Rembrandt Harmens van Rijn karakteristične crte kreativnosti. Rembrandt slike

17. vijek je „zlatno“ doba slikarstva. Umetnost 17. veka u poređenju sa kulturom

Rembrandt Harmens van Rijn. Auto portret. 1630

prethodne ere, složenije, kontradiktornije po sadržaju i umetničke forme. Umjetnici u centar pažnje stavljaju osobu koja je svjesna svog značaja iz društvenog okruženja i objektivnih zakonitosti postojanja. Njegovo utjelovljenje postaje konkretnije, emocionalno i psihološki složenije. Umetnici 17. veka nastoje da prikažu stvarni život u svoj njegovoj raznolikosti. Želja za širokim prikazom stvarnosti u ovom trenutku dovodi do pojave svih vrsta žanrovskih scena. U likovnoj umjetnosti, pored tradicionalnih mitoloških i biblijskih žanrova, samostalno mjesto zauzimaju sekularni žanrovi: svakodnevni žanr, pejzaž, mrtva priroda. To je označilo pojavu realističkog pokreta u umjetnosti u 17. stoljeću, što je važna prekretnica u evoluciji zapadnoevropske umjetnosti.

U to vreme, Italija, Francuska, Španija, Flandrija i Holandija brzo su postale uticajni umetnički centri. 17. vijek pripada najvećim majstorima realizma: Caravaggio, Velazquez, Hals, Delftsky i, naravno, Rembrandt Harmensz van Rijn - najveći majstor realisticka umjetnost, u čijem je stvaralaštvu holandsko slikarstvo 17. vijeka dostiglo vrhunac.

On je najveći predstavnik Holandije slikarstvo XVII veka.

Holandija iz 17. veka je bogata država u kojoj je trgovačka klasa stekla svoju moć i neviđeno bogatstvo. Holandija je zemlja trgovaca, preduzetnika, zemlja trgovine. Bogate porodice Holandije u to vrijeme nastojale su da pokažu svoje bogatstvo, svoje bogatstvo. I zato bogataši nabavljaju luksuzne palate, koje su pune svakojakih čuda sakupljenih sa svih strana sveta. To uključuje posuđe, perzijske tepihe, slike iz prethodnih epoha i nakit. I nije slučajno da je 17. vijek doživio procvat holandskog slikarstva. Bogati ljudi naručivali su portrete sebe i članova svoje porodice od lokalnih umjetnika. Umjetnici su, pokušavajući zadovoljiti kupce, prikazivali one koji su prikazani u zenitu svoje slave i bogatstva. Takvi portreti veličali su prikazane.

Rembrandt se također pridržavao ove tradicije stvaranja portreta u prvom periodu svog rada. Ali to je bilo na početku umjetnikovog stvaralačkog puta.

Uprkos činjenici da najverovatnije nikada nije napustio Holandiju, Rembrandt je za života bio poznat širom Evrope i imao je snažan uticaj na umetnost tog doba. Još dok je umjetnik bio živ, njegov rad i život postali su legenda.

Rembrandtovo djelo je prožeto željom za dubokim, filozofskim sagledavanjem stvarnosti i unutrašnjeg svijeta čovjeka u svom bogatstvu njegovih duhovnih iskustava. Realističan i humanistički u svojoj suštini, predstavljao je vrhunac razvoja holandske umetnosti 17. veka, oličavajući visoke moralnih ideala, vjerovanje u ljepotu i dostojanstvo običnih ljudi. Izvanredna širina tematskog raspona, najdublji humanizam koji produhovljuje djela, istinska demokratičnost umjetnosti, stalna potraga za najizrazitijim umetničkim sredstvima, nenadmašna vještina dala je umjetniku priliku da otelotvori najdublje i najnaprednije ideje tog vremena. Rembrandtovo umjetničko nasljeđe odlikuje se izuzetnom raznolikošću: portreti, grupni portreti, mrtve prirode, žanr scene, slike na biblijske, mitološke i povijesne teme.

Nakon kraćeg studija na Univerzitetu u Leidenu na Filozofskom fakultetu (1620), posvetio se umjetnosti. Studirao je slikarstvo kod Swanenbuercha u Leidenu (oko 1620-23) i kod istorijskog slikara Pietera Lastmana u Amsterdamu (1623), koji je imao veliki uticaj na Rembrandtovo stvaralaštvo. Nakon kratkog učenja kod njega, Rembrandt se vratio u Lajden, gdje je od 1623. do 1631. godine plodno radio. Otvorio je sopstvenu radionicu i regrutovao studente. Došlo je vrijeme za uspjeh i slavu. Njegova tehnika se poboljšala. Drama, spontanost, dojam uhvaćenog trenutka, prikladno odabrane kompozicije i rasvjete, te pun simpatije psihološki opis čine jedinstvene karakteristike Rembrandtovog djela.

Na samom početku svoje kreativne karijere, izvjesni Maxim Haggens posjetio je njegovu radionicu i ostavio poruku u znak sjećanja na Rembrandta: "Bravo, Rembrandt!" Uskoro Rembrandt pronalazi snažnog i bogatog pokrovitelja, koji ga uvodi u bogato holandsko društvo.

U tom periodu naslikao je dosta portreta bogatih, plemenitih građana. Ali čak iu tom istom periodu, Rembrandtove slike su bile obilježene potragom za kreativnom neovisnošću, iako su i na njih utjecali Lastman i utrehtski karavadžisti. Tako je Rembrandt na slikama “Apostol Pavle” (oko 1629-30, Njemački nacionalni muzej, Nirnberg) i “Simeon u hramu” (1631, Mauritshuis, Hag) prvi put koristio chiaroscuro kao sredstvo za jačanje duhovnosti. i emocionalnu ekspresivnost slika.

Njegov rad postao je simbol epohe slikarstva 17. veka.

Posebnost u evropskom slikarstvu 17. stoljeća bila je promicanje komornog, intimnog portreta u prvi plan, za razliku od ceremonijalnog portreta, čiji je cilj bio uzdizanje i veličanje prikazanih. Isto tako, Rembrandt je u ranom periodu svog stvaralaštva (period Leidena) vredno radio na portretu, proučavajući izraze lica ljudskog lica, razne manifestacije likovi, osobine ličnosti osoba. U to vrijeme napravio je seriju autoportreta i portreta članova svoje porodice. U brojnim portretima i kostimiranim autoportretima (više od stotinu), Rembrandt je bilježio i analizirao psihička stanja, tipove likova i uloge.

Portret “Nicholas Raths” (1631) ili uzmite, na primjer, sliku s biblijskom zapletom “Plači

Rembrandt Harmens van Rijn. Jeremijin lament za uništenjem Jerusalima. 1630 Rijksmuseum, Amsterdam

Jeremija o razaranju Jerusalima" (1630), grupni portret "Koncert" (1626): ovdje je vrlo jasno prikazano stanje duha portretiranih. A Rembrandt sve to postiže chiaroscurom. Štaviše, pokušava se prikazati na portretu unutrašnji svet osobu, Rembrandt portretiranu osobu najčešće smješta u interijer nego u pejzaž: tako je u zatvorenoj prostoriji lakše zaviriti u lice osobe. Ima nešto neverovatno u kompozicijama. Zauzima ga svjetlost, koja obilno pada na predmete. Malo po malo, želja da prenese izgled predmeta dovodi ga do slikanja koje je pažljivo oslikano, uredno i uglađeno. Teži harmoniji plavih, blijedozelenih i ružičasto-žutih tonova. Vrijedi obratiti pažnju na sliku iz 1630. „Jeremijin plač za uništenjem Jerusalima“ (1630.) . Slika je nastala na osnovu jedne od biblijskih priča Starog zaveta, koja glasi: Prorok Jeremija je predvidio uništenje jevrejske države, uništenje Jerusalima. Ali niko mu nije verovao. Međutim, Jerusalim je uništen. I umjetnik je pokazao trenutak kada, u blizini ruševina razorenog Jerusalima, Jeremija žali da je obdaren darom predviđanja. Ovaj dar je bolan za njega, ali ne može mu pomoći. Osim toga, korištene boje, kompozicija - sve tjera gledatelja da obrati pažnju na Jeremijino lice, kako se odmah osjeti bol, duševna patnja čovjeka koji razmišlja o sudbini cijelog čovječanstva. Koliko je emocionalno i psihološki precizno umjetnik prenio stanje ovog starca: sve, od boja na slici do položaja poze osobe, prenosi njegovu patnju, stanje uma. Nema sumnje da portreti koje je Rembrandt naslikao dokazuju koliko je umjetnik bio pronicljiv već sa 25 godina. I taj brend svoje kreativnosti će zadržati do kraja svojih dana.

U početku je život umjetnika bio uspješan. Godine 1632. Rembrandt se preselio u Amsterdam, gdje se ubrzo oženio bogatom patricijkom Saskiom van Uylenburch. 1630-te su godine porodična sreća i Rembrantov ogroman umjetnički uspjeh. Slika “Lekcija anatomije doktora Tulpa” (1632, Mauritshuis, Hag), na kojoj je umjetnik na nov način riješio problem grupnog portreta, dajući kompoziciji vitalnu lakoću i ujedinjujući prikazane u jednoj akciji, doneo je Rembrandtu široku slavu. Uživa široku popularnost, prima mnoge narudžbe i ima brojne učenike koji rade u njegovim radionicama.

Rembrandt nastavlja da usavršava svoju tehniku ​​slikanja portreta. Na naručenim portretima bogatih građanki pažljivo prenosi crte lica, odjeću i nakit, ali često modeli dobijaju i jasne društvene karakteristike. U autoportretima i portretima voljenih, umjetnik hrabro eksperimentira u potrazi za psihološkom ekspresivnošću. Često prikazuje Saskiju i sebe, mlade, srećne, pune energije. Djela ovog vremena ponekad karakteriziraju namjerni vanjski efekti: elegantna, otmjena odjeća, rasvjeta, oštri uglovi, kontrasti svjetla i sjene. Jedan od upečatljivih primjera umjetnikove kreativne potrage je „Portret Saskije“, završen oko 1635. godine. Ako je dostupno ovdje nova tehnologija pišući portret, Rembrandt je na portretu svoje supruge pokazao svoju želju za tačnošću i istinitošću, što je otkrilo umjetnikov nesumnjiv i iskren dar. Kao i u ovoj, skoro i dalje početni period, čovjek se već osjeća kao veliki umjetnik, nezavisan i savršen.

Potragu za ovim periodom upotpunio je čuveni “Autoportret sa Saskijom” / “Veselo društvo” (oko 1636; Umjetnička galerija, Drezden). Hrabro raskida sa umjetničkim kanonima, drugačije

Rembrandt Harmens van Rey. Autoportret sa Saskiom u krilu. 1935-1636 Holandija (Holandija) Drezden. Umjetnička galerija

živa spontanost i ushićenost kompozicije, slobodan način slikanja, durski ključ, ispunjen svetlim, zlatnim, šarenim tonovima.

U to vrijeme Rembrandtov stil postaje hrabriji, njegov crtež je slobodniji, oduševljen je bujnim, bogatim bojama, njegov potez kistom postaje dubok i bogat.

Ako je na početku svoje stvaralačke karijere bio slikar, onda ubrzo postaje duhovni vidovnjak. Rembrandt se upoznaje sa amsterdamskim Jevrejima. Voleo je da šeta Amsterdamom. Njega vide stari rabini, koji mu objašnjavaju Bibliju, potvrđuju autentičnost izvanrednog i natprirodnog, daju neočekivana i naizgled prosvetljujuća tumačenja tekstova Svetog pisma i oživljavaju skrivene snove koje je nosio u sebi.

Postaje umjetnik čudesnog. Sve to potvrđuju u njegovim radovima boje i divno osvjetljenje koje stvara.

Slika „Hristos na Galilejskom moru za vreme oluje“, nastala 1933. godine, zasnovana je na jednoj od biblijskih scena. Umjetnik tako majstorski radi kistom, toliko unosi u sliku dubokih, čisto ljudskih osjećaja, da se čini da se dogodilo čudo: Krist je sišao na zemlju i među ljudima. Svijet koji je stvorila njegova mašta toliko je prirodan da gledatelj vjeruje u njega jednako lako kao što vjeruje u činjenje stvari koje su nam poznate.

