zachwycającego arcydzieło, najsłynniejsze dzieło sztuk pięknych i oczywiście jedno z największych dzieł człowieka.
W pobliżu tego obrazu otaczające go piękne płótna bledną i tracą swój rodzimy urok. Rafael, Tycjan, Perugino – tutaj wydają się być tylko szlachetną oprawą, szlachetnymi towarzyszami tego znakomitego arcydzieła.
Czyż nie są one z tamtej epoki? Czy ich twórcy nie byli w żaden sposób fanami tego wielkiego obrazu?
Raphael, ten wieczny geniusz, ten znakomity rysownik, był zagorzałym wielbicielem Mona Lisy Leonarda i zainspirowany tym arcydziełem pozostawił nam swój własny szkic tego obrazu.
Wisząca w Luwrze, otoczona pięknymi obrazami Rafaela i Perugino, Mona Lisa jest wielkim centrum atrakcji dla gości, tylko krata; wśród nich są koneserzy sztuki i uznania, turyści i po prostu słodcy wyznawcy.
Jak prawie wszystkie obrazy z tego okresu, portret ten nie uniknął niszczycielskiego działania opóźnień i defektów spowodowanych rękami nieudolnych konserwatorów. Jednak mimo wszystko nie stracił swojej szczególnej urody i atrakcyjności, a jego piękna twarz nadal emanuje pogodnym i urzekającym uśmiechem.
Głowa ma tylko 30 cali wysokości, a Mona Lisa jest pokazana siedząca na niskim składanym krześle; jej ciało jest obrócone w lewo, w lewo. Mrówka. lewa prawa ręka spoczywa na lewym przedramieniu. Twarz jest zwrócona w stronę widza nieco przed kątem, podczas gdy brązowe oczy patrzą prosto na ciebie.
Brązowe włosy, z przedziałkiem pośrodku i równo zaczesane do skroni, opadają jej na ramiona pięknymi, miękkimi lokami. Bezbarwny welon jest zarzucany na głowę i zawija się na ramionach. Na początku suknia była koloru zielonego z najgłębszym dekoltem, ożywiana najjaśniejszymi rękawami, które gdy tylko powstawały, były żółtawe.
W tle zapierający dech w piersiach widok z kopcami i pagórkami, ciągnący się w oddali ciepłymi i miękkimi tonami, nad nim jednolicie rozjaśniające się niebo. 2 kolumny zgodnie z krawędziami widoku są zasłonięte bieżącą krawędzią obrazu. Na tym płótnie wszystkie szczegóły są wspaniałe, ale wcześniejsze zainteresowanie oddaje tylko twarz.
Obrazu nie da się opisać słowami: im dłużej na niego patrzysz, tym bardziej rośnie jego wpływ na ciebie i zaczynasz odczuwać ten niezwykły urok, który ujarzmił tak wielu ludzi na przestrzeni wieków.
Rozpoznawalny włoski projektant i historyk Vasari, żyjący w tej wspaniałej epoce, tak pisał o Monie Lisie: „Leonardo zgodził się namalować portret Mony Lisy, swojej żony, dla Francesca del Giocondo. Pisał ją przez 4 lata, a potem odszedł bez jej ukończenia. W tej chwili ten obraz jest w posiadaniu zwierzchnika Franciszka. Każdy, kto chce zobaczyć, jak bardzo sztuka może zbliżyć się do naturalnego oryginału, musi dokładnie przyjrzeć się tej pięknej głowie.
Wszystkie jego szczegóły wykonane są z największą starannością. Oczy mają ten sam blask i są tak nawilżone, jak za życia. Wokół nich widzimy niewyraźne czerwonawo-niebieskie kółka, a rzęski mogły istnieć tylko za pomocą bardzo wysokiej jakości pędzla. Pozwala dostrzec, gdzie brwi są bardziej obszerne, a gdzie stają się cieńsze, wyłaniające się z czasów skórnych i zaokrąglające się w dół. Wszystko jest takie naturalne, bo chyba ogólnie wolno rysować. Małe, pięknie wyrzeźbione nozdrza, różowawe i delikatne, wykonane z największą szczerością. Usta, kąciki ust, w których czerwień przechodzi w naturalną, aktywną farbę twarzy, są w ten sposób idealnie wyrysowane, jakby nie wydawały się w żaden sposób narysowane, ale jakby aktywne ciałem i krwią.
