Artisti del XVII secolo e i loro dipinti. Artisti russi astratti del XVII secolo. Novità nella ritrattistica

09.07.2019

Nella storia dell'arte russa, il XVII secolo fu un periodo di lotta tra due scuole di pittura e la formazione di nuovi generi. La Chiesa ortodossa ha ancora avuto un'enorme influenza sulla vita culturale dell'uomo. Anche gli artisti hanno sperimentato alcune restrizioni nelle loro attività.

iconografia

Durante il tardo Medioevo, il centro di concentrazione di artisti e artigiani in Russia era il Cremlino, o meglio l'Armeria. Qui hanno lavorato i migliori maestri dell'architettura, della pittura e di altri tipi di creatività.

Nonostante il rapido sviluppo dell'arte in tutta Europa, la pittura in Russia nel XVII secolo aveva un solo genere: la pittura di icone. Gli artisti furono costretti a creare sotto la vigile supervisione della chiesa, che si oppose fermamente a qualsiasi innovazione. La pittura di icone russa si è formata sotto l'influenza delle tradizioni pittoriche di Bisanzio e a quel tempo aveva chiaramente formato dei canoni.

La pittura, come la cultura in Russia nel XVII secolo, era piuttosto autonoma e si sviluppò molto lentamente. Tuttavia, un evento portò a una riforma completa del genere della pittura di icone. In un incendio nel 1547 a Mosca, molte icone antiche bruciarono. Era necessario ripristinare ciò che era perduto. E nel processo, l'ostacolo principale è stata la disputa sulla natura dei volti dei santi. Le opinioni erano divise, i seguaci delle antiche tradizioni credevano che le immagini dovessero rimanere simboliche. Mentre gli artisti di visione più moderna erano favorevoli a dare ai santi e ai martiri un maggiore realismo.

Diviso in due scuole

Di conseguenza, la pittura in Russia nel XVII secolo era divisa in due campi. Il primo comprendeva rappresentanti della scuola "Godunov" (a nome di Boris Godunov). Hanno cercato di far rivivere le tradizioni della pittura di icone di Andrei Rublev e di altri maestri medievali.

Questi maestri lavoravano su commesse per la corte reale e rappresentavano il lato ufficiale dell'arte. Caratteristiche caratteristiche di questa scuola erano i volti canonici dei santi, immagini semplificate di una folla di persone sotto forma di tante teste, toni dorati, rossi e blu-verdi. Allo stesso tempo, si possono notare i tentativi degli artisti di trasmettere la materialità di alcuni oggetti. La scuola Godunov è meglio conosciuta per i suoi dipinti murali nelle stanze del Cremlino, nella Cattedrale di Smolensky, nella Cattedrale della Trinità.

La scuola avversaria era "Stroganov". Il nome è associato ai mercanti Stroganov, per i quali furono effettuati la maggior parte degli ordini e che fungerono da "sponsor" nello sviluppo della pittura in Russia nel XVII secolo. Fu grazie ai maestri di questa scuola che iniziò il rapido sviluppo dell'arte. Sono stati i primi a realizzare icone in miniatura per le preghiere domestiche. Ciò ha contribuito alla loro diffusione tra i comuni cittadini.

I maestri Stroganov andarono sempre più oltre i canoni della chiesa e iniziarono a prestare attenzione ai dettagli dell'ambiente, all'aspetto dei santi. E così il paesaggio cominciò lentamente a svilupparsi. Le loro icone erano colorate e decorative e l'interpretazione dei personaggi biblici era più vicina alle immagini di persone reali. Le opere più famose sopravvissute sono le icone "Nikita il Guerriero", "Giovanni Battista".

Affreschi di Yaroslavl

Un monumento unico nella storia della pittura del XVII secolo in Russia sono gli affreschi della chiesa del profeta Elia a Yaroslavl, su cui lavorarono gli artisti dell'Armeria. Una caratteristica di questi affreschi sono scene di vita reale che prevalgono sulle storie bibliche. Ad esempio, nella scena con la guarigione, la parte principale della composizione è occupata dall'immagine dei contadini durante la mietitura. È stata la prima immagine monumentale del genere domestico.

Tra questi affreschi si possono trovare scene favolose e mitologiche. Stupiscono con i loro colori vivaci e l'architettura complessa.

Simon Ushakov

Persone significative compaiono in ogni fase dello sviluppo culturale del paese. La persona che promosse la pittura in Russia nel XVII secolo in una nuova direzione e contribuì alla sua parziale liberazione dall'ideologia religiosa fu Simon Ushakov.

Non era solo un pittore di corte, ma anche uno scienziato, insegnante, teologo, un uomo dalle ampie vedute. Simon era affascinato dall'arte occidentale. In particolare, era interessato alla rappresentazione realistica del volto umano. Ciò è chiaramente visibile nella sua opera "Il Salvatore non fatto da mani".

Ushakov era un innovatore. È stato il primo artista russo a utilizzare la pittura ad olio. Grazie a lui cominciò a svilupparsi l'arte dell'incisione su rame. Essendo l'artista principale dell'Armeria per trent'anni, scrisse molte icone, incisioni e diversi trattati. Tra questi c'è "Una parola all'amante della pittura di icone", in cui ha espresso il suo pensiero secondo cui l'artista dovrebbe, come uno specchio, riflettere sinceramente il mondo che lo circonda. Lo seguì nei suoi scritti e lo insegnò ai suoi studenti. Nei suoi appunti si trovano riferimenti ad un atlante anatomico, che volle scrivere e illustrare con incisioni. Ma, a quanto pare, non è stato pubblicato o non è stato conservato. Il merito principale del maestro è quello di gettare le basi per la ritrattistica del XVII secolo in Russia.

Parsuna

Dopo significative trasformazioni nella pittura di icone, il genere del ritratto cominciò a prendere forma. All'inizio veniva eseguita nello stile della pittura di icone e veniva chiamata "parsuna" (dal latino - persona, personalità). Gli artisti lavorano sempre di più con la natura vivente e i parsoons stanno diventando più realistici, i volti su di essi stanno guadagnando volume.

In questo stile furono dipinti i ritratti di Boris Godunov, degli zar Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, delle zarine Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova.

