Il XVII secolo si rivelò sorprendentemente favorevole allo sviluppo cultura artistica. Divenne non solo un secolo di scienza, ma anche un secolo di arte. È vero, tenendo conto del fatto che la fioritura della scienza era appena iniziata, mentre l’arte aveva già raggiunto il suo apogeo. Tuttavia il cielo sopra di lui è ancora limpido e senza nuvole. Il suo prestigio nella società è insolitamente alto. Secondo il numero di grandi artisti XVII secolo, supera apparentemente tutti gli altri, compreso il Rinascimento. Inoltre, se durante il Rinascimento l'Italia non ha eguali nel campo dell'arte, allora nel XVII secolo. l'arte è in aumento in tutti paesi europei oh, e la Francia sembra preferibile ora.
Come altri settori della cultura, l’arte ha sperimentato gli effetti della differenziazione. Il suo isolamento diventa sempre più evidente e distinto. Anche il legame con la religione è notevolmente indebolito. Di conseguenza, i soggetti religiosi e mitologici si liberano del pathos eccessivo e si riempiono di profonda vitalità e naturalezza.
Un'altra conseguenza della differenziazione è che tra gli artisti scompaiono le personalità universali caratteristiche dell'epoca. non era solo un artista brillante, ma anche un grande scienziato, pensatore e inventore. Anche se in misura minore, lo stesso si può dire di L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais e altri.Ora figure di così grande formato stanno diventando rare. Allo stesso tempo, si assiste ad un rafforzamento del principio soggettivo di cui all'art. Si manifesta in un numero crescente di individui brillanti, in una maggiore libertà creativa e coraggio e in una visione più ampia delle cose.
Anche all’interno dell’arte c’è un processo di differenziazione, i generi esistenti stanno cambiando e ne stanno emergendo di nuovi. IN pittura Paesaggio e ritratto diventano generi completamente indipendenti, in cui lo psicologismo è esaltato. Appaiono nature morte e immagini di animali. L'importanza delle soluzioni compositive originali, del colore, del pittoresco e del sapore sta aumentando.
IN musica nasce l'opera. Il creatore di questo genere è Compositore italianoC. Monteverdi (1567-1643), ha scritto l'opera "Orfeo", che è stata messa in scena 1607 e divenne un vero capolavoro dell'arte operistica. Per la prima volta, la musica in esso non solo completa la poesia, ma diventa la protagonista, esprimendo il significato di tutto ciò che accade sul palco. Oltre all'opera, nella musica compaiono anche cantate e oratori.
I principali stili nell'arte del XVII secolo. Appaiono il barocco e il classicismo. Alcuni storici dell'arte ritengono che allo stesso tempo il realismo sia emerso come uno stile speciale nell'arte, ma questo punto di vista è contestato, sebbene sia riconosciuta l'esistenza di una tendenza realistica.
Barocco
Barocco appare alla fine del XVI secolo. in Italia. La stessa parola “barocco” significa “strano”, “bizzarro”. Lo stile barocco è caratterizzato da immagini dinamiche, tensione, luminosità, eleganza, contrasto, desiderio di grandezza, sfarzo e sfarzo, una sintesi di arti, una combinazione di realtà e illusione, maggiore emotività e sensualità. Il barocco era lo stile dell'élite aristocratica della società feudale uscente, lo stile della cultura cattolica.
Un rappresentante di spicco del barocco italiano è l'architetto, scultore e pittore romano L. Bernini (1598-1680). Il suo lavoro incarnava tutte le caratteristiche più caratteristiche dello stile, sia forti che deboli. Molte delle sue opere erano concentrate nel principale monumento della Roma cattolica: la Cattedrale di San Pietro. Petra. Sotto la sua cupola, costruita dal grande Michelangelo, si erge una grandiosa struttura monumentale e decorativa - un baldacchino di trenta metri, e nell'altare - un altrettanto maestoso pulpito in marmo di Pietro, decorato con oro e figure raffiguranti angeli e amorini, padri della chiesa e santi.
Una creazione ancora più magnifica del Bernini fu il grandioso colonnato, composto da 284 colonne, disposte su quattro file e che incorniciavano un'enorme piazza di fronte alla Cattedrale di San Pietro. Petra. Le opere scultoree più significative del Bernini sono considerate "Apollo e Dafne" e "L'Estasi di S. Teresa."
La figura più famosa del barocco europeo è Artista fiammingoP. Rubens (1577-1640). Può essere giustamente definito una personalità universale, non inferiore in scala ai titani del Rinascimento. Era vicino agli umanisti e amava i classici dell'antichità: Plutarco. Seneca e Orazio conoscevano sei lingue, compreso il latino. Rubens non era uno scienziato o un inventore, ma comprendeva i problemi dell'astronomia e dell'archeologia, mostrava interesse per gli orologi senza meccanismo, per l'idea del moto perpetuo, seguiva i nuovi sviluppi della filosofia, capiva molto di politica e partecipava attivamente alla Esso. Soprattutto amava la vita umana stessa.
Rubens ha incarnato il suo impegno per l'umanesimo nel suo lavoro. Divenne un grande poeta dalla vita piena di felicità, piacere e lirismo. Rimane un cantore insuperabile della carne umana, maschile e soprattutto femminile, della bellezza sensuale del corpo umano. Solo Rubens poteva, con tanto coraggio e amore, trasmettere la bellezza della carne stessa, il suo dolce calore, la morbida flessibilità. È riuscito a dimostrare che la carne può essere bella senza avere una bella forma.
Uno dei temi centrali del suo lavoro è la donna, l'amore e il bambino come frutto naturale e bello dell'amore. Questo lato del suo lavoro può essere visto e sentito in film come “Venere e Adone”. "Giunone e Argo", "Perseo e Andromeda", "Bathsheba".
Mentre era in Italia, Rubens frequentò una buona scuola d'arte. Tuttavia il suo temperamento fiammingo non ha preso tutto dai grandi italiani. È noto che i maestri italiani preferivano l'equilibrio, la calma e l'armonia, che permettevano loro di creare la bellezza eterna. Rubens rompe tutto questo a favore del movimento. Le figure umane che raffigura spesso assomigliano a una molla compressa, pronta a dispiegarsi all'istante. A questo proposito, è il più vicino a Michelangelo, le cui sculture sono piene di tensione e movimento interni. Le sue opere sono anche piene di vigoroso dinamismo. Questi, in particolare, sono i dipinti “La battaglia delle Amazzoni”, “Il rapimento delle figlie di Leucippo”, “Caccia al leone”, “Caccia al cinghiale”.
Nelle opere di Rubens il colore e il pittoresco prevalgono sul disegno. Qui Tiziano serve da esempio. Rubens non ama i contorni troppo netti. Sembra separare la materia dalla forma, rendendola libera, viva e carnale. Per quanto riguarda il colore, l'artista predilige toni luminosi, puliti e ricchi, pieni di sana vitalità. Si sforza non tanto per la loro armonia quanto per l'orchestrazione, per creare una sinfonia di colori. Rubens è giustamente definito il grande compositore del colore.
Classicismo
Patria classicismo divenne la Francia. Se il Barocco privilegia i sentimenti, il Classicismo si fonda sulla ragione. La norma più alta e l'esempio ideale per lui è l'arte antica. I suoi principi fondamentali sono chiarezza, ordine, coerenza logica, armonia e armonia.
Secondo il classicismo, il soggetto dell'arte dovrebbe essere sublime e bello, eroico e nobile. L'arte dovrebbe esprimere alti ideali morali, glorificare la bellezza e la ricchezza spirituale dell'uomo, glorificare il trionfo del dovere cosciente sull'elemento dei sentimenti. Il giudice dell'arte non è solo il gusto, ma anche la ragione.
Il classicismo condivide i principi fondamentali del razionalismo e, soprattutto, l’idea di una struttura razionale del mondo. Tuttavia, nella comprensione del rapporto tra uomo e natura, si differenzia da lui, continuando la linea dell'umanesimo rinascimentale e credendo che queste relazioni debbano essere costruite sui principi del consenso e dell'armonia, e non del dominio e della sottomissione. Ciò è particolarmente vero per l'arte, uno dei cui compiti è glorificare l'armonia dell'uomo con la bellezza della natura.
Il fondatore e figura principale del classicismo in pitturaè un artista francese N. Poussin (1594-1665). Nel suo lavoro si affida interamente al razionalismo di R. Descartes, credendo che la sensazione sia sempre parziale e unilaterale, e solo la ragione può comprendere l'argomento in modo completo e in tutta la sua complessità. Pertanto, la ragione deve giudicare tutto.
Poussin ha trascorso quasi tutta la sua vita in Italia, ma questo non gli ha impedito di diventare un vero artista francese, che ha creato uno dei movimenti oculari nell'arte esistenti fino ad oggi. Tra i maestri italiani, Raffaello ha avuto su di lui la maggiore influenza. le cui opere sono esempi ideali di completa perfezione, così come Tiziano, dal quale tutti gli artisti successivi prendono lezioni di puro pittoresco.
Sebbene Poussin preferisca la ragione, la sua arte non può essere definita secca, fredda e razionale. Lui stesso nota che lo scopo dell'arte è il piacere, che tutti gli sforzi dell'artista mirano a fornire piacere estetico allo spettatore. Le sue opere contengono già due elementi principali dell'arte, quando questa diventa un fenomeno completamente indipendente e autosufficiente.
Uno di questi è associato alla plasticità, creata con mezzi puramente artistici e pittorici, una combinazione di linee e colori, che costituisce una fonte di piacere estetico speciale. Il secondo è associato all'espressione, all'espressività, con l'aiuto della quale l'artista influenza lo spettatore ed evoca in lui lo stato d'animo che lui stesso ha vissuto.
La presenza di questi due principi consente a Poussin di unire intelletto e sentimento. Il primato della ragione si coniuga con l'amore per la carne e la sensualità. Ciò è dimostrato dai suoi dipinti “Venere e Adone”, “Venere dormiente”, “Bacchanalia” e altri, dove vediamo una persona perfetta nel corpo e nello spirito.
Nel periodo iniziale della creatività di Poussin predominavano le tele su temi storici e religioso-mitologici. Opere come “Il ratto delle Sabine”, “La cattura di
Gerusalemme", "Pastori Arcadi". Poi viene alla ribalta il tema dell'armonia tra uomo e natura. È rappresentato nei dipinti “Il trionfo di Flora”, “Paesaggio con Polifemo”, “Paesaggio con Orfeo ed Euridice”, ecc. La natura non è solo un luogo in cui una persona può soggiornare. Tra loro si stabilisce un profondo accordo sensoriale, una certa comunità di anime, formano un tutt'uno. Poussin ha creato vere e proprie sinfonie dell'uomo e della natura.
IN l'anno scorso Nella sua vita l'artista dedica tutta la sua attenzione all'elogio della natura. Crea la serie di poesie "Stagioni".
Classicismo in architettura trovò la sua incarnazione ideale nella Reggia di Versailles, costruita per volontà del re francese Luigi XIV. Questo grandioso insieme comprende tre maestosi palazzi e un enorme parco con piscine, fontane e sculture. L'insieme si distingue per la sua disposizione rigorosa, i vicoli geometrici del parco, le maestose sculture, gli alberi e i cespugli potati.
Realismo
andamento realistico nell'arte del XVII secolo. è rappresentato principalmente dall'artista olandese Rembrandt(1606-1669). Le origini di questa tendenza si trovano nell'opera del pittore italiano Caravaggio (1573-1610), che ebbe una grande influenza su molti artisti.
L'arte di Rembrandt occupa per certi versi una posizione intermedia tra il barocco e il classicismo. Nelle sue opere si possono trovare caratteristiche di questi due stili, ma senza gli estremi inerenti a ciascuno di essi. In particolare, la sua famosa "Danae" sembra molto sensuale e carnale, ma non nella misura in cui l'avrebbe eseguita Rubens. È lo stesso con il classicismo. Alcune delle sue caratteristiche sono presenti nelle opere di Rembrandt, ma in esse non c'è bellezza pura e idealizzata, non c'è niente di maestoso o di eroico. senza pathos, ecc. In loro tutto sembra più vicino alla terra, tutto è molto più semplice, più naturale, più veritiero, più vivo.
Tuttavia, la principale originalità dell’arte di Rembrandt risiede altrove. Sta nel fatto che grazie a lui è nata una nuova direzione nella pittura europea - psicologismo. Rembrandt fu il primo a rispondere seriamente al famoso appello di Socrate: “conosci te stesso”. Rivolse lo sguardo verso l'interno e gli fu rivelato un mondo interiore enorme e sconosciuto, commisurato all'Universo infinito. Il soggetto della sua arte è l'inesauribile ricchezza della vita spirituale umana.
Rembrandt sembra scrutare e ascoltare gli infiniti traboccamenti di stati psicologici, le inesauribili manifestazioni del carattere umano individuale. Da qui l'abbondanza non solo di ritratti, ma anche di autoritratti in cui si raffigura periodi diversi la vita - nella giovinezza e nella vecchiaia, in diversi stati - piena di vitalità e dopo la malattia. Nelle sue opere il ritratto non solo diventa un genere indipendente, ma raggiunge anche vette senza precedenti. Tutta la sua opera può essere definita arte ritratto.
Questa svolta è in gran parte spiegata dal fatto che Rembrandt, a differenza dei cattolici Rubens e Poussin, era protestante. Prima dell’avvento del protestantesimo, l’uomo non cercava consapevolmente di separarsi dagli altri. Al contrario, non si considerava al di fuori della comunità collettiva. Nell'antichità tale comunità era sostenuta da norme politiche e morali. Nel Medioevo il cristianesimo rafforzò i suoi fondamenti precedenti con una comunità di fede.
Il protestantesimo ha violato questa tradizione, attribuendo a se stesso la responsabilità principale del destino di una persona. Ora la questione della salvezza diventava innanzitutto una questione personale per ciascuno. Un profondo cambiamento si è verificato nella coscienza dell'uomo occidentale e Rembrandt è stato il primo a sentire profondamente i cambiamenti in atto e ad esprimerli nella sua arte.