Ten, kto wpatruje się w zagłębienie na szyi, zaczyna wyglądać tak, jakby za chwilę miał zobaczyć pulsowanie pulsu. Rzeczywiście, ten portret jest napisany w taki sposób, że zdaje się zmuszać każdego wykształconego malarza, a nawet każdego, kto na niego patrzy, drżeć z doświadczenia.
Mona Lisa była nieskończenie wiarygodna, a Leonardo ciągle wzywał na sesje kogoś, kto miał okazję grać, śpiewać lub opowiadać dowcipy, żeby jej twarz nie wyglądała na zmęczoną czy kwaśną, jakby często ją odwiedzała, gdy tylko pozują do portretu.
Wręcz przeciwnie, na tej twarzy gra przeuroczy uśmieszek i wydaje się, że jest dziełem Nieba, a nie ludzkimi rękami, i jakby najwspanialszą rzeczą jest to, że ma dużo życia.
Są to słowa Vasariego, które mają wielkie znaczenie i autentyczność, dlatego jak za jego czasów płótno było w doskonałym stanie.
Mona Lisa miała 24 lata, kiedy jej portret zaczął nabierać kształtu w 1503 roku, a Leonardo miał wtedy 51 lat. Głowa nigdy nie została w żaden sposób ukończona i pozostała u Leonarda, a później przeszła na Franciszka Naczelnego, króla Francji.
Prawie każdy oddałby wszystko, żeby mieć to zdjęcie. Jedną z takich osób był baron Buckingham. Później prawdopodobnie doprowadziło to do dramatycznej kroniki kradzieży obrazu z Luwru i jego późniejszego zwrotu.
Będąc najwyższym punktem, szczytem twórczości Leonarda, płótno jest prawdopodobnie uważane za krystalizację jego geniuszu, cenionych pomysłów i inspiracji.
O Monie Lisie nie jest wcale dość jasno, poza kilkoma nieistotnymi precedensami, w związku z czym trudno odpowiedzieć na bardzo fundamentalne pytanie, często z góry ustalone i dyskutowane: czy była dla Leonarda elementarnym pięknym wzorem, czy też była jego muzą, włączając w to miłość, tak jakby prawie każdy chciał w to uwierzyć.
Podziwiamy obrazy dawnych mistrzów, ale rzadko myślimy o tym, jak wyglądały w momencie powstania. Z jakiegoś powodu uważa się, że ciemne kolory są oryginalnym wyglądem obrazów. W rzeczywistości WSZYSTKIE obrazy, które miały ponad 50 lat, były zupełnie inne. Czas niszczy pigment koloru wielu farb. Niektóre znikają, inne się zmieniają.
Dlatego to, co widzimy i co artysta napisał, jak mówią w Odessie: „To są dwie duże różnice”.
Mona Lisa. Leonardo da Vinci dzisiaj.
Po roku badań znana amerykańska artystka Jenness Cortez ogłosiła zakończenie prac nad przywróceniem Mona Lisy Leonarda da Vinci do jej formy z początku XVI wieku.
Renowację zlecił prywatny amerykański kolekcjoner. W swojej pracy Genes Cortes wykorzystała kopię Mony Lisy, należącą do Muzeum Prado, oraz dane z French Restoration Research Center, opublikowane w 2004 roku. Ponadto artysta samodzielnie przeanalizował dużą ilość danych historycznych dotyczących obrazu i jego kopii wykonanych przez współczesnych Leonarda da Vinci.
Według Giorgio Vasariego (1511-1574 ), autor biografii artystów włoskich, który pisał o Leonardzie w 1550 roku, 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od madonna lisa) była żoną Florentyńczyka o imieniu Francesco del Giocondo ( włoski. Francesco del Giocondo), którego portret Leonardo spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończonym.
Genes Cortes - Mona Lisa (kopia obrazu Leonarda da Vinci)
Po ukończeniu pracy Genes Cortes zauważyła, że nie rości sobie pretensji do całkowitego podobieństwa swojego dzieła do oryginału z XVI wieku: „Nie pretenduję do równych umiejętności Leonardowi. Ale w swoją pracę wkładam całe swoje doświadczenie, intuicję, wyobraźnię i pasję. Chciałbym myśleć, że pomogła mi ta sama muza, co wielki Leonardo. Mam nadzieję, że moja Mona Lisa zostanie zaakceptowana przez fanów oryginalnego obrazu.”
