Projekt artystyczny
"Tajniki instrumenty muzyczne»
Cel: wprowadzenie do instrumentów muzycznych
Zadania:
1) organizuje zajęcia uczniów mające na celu zapoznawanie się z historią instrumentów muzycznych i wierszami o nich;
2) wysłuchać utworów muzycznych w wykonaniu uczniów filii Dziecięcego Zespołu Szkół Plastycznych oraz uczestników szkoły studio wokalne.
Działalność badawcza w dziedzinach muzyki i historii.
Scena 1. Uczniowie szkół średnich proszeni są o przygotowanie materiału o powstaniu instrumentów muzycznych (gitara, lutnia, altówka, skrzypce, fortepian, domra) i zaprezentowanie go w formie zajęć pozalekcyjnych dla uczniów klas 3-5.
scena. Planowanie. Uczniowie podzieleni są na 4 grupy.
Grupa 1 zajmuje się materiałem literackim.
Badania grupy 2 informacje historyczne o pojawieniu się instrumentów.
Grupa 3 uczniów filii Szkoła Muzyczna Razem z nauczycielami uczą się utworów muzycznych (zadania są zadawane).
Uczestnicy grupy 4 szkolnego studia wokalnego uczą się piosenek.
Etap 3. Badania. Wykonywane samodzielnie, według planu przyjętego w grupie. Każdy ma swoje własne zadanie.
Etap 4. Wyniki. Współpraca połączyć otrzymane informacje w jeden scenariusz, przygotowując prezentację.
Etap 5.
Prowadzenie zajęć pozalekcyjnych „Sekrety instrumentów muzycznych” w ramach tygodnia tematycznego cyklu estetycznego dla uczniów gimnazjów.
Etap 6. Ocena wyników (pod uwagę brana jest aktywność każdego uczestnika, jakość i ilość wykorzystanych źródeł oraz kreatywność). Wnioski.
Postęp wydarzenia
Prezenter (na tle cichej, delikatnej muzyki): Dzień dobry chłopaki!
Dzień dobry, drodzy goście!Slajd nr 1
Miło nam powitać Cię w świecie muzyki. Tak, tak, nie zdziw się, bo teraz jesteś w środku zajęcia muzyczne. To tutaj żyją Muzy – boginie patronki poezji, sztuki i nauki. Jest 9 sióstr. A ich przywódca - przyrodni brat- Słoneczny Bóg Apollo. Spotkać ich:Slajd nr 2
EUTERPE – patronka pieśni lirycznej i wszystkiego, co muzyczne
sztuka.
MELPOMENE jest muzą tragedii i sztuki teatralnej.
TERPSICHORE - patronka tańca.
ERATO - muza poezja liryczna i pieśni weselne.
POLYHYMNIA - patronka hymnów i pieśni na cześć bogów i
bohaterowie.
URANIA jest mistrzynią gwiazd i astronomii.
THALIA jest muzą komedii i humoru.
CLIO jest patronką historii.
CALLIOPE jest muzą epopei – opowieści o wydarzeniach, które miały wydarzyć się w przeszłości.
Czy nie chciałbyś już teraz przenieść się w przeszłość i poznać tajniki instrumentów muzycznych, które dziś znajdują się w tej klasie?
Jak myślisz, które instrumenty zostały wynalezione jako pierwsze: smyczki czy instrumenty klawiszowe? (Smyczki).
Szarpany czy pochylony? (Uszczypnięty). A ich prototypem był właśnie łuk, z którego polowali prymitywni ludzie. Orfeusz grał także na lirze w starożytnej Grecji.Slajd nr 3 I ten fragment (Starożytny Egipt. 3 tysiące lat p.n.e.) przedstawia całą scenę muzyczną. Piramida Cheopsa, która stała się jednym z punktów wyjścia czasu historycznego, jeszcze nie powstała, ale instrumenty przypominające gitarę już brzmiały, dzieląc radości i smutki ludzkiej egzystencji. Nasza pierwsza historia dotyczy gitary. Opowiedzą nam o tym muza historii Klio i muza epickiej Kaliope.
Takie instrumenty istnieją od tak dawna, że nie da się prześledzić ich pochodzenia bez zagubienia się w czasie. Piramidy jeszcze nie powstały. Najstarszy aryjski
Podróżując po muzeach Europy można znaleźć starożytne obrazy przodkowie gitary sięgają 3-4 tysiącleci p.n.e. Arabscy koczownicy beduińscy, którzy w VII w. n.e. podbili Grecję i Persję, zostali podbici przez wysoką kulturę tych cywilizacji, częściowo dzięki sztuce muzycznej. Rok później podbijają Hiszpanię i wprowadzają elementy kultura orientalna i przynoszą gitarę. To właśnie w Hiszpanii gitara zyskała szczególną popularność i stała się symbolem wszystkiego. sztuka muzyczna Hiszpania. Elastyczne rytmy hiszpańskich tańców i smutne melodie – wszystko okazało się podporządkowane temu instrumentowi.
(wideo taniec hiszpański)
Stopniowo gitara podbija jeden kraj za drugim. Konstrukcja samego instrumentu stopniowo się zmieniała. W XVI wieku grano na gitarach o 4 podwójnych strunach (chóry). To okazało się niewystarczające, więc gitarę tymczasowo zastąpiono innym strunowym instrumentem muzycznym - lutnią (Slajd nr 4) , który miał aż dziesięć chórów smyczkowych. Wiadomo, że wybitni artyści renesansu - Caravaggio, Paolo Veronese, Tintoretto - byli dobrymi muzykami i wykonawcami. Rozważano naukę gry na lutni lub innym instrumencie” w dobrej formie" I na przykład Leonardo da Vinci grał na lutni własnego projektu, srebrnej, w formie głowa konia. Instrument ten jednak szybko stracił na popularności, gdyż był bardzo „kapryśny”. Pewien XVIII-wieczny dziennikarz, jakby nie bez sarkazmu, napisał: „Lutnista, który dożył 80 lat, spędził prawdopodobnie 60 lat na strojeniu swojego instrumentu, a utrzymanie lutni było równie kosztowne jak utrzymanie konia”. Dlatego też lutnię wkrótce zastępuje jej rywalka – altówka – swoista hybryda lutni i gitary. Kształtem altówka była zbliżona do gitary, tylko była większa, miała 5 chórów i jedną pojedynczą strunę. Altówka całkowicie zastąpiła gitarę, która „poszła do ludzi” i stała się instrumentem „ulicznym” towarzyszącym pieśniom i tańcom ludowym. Były inne hybrydy, na przykład lira-gitara, harfa-lutnia (Slajd nr 5 ).
A gitara odeszłaby w zapomnienie...Ale pulsujące życie jest fantastyczne w swoich zawiłościach i nieoczekiwanych fabułach...Gitara została wskrzeszona! A do „ożywienia” wystarczyło dodanie piątej struny. A tego, według legendy, dokonał nie muzyk, ale poeta Vicente Espinola, przyjaciel wielkiego Cervantesa i nauczyciel genialnego Lope de Vegi. W formie 5-strunowej gitara odzyskuje popularność. Nieco później jeden z najlepsi gitarzyści Hiszpan Ruiz de Ribaillaso znacznie ulepszył instrument, pozostawiając go z jednym rzędem strun, co uprościło jego strojenie i technikę gry, a Jacob August Otto, nadworny lutnista i gitarzysta księżniczki weimarskiej Amelii, jako pierwszy dodał sekstę do pięciu smyczki. Od połowy XVIII wieku instrument taki można było spotkać w wielu krajach Europy. Ten typ gitary zaczęto uważać za klasyczny.Slajd nr 6
Niestety, ze względu na stosunkowo słabą dźwięczność, gitara nie została włączona do orkiestry, ale wiek XX tchnął nowe życie w sztukę gitarową. Po wielu wiekach gitara z instrumentu towarzyszącego staje się instrumentem solowym. W wielu krajach pojawiają się wirtuozi gitary, którzy wykonują programy solowe.