È noto che a corte lavoravano anche artisti stranieri. Hanno anche contribuito notevolmente all'evoluzione della pittura russa.

grafica del libro

Anche la stampa arrivò piuttosto tardi nelle terre russe. Tuttavia, parallelamente al suo sviluppo, anche le incisioni utilizzate come illustrazioni guadagnarono popolarità. Le immagini erano di natura sia religiosa che domestica. La miniatura del libro di quel periodo si distingue per ornamenti complessi, lettere decorative e si trovano anche immagini di ritratti. I maestri della scuola Stroganov hanno dato un grande contributo allo sviluppo delle miniature dei libri.

La pittura in Russia nel XVII secolo si trasformò da altamente spirituale in più secolare e vicina alla gente. Nonostante l'opposizione dei leader della chiesa, gli artisti hanno difeso il loro diritto di creare nel genere del realismo.

A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, nella pittura italiana emersero due tendenze artistiche: una è associata all'arte di Caravaggio, la seconda all'opera dei fratelli Caracci. Le attività di questi maestri non solo determinarono in gran parte la natura della pittura italiana. Ma ebbe un impatto anche sull’arte di tutte le scuole artistiche europee del XVII secolo.

L'essenza della riforma di Caravaggio fu il riconoscimento del tutto incondizionato del valore estetico della realtà, che si rivolse a rappresentare nella sua pittura. Gli esperimenti di Caravaggio in una fase iniziale della creatività sono una delle fonti per lo sviluppo della pittura di genere quotidiana nell'arte del XVII secolo, ad esempio il dipinto "Il cartomante".

Caravaggio "Il cartomante"

Tuttavia, dipingendo su soggetti tradizionali, Caravaggio rimane fedele a se stesso: "traduce" la Storia Sacra in volgare. L'arte di Caravaggio ha dato origine a un'intera tendenza: il caravagismo, che si è diffuso non solo in Italia, ma anche in Spagna, Fiandre, Olanda e Francia.

I caravaggisti sono chiamati sia veri seguaci che hanno compreso l'essenza della riforma di Caravaggio (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), sia numerosi imitatori che prendono in prestito motivi e tecniche dalle opere dell'artista.

Nell'Italia del XVII secolo, la forma espressamente sviluppata del barocco, con il suo intrinseco senso di "naturalezza", sembrava confondere il confine tra illusione e realtà. Classicismo e realismo, tendenze caratteristiche di quell'epoca, si opponevano allo stile barocco o ad altre componenti di questo stile. Il grande paesaggista Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti: questo non è un elenco completo dei seguaci di Caravaggio.

L'artista italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) è il più grande maestro dell'arte realistica del XVII secolo. Diventa un vero erede del Rinascimento, essendo un ribelle nell'arte e nella vita rompe coraggiosamente i canoni accademici. Nella foto dei suoi primi lavori "L'indovino", descrive una donna con una giacca bianca, che predice il suo destino a un giovane vestito con una canotta di seta e un cappello con una piuma di struzzo.

Gli eroi dell'artista sono persone comuni, cerca di vestirli con abiti meravigliosi e renderli il più belli possibile. Nel dipinto di Caravaggio "L'Assunzione di Maria", gli apostoli, affranti e raccolti attorno alla defunta Madre di Dio, attirano innanzitutto l'attenzione. La Vergine giace in vesti scarlatte, le braccia cadenti, gli occhi chiusi, un aspetto pallido, enfatizzato dal colore scarlatto applicato, tipico delle opere di Caravaggio.

Coloro che sono venuti a salutare il defunto si sono affollati nella stanza. Le teste calve degli uomini si chinano in un triste silenzio, alcuni, addolorati, si asciugano una lacrima. Una ragazza in lutto è seduta su una piccola sedia. Distrutta dal dolore, si prese la testa tra le mani e pianse.

Riproduzione della Morte di Maria di Caravaggio

Il più interessante di tutti è il caravaggista Giovanni Serodine (1600-1630). Nato nel Nord Italia, studiato a Roma e portato via dal caravaggismo, il giovane sviluppò il proprio stile pittorico.

In Cristo predica al tempio, la luce intensa fa risaltare la tavolozza espressiva di Serodine, dominata da toni brunastri e rossastri. Il drammatico effetto luminoso anticipa i dipinti di Rembrandt. Serodine dipinge con tratti rapidi e forti, conferendo alle sue immagini un'intensità drammatica, e il colore e la luce conferiscono un'unità pittorica organica.

Insieme all'arte realistica dello stile caravaggesco, nel XVII secolo emerse anche un altro fenomeno artistico, come l'accademismo bolognese, sorto in stretta connessione con la formazione di un nuovo stile nell'architettura e nella pittura: il barocco. Gli artisti ci riuscirono: i fratelli Agostino e Annibale Caracci e il loro fratello Lodovico Caracci. I fratelli cercarono di sfruttare l'eredità rinascimentale, Annibale Caracci era particolarmente talentuoso. In realtà era la figura di spicco della nuova corrente. Annibale Caracci creò un'arte monumentale solenne, utilizzata soprattutto nei dipinti di chiese, palazzi e pale d'altare. Si sta creando un nuovo tipo di dipinto sull'altare, ad esempio la Madonna che appare a San Luca.

Riproduzione della "Madonna che appare a San Luca" di Annibale Caracci.

L'artista toscano Orazio Gentileschi (1565-1639), nato a Pisa, conservò per sempre le caratteristiche della cultura toscana: il gusto per i panneggi sofisticati, le forme chiare e i colori freddi. Fu anche un imitatore di Caravaggio, ma prestò maggiore attenzione alla resa idilliaca delle immagini, come, ad esempio, nel dipinto "Riposo durante la fuga in Egitto"

Foto di un dipinto di Orazio Gentileschi "Riposo durante la fuga in Egitto"

Le ricerche genere-realistiche furono espresse più chiaramente nell'opera dell'artista Domenico Fetti (1589-1623). Fetti rese omaggio sia al caravagismo realistico che alla pittura barocca; nella sua opera è più evidente l'influenza dei pittori veneziani Rubens e del paesaggista Elsheimer. Lo stesso Fetty emerse come un eccellente colorista, dipingendo con piccoli tratti vibranti e ravvivando tele di colori verde-bluastro e grigio-brunastro. Tende a scrivere maggiormente immagini di genere lirico, interpretando immagini religiose, come, ad esempio, nel dipinto "La parabola della dracma perduta".

Riproduzione del dipinto "La parabola della dracma perduta" di Domenico Fetti.