U ovom periodu (1630-ih) u Rembrandtovom djelu postoji tendencija ka realističkom preobilju tema. Odbija nasilni patos i vanjske efekte: teži psihološkoj ekspresivnosti. Topla shema boja na njegovim slikama postaje bogatija, svjetlost igra još veću ulogu, dajući posebnu strepnju i uzbuđenje radu.

Jedan za drugim piše velike religiozne kompozicije. U isto vrijeme završava

Rembrandt Harmens van Rijn. Valtazarova gozba. 1635 London National Gallery

čitav niz radova čije etičke ili legendarne teme drže Rembranta na njegovom pravom putu vidioca. Koristio je oštre uglove i kontraste svjetla i sjene u kompozicijama 1630-ih na vjerske teme. Na ovaj način je naslikana slika „Praznik Valtazara“, na kojoj je Rembrandt radio dve godine: 1634 – 1636. Prikazuje jednu od biblijskih scena.

Uz pomoć crno-bijelih kontrasta, umjetnik prikuje svu pažnju gledatelja za lice kralja Valtazara i natpis, ali koju usmjerava njegov uplašeni pogled. Zanimljiv je i zaplet prikazan na slici. Babilonski kralj Valtazar jednom je priredio gozbu za hiljadu svojih plemića. Da bi to učinio, naredio je svojim slugama da donesu zlatne i srebrne posude iz jerusalimskog hrama. Kada su dovedeni, kralj, njegovi plemići i njihove žene počeli su piti vino od njih i slaviti svoje idole. Ali iznenada, u kraljevskoj palati, gde se održavala gozba, pojavila se ljudska ruka i počela da piše na zidu nasuprot lampe. Kralj je, videvši to, promenio lice od straha. Odmah je oslabio, a koljena su mu počela drhtati. Kralj je glasno povikao i naredio da se dovedu mudraci da objasne šta je napisano. Dugo niko nije mogao protumačiti napisane riječi i samo je jedna osoba čitala ono što je napisano na zidu. To je značilo: “Bog je izbrojao tvoje kraljevstvo i okončao ga.” Iste noći dogodilo se ono što je Bog predvideo kroz reči ispisane na zidu palate: kralj Valtazar je ubijen i njegovo kraljevstvo je osvojeno. Ovaj događaj se dogodio prije mnogo hiljada godina, ali na slici se čini da se dogodio nedavno. Činilo se da nam je umjetnik približio ovaj događaj mnogo hiljada godina unaprijed. Umjetnik do najsitnijih detalja crta posuđe na stolu, kraljevu odjeću, pa čak i njegove bore na licu. Ništa nije savršeno. Čini se da ljudi zaista postoje i samo jedna ruka na jakom svjetlu dokazuje Rembrandtovu veliku vještinu.

Ništa manje emotivna i dinamična u svojoj suštini nije ni druga slika umjetnika, “Žrtva Abrahamova” (1635.). Zasnovan na jednoj od biblijskih scena. glasi:

Abraham i njegova žena dugo nisu imali djece. Imaju već 90 godina i prestali su da se nadaju čudu. Ali jednog dana, Gospod Bog je poslao čoveka Abrahamu, koji mu je preneo volju Božju: on i njegova žena će dobiti sina. Dugo očekivani i jedini sin Abrahamov, Isak, odrastao je u ljubavi i brizi svojih roditelja. Jednog dana Gospod je odlučio da testira Abrahamovu veru i njegovu ljubav prema njemu. Okrenuo mu se rečima: „Uzmi svog sina Isaka i prinesi ga na žrtvu svom Bogu. Abrahamu je bilo teško to učiniti. Ali on je hteo da učini sve što mu je Bog zapovedio, jer je voleo Gospoda svim srcem svojim. Tako je Abraham nacijepao drva i stavio ih na magarca, uzeo sa sobom dvojicu slugu i Isaka, i otišao na mjesto koje je odredio Gospod. Stigavši ​​na naznačeno mesto, Abraham je ostavio svoje sluge u podnožju planine, a sam je, popevši se na planinu, sagradio oltar, položio drva za ogrev i, vezavši Isaka, položio ga na oltar... anđeo Božiji ga je pozvao s neba: „Abrahame! Abrahame! Ne diži ruku na dječaka i ne čini mu ništa, jer sada znam da si spreman učiniti sve za Gospoda Boga svoga!” Toliko je dinamike, oštrih pokreta i dubine prikazanog koncepta na slici. Rembrandt je majstorski uhvatio trenutni pokret: Abraham je podigao ruku u čvrstoj odluci da žrtvuje sina, a onda se iznenada pojavljuje anđeo i uspijeva ga zaustaviti, hvatajući Abrahama za ruku.

Godine 1637. Rembrandt je naslikao “Anđeo Rafael koji napušta porodicu Tobias” (Muzej Luvr). Kompozicija ove slike je neverovatna. Porodica patrijarha: klečeći otac, žena i sin, krijući se u strahu jedan prema drugom, pas plaho sklupčan uz svog vlasnika - sve govori o čudu koje se dogodilo, dok je anđeo iscjelitelj brz i nepristupačan. U moćnom letu juri u nebesa kako bi se tamo pridružio nebeskoj vojsci, od koje je na trenutak bio odvojen. Ovaj izuzetan fenomen je, kao i uvijek, prikazan kod Rembrandta u svojim najznačajnijim crtama. Nema ništa suvišno. Niti jedan lažni gest. Bez pompoznosti, bez preterivanja. Stvara se utisak potpune prirodnosti: ne može se ni trenutka sumnjati da se nebo spušta prema zemaljskim stvarima, da se Bog savija prema ljudima i da je pobožni starac upravo doživio dodir nevidljive ruke.

Rembrandt Harmens van Rijn. Danae. 1636 Državni muzej Ermitaž. Sankt Peterburg

Posebno mjesto zauzimaju djela Rembrandta 1630-ih godina. mitološke kompozicije u kojima je umjetnik hrabro osporio klasične kanone i tradicije („Silovanje Ganimeda“, 1635, Umjetnička galerija, Drezden). Živo oličenje umjetnikovih etičkih stavova bila je monumentalna kompozicija "Danae" - 1636 (većina slike je prepisana sredinom 1640-ih, Državni muzej Ermitaž). Slika sa mitološkim zapletom nastala je u suprotnosti sa prihvaćenim, klasičnim kanonima i tradicijom: radnja u njegovoj slici je neobično vitalna i uverljiva. Ova karakteristika slike je naglašena malim detaljima: Danaine cipele su razbacane u blizini kreveta, sada je došlo jutro i sobarica, otvarajući zavjesu, želi ući u spavaću sobu Danae koja se upravo probudila. Lik Danae je daleko od klasičnih ideala, izveden je smjelom realističkom spontanošću. Rembrantova senzualno-fizička, idealna ljepota slika Italijanski majstori suprotstavio uzvišenu lepotu duhovnosti i toplinu intimnog ljudskog osećanja. Postoji verzija da je njegova supruga Saskia poslužila kao model za sliku. Brojni istoričari umetnosti izneli su verziju da slika uopšteno prikazuje trudnicu, o čemu svedoči činjenica da su u 17. veku trudnice nosile narukvice na rukama, što je umetnik i pokazao na slici.

1630-ih godina. Rembrandt je također mnogo radio u tehnikama bakropisa. Često je reprodukovao žanrovske scene sa živom spontanošću, pokazujući posebno interesovanje za život nižih društvenih slojeva (brojne slike prosjaka, „Prodavac otrova za pacove“, 1632). Pribjegavajući raznim tehničkim tehnikama, Rembrandt je u tom periodu stvarao crteže olovkom koji su bili tačni u karakterizaciji, podebljani i generalizirani na način. Rembrandt je u svom radu uvijek posvećivao veliku pažnju bakropisu i crtežu. Portreti i pejzaži, svakodnevni i religiozni prizori koje je izvodio tehnikom bakropisa odlikuju se novinom umjetničkih tehnika, dubokim psihologizmom slika, bogatstvom chiaroscura, ekspresivnošću i lakonizmom linija. Do nas je stiglo oko 2 hiljade Rembrandtovih crteža. Među njima su pripremne skice, skice za slike, skice scena iz svakodnevnog života i ideje rođene u njegovoj mašti.

Rembrandt je poznat i po svojim pejzažnim slikama: oko 1640. okrenuo se stvarnom okolnom pejzažu. Prije toga je slikao pejzaže, slijedeći holandsku tradiciju komponovanih pejzaža. Svijet zavičajne prirode pojavljuje se na njegovim slikama u svojoj promjenjivosti. On je neobično blizak s ljudima, živi od njih.

Već od ovog trenutka, kada dolazi do produbljivanja umjetnikove realističke vještine, dolazi do porasta njegovih neslaganja sa okolnim patricijskim okruženjem. Sukob koji je nastao između Rembrandtove umjetnosti i zahtjeva holandskog buržoaskog društva, koje je postepeno gubilo svoje demokratske tradicije, očitovao se 1642. godine, kada je slika „Noćna straža“ (Amsterdam, Rijksmuseum) izazvala proteste kupaca. Godine 1642., po narudžbi čete puškara, Rembrandt je naslikao veliku sliku (3,87 x 5,02 m), koja je, zbog potamnjivanja boja tokom vremena, kasnije nazvana "Noćna straža". Umjesto tradicionalne gozbe sa portretima njenih učesnika, gdje je svaki uhvaćen s pažnjom o individualnim karakteristikama, kao što je to ranije urađeno, umjetnik je prikazao nastup puškara u pohodu. Podižući zastavu, predvođeni kapetanom, koračaju uz zvuke bubnjeva širokim mostom u blizini zgrade esnafa. Neobično sjajan snop svjetlosti, osvjetljava pojedinačne figure, lica učesnika povorke i djevojčice sa petlom za pojasom, kao da se probija kroz redove strijelaca, naglašava iznenađenje, dinamiku i uzbuđenje slike. Ovdje su spojene slike hrabrih ljudi, zahvaćenih herojskim porivom na generalizovan način Holanđani. Tako grupni portret poprima karakter jedinstvene istorijske slike u kojoj umjetnik nastoji ocijeniti modernost.

Rembrandt Harmens van Rijn. Noćna straža. 1642 Rijksmuseum, Amsterdam

“Noćna straža” je dovela Rembranta u nemilost amsterdamske buržoazije i uvukla ga u beskrajnu svađu sa esnafom. Svaki od dostojanstvenika esnafa osjećao se prevarenim. Zašto?

Sve je u tradiciji!

Među amsterdamskim društvima i korporacijama uspostavljen je običaj da se nekom od lokalnih umjetnika naruči da naslika njihov kolektivni portret. Glavni članovi esnafa ostavili su svoje slike u nasljeđe svojim nasljednicima.

Ovakav posao je postao banalno mjesto Holandsko slikarstvo. Prilikom njihovog izvođenja najpažljivije su se poštivale tradicije i nije bilo mjesta umjetnikovoj ličnoj domišljatosti. Članovi korporacije bili su raspoređeni u nizu, čelnik esnafa je zauzimao centralno mjesto, a cehovski dostojanstvenici su bili smješteni sa njegovih strana. Ponekad su ih prikazivali na nekom svečanom slavlju.

Godine 1642. korporacija amsterdamskih strijelaca obratila se Rembrandtu sa zahtjevom da im posluži svojim talentom. Za svoj rad je plaćen 1.600 florina.

Majstor je brzo prionuo na posao. Nadalo se da će se povinovati čvrsto ustaljenom običaju i smestiti članove esnafa u hijerarhijski red u neku salu namenjenu proslavama ili sastancima. Rembrandt je razočarao ova očekivanja. On se nije mogao povinovati takvim stvarnim uslovima. I nastala je slika koju sada vidimo. Gotovo svi imaju pitanja: u koje vrijeme i sa kojim ciljem, po čijoj komandi iu kom gradu su se ti ljudi okupili; ako je ovo poziv na oružje, čemu onda ova svečana povorka; kako je ova djevojka dospjela ovamo, obučena kao princeza u svilu i zlato, i s kokoškom za pojasom; Zasto ova ogledala vise na stubovima??? Odgovor se nameće sam od sebe: ova slika bi mogla poslužiti kao ilustracija za neku komediju. Stoga je slika izazvala proteste patricijskog društva Holandije.

Tokom 1640-ih, razlike između umjetnika i patricijskog društva su rasle. Tome doprinose teški događaji u njegovoj lični život, Saskijina smrt. Priliv narudžbi za Rembranta je sve manji, a u njegovim radionicama ostaju samo najposvećeniji studenti. Ali upravo u to vrijeme počinje vrijeme zrelosti u Rembrandtovom stvaralaštvu.