Prezenter: Później wynaleziono smyczek i nasza kolejna historia o skrzypcach.Kaliope: Skrzypce to instrument smyczkowy. Instrumenty smyczkowe znane są już od bardzo dawna, jednak wciąż są znacznie młodsze od instrumentów szarpanych. Można uznać, że kolebką instrumentów smyczkowych były Indie. A czas narodzin to wczesne wieki naszej ery. Z Indii przybyli do Persów, Arabów i ludów Afryki Północnej, a stamtąd przez Półwysep Bałkański w VIII wieku do Europy.
Zmieniając się z biegiem czasu, zrodzili nowy typ instrument smyczkowy smyczkowy – FIDEL (Slajd nr 7). Z fidela wyszły następnie dwie główne gałęzie europejskich instrumentów smyczkowych - altówka i skrzypce (Slajd nr 8 ).
Nieco wcześniej pojawiły się altówki. Były budowane w różnych rozmiarach i trzymane na różne sposoby podczas gry (Slajd nr 9 ): między kolanami, jak nowoczesna wiolonczela, lub na kolanie. Niektóre rodzaje altówek umieszczano na ławce i grano na nich na stojąco. Ale była altówka, którą trzymano na ramieniu i która służyła za prototyp skrzypiec.
Przedstawiciele rodów altówek i skrzypiec zajmowali w dawnych czasach różne stanowiska „społeczne”. Altówka była instrumentem kojarzonym z życiem kręgów arystokratycznych. Jej poprzedniczki, a potem ona sama, brzmiały w kościołach, pałacach, zamkach i bogatych domach. Bardzo cichy, jakby stłumiony dźwięk skrzypiec był wyraźnie słyszalny tylko w małym pomieszczeniu. Zabawę na nim połączono z ówczesnymi wyobrażeniami o pięknie, z całą wyrafinowaną atmosferą salonu XVII i XVIII wieku: pięknymi meblami, pięknymi obrazami, bujnymi strojami i poetyckim, podniosłym nastrojem ludzi pasjonujących się sztuką.
Inaczej było ze skrzypcami. Instrumenty z rodziny skrzypiec rozprowadzane były przede wszystkim wśród ludności. Skrzypce były ulubionym instrumentem podróżujących muzyków, którzy zabawiali ludzi na festynach, jarmarkach, weselach, w karczmach i karczmach. Opowiada o tym wiele dzieł malarstwa i grafiki dawnych mistrzów (slajd nr 10).
Posłuchaj „Walca” Frieda w wykonaniu gimnazjalnego zespołu skrzypiec.
Szczególną rolę w losach skrzypiec odegrały nowe gatunek muzyczny- OPERA. Zagrały skrzypce w orkiestrze czołowe miejsce, gdyż w naturalny sposób łączyły się z innymi instrumentami i ze śpiewem wokalistów. Oprócz głosów śpiewających skrzypce często grają solo i prowadzą ważne linie melodyczne. Ale altówka nie została przyjęta do orkiestry, ponieważ jej brzmienie nie mogłoby wypełnić dużej sali i zniknęłoby w ogólnym brzmieniu orkiestry.
Od XVI w. sam instrument przeszedł szereg zmian, dających przed wykonawcą nowe możliwości i perspektywy: jaśniej określono jego wielkość, budowę i położenie instrumentu podczas gry; Zmienił się kształt łuku, w wyniku czego stał się on lżejszy i bardziej mobilny.
Sztuka skrzypcowa osiąga swój szczyt we Włoszech: wspaniali kompozytorzy tworzą dzieła na skrzypce (Antonio Vivaldi, Nicolo Paganini, Corelli), wspaniali rzemieślnicy tworzą niesamowite, magicznie brzmiące instrumenty: Amati, Guarneri, Stradivari. Do dziś uważane są za niedoścignione, a tajemnica ich brzmienia do dziś owiana jest legendami.
„Romans” Baklanowa wykonuje Zhenya Shulyaeva
Prezenter: Pewnie zgodzicie się ze mną, że każdy instrument jest dobry na swój sposób. Każdy z nich ma swoją niepowtarzalną barwę (barwienie dźwięku) i swoje atrakcyjne cechy. Ale być może żaden z nich nie może się równać z fortepianem. Jako solista jest na pierwszym miejscu. Niezastąpiony w zespole z głosem i innymi instrumentami, co już dzisiaj widzieliście. Jak powstało to narzędzie i co wyróżnia je na tle innych?
Za najwcześniejszego przodka fortepianu uważa się MONOCHORD. Tak, ten sam monochord, który według legendy wynalazł Pitagoras (VI w. p.n.e.) i wykorzystywał go w swoich muzycznych eksperymentach teoretycznych i akustycznych. Wydawać by się mogło, co wspólnego łączy prymitywny jednostrunowy pudło z fortepianem – złożonym instrumentem muzycznym z dziesiątkami strun, pedałami i klawiszami?
Klawiatura jest używana w instrumentach muzycznych od dawna. Chociaż trudno dokładnie określić, kiedy się pojawił. Istnieją dwie wersje wyjaśniające to. Pierwszy związany jest z ewolucją narządu(slajd nr 11) . Prymitywne organy miały system nieporęcznych dźwigni, które gracz wyciągał, aby wytworzyć dźwięk. Uważa się, że z biegiem czasu chowane dźwignie zostały zastąpione dźwigniami pchającymi, czyli kluczami. Początkowo były dużych rozmiarów (ponad 30 cm długości i około 10 cm szerokości), dlatego w celu wydawania dźwięku uderzano je pięścią w łokcie.
Według drugiej wersji klawiatura pojawiła się po raz pierwszy w instrumentach klawiszowych. Historycy badający pochodzenie odkryli, że słowo to jest podobne pod względem pisowni i brzmienia do tego, jak nazywano szachy na Wschodzie. Wtedy powstało założenie, że prototypem klawiatury była szachownica. Cóż, może czarno-biała klawiatura tak naprawdę wywodzi się z naprzemienności czarnych i białych kwadratów na szachownicy.
Istniały dwa główne typy instrumentów klawiszowych: klawikord i klawesyn. (Slajd nr 12) Jednak pod koniec XVII wieku istniało już kilkadziesiąt klawiatur różniących się wyglądem, różnorodnością kształtów i nazw. Pewien ówczesny francuski podróżnik napisał: „Podróżując w ostatnich miesiącach przez dziesiątki dużych i małych miast Europy i wykazując wszelkie zainteresowanie instrumentami muzycznymi – zwykłymi i dziwacznymi – nie mogę nie zauważyć, jak kolorowa i różnorodna jest rodzina instrumentów, w której dźwięk jest wytwarzany poprzez klucz.” I rzeczywiście, jakie instrumenty nie były wówczas powszechne! (Slajd nr 13) Ogromne flugle w kształcie skrzydeł i małe, pudełkowate spinety, dziewicze stoły, claviery piramidalne, różne fisharmonie, na których dźwięk uzyskiwano z powietrza wtłaczanego przez miech za pomocą dwóch pedałów nożnych(Slajd nr 14).