Di prestare molta attenzione ai tuoi segreti vita interiore, molte opere del primo periodo dell'opera di Rembrandt, e soprattutto i suoi autoritratti, parlano della ricerca della propria verità personale. Ciò è dimostrato anche dai suoi dipinti come “Apostolo Paolo in prigione”, “Cristo in Emmaus”, ecc., Dove vengono alla ribalta esperienze psicologiche e riflessioni sul significato della vita e dell'esistenza. Nel periodo maturo e soprattutto dopo il famoso "Visione notturna" queste tendenze stanno diventando ancora più forti. Appaiono in modo particolarmente vivido nei dipinti “Ritratto di un vecchio in rosso” e “Ritratto di una vecchia signora”. Il dipinto “The Syndics” diventa l’apice dell’arte della ritrattistica di gruppo.
Nell'ultimo periodo della sua opera, Rembrandt si è tuffato sempre più nelle profondità della coscienza umana. Invade un problema completamente nuovo per l'arte europea: il problema della solitudine umana. Un esempio di ciò sono i suoi dipinti “Filosofo”, “Ritorno figliol prodigo».
Arte del XVII secolo. Stile barocco.
Passare dal Rinascimento al XVII secolo. nella visione del mondo e nella psicologia delle persone - questa è una transizione dalla fede illimitata nell'uomo, nella sua forza, energia, volontà, dalle idee su un mondo armoniosamente organizzato con un eroe umano al centro, prima alla delusione, disperazione o scetticismo, a alla tragica dissonanza dell'uomo e del mondo, e poi a una nuova affermazione dell'uomo come particella di un mondo immenso, infinitamente diverso e mobile. L'uomo sembra riconquistare il suo posto, ma non più come centro dell'universo, bensì in un rapporto complesso con la natura, la società, lo Stato e l'ambiente. Le azioni di una persona non sono più percepite come espressione diretta della sua volontà, ma come il risultato finale della diversa azione delle forze.
In questo periodo furono scritte le tragedie di Shakespeare, il romanzo di Cervantes, la prima utopia socialista di Tommaso Moro e gli insegnamenti di Giordano Bruno. Si manifestò il feroce fanatismo di Ignaci Laiola, il fondatore dell'ordine dei Gesuiti. Nei secoli XVI-XVII. Furono scoperte nuove terre dall'Alaska all'America, furono inventati un telescopio e un microscopio.
Arte del XVII secolo associato a tre stili principali: barocco, classicismo e realismo.
Visione del mondo del XVII secolo. permeato dal senso della tragica contraddizione tra l'uomo e il mondo, in cui lui, l'uomo, non occupa il primo posto, ma è dissolto nella sua diversità. L'Italia diventa la capitale di un nuovo stile - barocco. La logica velata dello stile barocco. Il barocco combinava le caratteristiche del misticismo, della fantasia, dell'irrazionalità, della maggiore espressività con la sobrietà e la razionalità, l'efficienza borghese. Nei temi religiosi prevalgono le storie di miracoli e martiri. La maestosità, la moderazione e la staticità del Rinascimento sono sostituite dall'amore per la dinamica. L'arte è costruita sui contrasti e tende ad essere sovraccarica di motivi decorativi. Il barocco è dominato da complesse forme curvilinee. Vengono utilizzate illusioni visive. In architettura il principio plastico prevale su quello tettonico. All'epoca barocca è legata l'organizzazione di grandi complessi e spazi ambientali: piazze, palazzi, parchi, residenze di campagna.
Caratteristiche dell'architettura. XVII-XVIIIOsecolo.
Lo stile barocco cominciò ad assumere forme visibili alla fine del XVI secolo. (Chiesa del Gesù Vignola; dipinto della cupola di D.-B. Gauli, seconda metà del XVII secolo). Si è sviluppato nei paesi europei nel corso del XVII secolo. e la prima metà del XVIII secolo. Ma in Austria e Germania nel XVII secolo. Quasi nessuna costruzione monumentale è stata realizzata. In Inghilterra, alcuni segni di questo stile sono stati notati solo dalla metà del XVII secolo. Nell'architettura italiana, lo stile barocco si estendeva sia all'aspetto esterno che a quello interno dell'edificio. In Francia, all'esterno si osservano caratteristiche del classicismo e all'interno del barocco. In Inghilterra, il barocco appare piuttosto come una sfumatura di classicismo: classicismo “barocco”.
Italia. L'architettura dei palazzi, delle ville e delle chiese barocche in Italia è associata ai nomi di Lorenzo Bernini, Guarino Guardi, Francesco Borromini, C. Rainaldi (la Chiesa di Santa Maria in Campitelli a Roma), Baldassare Longhen, Carmo Maderna.
Uno dei primi monumenti architettonici costruiti in stile barocco è la Chiesa del Gesù, costruita dall'Ordine dei Gesuiti di recente fondazione. La facciata appare più solida, unitaria e apparentemente mobile. Precedentemente la facciata era divisa in parti uguali da lesene identiche. Adesso le forme si addensano e si gonfiano verso il centro. Grandi volute ondulate collegano il livello superiore con quello inferiore. Una trabeazione allentata (con sporgenze sopra un gruppo di pilastri) è una caratteristica indispensabile del barocco. Gli edifici sono progettati per essere percepiti obliquamente. Viene così esaltata la fluidità, l'ondulazione e la densità delle forme.
Carmo Maderna ha curato il completamento della Basilica di San Pietro a Roma. Lorenzo divenne il suo successore nella costruzione della cattedrale. Bernini. Crea un'enorme piazza davanti alla cattedrale. I colonnati schermano gli edifici disordinati e costituiscono una monumentale “fondale” per le processioni religiose. Bernini organizza due piazze, “infilate” su un unico asse con la cattedrale: ovale e trapezoidale. Bernini è uno scultore eccezionale (composizione “L'Estasi di Santa Teresa” nella Chiesa di Santa Maria della Vittorio). Lorenzo Bernini è un maestro dotato e colto. Realizzò progetti per templi, palazzi, fontane, complessi architettonici, statue, ritratti scultorei, scenografie teatrali, lapidi di papi (sopravvisse a 9 papi). Bernini era orgoglioso di poter paragonare la scultura alla pittura.
Lo stile barocco fu portato alla massima espressività delle forme da Francesco Borromini. Ama piegare e torcere la superficie dei muri in diverse direzioni. A volte queste curve sono lente, a volte più energiche. La Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane ha tagliato gli angoli.
Gli interni degli edifici barocchi sono ancora più spettacolari. Borromini nella chiesa di Sant'Iva realizzò la pianta interna in una forma che ricorda la sagoma di un'ape. Le api erano raffigurate sullo stemma della famiglia Barberini, da cui proveniva il successivo papa che commissionò la chiesa. La raffinatezza della struttura spaziale stessa ha dato origine a molti effetti di luce e ombra. Qui sono stati utilizzati marmo, stucchi e sculture.
Tipico dell'architettura barocca veneziana è il Palazzo Pesaro (architetto B. Longen), che si distingue per la ricca decorazione esterna. L'edificio è a tre piani, il primo piano è massiccio, rivestito in bugnato. Ai piani superiori vengono utilizzati un ordine, finestre ad arco e sculture.
Nei secoli XVII-XVIII. Emergono grandi complessi di giardini e parchi. Emerge lo stile del parco all'italiana. Villa Aldobrandini si configura come un parco terrazzato, la cui composizione si sviluppa lungo l'asse principale. Qui vengono utilizzate cascate d'acqua.
IN Spagna Sono visibili tradizioni gotiche e caratteristiche moresche nell'architettura. I più alti risultati del barocco spagnolo sono associati al lavoro dell'architetto José Churriguera e dei suoi studenti. Non era solo un architetto, ma era anche impegnato in lavori decorativi (decorando il palazzo cerimoniale dell'Isuit College). Lo stile churrigueresco, come veniva chiamato in Spagna, è caratterizzato da una ricchezza di intrecci fantasticamente complessi e intricati di forme decorative e dal dinamismo della composizione. Alcuni motivi sono enfatizzati da antichi monumenti messicani e peruviani (Monastero della Certosa a Granada). L'altare del Transportente nella cattedrale della città di Toledo (XVIII secolo) appartiene allo stile barocco. Seconda metà del XVIII secolo. in Spagna fu segnato dal rafforzamento del classicismo.
Francia. Architetto Louis Levo a metà del XVII secolo. continua la costruzione del Louvre, costruisce il castello di Vaux le Vicomte insieme al pittore decorativo Lebrun e all'architetto Le Nôtre per il ministro delle Finanze Fouquet. Luigi XIV iniziò la costruzione di Versailles (1661-1708) all'età di ventidue anni, rifiutando decisamente il consiglio del ministro Colbert di completare la residenza dei suoi antenati: il Louvre a Parigi. Durante il periodo barocco il colore diventa un mezzo astratto per ritmare lo spazio ed esaltare la percezione della profondità. I lavori decorativi a Versailles sono eseguiti da Charles Lebrun. La Francia è caratterizzata dalla decorazione barocca delle sale e dalle sculture all'esterno. Le facciate degli edifici sono classicamente sobrie.
Il nome dell'architetto Hardouin Mansart è associato alla terza fase della costruzione di Versailles nella seconda metà del XVII secolo. Costruisce la Cattedrale degli Invalides, l'edificio più grande della capitale francese. Ha creato una delle piazze principali di Parigi: Vendôme.
Nel XVIII secolo Predomina lo stile rococò. Si stanno costruendo pochi nuovi edifici. Si tratta principalmente di ristrutturazioni interne. L'ornamento diventa piccolo, a volte asimmetrico (decorazione dell'Hotel Soubise, architetto Delamere, 1730).
Interessante la Chiesa di San Lorenzo a Torino (1668-1687). Qui l'architetto Guardi sfruttò le possibilità dei progetti dell'epoca.
Germania caratterizzato dall'eterogeneità stilistica e dalla presenza di influenze straniere in varie regioni del Paese all'inizio del XVIII secolo. A ovest si fa sentire l'influenza della Francia, a nord - i Paesi Bassi, a sud - l'Italia. Come rappresentante del tardo barocco in Germania, l'architetto Balthasar Neumann (1687-1753) iniziò nel 1743 la costruzione della Chiesa dei Quattordici Santi sulla cima di una montagna sopra il fiume Meno. Nelle chiese italiane tardo barocche la cupola era spesso immersa nella semioscurità, ma nella Chiesa dei Quattordici Santi la luce penetra attraverso grandi finestre su tutti i lati. Edifici in stile barocco includono la Chiesa di San Giovanni Nepomuceno a Monaco (prima metà del XVIII secolo, architetto E.-K. Azam), lo Zwiinger a Dresda (prima metà del XVIII secolo, architetto Peppelman),
Nel XVIII secolo Lo stile rococò appare negli interni di Germania e Austria. Il francese François Cuvillier contribuì allo sviluppo del rococò in Germania (padiglione Amalionburg a Nymferburg vicino a Monaco).
Il Belgio ha mostrato lo stile barocco più chiaramente dell'Olanda.
Inghilterra. Il principale maestro della seconda metà del XVII secolo - inizio del XVIII secolo. era Christopher Wren. La sua opera più grande è la Cattedrale di San Pietro a Londra. Il progetto combinava il tipo di chiesa basilicale e quella con cupola centrale. La facciata, fiancheggiata da due portici, ricorda il gotico inglese, ma decorata da un ordine. L'architettura nel suo insieme è classica, il barocco si manifesta nell'enfatizzata monumentalità e in una certa pittorescità delle torri. La classica sobrietà è evidente anche in un'altra delle opere di Wren, il Greenwich Hospital sulle rive del Tamigi.
Il contemporaneo di Wren fu John Vanbrough, il più barocco di tutti i maestri inglesi. Il castello di Blenheim (1705) ricorda compositivamente Versailles.
Interno barocco. XVII secolo – il secolo del mobile con un segreto. Qui viene utilizzato un doppio, a volte triplo fondo. I mobili tedeschi ricordavano l’architettura. Cliccando su una rosa, ad esempio, si estrae un mobiletto. In questo momento compaiono carillon e arazzi. Roma ha inventato l'armadio con gruccia (prima c'erano le cassapanche). L'architetto Charles Boulle ha inventato la cassettiera. La porcellana Meissen in Germania ha donato figurine di porcellana.
Lo “Style Bull” è uno stile di arredamento del palazzo che prende il nome dal maestro di corte di Luigi XIV, Andre Charles Bull (1642-1732). Caratteristiche caratteristiche dello stile: l'uso principalmente di ebano, decorazioni di cornici in bronzo riempite con inserti di tartaruga, madreperla e altri materiali, aste, rosette. La base compositiva era un pannello con l'introduzione di figure umane incorniciate da ornamenti ritorti.
Nelle composizioni architettoniche barocche più sorprendenti, lo spazio statico si risolve come spazio dal ritmo dinamico. Il colore è stato utilizzato per lo stesso scopo. Si separa dal significato oggettivo e diventa un mezzo astratto per articolare lo spazio. Viene utilizzato per esaltare la profondità (opere dell'artista viennese Maulbertia (1724-1796)).
Nell'Italia del XVII secolo. l'atrio è concepito come un salone principale, da dove è possibile salire una scala monumentale fino all'anticamera, e poi al salone principale. Fino alla metà del XVII secolo. i soffitti avevano forma prevalentemente piana; successivamente furono sostituiti dalle cosiddette volte a specchio (in legno) su circonferenze sviluppate, ricoperte da intonaco dipinto. I piani delle pareti erano decorati con elementi di ordini e stucchi. I soffitti erano delimitati da tiranti e cornici in cui erano collocati i dipinti, creando l'effetto di sfondamento dello spazio grazie alle immagini prospettiche e agli angoli delle figure. Nelle stanze più piccole, le pareti erano ricoperte di tessuti e ricoperte di dipinti. L’ornamentazione barocca italiana si basa su temi rinascimentali. L'arte applicata sta raggiungendo uno sviluppo eccezionale, le cui caratteristiche sono state in gran parte determinate dall'artista di corte Charles Lebrun.