Njegov rad ove faze gubi svoju vanjsku djelotvornost i ranije inherentne note dura. Piše mirne biblijske i žanrovske scene ispunjene toplinom i prisnošću, otkrivajući suptilne nijanse ljudskih iskustava, osjećaja duhovne, porodične bliskosti. Slike su naslikane na ovaj način, na primjer, “David i Jonathan”, 1642, ili “Sveta porodica”, 1642, Državni muzej Ermitaž. Potonji pleni svojom iskrenošću. Jednostavnost i uzdržano uzbuđenje, duboka poniznost karakteristični su za ovu sliku. Dubina prikazana u njemu ljudska osećanja, osvaja svojim iznenađujuće suptilnim i snažnim oličenjem. U jednostavnim svakodnevnim scenama, u štedljivim i precizno pronađenim gestovima, umjetnik otkriva svu složenost mentalnog života, tok misli likova. Scenu slike "Sveta porodica" prenosi u siromašnu seljačku kuću, gdje otac radi kao stolar, a mlada majka brižno čuva bebin san. Ovdje je sve ispunjeno dahom poezije, naglašavajući ugođaj tišine, mira i spokoja. Tome doprinosi meka svjetlost koja obasjava lica majke i bebe, najfinijim nijansama tople zlatne boje.

Kolorjenje Rembrandtovih slika iz 1640-ih postaje emotivnije, elegantnije i zvučnije. Igra chiaroscura, koja stvara posebnu, dramatično intenzivnu, emotivnu atmosferu, postaje sve važnija kako u grafici tako i u Rembrandtovim slikama: monumentalnom grafičkom listu „Hrist isceljuje bolesne“, ili tzv. “, oko 1642. - 1646. godine; pejzaž “Tri drveta”, pun dinamike zraka i svjetlosti, oko 1643. Takođe, slika „Hristos i grešnik“ (1644). Glavne figure - Hrista i grešnika - umetnik ističe iz sumraka suptilnom i prijatnom svetlošću koja ih obasjava.

1640-50-e označavaju vrhunac Rembrandtove karijere i istovremeno preokret u njegovoj sudbini, nakon čega slijedi propast. Ovo su godine teškoća životna iskušenja Veliki majstor Holandije. Rembrandt se povukao iz društvenog života, ali uprkos nedaćama, njegova umjetnost se nastavila razvijati, njegov stil je postajao sve individualniji i originalniji, što mu je omogućilo da na kraju života stvori svoja najveća djela.

Piše mirne biblijske i žanrovske scene ispunjene vanjskom toplinom i intimnošću,

Rembrandt Harmens van Rijn. Hristos u Emausu. 1648. Muzej Louvre, Pariz

otkrivajući suptilne nijanse ljudskih iskustava, osjećaj duhovne, porodične bliskosti. Godine 1648. stvorio je sliku pod nazivom “Hrist u Emausu” (Louvre). Wonderful work! Scenska postavka je izuzetno loša i skromna. Sav sjaj ovog djela, njegova duboka prodornost, njegova natprirodna moć sadržana je u tri lika: dva učenika i sluge, te u glavi Kristovoj. Nikada nisam video sliku tako neverovatnog Božjeg lica. Nemoguće je prenijeti beskonačnu ljudskost ovog lica; ego se jednostavno mora vidjeti. Utjelovljuje svu nježnost života i svu tugu smrti. Njegove oči s takvom dubinom gledaju u patnju čovječanstva, a njegovo čelo izgleda tako jasno u mraku koji obavija cijeli svijet! Teško je reći kako je ovo lice napisano; čini se da zapravo ne postoji, već se samo pojavljuje. Okružuje ga bezgranična ljubav i njegovi učenici ga poštuju. Gledajući negde u daljinu, Hristos polako lomi hleb, a njegov gest kao da je simbol istine, koja se saznaje tek kasnije. Nakon svog raspeća i vaskrsenja, Hrist je odlučio da poseti svoje učenike. Kao lutalica, pridružio se dvojici od njih na putovanju i otišao s njima u jednu od lokalnih kuća da jedu. Učenici nisu imali pojma ko je pored njih. I tek kada je Hrist, uzevši hleb u ruke, počeo da ga lomi, učenici su ovim Hristovim gestom videli u njemu svog učitelja.

U to vrijeme Rembrandt se sve više okreće žanru portreta, prikazujući ljude koji su mu najbliži: brojne portrete Rembrandtove druge žene, Hendrikje Stoffels, i njegovog sina Titusa, u kojima se umjetnik fokusira na otkrivanje duhovnog svijeta portretiranih. Ljubav i nežnost prema Vašem detetu, prema Vašem sinu, oličena je u slici „Tit čita“. Ta ljubav i nežnost da nije stigao da sve svoje bogatstvo preda svom sinu, koji je tako rano umro - Titu. Slika je naslikana 1657. godine i čuva se u bečkom Muzeju istorije umetnosti. Toliko je ljubavi, nežnosti i mira u ovoj slici. Na portretu se čini da sliku prodiru sunčevi zraci. Titus je često služio kao uzor svom ocu - ovom bolešljivom, krhkom mladiću nježnog, duhovnog lica.

Koncentracija sadržaja njegovih djela postiže se prelaskom od narativnih, ponekad opsežnih zapleta na izuzetno bogatu i sažetu interpretaciju. Običan čovjek zauzima sve više mjesta u Rembrandtovim portretima. Umjetnika privlače slike starih ljudi koji su živjeli dug život pun tuga i nevolja, služeći kao oličenje životne mudrosti i duhovnog bogatstva. Sada se Rembrandt fokusira samo na lice i ruke, izvučene iz mraka mekom raspršenom svjetlošću; on ne crta odjeću tako pažljivo. Često je prikazana figura okružena sumrakom, što pomaže prenijeti psihološku dubinu slika. Jedno od njegovih najpoznatijih dela, takozvani „Portret žene umetnikovog brata“, naslikano 1654. godine, čuva se u Muzeju lepih umetnosti u Moskvi. A. S. Puškin. Briljantni holandski slikar portreta Rembrandt svojim „Portretom stare dame“ ​​uvodi gledaoca u unutrašnji svijet jednostavne, neslavne osobe i otkriva u njoj veličinu bogatstva dobrote i ljudskosti. Ovdje je umjetnik koristio višeslojnu tehniku ​​slikanja, zbog čega je sličnost originala sa slikom na slici maksimalna, kao da je fotografija. Izuzetnu emocionalnost rada doprinosi kombinacija toplih tonova, svjetlucavih najfinijim nijansama, i svjetla, drhtavog, kao da ga emituje sam predmet. Suptilni izrazi lica odražavaju složeno kretanje misli i osjećaja. Lagani i prozirni ili pastozni potezi kistom stvaraju površinu slike koja svjetluca šarenim i svijetlim nijansama. Gledajući igru ​​svjetla i sjene, gledalac kao da prati postepeni razvoj doživljaja prikazanih.

Rembrandt Harmens van Rijn (holandski: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606.-1669.) - holandski umjetnik, crtač i najveći predstavnik slikarstva, veliki predstavnik slikarstva Duchiroscur, veliki majstor Duchiroscura. Uspio je da u svojim djelima utjelovi čitav spektar ljudskih iskustava s takvim emocionalnim bogatstvom kakvo likovna umjetnost nikada prije nije poznavala. Rembrandtova djela, žanrovski izuzetno raznolika, otkrivaju gledaocu bezvremenski duhovni svijet ljudskih iskustava i osjećaja.

Rembrandt Harmenszoon („Harmenov sin”) van Rijn rođen je 15. jula 1606. (prema nekim izvorima 1607. godine) u velikoj porodici bogatog vlasnika mlina Harmena Gerritszoona van Rijna u Lajdenu. Čak i nakon holandske revolucije, porodica majke ostala je vjerna katoličkoj vjeri.

U Lajdenu je Rembrant pohađao latinsku školu na univerzitetu, ali je najveće interesovanje pokazao za slikarstvo. Sa 13 godina poslan je na studije likovne umjetnosti istorijskom slikaru Leidena Jacobu van Swanenburchu, katoliku po vjeri. Istraživači nisu uspjeli pronaći Rembrandtova djela koja datiraju iz ovog perioda, pa se postavlja pitanje utjecaja Svanenbuercha na formiranje kreativan način Rembrandt ostaje otvoren: danas se premalo zna o ovom leidenskom umjetniku.

Godine 1623. Rembrandt je studirao u Amsterdamu kod Pietera Lastmana, koji se školovao u Italiji i specijalizirao historijske, mitološke i biblijske teme. Vrativši se u Leiden 1627. godine, Rembrandt je zajedno sa svojim prijateljem Janom Livensom otvorio svoju radionicu i počeo da regrutuje studente. U roku od nekoliko godina postao je nadaleko poznat.

Lastmanova strast za šarenilom i detaljima u izvođenju imala je ogroman uticaj na mladog umetnika. To jasno dolazi do izražaja u njegovim prvim sačuvanim djelima - „Kamenovanje sv. Stefan" (1629), "Scena iz antičke istorije(1626.) i „Krštenje evnuha“ (1626.). U poređenju sa njegovim zrelim radovima, neobično su živopisni, umetnik nastoji da pažljivo opiše svaki detalj materijalnog sveta, da što tačnije prenese egzotični ambijent biblijske istorije. Gotovo svi junaci izlaze pred gledatelja obučeni u otmjenu orijentalnu odjeću, blistajući nakitom, što stvara atmosferu raskošnosti, pompe i svečanosti („Alegorija muzike“, 1626; „David pred Saulom“, 1627).

Završna djela tog perioda - "Tobit i Ana", "Valam i magarac" - odražavaju ne samo bogatu maštu umjetnika, već i njegovu želju da što izražajnije prenese dramska iskustva svojih likova. Kao i drugi barokni majstori, počinje shvaćati vrijednost oštro izvajanog chiaroscura za prenošenje emocija. Njegovi učitelji u pogledu rada sa svjetlom bili su utrehtski karavadžisti, ali se u još većoj mjeri rukovodio radovima Adama Elsheimera, Nijemca koji je radio u Italiji. Najkaravažističkije slike Rembranta su „Parabola o glupom bogatašu“ (1627), „Simeon i Ana u hramu“ (1628), „Hrist u Emausu“ (1629).

Uz ovu grupu nalazi se slika „Umjetnik u svom ateljeu“ (1628; možda je ovo autoportret), na kojoj se umjetnik uhvatio u ateljeu u trenutku razmišljanja o vlastitom stvaralaštvu. Platno na kojem se radi stavlja se u prvi plan slike; u poređenju sa njim sam autor deluje kao patuljak.

Jedno od neriješenih pitanja kreativna biografija Rembrandt je njegov umjetnički odjek sa Livensom. Radeći rame uz rame, više puta su se bavili istim zapletom, kao što su “Samson i Dalila” (1628/1629) ili “Uskrsnuće Lazara” (1631). Djelomično, oboje je privukao Rubens, koji je tada bio poznat kao najbolji umjetnik u cijeloj Evropi; ponekad je Rembrandt posuđivao Lievensova umjetnička otkrića, ponekad je bilo upravo suprotno. Iz tog razloga razlikovanje između djela Rembrandta i Lievensa iz 1628-1632 predstavlja određene poteškoće za istoričare umjetnosti. Među njegovim drugim poznatim djelima je "Valamov magarac" (1626).

Ovo je dio članka na Wikipediji koji se koristi pod licencom CC-BY-SA. Cijeli tekstčlanci ovdje →

Ranim godinama

Razumijevanje osnova

Povratak

Slikarstvo

Kupci

Autoportreti

Lekcija iz anatomije

Portret Silvija

Beautiful Danae

Aplikacija

Ranim godinama

Čudo dijete rođeno je 1606. godine u gradu Lajdenu, u kući mlinara Harmena van Rijna. Na krštenju je dobio prilično rijetko ime Rembrandt. Iako je porodica već imala petoro djece, rođenje šestog nije uznemirilo, već je oduševilo roditelje. Otac porodice bio je prilično imućan čovjek: pored mlina i sladare imao je dvije kuće, a za ženu je uzeo dobar miraz.