L'artista racconta in modo semplice e poetico la parabola della dracma perduta. In una stanza quasi vuota, una giovane donna, silenziosamente, si inchinò alla ricerca di una moneta. Una piccola lampada posta sul pavimento illumina la figura e parte della stanza, formando una bizzarra ombra oscillante sul pavimento e sul muro. Ai confini del contatto tra luce e ombra, si accendono i colori dorato, bianco e rosso del dipinto. L'immagine sembra essere riscaldata da un morbido lirismo.

Il nome di Salvatore Rosa da Napoli (1615-1673) è spesso associato a idee sui cosiddetti paesaggi romantici e, in generale, sulla caratteristica direzione "romantica" nella pittura del XVII secolo.

L'opera pittoresca di Salvator Rosa è molto irregolare e contraddittoria. Ha lavorato in una varietà di generi: storico, ritratto, battaglia e paesaggio, e ha anche dipinto dipinti su soggetti religiosi. Molte delle sue opere dipendono, per così dire, dall'arte accademica. Altri testimoniano la passione per il caravagismo. Tale, ad esempio, è il dipinto “Il figliol prodigo”, che raffigura un giovane pastore inginocchiato accanto a una pecora e una mucca. I tacchi sporchi del figliol prodigo inginocchiato, raffigurato proprio in primo piano, ricordano molto i trucchi di Caravaggio.

Foto del dipinto di Salvator Rosa "Il figliol prodigo"

La descrizione romantica del paesaggio e delle scene di genere nell'opera di Rose era, per così dire, un'opposizione alla pittura accademica barocca ufficiale.

L'attività creativa dei fratelli Carracci attirò a sé giovani artisti a Bologna e Roma, che continuarono le idee dei Carracci nella pittura monumentale-decorativa e di paesaggio. Tra i suoi allievi e collaboratori i più famosi sono Guido Reni e Domenichino. Nella loro opera lo stile dell'accademismo bolognese giunge alla sua definitiva canonizzazione.

Guido Reni (1575-1642) è conosciuto come autore di numerose opere religiose e mitologiche, abilmente eseguite, ma noiose e sentimentali. Il nome di questo artista di talento è diventato sinonimo di tutto ciò che era noioso, senza vita e falso nella pittura accademica.

Foto del dipinto "Aurora" di Guido Reni.

Questa bellissima composizione, piena di leggera grazia e movimento, è dipinta in una fredda gamma di grigio-argento, blu e oro e ben caratterizza la raffinatezza e la convenzionalità dello stile di Reni, che è molto diverso dalla ruvida plasticità e dai colori ricchi del sensuale immagini dei fratelli Carracci.

Le caratteristiche degli elementi del classicismo si riflettono in modo più completo nell'opera di un altro rappresentante dell'accademismo bolognese, Tsampieri Domenico, o Domenichino (1581-1641). Allievo di Annibale Carracci, lo aiutò nella pittura delle Gallerie Farnese; Domenichino era rinomato per i suoi famosi cicli di affreschi a Roma e Napoli. La maggior parte delle sue opere si differenziano poco dal lavoro di altri artisti di stile accademico. Solo quei dipinti in cui viene dato più spazio ai paesaggi non sono privi di freschezza poetica, ad esempio La caccia di Diana.

Foto del dipinto del Domenichino "Caccia a Diana"

L'artista ha raffigurato nella foto una competizione di ninfe nella precisione del tiro, come descritto nell'Eneide dall'antico poeta romano Virgilio. Una freccia avrebbe dovuto colpire un albero, un'altra un nastro e la terza un uccello in volo. Diana, ha dimostrato la sua abilità, e non nasconde la sua gioia, agitando nell'aria l'arco e la faretra.

L'Italia, che ha svolto un ruolo di primo piano nella pittura, nell'architettura e nella cultura dei paesi dell'Europa occidentale durante il Rinascimento, lo perde gradualmente entro la fine del XVII secolo. Ma per molto tempo fu riconosciuta da tutti come la trendsetter del gusto artistico, e per diversi secoli intere folle di pellegrini d'arte arrivarono in Italia, mentre nuove potenti scuole apparvero nell'arena artistica dei paesi europei.

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Da: Maksimenko V., 38842 visualizzazioni

Contenuto
introduzione

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - il più grande artista olandese del XVII secolo
1.2. Rubens Pietro Paolo
1.3. Pittore francese Nicolas Poussin
Capitolo II Artisti russi del XVII secolo
2.1. Zubov Aleksej Fedorovich (1682-1750)
2.2. Nikitin Ivan Nikitich (1680-1742)
Conclusione
Bibliografia