SistoVe l'impianto della Roma barocca. Sisto V tracciò le strade non tenendo conto degli edifici esistenti, ma basandosi sulle esigenze della struttura topografica di Roma.
L'architetto Barromini era originario delle regioni settentrionali dell'Italia. La sua carriera iniziò con il lavoro come muratore nella costruzione di St. Petra. La Chiesa di San Carmo (1167) fu costruita con i fondi dell'ordine monastico spagnolo dell'ordine francescano. La costruzione della Chiesa di Sant'Ivo a Roma durò 25 anni (1642-1667) a spese dell'ordine dei Gesuiti. La stella a sei punte, motivo preferito di Barromini, rappresenta l'invisibile nucleo centrale su cui si fonda la pianta di Sant'Ivo. Con la sua interpretazione delle murature e del piano costruttivo, Barromini introdusse nell'architettura una nuova idea di plasticità delle forme. Lui. Ha aggiunto dinamismo all'intero aspetto architettonico dell'edificio. Il muro ondulato, i segmenti evidenziati della cupola della Chiesa di Sant'Ivo, il completamento della cupola sotto forma di una spirale diretta verso il cielo: tutti questi sono percorsi verso un unico obiettivo. L'influenza di Barromini si diffuse in tutta Europa e influenzò anche la pianificazione delle città, nonostante la condanna degli architetti accademici francesi e inglesi nel corso del XVIII e gran parte del XIX secolo.
introduzione
La parola italiana "barocco" significa letteralmente "strano", "bizzarro". Questo nome è molto coerente con le peculiarità della direzione stilistica in Arte europea dalla fine del XVI secolo alla metà del XVIII secolo. Nella storia dell'arte del XIX e soprattutto del XX secolo, il termine “barocco” cominciò a designare tutta l'arte europea dei secoli XVII e XVIII. (Dizionario enciclopedico di un giovane artista)
I teorici dell'arte moderna tendono a separare le manifestazioni formali dell'arte barocca dal suo pathos di affermazione della vita, e quindi la storia generale delle forme artistiche nell'arte può apparire come un contrasto tra barocco e classicismo. (Germaine Bazin "Barocco" e "Rococò")
Il classicismo si riferisce allo stile e alla direzione artistica dei secoli XVII-XIX. La base filosofica del classicismo era l'idea di un modello ragionevole del mondo, il primato della ragione e del dovere sociale nella vita delle persone e una cultura bella e nobilitata. L'arte del classicismo è caratterizzata dal desiderio di esprimere grandi contenuti sociali e nobili ideali eroici e morali. (Dizionario enciclopedico di un giovane artista)
Il teorico tedesco Wölfflin ha descritto le caratteristiche formali di ciascuna di queste due direzioni. Credeva che l'arte classica fosse rivolta alla natura: è l'arte dell'osservazione, il suo obiettivo è trovare dietro le manifestazioni esterne la profonda verità che determina l'ordine universale delle cose. Il classicismo si distingue per semplicità e chiarezza; le sue parti che compongono l'integrità sono autosufficienti, sono statiche e chiuse nei loro confini. Al contrario, l'artista barocco si sforza di mostrare l'intera diversità del fenomeno, di comprenderne il flusso in continuo rinnovamento, le sue composizioni sono dinamiche, aperte e tendono a uscire dai loro confini, gli elementi da cui sono composte sono collegati da un’unica azione organica e non possono essere separati l’uno dall’altro.
La propensione del barocco al pathos porta i maestri di questo movimento a scegliere soggetti drammatici, a rappresentare sofferenza ed emozioni vivide, vita e morte nelle loro manifestazioni più drammatiche, mentre gli artisti del classicismo si sforzano di mostrare una persona in completo controllo di se stessa.
Il classicismo divenne il culmine dell'arte classica, che ispirò molti artisti anche durante il periodo di massima fioritura del barocco, proprio quelle idee. Che costituì la base dell'estetica francese e determinò il gusto artistico in Inghilterra. (Germain Bazin "Barocco" e "Rococò").
Barocco
L'arte del "barocco" prese forma e fiorì in Italia, dove lavorò il più grande architetto e scultore L. Bernini, il pittore, il capo del realismo democratico Caravaggio, i seguaci dell'accademismo dei fratelli Carracci, ecc. Lo stile era progettato per glorificare e promuoveva il potere della nobiltà e della chiesa, esprimeva idee progressiste sull'unità, l'illimitatezza e la diversità del mondo, sulla sua complessità e variabilità. La caratteristica fondamentale del “Barocco” può essere considerata il suo desiderio di sintesi delle arti, l'unificazione di architettura, scultura, pittura e arte decorativa. La sintesi delle arti classiche comprendeva l'arte monumentale, caratteristica degli stili barocco, rococò e classicista della cultura artistica russa della seconda metà del XVIII secolo.
L'arte barocca è dominata da magistrali composizioni decorative di natura religiosa, mitologica o allegorica, ritratti cerimoniali che sottolineano lo status sociale privilegiato di una persona.
La particolarità del "Barocco" non è l'osservanza dell'armonia rinascimentale per amore di un contatto più emotivo con lo spettatore. Gli effetti compositivi, espressi in audaci contrasti di scala, colore, luce e ombra, divennero di grande importanza. Ma allo stesso tempo, gli artisti barocchi si sforzano di raggiungere l'unità ritmica e cromatica, il pittoresco dell'insieme.
Il "barocco" si diffuse nelle Fiandre (famosi rappresentanti del "barocco" nelle Fiandre - P. P. Rubens, F. Sneijdars, J. Jordaens, A. Van Dyck), in Spagna, Portogallo, Germania meridionale, Austria, Repubblica Ceca, Slovacchia , Croazia, Ucraina occidentale, Lituania. In Francia, il "barocco" si è fuso con il classicismo in un unico stile lussureggiante.
In Russia, le riforme di Pietro 1, la crescita e il rafforzamento della nobile monarchia nella prima metà del XVIII secolo contribuirono al fiorire dell'arte barocca, che rifletteva non solo il desiderio della nobiltà per un nuovo modo di vivere, ma anche un ampio sentimento pubblico, un senso di orgoglio per i successi dello Stato e del popolo. L'architettura barocca russa ha raggiunto una portata maestosa, una grande integrità e un dinamismo negli insiemi urbani e suburbani di San Pietroburgo, Peterhof (Petrodvorets), Tsarskoye Selo (Pushkin), Mosca - architetti V. Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevokinsky. Le belle arti si sono rivolte a temi sociali secolari, all'immagine di uno statista. Nei ritratti, lo sfarzo delle composizioni si combinava con l'autenticità delle caratteristiche del personaggio (scultura di K.B. Rastrelli, dipinto di I.N. Nikitin, A.P. Antropov).
Uno degli stili dominanti nell'architettura e nell'arte europea tra la fine del XVI e la metà del XVIII secolo, il "barocco" si affermò nell'era della formazione intensiva di nazioni e stati nazionali (principalmente monarchie assolute). Il barocco incarnava nuove idee sull'unità, l'illimitatezza e la diversità del mondo, sulla sua drammatica complessità e variabilità eterna; interesse per l'ambiente reale, per gli elementi naturali che circondano l'uomo, il "barocco" sostituì la cultura artistica umanistica del Rinascimento e il sofisticato soggettivismo dell'arte del manierismo. Abbandonando le idee inerenti alla cultura classica rinascimentale sull'armonia e le rigide leggi dell'esistenza, sulle possibilità illimitate dell'uomo, della sua volontà e della ragione, l'estetica barocca è stata costruita sulla collisione tra l'uomo e il mondo, i principi ideali e sensuali, la ragione e il potere delle forze irrazionali. L'uomo nell'arte barocca appare come una personalità poliedrica, con un mondo interiore complesso, coinvolto nel ciclo e nei conflitti dell'ambiente.
L'arte barocca è caratterizzata da grandiosità, sfarzo e dinamica, euforia patetica, intensità di sentimenti, passione per spettacoli spettacolari, una combinazione di illusorio e reale, un forte contrasto di scale e ritmi, materiali e trame, luce e ombra.
La sintesi delle arti barocche, che è di natura globale e colpisce quasi tutti gli strati della società (dallo stato e dall'aristocrazia alle classi inferiori urbane e in parte ai contadini), è caratterizzata da un'unità solenne, monumentale e decorativa che stupisce l'immaginazione con il suo ambito. Un insieme cittadino, una strada, una piazza, un parco, una tenuta - cominciarono a essere intesi come un insieme artistico che si sviluppa nello spazio, spiegandosi davanti allo spettatore in vari modi. Palazzi e chiese barocchi, grazie alla lussuosa e bizzarra plasticità delle facciate, al gioco inquieto di chiaroscuri, complessi piani curvilinei e contorni acquisirono pittoricità e dinamismo e sembravano fondersi con lo spazio circostante. Gli interni cerimoniali degli edifici barocchi erano decorati con sculture, modelli e intagli multicolori. Specchi e dipinti ampliavano illusoriamente lo spazio e la verniciatura dei soffitti creava l'illusione di volte aperte. L'idealizzazione delle immagini si combina con dinamiche violente, effetti compositivi e ottici inaspettati, realtà con fantasia, affettazione religiosa con sensibilità accentuata, e spesso con acuta naturalezza e materialità delle forme, al limite dell'illusorio. Nelle opere d'arte barocche, oggetti e materiali reali sono inclusi in coppia (statue con capelli e denti veri, cappelle fatte di ossa, ecc.).
Nella pittura Grande importanza acquisire un'unità emotiva, ritmica e coloristica dell'insieme, spesso una rilassata libertà di tratto; nella scultura, una pittoresca fluidità della forma, un senso di variabilità nella formazione di un'immagine, una ricchezza di aspetti e impressioni.
In Italia, la culla del Barocco, alcuni dei suoi presupposti e delle sue tecniche apparvero nel XVI secolo nel cavalletto e nel pittura decorativa Correggio, opere di Caravaggio, edifici di G. Vignola (tipologia della chiesa del primo barocco), scultura del Giambologna. Lo stile barocco trovò la sua incarnazione più completa e vivida nelle opere dell'architetto e scultore L. Bernini, dell'architetto F. Borromini e del pittore Pietro da Cortona, piene di affettazione religiosa e sensuale. Successivamente, il barocco italiano si è evoluto fino ai fantastici edifici di G. Guarini, alla bravura pittorica di S. Rosa e A. Magnasco, alla vertiginosa leggerezza dei dipinti di G.B. Tiepopo. Nelle Fiandre, la visione del mondo nata dalla rivoluzione borghese olandese del 1566-1602 introdusse nell'arte barocca potenti principi realistici che affermavano la vita (i dipinti di P. P. Rubens, Van Dyck, J. Jordaens). Nella Spagna del XVII secolo, alcuni tratti barocchi apparvero nell'architettura ascetica della scuola di H.B. de Herrera, nella pittura realistica di J. de Ribera e F. Zurbaran, la scultura di J. Montanez. Nel XVIII secolo, nei palazzi di H.B. de Churreguers, le forme barocche raggiunsero una complessità e una sofisticazione decorativa inconsuete (ancora più ipertrofiche nei paesi “ultrabarocchi” America Latina). Lo stile barocco ricevette un'interpretazione unica in Austria, dove fu combinato con le tendenze rococò (architetti I.B. Fischer von Erlach e I.L. Hildebran, pittore F.A. Maulberich) e con gli stati assoluti della Germania (architetti e scultori B. Neumann, A. Schlüter, M.D. Peppeman, i fratelli Azam, la famiglia Dinzehofer, che lavorò anche nella Repubblica Ceca), in Polonia, Slovacchia, Ungheria, Slovenia, Croazia, Ovest. Ucraina, Lituania. In Francia, dove il classicismo divenne lo stile dominante nel XVII secolo, il barocco rimase una tendenza laterale fino alla metà del secolo, ma con il completo trionfo dell'assolutismo, entrambe le direzioni si fusero in un unico pomposo grande stile (la decorazione delle sale di Versailles, il pittore C. Leburn). Il concetto di “barocco” a volte si estende erroneamente all’intera cultura artistica, compresi fenomeni lontani dal barocco nel contenuto e nello stile (ad esempio, il “barocco di Naryshensky” o il “barocco di Mosca” nell’architettura russa). In molti paesi europei si svilupparono vivaci scuole realistiche nazionali, basate sia sulle tecniche del caravaggismo che sulle tradizioni artistiche locali del realismo. Erano espressi più chiaramente nell'opera unica e originale dei grandi maestri (D. Velazquez in Spagna, F. Hals, J. Wermeer di Delfot, Rembrandt in Olanda, ecc.), fondamentalmente diversi e talvolta deliberatamente opposti concetti artistici barocco.
L'epoca barocca fu segnata ovunque dallo sviluppo dell'arte monumentale e dell'arte decorativa e applicata, strettamente interconnessa con l'architettura. Nella prima metà del XVIII secolo, il barocco si evolse nell'elegante leggerezza dello stile rococò, corrispondendo e intrecciandosi con esso, e dagli anni Settanta del Settecento. ovunque sostituito dal classicismo.
Classicismo
Dopo essere entrato in un periodo di declino alla fine del XVII secolo, il classicismo venne ripreso durante l'Illuminismo nel XVIII secolo.