Dječak je svoje prve godine proveo u rodnom mlinu, na obali rijeke Rajne (njegova porodica je dobila prezime po imenu ove rijeke). Vjerovatno je imao priliku više puta gledati sunčeve zrake dok su, probijajući se kroz mansardu mlinske šupe, zlatnim prugama probijali male čestice brašnane prašine. Možda su ga ovi utisci iz djetinjstva naučili magične efekte svetlost i senka, što je kasnije ovekovečilo njegovo ime. Diveći se uveče tihim talasima svoje rodne reke, obasjane ćilibarskim zalaskom sunca, i nijansama prozirne magle koja se diže s njene glatke površine, Rembrandt je prvi put pogodio tajne boja, koje je on jedini znao da podari slikama. .

Čitava atmosfera i duh tadašnje građanske holandske porodice trebalo je da razvije snažne, integralne karaktere, vesele i vesele u svakodnevnom životu, čvrste u vremenima nesreće i tuge. Odgajani u strogim religijskim pravilima, Holanđani su tražili zabavu i opuštanje od napornog rada u bliskom porodičnom krugu i čitanja Biblije.

Za briljantnog tinejdžera, ulice i pijace Lajdena predstavljale su polje za posmatranje; ovdje je upoznao svakakve tipove, koje je nevještom rukom prenio na papir. Tamnoputi Perzijanac se suočio sa plavokosim Englezom. Ljudi svih nacija, karaktera i društvenih položaja prolazili su ispred dječakovih radoznalih očiju, poput šarenih slika kaleidoskopa. Predgrađe grada, iako nije bilo posebno živopisno, nije bilo bez svoje osebujne ljepote.

Nakon što su završili kurs u javnoj školi, Rembrandtova starija braća su se školovala kod zanatlija. Starac Harmen je najmlađem sinu namijenio drugu aktivnost. Dječak je pohađao latinsku školu; kasnije je otac želio da mu omogući pristup univerzitetu kako bi po punoljetstvu mogao “svojim znanjem koristiti svoj rodni grad i otadžbinu”.

Ovaj pogled na Rembrandtovog oca nije bio izuzetak. U svojoj kulturi i obrazovanju, kao i po svojoj organizaciji društveni poredak, Holanđani su u 17. veku bili ispred ostatka Evrope za čak dve stotine godina.

Holanđani su visoko cijenili nauku. Kada je od ljudi iz Leidena zatraženo da odaberu nagradu, tražili su da se u gradu osnuje univerzitet. Njegova slava je bila tolika da su strani suvereni smatrali za čast studirati ovdje.

Rembrandta je malo zanimala nauka; privlačilo ga je slikarstvo. Čim je Rembrantov otac primijetio sinovljevu sklonost, odmah mu je dao priliku da slijedi svoj poziv.

Razumijevanje osnova

Sa oko 16 godina, mladić je ušao u svog prvog učitelja, svog rođaka Jacoba van Swanenbuercha - umjetnika, sada potpuno zaboravljenog. Za tri godine mladi Rembrandt je stekao početne vještine svoje umjetnosti. Ne znamo kako se Van Swanenburch odnosio prema mladom studentu, kakav je moralni i estetski utjecaj imao na budućeg tvorca Lekcije anatomije. Ove prve studentske godine nisu ostavile ni najmanjeg traga u hronikama tog vremena. U Rembrandtovim djelima prilično je primjetan utjecaj još dvojice učitelja - Jorisa van Schootena i Jana Peinasa.

Joris je svojevremeno bio prilično poznat slikar naturalističkog, realističkog smjera. Slikao je portrete burgomajstora, slike koje prikazuju sastanke raznih korporacija.Njegovo slikarstvo odlikuje se originalnošću. Vjerovatno upravo njemu Rembrandt duguje razvoj onih kvaliteta koji otkrivaju sve njegove kreacije; suptilno razumijevanje prirode, želja da se stvarnost prikaže onakva kakva jest, sposobnost prenošenja moćnog toka života na mrtvo platno.

Jan Peynas je uživao reputaciju divnog kolorista. Vjeruje se da je Rembrandt od njega preuzeo one tople, iako pomalo tmurne tonove, onu moćnu i istovremeno meku paletu nijansi koje slikama genija još uvijek daju neodoljiv šarm. U svakom slučaju, Peynasovo osvjetljenje pomalo podsjeća na Rembrandtovo.

Zatim se mladi umjetnik na šest mjeseci našao u radionici amsterdamskog slikara Pietera Lastmana, od kojeg je učio graviranje.

Povratak

Dvadesetogodišnji Rembrandt se vratio u svoj rodni grad. Ovdje je nastavio svoje studije sam, pod vodstvom samo svog genija i majke prirode. Prve slike koje su nam došle datiraju iz 1627. godine: jedna od njih je “Apostol Petar u zatvoru”, druga je “Mjenjač”. Ovo su mladalački pokušaji, koji nisu od posebnog interesa; ali na drugoj slici, u neverovatno lepoj svetlosti koja izbija iz sveće, napola zaklonjenoj rukom menjača, već se može prepoznati budući Rembrandt.

Uz slikarstvo, mladi van Rijn se marljivo bavio graviranjem. Jedna od njegovih prvih gravura je portret njegove majke, označen 1628. Jasno je da je na ovim gravurama radila ruka puna ljubavi. Tokom ove ere svoje umjetničke karijere, Rembrandt je nekoliko puta gravirao lik svoje majke. Najistaknutiji od ovih otisaka poznat je kao Rembrantova majka sa crnim velom. Ugledna starica sjedi u stolici ispred stola; njene ruke, koje su mnogo radile tokom njenog života, sklopljene su na kolenima. Lice izražava smirenost koja proizlazi samo iz svijesti o životu koji se živi ispravno i pošteno, ispunjen dužnošću. Završetak graviranja je zaista nevjerovatan: svaka bora, svaka čvornasta vena na naboranim starim rukama puna je života i istine.

Rembrandtov omiljeni predmet posmatranja bio je odraz unutrašnjeg, duhovnog života osobe na njegovom licu. Nikada nije propustio priliku da takav izraz reproducira na papiru ili ploči.

Istina, tokom ovih godina (1627-1628) još nije naslikao one portrete kojima se njegovi poštovaoci i poznavaoci toliko dive i kojima se dive. Stoga, pored dva portreta majke, postoji samo nekoliko ugraviranih slika samog umjetnika.

Na jednoj od grafika vidimo prilično ružnog mladića sa puno lice uokviren gustom kosom. Ali crte odišu takvom vedrinom, samopouzdanom snagom i dobrom naravi da nehotice izazivaju simpatije. Druga gravura pod naslovom „Čovek u ošišanoj beretki“ prikazuje isto lice, samo sa izrazom užasa: oči su skoro izbačene, usta su poluotvorena, okretanje glave ukazuje na jak strah.

Rembrandt je često koristio svoje lice za skice: bilo je jeftino i zgodan način vježba: dadilja nije zahtijevala ništa za svoj rad i voljno se pokoravala umjetnikovim hirovima. Kažu da je mladi van Rajn dok je sedeo ispred ogledala davao različite izraze svom licu: ljutnju, radost, tugu, čuđenje - i pokušavao da što vernije kopira njegovo lice. Tokom svog života, Rembrandt se nije odrekao ove navike - mnogi muzeji u Evropi sadrže njegove autoportrete, na kojima je sebe prikazivao u različitim godinama iu svim vrstama kostima.

Slikarstvo

Ideja o napuštanju rodnog gnijezda dugo je sazrevala u umu mladog umjetnika. Život malog provincijskog grada, sa svojim jednostavnim moralom i skučenim pogledom, bio je previše sitničav i skučen za moćnu dušu dvadesetčetvorogodišnjeg dječaka. Želeo je da ugleda svetlost, da živi među bukom i prostorom velikog grada, da se otvori u slobodi. Odlučio je da se preseli u Amsterdam.

Stari grad bio veoma slikovit. Rasprostire se u širokom lepezu duž obala rijeke Amstel. bila je okružena elegantnim dačama i zelenim vrtovima. Bilo je mnogo elemenata koji su davali hranu za inspiraciju, šarolika gomila, raznovrsnost slika, bogat izbor tipova.

Početkom 1631. godine, pun nade i nade, počinje Rembrandt novi zivot. Kada je, umoran od posla, bacio paletu i kist i krenuo da luta ulicama i trgovima grada, Amsterdam je u njegovoj prijemčivoj duši probudio hiljadu do tada nepoznatih utisaka. Ovo središte civilizacije izgledalo je kao druga Venecija, samo živahnija i bučnija, bez sumornih aristokratskih palata, bez tajanstvenog zelenkastog sumraka kanala i blistavog plavetnila Jadrana.

Potpuno drugačije, iako ništa manje slikovitu sliku zastupljeni maloprodajni prostor i luku u Amsterdamu. Brodovi koji su dolazili ovamo iskrcavali su robu iz cijelog svijeta. Orijentalne tkanine ležale su pored ogledala i porcelana; graciozne statue i vaze Italije blistale su bijelo na tamnoj pozadini nirnberškog namještaja. Šarena krila tropskih ptica i papagaja blistala su na suncu; okretni majmuni pravili su grimase među balama. Sav ovaj vavilonski pandemonijum stranog bogatstva, sav ovaj haos ublažen je obiljem cveća. Harmonija je obnovljena zahvaljujući brojnim zumbulima, tulipanima, narcisima i ružama koje su baštovani iz Harlema ​​svakodnevno donosili na pijacu.

Mladić je čitave sate provodio u mračnim radnjama i uvijek je bio rado viđen gost. Vlasnik je za njega pronašao, među hrpama svakovrsnog smeća, rijetke stvari, bogato oružje, starinski nakit, raskošnu odjeću. Rembrandt je sve ovo mogao kupiti za pola cijene. Često je tokom ovakvih posjeta poznati slikar skicirao ili urezao izražajno lice nekog od članova trgovačke porodice, koje ga je oduševilo ljepotom ili originalnošću.

Kupci

Rembrandtove slike i gravure su našle kupce u zemlji i počele prodirati u inostranstvo. Na samom kratko vrijeme umjetnik je uspio sebi osigurati potpuno ugodnu egzistenciju; zaradio je toliko da je čak mogao da kupuje i sakuplja retke i skupe predmete Rembrant je 1631. godine naslikao dva dela – „Svećnicu“ i „Svetu porodicu“. Ovo poslednje ostavlja pomalo čudan utisak. Ne vidimo skromno prebivalište nazaretskog stolara, već sobu u kući bogatog građanina u Harlemu ili Sardamu. Sveta Bogorodica je punačka, rascvjetana Holanđanka u nošnji iz 17. vijeka. Lice bebe koja je zaspala u njenom krilu je takođe tip čistog severnjaka.

Sve na ovoj slici - i postavka i tipovi - je u suprotnosti moderni koncepti o istorijskoj vjernosti i životna istina. Ali vredi pažljivo pogledati ovu porodičnu scenu, i sve rasprave o teoriji umetnosti ustupaju mesto osećaju krotke nežnosti - toliko je poezije i duhovne lepote u ovoj grupi okupljenoj kraj bedne kolevke Spasitelja, tako naivne milosti u pozi usnulog deteta, toliko ljubavi i nežnosti u pogledu mlade majke i u njenom osmehu... Sveti Josif radoznalo i zamišljeno zaviruje u bebine crte lica, kao da sluti trnovit put kojim će morati da ide . Sva svjetlost slike koncentrirana je na lik usnulog Isusa, samo pojedinačni zraci klize preko Marijinih grudi i vrata, preko Josipovog lica i preko skromnog kreveta.

Odabravši temu, Rembrandt se uronio u nju, prožeo se najsitnijim detaljima i podvrgao je najopsežnijoj raspravi. Obično ga prvi nacrt nije zadovoljio. A Rembrandt je, umjesto da mijenja i prepravlja, potpuno napustio oštećene otiske i počeo ispočetka. Tako su se ispod njegovog kista ili dlijeta pojavile nove, originalne reprodukcije iste teme. Umjetnik nije nikome povjerio štampanje svojih gravura: svakim otiskom dodavao je nekoliko poteza crtežu, postižući nove efekte, pojačavajući ili slabeći ton. Stoga se fotografije iste gravure često razlikuju jedna od druge u malim detaljima. Čak i u takvom mehaničkom radu vidi se Rembrandtov genij.