introduzione

La pittura del XVII secolo si sviluppò sotto l'influenza dello stile barocco, che dominò l'arte europea fino alla metà del XVIII secolo. La nuova filosofia del mondo, che consisteva in giudizi modificati sull'unità, diversità e infinità del mondo, ebbe una grande influenza sulla visione del mondo degli artisti di quel tempo. Splendore e dinamismo, intensità di sentimenti e pathos, vistosità, realtà e illusione, contrasti e giochi di luce contraddistinguono la pittura di questo periodo.
Il XVII secolo fu largamente importante nella formazione delle culture nazionali del nuovo tempo. In questo momento è stato completato il processo di localizzazione delle scuole d'arte, la cui diversità è stata determinata principalmente dalle condizioni dello sviluppo storico e dalle tradizioni consolidate in ogni particolare paese. Gli artisti russi del XVII secolo erano principalmente impegnati nella pittura di icone. Gli artisti spagnoli del XVII secolo si formarono sotto l'ideologia degli ordini monastici, quindi le principali commissioni di opere d'arte provenivano dal regno spirituale. Gli artisti italiani del XVII secolo studiarono da vicino varie scienze: scienze naturali, prospettiva, anatomia e altre. Hanno rappresentato scene religiose nei dipinti come secolari. Negli episodi hanno imparato a trasmettere il carattere e a rivelare i sentimenti profondi di una persona. Guardando la "Crocifissione" scritta da Andrea Mantegna. Gli artisti olandesi del XVII secolo si distinguevano per il fatto che tra loro prevalevano quasi tutti i tipi di pittura. Questa professione era tutt'altro che rara, tra i primi artisti c'era una seria concorrenza. In Olanda, i dipinti di artisti del XVII secolo adornavano le case non solo dei ricchi membri della società, ma anche dei comuni artigiani e contadini.
Capitolo I Artisti stranieri del XVII secolo
1.1 Rembrandt Harmensz van Rijn - il più grande artista olandese del XVII secolo
L'opera dell'artista olandese Rembrandt Harmens Van Rijn (1606-1669) è uno dei vertici della pittura realistica mondiale. Rembrandt dipinse temi, ritratti e paesaggi storici, biblici, mitologici e quotidiani. Fu il più grande maestro del disegno e dell'acquaforte d'Europa. Il suo lavoro è caratterizzato dal desiderio di una comprensione filosofica della vita, dall'onestà verso se stesso e dalle persone, dall'interesse per il mondo spirituale dell'uomo. La valutazione morale degli eventi e di una persona è il nervo principale dell'arte del maestro. L'artista ha trasmesso perfettamente la spiritualità del modello e la drammaticità dell'evento attraverso gli effetti del chiaroscuro, quando lo spazio sembra affogare nell'ombra, nel crepuscolo dorato, e un raggio di luce evidenzia le singole figure di persone, i loro volti, gesti e movimenti. In questo metodo di costruzione pittorica di un'immagine, Rembrandt non aveva eguali (solo l'italiano Caravaggio può competere con lui nell'abilità di usare il chiaroscuro). Come spesso accade nella storia dell'arte, nonostante il suo geniale talento, Rembrandt morì in povertà e solitudine, maestro dimenticato e inutile. Ma il suo lavoro sopravvive per secoli, quindi si può dire senza esagerare che Rembrandt è uno dei più grandi artisti della storia dell'arte mondiale. Molti lo definirebbero un pittore insuperabile, addirittura molto più grande di Raffaello o Leonardo. Sembrerebbe che il suo lavoro sia stato vincolato dalle tradizioni e dai dogmi dell'arte protestante olandese, perché non ha mai viaggiato fuori dall'Olanda. Eppure, Rembrandt non solo si diletta con la brillante tecnica della pittura, ma rivela anche una rivelazione con il suo lavoro: nessuno ha mai parlato dei semplici sentimenti umani in modo così profondo, tenero, interessante e penetrante. Nelle sue scene storiche e bibliche, nei ritratti dei suoi contemporanei, raggiunge le profondità dell'espressività psicologica. La sua saggezza, compassione e intuizione, molto probabilmente, sono il risultato della conoscenza di sé: molte volte, come nessun altro, ha dipinto autoritratti e ha catturato il suo percorso di vita, partendo dalla giovinezza e dal successo e finendo con la vecchiaia, che ha portato dolori e difficoltà. Al momento si conoscono più di cento autoritratti di Rembrandt, ognuno dei quali è un capolavoro straordinario. Grazie a fortunate circostanze storiche, la Russia possiede oggi una delle più ricche collezioni di dipinti di Rembrandt. Quasi tutti sono conservati nel Museo statale dell'Ermitage di San Pietroburgo, inclusi capolavori famosi come "Il ritorno del figliol prodigo", "Danae", "Ritratto di Saskia come Flora", "Ritratto di un vecchio in rosso ", "David e Uria", ecc. . Più di una generazione di artisti russi ha studiato i dipinti di Rembrandt dell'Ermitage. Se non hai l'opportunità di visitare l'Ermitage, ti invitiamo alla nostra galleria virtuale di dipinti di Rembrandt. Qui puoi vedere quasi tutti i famosi capolavori del maestro, molti dei quali vengono forniti con descrizioni dettagliate. Buon viaggio nell'affascinante mondo di un artista straordinario e una persona sensibile: Rembrandt.

1.2. Pietro Paolo Rubens

Pieter Paul Rubens, 1577-1640 - Pittore e diplomatico fiammingo. Nato a Siegen in Vestfalia il 28 giugno 1577 nella famiglia di Jan Rubens, avvocato di Anversa. Quando Peter Paul Rubens aveva undici anni, suo padre morì e sua madre si trasferì con i bambini ad Anversa. Il futuro artista fu educato in una scuola dei gesuiti. La capacità di conoscere le lingue (parlava sei lingue) gli ha permesso non solo di padroneggiare il patrimonio culturale della sua epoca, ma anche di ottenere un successo significativo in campo diplomatico. Rubens studiò con tre pittori fiamminghi: Tobias Verhacht, Adam van Noort e Otto van Ven. Nel 1598 fu ammesso alla corporazione di S. Luca. Nel 1600 l'artista giunse in Italia; lì studiò architettura e scultura antica, pittura italiana, e dipinse anche ritratti (soprattutto a Genova) e pale d'altare (a Roma e Mantova). Nel 1603, il mecenate italiano di Rubens, Vicenzo Gonzaga, lo inviò in Spagna come parte di una missione diplomatica. Nel 1608 Rubens divenne pittore di corte di Isabella d'Austria, si stabilì ad Anversa e nel 1609 sposò l'aristocratica Isabella Brant. Da questo matrimonio sono nati tre figli. Per soddisfare la crescente domanda dei suoi dipinti, Rubens creò in pochi anni un grande laboratorio, dove lavorarono A. van Dyck, Jacob Jordaens e F. Snyders. Ha realizzato degli schizzi, che i suoi studenti e assistenti hanno trasferito sulla tela, e poi, alla fine del lavoro, ha corretto leggermente i dipinti. Organizzò addirittura una scuola di incisione per diffondere ancora più ampiamente la sua opera. I dipinti di Rubens di questi anni sono pieni di dinamiche appassionate. Tra le trame predominano scene di caccia, battaglie, episodi evangelici vividi e drammatici e scene della vita dei santi, composizioni allegoriche e mitologiche; in essi Rubens si divertiva a scrivere corpi energici e potenti che piacevano così tanto ai suoi contemporanei. Oltre agli ordini provenienti dalle chiese locali e dagli aristocratici di Anversa, l'artista ha ricevuto ordini dall'estero, principalmente dall'Inghilterra. Il grande laboratorio, il cui edificio progettò sullo stile di un palazzo genovese (restaurato nel 1937-1946), divenne presto il centro sociale e punto di riferimento di Anversa. Nel 1620 Rubens lavorò per la casa reale francese. Scrisse per Maria de Medici un ciclo di pannelli allegorici su scene della sua vita e realizzò arazzi di cartone commissionati da Luigi XIII, e iniziò anche un ciclo di composizioni con episodi della vita del re francese Enrico IV di Navarra, rimasto incompiuto. Dall'inizio degli anni venti del Seicento Rubens fu attivo nella diplomazia. Nel 1628 e nel 1630 Rubens si recò a Madrid e Londra in missione diplomatica e partecipò alla conclusione di un trattato di pace tra Spagna, Inghilterra e Olanda. Ritornato ad Anversa, Rubens fu ricevuto con grandi onori; il re spagnolo gli concesse il titolo di consigliere di stato e il re inglese - nobiltà personale. Rubens sposò presto la sedicenne Elena Fourman; avevano cinque figli. Durante questi anni, lo stile di Rubens è cambiato: le composizioni sono costruite secondo un ritmo libero e fluido, la rigida interpretazione scultorea delle forme caratteristica del primo periodo di creatività è sostituita da una modellazione cromatica più leggera e ariosa. In essi si nota l'influenza delle opere di Tiziano, che Rubens copiò durante il suo soggiorno a Madrid. Nonostante abbia trascorso molto tempo lavorando su grandi composizioni e strutture decorative (dipingendo il soffitto della sala dei banchetti del Whitehall Palace a Londra; archi di trionfo in onore dell'ingresso dell'Infante Ferdinand ad Anversa; decorazione della Torre de la Castello di caccia di Parada), Rubens riuscì a scrivere anche opere più cameristiche e liriche. Tra questi ci sono il ritratto di "Helena Fourman Fur Coat" (1638-1640 circa, Vienna, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (1635-1636 circa, Louvre) e soprattutto diversi paesaggi radiosi e luminosi realizzati negli ultimi cinque anni. anni di vita in una tenuta di campagna vicino a Mechlin. Rubens morì il 30 maggio 1640.
Nelle sue opere, Rubens riuscì a realizzare ciò a cui aspiravano tre generazioni precedenti di artisti fiamminghi: la combinazione del realismo fiammingo con la tradizione classica ripresa dal Rinascimento italiano. L'artista era dotato di grande energia creativa e di inesauribile fantasia; traendo ispirazione da una varietà di fonti, ha creato il suo stile unico. Le immagini dell'altare da lui realizzate sono caratterizzate da sensualità ed emotività; decorando i castelli dell'aristocrazia dell'era dell'assolutismo emergente, contribuì alla diffusione dello stile barocco, il linguaggio artistico non solo della Controriforma, ma anche della cultura secolare di questo tempo.