Sztuka klawikordu rozkwitła w Niemczech, a klawesyn i jego odmiany rozprzestrzeniły się po całym kraju kraje europejskie. Dźwięk klawesynu – czysty, precyzyjny, ostry – był znacznie silniejszy niż dźwięk klawikordu. Jednak niezależnie od siły uderzenia, pozostał on niezmieniony. Okazało się więc, że na dowolnym instrumencie strunowym wykonawca mógł z łatwością zwiększać i zmniejszać głośność, ale dla klawesynisty nie było to możliwe. Oczywiście taka sytuacja nie mogła zadowolić muzyków i rzemieślników. instrumenty klawiszowe, zatem w różne kraje W Europie trwały niestrudzone poszukiwania projektu nowego instrumentu klawiszowego, który miałby mocne, elastyczne brzmienie i zróżnicowaną dynamikę.
Pierwszym, który rozwiązał ten problem, był Włoch Bartolomeo Cristofori. W 1709 roku wynalazł instrument klawiszowy, który nazwał „klawesynem o cichym i głośnym brzmieniu”. To był fortepian. I wkrótce inne kraje europejskie wpadły na pomysł stworzenia fortepianu. Oczywiście dźwięk w pierwszych modelach był nieco odległy od współczesnego. Stopniowo, jak nowe narzędzie udoskonalona, kompozytorzy i wykonawcy są nią coraz bardziej zainteresowani. Pod koniec XVIII wieku fortepian całkowicie wyparł klawesyn, stając się dzięki twórczości Haydna, Mozarta, Beethovena, a później Chopina, Schumanna, Liszta i wielu innych kompozytorów, najpopularniejszym instrumentem muzycznym.
Fortepian w obecnym kształcie pojawił się dopiero na początku XIX wieku. Przeznaczony był do pomieszczenia, w którym potrzebny był instrument o niewielkich rozmiarach i który nie wymagał pełnego brzmienia dużego fortepianu koncertowego. Cóż, fortepian – odmiana fortepianu – jest prawdziwym „królem” wszystkich instrumentów (slajd nr 15). Tak dzisiaj żyje obok nas fortepian – najbardziej uniwersalny instrument, częściej niż jakikolwiek inny, pomaga nam odczuwać wielką radość obcowania z muzyką.(slajd nr 16)
Posłuchaj utworu muzycznego wykorzystując brzmienie tego instrumentu.
Mechigan „Drobna scena”. Wykonywana przez Annę Galkinę.
Clio: Na ziemi rosyjskiej od czasów starożytnych mawiano, że wszystkie święta obchodzono przy akompaniamencie bałałajki i jej siostry, domry. Tradycja ta została zachowana i przetrwała do dziś. Tańce, piosenki, zabawy – wszystko połączyło się w jeden pstrokaty obraz wesołej uroczystości.
„Domrachka śpiewa,
Bałałajka brzdąka,
akordeon – wylany -
Zabawa zaczyna się na wiosennej łące.”
A brzdąkając i grając na tych instrumentach, Rosjanie zapomnieli o swoim trudnym losie.
Najwcześniejsza wzmianka o domrze na Rusi znajduje się w kronikach z epoki Państwo Kijowskie(1068) – za czasów książąt Olgi i Włodzimierza. (Starożytna Ruś). Początkowo domra była bardzo niedoskonała. Został sporządzony ze specjalnie uprawianej odmiany dyni – ziela kozicy górskiej. Wnętrze domry zostało wytłoczone małym kryształem, dlatego brzmiał głośno i wyraźnie. Struny wykonano z żył zwierzęcych. Domra była instrumentem publicznie dostępnym. Kościół zaniepokoił się: „Czy muzyka nie za bardzo odwraca uwagę ludzi od Boga?” Na takich instrumentach grali bufony – wędrowni muzycy. W hałaśliwym tłumie przemierzali ziemię rosyjską i bawili ludzi. Nie zabrakło akrobatów, śpiewaków guslarowych, gawędziarzy, linoskoczków, trenerów. Bufony wyśmiewały bojarów i książąt ostrymi słowami za ich hipokryzję, dlatego doszło do prześladowań błaznów. W 1551 r. pewien metropolita zwrócił się do cara Iwana 4: „Na litość boską, carze, rozkaż bufonom, aby nie było ich w twoim państwie, bo inaczej nie będzie dla ciebie zbawienia”. W 1648 r. kolejny car Aleksiej wydał dekret o całkowitej eksterminacji bufonów. Napisano w nim: „A gdzie pojawiają się domry, sniffle, harfy i wszelkiego rodzaju demoniczne, brzęczące naczynia, należy je rozbić, spalić, a niektóre – wygnać”. Pięć wozów załadowanych instrumentami muzycznymi wywieziono do rzeki Moskwy i spalono. Ale od czasu do czasu, tu i tam, instrumenty te pojawiały się ponownie, bo ludzie potrzebowali instrumentu i odradzano instrument, okrągły lub trójkątny, wykonany z pięciu desek z trzema strunami. Nastąpiło stopniowe przekształcenie domry w bałałajkę. Tak więc w XVII wieku domra prawie całkowicie zniknęła z użytku.
Trójkątny instrument nazwano balaboyką od słowa „balabolit” - do wykonywania pustych rozmów. Biedni chłopi grali na takim instrumencie w stajniach i bramach. Jeśli przejrzymy podręczniki historii, okaże się, że pierwsza wzmianka o bałałajce pochodzi z 1715 roku. Pod Piotrem 1 było cała orkiestra instrumenty towarzyszące procesji
Prezenter: W ten sposób nasza krótka podróż w historię instrumentów muzycznych dobiegła końca. Dziękuję wszystkim artystom za umożliwienie nam słuchania muzyki na żywo, a to zdarza się tak rzadko w naszym życiu. Chciałabym wierzyć, że jeszcze nie raz nas zachwycą i staną się prawdziwymi gwiazdami.
(Wykonanie utworu „Constellation of Talents” przez zespół wokalny.)
Do następnego razu.
Instrumenty muzyczne to magiczne urządzenia. Ich brzmienie urzeka nie tylko tych, którzy ich słuchają, ale także tych, którzy je sprawiają.
Właściwie może wydawać się dziwne, że instrument ma takie możliwości, ponieważ jest to nic innego jak urządzenie, które powoduje wibrację powietrza w określony sposób. Jednak tą metodą powstaje muzyka, której urokowi nikt się nie oprze. Jednocześnie muzyka jest najbardziej ulotną ze wszystkich form sztuki. Gdy tylko przestaną w to grać, przestaje istnieć. Dlatego każda chwila, w której zabrzmi instrument, jest bezcenna i niepowtarzalna. Wiedzą o tym ludzie na całym świecie, dlatego instrumenty muzyczne są częścią każdej kultury od czasów starożytnych.
Dowiedziałem się, że pojawili się przed wszystkimi innymi instrumenty perkusyjne- oczywiście te najprostsze. Następnie - instrumenty dęte: piszczałki, gwizdki, a następnie flety z trzciny i kości. Później ludzie nauczyli się robić flety, potem pojawiły się instrumenty smyczkowe, a na końcu instrumenty smyczkowe.
Do grupy instrumentów dętych zaliczają się wszystkie instrumenty muzyczne, w których dźwięk wytwarzany jest przez powietrze. Mężczyzna zauważył, że wiatr szumiący w kominie lub w dużej kotlinie wydaje niskie, basowe dźwięki, a z wąskich pni trzcin dochodzą wysokie, gwiżdżące dźwięki. W ten sposób stopniowo pojawiały się odmiany instrumentów dętych.
Strunowe instrumenty muzyczne można porównać do łuku myśliwskiego.
Można było wykonać kilka smyczków różnej wielkości i zagrać na nich melodię składającą się z trzech lub czterech dźwięków. Ale wtedy wygodniej jest przeciągnąć sznurki na drewnianej ramie. Tak powstaje instrument muzyczny.