Vjerovatno je u tim ranim godinama mladi umjetnik imao puno slobodnog vremena - naslikao je čitav niz autoportreta. Ali ti radovi više nisu prvi eksperimenti briljantnog studenta, već potpuno gotovi radovi.

Autoportreti

Zašto je Rembrandt toliko i često slikao svoju sliku? Možda ga je vodila sasvim razumljiva i legitimna želja osobe koja osjeća svoju superiornost nad tačnim, svjesna nečega izuzetnog u svojoj duši, da potomcima prenese svoje izgled, želja da ne nestane netragom, ne kao umjetnik, već kao osoba? Možda je želio privući pažnju ljubitelja umjetnosti koji su posjetili njegovu radionicu i time povećati broj narudžbi?

Poznavajući Rembrandtov skroman i prilično nemaran nego proračunat karakter, teško se može pretpostaviti da je bio vođen isključivo ponosom i vlastitim interesom. Tačnije, tako ponosan i moćan čovjek kao što je Rembrandt, koji čak ni za svoj kruh nasušni u danima krajnjeg siromaštva i potrebe nije kompromitovao svoje stavove i navike, jednostavno se nije mogao pokoriti hirovima sitterica i modela.

Za vrlo kratko vrijeme, njegova radionica postala je centar umjetničkog svijeta Amsterdama. Bogati građani su mu se stalno obraćali s narudžbinama, uprkos činjenici da je, prema riječima njegovih savremenika, ne samo da je morao platiti mnogo novca za posao, već ga je i tražio i molio da ga preuzme.

Lekcija iz anatomije

Godinu dana nakon preseljenja u Amsterdam, Rembrandt je stvorio jedno od svojih najvećih djela, Lekciju iz anatomije. Da je tvorac „Noćne straže“, „Slaska sa krsta“ i drugih izuzetnih slika napisao samo ovu „Lekciju“, to bi bilo dovoljno za slavu jednog od prvih slikara tog doba.

U 17. veku u Holandiji, gde je slikarstvo cvetalo od samog početka renesanse, članovi pojedinačnih korporacija svojevoljno su naručivali kolektivne portrete. Hirurzi su se posebno pridržavali ovog običaja. Prije reformacije, kirurgija je čamila pod jarmom srednjovjekovnog vjerskog despotizma. Samo u sredini XVI vijek liječnici su dobili pravo da otvoreno studiraju svoju specijalnost, bez straha od kazne ili progona. Zakon koji dozvoljava seciranje ljudskih tijela radi anatomskih istraživanja objavljen je 1555. godine. Dodijeljene su posebne prostorije za disekcije naučnim lancem; zvali su se anatomska pozorišta.

Godine 1632. Odsjek za anatomiju u Amsterdamu zauzeo je doktor i naučnik Nikolas Tulp. Želeći da njegov portret dobiju kao uspomenu na svog voljenog profesora, članovi korporacije hirurga obratili su se slikaru sa molbom da preuzme ovaj rad. . Takvi su portreti, prema običaju tog doba, slikani prema prihvaćenom predlošku: svi su bili postavljeni oko stola ili su stajali u jednom redu tako da je svako lice bilo podjednako vidljivo publici.

Ali svaka rutina bila je strana geniju. Do sada, niko od njegove braće nije postigao u portretisanju onu nesputanu prirodnost i istinu koja zadivljuje u Lekciji anatomije. Ova žanrovska slika odiše svježinom, snagom i snagom. Stvorena je rukom ne samo velikog majstora, već i dubokog psihologa i stručnjaka za ljudsku dušu.

Iz izraza lica na portretu lako je pogoditi karakter svake osobe, pročitati osjećaje i misli koje ga uzbuđuju. Doktor Tulp stoji iznad tijela koje leži na operacionom stolu. Pokazuje gole mišiće svoje ruke i nehotice, po navici tipičnoj za anatome, pomiče svoje prste, kao da potvrđuje objašnjenje aktivnosti mišića. Lice doktora je ozbiljno i mirno; on svjesno i pouzdano prenosi svojim slušaocima naučne zaključke koji su mu već sasvim jasni i nepobitni.

Sedam hirurga se stisnulo oko predavača u uskom krugu. U prvom planu, pored Tulpa, troje mladih ljudi. Jedan od njih, naizgled kratkovidan, pažljivo ispituje izložene mišiće; drugi je, kao pogođen profesorovim argumentima, podigao pogled na njega; na kraju, treći, pokušavajući razaznati pokret Tulpove ruke, pozorno prati predavačeva objašnjenja

Iza ove prve grupe su još četiri hirurga. Malo iza profesora, sredovečni čovek marljivo beleži predavanje; ruka mu je stala usred rečenice: očigledno je razmišljao kako da tačnije izrazi svoju misao. Kraj stola, naslonjen na njega rukom, stajao je zgodan mladić poluokrenut prema publici. On je skeptik: na usnama mu je gotovo podrugljiv osmeh. Od ostalih figura, ekstremna je puna izražaja: čovjek je već zreo, vjerovatno se susreo sa mnogim poteškoćama i neriješenim problemima u svom ljekarskom radu. Napisano je u profilu: očiju uprtih u Tulpu, čini se da se potpuno pretvorio u sluh, trudeći se da ne propusti nijednu riječ.

Jarko i istovremeno meko svjetlo širi se slikom: tamni tonovi koje je Rembrandt kasnije volio koristiti nigdje se ne vide. Čini se da ova iluminacija personificira blistavost nauke, izbacujući svu tamu i prodire u najudaljenije kutke.

Skoro dve stotine godina „Lekcija anatomije“ je bila smeštena u zgradi u kojoj se prvi put oglasio glas slobodne nauke u slobodnoj Holandiji. Godine 182. kralj Vilijam I kupio je ovaj biser holandske škole za 32 hiljade florina (Rembrandt je dobio samo 700 guldena) i poklonio ga umetničkoj galeriji u Hagu.

Vijest da je upravo završeni portret Tulpea i njegovih slušatelja već predat kupcima i da ukrašava zidove anatomskog pozorišta brzo se proširila gradom. Gomile znatiželjnika opkolile su publiku, žureći da se dive novom Rembrantovom djelu. Njegova slava je rasla, a s njom i broj narudžbi: svaki stanovnik grada koji je imao barem neki prihod želio je da dobije portret njegovog rada, barem urezan na bakru.

Portret Silvija

Tada poznati propovjednik Jan Cornelis Silvius bio je jedan od prvih koji je kontaktirao umjetnika. Prilikom njihovog prvog susreta, Rembrandt je osjećao duboko poštovanje i simpatije prema časnom pastoru. Odmah je prionuo na posao u depou i posebno revnosno ispunjavao narudžbu.

Ubrzo su stigle i prve grafike, ali nisu zadovoljile mladog umjetnika. Činilo mu se da je lice njegovog novog prijatelja ispalo previše hladno i beživotno, da nije mogao da uhvati onu kombinaciju promišljene strogosti i srdačne dobrote koja mu se toliko dopala kod pastora.

Morao sam ponovo preuzeti depo. Rembrandt je pojačao sjene: na licu se pojavilo više života, postalo je istaknutije, ali su pretrpjeli suptilnost rada, integritet utiska. Ipak, umjetnik je odlučio predati rad kupcu: poslao mu je sva četiri otiska s najiskrenijim pismom. Starac je bio veoma zadovoljan portretom. Dirnula ga je nježnost majstora, koji mu je umjesto jednog dao četiri lista. Opčinjen veselim, živahnim karakterom mladića, strogi propovjednik se prema njemu ponašao prijateljski i uveo ga u porodicu, gdje je Rembrandt ubrzo postao svoj čovjek. Ovdje je upoznao dvanaestogodišnju Saskiju.

Beautiful Danae

Mit o ovoj princezi iz bajke došao je do nas iz daleke prošlosti, a kist velikog umjetnika stvorio je jednu od poetske slike u svetskom slikarstvu.

Grčko proročište je predskazalo kralju Akriziju da će umrijeti od ruke svog unuka. Kralj, koji se plašio smrti, nakon što je čuo tako tragično predviđanje, odlučio je da svoju jedinu kćer Danaju zatvori u kulu, i postavio je najžešće pse u kraljevstvu da je čuvaju. Ali moćni Zevs je ugledao devojku, zaljubio se u nju i, pretvorivši se u zlatnu kišu, ušao u tamnicu...

Likujući mlaz zlatne boje sjajno obasjava lik nage Danaje. Devojka čeka svog ljubavnika, radosna i istovremeno stidljiva pred Zevsom, pruža se u susret ljubavi, a u njenim očima je zov, predosećaj sreće... Tako savršena golotinja žensko tijelo, poštovan, topao, živahan i lijep, mogao je napisati samo čovjek zaslijepljen ljubavlju.

Ova slika je himna mladosti i lepoti, himna ženi. Gledajući platno, počinjete da shvatate koliko su lepe i večne Žena i Ljubav. Ali malo ljudi zna koliko je složena i dramatična sudbina slike i sudbina genija koji ju je naslikao...

1631 Amsterdam. Još nepoznati mladi Rembrandt van Rijn luta popločanim ulicama glavnog grada. Tek mu je dvadeset i pet godina, a preplavljuju ga mladalačke ambicije - sin lajdenskog mlinara Harmena van Rijna prošao je školu leidenskih majstora Swaneburga i Lymana i sanja o osvajanju glavnog grada, već viđajući gomile oduševljenih obožavatelja kod sebe stopala.

Iznenađujuće, uspijeva, ali ne odmah. U početku narudžbe ne stižu - bogati građani ne žele i ne vole da rasipaju novac, jer u Amsterdamu još niko ne poznaje Rembranta. Ali situacija se iznenada menja. Trebalo je samo godinu dana mladi umetnik govorili su zadivljeno.

Godine 1632. izložio je svoju novu sliku „Lekcija anatomije doktora Tulpea“, koja mu je donela pravi uspeh! Rembrandt odmah postaje moderan umjetnik - sada mu ne nedostaje kupaca, a među njima ima mnogo prilično bogatih i utjecajnih ljudi.

Sve ide odlično: mladost, uspeh, novac i nesalomiva želja za crtanjem...

Jednog dana Rembrandt je pozvan u kuću trgovca umjetninama Hendrika van Uylenburgha.

U bučnom zabavno društvo mladi ljudi, vidio je onu koja mu je zauvijek pogodila srce - mladu Saskiju, Hendrikovu rođaku.

Iako Saskia nije bila ljepotica u punom smislu te riječi - kratak vrat, male oči, punački obrazi, ali njen način komuniciranja s ljudima, njen meki melodičan glas i jednostavno svježa, šarmantna mladost učinili su je neobično šarmantnom u očima mladih ljudi. Osim toga, Rembrandt je bio zapanjen njenom inteligencijom i živahnošću, te se počeo intenzivno udvarati djevojci; štoviše, bila je iz vrlo bogate porodice, među rođacima su joj bili visoki dužnosnici i pastori, trgovci i brodovlasnici.

Zatim je bilo još nekoliko sastanaka u amsterdamskom visokom društvu, i Rembrandt je konačno napravio svoj izbor. Više nije mogao da zamisli sebe bez ove devojke. Umjetnik joj daje zvaničnu prosidbu, koja je rado prihvaćena, a 1634. godine mladi se legalno vjenčaju.

Tako su počele najsrećnije godine Rembrandtovog života. Saskia ne samo da joj je dala muža nesebična ljubav, ali i donio značajan miraz i uveo ga u najviše krugove amsterdamskih građanki.

Narudžbe su se slijevale jedna za drugom, ime Rembrandta spominjalo se s divljenjem u gotovo svakom domu, a do tada je on sam već postao prilično bogat čovjek i mogao je okružiti svoju ženu sjajem i luksuzom - kupovao joj je skupe haljine, nakit i učinio sve da Saskijina porodica ne smatra njihov brak neravnopravnim.

O njihovom porodičnom životu nije sačuvana nikakva arhiva – ni dnevniki, ni beleške, ni pisma jedno drugom, ni iskazi očevidaca, ali da je bio ispunjen srećom svedoče brojni portreti, crteži i gravure koje je napravio Rembrandt.

Novac je omogućio mladom mužu da ne štedi, a on je s entuzijazmom počeo da skuplja u svojoj kući širok izbor antičkih rariteta, slika, gravura, bakropisa, tepiha, japanskih vaza - svega što nije bilo u njegovoj kolekciji.