1.3. Pittore francese Nicolas Poussin
Nato nel 1594 a Les Andelys in Normandia. Il primo insegnante di Poussin fu Quentin Varin di Amiens, che visse a Les Andelys tra il 1611 e il 1612. Nel 1612 Poussin arrivò a Parigi, dove Alexandre Cutois, cameriere del re, diede al giovane artista l'opportunità di visitare la collezione reale di dipinti; lì vide per la prima volta le opere di Raffaello e dei maestri della sua scuola. A Parigi, Poussin incontrò il poeta Giovanni Battista Marino, per il quale completò successivamente una meravigliosa serie di disegni su soggetti di Ovidio, Virgilio e Tito Livio, ora conservati nel Castello di Windsor.
Nella primavera del 1624 l'artista arrivò a Roma e vi si stabilì per il resto della sua vita. Nel 1640, quando la fama di Poussin raggiunse finalmente la sua terra natale, ricevette un invito da Luigi XIII e fu costretto a tornare per un po' a Parigi. A Parigi, Poussin creò opere come l'Eucaristia, il Miracolo di S. Francesco Saverio (entrambi al Louvre) e Il tempo salva la verità dall'invidia e dalla discordia (Giglio, Museo delle Belle Arti). Quest'ultimo fu commissionato dal cardinale Richelieu e doveva decorare il soffitto. È noto che la vita alla corte reale pesò molto su Poussin e nel 1642 tornò a Roma.
Le principali fonti della pittura di Poussin sono le opere dell'antichità classica e del Rinascimento italiano. Numerosi disegni testimoniano il suo grande interesse per i monumenti dell'Antica Roma. Possiede numerosi schizzi di antichi rilievi, statue e sarcofagi. Tuttavia, i motivi classici, così numerosi nelle opere di Poussin, vengono quasi sempre modificati e rielaborati da lui secondo i propri obiettivi artistici. Tra le opere dei maestri del Rinascimento italiano, la pittura di Raffaello e Tiziano ha avuto l'influenza più forte sull'artista. Nelle opere successive di Apollo e Dafne (1664 circa) e nella serie di quattro dipinti Le Stagioni (1660–1664, tutti al Louvre), Poussin si rivolge a motivi lirici; queste opere sono più ricche nella composizione e più raffinate nella tecnica rispetto alle tele puramente romantiche del primo periodo. La serie delle Stagioni con scene bibliche Paradiso (Primavera), Ruth (Estate), Esodo (Autunno) e Diluvio (Inverno) è uno dei migliori paesaggi di Poussin.
Poussin crea opere che anticipano la dura cittadinanza del tardo classicismo ("Morte di Germanico", 1628 circa, Institute of Arts, Minneapolis), tele barocche ("Martirio di Erasmo", 1628-1629 circa, Pinacoteca Vaticana), dipinti illuminista-poetici su temi mitologici e letterari, segnati dalla speciale attività del sistema cromatico, vicino alle tradizioni della scuola veneziana. ("Venere dormiente", Galleria d'arte, Dresda; "Narciso ed eco", Louvre, Parigi; "Rinaldo e Armida", Museo di belle arti intitolato ad A. S. Pushkin, Mosca; tutti e tre - 1625-1627 circa; "Regno Flora" , 1631-1632 circa, Pinacoteca, Dresda; "Tancredi ed Erminia"). I principi classici di Poussin si rivelano più chiaramente nelle tele della seconda metà degli anni '30. ("Il ratto delle Sabine", 2a versione, 1635 circa; "Israele raccoglie la manna", 1637-1639 circa; entrambi - al Louvre, Parigi). Il ritmo compositivo inseguito che regna in queste opere è percepito come un riflesso diretto del principio razionale, che modera gli impulsi vili e dona grandezza alle nobili azioni di una persona. Negli anni 1640-1642, Nicolas Poussin lavorò a Parigi alla corte di Luigi XIII ("Il tempo salva la verità dalle invasioni dell'invidia e della discordia", 1641-1642 circa, Museo d'arte, Lille). Gli intrighi degli artisti di corte, guidati da S. Vue, spingono Poussin a tornare a Roma.

