การแนะนำ. 3
1. ดนตรีในศิลปะ 6
1.1. 6
1.2. ดนตรีและภาพวาด 18
1.3. ดนตรีและวรรณกรรม 26

2. คุณสมบัติของการสอนดนตรีให้กับเด็กเล็ก วัยเรียน ________________________________________________________34
2.1. ลักษณะทั่วไปของระบบการศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็กนักเรียน 34
2.2. การรับรู้ดนตรีของเด็กวัยประถมศึกษา 36
2.3. คำแนะนำระเบียบวิธีในการสอนดนตรีในระดับประถมศึกษา 46

บทสรุป. 54
บรรณานุกรม. 58
ภาคผนวก 1 59
ภาคผนวก 2 60

1. ดนตรีในระบบศิลปะ

1.1. ข้อมูลเฉพาะของ ศิลปะดนตรี

เช่นเดียวกับกิจกรรมทางจิตวิญญาณประเภทอื่นๆ ของมนุษย์ ดนตรีเป็นวิธีในการทำความเข้าใจโลก มอบให้กับบุคคลเพื่อจะได้เรียนรู้ที่จะเข้าใจตัวเอง เห็นความงามของจักรวาล และเข้าใจความหมายของชีวิต “ดนตรีเป็นภาษาของความรู้สึก” Robert Schumann กล่าว แต่ดนตรีเริ่มเรียนรู้วิธีแสดงความรู้สึกในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 นี่เป็นช่วงเวลาที่มนุษย์ตระหนักว่าตัวเองเป็นบุคคลที่สามารถคิด รู้สึก และสร้างสรรค์ได้ เมื่อศิลปะทางโลกเจริญรุ่งเรืองและโอเปร่าได้ถือกำเนิดขึ้น การแสดงออกของความหลงใหลและผลกระทบของมนุษย์กลายเป็นงานหลักของศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 18 และในยุคของแนวโรแมนติก โลกแห่งอารมณ์และความรู้สึกกลายเป็นขอบเขตหลักที่ผู้แต่งหันไปค้นหาธีม รูปภาพ และแม้กระทั่งวิธีการ การแสดงออก.

ความรู้สึก เสียง ภาพร่างของชีวิตโดยรอบ การเคลื่อนไหว... แต่โลกแห่งความคิดขึ้นอยู่กับดนตรีไม่ใช่หรือ? “งานดนตรีทุกชิ้นล้วนมีไอเดีย” บีโธเฟนกล่าว ผู้เขียนเองได้กำหนดแนวคิดที่แสดงใน Fifth Symphony อันโด่งดังของเขาดังนี้: “จากความมืดสู่แสงสว่าง ผ่านการต่อสู้สู่ชัยชนะ” ไม่จำเป็นเลยที่คำนี้จะช่วยให้ดนตรีรวบรวมความคิดได้ โปรแกรมวรรณกรรม, บทโอเปร่า, บทกวีบทกวีหรือคำอธิบายของผู้เขียน เราไม่ทราบโปรแกรมของซิมโฟนีที่ 6 ของไชคอฟสกี ซึ่งมีอยู่ในจินตนาการของเขาตามที่ผู้แต่งเอง มีน้อยคนที่รู้ข้อความที่เป็นชิ้นเป็นอันของไชคอฟสกีซึ่งระบุเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและอุดมการณ์ของงาน อย่างไรก็ตาม แทบจะไม่มีใครสงสัยว่าเพลงนี้เกี่ยวกับชีวิตและความตาย เกี่ยวกับความสับสนของจิตวิญญาณมนุษย์ และเข้าใจถึงความโศกเศร้าของการจากไปอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การตรัสรู้, 2524

อารมณ์และความรู้สึก การเคลื่อนไหวและการเปลี่ยนแปลง ความคิดและความคิด ชีวิตประจำวันและธรรมชาติ ความจริงและมหัศจรรย์ ความแตกต่างเล็กน้อยของสีและลักษณะทั่วไปที่ยิ่งใหญ่ - ทุกสิ่งสามารถเข้าถึงได้ด้วยดนตรี แม้ว่าจะไม่ได้อยู่ในขอบเขตเดียวกันก็ตาม ศิลปะดนตรีมีความหมายอะไรในการกำจัด มีกฎหมายอะไรบ้างที่แสดงถึงเนื้อหาที่หลากหลายดังกล่าวในรูปแบบใด

ดนตรีมีอยู่ในระบบพิกัดพิเศษ มิติที่สำคัญที่สุดคือพื้นที่และเวลาของเสียง ทั้งสองมิติถือเป็นคุณสมบัติหลักทั่วไปของดนตรี แม้ว่าจะมีเพียงมิติแรกเท่านั้นที่มีความเฉพาะเจาะจงกับมัน นั่นคือระดับเสียง จากเสียงหลายพันเสียงในโลกรอบๆ มีเพียงเสียงดนตรีเท่านั้นที่สามารถกลายมาเป็นดนตรีได้ (เอฟเฟกต์เสียงและการเพอร์คัชชันถูกนำมาใช้อย่างพิถีพิถัน แม้กระทั่งในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวหน้าสมัยใหม่) แต่เสียงดนตรีในตัวเองไม่สามารถรับรู้ได้ทั้งทางอารมณ์หรือสุนทรียศาสตร์ ยังไม่มีดนตรี - และคอลเลกชั่นเสียงดนตรีซึ่งสามารถเปรียบได้กับจานสีของศิลปินหรือชุดคำศัพท์ที่กวีเลือกใช้