Ali, naravno, Rembrandtovo glavno blago je Saskia. I upravo je ona inspirisala umjetnika da stvori jedno od svojih najboljih djela - stvaranje "Danae".

Toliko je ličnog, toliko ljubavi i iskrenosti u ovoj slici da je umjetnik odlučio da nikada ne proda ovo platno – na kraju krajeva, ono je bio simbol njihove bezgranične ljubavi i njihove izuzetne sreće.

No, ispostavilo se da je sreća kratkog vijeka, bogatstvo se u jednom trenutku odvratilo od porodice, a niz tragični događaji; početkom 1636. umire novorođeni prvi sin Rumbartus, zatim ista tužna sudbina zadesi dvije kćeri rođene jedna za drugom,

U kući je vladala žalost: bilo je teško crtati, bilo je teško gledati u stalno plačljivu, ali ipak voljenu i dragu Saskiju, novac je postupno tekao. Ali ostalo je vjerovanje da će se jednog dana u kuću vratiti sreća i da će im se Bog smilovati.

I tako se sve dogodilo: Saskia je ponovo zatrudnela i 1641. godine, konačno, rodila. zdravo dete- Titov sin.

Srećnom ocu se ponovo javila želja za stvaranjem, a u tom periodu pojavio se čitav niz crteža, kao i čuvena slika - Saskia se nakon porođaja igra u krevetu sa Titom.

Umjetnicu je preplavila ova tema – tema majke i djeteta.

Činilo se da sve ide nabolje, sreća je opet bila na njegovoj strani, ali opet sreća nije zaostajala - česti porođaji narušili su Saskijino zdravlje, počela je da se razbolijeva, gotovo da nije ustajala iz kreveta, a devet mjeseci nakon rođenja nje sine, mlada žena je umrla, imala je samo trideset godina!

Rembrandt je pao u tešku depresiju - uostalom, Saskia je sa sobom ponijela sve boje svijeta.

Ali jednog dana, kada je umetnik sedeo u svom ateljeu, a duša mu je bila posebno tužna i bolesna, čuo je nekoga ženski glas:

Pij, majstore, odmah će ti biti bolje.

Ispred njega je stajala Titusova dadilja, koju je Saskia unajmila za života. I Rembrandt je, neočekivano za sebe, odjednom osjetio da mu se ova žena sviđa - srce mu je počelo lupati, kao jednom prilikom susreta sa Saskiom.

Geertje Dirks, udovica brodskog trubača, bila je mlada, zdrava i prilično privlačna žena, i to ne bez lukavstva. Postepeno je čvrsto zavladala ne samo u vlasničkoj spavaćoj sobi, već je preuzela i svu vlast u njegovoj kući.

Geertje nije bila nimalo nalik na aristokraticu Saskiju - bila je žena iz naroda, u kojoj su vrele zemaljske strasti. Ali izgledalo je da se Rembrandtu to svidjelo. Geertje se sve češće pojavljivao na njegovim platnima, i to gol. Njeno bujno, gusto, zemaljsko meso ispunjavalo je platna senzualnošću i požudom.

I došao je trenutak kada je Rembrandt odlučio da prepiše “Danae”. Na prethodnoj slici Danae je bila umotana u najfiniji platno - uostalom, umjetnik je pozirao svojoj voljenoj, tako nježnoj i čistoj Saskiji, i nije želio da se itko osim njega divi ljepoti njenog tijela. Ali priprosti, grubi Gertje, koji je uspio u njemu probuditi tjelesne strasti, mogao bi se izložiti očima stranaca.

Ovako se na Rembrantovom platnu rađa nova Danae - spremna na milovanja i ljubavne igre, senzualna, vatrena, čeka svog ljubavnika, želeći mu dati sve zemaljska zadovoljstva. A ova nova Danae ima Gertierove crte lica (Saskia ne može biti tako otvoreno seksualna).

Prošle su godine. Rembrandt je mnogo radio. Njegov sin Titus je rastao. A Gertje, koja se ugojila od jela svog gospodara, osjećala se kao suverena gospodarica i mučila ju je samo jedna misao - zašto se njen gospodar ne oženi njome? Cijeli je život dala Rembrantu, a on je, izgleda, nije imao namjeru nazvati svojom ženom.

Ubrzo je umetnik pozvan u „Komoru porodičnih svađa“ (takva institucija je postojala u Amsterdamu u 17. veku) i naređeno mu je da plaća gospođi Dirks 200 guldena godišnje. U to vrijeme to je bila poprilična suma, ali Rembrandt je bio spreman na sve samo da se riješi gadne i skandalozne žene. Sve nežna osećanja Davno su je došli, pogotovo otkako se u kući pojavila nova sobarica - Hendrikje Stoffels, kćerka vojnika koji je služio na granici sa Vestfalijom. Ispostavilo se da je skromna, draga, ljubazna, a ubrzo je ova tiha, odana djevojka osvojila ne samo srce umjetnika, već i sve u kući.

Rembrandt se iskreno zaljubio u nju i po prvi put nakon Saskije želio je da ozakoni vezu. Ali, nažalost, to je bilo nemoguće - prema odredbama Saskijine oporuke, oženivši se, on je lišen prava da upravlja imovinom svog sina Tita i koristi svoje prihode.

Ali Hendrikje nije ništa očekivao niti zahtijevao, glavno je bilo da su zajedno, i da je Rembrantu mogla pružiti mladost, mir i sreću, a 1654. i kćer, svoju voljenu Korneliju.

Rembrandt nije ostao dužan, iako svoju voljenu nije mogao obasipati nakitom ili novcem - ovih godina ih je bilo sve manje, ali je naslikao nevjerovatnu galeriju njenih portreta.

I jednog dana, jedne tihe, mirne večeri, kada su sedeli u studiju i razgovarali o nečemu, on je odjednom oštro ustao, prišao „Danae“ i, bacivši pogled na nju, uzeo boje i kist, odmah dajući princeza iz bajke prikazuje Hendrickjea.

Tako je nastala treća verzija ove misteriozne i prelijepe slike.

U međuvremenu, amsterdamsko društvo je uzavrelo - građani su bili ogorčeni stilom života umjetnika koji je odavno postao poznat. Njegova sluškinja, bludnica i preljubnica, živi s njim u grijehu! No, pravi skandal izbio je nakon što su se proširile glasine da je trudna Hendrickje pozirala umjetnici za sliku Bathing Bathsheba.

Djevojčica je pozvana u kalvinski konzistorij i zahtijevala je da napusti umjetnika, prijeteći da će je u suprotnom ekskomunicirati.

Sada je teško zamisliti šta je za mladu ženu značilo izopćenje iz večernje pričesti – bila je to strašna sramota.

Ali Hendrikje je, uprkos njenom tihom, povodljivom raspoloženju, oštro odbio - uostalom, ništa se nije moglo takmičiti s njenom bezgraničnom ljubavlju, a ona je i dalje nastavila živjeti s Rembrandtom.

Porodici je bilo teško. Prosperitetne i uhranjene godine su prošle, Rembrandtove slike više niko nije kupovao, a on je postepeno morao da rasproda sva blaga - tepihe, oružje, vaze, slike koje je sa takvom ljubavlju sakupljao.

Godine 1656. Rembrandt je konačno proglašen bankrotom. "Inventar slika, namještaja i kućnog pribora koji pripada Rembrandtu van Rijnu, koji živi u Breestraatu u blizini brave St. Anthony's", poreznici su savjesno opisali Rembrandtovu imovinu. U jednom od paragrafa inventara, pored kože lava i lavice i dve šarene haljine, nalazi se „velika slika Danae“.

Platno, s kojim se umjetnik nikada nije odvajao, otišlo je u ravnodušne ruke drugih.

A onda je porodica izgubila i svoju kuću - kupio ju je komšija obućar - i preselila se u jedno od najsiromašnijih delova Amsterdama.

Nesreće i gubici su ih i dalje pratili. Ne mogavši ​​da izdrži ove teške životne iskušenja, Hendrickje umire 1663. godine, a za njim i Titus - nedavno se oženio šarmantnom Magdalenom van Lo, koja nije mogla bez muža i nije ga dugo preživjela.

Svi koje je Rembrandt volio napustili su umjetnika, ostavljajući samo dvije djevojčice - kćer Corneliju i malu unuku Titiju.

Vrijeme je neumoljivo krenulo naprijed, a zdravlje je također neumoljivo nestalo. Rembrandt je oslabio, živeći u strašnom siromaštvu i poniženju. Ali što je njegova sudbina bila teža, to je njegova umjetnost sticala više mudrosti i dubine.

Njegova smrt nije izazvala nikakvo interesovanje u Amsterdamu - samo pomislite, u Holandiji ima mnogo takvih umetnika čije se slike čak prodaju na pijacama uz divljač, meso i ribu!

I niko tada nije pomislio da je zemlja izgubila jednog od svojih najvećih sinova...

Šta je sa "Danae"? U čije ruke je palo Rembrantovo najomiljenije platno?

Promjenom nekoliko vlasnika, u početkom XVII stoljeća, završio je u kolekciji francuskog bankara Pierrea Croza, a nakon njegove smrti naslijedio ga je njegov nećak baron Thiers, a tek 1770. godine je prodat. Među novim vlasnicima Crozatovog blaga bila je i ruska carica Katarina II, koja je s velikim entuzijazmom prikupljala svoju kolekciju slika.

Konačno, „Danae“ je pronašla dostojno mesto za sebe - u salama Ermitaža. Kada je stigla, odmah je izazvala žestoku debatu; gde je zlatni pljusak, zašto mali kupid plače na svom krevetu, zašto je prsten na prstu njene leve ruke? Onda to uopšte nije Danae! Ili možda Dalila čeka Samsona, ili biblijsku Hagaru?

Sva su pitanja stavljena na kraj sasvim nedavno, kada je Rembrandtovo remek-djelo proučavano uz pomoć x-zrake. Osvijetlivši platno, začuđeni naučnici vidjeli su još jednu ispod jedne slike! U prvoj verziji Saskia je bila prikazana s prstenom na prstu, kako i dolikuje udatoj dami, a tijelo joj je bilo stidljivo prekriveno laganim velom. Umjetnik ga je otkinuo kada se pojavila Geertje Dirks, zbog čega vjerovatno mali Kupid plače, oplakivajući svoju izgubljenu ljubav i divnu Saskiju.

Ali priča se tu nije završila. Jedne sunčane subote, 15. jula 1985. godine, mladić Brunas Meigis, koji je u Lenjingrad stigao iz Kaunasa, otišao je u Ermitaž i odmah otišao u Rembrantovu sobu. Približavajući se "Danae", izvukao je nož i viknuo "Sloboda Litvaniji!" napao ju. Nakon što je izrezao sliku, izlio je na nju i litar sumporne kiseline. Šokirani zaposlenici muzeja ostali su zaprepašteni - ovako nešto se nikada nije dogodilo u muzeju! Ludi vandal je uhapšen, a tokom ispitivanja je rekao da je pročitao članak u časopisu Ogonyok o tome šta je… glavna slika u glavnom sovjetskom muzeju." U izopačenoj svijesti Litvanaca, Rembrandtovo remek-djelo se pretvorilo u svojevrsni simbol ruskog carstva koje je tlačilo Litvance.

I dok je policija odvodila Maygis iz Ermitaža, osoblje muzeja je užasnuto gledalo kako potoci kiseline teku preko slike, korodirajući sloj boje i platno. Hitno su pozvani restauratori i najbolji hemičari u gradu. Osakaćena slika prebačena je u laboratorij, oprana i počeli su razmišljati šta da urade s njom - uostalom, kiselina je ostavila strašne brazde, osim toga, Danaeine bedra i stomak su izrezani nožem.

Kao rezultat žučnih rasprava, došli smo do kompromisnog rješenja – ne treba obnavljati ono što je potpuno oštećeno, a restaurirati ono što se moglo obnoviti. A restauratori su uspjeli spasiti sliku nakon suludog vandalskog čina.

Rembrantovo remek-djelo i dalje oduševljava posjetioce Ermitaža, a svi koji mu se približavaju ponovo osjećaju čar ženske ljepote i čar iščekivanja čuda. I, naravno, divi se umijeću velikog Holanđanina Rembrandta von Rijna, čiju su 400. godišnjicu prošle godine proslavili svi poznavaoci besmrtne umjetnosti.