Capitolo II Artisti russi del XVII secolo
2.1. Zubov Alexey Fyodorovich
Dapprima fu pittore all'Armeria, dal 1699 studiò con Adrian Schkhonebek per “fare stemmi” (per carta da bollo). Per dimostrare la sua conoscenza dell’incisione, già nel 1701 Zubov presentò all’Armeria una copia della Bibbia olandese del 1674, firmata: “Dall’affresco la Discesa dello Spirito Santo”.
Zubov divenne presto un abile incisore e incise molte lastre di grandi dimensioni, nelle quali raggiunse l'alta tecnologia. L'enorme veduta di San Pietroburgo, da lui incisa su 8 tavole, in coppia con la veduta di Mosca, incisa da Jan Bliklandt, è l'opera migliore di Zubov. Possiede anche immagini di battaglie navali (“Battaglia a Grengam”, 1721), festeggiamenti in occasione delle vittorie (“L'ingresso solenne delle truppe russe a Mosca dopo la vittoria a Poltava”, 1711) e altri eventi importanti dell'epoca. Zubov ha integrato la parte anteriore di tali immagini con dettagli di vita accuratamente trasmessi. Ha creato incisioni, utilizzando disegni e progetti di architetti, ad esempio M. G. Zemtsov. Il carattere documentario delle composizioni si sposava con il carattere decorativo del foglio inciso e con l'immagine dei presunti edifici. Le vedute della città sono state rappresentate dall'artista "dalla vista a volo d'uccello", che ha contribuito alla sensazione della scala di scene grandiose: panorami delle rive della Neva.
Dal 1714 Zubov lavorò a San Pietroburgo. Era un maestro senior presso la tipografia di San Pietroburgo. Dopo la morte di Pietro I, durante il regno di Caterina I, Zubov realizza un ritratto dell'Imperatrice (1726, dall'originale di I. Adolsky), incide, insieme a P. Pikart, un ritratto equestre di Pietro (1726), commissionato da A. D. Menshikov, ritratti di sua moglie e delle figlie del principe "serenissimo" - D. M. e M. A. Menshikov (1726). Nell'autunno del 1727, la tipografia di San Pietroburgo, dove Zubov era stato dal suo arrivo nella capitale settentrionale, fu chiusa. Dopo le sue dimissioni, fu costretto, come suo fratello, a trasformarsi in un maestro delle stampe popolari popolari. L'artista ha cercato di trovare lavoro presso la Camera delle Incisioni dell'Accademia delle Scienze, ma lì non ha mai ottenuto un lavoro fisso. Nel 1730 tornò a Mosca.
Nella vecchia capitale Zubov lavora ancora molto intensamente. Nel 1734 realizza i ritratti di Pietro I, Pietro II e Anna Ioannovna. Lavora molto su ordine di chiese e cittadini facoltosi. Ma le opere di Zubov di questo periodo mostrano quanto fosse sottile lo strato della nuova cultura, quanto gli artisti russi dipendessero dall'ambiente, quanto fossero forti le tradizioni dell'era pre-petrina. Ciò è evidenziato dalla famosa "Veduta del monastero di Solovetsky" - un'enorme incisione realizzata da Zubov insieme a suo fratello Ivan nel 1744. Come se non ci fossero vedute di San Pietroburgo, battaglie, ritratti. Come se non esistesse l'era petrina stessa. Come se non avesse mai lasciato lo Zubov di Mosca e l'Armeria. Le ultime opere dell'incisore a noi note risalgono al 1745 e l'ultima menzione di lui è del 1749. Il maestro morì in povertà e oscurità.
L'ultimo foglio inciso da Zubov fu notato nel 1741. I suoi migliori ritratti in stile nero: "Caterina I", "Pietro I", due principesse "Daria e Marya Menshikov" - sono estremamente rari; scalpello - "Caterina I", "Golovin" e "Stefan Yavorsky". Rovinsky ("Incisori russi", M. 1870) fornisce un elenco di 110 tavole di Zubov. Alcune tavole sono sopravvissute fino ai giorni nostri e sono addirittura in grado di produrre stampe ancora buone.

2.2. Nikitin Ivan Nikitich
Nato a Mosca, figlio del sacerdote Nikita Nikitin, che prestò servizio a Izmailovo, fratello del sacerdote Irodion Nikitin, in seguito arciprete della Cattedrale dell'Arcangelo al Cremlino, e del pittore Roman Nikitin.
Studiò a Mosca, apparentemente presso la Camera dell'Armeria, forse sotto la guida dell'olandese Shkhonebek in un laboratorio di incisione. Nel 1711 si trasferì a San Pietroburgo, studiò con Johann Tannauer, artista tedesco che fu uno dei primi ad accettare l'invito di Pietro il Grande a trasferirsi a San Pietroburgo per insegnare pittura prospettica agli artisti russi. Guadagnando rapidamente autorità a corte. Nel 1716-1720, con una pensione statale, insieme al fratello Romano, fu mandato, tra venti persone, a studiare in Italia, a Venezia e Firenze. Studiò con maestri come Tommaso Redi e J. G. Dangauer. Al ritorno diventa pittore di corte. Quindi, Nikitin possiede un ritratto di Pietro il Grande morente. Nel 1732, insieme al fratello Roman, anche lui artista, fu arrestato in relazione alla distribuzione di diffamazioni contro Feofan Prokopovich. Dopo cinque anni di custodia cautelare nella Fortezza di Pietro e Paolo, fu frustato ed esiliato a Tobolsk a vita. Nel 1741, dopo la morte di Anna Ioannovna, ricevette il permesso di tornare a San Pietroburgo. Lasciato nel 1742 e morto lungo la strada.
Ci sono solo tre opere firmate di Nikitin, insieme a quelle a lui attribuite, solo una decina. Le prime opere contengono ancora tracce della parsuna, che era l'unico stile di ritratto in Russia nel XVII secolo. Nikitin è uno dei primi (spesso indicato come il primo) artisti russi che si allontanarono dal tradizionale stile di pittura di icone della pittura russa e iniziarono a dipingere con la prospettiva, come facevano in Europa a quel tempo. Quindi, è il fondatore della tradizione russa
eccetera.................