เชื่อกันว่าดนตรีที่สื่อความหมายหลักคือทำนอง ความสามัคคี และจังหวะ

ผู้ถือความหมายและตัวเล็กที่สุด หน่วยโครงสร้างภาษาดนตรีคือน้ำเสียง การดำรงอยู่ของมันยืนยันความสัมพันธ์อันลึกซึ้งระหว่างสองโลกอีกครั้ง - วาจาและเสียง - และพิสูจน์ว่าในช่วงเริ่มต้นของดนตรีก็มี "คำ" เช่นกัน อย่างไรก็ตาม แนวคิดของน้ำเสียงในที่นี้มีความหมายที่แตกต่าง ลึกซึ้งกว่ามาก และครอบคลุมมากกว่า นักวิชาการ B. Asafiev กล่าวอย่างแม่นยำว่า: “ดนตรีเป็นศิลปะแห่งความหมายที่ลึกซึ้ง (ตัวเอียงของฉัน - L.A.)” ให้เราระลึกว่าหนึ่งในความหมายของคำว่า "น้ำเสียง" คือเสียงซึ่งเป็นลักษณะของเสียง ดังนั้นคำศัพท์ทางดนตรีบางคำ - โทนิค, โทนเสียง, น้ำเสียง, น้ำเสียง ต้นกำเนิดของน้ำเสียงดนตรีจำนวนมากคือน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์ แต่ไม่ใช่น้ำเสียงธรรมดา แต่เป็นน้ำเสียงที่ปรากฏในช่วงเวลาของการแสดงออกถึงอารมณ์หรืออารมณ์ที่ชัดเจนที่สุด น้ำเสียงของการร้องไห้ การบ่น เครื่องหมายอัศเจรีย์ หรือคำถามเข้ามาในดนตรีจากชีวิต และแม้จะไม่เกี่ยวข้องกับคำใดๆ (เช่น ในแนวเพลงบรรเลง) ก็ยังคงความหมายหลักทางอารมณ์และจิตวิทยาเอาไว้ เสียงคร่ำครวญของ Dido จากโอเปร่าเรื่อง "Dido and Aeneas" ของ G. Purcell เสียงร้องของ Holy Fool จากละครโอเปร่า "Boris Godunov" ของ M. Mussorgsky แสดงออกถึงอารมณ์ความรู้สึกโศกเศร้าอย่างชัดเจนพอๆ กับการเคลื่อนไหวครั้งที่สี่ของ Symphony ครั้งที่ 6 ของ Tchaikovsky หรือ Funeral March จาก F. โซนาต้าที่ 2 โชแปง การเพิ่มขึ้นครั้งที่หก - ที่เรียกว่าแรงจูงใจของคำถาม - สะท้อนถึงน้ำเสียงเชิงคำถามของคำพูดของมนุษย์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักประพันธ์โรแมนติกมักใช้วิธีนี้และพบการนำไปใช้อย่างกว้างขวางในผลงานที่มีลักษณะทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ เช่น ผลงานย่อเรื่อง "ทำไม" อันโด่งดังของชูมันน์ จากวงจรเปียโน “Fantastic Pieces” คุณลักษณะบังคับของหลักการที่กล้าหาญในดนตรีนั้นมีความจำเป็นและเชิญชวนน้ำเสียง - โดยเฉพาะอย่างยิ่งเสียงที่สี่ที่เพิ่มขึ้นซึ่งเป็นเสียงสุดท้ายที่เน้นแบบเมตริก จริงอยู่ที่ต้นกำเนิดของมันไม่เพียงเกี่ยวข้องกับคำพูดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีทางการทหารและสัญญาณในเมืองด้วย (ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับเครื่องเป่าลมเป็นหลัก) เมื่อเข้าสู่ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีระดับมืออาชีพและสูญเสียฟังก์ชั่นที่ใช้ไป องค์ประกอบน้ำเสียงเหล่านี้ได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ แต่แก่นแท้ของการแสดงออกยังคงเหมือนเดิม - มันเป็นลวดลายที่สี่และสามอันทรงพลังที่กำหนดลักษณะของภาพหลัก (ผลกระทบ) ในบทเพลงที่กล้าหาญของละครโอเปร่าของอิตาลี ในเพลงปฏิวัติและเพลงสวดอันศักดิ์สิทธิ์ ใน Eroic Symphony ของ Beethoven และบทกวีไพเราะของ Richard Strauss Don Juan

ไม่ใช่ทุกเพลงที่แสดงความเชื่อมโยงโดยตรงกับน้ำเสียงพูด หากเป็นเช่นนั้น ความสามารถในการแสดงออกของเธอคงไม่กว้างนัก ตัวอย่างเช่นในธีมของเพลงองค์ประกอบคำพูดดูเหมือนจะละลายหายไปและมักจะไม่มีอยู่เลย - ในกรณีเช่นนี้ความสนใจของผู้ฟังจะถูกจับเป็นอันดับแรกด้วยแนวทำนองอันไพเราะความงามของการออกแบบ ความยืดหยุ่นของรูปแบบเสียงที่แปลกประหลาดและบางครั้งก็แปลกประหลาด นั่นคือโอเปร่า Cantilena ของอิตาลี (ตัวอย่างคลาสสิกคือ Cavatina ของ Norma จากโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกันของ V. Bellini) บทโคลงสั้น ๆ ของ Tchaikovsky หรือ Rachmaninov (จำการเคลื่อนไหวช้าๆของเปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 2 ของเขา)

น้ำเสียงในดนตรีมีความหมายที่แสดงออกบางอย่าง แต่ไม่เปิดเผยทุกแง่มุมของภาพลักษณ์ทางศิลปะและไม่สามารถมีบทบาทที่สร้างสรรค์และสร้างสรรค์ได้ ฟังก์ชั่นเหล่านี้สันนิษฐานโดยธีมดนตรี - หน่วยความหมายและสร้างสรรค์หลักของงานดนตรีใด ๆ ที่ไม่ได้ระบุด้วยทำนอง ทำนองไม่ว่าจะสำคัญแค่ไหนก็เป็นเพียงด้านหนึ่งของธีมเท่านั้น นอกจากนี้ยังมีผลงานที่ไม่มีทำนองในความหมายปกติของคำ: โหมโรงและโทคาตาของยุคบาโรก, บทนำของโอเปร่าของวากเนอร์ "Das Rheingold", ภาพไพเราะของ Lyadov "The Magic Lake", โหมโรงโดย Debussy หรือผลงานของนักแต่งเพลงสมัยใหม่ - O. Messiaen, K. Stockhausen , A. Schnittke และอีกหลายคน อย่างไรก็ตาม ไม่มีเพลงใดที่ไม่มีธีม แก่นเรื่องที่มีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและเป็นสากลที่สุดคือความสามัคคีทางดนตรีรูปแบบหนึ่งซึ่งทุกความหมายมีปฏิสัมพันธ์กัน การแสดงออกทางดนตรี: ทำนอง โหมดและความประสานเสียง มิเตอร์และจังหวะ เนื้อสัมผัส จังหวะดนตรี การบันทึก และองค์ประกอบทางโครงสร้าง แต่ละองค์ประกอบเหล่านี้มีคุณสมบัติเฉพาะที่มีอยู่ในตัวเท่านั้นและมีขอบเขตของกิจกรรมของตัวเองนั่นคือมันทำหน้าที่เป็นรูปเป็นร่างและองค์ประกอบบางอย่าง Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การตรัสรู้, 2524