Djelo briljantnog Rembrandta (1606–1669) jedan je od vrhunaca svjetskog slikarstva. Izvanredna širina tematskog raspona, najdublji humanizam koji produhovljuje djela, istinska demokratičnost umjetnosti, stalna potraga za najizrazitijim umjetničkim sredstvima i nenadmašna vještina dali su umjetniku priliku da otelotvori najdublje i najnaprednije ideje svijeta. vrijeme. Koloriziranje Rembrandtovih slika zrelog i kasnog perioda, izgrađeno na kombinaciji toplih bliskih tonova, blistavih najfinijim nijansama, svjetlosti, drhtavice i koncentrisane, kao da ih emituju sami predmeti, doprinose izuzetnoj emocionalnosti njegovih djela. Ali posebnu vrijednost im daju visoka, plemenita osjećanja, koja svakodnevnim stvarima daju poeziju i uzvišenu ljepotu.

Rembrandt je slikao istorijske, biblijske, mitološke i svakodnevne slike, portrete i pejzaže; on je bio jedan od najveći majstori bakropis i crtanje. Ali bez obzira u kojoj je tehnici Rembrandt radio, u centru njegove pažnje uvijek je bio čovjek, sa svojim unutrašnji svet, njegova iskustva. Rembrandt je često pronalazio svoje heroje među predstavnicima holandske sirotinje, otkrivajući se u njima najbolje karakteristike likovi, neiscrpno duhovno bogatstvo. Vjeru u čovjeka umjetnik je nosio kroz cijeli život, kroz nedaće i iskušenja. Pomagala mu je do njegovih posljednjih dana da stvori djela koja izražavaju najbolje težnje holandskog naroda.

Rembrandt Harmens van Rijn rođen je u Leidenu, kao sin vlasnika mlina. Njegovi učitelji su bili Swannenburch, a zatim Lastman. Od 1625. Rembrandt je počeo samostalno raditi. Njegovi rani radovi nose tragove uticaja Lastmana, a ponekad i utrehtskih slikara, sljedbenika Caravaggia. Uskoro je mladi Rembrandt pronašao svoj put, jasno ocrtan na portretima napravljenim uglavnom o njemu i njegovim najmilijima. Već u ovim djelima chiaroscuro je za njega postao jedno od glavnih sredstava umjetničkog izražavanja. Proučavao je različite manifestacije karaktera, izraze lica, izraze lica i individualne osobine.

Godine 1632. Rembrandt se preselio u Amsterdam i odmah stekao slavu svojom slikom “Lekcija anatomije dr Tulpa” (1632, Hag, Mauritshuis). U suštini, ovo je veliki grupni portret doktora koji okružuju dr. Tulpu i pažljivo slušaju njegova objašnjenja o seciranom lešu. Ovakva konstrukcija kompozicije omogućila je umjetniku da prenese individualne osobine svake portretirane osobe i poveže ih u slobodnu grupu sa zajedničkim stanjem dubokog interesa, naglašavajući vitalnost situacije. Za razliku od grupnih portreta Halsa, gdje svaki od subjekata zauzima ravnopravan položaj, na Rembrandtovoj slici svi su likovi psihološki podređeni Tulpuu, čija je figura istaknuta širokom siluetom i gestom slobodne ruke. Jakom svjetlu otkriva središte kompozicije, doprinosi utisku grupe koja se prikuplja i povećava ekspresiju.

Uspjeh prve slike donio je umjetniku mnoge narudžbe, a s njima i bogatstvo, koje se povećalo njegovim brakom sa patricijkom Saskiom van Uylenburgh. Rembrant je jednu za drugom slikao velike religiozne kompozicije, poput „Abrahamove žrtve“ (1635, Sankt Peterburg, Ermitaž), pune dinamike i patetike, i svečane portrete. Fasciniraju ga herojsko-dramatične slike, spolja spektakularne strukture, bujna, otmjena odjeća, kontrasti svjetla i sjene i oštri uglovi. Rembrandt često prikazuje Saskiju i sebe, mlade, srećne, pune snage. To su “Portret Saskije” (oko 1634, Kassel, Galerija slika), “Autoportret” (1634, Pariz, Luvr), “Autoportret sa Saskiom na kolenima” (oko 1636, Drezden, Galerija slika). Rembrandt je mnogo radio na polju bakropisa, fasciniran žanrovskim motivima, portretima, pejzažima i stvorio čitav niz slika predstavnika nižih društvenih slojeva.

Već krajem 1630-ih otkrivena je umjetnikova privlačnost realističnim slikama na slikama velikih razmjera. Donio je neobično vitalnu i uvjerljivu odluku mitološka tema na slici „Danae“ (1636, većina slike je prepisana sredinom 1640-ih, Sankt Peterburg, Ermitaž). Odbijajući nasilni patos i vanjske efekte, Rembrandt je težio psihološkoj ekspresivnosti. Topla shema boja postala je bogatija, a svjetlost je dobila još veću ulogu, dajući posebnu strepnju i uzbuđenje radu.

Kako se umjetnikovo realističko umijeće produbljivalo, povećavala su se njegova neslaganja sa okolnim buržoasko-patricijskim okruženjem. 1642. godine, po nalogu čete puškara, napisao je velika slika(3,87 X 5,02 m), zbog potamnjivanja boja tokom vremena, kasnije je dobio naziv “Noćna straža” (Amsterdam, Rijksmuseum). Umjesto tradicionalne gozbe sa portretima učesnika, gdje je svaki uhvaćen s pažnjom o svojim individualnim karakteristikama, kao što je to ranije urađeno, umjetnik je prikazao nastup puškara u pohodu. Podižući zastavu, predvođeni kapetanom, hodaju uz zvuk bubnja širokim mostom u blizini zgrade esnafa. Neobično jarki snop svjetlosti, obasjavajući pojedinačne figure, lica učesnika povorke i djevojčice s pijetlom za pojasom, kao da se probija kroz redove strijelaca, naglašava iznenađenje, dinamiku i uzbuđenje slika. Slike hrabrih ljudi, zahvaćenih herojskim porivom, ovdje su spojene s generaliziranom slikom holandskog naroda, inspiriranog sviješću o jedinstvu i vjerom u vlastite snage. Tako grupni portret poprima karakter jedinstvene istorijske slike u kojoj umjetnik nastoji ocijeniti modernost. Rembrandt utjelovljuje svoju ideju o visokim građanskim idealima, o narodu koji se diže u borbu za slobodu i nacionalnu nezavisnost. U godinama kada su se unutrašnje protivrečnosti koje su delile zemlju sve više otkrivale, umetnik je pozvao na građansko herojstvo. Rembrandt je nastojao stvoriti sliku herojske Holandije i veličati patriotsko uzdizanje njenih građana. Međutim, takav plan je već uvelike bio stran njegovim mušterijama.

Tokom 1640-ih, razlike između umjetnika i buržoaskog društva su rasle. Tome doprinose teški događaji u njegovom ličnom životu, smrt Saskije. Ali upravo u to vrijeme počinje vrijeme zrelosti u Rembrandtovom stvaralaštvu. Spektakularne dramske scene njegovih ranih slika zamjenjuju se poetizacijom svakodnevnog života: lirski subjekti postaju dominantni, poput „Davidov rastanak s Jonatanom“ (1642), „Sveta porodica“ (1645, obje slike - Sankt Peterburg, Hermitage), u čijoj dubini ljudskih osećanja pleni iznenađujuće suptilno i snažno oličenje. Činilo bi se da u jednostavnim svakodnevnim scenama, u retkim i precizno pronađenim gestovima i pokretima, umjetnik otkriva svu složenost mentalnog života, tok misli likova. Scenu slike "Sveta porodica" prenosi u siromašnu seljačku kuću, gdje otac radi kao stolar, a mlada majka brižno čuva bebin san. Ovdje je sve ispunjeno dahom poezije, naglašavajući ugođaj tišine, mira i spokoja. Tome doprinosi meka svjetlost koja obasjava lica majke i bebe, najsuptilnije nijanse tople zlatne boje.

Slike Rembrandtovih grafičkih radova – crteža i bakropisa – pune su dubokog unutrašnjeg značaja. Demokratizam njegove umjetnosti posebno je izražen u bakropisu “Hrist iscjeljuje bolesne” (oko 1649., “List od sto guldena”, tako nazvan zbog visoke cijene koji je dobivao na aukcijama). Upečatljiva je prodornost slika bolesnika i patnika, prosjaka i siromaha, koje su u suprotnosti sa samozadovoljnim, bogato odjevenim farisejima. Istinski monumentalni domet, slikovitost, suptilni i oštri kontrasti chiaroscura i tonsko bogatstvo izdvajaju njegove bakropise i crteže perom, kako tematske tako i pejzažne.

Veliko mjesto u kasnom periodu zauzimaju jednostavne, ali kompozicije, najčešće generacijski portreti rodbine i prijatelja, u kojima se umjetnik fokusira na otkrivanje duhovnog svijeta portretiranih. Mnogo puta piše Hendrikje Stoffels, otkrivajući njenu ljubaznost i ljubaznost, plemenitost i dostojanstvo - kao, na primjer, “Hendrickje na prozoru” (Berlin, Muzej). Često je model njegov sin Titus, bolešljiv, krhak mladić blagog, duhovnog lica. Na portretu sa knjigom (oko 1656, Beč, Muzej istorije umetnosti) čini se da je slika prožeta sunčevim zracima. Među najsrdačnijim su portret Breuninga (1652, Kassel, Galerija), mladog zlatnokosog čoveka pokretnog lica, obasjanog unutrašnjim svetlom, i portret povučenog i tužnog Jana Siksa (1654, Amsterdam, Šest). prikupljanje), kao da je zastao u mislima, navlačeći rukavicu.

Ova vrsta portreta uključuje i kasne umjetnikove autoportrete, koji su upečatljivi po svojim višestrukim psihološkim karakteristikama i izrazu najneuhvatljivijih pokreta duše. “Autoportret” Bečkog muzeja (oko 1652.) ispunjen je plemenitom jednostavnošću i veličanstvenošću; u “Autoportretu” iz Luvra (1660.) umjetnik je sebe prikazao kako razmišlja, tužan u koncentraciji.

Istovremeno je naslikan portret starice, supruge njegovog brata (1654, Sankt Peterburg, Ermitaž), biografski portret koji govori o teško proživljenom životu, o surovi dani, koji su ostavili svoje elokventne tragove na naboranom licu i izlizanim rukama ove žene koja je mnogo toga vidjela i doživjela. Koncentrirajući svjetlost na lice i ruke, umjetnik skreće pažnju gledatelja na njih, otkrivajući duhovno bogatstvo i ljudsko dostojanstvo portretiranih. Gotovo svi ovi portreti nisu bili naručeni: svake godine je bilo sve manje narudžbi.

Poslednja decenija je najtragičnije doba Rembrantovog života; proglašen nesolventnim dužnikom, nastani se u najsiromašnijoj četvrti Amsterdama, izgubivši svoje najbolje prijatelje i voljene. Hendrickje i sin Titus umiru. Ali nesreće koje su ga zadesile nisu mogle zaustaviti razvoj umjetnikovog kreativnog genija. Najdublje i divni radovi Pisane su mu upravo u to vrijeme. Grupni portret „Sindikija“ (starešina suknarske radionice, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) upotpunjuje umetnikova dostignuća u ovom žanru. Njegova vitalnost leži u dubini i karakteru svakog od prikazanih, u prirodnosti kompozicije, jasnoj i uravnoteženoj, u štedljivosti i preciznosti odabira detalja, u harmoniji suzdržanog. sema boja a istovremeno u stvaranju koherentne slike grupe ljudi ujedinjenih zajednicom interesa koju brane. Neobičan ugao naglašava monumentalnu prirodu slike, značaj i svečanost onoga što se događa.

Kasnom periodu pripada i niz velikih tematskih slika majstora: „Zavera Julija Civilisa“ (1661, Stokholm, Nacionalni muzej), istorijski sastav, sa prikazom vođe plemena Batavi, koji su se smatrali precima Holandije, koji su u 1. veku podigli narod na ustanak protiv Rima, kao i slike na biblijske priče: „Asur, Haman i Estera“ (1660, Moskva, Muzej Puškina).