Historia rozwoju i istnienia rosyjskich ludowych instrumentów muzycznych jest jedną z najmniej zbadanych dziedzin rosyjskiej nauki muzycznej.
Pierwsze specjalne opisy rosyjskich instrumentów ludowych, które pojawiły się w ostatniej tercji XVIII wieku, należą do obcokrajowców, którzy mieszkali i pracowali w Rosji.
Już sam fakt, że tak różnorodne badania jednomyślnie zwracają uwagę na ludową praktykę muzyczną i instrumentalną, świadczy o bezwarunkowym odrodzeniu zainteresowania nią ze strony zaawansowanych naukowców „Sto lat rosyjskiego oświecenia” . Trudno przecenić znaczenie tej pierwszej szczególnej informacji, która daje wyobrażenie o składzie rosyjskich instrumentów z połowy XVIII wieku, budowie i niektórych nazwach, naturze dźwięku, czasem warunkach istnienia krajowe instrumenty ludowe i techniki gry na nich.
Bałałajka.
Słynny kronikarz rosyjski życie muzyczne Jakub Staehlin (1712-1785) - od 1738 r. członek Akademii Nauk w Petersburgu - poświęcił bałałajce cały rozdział swojej książki „Muzyka i balet w Rosja XVIII wiek" . Zadzwonił do bałałajki „najbardziej rozpowszechniony instrument w całym kraju rosyjskim” i jej przypisane Pochodzenie słowiańskie. Najpełniejszy i najdokładniejszy opis wyglądu, sposobu gry i obrazu istnienia tego instrumentu dla XVIII wieku podaje J. Sztelin. „Niełatwo znaleźć w Rosji dom” – pisze – „gdzie młody robotnik nie grałby pokojówkom swoich drobiazgów na tym… instrumencie. Narzędzie to jest dostępne we wszystkich małych sklepach, ale tym, co dodatkowo przyczynia się do jego dystrybucji, jest fakt, że można je wykonać samodzielnie.” .
Później A. Nowoselski w „Eseje o historii rosyjskich ludowych instrumentów muzycznych” Jest napisane, że bałałajka jest zmodyfikowaną domrą. Trójkątny korpus, który w produkcji rękodzielniczej jest prostszy i wygodniejszy. Podaje jeszcze bardziej uproszczoną interpretację: „...w niewprawnych rękach instrument nie chodził dobrze, zamiast dźwięku słychać było jakieś brzdąkanie, w wyniku czego instrument zaczęto nazywać brunka, bałabajka, bałałajka. W ten sposób rosyjska bałałajka wyszła z azjatyckiej domry.” .
Wiele dzieł literackich poświęconych jest bałałajce. Są to przysłowia, powiedzenia i zagadki.
Oto kilka zagadek:
Miłej zabawy z grą!
I tylko trzy struny,
Potrzebuje tego do muzyki.
Kim ona jest, zgadnij?
To jest nasze... (bałałajka)
Dano mi bardzo niewiele sznurków,
ale na razie to mi wystarczyło?
Jesteście moimi sznurkami
i usłyszysz: dlen, dlen, dlen.
Kim jestem? Zgadnij co? - Ależ oczywiście… (bałałajka).
Na początku XIX wieku popularność bałałajki została osłabiona przez rozpowszechnienie się w Rosji siedmiostrunowej gitary rosyjskiej.
Gitara to jeden z najpopularniejszych instrumentów. Pochodzenie gitary nie jest znane. Uważa się, że pochodzi ze starożytnej Grecji, ale drugi dom znalazł w Hiszpanii, gdzie rozpowszechnił się w VIII i IX wieku.
Struny do gitary instrument szarpany. Kształtem przypomina łuk odrzutowy, różni się jednak od nich liczbą strun i sposobem gry. Gitary są dostępne w wersji sześcio- i siedmiostrunowej. Gitara siedmiostrunowa, najwygodniejszy do akompaniamentu wokalnego. Gitara sześciostrunowa stała się także instrumentem solowym.
Według naukowców domra jest instrumentem obcym, a według innych istniała jeszcze przed utworzeniem państwa ogólnorosyjskiego.
Naukowcy są zgodni co do nazwy „domra” . Prawdopodobnie termin „domra” Pochodzenie tureckie (tanbur, dombur, dunbara, głupia, dombra, domra).
Instrumenty tego typu pojawiły się w tych odległych czasach nie tylko na Rusi, ale także w innych sąsiednich państwach, zajmujących pośrednie położenie geograficzne między ludami słowiańskimi a ludami Wschodu. Instrumenty te uległy znaczącym zmianom w czasie różne narody zaczęto nazywać inaczej: wśród Gruzinów - panduri i chonguri, Tadżyków i Uzbeków - dumrak, Turkmenów i Uzbeków - dutar, Kirgizów - komuz, Azerbejdżanów i Ormian - tar, saz, Kazachów i Kałmuków - dombra, Mongołów - dombur, Ukraińców - bandura itp., jednak wszystkie zachowały wiele wspólnego w konturach formy, sposobach wytwarzania dźwięku, strukturze itp.
Wiadomo, że wzmianki o domrze znajdują się w dekretach, statutach i przekazach z XVI i XVII wieku. jako narzędzie dla bufonów. To z domrą 400 lat temu radośni żartownisie – muzycy – błazny przechadzali się po miastach i wioskach. Nie da się jednak powiedzieć dokładnie, jak wyglądała wówczas domra, gdyż w 1648 roku uznano ją za instrument demoniczny.
Domra ma ciało w kształcie półkuli, składające się z ciała (dolnej części ciała) oraz pokład zakrywający ciało od góry. Następnie jest długa szyjka, a na jej końcu znajdują się śruby, do których przymocowane są sznurki. Sznurki naciągnięte na szyję, która łączy się z ciałem.
Domra to dusza orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych. Jest tu nie do odparcia, jak skrzypce w orkiestrze symfonicznej. Dziś w orkiestrach rosyjskich instrumentów ludowych to domry prowadzą najważniejsze melodie. W skład grupy domrów trzystrunowych wchodzi siedem instrumentów: domra piccolo, domra mała, domra altowa, domra mezzosopranowa, domra tenorowa, domra basowa i domra kontrabasowa.
Skrzypce to najpopularniejszy instrument smyczkowy pochylony instrument. Często nazywana jest Królową Narzędzi. Znaczenie skrzypiec zrozumiano już w XVII wieku i powiedzieli: „W muzyce jest taka sama niezbędne narzędzie, jak w ludzka egzystencja codzienny chleb" .
Zapewne każdy z Was widział skrzypce w rzeczywistości lub na zdjęciu. Teraz wyobraź sobie siebie. Czy skrzypce wyglądają jak człowiek? Tak, jest podobnie. Nawiasem mówiąc, nawet szczegóły podobne imiona: głowa, szyja, jak gładkie są jej krzywizny, jak cienkie "talia" . Widzisz jakie to interesujące. Dawno, dawno temu człowiek stworzył najdoskonalsze ze swoich dzieł – skrzypce i nadał im wygląd najdoskonalszego dzieła natury – sam.
Skrzypce pojawiły się jako instrument profesjonalny pod koniec XV wieku. Następnie ulepszyli go mistrzowie z różnych krajów. Włosi – lutnicy z rodzin Amati, Guarnenri i Stradivari – święcie strzegli tajemnic swojego rzemiosła. Wiedzieli, jak sprawić, by dźwięk skrzypiec był szczególnie melodyjny i delikatny, podobny do ludzki głos. Do dziś zachowało się niewiele słynnych włoskich skrzypiec, ale wszystkie są ściśle rejestrowane. Grają nimi najlepsi muzycy pokój.