Il classicismo del Nuovo Illuminismo esistette per tutto il XVIII secolo insieme al realismo illuminista, e alla fine del secolo divenne nuovamente il movimento artistico dominante.
argomento principale L'arte del classicismo è il trionfo dei principi sociali sui principi personali, del dovere sul sentimento. Il classicismo è caratterizzato da una rigorosa organizzazione di immagini logiche, chiare e armoniose. Era, tuttavia, caratterizzato da tratti di utopismo, idealizzazione e chiarezza di immagini, che crebbero durante i periodi di crisi, quando il classicismo era associato a forze sociali reazionarie. L'architettura del classicismo è caratterizzata dalla chiarezza e correttezza geometrica dei volumi e dalla regolarità della disposizione. Portici, colonnati, statue e rilievi campeggiano sulla superficie delle pareti.
Lo sviluppo del classicismo è in gran parte legato alle Accademie delle arti di Parigi, San Pietroburgo, ecc. Nella seconda metà del secolo, il classicismo fu ripreso in Francia, Germania e Russia. In questo periodo fu associato agli ideali dell'Illuminismo e, alla fine del XVIII secolo, alle idee della Grande Rivoluzione francese.
Gli illuministi continuano in molti modi le tradizioni del classicismo del XVII secolo. Hanno trovato vicino alla posizione di una persona espressa nel classicismo, relazionandosi consapevolmente al mondo con se stesso, capace di subordinare le sue aspirazioni e passioni al dovere sociale e morale, al pathos della civiltà e al concetto razionalistico della creatività artistica.
Tuttavia, l’orientamento socio-politico del classicismo educativo sta cambiando. Nella tradizione del classicismo, Voltaire crea tragedie intrise della lotta contro il fanatismo religioso, l'oppressione assolutista e il pathos della libertà. Il richiamo all'antichità, come al mondo dei prototipi ideali, che costituiva l'essenza del classicismo, compreso l'Illuminismo, aveva radici profonde nell'ideologia dell'Illuminismo. Laddove gli illuministi cercarono di penetrare nell'impero esterno della vita, di oltrepassare i confini della vita privata, si ritrovarono, di regola, nel mondo delle astrazioni ideali, perché in tutto il loro invecchiamento procedevano dall'individuo isolato e non guardavano per l'essenza dell'uomo condizioni sociali la sua esistenza, non nella storia, ma nella natura umana astrattamente intesa.
La letteratura della Grande Rivoluzione francese, che rivestiva aspirazioni eroiche in antichi miti e leggende (le opere di M. J. Chenier e altri), è strettamente connessa al classicismo educativo. Entro i confini dell'antichità, i leader della rivoluzione, secondo la gloria di K. Marx, “trovarono gli ideali e le forme artistiche, le illusioni di cui avevano bisogno per nascondersi da se stessi
al contenuto limitato-borghese della sua lotta per mantenere la sua ispirazione al culmine della grande tragedia storica."
Influenzato Letteratura francese il classicismo si sta sviluppando anche in altri paesi europei: in Inghilterra (A. Pop, J. Addison), Italia (V. Alfieri, in parte Ugo Fosoklo), in Germania (I.K. Gottsched). Le opere classiciste di Gottsched, esempi interamente di orientamento francese, non lasciarono un segno significativo nella letteratura tedesca, e solo nella seconda metà del XVIII secolo emerse un nuovo classicismo tedesco come originale fenomeno artistico(Classicismo di Weimar).
A differenza del francese, mette in primo piano problemi morali ed estetici. Le sue basi furono gettate da I.I. Winkelman, ma raggiunse la sua vetta più alta con I.V. Goethe e F. Schiller durante il periodo della loro creatività. “Nobile semplicità”, armonia e perfezione artistica dei classici greci, sorti nelle condizioni della polis democrazia, Poeti tedeschi si è opposto allo squallore della realtà tedesca e dell'intera civiltà moderna, che paralizza le persone. Schiller e in parte Goethe cercarono nell'arte il mezzo principale per educare una personalità armoniosa e, rivolgendosi all'antichità, cercarono di creare una letteratura nuova e moderna di alto stile capace di adempiere a questo compito.
Durante l'era dell'Impero napoleonico, il classicismo perse il suo vivo contenuto progressista. Era caratterizzato da sfarzo e spettacolo ufficiali esterni, accademismo freddo e morto. Tuttavia, come movimento epigoniano, esisteva in Francia fino agli anni '30 e '40. 19esimo secolo.
A metà del XVIII secolo emerse una nuova direzione, corrispondente al classicismo illuminista nella letteratura e sviluppandosi inizialmente in polemica con il rococò. In architettura si abbandona ormai sempre più il rigido schema progettuale e si cerca di enfatizzare il significato costruttivo dell'ordine, Attenzione specialeè data la disposizione interna e flessibile di un confortevole edificio residenziale. L'ambiente ideale per una nuova tipologia di edificio classicista è l'ambiente paesaggistico di un parco “all'inglese”.
Il classicismo del XVIII secolo fu fortemente influenzato dallo sviluppo delle conoscenze archeologiche sull'antichità greca e romana (in particolare gli scavi di Ercolano e Pompei), nonché dai lavori teorici di I.I. Winkelman, IV. Goethe, F. Schiller. Nell’architettura francese di quest’epoca emergono tipologie architettoniche: una villa squisitamente intima, un edificio pubblico laconicamente monumentale, una piazza cittadina aperta (architetti J.A. Gabriel, J.J. Souflot). Il pathos civile e il sogno lirico si combinano in modi diversi nelle arti plastiche di J.B. Pigalya, E.M. Falconetto, J.A. Houdon, dipinto storico e mitologico di J.M. Vienne, paesaggi decorativi di Yu.Robber. Alla vigilia della grande rivoluzione francese in architettura c'è il desiderio di forme lapidarie severe, di immagini didattiche impressionanti, gli architetti si rivolgono sempre più ai motivi dell'arte arcaica greca Antico Egitto, talvolta ad un sistema senza radici (edifici e progetti di K.N. Ledoux, E.L. Bulle, J.J. Lequet). Queste ricerche (segnate anche dall'influenza delle incisioni architettoniche di Piranesi) sono servite come punto di partenza per tardo classicismo o stile impero.
Nelle arti visive, l'importanza principale è stata acquisita dallo sviluppo logico della trama, da una composizione chiara ed equilibrata, da una linea di contorno generalizzata pianificata e da una chiara modellazione del volume. Il colore giocava un ruolo subordinato e serviva a evidenziare accenti semantici, sottolineando il ruolo guida della costruzione lineare-volumetrica.
Nella pittura del classicismo, il più grande rappresentante del movimento rivoluzionario era J. David, la cui opera è piena di drammaticità coraggiosa e solennità della struttura figurativa. Durante l'epoca di Napoleone 1, nell'architettura dell'Impero francese si intensificarono i caratteri di lussureggiante rappresentatività, portando spesso ad un'eccessiva ricercatezza dei dettagli, che incideva anche sull'apparato decorativo. arti applicate. La pittura del tardo classicismo, nonostante la comparsa di singoli grandi maestri (Ingres), si esprime in una direzione ufficialmente apologetica.
Nella scultura (J.B. Pigalle, E.M. Falconet, J.A. Houdon in Francia, Gottfried Schadow in Germania, B. Thorvaldsen in Danimarca, A. Canova in Italia, M.I. Kozlovsky, I.P. Martos, F.F. Shchedrin in Russia), disegno, incisione - le idee di L'eroismo civico, il dovere pubblico, gli ideali educativi di nobile semplicità e calma grandezza erano espressi in forme rigorose e chiare, ispirate all'arte antica e rinascimentale, spesso in opere su soggetti antichi. La decorazione architettonica e l'arte decorativa si basavano su modelli antichi.
Il classicismo, radicato nell’architettura russa, ha svolto il ruolo di tendenza dominante in Russia per oltre mezzo secolo. La sua base era l’estetica illuminista del razionalismo, che dettava il dominio della ragione creatività artistica, - in contrasto con l'espressione e la natura sensuale, caratteristica principalmente dell'arte barocca.
Tuttavia, nel XVIII secolo il classicismo non divenne uno stile onnicomprensivo; a metà di questo secolo si formò e cominciò a svilupparsi secondo le proprie leggi una direzione romantica, strettamente connessa con l'estetica del sentimentalismo e il culto del persona “naturale”, che vive in unità con la natura e libera da ogni tipo di oppressione.
Nell'architettura europea del XVII e XVIII secolo si svilupparono parallelamente due stili: il barocco e il classicismo. Il classicismo era chiamato stile "neo-greco" o "pompeiano". Il desiderio di aderire al classicismo in architettura fu chiamato anche “paladianesimo”.
In Francia il classicismo è lo stile di “Luigi 16”; in Spagna il classicismo era associato al nome dell’architetto Herrera Juan Batista De e veniva chiamato “Erresco”.
L'evoluzione dello stile architettonico del Classicismo alla fine del XVIII secolo portò alla sua degenerazione nell'architettura Impero. Lo stile transitorio era lo “stile del Direttorio francese”.
IN Stato russo stile architettonico Il classicismo arrivò alla fine dei secoli XVIII-XIX e prese una posizione forte, sostituendo il barocco russo. Il classicismo, sostenuto come stile ufficiale della famiglia imperiale, si diffuse rapidamente Capitali russe e i suoi centri provinciali.
Nuovi complessi di palazzi per i membri della famiglia imperiale furono progettati e costruiti in un nuovo stile architettonico. Lo stesso stile fu replicato in provincia, nei grandi e piccoli edifici immobiliari della nobiltà russa.
Come in altri paesi europei, nell'impero russo un nuovo stile architettonico - il classicismo - acquisì un certo carattere, che successivamente permise di introdurre in circolazione un concetto scientifico come il classicismo russo nell'architettura teorica.
Il classicismo russo è caratterizzato dalle seguenti caratteristiche:
Applicazione nello sviluppo della composizione complessiva dell'edificio degli schemi di ordine greco classico sotto forma di colonnati, portici, facciate;
Riconoscimento dei segni di simmetria come base per lo sviluppo della composizione architettonica di templi, palazzi e altri tipi di edifici;
L'uso di rigorosi contorni rettangolari di piani e facciate di edifici di tutti i tipi;
L'uso di forme scultoree classiche nell'architettura esterna ed interna.
Proprio come nell'architettura europea, in Russia lo stile architettonico del classicismo si è evoluto nello stile impero, un derivato russo dell'"impero" francese.
Arte barocca (XVII secolo).
Caratteristiche principali del Barocco:
· Principali caratteristiche del Barocco:
· Contrasti in ogni cosa, incoerenza
· Sfarzo, pretenziosità, teatralità, voglia di sorprendere, accumulazione di dettagli
· Dinamismo (culto del movimento)
· Patetico (emotività esagerata)
·Priorità del personale
· Spostamento delle proporzioni, perdita di armonia e simmetria
La versione più comune dell'origine del termine "Barocco" deriva da una parola spagnola che significa perla di forma irregolare. Le caratteristiche principali del barocco sono lo sfarzo, la solennità, lo splendore, il dinamismo e il carattere di affermazione della vita. L'arte barocca è caratterizzata da audaci contrasti di scala, luce e ombra, colore e una combinazione di realtà e fantasia. È particolarmente necessario notare nello stile barocco la fusione di varie arti in un unico insieme: una sintesi di architettura, scultura, pittura e arti decorative. Questo desiderio di sintesi delle arti è una caratteristica fondamentale del Barocco. Lo stile barocco aveva lo scopo di glorificare e propagare il potere del governo, della nobiltà e della chiesa, ma allo stesso tempo esprimeva idee progressiste sulla complessità dell'universo, sull'illimitatezza e la diversità del mondo, sulla sua variabilità. L'uomo nell'arte barocca è percepito come parte del mondo, come una personalità complessa che vive drammatici conflitti.
Nelle opere barocche c'è un ritmo tempestoso e rapido del ritmo della vita stessa, un'esplosione emotiva, un'esagerazione nell'espressione dei sentimenti. Se nell'arte del Rinascimento i principi terreni, fisici e spirituali erano organicamente combinati, allora nel Barocco vediamo il loro conflitto. Gli elementi della natura e gli elementi dello spirito sono in costante conflitto. L'arte barocca è arte patetica. L'immagine barocca è sempre attiva in relazione allo spettatore, cattura i suoi sensi, fa appello alle sue emozioni.
Nel XVII secolo pochi potevano credere alla dichiarazione di Pico della Mipandolda: l'uomo crea se stesso e il proprio destino ed è libero di elevarsi al livello di un essere divino. L'umanità si è convinta che l'individuo stesso sia in balia del tempo. Questo senso del tempo, del flusso, della mutevolezza è un tratto caratteristico della visione del mondo dell'era futura: l'uomo non pensa a se stesso in termini di stabilità, come avveniva nel Rinascimento e soprattutto nel Medioevo. "Il mondo intero è un'altalena eterna", afferma Michel Montaigne. - Non riesco a fissare l'oggetto che sto raffigurando. Vaga, barcollante e disordinato, perché così è stato creato dalla natura. Lo prendo così com'è di fronte a me nel momento in cui mi occupa. E non lo dipingo immobile”.
La personalità stessa è soggetta alla legge della variabilità. È tutt'altro che onnipotente e non è il centro dell'universo e l'apice dell'universo. Non onnipotente, ma interessante nei suoi cambiamenti. Questi aspetti transitori sono ciò che gli artisti barocchi si sforzano di catturare.
Abbandonando le idee inerenti alla cultura rinascimentale classica sull'armonia e le rigide leggi dell'esistenza, sulle possibilità illimitate dell'uomo, della sua volontà e ragione, l'estetica barocca fu costruita sulle antitesi dell'uomo e del mondo, principi ideali e sensuali, ragione e il potere delle forze irrazionali. L'uomo nell'arte barocca non appare più come il centro dell'Universo, ma come una personalità poliedrica, dotata di mondo complesso esperienze coinvolte nel ciclo degli eventi. L'arte barocca fu influenzata anche dai movimenti contadini e plebei antifeudali, dalle rivoluzioni borghesi, che introdussero in essa un flusso di aspirazioni ribelli democratiche
Architettura.