Według znanych badaczy i konserwatorów liczne widoczne zmiany w Mona Lisie, które miały miejsce na przestrzeni pięciu wieków, wynikają z następujących czynników:
Ciemnienie i zażółcenie lakieru.
Całkowite zniknięcie niektórych pigmentów.
Naturalne reakcje chemiczne, które zmieniły oryginalne odcienie.
Konsekwencje czystek i odbudowy.
Zmiany w drewnianej desce, na której napisany jest obraz, pod wpływem wilgoci.
Aby zrozumieć te i inne czynniki, Genes Cortes oparł się na wynikach badań laboratoryjnych przeprowadzonych przez francuskich konserwatorów. Uogólnienie materiału historycznego, naukowego oraz własnych doświadczeń doprowadziło artystę do następujących wniosków:
1. Wiele części obrazu było jaśniejszych i bardziej szczegółowych, ale zmiana koloru werniksu zmieniła również kolor płótna, ukrywając niektóre szczegóły obrazu. Najbardziej ucierpiały kolory niebieski, brązowy i zielony, którym poświęcono główną uwagę podczas renowacji.
2. Inne pigmenty uległy nieznacznej zmianie koloru. Aby zrozumieć, jak się zmieniły, przeprowadzono specjalną analizę.
3. Powierzchnia obrazu posiada liczne spękania, które powstały przede wszystkim w wyniku dużej liczby ruchów, a także pod wpływem wilgoci na drewnianym podłożu.
4. Niektóre detale są zniszczone w wyniku intensywnego czyszczenia powierzchni obrazu podczas rekonstrukcji. Na przykład w obszarze cienia między grzbietem nosa a prawym okiem, a także na brodzie utracono drobniejsze szczegóły. Nad górną krawędzią stanika znajdują się niewytłumaczalne ślady białej farby, co przekonało Cortesa, że oryginał miał delikatną białą lamówkę na gorsecie, zwłaszcza że ten szczegół jest dość zauważalny na włoskiej kopii obrazu. Należy zauważyć, że wersja Mona Lisy, będąca w posiadaniu Muzeum Prado, została wykonana przez nieznanego artystę, współczesnego Leonardowi i najprawdopodobniej całkiem wiernie oddaje oryginał.
5. Na kopii z Muzeum Prado zauważalne są również odblaski w oczach, chociaż nie są one śledzone na oryginale. Jednak Giorgio Vasari, który dokonał najwcześniejszego znanego opisu Mony Lisy, w swojej książce Żywoty najwybitniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów z 1550 r., Zauważył, że wygląd kobiety na obrazie miał „wodnisty połysk”. Cortes przywrócił blask w oczach Mony Lisy.
6. Dziś obraz ma dość monotonny wygląd, najprawdopodobniej ze względu na fakt, że Leonardo szeroko stosował lotne, organiczne pigmenty w cienkich szkliwach. Analiza wykazała jaśniejsze modelowanie twarzy i dłoni, a ten sam Vasari opisuje zarówno „opalizujące i delikatne” nozdrza, jak i „czerwone usta” oraz jaśniejsze odcienie skóry, które dokładnie oddają kolor ciała. Rzeczywiście, niektóre czerwone pigmenty wytwarzane z ciał i wydzielin owadów były szeroko stosowane w okresie renesansu, ale często traciły kolor z czasem.
7. Rękawy sukni, które mają teraz brązowy kolor, mogły być czerwone (co widać na kopii z Muzeum Prado).
8. Legendarny, enigmatyczny wyraz twarzy Mony Lisy jest znacznie wspomagany przez jej brak brwi. Genes Cortez lekko uniosła brwi, bo wiadomo, że były, choć bardzo cienkie. Vasari był również pod wrażeniem ich subtelności, co odnotował w swojej książce. Cortes potraktował tę część obrazu bardzo delikatnie, nie spekulując nad łukiem, rozmiarem i kolorem brwi, czując, że jakiekolwiek nieporozumienie z jej strony bezwarunkowo zmieniłoby znajomy nam wyraz twarzy kobiety, a tym samym zniekształciłoby intencję Leonarda .
9. Włosy Lisy, które dziś wydają się prawie czarne, miały prawdopodobnie ciepły kasztanowy odcień, ale z czasem poczerniały pod lakierem, który zmienił ich kolor.
10. Na całym obszarze obrazu dodano drobne detale, które obecnie są ukryte pod starym lakierem, ale których ślady są widoczne przy