Natalia MARKOWA,
Kierownik Działu Grafiki Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko przedmioty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. Martwą naturę „martwą naturę” można znaleźć na wielu obrazach holenderskich artystów z XVI wieku. Łatwo to przedstawić w formie niezależne malarstwo zastawiony stół z Portretu rodzinnego Martina van Heemskercka (ok. 1530 r.). Muzea państwowe, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc już na samym początku XVII wieku. pierwsza niezależna martwa natura kwiatowa. Pojawiły się około roku 1600 – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Heemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel.

W tym momencie O nie było jeszcze jak tego zdefiniować. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (nature morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, modelka”, jak i „ciche życie”, co znacznie trafniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku, a wcześniej obrazy nazywano zgodnie z tematyką obrazu: b lumentopf – wazon z kwiatami, banketje – nakryty stół, fruytage – owoce, toebackje – martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy z czaszką. Już z tego zestawienia jasno wynika, jak wielka była różnorodność przedstawionych obiektów. Rzeczywiście, cały otaczający ich obiektywny świat zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus, Zurych

W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, jaką przeprowadzili Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, zdobywając niezależność od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji i Hiszpanii skupiali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościołów, płótna i freski o tematyce starożytnej mitologii dla sale pałacowe, Holendrzy malowali niewielkie obrazy przedstawiające widoki zakątków rodzimego krajobrazu, tańcząc na wiejskim festynie lub domowym koncercie w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy lub w domu spotkań, nakrywając stoły do ​​śniadania lub deseru , czyli charakter „niski”, niepozorny, nie przyćmiony przez antyczną czy renesansową tradycję poetycką, z wyjątkiem może współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był wyraźny.

Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, lecz przeważnie były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i przeznaczone były do ​​dekoracji pomieszczeń w domach mieszkańców miast, a nawet mieszkańców wsi – tych bogatszych. Później, w XVIII i XIX wieki, kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te domowe kolekcje malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie kupowane do kolekcji królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie wyemigrowały do największe muzea pokój. Kiedy w połowa 19 V. artyści na całym świecie zwrócili się w stronę przedstawiania otaczającej ich rzeczywistości, obrazów holenderskich mistrzów z XVII wieku. był dla nich wzorem we wszystkich gatunkach.

Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Funkcja Malarstwo holenderskie istniała specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, a poszczególne miasta miały swoje ulubione typy martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często gwałtownie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, który był tam popularny.

Haarlem stał się miejscem narodzin charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.

Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jeszcze bardziej podporządkowana jest jedności tonalnej, dominuje w niej tonacja szaro-srebrna, podkreślona wizerunkiem naczyń srebrnych lub cynowych. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura kwiatowa. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który szczególnie zasłynął dzięki starannemu pisaniu i jasnej kolorystyce.

W Hadze, centrum rybołówstwa morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili przedstawienia ryb i innych mieszkańców morza, a kolor ich obrazów mieni się blaskiem łusek, w których plamy różu, czerwieni i migają niebieskie kolory. Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydrą dla przypomnienia o przemijaniu życia. Bardziej demokratyczna martwa natura „kuchenna” powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francois Reykhalsa, a jej najlepsze osiągnięcia kojarzone są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevenów.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” został przekształcony w luksusowe „bankiety” i „desery” w twórczości Willema van Aalsta, Juriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa błyszczą od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z kielichem - łodzik i miska Chińska porcelana. Muzeum Thyssena – Bornemisza, Madryt

Mistrzami przedstawiania „trofeów myśliwskich” i „zagrod drobiu” byli Jan-Baptiste Wenix, jego syn Jan Wenix i Melchior de Hondecoeter. Ten rodzaj martwej natury stał się szczególnie rozpowszechniony w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokracją mieszczańską: zakładaniem majątków ziemskich i rozrywką myśliwską. Malowanie dwa najnowsi artyści wykazuje wzrost dekoracyjności, koloru i chęci uzyskania efektów zewnętrznych.