Istotnym detalem jest także kokardka. Od tego w dużej mierze zależy charakter brzmienia. Łuk składa się z laski lub trzonka z blokiem przymocowanym do dolnego końca. Służy do ciągnięcia włosów, które z drugiej strony są trwale przymocowane do laski. Jeśli zahaczymy palcem o strunę, a następnie ją puścimy, dźwięk szybko ucichnie. Łuk można ciągnąć wzdłuż struny w sposób ciągły przez długi czas, a dźwięk będzie również odtwarzany w sposób ciągły. Dlatego skrzypce są bardzo melodyjne.
Klawiszowe instrumenty smyczkowe to fortepian i fortepian.
Fortepian.
Klawiszowe instrumenty muzyczne strunowe – fortepian i fortepian – nazywane są jednym słowem "fortepian" (z włoskiego forte - "głośny" i fortepian - "cichy" ) .
Bardzo, bardzo dawno temu, w starożytnej Grecji, w czasach Pitagorasa, istniał instrument muzyczny zwany monochordem. (monos – po grecku, chorde – struna). Było to długie i wąskie drewniane pudełko z przeciągniętym u góry sznurkiem.
Mijały wieki, a instrument nadal był udoskonalany. Pudełko stało się prostokątne, a na jednym z jego boków znajdowała się klawiatura, czyli rząd klawiszy (z łac. clavis - klucz). Teraz gracz nacisnął klawisze, a te wprawiły w ruch tzw. tangenty – metalowe płytki. Styczne dotknęły strun i zaczęły brzmieć.
Instrument ten stał się znany jako klawikord. (od łacińskiego clavis i greckiego akordu). Trzeba było ją postawić na stole i grać na stojąco. Ale klawikord miał też dużą wadę: nigdy nie udało się uzyskać większej głośności.
Oczywiście, tylko bardzo bogaci ludzie mogli posiadać klawikord. Był to przedmiot luksusowy, zdobiący salony i jadalnie.
Klawikord nie był jedynym instrumentem klawiszowym. W tym samym czasie powstał i rozwinął się inny podobny do niego klawesyn.
Klawesyn był nie tylko instrumentem domowym. Był włączany do różnych zespołów, a nawet do orkiestry, gdzie wykonywał partię akompaniującą.
Dźwięk klawesynu jest raczej słaby, niezbyt odpowiedni do grania muzyki duże sale. W utworach klawesynowych kompozytorzy zastosowali wiele ozdobników, aby długie nuty brzmiały odpowiednio rozciągle. Zwykle do akompaniamentu używano klawesynu.
Wszystkie instrumenty muzyczne były stale udoskonalane. Mistrzowie klawiatury również kontynuowali poszukiwania. I tak w 1711 r Włoskie miasto Padewski twórca klawesynu Bartolomeo Cristofori wynalazł nowy instrument. Dźwięk w nim wytwarzały drewniane młotki z główkami pokrytymi elastycznym materiałem. Teraz wykonawca mógł grać ciszej lub głośniej – na fortepianie lub forte. Stąd wzięła się nazwa instrumentu – fortepian, a później – fortepian. Nazwa ta przetrwała do dziś i jest nazwą ujednolicającą wszystkie strunowe instrumenty klawiszowe.
W XIX wieku pojawiły się dwa główne typy fortepianów: poziomy – fortepian (po francusku królewski - królewski) o korpusie w kształcie skrzydła i pionowym - fortepian (po włosku pianino – mały fortepian).
Instrumenty muzyczne dęte.
Saksofon.
Wynaleziony w 1841 roku saksofon należy do instrumentów dętych drewnianych, choć wykonany jest z metalu – srebra lub specjalnego stopu. Saksofon otrzymał swoją nazwę od nazwiska swojego wynalazcy, belgijskiego mistrza Adolphe'a Saxa.
Początkowo saksofon był używany wyłącznie w orkiestrach wojskowych. Stopniowo zaczęto wprowadzać orkiestry operowe i symfoniczne. Ale pełnoprawnym członkiem Orkiestra symfoniczna Saksofon nigdy tego nie robił. Jednak w XX wieku jego brzmienie przyciągnęło uwagę muzyków jazzowych. A saksofon stał się prawdziwym mistrzem jazzu.
Jest to jeden z najstarszych instrumentów dętych. Archeolodzy znajdują na freskach wizerunki flecistów Starożytny Egipt i Grecji.
Flet wychodzący z trzcinowej piszczałki był początkowo prostą drewnianą rurką z otworami. Przez wiele stuleci był udoskonalany, aż nabrał nowoczesnego wyglądu. Wcześniej flet był podłużny i utrzymywany był w pozycji pionowej. Następnie pojawił się tzw. flet poprzeczny, który muzyk trzyma poziomo.
Flet występował w zespołach instrumentalnych już w XV wieku. Kompozytorów przyciągało jego melodyjne brzmienie. Jedną z odmian tego instrumentu wykorzystywaną w orkiestrze jest flet piccolo. Jest o połowę mniejszy od zwykłego fletu i brzmi o oktawę wyżej.
Instrumenty klawiszowe i dęte.
Bayan i akordeon.
Bayan i akordeon to rodzaje harmonijki ustnej. Harmonijka ustna została wynaleziona w Berlinie w 1822 roku. Jest krewną najbardziej majestatycznego instrumentu muzycznego – organów. Wszystkie rodzaje harmonijek to także instrumenty klawiszowe i dęte. Tylko akordeon ma klawisze po jednej stronie, a akordeon guzikowy ma po obu stronach klawisze, które nie są takie same jak w fortepianie, ale w formie guzików.
Kolejną osobliwością jest to, że w odróżnieniu od innych instrumentów klawiszowych, naciśnięcie jednego przycisku – klawisza dla lewej ręki – powoduje wytworzenie nie dźwięku, ale całego akordu. Ułatwia to wykonywanie prostych czynności dzieła muzyczne– pieśni, tańce, ale uniemożliwia wykonywanie muzyki klasycznej.
Tylko jedno z tych narzędzi. Tak zwana "obieralny" Akordeon ma nie tylko wcześniej przygotowane akordy w basie, ale także pełną skalę, niczym fortepian. Na takim akordeonie guzikowym grane są złożone dzieła klasyczne.
Nicocolo Amati (wł. Nicolo Amati) (3 grudnia 1596 - 12 kwietnia 1684) - jeden z najsłynniejszych mistrzów Rodzina Amati. Twórca wielu instrumentów smyczkowych, w tym wiolonczeli. Nauczyciel tak znanych rzemieślników
instrumenty smyczkowe, takie jak Antonio Stradivari i Giuseppe Guarneri.
Biografia
Nicolo Amati urodził się 3 grudnia 1596 roku w Cremonie. Jego ojcem był Girolamo (Hieronimus) Amati – syn Andrei Amati, założyciela szkoły skrzypcowej. Podobnie jak cała jego rodzina mieszkał i pracował w Cremonie. Najbardziej jest Nicolo znany przedstawiciel rodziny.
Amati doprowadził do perfekcji typ skrzypiec opracowany przez jego poprzedników. W niektórych skrzypcach większego formatu (364-365 mm) tzw. Grand Amati wzmocnił brzmienie, zachowując jednocześnie miękkość i delikatność barwy. Dzięki wdziękowi formy jego instrumenty robią wrażenie bardziej monumentalne niż dzieła jego poprzedników. Lakier jest złotożółty z lekkim brązowym odcieniem, czasem czerwony. Znakomite są także wiolonczele Nicolo Amati. Zachowało się niewiele skrzypiec i wiolonczel najsłynniejszego mistrza rodu Amati, Nicolo – nieco ponad 20.