เมโลดี้. ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เธออยู่ในอันดับหนึ่งในรายการของเรา “ ลำดับเสียงโมโนโฟนิกความคิดทางดนตรีโมโนโฟนิกที่แสดงออก” - นี่คือคำจำกัดความทางทฤษฎีของทำนอง แต่มีการตีความอื่น ๆ “เมโลดี้คือความคิด มันเป็นการเคลื่อนไหว มันเป็นจิตวิญญาณของดนตรี” โชสตาโควิชกล่าว Asafiev เสริมคำพูดของเขาอย่างสมบูรณ์แบบ: "เมโลดี้เป็นและยังคงเป็นการแสดงดนตรีที่โดดเด่นที่สุดและเป็นองค์ประกอบที่เข้าใจและแสดงออกได้มากที่สุด" แท้จริงแล้ว ตลอดเวลา ไม่มีสิ่งใดมีคุณค่าในหมู่นักดนตรีมากเท่ากับความสามารถในการแต่งทำนอง ในบรรดาองค์ประกอบทั้งหมดของภาษาดนตรี ไม่มีการจดจำอะไรนอกจากทำนองเพลง (ดังนั้น ทำนองของรอสซินีจึงผิวปากไปตามถนนโดยคนขับรถแท็กซี่และพ่อค้ารายย่อยในวันรุ่งขึ้นหลังจากการแสดงโอเปร่าของเขารอบปฐมทัศน์); ไม่มีอะไรส่งผลกระทบต่อความรู้สึกทางสุนทรีย์ของบุคคลโดยตรงและไม่มีอะไรที่จะสมบูรณ์ไปกว่าท่วงทำนองที่ฟื้นฟูภาพลักษณ์องค์รวมของงานดนตรีในจิตสำนึกของเรา แต่ทำนองไม่สามารถดำรงอยู่ได้ด้วยตัวเอง เสียงที่ประกอบขึ้นเป็นทำนองจะต้องจัดเป็นระบบบางอย่างซึ่งเรียกว่าทำให้ไม่สบายใจ (ให้เราจำความหมายอื่นของคำภาษารัสเซีย "หนุ่ม" - คำสั่งข้อตกลงการจัดเรียงที่สมเหตุสมผลและถูกต้อง)

การกระทำขององค์ประกอบทั้งหมดของโหมดได้รับการประสานงาน แต่ละองค์ประกอบมีการเชื่อมต่อตามหน้าที่กับองค์ประกอบอื่น ๆ: มีองค์ประกอบหลัก - ยาชูกำลังและองค์ประกอบรองลงไป ด้วยเหตุนี้แรงโน้มถ่วงจึงเกิดขึ้นในดนตรี - แรงดึงดูดและการผลักไสซึ่งทำให้เราได้ยินเสียงบางเสียงที่มั่นคง สงบ สมดุล และบางเสียงไม่เสถียร กำกับแบบไดนามิกและต้องการความละเอียด (เราจะไม่พบความคล้ายคลึงกับคุณสมบัติของสิ่งนี้ ดนตรีในศิลปะอื่นใดสามารถเปรียบได้กับแรงโน้มถ่วงสากลเท่านั้น) เสียงดนตรียังมีคุณสมบัติอีกอย่างหนึ่ง สามารถนำมารวมกันได้ไม่เพียงแต่ตามลำดับเท่านั้น แต่ยังพร้อมกันและสร้างชุดค่าผสมประเภทต่างๆ - ช่วงเวลา, คอร์ด สิ่งนี้ไม่ได้สร้างความรู้สึกขัดแย้งหรือไร้ความหมายซึ่งจะเกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้หากคนสองคนเริ่มพูดคุยกันโดยฉับพลัน ในทางตรงกันข้าม การผสมผสานเสียงและความสามารถในการได้ยินของเราในการจับภาพเป็นสิ่งที่สำคัญทำให้เกิดคุณสมบัติในการแสดงออกเพิ่มเติมของดนตรี ซึ่งที่สำคัญที่สุดคือความสามัคคี เรารับรู้การผสมผสานของเสียงในรูปแบบต่างๆ: ไม่ว่าจะเป็นความไพเราะ - ความสอดคล้อง (จากภาษาละติน - ข้อตกลง ความสอดคล้อง ความกลมกลืน) หรือไม่สอดคล้องกัน ขัดแย้งกันภายใน - ความไม่สอดคล้องกัน ตัวอย่างที่โดดเด่นองค์กรโหมดฮาร์โมนิก - คลาสสิกเมเจอร์หรือไมเนอร์ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานสำหรับดนตรีในยุคและสไตล์ต่างๆ ในโหมดเจ็ดขั้นตอนเหล่านี้ จุดศูนย์ถ่วงและองค์ประกอบหลักที่มีเสถียรภาพ ซึ่งรองลงมาคือขั้นตอน ช่วงเวลา และคอร์ดที่ไม่เสถียรคือ Tonic Triad (คอร์ดที่อยู่ในขั้นตอนแรกของโหมด) มือสมัครเล่นทุกคนที่รู้วิธีเล่นคอร์ด "ซิกเนเจอร์" สามคอร์ดบนกีตาร์จะคุ้นเคยกับพื้นฐานของระบบโทนเสียงคลาสสิก ได้แก่ โทนิค (T) ซับโดมิแนนต์ (S) และโดมิแนนต์ (D) ทรีแอด นอกจากโหมดเมเจอร์และไมเนอร์แล้ว ยังมีโหมดอื่นๆ อีกมากมาย เราพบมันในระบบดนตรีของโลกยุคโบราณใน เพลงโบราณในนิทานพื้นบ้านขอบเขตของพวกเขาได้รับการขยายอย่างมีนัยสำคัญโดยผลงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การตรัสรู้, 2524