Tra i tanti artisti russi e stranieri che lavorarono in Russia, gli eccezionali maestri ritrattisti del XVIII secolo possono essere tranquillamente definiti

AP Antropova, I.P. Argunova, F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky.

Sulle sue tele A.P. Antropov e I.P. Argunov ha cercato di ritrarre un nuovo ideale di persona: aperto ed energico. L'allegria, la festa è stata enfatizzata da colori vivaci. La dignità dei raffigurati, la loro corpulenza è stata trasmessa con l'aiuto di bellissimi abiti e solenni pose statiche.

A.P. Antropov e i suoi dipinti

Autoritratto di A.P. Antropov

Nel lavoro di A.P. Antropov, c'è ancora una connessione evidente con la pittura di icone. Il maestro dipinge il viso con tratti continui e vestiti, accessori, sfondo - liberamente e ampiamente. L'artista non "addula" davanti ai nobili eroi dei suoi dipinti. Li dipinge così come sono realmente, indipendentemente dalle caratteristiche, positive o negative, che non possiedono (ritratti di M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Pietro III).

Tra le opere più famose del pittore Antropov ci sono i ritratti:

Izmailov;
A.I. e P.A. Koliciov;
Elisabetta Petrovna;
Pietro I;
Caterina II di profilo;
ataman F. Krasnoshchekov;
libro di ritratti. Trubetskoy

I.P. Argunov - ritrattista del XVIII secolo

IP Argunov "Autoritratto"

Sviluppando il concetto di ritratto nazionale, I.P. Argunov padroneggiò rapidamente e facilmente il linguaggio della pittura europea e abbandonò le antiche tradizioni russe. Spiccano nella sua eredità i ritratti retrospettivi cerimoniali che dipinse da immagini di vita degli antenati di P.B. Sheremetev. Nella sua opera si prevede la pittura del prossimo secolo. Diventa il creatore di un ritratto da camera, in cui viene prestata grande attenzione all'alta spiritualità dell'immagine. Questo era il ritratto intimo, che divenne più comune nel XIX secolo.

I.P. Argunov "Ritratto di una donna sconosciuta in costume da contadina"

Le immagini più significative del suo lavoro furono:

Ekaterina Alekseevna;
P.B. Sheremetev durante l'infanzia;
gli Sheremetev;
Caterina II;
Ekaterina Aleksandrovna Lobanova-Rostovskaya;
sconosciuto in costume da contadino.

F.S. Rokotov - artista e dipinti

Una nuova fase nello sviluppo di quest'arte è associata al nome del ritrattista russo - F.S. Rokotova. Trasmette il gioco dei sentimenti, la variabilità del carattere umano nelle sue immagini dinamiche. Il mondo sembrava al pittore spiritualizzato, così come lo sono i suoi personaggi: poliedrici, pieni di lirismo e di umanità.

F. Rokotov "Ritratto di un uomo sconosciuto con un cappello a tre punte"

F.S. Rokotov ha lavorato nel genere del ritratto a metà vestito, quando una persona veniva raffigurata fino alla cintola sullo sfondo di edifici architettonici o di un paesaggio. Tra le sue prime opere ci sono i ritratti di Pietro III e Grigory Orlov, del principe Pavel Petrovich di sette anni e della principessa E.B. Yusupova. Sono eleganti, decorativi, colorati. Le immagini sono dipinte in stile rococò con la sua sensualità ed emotività. Grazie alle opere di Rokotov si può conoscere la storia del suo tempo. L'intera élite nobile avanzata si è sforzata di essere catturata sulle tele del pennello del grande pittore.

I ritratti da camera di Rokotov sono caratterizzati da: immagine del busto, girata verso lo spettatore di ¾, creazione di volume mediante complesse modellature di luci e ombre, combinazione armoniosa di toni. Con l'aiuto di questi mezzi espressivi, l'artista crea un certo tipo di tela, che raffigura l'onore, la dignità, la grazia spirituale di una persona (ritratto dell '"Uomo sconosciuto con il cappello a tricorno").

F.S. Rokotov "Ritratto di A.P. Struyskaya"

Particolarmente notevoli furono le immagini giovanili e femminili dell'artista, e si sviluppò persino un certo tipo di donna Rokotovsky (ritratti di A.P. Struyskaya, E.N. Zinovieva e molti altri).

Oltre a quelle già menzionate, le opere di F.S. Rokotov hanno portato fama:

IN E. Maykov;
Sconosciuto in rosa;
V.E. Novosiltseva;
P.N. Lanskoy;
Surovtseva;
A.I. e I.I. Voroncov;
Caterina II.

D.G.Levitsky

Autoritratto di D.G.Levitsky

Si diceva che i ritratti di D. G. Levitsky riflettessero l'intero secolo di Caterina. Chiunque abbia interpretato Levitsky, ha agito come un sottile psicologo e sicuramente ha trasmesso sincerità, apertura, tristezza, nonché le caratteristiche nazionali delle persone.

Le sue opere più importanti: un ritratto di A.F. Kokorinov, una serie di ritratti "Smolyanka", ritratti di Dyakova e Markerovsky, un ritratto di Agashi. Molte delle opere di Levitsky sono considerate intermedie tra i ritratti cerimoniali e quelli da camera.

DG Levitsky "Ritratto di A.F. Kokorinov"

Levitsky combinò nel suo lavoro l'accuratezza e la veridicità delle immagini di Antropov e dei testi di Rokotov, a seguito dei quali divenne uno dei maestri più importanti del XVIII secolo. . Le sue opere più famose sono:

E. I. Nelidova
M. A. Lvova
N. I. Novikova
A. V. Khrapovitsky
i Mitrofanov
Bakunina

V.L.Borovikovsky - maestro del ritratto sentimentale

Ritratto di VL Borovikovsky, arte. Bugaevskij-blagodatny

La personalità del maestro domestico di questo genere V.B. Borovikovsky è associato alla creazione ritratto sentimentale. Le sue miniature e ritratti ad olio raffiguravano persone con le loro esperienze, emozioni, trasmettevano l'unicità del loro mondo interiore (ritratto di M.I. Lopukhina). Le immagini delle donne avevano una certa composizione: una donna era raffigurata su uno sfondo naturale, fino alla vita, appoggiata a qualcosa, con in mano fiori o frutti.