Jednym z jego uczniów był także jego syn Girolamo Amati 2 (1649-1740). Ale nie spełnił nadziei ojca i pod jego rządami zamknięto słynną szkołę.
STRADIVARI, Stradivarius Antonio (ok. 1644-1737) – włoski lutnik, uczeń słynnego N. Amati. Od najmłodszych latlat aż do ostatnich dni życia Stradivari pracował w swoim warsztacie, kierując się chęcią doprowadzenia skrzypiec do najwyższej doskonałości. Zachowało się ponad 1000 instrumentów wykonanych przez wielkiego mistrza, wyróżniających się elegancką formą i niezrównanymi walorami brzmieniowymi. Następcami Stradivariego byli mistrzowie C. Bergonzi (1683-1747) i G. Guarneri (1698-1744). Słynnego człowieka nazywano „Rosyjskim Stradivariusem” twórca skrzypiec I. A. Batova.
Iwan Andriejewicz Batow(1767–1841, Petersburg) – pierwszy znany Rosyjski mistrz do produkcji instrumentów muzycznych.
Był sługą hrabiego N.I. Szeremietiew. Studiował w Moskwie u mistrza Władimirowa. Dla swojej orkiestry wykonywał instrumenty muzyczne w majątku hrabiego pod Moskwą. Od 1803 r. mieszkał w Petersburgu. Szeremietiew życzył sobie, aby Batow nauczył się wówczas także nowego rzemiosła – budowy fortepianów. Batow nauczył się tego od mistrza Gauka. Szeremietiew pozwolił mu przyjmować zamówienia tylko od muzyków. Według legendy Batow wykonał skrzypkowi i bałałajkowi księciu Potiomkinowi bałałajkę ze starej deski trumny, za co hrabia A.G. Orłow zaoferował tysiąc rubli. Batow wielokrotnie naprawiał instrumenty dla muzyków dworu królewskiego. Według przekazów w 1822 r. otrzymał wolność od D. N. Szeremietiewa za wiolonczelę swojego dzieła. I. A. Batow osiągnął szczególne umiejętności w produkcji instrumentów smyczkowych - gitar, skrzypiec, wiolonczeli. Wykonanie kontrabasów uważał za niewdzięczne zadanie, wykonywał je wyłącznie w warsztacie Władimirowa.
W ciągu swojego życia Batow stworzył 41 skrzypiec, 3 altówki, 6 wiolonczel i 10 gitar. Odrestaurował wiele zabytkowych włoskich skrzypiec. Specjalna uwaga Batov zwracał uwagę na jakość drewna na narzędzia. Nie szczędził wydatków na jego zakup i często kupował stare drzwi i bramy w zamian za materiał.
Krasnoszczekow I. Ya.
Iwan Jakowlewicz (30 I (10 II) 1798, wieś Znamenka, powiat zarajski, gubernia riazańska - 19 (31) VII 1875, Moskwa) - rosyjski. instr. gospodarz.
Studiował od 1810 r. u M. Dubrovina w Moskwie, gdzie w 1824 r. otworzył własną firmę. warsztat. Wyprodukowano premium. Gitary 7-strunowe, a także skrzypce. Na instrumentach jego twórczości grali prawie wszyscy wybitni Rosjanie. gitarzyści. Zaprzyjaźnił się z M. T. Wysockim, z którego rad korzystał. Instrumenty K. wyróżniały się miękkim, srebrzystym brzmieniem i doskonałym kunsztem. dekoracje były wysoko cenione. W 1872 roku gitara jego dzieła została nagrodzona złotym medalem w Moskwie. Politechniczny wystawa.
Siemion Iwanowicz Nalimow(1857-1916) - wybitny mistrz Vylgorta w produkcji rosyjskich instrumentów smyczkowych ludowych, który stworzył wspaniałe przykłady bałałajek, domrów i gusli o różnych rozmiarach i strojach i zyskał sławę jako „Komi Stradivarius”.
W 1886 r. S.I. Nalimov stworzył swoją pierwszą domrę – instrument muzyczny, który już dawno wyszedł z użycia.
Nalimov dał temu instrumentowi nowe życie. SI Nalimov wyprodukował ponad 250 instrumentów. Instrumenty wykonane przez mistrza cieszyły się dużym uznaniem specjalistów i zostały nagrodzone brązowym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 r. oraz złotym medalem na wystawie „Świat Muzyczny” w Petersburgu w 1907 r. Wybitny mistrz rosyjskich instrumentów smyczkowych ludowych, który stworzył wspaniałe przykłady bałałajek, domrów i gusli o różnej wielkości i strojach. Współpracował z Wielką Rosyjską Orkiestrą W.W. Andriejewa w specjalnie dla niego wyposażonym warsztacie w majątku W.W. Andriejewa (wieś Maryino, rejon Bezhetski, obwód twerski).
„Techniki wyrobu bałałajek i domrów Siemion Iwanowicz Nalimova była nieosiągalna – to w związku z wyborem najlepszych„Każdy tworzy materiał, instrument, który wypuszcza z rąk, jest ideałem doskonałości” – napisał Nikołaj Priwałow w artykule „Bałałajka Stradivarius”. Oprócz doskonałych właściwości muzycznych i akustycznych instrumenty Nalimova wyróżniają się rzadką elegancją formy i pięknem dekoracji zewnętrznej. Oprócz wklejonej wewnątrz korpusu etykiety zawierającej nazwę wytwórcy, datę i numer seryjny, wszystkie instrumenty Nalimowa posiadają w prawym górnym rogu główki specjalne oznaczenie w postaci herbu inkrustowanego kolorowym drewnem. „Wielka Orkiestra Rosyjska nigdy nie zostałaby doprowadzona do obecnego stopnia instrumentalnej doskonałości, gdyby Andriejew nie miał szczęścia spotkać i zwerbować S.I. Nalimowa”. Wspólna praca Andriejewa z Nalimowem oraz innymi mistrzami i muzykami doprowadziła do tego, że rosyjskie ludowe instrumenty muzyczne zyskały światową sławę.
http://slovari.yandex.ru
ARKHUZEN Robert Iwanowicz(ur. 4 października 1844 w Petersburgu, zm. 20 stycznia 1920 w Moskwie) – słynny rosyjski mistrz gitary. Syn słynnego mistrza instrumentalnego I.F. Arkhuzena, młodszy brat F.I. Arhuzena. Otrzymał edukację domową. Od czternastego roku życia uczył się od ojca sztuki wytwarzania instrumentów muzycznych. Pracował najpierw w Petersburgu, a od 1875 w Moskwie. Był jednym z najlepszych rosyjskich producentów gitar. Instrumenty jego twórczości, wyróżniające się siłą i różnorodnością brzmienia, pięknem barwy i elegancją dekoracji, były wysoko cenione i nagradzane na Ogólnorosyjskich Wystawach Przemysłowych w latach 1871, 1872 i 1882. Swoją działalność rozpoczął od produkcji niedrogich gitar - po 25 rubli za sztukę i pod naciskiem V.A. Rusanova zaczęła je bardzo projektować Wysoka jakość, w związku z czym cena również wzrosła - do 200 rubli. Budowa jednej gitary trwała aż miesiąc pracy. Najlepsza gitara R.I. Za dużą gitarę uważa się Arhuzen, podarowany przez niego latem 1908 roku V.A. Rusanow. Do najlepszych gitar terza należy jedenastostrunowy instrument z 1908 roku, wykonany na zamówienie V.P. Maszkiewicz. Z rodziny producentów gitar Arkhusenov cieszył się największą sławą.