ในสภาวะของความสามัคคี นั่นคือวิธีการจัดพื้นที่เสียง ความสามัคคีเกิดขึ้น ความกลมกลืนในความหมายปกติของคำนี้ถือกำเนิดในยุคบาโรกเท่านั้น มีรูปแบบที่ชัดเจนในผลงานของคลาสสิกเวียนนา และถูกนำไปสู่ความซับซ้อน ความซับซ้อน และความหลากหลายสูงสุดในดนตรีโรแมนติก ซึ่งทำให้ตำแหน่งผู้นำของทำนองสั่นคลอน ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ระบบใหม่มากมายของการจัดระเบียบโหมดฮาร์โมนิกเกิดขึ้น (ตัวอย่างเช่นในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์ Debussy และ Ravel, Messiaen หรือ Stravinsky) นักแต่งเพลงบางคน - ในหมู่พวกเขา Rachmaninov และ Myaskovsky - ยังคงซื่อสัตย์ต่อหลักการคลาสสิก - โรแมนติกและศิลปินเช่น Prokofiev หรือ Shostakovich ก็สามารถผสมผสานประเพณีและนวัตกรรมอย่างเป็นระบบในสาขาฮาร์มอนิกได้ หน้าที่ของความสามัคคีนั้นมีความหลากหลายและมีความรับผิดชอบมาก ประการแรก มันให้การเชื่อมโยง "แนวนอน" ของความสอดคล้องในงานดนตรี นั่นคือมันเป็นหนึ่งในตัวนำหลักของเวลาทางดนตรี ด้วยการเปลี่ยนแปลงของเสียงพยัญชนะที่เสถียรและไม่เสถียร พยัญชนะและไม่สอดคล้องกัน เรารู้สึกถึงช่วงเวลาของความตึงเครียดที่สะสมเพิ่มขึ้นและลดลง - นี่คือลักษณะที่คุณสมบัติการแสดงออกและไดนามิกของความสามัคคีปรากฏออกมา ประการที่สอง ความกลมกลืนสร้างความรู้สึกของสีเสียง เนื่องจากสามารถนำแสงที่ละเอียดอ่อนและการไล่สีมาสู่ดนตรี สร้างเอฟเฟกต์ของการวางจุดที่มีสีสันที่วางชิดกัน และการเปลี่ยนความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ของสีที่ละเอียดอ่อนได้อย่างราบรื่น ในยุคที่แตกต่างกันผู้แต่งที่แตกต่างกันแสดงคุณสมบัติบางอย่างของความสามัคคีที่แตกต่างกัน: คลาสสิกให้ความสำคัญกับมันประการแรกคือความสามารถในการเชื่อมโยงประสานเสียงอย่างมีเหตุผลเปิดใช้งานกระบวนการพัฒนาดนตรีและสร้างองค์ประกอบ (ซึ่งแสดงออกมาอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบโซนาต้า) ; ความโรแมนติกได้เสริมสร้างบทบาทของคุณสมบัติความสามัคคีที่แสดงออกทางอารมณ์อย่างมีนัยสำคัญแม้ว่าพวกเขาจะไม่แยแสกับความฉลาดของเสียงก็ตาม นักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ดื่มด่ำไปกับสีสันของเสียงอย่างสมบูรณ์ - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ชื่อของการเคลื่อนไหวนี้เกี่ยวข้องโดยตรงกับการเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในภาพวาดของยุโรป

การแสดงคุณสมบัติการแสดงออกของโหมดนั้นมีความหลากหลายมาก คีย์เมเจอร์และไมเนอร์ที่คุ้นเคยมีความหมายแฝงทางอารมณ์และสีสันที่ชัดเจน: คีย์เมเจอร์ฟังดูเบา จังหวะและสัมพันธ์กับภาพที่สนุกสนานและสดใส ในขณะที่เพลงที่เขียนด้วยไมเนอร์คีย์ ตามกฎแล้วจะมีสีหม่นหมองและเกี่ยวข้องกับ การแสดงอารมณ์เศร้า เศร้าโศก หรือโศกเศร้า เรารับรู้โทนเสียงทั้ง 24 โทนที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง แม้แต่ในยุคบาโรกพวกเขาก็มีความหมายเชิงสัญลักษณ์พิเศษซึ่งยังคงอยู่กับพวกเขามาจนถึงทุกวันนี้ ดังนั้น C major จึงเกี่ยวข้องกับแสงสว่าง ความบริสุทธิ์ และความเปล่งประกายของจิตใจอันศักดิ์สิทธิ์ D major เหมาะที่สุดที่จะแสดงความรู้สึกยินดีและชัยชนะ - นี่คือกุญแจสำคัญของพิธีมิสซาอันศักดิ์สิทธิ์ของ Beethoven ซึ่งเป็นบทเพลงที่สนุกสนานและน่ายกย่องของเพลง High Mass ของ Bach เช่น "Gloria" ("Glory") หรือ "Et resurrexit" ("And ลุกขึ้น"); B minor เป็นขอบเขตของภาพที่โศกเศร้าและโศกเศร้า Bach ใช้โทนสีนี้ในจำนวนมวลเหล่านั้นโดยที่ เรากำลังพูดถึงเกี่ยวกับการเสียสละและการทนทุกข์ของพระเยซู