Caratteristiche: forma complessa, asimmetria, curvilinearità, abbondanza di modanature in stucco, uso dell'ordine a scopi decorativi.
La principale forma d'arte è l'architettura. Nel Rinascimento vi era uguaglianza tra le arti. Nel barocco la dominante è determinata dall'architettura.
Le forme architettoniche barocche sono l'opposto della geometria rigorosa. Il centrico è sostituito da uno persistente, il cerchio è sostituito da un ovale, il quadrato è sostituito da un rettangolo, la chiarezza di proporzioni chiare è sostituita da una varietà di volumi architettonici. Gli edifici sono riccamente decorati con sculture e stucchi. Vengono utilizzati i moduli d'ordine tradizionali, ma modificati in modo tale da creare una sensazione di proporzioni spezzate. Il Barocco è nato in Italia. Fu qui che si formarono le caratteristiche principali dello stile. Le cattedrali cattoliche si distinguono per la varietà delle forme e lo splendore delle decorazioni. Ma l'innovazione è particolarmente visibile negli insiemi di parchi, piazze e strade. Gli architetti crearono un nuovo sistema di pianificazione, dando alle strade una linea retta e terminandole con piazze. Fu a Roma che fu attuato per la prima volta il sistema delle tre strade, raggi divergenti dalla piazza. Gli incroci stradali erano contrassegnati da obelischi e le piazze erano decorate con fontane. La creazione di complessi architettonici è il merito principale del barocco.
Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564). Per la prima volta elementi dello stile barocco si trovano in Michelangelo nella sua Biblioteca Laurenziana e nella Basilica di San Pietro a Roma. L'uso di linee curve, il cambiamento del significato del muro, l'uso di dettagli architettonici: tutte queste tecniche innovative di Michelangelo costituiranno la base dei principi dello stile barocco. Michelangelo può essere definito l'ultimo architetto del Rinascimento e il primo architetto del Barocco.
Lorenzo Bernini (1598 - 1680). Architetto, scultore, pittore, decoratore. Considerato il creatore del Barocco. Le opere stupiscono per la loro portata spaziale, lo sfarzo e lo splendore della decorazione, gli audaci effetti prospettici e la sintesi olistica delle arti. Ha combinato organicamente architettura e scultura, ha utilizzato dorature, vari materiali ed effetti di luce. (Insieme della piazza della Basilica di San Pietro a Roma, interni nelle chiese romane).
Giacomo della Porta. Chiesa del Gesù a Roma.
Francesco Borromin. Chiesa di San Carlo a Roma.
Scultura.
Caratteristiche: dinamismo, chiaroscuro, creazione di gruppi scultorei, patetico.
L’architettura barocca non può essere immaginata senza la scultura. Secondo il suo scopo, la scultura barocca è divisa in cultuale e secolare.La scultura di culto è stata creata su un soggetto biblico, principalmente scene di miracoli e martirio (singole statue, gruppi scultorei, composizioni in rilievo, lapidi scultoree). Il dinamismo, le pose spettacolari e gli slanci di passione di queste sculture non ricordano affatto gli asceti e gli asceti medievali. nobili eroi Rinascimento. La scultura secolare è rappresentata da ritratti cerimoniali di monarchi e nobiltà, sculture per fontane e giardini cittadini. scultura del parco. Una caratteristica tipica della scultura barocca è l'interazione con l'ambiente: acqua, aria, luce, pareti e giardini. Queste opere si perdono nell'ambiente museale; necessitano di una cornice architettonica. Inoltre, gli artigiani hanno cercato di superare la passività della materia, di spiritualizzare e infondere emozioni nella pietra e nel bronzo.
Il materiale è soggetto all'ambiente artistico.
Bernini: Estasi di Santa Teresa, interno della Basilica di San Pietro, David, Luigi XXIV, Fontana di Trevi.
Pittura.
Caratteristiche: eroe sensibile, patetico, asimmetria, complessità della composizione, colori intensi, contrasto di luci e ombre, angoli complessi, composizione diagonale.
I principali clienti erano la Chiesa cattolica (la Controriforma spingeva alla ricerca di nuovi modi per attrarre credenti e stabilire il primato del cattolicesimo in Europa) e le corti reali (le monarchie assolutiste che si erano sviluppate nella maggior parte dei paesi europei richiedevano elogi). Il barocco, con i suoi elementi di esagerazione, espressione e pathos, serviva perfettamente a questi scopi. Le caratteristiche della pittura barocca sono la forma e la composizione complesse (il più delle volte diagonali), l'abbondanza di angoli diversi, il culto del movimento, la ricchezza di colori e il contrasto di colore e ombra. Il colore diventa dominante, per cui la netta tridimensionalità delle forme viene sfumata. Rispetto al Rinascimento apparvero nuovi generi: scene storiche, battaglie, scene di caccia, trionfi, allegorie, paesaggi e nature morte. Tra i ritratti, il più popolare è il ritratto cerimoniale.
Pittura ad affresco prosegue fino alle plafoniere di chiese e palazzi. In essi, le nuove tecniche pittoriche potrebbero essere utilizzate in modo più chiaro. Per i paralumi veniva spesso scelto il genere del trionfo o dell'allegoria con un'abbondanza di personaggi.
Pieter Paul Rubens (1577 - 1640). Pittore-monumentalista fiammingo, grafico, architetto-decoratore, ideatore di spettacoli teatrali, scienziato-umanista. Rubens è l'incarnazione dello spirito barocco, il beniamino della felicità e il favorito della fortuna. Nelle sue opere ha instillato la libertà popolare, l'ammirazione per un corpo sano e la forza umana. Le sue opere si distinguono per la sensualità, dedicate a glorificare la bellezza della vita, la gioia di essere. Ha lavorato nei generi della pittura mitologica e allegorica, della ritrattistica. Ha scritto molto su argomenti biblici. Da vero artista barocco, Rubens dipinse corpi nudi in movimenti forti ed eccitati e, ove possibile, introdusse motivi di lotta, lotta, inseguimento e intenso sforzo fisico.
“Scene di caccia”, “Perseo e Andromeda”, “L’unione di terra e acqua”, “L’innalzamento della croce” e “La discesa dalla croce”, “Il rapimento delle figlie di Leucippo”, “Ritratto di Cameriera".
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669). Artista e incisore olandese, rappresentante del movimento realista nel barocco. In Olanda, come paese protestante, si è sviluppato un proprio tipo di pittura:
Non c'è sviluppo dell'arte monumentale e decorativa
Tipologie di quadri di piccole dimensioni sviluppati (i cosiddetti “piccoli olandesi”)
I generi popolari sono il ritratto, il paesaggio, la natura morta e il genere di tutti i giorni
La pittura religiosa viene privata della sua origine mistica e viene interpretata come una storia realistica e quotidiana
Si sta sviluppando un tipo di ritratto non cerimoniale
Il tema principale dell'arte di Rembrandt è la vita umana nei suoi momenti decisivi. Nelle sue opere ha sollevato il problema del significato morale della vita umana. A differenza di numerose opere dell'epoca barocca, nei dipinti e nelle incisioni di Rembrandt si possono trovare idee filosofiche profonde, espresse in immagini semplici e chiare. In tutte le sue opere c'è la verità della vita, non sempre carina. Ha lavorato in vari generi. I più riusciti sono i dipinti di scene bibliche e i ritratti. Nelle storie bibliche, ha cercato immagini generalizzanti eterne, scegliendo trame in cui gli eroi possono mostrare i più alti impulsi spirituali. Le sue immagini sono psicologicamente sfaccettate, è in grado di trasmettere gli impulsi emotivi più sottili: in questo Rembrandt rimane un picco irraggiungibile nella pittura mondiale. Tra i mezzi espressivi pittorici possiamo evidenziare il famoso chiaroscuro di Rembrandt e la complessa interazione tra colore e luce. C'è poca azione esterna nei dipinti di Rembrandt. L'enfasi è sul contenuto interno dell'immagine o dell'evento. Anche nei ritratti crea una caratteristica psicologica che può sostituire la biografia dell'eroe.
"Il ritorno del figliol prodigo", "Autoritratto con Saskia in ginocchio", "Ronda di notte", "Danae", "Ritratto di un vecchio in rosso".
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Data di creazione della pagina: 2016-04-15
Barocco(presumibilmente: dal portoghese perola barroca - una perla dalla forma bizzarra), stile di emozioni, dinamico, riflesso di una visione del mondo, i sentimenti prevalgono sulla mente, perché una persona si sente parte del mondo ed è impossibile capire cosa tempo, spazio - movimento potente - è una visione del mondo del 17 secolo. Queste sono poesie di movimento, sentimenti, esperienze: scene di misterioso martirio, emotività, monumentalità. Lo stile dominante nell'arte europea tra la fine del XVI e la metà del XVIII secolo. Una comprensione più ampia di B. include forme esterne di vita, carnevali, processioni e caratteristiche di presentazione filosofica e scientifica, considerando B. come un fenomeno culturale generale (come il gotico e il rinascimento). B. rifletteva la crisi del feudalesimo nell'era dell'accumulazione primitiva e dell'espansione coloniale, nonché le crescenti contraddizioni nella coscienza religiosa e sociale. Il barocco fu ampiamente utilizzato dalla Controriforma nell'architettura dei templi, che si distinse per il suo particolare splendore (edifici dei gesuiti; architettura “ultrabarocca” in America Latina). È infondato limitare il B. al quadro della Controriforma e della reazione feudale. Insieme alla borghesia di corte e di chiesa si stanno sviluppando forme di “borghesia di base”, legate all’espressione della protesta antifeudale, nonché al movimento di liberazione nazionale dei popoli slavi contro gli Asburgo e il giogo ottomano. B. si distingue per l'antinomia di percezione e riflessione del mondo, tensione sensoriale e intellettuale. Gli appelli ascetici si uniscono all'edonismo, la raffinatezza alla maleducazione, il simbolismo astratto all'interpretazione naturalistica dei dettagli. B. è uno stile dinamico e affettato, caratterizzato da teatralità, incanto e illusionismo. B. assimila ed elabora varie tradizioni artistiche, incorporandole nello sviluppo degli stili nazionali. B. è caratterizzato dal desiderio di interazione tra diversi tipi di arte (opera), dalla comprensione della poesia come pittura parlante e dalla pittura come poesia silenziosa e dalla passione per l'emblematica e l'allegoria. B. si basa sulla logica e sulla retorica scolastica, sviluppa metafore e similitudini complesse, eredita le forme artistiche più espressive del Medioevo e del Rinascimento, e combina immagini antiche con i cristiani. Il razionalismo retorico di B. ha reso più facile esprimere le idee del primo Illuminismo attraverso i suoi mezzi. Si nota la ricezione del B. nel romanticismo e negli ultimi movimenti modernisti.
In architettura, belle arti e arti decorative, B. fu una delle principali tendenze stilistiche dalla fine del XVI alla metà del XVIII secolo. B. fu fondato nell'era della formazione intensiva di nazioni e stati nazionali (principalmente monarchie assolute), del fiorire della produzione manifatturiera e del simultaneo rafforzamento della reazione feudale-cattolica. Strettamente associata alla monarchia, all'aristocrazia e alla chiesa, l'arte di B. era destinata a glorificare e propagare il loro potere. Allo stesso tempo, rifletteva nuove idee sull'unità, l'illimitatezza e la diversità del mondo, sulla sua drammatica complessità ed eterna variabilità, sull'interesse per l'ambiente, per l'ambiente umano, per gli elementi naturali. B. venne a sostituire sia la cultura artistica del Rinascimento che la sofisticata arte soggettivista del manierismo. Abbandonando le idee inerenti alla cultura rinascimentale classica sull'armonia e le rigide leggi dell'esistenza, sulle possibilità illimitate dell'uomo, della sua volontà e ragione, l'estetica di B. fu costruita sulle antitesi dell'uomo e del mondo, principi ideali e sensuali, ragione e il potere delle forze irrazionali. Nell'arte di B. l'uomo non appare più come il centro dell'Universo, ma come una personalità poliedrica, con un complesso mondo di esperienze, coinvolta nel ciclo e nei conflitti dell'ambiente. L’arte belga fu influenzata anche dai movimenti contadini e plebei antifeudali e dalle rivoluzioni borghesi, che la infonderono con un flusso di aspirazioni ribelli e democratiche.
L'arte di B. è caratterizzata da grandiosità, sfarzo e dinamica, euforia patetica, intensità di sentimenti, passione per spettacoli spettacolari, una combinazione di illusorio e reale, forti contrasti di scala e ritmo, materiali e trame, luce e ombra . I tipi d'arte formano una solenne unità monumentale e decorativa, colpendo l'immaginazione con la sua portata. L'insieme urbano, strada, piazza, parco, tenuta cominciò a essere inteso come un tutto organizzato che si sviluppa nello spazio, rivelandosi in vari modi allo spettatore mentre si muove. Grazie alla lussuosa e bizzarra plasticità delle facciate, al gioco inquieto del chiaroscuro, all'unità di forme apparentemente fluide e ai complessi piani e contorni curvilinei, i palazzi e le chiese della Bielorussia acquisiscono pittoresco e dinamismo, come se si fondessero con lo spazio circostante. Negli interni cerimoniali, l'architettura si fonde con sculture, modellazioni e intagli multicolori; specchi e dipinti espandono illusoriamente lo spazio, mentre i dipinti sul soffitto creano l'illusione di volte aperte.
Primo Barocco: continua le tradizioni del Rinascimento.
1) Chiesa del Gesù (1545) - qui cominciano a formarsi i caratteri stilistici. Lo standard di costruzione dei templi per tutto il XVII secolo. La costruzione fu iniziata dall'architetto Vignola, e completata da Giacoma della Porta. Chiesa a navata unica, la pianta è a croce. La facciata è data grande attenzione. Linee verticali e orizzontali, una netta divisione in due ordini, che dona equilibrio alla chiesa. Sulla facciata, il centro della composizione è evidenziato dalle colonne (ordine corinzio, che conferisce solennità, crescente monumentalità, frontone triangolare. Elementi barocchi: valuta, arco ad arco. Cupola sulla croce centrale.