ARKHUSEN Ivan (Johann) Fedorovich (ur. 1795, Kopenhaga, Dania, - zmarł 21 lutego 1870, Św. Petersburg, Rosja) jest znanym mistrzem instrumentalnym. Ojciec twórców gitar R.I. i F.I.Arhuzenov. Z trzy lata i do końca życia mieszkał w Petersburgu. W młodości pracował w fabryce narzędzi Brel. W 1818 r. otworzył własny warsztat produkujący harfy, gitary i fortepiany, w którym wytwarzał dobre, choć drogie instrumenty (gitara kosztowała 40 rubli za sztukę i więcej). W 1856 r. jedna z gitar I.F Arhuzena otrzymała drugą nagrodę (500 franków) za najlepszy instrument na festiwalu im Międzynarodowy Konkurs gitarzystów w Brukseli, zorganizowanej przez N.P. Makarowa (pierwsza nagroda przypadła gitarze austriackiego mistrza I. Scherzera).
ARKHUZEN Fedor Iwanowicz - mistrz gitary, syn i uczeń I.F. Arkhuzena, starszy brat R.I. Arhuzena. Po śmierci ojca współpracował z bratem w Petersburgu, a po jego wyjeździe do Moskwy w 1875 r. kontynuował samodzielną pracę. Narzędzia Arhuzen wyróżnia solidna konstrukcja i czystość pracy. Mistrz naśladował model Scherzera, ale wykonywał gitary w bardzo dużej skali - 66,0 - 66,5 cm przy długości korpusu 46,5 - 48,0 cm, a także poszedł własną drogą, wykonując różne eksperymenty. Świadczy o tym gitara jego twórczości z 1890 roku z czterema pudłami rezonansowymi (górna, dwie dolne i jedna wewnątrz korpusu)
http://gitara-nsk.ru/
Mistrzowie gitary. Austria
* Scherzer, Johann Gottfried (Scherzer, Johann Gottfried). - Wiedeń.
Znany producent gitar. Najwyraźniej pochodził z Vogtlandu. Oprócz gitar projektował mandoliny i skrzypce. Bardzo kulturalny rzemieślnik, który wprowadził wiele innowacji (metalowy pręt wewnątrz korpusu, po drugie tylny pokład, ukryta mechanika z kość słoniowa itp.). Projektował gitary w trzech rozmiarach: kwarcowym, tercowym i dużym. Cały czas dążyłem do uwydatnienia brzmienia instrumentu i w związku z tym zwiększyłem wymiary jego bryły. Scherzer wprowadził do Austrii dziesięciostrunową gitarę Ferrari i zaprojektował harfę Petzval, która znajduje się w kolekcji Towarzystwo Wiedeńskie„Przyjaciele muzyki” i na zamówienie M.D. Sokołowskiego siedemnastostrunowa gitara. Samodzielnie przeprowadził kilka eksperymentów z zakresu akustyki i wniósł wiele do fizyków i naukowców, chętnie spotykając się z realizacją ich pomysłów. Mieszkał najpierw przy Gundstrumstrasse 65, a następnie przy Margarethenstrasse nr 99.
F. Buek w swojej książce „Die Gitarre und ihre Meiser” tak pisze o Scherzerze:
„Johann Gottfried Scherzer /1834-1870/ wydaje się być uczniem Johanna Georga Staufera. Miał swój warsztat przy Gundsturmstrasse nr 65, a później przy Margaretenstrasse nr 99. Jego gitary wyróżniały się dużym formatem, czystym wykonaniem i mocnym brzmieniem. Jako pierwszy wprowadził dodatkowy bas gitara sześciostrunowa, a także zastosował mechanikę zamiast drewnianych kołków. Rosyjski wirtuoz gitary Makarow, który znalazł i zamówił u niego w Wiedniu wiele gitar, nazwał go najlepszym producentem gitar w Niemczech i wolał jego instrumenty od wszystkich instrumentów tamtych czasów. Dlatego gitary Scherzera trafiły do Rosji w dużych ilościach, a używali ich głównie profesjonalni gitarzyści i wirtuozi. Rosyjski wirtuoz gitary Sokołowski posiadał gitarę Scherzer, podobnie jak jego naśladowcy Sołowiew i Lebiediew. W Brukseli na konkursie Makarowa Scherzer otrzymał I nagrodę za gitarę z trzema dodatkowymi basami. Wirtuoz gitary Sokołowski zamówił Scherzerowi gitarę z piętnastoma basami. Kiedy instrument ten przekroczył granicę Rosji, służby celne nie wiedziały, jak go nazwać, ponieważ nie były znane gitary o tym kształcie i głośności. W związku z tym, że instrumentu tego nie można było zaliczyć do zwykłej gitary, nadano mu nazwę „gitara harfowa” i uznano go za przejście od harfy do gitary. Gitara to osobliwa gitara w kształcie gruszki o bardzo szerokim korpusie i długości skali 59 cm, również należąca do pana Kerna z Monachium Guitar Quartet. Ten świetnie brzmiący i czysto wykonany instrument jest jedną z gitar solowych powstałych w Wiedniu, stworzonych dla małych rączek, a później przebudowanych przez producenta instrumentów Lux i innych. Strojenie tych gitar, które zawsze mają kształt gruszki, odpowiada wysokością gitary prima. Gitary Scherzer, podobnie jak gitary koncertowe, wyszły z użytku współczesnych artystów, gdyż ich basowy charakter sprawia, że nie nadają się do gry solowej, a gryf nie spełnia współczesnych wymagań. Jako instrument towarzyszący, gitary te zapewniają doskonałą obsługę, jak pokazuje Sepp Summer.”
Uwaga ta wymaga pewnych poprawek, a mianowicie:
1.) Jeżeli jako datę urodzenia Scherzera podaje się rok 1834, jest to błąd, gdyż nie może być tak, że pracował on jako praktykant w wieku poniżej 16 lat u zmarłego w 1850 roku Staufera. Makarow, który znalazł Scherzera w 1852. nie nazywa go młodzieńcem.
2.) Wprowadzenie dodatkowych basów do gitary sześciostrunowej przypisuje się włoskiemu mistrzowi i gitarzyście Giambattista Ferrari, który pracował w Modenie w latach 1853-1889, choć L. Legnani występował już na koncertach w 1808 roku na gitarze z dwoma dodatkowymi basy (6+2) . Za twórcę gitary dziesięciostrunowej uważa się Ferrari.
3.) Jeszcze przed Scherzerem kołki mechaniczne były używane przez Stauffera i Panarmo.
4.) Gitara M.D. Sokołowskiego miała dwanaście, a nie piętnaście dodatkowych basów.
5.) Opinia Bueka o gitarach Scherzer jest zastanawiająca. Większość najlepsze instrumenty tego mistrza trafiły do Rosji i nie sposób ocenić ich jakości na podstawie gitar zachowanych w Austrii i Niemczech. Jednak twierdzenie, że gitary Scherzera nie nadają się do solowego występu na koncertach „ze względu na ich basowy charakter” i „wąską szyję” jest bezpodstawne, gdyż dobierając basy o odpowiedniej grubości można uzyskać to samo brzmienie strun jelitowych i basowych , a szyję można powiększyć lub wymienić na szerszą. Przecież pozwolił na modernizację gryfu swojej gitary tercowej F. Schenka!