ดังนั้นโหมดและความกลมกลืนจึงรับประกันการมีอยู่ของดนตรีในพื้นที่เสียง แต่ดนตรีเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงนอก "แกนพิกัด" ที่สอง - เวลาดนตรีซึ่งมีหน่วยวัด จังหวะ และจังหวะ มิเตอร์แตก เวลาดนตรีเป็นส่วนเท่า ๆ กัน - ส่วนแบ่งเมตริกซึ่งกลายเป็นมูลค่าไม่เท่ากัน: มีส่วนสนับสนุน (แข็งแกร่ง) และไม่สนับสนุน (อ่อนแอ) ในองค์กรเช่นนี้ การเปรียบเทียบกับบทกวีไม่ใช่เรื่องยาก - นี่เป็นการยืนยันความสัมพันธ์อันลึกซึ้งของศิลปะทั้งสองอีกครั้ง เช่นเดียวกับในบทกวี ในดนตรีมีจังหวะสองและสามจังหวะซึ่งส่วนใหญ่กำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวและแม้กระทั่ง คุณสมบัติประเภทงานอย่างใดอย่างหนึ่ง ดังนั้น เครื่องวัดแบบสามจังหวะซึ่งมีการเน้นเสียงจังหวะแรกช่วยให้เราจำเพลงวอลทซ์ได้ และการสลับระยะเวลาที่สม่ำเสมอในสภาพแวดล้อมแบบสองจังหวะช่วยให้เราจับจุดเริ่มต้นของการเดินขบวนได้ อย่างไรก็ตาม มิเตอร์เป็นเพียงพื้นฐานเท่านั้น เป็นเพียงตารางหรือผืนผ้าใบที่ใช้รูปแบบจังหวะเท่านั้น เป็นจังหวะที่สื่อถึงแนวเพลงเฉพาะเจาะจงและให้ความเฉพาะตัวกับทำนองต่างๆ ความสำคัญของจังหวะแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเภทการเต้นรำต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทมีสูตรจังหวะพิเศษ ด้วยจังหวะแม้ไม่ได้ยินทำนอง คุณก็สามารถแยกแยะเพลงวอลทซ์จากมาซูร์กา การเดินขบวนจากลาย โบเลโรจากโพโลเนสได้อย่างไม่ผิดเพี้ยน

ความสำคัญอย่างยิ่งมีจังหวะในดนตรี - นั่นคือความเร็วของการแสดงซึ่งขึ้นอยู่กับความถี่ของการสลับจังหวะของเมตริก เทมโพสที่ช้า เร็ว และปานกลางไม่เพียงเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวประเภทต่างๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงออกด้วย ตัวอย่างเช่น เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการถึงความโรแมนติค-สง่างามในจังหวะเร็ว หรือคราโคเวียกในจังหวะอาดาจิโอ Tempo มีผลกระทบอย่างมากต่อ "ความโน้มเอียงของประเภท" - มันเป็นธรรมชาติของการเคลื่อนไหวที่ช้าที่ทำให้สามารถแยกแยะการเดินขบวนงานศพจากการเดินขบวนเจาะหรือการเดินขบวนของ Scherzo และการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงมากขึ้นในจังหวะสามารถคิดใหม่เกี่ยวกับแนวเพลงได้อย่างสมบูรณ์ - หัน เพลงวอลทซ์ที่โคลงสั้น ๆ ช้า ๆ กลายเป็น scherzo ที่เวียนหัว และบทเพลงที่กล้าหาญกลายเป็นเพลงคู่บารมี - ซาราแบนด์ที่น่าประทับใจ จังหวะและมิเตอร์มักมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพลักษณ์ทางดนตรี ลองเปรียบเทียบทั้งสองกัน ผลงานที่มีชื่อเสียงโมซาร์ท - ธีมของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ 40 และเพลงของ Pamina จากองก์ที่สองของโอเปร่า "The Magic Flute" มีพื้นฐานมาจากน้ำเสียงที่เหมือนกันของการร้องเรียน - lamento ซึ่งใช้โทนสีที่หรูหราใน G minor ดนตรีในช่วงแรกของซิมโฟนีนั้นคล้ายกับคำพูดที่ตื่นเต้นซึ่งมีความรู้สึกหลั่งไหลออกมาโดยตรงทำให้เกิดความรู้สึกเคารพและเกือบจะโรแมนติก เนื้อเพลงของเพลงนั้นเศร้าโศก ลึกล้ำ สิ้นหวัง ราวกับถูกจำกัดจากภายใน แต่เต็มไปด้วยความตึงเครียดที่ซ่อนเร้น ในเวลาเดียวกันอิทธิพลที่เด็ดขาดต่อลักษณะของภาพโคลงสั้น ๆ นั้นกระทำโดยจังหวะ: ในกรณีแรกเร็วและประการที่สองช้าเช่นเดียวกับขนาด: ในซิมโฟนี - สองจังหวะด้วย ลวดลาย iambic มุ่งตรงไปยังจังหวะที่หนักแน่นของจังหวะในเพลงของ Pamina - ด้วยการเต้นเป็นจังหวะสามจังหวะ นุ่มนวลและลื่นไหลมากขึ้น