Zaplet biblijske parabole o izgubljenom sinu već je privlačio umjetnika, pojavljuje se u jednom od njegovih bakropisa. Ali tek pred kraj svog života Rembrandt je došao do svog najdubljeg otkrića. U liku umornog, pokajanog čovjeka koji je pao na koljena pred ocem, izražen je tragični put učenja o životu, a u liku oca koji je oprostio rasipni sin, utjelovljuje najveću sreću dostupnu čovjeku, granicu osjećaja koji ispunjavaju srce. Rješenje ove velike kompozicije je zapanjujuće jednostavno, gdje glavni likovi kao da su obasjani unutrašnjim svjetlom, gdje gest ruku oca, koji je ponovo pronašao sina, izražava njegovu beskrajnu ljubaznost, a opušteni lik lutalica u prljavim krpama, pripijena uz oca, izražava svu snagu pokajanja, tragediju potrage i gubitaka. Ostali likovi potisnuti su u drugi plan, u polusjenu, a njihova samilost i promišljenost samo dodatno ističu, kao da žare toplim sjajem, očinsku ljubav i praštanje koje je veliki holandski umjetnik ostavio ljudima u amanet.

Utjecaj Rembrandtove umjetnosti bio je ogroman. To je uticalo na rad ne samo njegovih neposrednih učenika, od kojih je Carel Fabricius bio najbliži razumevanju učitelja, već i na umetnost svakog manje-više značajnog holandskog umetnika. Rembrandtova umjetnost imala je dubok utjecaj na razvoj cjelokupne svjetske realističke umjetnosti kasnije. Dok je najveći holandski umjetnik, došavši u sukob sa buržoaskim društvom, umro u siromaštvu, drugi slikari, ovladavši vještinom istinitog prenošenja onoga što su prikazali, uspjeli su postići doživotno priznanje i prosperitet. Koncentrirajući svoje napore na polju jednog ili drugog slikarskog žanra, mnogi od njih su stvorili značajna djela u svojoj oblasti.

Rembrandt Harmens van Rijn je svjetski poznati umjetnik i graver. Rembrandtova biografija je vrlo zanimljiva, pa ne čudi što je kolosalna količina historijskih istraživanja umjetnosti i naučnih monografija posvećena proučavanju njegovog života i rada.

ranim godinama

Umjetnik Rembrandt, čija je biografija obrađena u ovom članku, rođen je u porodici mlinara Harmena Gerritsa 1606. Njegova majka se zvala Neltje Willemsdochter van Rijn.

Budući da je njegov otac u to vrijeme išlo dobro, budući slikar je dobio prilično dobro obrazovanje. Bio je raspoređen u latinsku školu, ali mladić nije volio tamo studirati, pa je njegov uspjeh ostavio mnogo da se poželi. Kao rezultat toga, otac je popustio sinovljevim zahtjevima i dozvolio mu da ode na školovanje u umjetničku radionicu Jacoba van Swanenburcha.

Rembrandtova biografija je zanimljiva jer njegov prvi mentor nije imao jak uticaj na umetnički stil slikar. Najveći uticaj na ambicioznog umetnika izvršio je njegov drugi učitelj, kod koga se preselio nakon tri godine rada sa Svanenbuerchom. To je bio Peter Lastman, čiji je učenik Rembrandt postao kada se preselio da živi u Amsterdamu.

Kreativnost i biografija umjetnika

Kratka biografija Rembrandta van Rijna ne dopušta nam da detaljno predstavimo njegovu cjelinu kreativni put i život, ali glavne stvari je još uvijek sasvim moguće razaznati.

Godine 1623. umjetnik se vratio kući u grad Leiden, gdje je do 1628. stekao svoje učenike. Podaci o njegovim najranijim poznatim radovima datiraju iz 1627.

Rembrandt Harmens van Rijn je sistematski i marljivo koračao ka svom stvaralačkom uspjehu - biografija talentovanog slikara pokazuje da ranim fazama Neumorno je radio za svoju kreativnost.

U to vrijeme slikao je uglavnom svoju porodicu i prijatelje, kao i prizore iz života svog rodnog grada. U galeriji Kassel nalazi se portret čovjeka sa dvostrukim zlatnim lancem oko vrata, koji datira upravo iz ovog perioda života umjetnika poznatog širom svijeta kao Rembrandt. Biografija i rad ovog slikara je već tada počeo da privlači pažnju.

Selim se u Amsterdam

Godine 1631. mladić se preselio da živi u glavnom gradu - gradu Amsterdamu. Od sada se izuzetno rijetko pojavljuje u svojim rodnim krajevima. Rembrandtova biografija u ovoj fazi njegovog života i rada puna je dokaza da je brzo sticao slavu i kreativni uspeh u bogatim krugovima u Amsterdamu.

Ovo je vrlo plodna faza u životu umjetnika. Rembrandt, kratka biografija koji je opisan u našem članku, radio je vrlo naporno, ispunjavajući mnoge narudžbe i istovremeno ne zaboravljajući da se stalno poboljšava. Umjetnik je crtao iz života i gravirao zanimljivi likovi na koje je naišao u jevrejskoj četvrti grada.

Tada su naslikane tako poznate slike kao što su "Lekcija anatomije" (1632), "Portret Coppenola" (1631) i mnoge druge.

Kreativni i finansijski uspjeh

Godine 1634. Rembrandt se oženio Saskiom van Uylenborch, kćerkom uspješnog advokata. Ovo je na mnogo načina označilo najuspješnije vrijeme u umjetnikovom životu i radu. Ima dovoljno novca i mnogo narudžbi koje rado ispunjava.

Rembrantova biografija tog perioda ukazuje da je voleo da slika svoju ženu, ne samo na portretima, već se često njen lik može videti i na drugim slikarevim slikama.

Najpoznatije slike koje prikazuju umjetnikovu mladu suprugu su:

• "Portret nevjeste od Rembranta";
• "Portret Saskije";
• "Rembrandt sa svojom ženom."

Rembrandt: kratka biografija nakon smrti njegove prve žene

Sretan brak mladi čovjek nije dugo trajalo. Nakon sedam godina braka, Saskia je iznenada umrla 1642. I od tog trenutka cijeli umjetnikov život počinje da se mijenja na gore.

Uprkos činjenici da se Rembrandt oženio drugi put, više nije imao istu sreću kao u prvom braku. Njegova životna partnerica bila je njegova bivša sobarica Hendrikie Jagers.

U tom periodu svog života, umetnik je doživeo teške finansijske poteškoće, ne zbog nedostatka posla i narudžbi, već zbog sopstvene zavisnosti od sakupljanja umetničkih dela, na koje je trošio većina njihov prihod.

Njegova kolekcionarska strast dovela je do toga da je 1656. godine proglašen dužnikom koji nije mogao da otplati dugove, a 1658. morao je da se odrekne sopstvene kuće radi plaćanja dugova. Od tog trenutka umjetnik je živio u hotelu.

Pogoršanje situacije

Gendrikisov i Rembrandtov sin Titus osnovao je trgovačko društvo za prodaju umjetničkih djela. Međutim, stvari i dalje nisu išle najbolje, a nakon smrti Hendrikija 1661. godine situacija je postala još gora. Sedam godina kasnije, preminuo je i sin koji je vodio poslove kompanije.

Finansijska situacija velikog umjetnika postaje jednostavno strašna, ali siromaštvo nije ubilo njegovu želju za stvaranjem. Nastavlja da tvrdoglavo slika slike, koje, međutim, više ne uživaju isti uspeh među njegovim savremenicima kao ranije, jer su se ukusi javnosti menjali tokom godina.

Rembrandt Harmens van Rijn je umro u oktobru 1669. godine, potpuno sam i u krajnjem siromaštvu.

Rembrandt: biografija, slike

Za razliku od savremenika velikog slikara, naredne generacije su visoko cijenile ne samo rani rad umjetnika, ali i kasnija djela i slike Rembrandta. Danas je majstor oličenje holandskog slikarstva i jedan od njegovih najistaknutijih predstavnika.

Glavnim lajtmotivom cjelokupnog njegovog stvaralaštva možemo nazvati realizam, koji prožima sva autorova djela. Čak i pretvarajući se mitološke priče, demonstrira Rembrandt drevnih grčkih bogova i boginje u maski savremenih stanovnika Holandije. Upečatljiv primjer za to je slika "Danae", koja se čuva u Državnom muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu.

Neke mitološke slike uglavnom imaju polukarikaturalne prikaze bogova i boginja. To se može vidjeti u djelu “Silovanje Ganimeda” (drugi naslov “Ganimed u kandžama orla”), pohranjenom u Drezdenskom muzeju. Ovdje proporcije Ganimedovog tijela ne odgovaraju stvarnosti, što ne govori o niskom nivou umijeća umjetnika slike, već o njegovom namjernom karikaturalnom pristupu prikazivanju lika na platnu, budući da na mnogim slikama Rembrandt lako izvodi čak i složeni elementi, koji prikazuje dijelove ljudske fiziologije i anatomije.

Umjetnikove portretne radove općenito odlikuje realizam i vjerodostojnost neviđena za njegovo vrijeme, što govori o majstorovom nevjerovatnom talentu i sposobnosti da ono što je vidio u životu prenese na platno, kao i o njegovom prilično dubokom poznavanju ljudske anatomije i fiziologije.

Za ovakav rad umjetnik je vrlo pažljiv i precizan sa raznim detaljima i sitnim dodacima. Ovo se jasno vidi na slikama:

• "Kaligraf" (Državni muzej Ermitaž);
• "Lekcija anatomije" (Mauritshuis);
• "Gild tkalaca" (Amsterdamski muzej).

Kreativni stil

Ono što je karakteristično za Rembrandtova djela je da sve važnih elemenata slike umetnik uvek stavlja u prvi plan, bez obzira na kompozicione karakteristike. Umjetnik ne teži uvijek da pokaže da su ljudi ili predmeti prikazani ispravni sa stanovišta stvarnosti. Karakterizira ga namjerni hiperbolizam.

Glavna karakteristika koja se provlači kroz sve njegove radove je nedostatak jarkih boja i šarenila. Štaviše, to je vidljivo već od samog početka rani radovi umjetnik. I to ih uvelike razlikuje od slika talijanskih majstora ili, na primjer, od djela flamanskog slikara Rubensa.

Rembrandt je najveći naglasak stavio na igru ​​boja sa svjetlom i sjenom. U tome se njegova vještina do danas smatra priznatom i nenadmašnom. Ponekad je igra boja na umjetnikovim platnima toliko jaka da se likovni stručnjaci još uvijek raspravljaju o tome koje je doba dana prikazano na slici.

Jedan od najupečatljivijih primjera Rembrandtovog slikarstva s tako veličanstvenom paletom je, možda, njegova najpoznatija slika „Noćna straža“, o kojoj se debata nastavlja i danas.

"noćna straža"

Ova slika je službeno nazvana „Nastup streljačke čete kapetana Fransa Banninga Cocka i poručnika Willema van Ruytenburga“, ali se u cijelom svijetu obično naziva jednostavno „Noćna straža“.

Međutim, zbog umjetnikove ljubavi prema gore opisanoj igri svjetla i sjene, rasprave o tome koje doba dana je prikazano na slici, dan ili noć, još uvijek traju i nema definitivnog odgovora.

Ovo platno je simbol i najupečatljivije djelo ne samo samog Rembrandta, već i cijele holandske slikarske škole. Smatra se vlasništvom Kraljevine Holandije i svjetske umjetnosti općenito.

Milioni turista iz cijelog svijeta dolaze u Amsterdam svake godine u posjetu Državni muzej(Rijksmuseum) i divite se poznatoj slici. Svako u njoj vidi nešto drugačije, svako ima svoj utisak i mišljenje o ovoj slici. Ali činjenica je uvijek nepromijenjena da ovo veličanstveno djelo slavnog kreatora apsolutno nikoga ne ostavlja ravnodušnim.

Zaključak

Danas je slikar i graver Rembrandt, čija je kratka biografija i rad opisan u ovom članku, ponos ne samo svoje rodne zemlje. Poznat je u cijelom svijetu, a njegovim slikama se dive poznavaoci umjetnosti i slikarstva širom planete. Umjetnikove slike se spremno kupuju za nevjerovatne sume novca na aukcijama gdje se prodaju slike i umjetnička djela, a ime Rembrandt dobro je poznato svakome tko ima i najmanju ideju o umjetnosti.

Teško je precijeniti stvaralački doprinos ovog velikog umjetnika slikarstvu i kulturi svoje zemlje i cijelog svijeta. Nije uzalud da se danas holandska slikarska škola prvenstveno vezuje za ime Rembrandta Harmensza van Rijna.