2) Chiesa di S. Susanna a Roma. Carlo Moderna (1596-1603) Divisione netta, ma la facciata è già più allungata, divisa da ordini, decorata da statue.
3) Cattedrale di S. Pietro a Roma. L'idea di una pianta centrale con una cupola al centro (Mikello). Inizia la ricostruzione della cattedrale. cap. Carlo Moderno divenne l'arch-esimo. Amplia la cattedrale aggiungendo la parte dell'ingresso anteriore. Un tipo di croce latina, non greca. C'è un'estensione del nartece. L'Art Nouveau spinse in avanti la facciata e chiuse i lati dallo spettatore con un prolungamento.
Barocco maturo:
G.Lorenzo Bernini
1) Cattedrale di San Pietro a Roma - eresse nella cattedrale sotto la cupola principale un grande baldacchino di bronzo (ciborio) - 30 m, sostenuto da 4 colonne.
2) La piazza antistante la Cattedrale di S. Pietro (1656-1667) - 2 piazze: una grande ellittica incorniciata da colonne e una piazza trapezoidale adiacente, chiusa da cap. facciata della cattedrale. C'è un obelisco al centro della piazza e le fontane sono disposte simmetricamente ai suoi lati nei punti focali dell'ellisse, e il colonnato impedisce di avvicinarsi alla cattedrale lateralmente.
Francesco Borromini-(1599-1667), che progettò, disegnò e costruì in modo sorprendente. La particolare complessità e dinamica delle forme portate alla massima tensione.
Fu Borromini che si allontanò coraggiosamente dai canoni classici, dalle decisioni autorevoli, dalle regole precedenti, riuscì (e progettò) una stanza di complessità senza precedenti e poté (e costruì) questo complesso edificio. Questo Borromini è un vero erede dell'architettura nervosa, ricca di emozioni di Michelangelo Buonarroti rispetto a Lorenzo Bernini o Pietro da Cortona.
1) Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane a Roma (1634-67). La facciata appare indipendente complesso architettonico. La sua parte principale è come un'applique rispetto al muro della chiesa, caratterizzata da forme curve e ondulate. Strappano cornici ad arco e cartigli ovali. La pianta della chiesa ricorda 2 campane impilate alla base. Coperto da una cupola ovale. Contrasto di volumi esterni ed interni.
2) Sant Ivo a Roma - contorni complessi, pareti ondulate.
3) Borromini. Pianta della Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane
4) Borromini. Oratorio dei Frati Filippini, Roma
Pietro da Cortona,
1) Chiesa di S. Maria - linee e piani curvilinei, inizio plastico. Un chiaro asse di simmetria, gli elementi dell'ordine iniziano a riempire l'intera area del muro esterno, le linee della trabeazione sono interrotte dal decoro. 2 frontoni (piccolo arco). C'è uno stucco scultoreo: la natura dinamica dell'architettura nel suo insieme.
B. Longena
1) C. Santa Maria della Salute a Venezia (1631-87) - la base del volume è a pianta ottagonale. Sormontato da una grande cupola, si trova un secondo volume contenente l'altare (dotato di cupola, ma di dimensioni più piccole. L'ingresso è a forma di arco trionfale. La cupola è unita alle pareti principali della chiesa con 16 girali Una voluta su cui sono installate delle sculture (la sagoma dell'edificio si arricchisce, conferendo carattere). decorazione esterna frammentazione delle forme architettoniche.
Carlo Rainaldi (1611-1691)
1) C. Santa Maria in Compitelli - Facciata a due ordini, secondo l'impianto della Chiesa del Gesù. Interno in marmo bianco.
2) C. Sant'Andrea della Valle - come ne Il Gesù
3) Sant'Agnese in Piazza Avona (1652-72) con Barromini. La piazza è decorata con le fontane del Bernini. La facciata ad arco concavo è limitata su 2 lati da campanili. La cupola non è nascosta dal piano della facciata.
Yuvara ha seguito un percorso interessante come architetto barocco. Esordì come scenografo e assistente nella ricostruzione degli edifici teatrali. Non tutti i suoi progetti furono realizzati. Ma di edificio in edificio ha acquisito esperienza. Se Domenico Fontana (1543-1607) o Francesco Caratti (? −1675) utilizzavano la tipologia del palazzo a blocco allungato senza gioco di volumi, Yuvara esalta l'espressività dei suoi palazzi con strutture diagonali, risalite e il gioco di vari volumi. L'arredamento diventa sempre più sobrio e non evita bugnati, pilastri e colonne, così familiari al classicismo. Ma gli edifici non diventano esempi di classicismo, preservando la grandiosità, la diversità e la bellezza del barocco. Una caratteristica importante dello stile architettonico di Yuvara erano le sagome estremamente espressive degli edifici (castello di Stupinigi, Madrid Palazzo Reale, in particolare la Basilica di Superga).
Domanda 48. Le peculiarità della pittura fiamminga del XVII secolo appaiono più chiaramente se confrontata con le opere degli artisti olandesi di questo periodo. Una caratteristica comune di entrambe le scuole d'arte era l'amore per la vita e le sue gioie terrene. Ma mentre gli artisti olandesi rappresentavano la vita quotidiana, la realtà quotidiana, i pittori fiamminghi la associavano spesso agli ordini Chiesa cattolica e nobili nobili, rivolti a temi religiosi e mitologici. In Olanda si sviluppò il tipo del ritratto documentario modesto e preciso, mentre nelle Fiandre si diffuse il ritratto cerimoniale. Nature morte olandesi sono semplici nella composizione e comprendono, di regola, pochi oggetti, e l’artista fiammingo ha cercato di trasformare ogni natura morta in un inno alla ricchezza e all’abbondanza dei doni della natura. L'arte fiamminga era caratterizzata dal desiderio di creare immagini eroiche, grandi scene a più figure, varie per contenuto e carattere.
Nell'opera di Peter Paul Rubens (1577-1640), tutte queste caratteristiche della pittura fiamminga si manifestarono in modo particolarmente chiaro. Rubens ha lavorato molto e con entusiasmo su opere grandi e monumentali. Questa è l'immagine dell'altare “L'Esaltazione della Croce” che completò nel 1611 per la Cattedrale di Anversa. L'enorme dipinto raffigura il Cristo crocifisso. Questo è un uomo forte, coraggioso, sconfitto dai suoi avversari. Le figure muscolose dei carnefici e i loro movimenti energici conferiscono all'intera scena il carattere di un'intensa lotta. Non è la narrazione del Vangelo, ma il potente soffio di vita che cattura lo spettatore mentre guarda questa immagine. In numerose immagini di predatori a caccia (leoni, tigri, cinghiali), Rubens trasmette la massima tensione delle forze di persone e animali. Rubens amava la natura tanto quanto amava le persone. Dipinse paesaggi maestosi con distanze montuose, rocce imponenti e nuvole che corrono rapidamente. La lotta tra le forze della natura e la grandezza dell'universo è stata profondamente sentita dall'artista. Rubens ha anche molti dipinti storici. Il suo serie famosa"La Vita di Maria de' Medici" è composta da 21 grandi tele decorative. Qui introduce immagini allegoriche e personaggi mitologici e allo stesso tempo raffigura accanto a loro personaggi storici reali. Così, nel dipinto “L’Incoronazione di Maria de’ Medici”, la solenne cerimonia è stata ricreata con grande accuratezza. I volti sono raffigurati con accuratezza del ritratto, i costumi sono storicamente accurati. L'artista ha mostrato anche le caratteristiche architettoniche della cattedrale gotica di Saint Denis, dove ebbe luogo l'incoronazione. Ma per sottolineare l'importanza speciale del momento, ha introdotto nel quadro figure allegoriche di geni della gloria che svettano nell'aria.
Rubens dipinse anche ritratti. Molto interessante è il "Ritratto di una cameriera", che trasmette con sottile spiritualità l'aspetto di una ragazza modesta: l'Infanta Isabella di corte. In centinaia di dipinti di Rubens, nei suoi allegri e colori luminosi la bellezza e la forza dell'uomo sono glorificate, varietà infinita e la grandezza della natura. Applicando sottili strati di vernici semitrasparenti, che brillano l'uno sotto l'altro, Rubens ha ottenuto una straordinaria freschezza e convincenza nell'immagine
il corpo umano, ciocche di capelli setosi, tessuti preziosi. La caratteristica più caratteristica dell'opera di Rubens, che per la maggior parte si è trovata di fronte al compito non di rappresentare la realtà quotidiana, ma di creare opere grandi ed eleganti, è che ha sempre portato in esse un vivo brivido di vita.
Anthony Van Dyck (1599-1641) creò composizioni religiose e mitologiche molto vicine allo stile di Rubens. Ma divenne famoso soprattutto per i suoi ritratti. Van Dyck dipinse ricchi borghesi di Anversa con le loro mogli e figli, artisti, medici, diplomatici, nobili e membri degli inglesi famiglia reale. L'artista ha abilmente enfatizzato i tratti caratteristici di ogni persona e ha cercato di rivelare il suo mondo interiore attraverso la pittura. Ha cercato le pose e i gesti delle mani più espressivi e ha selezionato lo sfondo e gli arredi appropriati. Anche i ritratti cerimoniali ufficiali, da lui dipinti su ordine dei nobili, stupiscono ancora per la vitalità delle loro caratteristiche.
L'amico intimo e assistente di Rubens fu Frans Snyders (1579-1657), il più grande maestro della natura morta fiamminga. Frutta e animali nelle opere di Rubens venivano spesso dipinti da Snyders. I dipinti di Snyders celebrano la ricchezza e la diversità della natura che circonda gli esseri umani. I toni vellutati delle pesche, la lucentezza opaca dell'uva e delle prugne, la trasparenza delle bacche di ribes rosso hanno avuto per l'artista lo stesso successo delle scaglie argentate dei pesci, della pelliccia ispida di cani e orsi e delle piume fantasiosamente luminose degli uccelli.
Dopo la morte di Rubens e Van Dyck, Jacob Jordan (1593-1678) divenne il capo della scuola fiamminga. Dipingeva soprattutto quadri vari argomenti, ma il suo genere e le composizioni quotidiane sono i più famosi. Questo è il quadro “Il Re Beve”. Questa è la scena di un'allegra festa in una ricca casa fiamminga. Tra i volti animati e alimentati dal vino spicca un vecchio con una finta corona, proclamato “re” per la serata. Si ha la sensazione che l'artista stesso sia catturato dal divertimento dei commensali. I suoi personaggi sono rumorosi e maleducati, ma accattivanti con la loro sincerità e disinvoltura.
Se Jordan dipinse principalmente ritratti di ricchi cittadini, allora un altro pittore di genere, Adrian Brouwer (1606-1638), che studiò in Olanda, dedicò la sua opera alla vita dei contadini e dei poveri urbani. Amava rappresentare le semplici operazioni del medico del villaggio, scene in una taverna e paesaggi modesti della sua terra natale. Brouwer notò acutamente le pose e i movimenti caratteristici delle persone, le vivaci espressioni facciali. La sua pittura ha convinto lo spettatore che il mondo della vita quotidiana era degno di essere oggetto d'arte.
Lo studente di Brouwer David Teniers (1610-1690) si ritirò dai precetti del suo maestro. Era più interessato al lato festoso della vita. I contadini di Teniers elegantemente vestiti, ritratti in un momento di relax e divertimento, sono lontani dagli eroi di Brouwer rappresentati in modo veritiero. Il caratteristico desiderio di intrattenimento dell'artista si rifletteva in una trama così divertente del suo dipinto come "Scimmie in cucina". Nella spaziosa cucina, al posto delle persone, c'erano le scimmie che amavano imitarle; cucinano, mangiano, bevono vino, giocano a carte. Differente nei soggetti e significativa nell'abilità, l'arte di Teniers completò lo splendore della pittura fiamminga del XVII secolo.
Domanda 49. Piccoli olandesi, nome generalizzato per gli artisti olandesi del XVII secolo, maestri della vita quotidiana, del paesaggio e della natura morta, che esprimevano chiaramente la loro identità nazionale pittura nazionale questa volta.
L'interesse degli artisti per temi piccoli e bassi della vita quotidiana e l'opposto dell'arte del grande stile su argomenti storici e mitologici elevati, così come il formato piccolo del gabinetto dei dipinti. Fare appello alla rappresentazione in immagini del mondo reale che ci circonda e di una persona senza sussumere un certo ideale, l'aggiunta di un sistema sviluppato di generi, lo sviluppo di un sistema di pittura tonale.
Il genere quotidiano è il fenomeno più sorprendente e originale della scuola olandese. Ostade, Bega e Dusart furono i primi a svilupparsi. I primi lavori di Ostade si distinguono per il loro carattere dinamico: contadini che parlano davanti a una pipa e un bicchiere di birra in un'osteria, a casa, con le loro famiglie a una fiera. Sotto l'influenza di Rembrandt, il morbido chiaroscuro dorato divenne il principale mezzo di espressione.
A metà del XVII secolo, Dow, Miris il Vecchio, rappresentanti della scuola di Leiden delle tecniche di pittura in miniatura, caratterizzati dall'abbondanza e dalla finezza dei dettagli e da una superficie smaltata liscia, raffiguranti la visita di un medico, uno scienziato al lavoro, una visita a lo studio di un artista, le faccende domestiche o l'intrattenimento sociale dei borghesi, gravitano verso una storia divertente.