วิธีการแสดงออกทางดนตรี เช่น ทำนอง จังหวะเมตร โหมด และความประสานเสียง จะต้องได้รับการประสานและจัดระเบียบในลักษณะใดลักษณะหนึ่ง และจะต้องค้นหารูปแบบ "วัสดุ" บางอย่าง เนื้อสัมผัสในดนตรีมีส่วนรับผิดชอบในเรื่องนี้ ซึ่งสามารถกำหนดเป็นประเภทของการนำเสนอได้ วัสดุดนตรีเป็นวิธีการสร้างผ้าดนตรี มีเนื้อสัมผัสที่หลากหลายมาก เราจะเน้นเพียงสองหลักการที่สำคัญที่สุดในการจัดโครงสร้างดนตรี - โพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิก ครั้งแรกเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการรวมกันของเสียงไพเราะที่เป็นอิสระหลายเสียง หากมีการใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องเดียวกันในทุกเสียงสลับกันหรือมีการทับซ้อนกันบางส่วนก็จะมีการเลียนแบบพฤกษ์ - พื้นผิวประเภทนี้มีชัยเหนือดนตรีประสานเสียงทางโลกและคริสตจักรในยุคเรอเนซองส์ซึ่งมีการนำเสนออย่างกว้างขวางในผลงานของปรมาจารย์แห่งพฤกษ์ของ ยุคบาโรก โดยเฉพาะในความทรงจำของบาคและฮันเดล หากท่วงทำนองที่แตกต่างกันรวมกันในแนวตั้ง เรากำลังเผชิญกับพฤกษ์ที่ตัดกัน ดนตรีไม่แพร่หลายเท่าการลอกเลียนแบบ แต่พบได้ในผลงานส่วนใหญ่ ยุคที่แตกต่างกันและรูปแบบตั้งแต่ยุคกลางจนถึงปัจจุบัน ดังนั้นในทั้งสามคนของผู้บัญชาการ Don Giovanni และ Leporello จากโอเปร่าของ Mozart เรื่อง Don Giovanni ผู้เข้าร่วมแต่ละคนรู้สึกท่วมท้นไปด้วยความรู้สึกของตัวเองดังนั้นส่วนเสียงร้องของฮีโร่ที่รวมกันเป็นวงดนตรีโพลีโฟนิกจึงมีความแตกต่างกันอย่างชัดเจน ซึ่งกันและกัน: ความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานแสดงออกมาในวลีโศกเศร้าของผู้บัญชาการ ความสงสารและความกลัวอันหนาวเหน็บต่อความตายรวมอยู่ในท่วงทำนองที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของ Don Giovanni และ Leporello ผู้ขี้ขลาดพึมพำลิ้นของเขาด้วยเสียงต่ำ พื้นผิวประเภทที่สอง - โฮโมโฟนี - หมายถึงการมีอยู่ของเสียงอันไพเราะและเสียงประกอบ นอกจากนี้ยังมีตัวเลือกต่างๆ ให้เลือกตั้งแต่โครงสร้างคอร์ดธรรมดาๆ ที่เสียงบนของคอร์ด (Bach chorales) เล่นบทบาทอันไพเราะ ไปจนถึงทำนองที่พัฒนาแล้วและเป็นรายบุคคล (เพลงกลางคืนของโชแปง, โหมโรงของ Rachmaninov) Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การตรัสรู้, 2524

ทุกสิ่งที่มีการพูดคุยกันจนถึงตอนนี้ถือเป็นพื้นฐานของดนตรี แต่จะมีอยู่เฉพาะบนกระดาษดนตรีเท่านั้นจนกว่าจะรวมเป็นเสียง เพราะเสียงเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้สำหรับการดำรงอยู่ของศิลปะดนตรี เสียงเกิดขึ้นได้อย่างไร ดนตรีสื่อความหมายต่อผู้ฟังได้อย่างไร? ความลับนี้อยู่ในขอบเขตพิเศษของวิธีการแสดงออก - โลกทั้งใบของเสียงต่ำ เสียงของมนุษย์และเครื่องดนตรีต่างๆ เช่น เครื่องเป่าลมไม้ เครื่องทองเหลือง เครื่องสาย และเครื่องเพอร์คัชชัน ช่วยให้ดนตรีมีชีวิตชีวาและมีสีสันอันน่าทึ่ง ปรากฏทั้งแบบเดี่ยวๆ และแบบผสมกันนับไม่ถ้วน ซึ่งแต่ละชนิดมีคุณสมบัติและรสชาติที่แสดงออกเป็นพิเศษ การร้องเดี่ยวเผยให้เห็นความแตกต่างทางอารมณ์ที่ดีที่สุด และความดังแบบ "ปูนเปียก" ที่ยิ่งใหญ่ของคณะนักร้องประสานเสียงแบบผสมสามารถสั่นคลอนห้องใต้ดินของมหาวิหารและคอนเสิร์ตฮอลล์ เสียงของวงเครื่องสายที่น่าทึ่งในความอบอุ่นและความสามัคคีของเสียงต่ำสร้างความประทับใจให้กับความเป็นพลาสติกและความคมชัดของเส้นกราฟิก เครื่องเป่าลมไม้ที่มีหลายเสียงดึงดูดใจด้วยความโปร่งใสของสีน้ำและความชัดเจนของสี

ความแตกต่างของเสียงและเครื่องดนตรีถูกสังเกตเห็นโดยผู้แต่งเมื่อนานมาแล้ว โซโลที่เต็มไปด้วยอารมณ์ เช่นเดียวกับธีมของการเคลื่อนไหวช้าๆ ของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี มักถูกกำหนดให้เป็นโอโบ ความสง่างามที่ยอดเยี่ยมและโปร่งใสเย็นชานั้นเกิดขึ้นได้อย่างสมบูรณ์แบบด้วยฟลุต - ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ Rimsky-Korsakov ใช้มันโดยแสดงถึงความสวยงาม แต่ไร้ความอบอุ่นของมนุษย์ Snow Maiden; เสียงของธรรมชาติตามธรรมเนียมกลายเป็นเสียงเรียกของแตร (ให้เราจำได้ว่าในการแปลจากภาษาเยอรมันคำนี้หมายถึง "เขาป่า" - เขาเป็นผู้แสดงธีมอภิบาลในการทาบทามของเวเบอร์กับโอเปร่า "Oberon" และ "Free Shooter" ); ภาพที่อันตรายและเป็นลางร้ายนั้นสัมพันธ์กับเครื่องดนตรีทองเหลืองอย่างสม่ำเสมอ และความรู้สึกอบอุ่นทางจิตวิญญาณและการแสดงออกทางอารมณ์ที่เล็ดลอดออกมาจากเครื่องสาย (จำธีมด้านข้างที่มีชื่อเสียงของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ 6 ของไชคอฟสกี)

สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด ส่วนใหญ่ไม่มีอยู่ด้วยตัวมันเอง ดังนั้น ทำนองจึงคิดไม่ถึงหากไม่มีจังหวะและโหมด ความกลมกลืนไม่สามารถเกิดขึ้นได้หากไม่มีโหมดและพื้นผิว และจังหวะแม้จะเป็นอิสระมากกว่าองค์ประกอบอื่น ๆ ทั้งหมด แต่ก็เป็น "มิติเดียว" และปราศจาก แก่นแท้ของดนตรี - เสียง ความเชื่อมโยงของการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบถูกเปิดเผยอย่างแท้จริงในทุกขั้นตอน อันที่จริง เป็นการยากที่จะจดจำแม้กระทั่งทำนองที่คุ้นเคยจากเสียงเพียงลำดับเดียวที่เล่นในจังหวะและจังหวะที่กำหนดเอง ลองเปรียบเทียบกันดู - ให้เป็นธีมของ Chernomor จาก Ruslan และ Lyudmila ของ Glinka ซึ่งเป็นเพลงประกอบของหอกของ Wotan จาก Ring of the Nibelung ของ Wagner และธีม pas de deux จากบัลเล่ต์ The Nutcracker ท่วงทำนองของพวกเขาเกือบจะเหมือนกัน - ทั้งหมดแสดงถึงระดับจากมากไปน้อยที่ง่ายที่สุด แต่อะไรที่ทำให้ธีมเหล่านี้แตกต่างออกไป - จนถึงจุดที่หนึ่งในนั้นรวบรวมพลังแห่งความชั่วร้าย อีกอันเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะแห่งความรักและความดี และประการที่สามแสดงถึงความคิดที่เป็นนามธรรมโดยสิ้นเชิง ประเด็นทั้งหมดก็คือ ท่วงทำนองเดียวกันนั้นถูกวางไว้ในสภาวะเมโทร-ริธึม โหมด-ฮาร์โมนิก เนื้อสัมผัส และจังหวะที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง: โหมดโทนเสียงทั้งหมดที่ผิดปกติและฟังดูแปลกตา จังหวะดั้งเดิมในความสม่ำเสมอ และ tutti ออร์เคสตราที่น่ากลัวที่มีความโดดเด่น ทองแดงประกอบขึ้นเป็นแก่นแท้ของธีมพ่อมดชั่วร้าย การใช้สีที่รุนแรงของผู้เยาว์ตามธรรมชาติ จังหวะการเดินแบบประ การนำเสนอที่พร้อมเพรียงกันของนักพรต และสีเสียงต่ำของสายต่ำและเครื่องดนตรีทองเหลือง เป็นตัวกำหนดลักษณะของเพลงประกอบของ Wagner สีสันหลักที่สว่างไสว สีสันที่สดใส และความสามัคคีที่ไม่มั่นคงในจังหวะที่ลดลง ความเป็นพลาสติกที่เป็นจังหวะ และเสียงเครื่องสายที่อบอุ่นและเต็มอิ่ม ทำให้สเกลที่เรียบง่ายเป็นหนึ่งในธีมโคลงสั้น ๆ ที่สวยงามที่สุดของไชคอฟสกี Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การตรัสรู้, 2524

ตอนนี้เราได้ตรวจสอบองค์ประกอบต่างๆ ของภาษาดนตรีแล้ว และเห็นความซับซ้อนและความหลากหลายของการเชื่อมโยงกันแล้ว ต้องจำไว้ว่าสิ่งเหล่านี้เป็นเพียงวิธีการในการแสดงภาพลักษณ์ทางศิลปะเท่านั้น แต่ในงานศิลปะชั่วคราว ภาพไม่เคยไม่เปลี่ยนแปลง แม้แต่การแสดงก็ยังต้องใช้เวลา หากมีภาพหลายภาพ ทั้งพวกเขาและผู้ฟังในการรับรู้ล้วนต้องการแรงบางอย่างที่จัดระเบียบวิธีการแสดงออกทั้งชุดในกระแสชั่วขณะ งานนี้ทำในดนตรีตามรูปแบบ ความยากในการทำความเข้าใจซึ่งรุนแรงขึ้นเนื่องจากความจริงที่ว่าจะเข้าใจได้เฉพาะในขณะที่แสดงผลงานดนตรีเท่านั้น ในด้านหนึ่ง รูปแบบ คือ องค์ประกอบหรือโครงสร้างของงานซึ่งเชื่อมโยงทุกส่วนเข้าด้วยกัน ข้อดีของงานดนตรีมักถูกตัดสินโดยความกลมกลืนและความสมดุลของการเรียบเรียงโดยความสัมพันธ์ที่กลมกลืนระหว่างส่วนต่างๆ และทั้งหมด Glinka กล่าวว่า "รูปแบบหมายถึงความงาม" ไม่ใช่เพื่ออะไร ในขณะเดียวกัน รูปแบบก็เป็นหนึ่งในการแสดงออกถึงธรรมชาติขั้นตอนของดนตรีในระดับสูงสุด สะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงของภาพดนตรี เผยให้เห็นความแตกต่างหรือความเชื่อมโยง การพัฒนาหรือการเปลี่ยนแปลง มีเพียงการยอมรับรูปแบบดนตรีโดยรวมเท่านั้นที่เราจะสามารถเข้าใจตรรกะของการพัฒนาภาพลักษณ์ทางศิลปะและแนวทางความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่งได้