V.L.Borovikovsky "Ritratto di Paolo I in costume dell'Ordine di Malta"

Nel tempo, le immagini dell'artista diventano tipiche dell'intera epoca (ritratto del generale F. A. Borovsky), e quindi l'artista è anche chiamato lo storiografo del suo tempo. L'artista peruviano possiede ritratti:

V.A. Zhukovsky;
"Lizanka e Dashenka";
GR. Derzhavin;
Paolo I;
A.B. Kurakina;
"Imberbe con figlie."

Per lo sviluppo della pittura russa, il XVIII secolo fu un punto di svolta. Il ritratto diventa il genere principale . Gli artisti adottano tecniche pittoriche e tecniche di base dai loro colleghi europei. Ma l'attenzione è rivolta a una persona con le proprie esperienze e sentimenti.

I ritrattisti russi hanno cercato non solo di trasmettere la somiglianza, ma anche di riflettere sulle loro tele l'anima e il mondo interiore dei loro modelli. Se Antropov e Argunov si sforzarono, superando le convenzioni, di rappresentare sinceramente una persona, allora Rokotov, Levitsky e Borovikovsky andarono oltre. Le personalità spirituali guardano dalle loro tele, il cui stato d'animo è stato catturato e trasmesso dagli artisti. Tutti lottavano per l'ideale, cantavano la bellezza nelle loro opere, ma la bellezza corporea era solo un riflesso dell'umanità e della spiritualità inerenti al popolo russo.

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Nonostante la specializzazione sviluppata, il XVII secolo della pittura russa divenne il secolo dell'arte, non della falsificazione artigianale. Eccezionali pittori di icone vivevano a Mosca. Sono stati registrati nel dipartimento della Camera delle Icone dell'Ordine delle Icone.

Simvon Ushakov. Salvatore non fatto da mani.

Alla fine del XVII secolo iniziarono a lavorare come maestri del negozio di icone dell'armeria. All'inizio del XVII secolo Procopio Chirin ottenne un grande successo. Chirin era originario di Novgorod. Le sue icone sono realizzate con colori tenui, le figure sono delineate lungo il contorno con un bordo dorato, imbiancate con il miglior aiuto.

Un altro notevole pittore russo del XVII secolo fu Nazariy Savin. Savin preferiva figure di proporzioni allungate, spalle strette e barbe lunghe. Negli anni '30 del XVII secolo, Savin guidò un gruppo di pittori di icone che scrissero la festa della deesis e i riti profetici per l'iconostasi della chiesa della Deposizione della Veste della Vergine e nel Cremlino di Mosca.

Ivan 4 Vasilyevich il Terribile.

A metà del XVII secolo furono eseguiti grandi lavori di restauro degli antichi affreschi. Il nuovo murale della Cattedrale dell'Assunzione a Mosca, ha mantenuto lo schema del precedente, e è stato completato nel più breve tempo possibile. Ivan Panssein ha supervisionato i lavori. Gli artisti sotto la sua guida hanno scritto 249 composizioni complesse e 2066 volti.

Nel XVII secolo della pittura russa spiccava un desiderio speciale degli artisti, il desiderio di una rappresentazione realistica di una persona. In Russia inizia a diffondersi un fenomeno come la pittura secolare. I pittori secolari del XVII secolo raffigurarono re, generali e boiardi. Nel XVII secolo, nella cultura russa, anche nella pittura, ebbe luogo un processo di “secolarizzazione”. Motivi sempre più secolari penetrano nella vita della società russa. La Russia ha intrapreso un nuovo percorso, alle soglie di una nuova era nella sua storia.

Nella pittura, le tradizioni consolidate della scrittura sono state in gran parte preservate. Il consiglio ecclesiastico del 1667 regolava rigorosamente i temi e le immagini, lo stesso richiedeva lo statuto dello zar Alessio Mikhailovich. Da lui sono state scritte analisi:

Condannò zelantemente qualsiasi deviazione dai canoni nella rappresentazione dei santi ideologi dei vecchi credenti Avvakum.

Le attività dei pittori furono guidate dall'Armeria del Cremlino, che divenne nel XVII secolo. il centro artistico del paese, dove venivano attratti i migliori maestri.

Per 30 anni l'attività di pittura è stata guidata da Simon Ushakov (1626-1686). Una caratteristica del suo lavoro era uno stretto interesse per l'immagine del volto umano. Sotto la sua mano, i volti ascetici acquisirono sembianze viventi. Questa è l'icona "Salvatore non fatto da mani".

L'altro suo lavoro è ampiamente conosciuto: "Piantare l'albero dello stato tutto russo". Sullo sfondo della Cattedrale della Dormizione sono collocate le figure di Ivan Kalita e del metropolita Pietro, che innaffiano un grande albero, sui cui rami sono fissati medaglioni con ritratti di principi e re. Sul lato sinistro dell'immagine c'è Alexei Mikhailovich, a destra - sua moglie con figli. Tutte le immagini sono ritratti. Il pennello di Ushakov appartiene anche all'icona "Trinità", sulla quale compaiono dettagli realistici. Simon Ushakov ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della pittura russa.

Un fenomeno notevole nell'arte russa del XVII secolo. divenne la scuola dei maestri di Yaroslavl. Le chiese tradizionali e le scene bibliche sui loro affreschi cominciano a essere rappresentate nelle immagini della vita russa familiare. I miracoli dei santi passano in secondo piano davanti ai fenomeni ordinari. Particolarmente caratteristica è la composizione "Raccolta" nella chiesa del Profeta Elia, così come gli affreschi nella chiesa di Giovanni Battista. Anche i pittori di Yaroslavl furono tra i "pionieri" nello sviluppo del paesaggio.

Un altro esempio di genere secolare che rifletteva l'interesse per la personalità umana fu la diffusione della scrittura "parsun" - immagini di ritratti. Se nella prima metà del secolo i "parsuns" venivano ancora eseguiti secondo la tradizione puramente iconografica (immagini di Ivan IV, M. Skopin-Shuisky),

poi nel secondo iniziarono ad assumere un carattere più realistico ("parsins" degli zar Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, l'amministratore G.P. Godunov).

Mikhail Fedorovich, zar, il primo della dinastia dei Romanov.

Parsun dell'ultimo Rurikovich nella linea maschile - il figlio di Ivan il Terribile.

Patriarca Nikon

Patriarca Nikon sotto lo zar Alexei Mikhailovich.

Natalya Kirillovna Naryshkina, la seconda moglie dello zar Alessio Mikhailovich e un'altra della sua parsuna