Scenario. Appare nelle opere dei maestri Goyen, Moleyn, Ruisdael. I dipinti di questi artisti raffigurano piccoli angoli del paesaggio rurale in determinate condizioni meteorologiche e di illuminazione. Un paesaggio marino o un porto turistico è approvato come varietà indipendente. I pittori marini sono affascinati dal trasferimento dell'elemento acqua, dai giochi di luce nelle nuvole e nell'acqua. Lo sviluppo del paesaggio nella metà della seconda metà del XVII secolo fu caratterizzato dall'emergere di nuove varietà di genere, dall'approfondimento e dalla diversità del contenuto emotivo delle opere, da un più ampio, visione filosofica al mondo. La forza emana dai paesaggi forestali di Ruisdael, il fondatore di questo tipo di paesaggio. Il successore più talentuoso in questo settore fu Hobbema, ma a differenza dei dipinti epici del maestro, la natura nelle sue opere ha un aspetto più accogliente e solare, e negli ultimi anni preferì dipingere paesaggi coltivati. Un certo numero di artisti Cape, Wauwerman, Mae, ecc. hanno lavorato nel genere misto della pittura di paesaggi e animali, includendo organicamente mandrie di bestiame al pascolo, partenze riluttanti, passeggiate a cavallo e scene di battaglie di cavalleria nel paesaggio. Natura morta. Il tipo più caratteristico di natura morta olandese - la colazione - è nato nelle opere dei pittori Claes e Heda, raffiguranti una tavola apparecchiata con piatti e stoviglie. Il pittoresco disordine nella disposizione delle cose e l'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuto trasmettendo un ambiente leggero-aria, conservano tracce della presenza umana. Putter e Beyeren perfezionarono le immagini di pesci e altre creature marine. Nei dipinti di Hem e Steenwijk, accanto agli oggetti che incarnano la gloria e la ricchezza terrena (armature, libri, attributi dell'arte, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) c'è un teschio e clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da cucina più democratica è apparsa nelle opere di Schoten e Reickhals. A metà del secolo, il tema delle colazioni modeste fu trasformato nelle opere di Streck, Kalf e Beyeren in lussuosi banchetti e dessert. Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per la grazia e la ricchezza che si è affermato nella società olandese. Venicke e Hondekoeter erano maestri nel rappresentare trofei di caccia e allevamenti di pollame. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà del XVII secolo in connessione con la creazione di possedimenti e l'intrattenimento della caccia.
Domanda 50 L'opera del geniale Rembrandt (1606-1669) è uno dei vertici della pittura mondiale. Rembrandt dipinse dipinti, ritratti e paesaggi storici, biblici, mitologici e di tutti i giorni; lui era uno di più grandi maestri acquaforte e disegno. Ma indipendentemente dalla tecnica con cui lavorava Rembrandt, al centro della sua attenzione era sempre una persona, con il suo mondo interiore, le sue esperienze.
Rembrandt Harmens van Rijn è nato a Leida, figlio del proprietario di un mulino. Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam e divenne subito famoso con il suo dipinto “La lezione di anatomia del dottor Tulp” (1632, L'Aia, Mauritshuis). Essenzialmente, questo è un grande ritratto di gruppo di medici che circondano il dottor Tulpa e ascoltano attentamente le sue spiegazioni su un cadavere sezionato. Questa costruzione della composizione ha permesso all'artista di trasmettere tratti della personalità ogni persona viene ritratta e la collega in un gruppo sciolto con uno stato comune di profondo interesse, sottolineando la vitalità della situazione.
Il successo del primo dipinto portò all'artista molti ordini e con essi ricchezza, che aumentò con il suo matrimonio con la patrizia Saskia van Uylenburgh. Uno dopo l'altro, Rembrandt dipinse grandi composizioni religiose, piene di dinamismo e pathos, come il “Sacrificio di Abramo” (1635, San Pietroburgo, Hermitage), e ritratti cerimoniali. È affascinato dalle immagini eroico-drammatiche, dalle strutture apparentemente spettacolari, dagli abiti lussureggianti e stravaganti, dai contrasti di luce e ombra e dagli angoli acuti. Rembrandt raffigura spesso Saskia e se stesso, giovani, felici, pieni di forza. Si tratta del “Ritratto di Saskia” (circa 1634, Kassel, Pinacoteca), “Autoritratto” (1634, Parigi, Louvre), “Autoritratto di Saskia in ginocchio” (circa 1636, Dresda, Pinacoteca). Rembrandt ha lavorato molto nel campo dell'acquaforte, affascinato dai motivi di genere, dai ritratti, dai paesaggi e ha creato tutta una serie di immagini di rappresentanti delle classi sociali inferiori.
Già alla fine degli anni Trenta del Seicento si rivelò l’attrazione dell’artista per le immagini realistiche nei dipinti di grandi dimensioni. Il tema mitologico nel dipinto “Danae” (1636, la maggior parte del dipinto fu riscritto a metà degli anni Quaranta del Seicento, San Pietroburgo, Hermitage) acquisì una soluzione insolitamente vitale e convincente. Rifiutando il pathos violento e gli effetti esterni, Rembrandt si è battuto per l'espressività psicologica.
Nel 1642, su incarico di una compagnia di fucilieri, scrisse quadro generale(3,87 X 5,02 m), a causa dello scurimento dei colori nel tempo, ricevette in seguito il nome di “Ronda di Notte” (Amsterdam, Rijksmuseum). Invece di una festa tradizionale con i ritratti dei partecipanti, dove ognuno è stato catturato con tutta la cura delle proprie caratteristiche individuali, come veniva fatto in precedenza, l'artista ha raffigurato l'esibizione dei fucilieri in una campagna. Dopo aver alzato lo stendardo, guidati dal capitano, camminano al suono di un tamburo lungo l'ampio ponte vicino al palazzo della gilda. Un raggio di luce insolitamente brillante, che illumina le singole figure, i volti dei partecipanti al corteo e una bambina con un gallo alla cintura, come se si facesse strada tra le file dei tiratori, sottolinea la sorpresa, la dinamica e l'eccitazione del immagine; il ritratto di gruppo assume il carattere di un dipinto storico unico in cui l'artista cerca di valutare la modernità.
Nel corso degli anni Quaranta del Seicento le differenze dell’artista con la società borghese aumentarono. Ciò è facilitato da eventi difficili nella sua vita personale, la morte di Saskia. Ma fu proprio in questo periodo che iniziò il periodo della maturità nell’opera di Rembrandt. Le spettacolari scene drammatiche dei suoi primi dipinti vengono sostituite dalla poeticizzazione della vita quotidiana: i soggetti lirici diventano predominanti, come "L'addio di David a Jonathan" (1642), "La Sacra Famiglia" (1645, entrambi i dipinti - San Pietroburgo, Hermitage), nella cui profondità dei sentimenti umani affascina con un'incarnazione sorprendentemente sottile e forte. Trasferisce la scena del dipinto “La Sacra Famiglia” in una povera casa di contadini, dove il padre lavora come falegname e la giovane madre custodisce attentamente il sonno del bambino. Ogni cosa qui è piena del respiro della poesia, enfatizzando l'atmosfera di silenzio, pace e tranquillità. Ciò è facilitato dalla luce soffusa che illumina i volti della madre e del bambino, le sfumature più sottili del caldo colore dorato.
Ultimo decennio- il momento più tragico della vita di Rembrandt; dichiarato debitore insolvente, si stabilisce nel quartiere più povero di Amsterdam, perdendo i suoi migliori amici e i suoi cari. Muoiono Hendrickje e il figlio Titus. Ma le disgrazie che lo hanno colpito non hanno potuto fermare lo sviluppo del genio creativo dell'artista. Il più profondo e opere meravigliose Gli furono scritti proprio in questo momento. Il ritratto di gruppo di “Sindiki” (gli anziani del laboratorio dei tessitori, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa i risultati dell’artista in questo genere. La sua vitalità risiede nella profondità e nel carattere di ciascuno dei soggetti ritratti, nella naturalezza della composizione, chiara ed equilibrata, nella parsimonia e precisione della selezione dei dettagli, nell'armonia di forme sobrie combinazione di colori e allo stesso tempo nel creare un'immagine coerente di un gruppo di persone unite da una comunità di interessi che difendono. L'angolazione insolita sottolinea la natura monumentale dell'immagine, il significato e la solennità di ciò che sta accadendo.
La trama della parabola biblica del figliol prodigo aveva già attratto l'artista e appare in una delle sue acqueforti. Ma solo verso la fine della sua vita Rembrandt arrivò alla sua rivelazione più profonda. L'immagine di un uomo stanco e pentito, caduto in ginocchio davanti a suo padre, esprime il tragico percorso di apprendimento della vita, e l'immagine di un padre che ha perdonato il figliol prodigo incarna la più alta felicità a disposizione dell'uomo, il limite dei sentimenti che riempiono il cuore. La soluzione di questa grande composizione è di sorprendente semplicità, dove i personaggi principali sembrano illuminati da una luce interiore, dove il gesto delle mani del padre, che ha ritrovato il figlio, esprime la sua infinita gentilezza, e la figura cadente di un vagabondo vestito di stracci sporchi, aggrappato a suo padre, esprime tutta la forza del pentimento, la tragedia della ricerca e delle perdite. Altri personaggi sono relegati in secondo piano, nella penombra, e la loro compassione e premurosità non fanno altro che evidenziare ulteriormente, come se brillassero di una calda luce, l'amore paterno e il perdono che il grande artista olandese ha lasciato alle persone come testamento.
L'espansione delle forme di riflessione artistica della realtà e la diversità di queste forme divennero particolarmente acute nel XVII secolo. problema di stile. La qualità integrale dello stile è la sintesi in un unico insieme figurativo di tutti i tipi di arti plastiche, in cui l'architettura gioca un ruolo guida e formativo. Lo stile è un sistema artistico caratterizzato dall'unità di principi e tecniche ideologici e figurativi del linguaggio artistico.
Nel XVII secolo Emersero due sistemi di stile: barocco e classicismo, ma oltre a questo stava emergendo una terza direzione artistica extra-sinistra (realistica).
L'arte barocca si sviluppò negli stati feudali-assolutisti sotto la forte influenza del cattolicesimo (Italia, Spagna, Fiandre). L'arte barocca non può essere compresa senza il suo legame con l'architettura. L'architettura, che combina fattori utilitaristici e artistici in misura maggiore rispetto ad altri tipi di arte, è associata al progresso materiale ed è fortemente dipendente dall'ideologia dominante (l'architettura dei templi e l'urbanistica vengono realizzate con i soldi della chiesa e dei ricchi, ma allo stesso tempo serve la società nel suo insieme). Negli edifici religiosi barocchi, tutte le più ricche possibilità di sintesi tra architettura, scultura, arte decorativa e pittura sono progettate per stupire l’immaginazione dello spettatore e “infondergli” un sentimento religioso. Anche in Italia furono costruiti edifici secolari, che rappresentarono una tappa importante nello sviluppo dell'architettura mondiale. Si stanno sviluppando metodi di pianificazione urbana e un insieme urbano integrale, si stanno costruendo complessi di palazzi e parchi, in cui si scoprono nuovi principi di connessione tra architettura e ambiente naturale.
Il barocco è caratterizzato da una grande euforia emotiva e dal carattere patetico delle immagini, ottenuto grazie alla scala degli edifici, all'esagerata monumentalizzazione delle forme, alla dinamica della costruzione spaziale e alla maggiore espressività plastica dei volumi. Di qui la curvilinearità dei piani, le piegature delle pareti, sulle quali sembrano crescere cornici, frontoni e lesene; abbondano piccole forme di decorazione architettonica: le finestre sono decorate con vari plateau, le nicchie sono decorate con statue. L'impressione generale di rapido movimento e ricchezza è completata da sculture, dipinti, stucchi, decorazioni con marmi colorati e bronzo. A ciò vanno aggiunti pittoreschi contrasti chiaroscurali, prospettive ed effetti illusionistici.
Religiosi, edifici di palazzo, sculture, fontane (Roma) sono combinati in un'immagine artistica olistica. Lo stesso si può dire dei complessi di palazzi e parchi di altre regioni d'Italia dell'epoca barocca, caratterizzati dall'uso eccezionalmente magistrale di terreni complessi, ricca vegetazione meridionale, cascate d'acqua in combinazione con piccole forme: padiglioni, recinzioni, fontane, statue e gruppi scultorei.
Le caratteristiche del barocco erano incarnate più chiaramente nella scultura monumentale, nell'opera di Lorenzo Bernini (idee del trionfo del misticismo sulla realtà, espressività estatica delle immagini, dinamica violenta della forma).
Nella pittura, gli accademici bolognesi, i fratelli Carracci, Guido, Reni e Guercino, contribuirono all'arte barocca. Il concetto barocco raggiunge il suo pieno sviluppo in Pietro da Norton, Baciccio e altri: nelle loro composizioni a più figure, ricche di forte movimento, i personaggi sembrano trascinati da una forza sconosciuta. La pittura barocca era dominata da dipinti monumentali e decorativi, principalmente paralumi, pale d'altare con immagini dell'apoteosi dei santi, scene di miracoli, martiri, enormi composizioni storiche e allegoriche (grande stile).
L'arte barocca delle Fiandre ha le sue specificità. In Rubens, Jordaens e altri maestri, l'antitesi tra terreno e mistico, reale e illusorio, caratteristica del concetto barocco, si esprime più esternamente, senza trasformarsi in tragica dissonanza. Rubens in molte composizioni d'altare, così come nei dipinti sui temi mitologia antica, l'uomo e l'essere reale sono glorificati.
In Francia, lo stile barocco non occupava una posizione di primo piano. Francia XVII secolo - Questa è l'arena storica per lo sviluppo del classicismo.
Classicismo
Lo stile del classicismo nasce parallelamente allo stile barocco come stile della stessa epoca, risolvendo da altre posizioni e altri mezzi visivi i compiti del suo tempo: glorificando il potere del monarca assoluto.
Il classicismo prese una posizione dominante in Francia durante l'era di Luigi XIV, che divenne l'apogeo dell'assolutismo.