23.09.2013
Historia pojawienia się rosyjskich instrumentów ludowych sięga odległej przeszłości. Freski soboru św. Zofii w Kijowie, materiały ikonograficzne, miniatury rękopiśmiennych ksiąg, druki popularne świadczą o różnorodności instrumentów muzycznych naszych przodków. Starożytne instrumenty muzyczne odkryte przez archeologów są autentycznym materialnym dowodem ich istnienia na Rusi. W niedawnej przeszłości życie codzienne Naród rosyjski był nie do pomyślenia bez instrumentów muzycznych. Prawie wszyscy nasi przodkowie posiadali tajemnice tworzenia prostych instrumentów dźwiękowych i przekazywali je z pokolenia na pokolenie. Wprowadzanie w tajniki rzemiosła wpajane jest już od dzieciństwa, poprzez zabawy, prace możliwe do wykonania dla dziecięcych rączek. Obserwując pracę starszych, nastolatki zdobywały pierwsze umiejętności tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Czas minął. Duchowe powiązania pokoleń stopniowo ulegały zerwaniu, ich ciągłość została przerwana. Wraz ze zniknięciem ludowych instrumentów muzycznych, które niegdyś były wszechobecne w Rosji, utracony został także masowy udział w narodowej kulturze muzycznej.
Dziś niestety nie ma już wielu rzemieślników, którzy zachowali tradycje tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Ponadto tworzą swoje arcydzieła wyłącznie na indywidualne zamówienie. Produkcja instrumentów na skalę przemysłową wiąże się ze znacznymi kosztami finansowymi, stąd ich wysoki koszt. Nie każdego stać dziś na zakup instrumentu muzycznego. Dlatego pojawiła się chęć zebrania w jednym artykule materiałów, które pomogą każdemu, kto chce własnoręcznie wykonać ten lub inny instrument. Wokół nas duża liczba znane materiały pochodzenia roślinnego i zwierzęcego, na które czasami nie zwracamy uwagi. Każdy materiał zabrzmi, jeśli zostanie dotknięty zręcznymi rękami:
Z niepozornego kawałka gliny możesz zrobić gwizdek lub okarynę;
Kora brzozy usunięta z pnia brzozy z piskiem zamieni się w duży róg;
Plastikowa rurka nabierze dźwięku, jeśli zrobisz w niej gwizdek i dziury;
Z drewnianych klocków i płyt można wykonać wiele różnych instrumentów perkusyjnych.
Na podstawie publikacji o Rosjanach instrumenty ludowe oraz doświadczenia różnych osób przy ich produkcji, zestawiono rekomendacje, które mogą być przydatne w procesie pracy nad nimi.
* * *
Dla wielu ludów pochodzenie instrumentów muzycznych jest kojarzone z bogami i władcami burz, zamieci i wiatrów. Starożytni Grecy przypisywali Hermesowi wynalezienie liry: stworzył on instrument, naciągając struny na skorupę żółwia. Jego syn, leśny demon i patron pasterzy, Pan był zawsze przedstawiany z fletem składającym się z kilku łodyg trzciny (flet Pana).
Niemieckie bajki często wspominają dźwięk rogu, a fińskie bajki często wspominają dźwięk pięciostrunowej harfy kantele. W rosyjskich baśniach przy dźwiękach rogów i piszczałek pojawiają się wojownicy, którym żadna siła nie jest w stanie się oprzeć; cudowna harfa samogud sama gra, sama śpiewa pieśni i sprawia, że tańczysz bez wytchnienia. W języku ukraińskim i Białoruskie bajki Nawet zwierzęta zaczęły tańczyć przy dźwiękach dud (duda).
Historyk, folklorysta A.N. Afanasjew, autor dzieła „Poetyckie poglądy Słowian na przyrodę”, napisał, że różne tony muzyczne, powstające, gdy wiatr wieje w powietrzu, identyfikują „wyrażenia na wiatr i muzykę”: od czasownika „dmuchać” przybyły - duda, fajka, cios; Perski. dudu – dźwięk fletu; Niemiecki blasen – dmuchać, przewiewać, trąbić, grać na instrumencie dętym; gwizdek i harfa - od szumu; szum - słowo używane przez Małych Rosjan na określenie wiejącego wiatru; porównaj: sopelka, sipovka z sopati, węszenie (syk), ochrypły, gwizdek - z gwizdka.
Dźwięki muzyki dętej powstają poprzez wdmuchnięcie powietrza do instrumentu. Nasi przodkowie postrzegali podmuch wiatru jako dochodzący z otwartych ust bogów. Fantazja starożytnych Słowian łączyła wycie burzy i świst wiatru ze śpiewem i muzyką. Tak powstały legendy o śpiewie, tańcu i grze na instrumentach muzycznych. Mityczne przedstawienia w połączeniu z muzyką uczyniły je świętymi i niezbędne akcesorium pogańskie rytuały i święta.
Niezależnie od tego, jak niedoskonałe były pierwsze instrumenty muzyczne, wymagały one jednak od muzyków umiejętności ich tworzenia i gry.
Na przestrzeni wieków nie ustało udoskonalanie instrumentów ludowych i selekcja najlepszych próbek. Instrumenty muzyczne przybrały nowe formy. Powstał Konstruktywne decyzje ich wytwarzanie, metody wydobywania dźwięków, techniki gry. Narody słowiańskie byli twórcami i strażnikami wartości muzycznych.
Starożytni Słowianie czcili swoich przodków i wychwalali bogów. Wysławianie bogów odbywało się przed świętymi boginiami w świątyniach lub pod nimi na wolnym powietrzu. Rytuałom na cześć Peruna (boga piorunów i piorunów), Striboga (boga wiatrów), Światowida (boga Słońca), Łady (bogini miłości) itp. towarzyszył śpiew, taniec, gra na instrumentach muzycznych i zakończenie z powszechną ucztą. Słowianie czcili nie tylko niewidzialne bóstwa, ale także ich siedliska: lasy, góry, rzeki i jeziora.
Według badaczy śpiew i sztuka instrumentalna tamtych lat rozwijały się w ścisłym związku. Być może pieśni rytualne przyczyniły się do narodzin instrumentów wraz z ustaleniem ich struktury muzycznej, gdyż pieśni modlitewne świątynne wykonywano przy akompaniamencie muzyki.
Bizantyjski historyk Teofilakt Simokatta, arabski podróżnik Al-Masudi i arabski geograf Omar ibn Dast potwierdzają istnienie instrumentów muzycznych wśród starożytnych Słowian. Ten ostatni pisze w swojej „Księdze cennych skarbów”: „Mają wszelkiego rodzaju lutnie, harfy i fujarki…”
W „Esejach o historii muzyki w Rosji od czasów starożytnych do końca XVIII wieku” rosyjski muzykolog N.F. Findeizen zauważa: „Jest absolutnie niemożliwe, aby starożytni Słowianie, prowadzący życie wspólnotowe, których obrzędy religijne były niezwykle rozwinięte, różnorodne i ozdobione dekoracyjnym przepychem, nie byłyby w stanie wytworzyć własnych instrumentów muzycznych, zupełnie niezależnie od tego, czy podobne instrumenty istniały w sąsiednich obszarach.
Niewiele jest odniesień do starożytnej rosyjskiej kultury muzycznej.
Sztuka muzyczna Rusi Kijowskiej
Zdaniem badaczy, w Rus Kijowska Znane były następujące instrumenty muzyczne:
Drewniane fajki i rogi (dla wojska i myślistwa);
Dzwonki, gwizdki gliniane (rytualne);
Flet Pana, składający się z kilku połączonych ze sobą rurek trzcinowych o różnej długości (rytuał dęty);
Gusli (sznurek);
Sopel i flet (instrumenty dęte o długości arshine);
Materiały użyte do przygotowania tego artykułu:
Jeśli chcesz zawsze na czas otrzymywać informacje o nowych publikacjach na stronie, zapisz się