Niesamowitą zdolność malarzy holenderskich do przekazywania świata materialnego w całym jego bogactwie i różnorodności docenili nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, w martwych naturach widzieli przede wszystkim i tylko to genialne mistrzostwo przekazującą rzeczywistość. Jednak dla samych Holendrów w XVII wieku obrazy te były pełne znaczeń, dawały pożywienie nie tylko dla oczu, ale i umysłu. Obrazy wchodziły w dialog z odbiorcami, przekazując im ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich dążeń, kierując myśli w stronę filozoficznych refleksji nad sensem ludzkiego życia.

Niezwykłe zjawisko w historii światowej sztuki plastycznej miało miejsce na północy Europa XVII wiek. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.

Koneserzy i profesjonaliści tak mają głębokie przekonanie, co to za kwota wspaniali mistrzowie Tych, którzy dysponowali najnowocześniejszą technologią i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na małym skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano nigdy w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabył w Holandii od początku XVII wieku, było wynikiem pojawienia się, po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych, początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy ludności miejskiej mieszczanie i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym produktem na wschodzącym rynku.

Na północnych ziemiach Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne ruchy chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi uczyniła z Holendrów martwą naturę głównym gatunkiem całych cechów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiającemu duszę znaczeniu rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka piękna rozwijała się według różnych praw, ale bliskość terytorialna prowadziła do nieuniknionego wzajemnego wpływu. Naukowcy – historycy sztuki – odkrywają wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzkie martwe natury, zwracając uwagę na ich nieodłączne zasadnicze różnice i unikalne cechy.

Wczesna martwa natura kwiatowa

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, przybiera szczególne formy w Holandii i symboliczne imię„spokojne życie” – wciążrówne. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem wzmożona aktywność Kompania Wschodnioindyjska, która sprowadziła ze Wschodu towary luksusowe, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów i cebul tulipanów były tak zwanym produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze obrazy całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jacob de Geyn Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.

Nakrywamy stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło umknąć wpływom nowości public relations i rozwój gospodarczy. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku było dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty, aby „produkować” obrazy. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podłoże pod obrazy - deski lub płótno, gruntowali je, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, prowadziła do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycja kwiatowa malowane były w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe dania. Takie obrazy mogą mieć różną skalę i charakter, od skomplikowanych i wielotematycznych po lakoniczne. Pojawiły się „Śniadania” – martwe natury holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie, pełen aluzji i moralizujących symboli typowych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pietera Claesa i Willema Claesa Hedy

Dla współczesnych symbole wypełniające tradycyjną holenderską martwą naturę były istotne i zrozumiałe. Treść obrazów przypominała wielostronicowe książki i za to je szczególnie ceniono. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „martwą naturą tonalną”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, niesamowicie wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność renderowania subtelne niuanse oświetlenie.

Cechy te są w pełni spójne z malarstwem dwóch czołowych mistrzów, których obrazy zaliczane są do najlepszych przykładów tonalnej martwej natury: Petera Claesa i Willema Claesa Heeda. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów, pozbawionych jaskrawych kolorów i szczególnej dekoracyjności, co nie przeszkodziło im stworzyć rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.

Próżność

Temat kruchości życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazło to wyraz w obrazach przedstawiających sceny, w których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazywa się vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Steenwijka i innych. Najlepsze próbki„Vanitas” nie są zwykłymi horrorami, nie budzą niewytłumaczalnego horroru, ale spokojną i mądrą kontemplację, przepełnioną myślami o najważniejszych sprawach egzystencji.

Malowidła sztuczek

Obrazy są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli im na to pozwalały umiejętności, tworzyli „trompe l'oeil” lub „trompe l'oeil” z francuskiego trompe-l'oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, żeby typowa holenderska martwa natura – kwiaty i owoce, martwe ptaki i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały całkowitą iluzję rzeczywistości: książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazon, który chcesz trzasnąć – typowy temat dla malarstwa-wabika.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu trompe l'oeil – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się masa najróżniejszych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.

Czas świetności i zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne typy martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ dobrobyt mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.

Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to osiągnąć, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla zabawy pozytywne emocje, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną działki.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzących czasów, gdy istotna stała się zwiększona dekoracyjność i tworzenie imponującego wrażenia.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, a sama koncepcja złotego wieku, jaką znało malarstwo holenderskie, odeszła do przeszłości. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.

Najpopularniejszymi „holenderskimi martwymi naturami” pozostały martwe natury kwiatowe. Zainspirowały widza do myślenia o tematyce moralnej i religijnej. Złożona z pięknych i różnorodnych kwiatów (tulipany, irysy, róże, ostróżki, fiołki - „bratki”, goździki, maki, zawilce, hiacynty, żonkile, dzwonki, konwalie, niezapominajki, stokrotki, orliki, tacety) bukiet był malowniczym hymnem na cześć piękna boskiego stworzenia, a poprzez niego - mądrości i hojności Pana, który pozwolił, aby to piękno zostało uchwycone na zawsze.

Na pierwszy rzut oka bukiety sprawiają wrażenie namalowanych z natury, jednak po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że składają się z roślin kwitnących w inny czas. Wrażenie naturalności i iluzjonistycznego podobieństwa do życia powstaje dzięki temu, że obrazy indywidualne kolory na podstawie indywidualnych badań pełnowymiarowych. Była to zwykła metoda pracy malarzy martwych natur kwiatowych. Artyści wykonali staranne rysunki akwarelą i gwaszem, czerpiąc kwiaty z życia, m.in różne kąty i przy różnym oświetleniu, a rysunki te służyły im potem wielokrotnie – powtarzali je w obrazach. Jako materiał roboczy wykorzystano także rysunki innych artystów, ryciny ze zbiorów drukowanych i atlasy botaniczne.

Jana Baptiste’a von Fornenbrucha. Sered. XVII wiek

Balthasara van der Asta. „Tulipan”.1690. Paryż.

Gerarda van Spaendo. "Bukiet".


Jakub Morrel. „Dwa tulipany”

Tulipany.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#

Klienci, szlachta i mieszczanie, w martwych naturach doceniali to, że przedstawiane kwiaty „jak gdyby były żywe”. Ale te obrazy nie były naturalistyczne. Są romantyczne i poetyckie. Natura w nich jest przekształcana poprzez malowanie.

„Portrety” kwiatów, malowane na pergaminie akwarelą i gwaszem, powstały do ​​albumów florystycznych, w których ogrodnicy starali się uwiecznić dziwne rośliny. Szczególnie liczne są obrazy tulipanów. Prawie każda holenderska martwa natura zawiera tulipany. W XVII wieku W Holandii był prawdziwy boom tulipanowy, czasami za rzadką cebulkę tulipana zastawiano dom.
Tulipany przybyły do ​​Europy w 1554 roku. Do Augsburga wysłał ich ambasador Niemiec na dworze tureckim Busbeck. Podczas swoich podróży po kraju był zafascynowany widokiem tych delikatnych kwiatów. Wkrótce tulipany rozprzestrzeniły się na Francję i Anglię, Niemcy i Holandię. Właścicielami cebul tulipanów w tamtych czasach byli naprawdę bogaci ludzie – ludzie królewskiej krwi lub ich bliscy. W Wersalu odbyły się specjalne uroczystości na cześć rozwoju nowych odmian.
Nie tylko holenderska szlachta, ale także zwykli mieszczanie mogli sobie pozwolić na posiadanie pięknych martwych natur. Liczba holenderskich martwych natur kwiatowych jest ogromna, ale to ich nie umniejsza wartość artystyczna. Kiedy po aukcjach sytuacja ekonomiczna Holandia stała się mniej błyskotliwa, malownicze zbiory z domów mieszczańskich trafiały do ​​pałaców europejskiej szlachty i królów.
Chęć artystów, aby urozmaicić kompozycję swoich bukietów, zmusiła ich do podróży różne miasta i twórz rysunki życia w ogrodach miłośników kwiatów w Amsterdamie, Utrechcie, Brukseli, Haarlemie i Lejdzie. Artyści musieli także poczekać na zmieniające się pory roku, aby uchwycić upragniony kwiat.