Invece degli effetti drammatici dell'architettura barocca, propone il principio di combinare la maestosa solennità dell'immagine architettonica con una ragionevole chiarezza. Sebbene il 17 ° secolo rappresenta la prima fase del classicismo, quando le caratteristiche di questo stile non raggiungevano l'espressione più rigorosa e pura; gli edifici pubblici e di palazzo, gli insiemi cittadini, i complessi di palazzi e parchi erano intrisi dello spirito di solenne sfarzo. La loro soluzione spaziale si distingue per una logica chiara, la facciata si distingue per l'armonia della costruzione compositiva con la proporzionalità delle parti e le forme architettoniche si distinguono per semplicità e rigore. Anche nella natura viene introdotto un rigoroso ordine: i maestri del classicismo hanno creato il sistema del cosiddetto parco regolare. Gli architetti del classicismo si rivolgono ampiamente al patrimonio antico, studiando i principi generali dell'architettura antica e, soprattutto, il sistema degli ordini, rielaborando motivi e forme individuali. Lo spirito del classicismo non era favorevole all'espressione di idee religiose e mistiche, e quindi edifici religiosi non hanno nell’architettura del classicismo l’enorme significato che ha in quella barocca. Il classicismo ha lasciato meravigliosi monumenti di sintesi artistica come l'ensemble di Versailles.
Nelle belle arti del classicismo, uno dei temi principali era il tema del dovere, la vittoria del pubblico sul personale, il tema dell'affermazione dei più alti principi etici: eroismo, valore, purezza morale, che trovano la loro attuazione artistica in immagini piene di sublime bellezza e grandezza. Il classicismo contrappone le contraddizioni e le imperfezioni della realtà al principio di razionalità e di rigida disciplina, con l'aiuto del quale una persona deve superare gli ostacoli della vita. Secondo l'estetica del classicismo, la ragione è il criterio principale della bellezza. Un artista nel suo lavoro deve procedere da campioni perfetti, che erano considerati opere d'arte antica e Alto Rinascimento. In contrasto con il barocco, il classicismo non consentiva un'espressività emotiva esagerata: così, gli eroi dell'artista francese Poussin sono caratterizzati da compostezza volitiva e autocontrollo, le tele sono caratterizzate da chiarezza ed equilibrio della composizione della Figura in il suo dipinti contraddistinto da rigore e completezza classica. Nei mezzi linguaggio figurativo la teoria del classicismo privilegia il disegno e alla colorazione viene assegnato un ruolo subordinato. Riconoscendo la bellezza della vita reale, la bellezza della natura, gli artisti del classicismo hanno privilegiato la rappresentazione della natura, che serve non solo come sfondo attivo in composizioni di trama, ma spesso costituisce la base determinante nella struttura complessiva del quadro. Nella pittura del classicismo (Nicolas Poussin e Claude Lorrain), il paesaggio non solo è emerso come genere, ma ha anche conosciuto una certa fioritura.
Il classicismo divenne lo stile della monarchia francese principalmente nell'architettura, nella pittura monumentale e decorativa, e nel ritratto cerimoniale le qualità rappresentative del barocco erano più coerenti con i requisiti dell'assolutismo. Charles Lebrun divenne famoso per i suoi dipinti; Rigaud era il maestro di corte dei ritratti cerimoniali.
Insieme al barocco e al classicismo nella pittura del XVII secolo. Sta emergendo una forma di riflessione della realtà fondamentalmente nuova, di estrema sinistra. La sua apparizione è una delle pietre miliari più importanti nella storia dell'arte mondiale. La sua essenza è che l'immagine artistica non nasce nel quadro dello stile, ma sulla base dell'appello diretto dell'artista ai fenomeni mondo reale, a tutta la ricchezza della natura. Riguarda sulla connessione diretta delle immagini con la realtà.La generalizzazione artistica si ottiene qui selezionando le immagini, i fenomeni più tipici della realtà e rivelando le loro caratteristiche essenziali. La diversità stessa del mondo reale è la ragione per cui sia i vari movimenti creativi che i singoli maestri che rappresentano questo nuovo sistema artistico si distinguono per un'eccezionale diversità di idee e di linguaggio figurativo. Tra gli artisti brillanti che hanno rivelato gli aspetti essenziali dell'epoca nelle loro opere, chiameremo Velazquez e Rembrandt, il ritrattista Frans Hals e il paesaggista Van Ruisdael.
Il nuovo metodo realista dell’estrema sinistra ha contribuito a un’espansione delle possibilità senza precedenti arti visive. Sono emersi nuovi generi: vita quotidiana, natura morta; il paesaggio prese forma nelle sue forme più sviluppate, si verificarono cambiamenti decisivi nei generi che avevano tradizioni secolari (composizioni bibliche e mitologiche, dipinti storici, ritratti). Questa è arte di estrema sinistra del XVII secolo. nella letteratura scientifica viene spesso definito “realismo”. Con diversi gradi di prevalenza, il nuovo sistema artistico si sviluppò in quasi tutti i paesi dell’Europa occidentale. Così in Italia sono Caravaggio e i suoi seguaci, nelle Fiandre è Brouwer; in Francia - Louis Le Nain, in Spagna - Velazquez.
Queste tendenze realistiche trovarono la loro espressione più completa e coerente nell'arte olandese, dove il sistema repubblicano-borghese, l'assenza di assolutismo e il predominio dell'ideologia ecclesiastica fornirono condizioni particolarmente favorevoli per lo sviluppo di movimenti artistici progressisti. Il lavoro dei grandi artisti olandesi anticipa lo sviluppo socio-storico della società, ne oltrepassa i confini ed entra in conflitto con esso.
Ma non si può fare a meno di ammettere che i guadagni incondizionati della direzione realistica (non stilistica) sono stati accompagnati dalla perdita di integrità stilistica, dalla possibilità di una fusione fantasiosa di tutti i tipi di arti plastiche in un unico insieme. La pittura si è finalmente differenziata dall’architettura e dalla scultura e il processo della pittura da cavalletto, cioè la creazione della pittura da cavalletto, si sta intensificando.
Il realismo richiedeva ampie generalizzazioni, tipiche delle immagini reali. Ecco perché maestri eccezionali si rivolgono a soggetti biblici e mitologici, permettendo loro di portare le generalizzazioni al livello del mito con un'interpretazione profonda, realistica e veritiera delle immagini (Caravaggio, Rembrandt).
Un certo grado di unità che contraddistingue l'arte del XVII secolo. diversi paesi europei si spiega non solo con lo sviluppo storico comune, ma anche con lo scambio culturale. L’Italia, e Roma in particolare, rimane una Mecca per gli artisti e sta emergendo come centro artistico internazionale.
Personalità
Tra i fuochi d'artificio di nomi esplosi all'orizzonte della cultura artistica nel XVII secolo, vanno evidenziati i rappresentanti più importanti del barocco, del classicismo e del realismo: Bernini, Rubens, Poussin, Rembrandt, Caravaggio e Velazquez.
Lorenzo Bernini è un architetto e scultore italiano. Lavori principali:
Apollo e Dafne (1622-1625) - marmo, 243 cm, Galleria Borghese, Roma.
Cattedra di San Pietro (1624) - bronzo, Vaticano.
Fontana del Tritone (1624-1643) - Piazza Barberini, Roma
Estasi di Santa Teresa (1647-1652) - marmo, Santa Maria della Vittoria, Roma
Fontana dei Quattro Fiumi (1648-1651) - marmo e travertino, Piazza Navona, Roma
Estasi della Beata Ludovica Albertoni (1671-1674) - marmo, San Francesco a Ripa, Roma
Nettuno e Tritone
Pieter Powel Rubens (1577-1640) - Pittore fiammingo. La sua arte, come tutta l'arte fiamminga del XVII secolo, si è sviluppata in linea con lo stile barocco, ma ha più potere di affermazione della vita e meno influenza religiosa rispetto al barocco italiano. Rubens era il capo della scuola nazionale fiamminga, la sua arte trasmette perfettamente lo spirito dell'epoca. Lavorò ad Anversa e nel 1600-1606. vissuto in Italia. Fu una personalità universale: non solo pittore, incisore, ma anche diplomatico; grazie a quest'ultima circostanza, essendo il “re dei pittori”, fu artista delle regine e lavorò presso le corti reali di Francia, Italia e Spagna.
L'euforia, il pathos, il movimento violento e la decoratività caratteristici del barocco si combinano nell'arte di Rubens con la bellezza sensuale delle immagini e le audaci osservazioni realistiche. I dipinti barocchi di Rubens sono dominati da soggetti religiosi e mitologici. I più famosi di questi dipinti sono “La discesa dalla croce”, “Perseo e Andromeda”, “Bacco ubriaco”. Nel 1635 iniziò il periodo Sten dell’opera del pittore, quando, dopo aver acquistato il castello di campagna di Sten, Rubens vi si stabilì con la giovane moglie Elena Fourman. In questo momento, Rubens ha creato paesaggi e scene da vita contadina("Il ritorno dei mietitori", "Danza contadina"). L'abilità pittorica di Rubens si è manifestata con particolare forza nel genere della ritrattistica: tali sono i ritratti, pieni di fascino vivente, "Elena Fourment with Children", "Fur Coat" e "The Chambermaid". La pittura di Rubens è caratterizzata da uno stile libero disinibito, plasticità espressiva e sottigliezza di gradazioni colorate. Van Dyck, Jordans e Snyders hanno lavorato nel laboratorio di Rubens.
Nicolas Poussin (1594-1665) - il fondatore della pittura classicista, il principale direzione dello stile Francia; i suoi dipinti su soggetti religiosi, mitologici e storici affermano il potere della ragione nelle norme sociali ed etiche. La pittura di Poussin è caratterizzata da una struttura figurativa sublime. Combina un profondo concetto filosofico con chiarezza compositiva e di design: “Tancredi ed Erminia”, “La morte di Germanico”. Bellissimi i maestosi paesaggi eroici di Poussin: “Paesaggio con Polifemo”, “Pastori arcadici”. Le masse in esse contenute sono rigorosamente equilibrate, l'aria è trasparente, i colori sono puri.
Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) - Pittore, disegnatore, incisore olandese, rappresentante del movimento realistico di sinistra. L'arte innovativa di Rembrandt si distingue per la democrazia e la vitalità delle immagini. La straordinaria ampiezza della sua gamma creativa, la continua ricerca di nuovi mezzi artistici espressivi e la massima professionalità ci permettono di considerare l'opera dell'artista come uno dei vertici della pittura mondiale, combinando la profondità delle caratteristiche psicologiche con un'eccezionale abilità pittorica basata sulla effetti di chiaroscuro. Dipinse ritratti, tra cui coppie e gruppi (“Autoritratto con Saskia in ginocchio”, “Ronda di notte”), scene religiose e mitologiche (“La Sacra Famiglia”, “Danae”).
Entro il 1660 Questi includono i più complessi nella struttura psicologica delle composizioni religiose, storiche e dei ritratti di Rembrandt ("Il ritorno del figliol prodigo", "Syndics"). La sua pittura ampia e libera acquisisce profondità spaziale e spiritualità speciale. Brillanti sottili gamma di colori, il gioco del chiaroscuro funge da mezzo per rivelare collisioni tipologiche tra la trama e lo stato mentale delle immagini. Il lavoro di Rembrandt è profondamente umanistico. L'attenzione dell'artista è sempre stata rivolta all'uomo, il suo mondo spirituale e ricchezza interiore. Il patrimonio creativo dell'artista ha avuto un enorme impatto sul successivo sviluppo della pittura realistica europea.
Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Questo Pittore italiano, vissuto all'inizio del secolo, è considerato il fondatore del realismo, che prese forma come direzione artistica Pittura europea del XVII secolo, nella quale introduce democrazia, straordinaria concretezza e materialità della forma, tensione emotiva trasmessa attraverso contrasti di luce e ombra. Queste qualità sono così riconoscibili da essere chiamate il termine “caravaggismo”, di cui quasi tutti hanno sofferto grandi artisti direzione realistica, i suoi contemporanei.
I dipinti di Caravaggio sono caratterizzati da semplicità e laconismo compositivo e plasticità espressiva. Ha creato composizioni religiose e mitologiche di straordinaria potenza drammatica ed espressività emotiva. Inoltre, è conosciuto come l'autore di dipinti di genere, che riproducono la realtà in modo sorprendentemente accurato e diretto.
I suoi dipinti più famosi includono "Deposizione", "Bacco", "Ragazza con liuto", "Suonatore di liuto".
Il destino di Caravaggio è tragico. Morì all'età di 36 anni, dopo aver trascorso gli ultimi anni della sua vita vagando. Il duro realismo dell’artista non fu compreso dagli aderenti all’arte alta, gli accademici dell’Accademia di Bologna, che gettarono le basi per il movimento accademico nella pittura a cavallo tra il XVI e il XVII secolo.
Diego Velazquez (1599-1660). Fine XVI e la prima metà del XVII secolo furono il periodo di massimo splendore della cultura spagnola, e della pittura in particolare. Il posto principale nella creatività Pittori spagnoli occupato da una persona. L'arte pittorica spagnola raggiunge il suo apice nell'opera di Velazquez, uno dei maestri di spicco del movimento realistico nell'arte dell'Europa occidentale nel XVII secolo.
La sua pittura è caratterizzata dalla profondità delle caratteristiche psicologiche e dalla brillante individualità dei suoi modelli. Velasquez aveva un dono speciale nel rivelare i tratti caratteriali interiori e profondamente nascosti e la struttura mentale di una persona. Questa abilità del pittore si è manifestata in modo particolarmente chiaro famoso ritratto Papa Innocenzo X (1650). I suoi dipinti di genere hanno anche caratteristiche di profondità del ritratto, ritratti di gruppo, soggetti mitologici e storici Si distinguono anche per l'armonia della composizione e il senso delle proporzioni. Velazquez è stato uno dei primi a utilizzare la pittura Valerie, ottenendo le sfumature più fini di un tono. Le opere più famose sono “La resa di Breda”, “Las Meninas”, “Spinners”.