เมื่อพูดถึงวิธีการและรูปแบบของการแสดงออกในดนตรี เราควรจำไว้ว่าด้วยระดับที่สำคัญของการประชุม เราสามารถพิจารณาผลรวมของพวกเขาเป็นหนึ่งเดียว ภาษาศิลปะ. ในความเป็นจริง ผู้แต่งแต่ละคนพูดภาษาของตัวเอง หรือค่อนข้างจะถูกชี้นำโดยกฎของเขาเอง สุนทรพจน์ทางดนตรี. และสิ่งนี้ทำให้ดนตรียังคงเป็นศิลปะที่มีชีวิตชีวา เป็นธรรมชาติ และหลากหลายอย่างไร้ขีดจำกัด ราวกับว่าได้ดูดซับกระแสแห่งชีวิตทั้งหมด และสะท้อนและละลายประสบการณ์ของกิจกรรมทางจิตวิญญาณด้านอื่น ๆ ในรูปแบบที่เข้าใจได้ทางความรู้สึก อาจไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางคนเชื่อว่าดนตรีเป็นของชนชั้นสูงและต้องได้รับการฝึกอบรมพิเศษและแม้แต่ความสามารถตามธรรมชาติบางอย่างในการรับรู้ ในขณะที่บางคนมองว่าเป็นพลังที่สามารถมีอิทธิพลต่อเราเกินกว่าจิตสำนึกและประสบการณ์ อาจจะถูกต้องทั้งคู่ และนักดนตรีและนักเขียนที่ยอดเยี่ยม Romain Rolland พูดถูกอย่างแน่นอนเมื่อเขาพูดว่า: "ดนตรี ศิลปะที่ใกล้ชิดนี้ สามารถเป็นศิลปะสาธารณะได้เช่นกัน อาจเป็นผลจากสมาธิและความโศกเศร้าจากภายใน แต่ก็สามารถเป็นผลจากความสุขและความเหลื่อมล้ำได้เช่นกัน คนหนึ่งเรียกมันว่าสถาปัตยกรรมที่เคลื่อนไหว อีกอย่างคือจิตวิทยาเชิงกวี คนหนึ่งมองว่ามันเป็นศิลปะพลาสติกและเป็นทางการล้วนๆ ส่วนอีกคนหนึ่งเป็นศิลปะที่มีอิทธิพลทางจริยธรรมโดยตรง สำหรับนักทฤษฎีคนหนึ่ง แก่นแท้ของดนตรีอยู่ที่ทำนอง ส่วนอีกคนหนึ่งอยู่ในความกลมกลืน... ดนตรีไม่เข้ากันกับสูตรใดๆ นี่คือบทเพลงแห่งศตวรรษและดอกไม้แห่งประวัติศาสตร์ ซึ่งสามารถหล่อเลี้ยงได้ด้วยความโศกเศร้าและความสุขของมนุษย์” Aristarkhova L. ดนตรีพูดอย่างไรและอย่างไร?.. // ศิลปะ - 1 กันยายน: 2542 ฉบับที่ 7

1.2. ดนตรีและภาพวาด

ดนตรีมีอิทธิพลอย่างต่อเนื่องและยังคงมีอิทธิพลต่อศิลปะรูปแบบอื่น ๆ และตัวมันเองก็ได้รับอิทธิพลจากศิลปะเหล่านั้นด้วย ดนตรีไม่เพียงแต่แสดงออกเท่านั้น แต่ยังเลียนแบบและพรรณนาอีกทั้งยังสร้างปรากฏการณ์ของโลกรอบข้างขึ้นมาใหม่เป็นเสียง เช่น เสียงกรอบแกรบของป่า เสียงน้ำไหล เสียงฟ้าร้อง เสียงระฆังดัง และ ร้องเพลงของนก; เธอสามารถสะท้อนไม่เพียงแต่เสียงที่ได้ยินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิ่งที่มองเห็นได้ด้วย: แสงวาบของสายฟ้า, เอฟเฟกต์ Chiaroscuro, การเปลี่ยนรูปทรงนูน, ความลึกของอวกาศ และการเล่นสี ดังนั้น “นามธรรมที่สุดในบรรดาศิลปะทั้งหมด” จึงหมายถึงสาขาวิชาที่เฉพาะเจาะจงมาก ซึ่งถือเป็นสิทธิพิเศษของ “ทัศนศิลป์” และทัศนศิลป์ ดังนั้นความคล้ายคลึงระหว่างดนตรีและการวาดภาพที่เกิดขึ้นเช่นในสาขาประเภทต่างๆจึงห่างไกลจากความบังเอิญ: การวาดภาพ, แนวตั้ง, ร่าง, จิ๋ว, ภาพพิมพ์, อาหรับ - ทั้งหมดนี้เป็นแนวคิดที่มากับดนตรีจากวิจิตรศิลป์ และหยั่งรากที่นี่โดยธรรมชาติ บทประพันธ์ของ G. F. Handel เรื่อง "Israel in Egypt", บทประพันธ์ของ J. Haydn เรื่อง "The Creation of the World" และ "The Seasons", ซิมโฟนีลำดับที่ 6 ("Pastoral") ของ L. Beethoven, ภาพวาดดนตรีโดย N. A. Rimsky-Korsakov หรือโหมโรง C. Debussy - นี่เป็นเพียงตัวอย่างบางส่วนเท่านั้น " ภาพวาดดนตรี"(คำนี้ใช้เพื่อกำหนดดนตรีประเภทนี้ในศตวรรษที่ 18) แน่นอนว่า ภาพวาดดนตรีด้อยกว่าจิตรกรรมหรือประติมากรรมอย่างมากในแง่ของความชัดเจนและรายละเอียด แต่มีบทกวีที่ละเอียดอ่อนและเข้าใจยากที่สุดซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีเท่านั้น พวกเขาปล่อยให้จินตนาการทำงานซึ่งทำให้การรับรู้มีความสดใสและอารมณ์ ความเป็นธรรมชาติ หนังสือเรียนทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

ความเฉพาะเจาะจงของดนตรี "ความเป็นปัจเจกบุคคล" ของดนตรีสามารถระบุได้ชัดเจนที่สุดอย่างแม่นยำผ่านอิทธิพลซึ่งกันและกันเหล่านี้ ซึ่งบางครั้งก็ไปถึงระดับสูงสุดของการสร้างสายสัมพันธ์ระหว่างศิลปะชิ้นหนึ่งกับอีกชิ้นหนึ่ง และมันคือความสุดขั้วเหล่านี้เองที่ทำให้เกิดผลลัพธ์ที่น่าสนใจ ฟื้นฟู และสมบูรณ์ทางศิลปะมากที่สุด เรามาดูกันว่าเป็นอย่างไรในกรณีที่ดนตรีและภาพวาดมีอิทธิพลซึ่งกันและกัน

อิทธิพลของดนตรีและภาพวาดในฐานะรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระต่อกันเริ่มต้นจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตั้งแต่เวลานั้นเป็นต้นมา "การพรรณนา" ดนตรีสองประเภทหลักเกี่ยวกับโลกภายนอกได้ถือกำเนิดขึ้น อย่างแรกคือการเลียนแบบเสียงต่าง ๆ ในโลกแห่งความเป็นจริง - การร้องเพลงของนก, เสียงสะท้อน, เสียงหึ่งของผึ้งบัมเบิล, เสียงฟ้าร้องดังก้อง, เสียงระฆังดัง, เสียงกรอบแกรบของป่า ฯลฯ (เช่นนกไนติงเกล นกกาเหว่าและนกกระทาใน "Pastoral Symphony" ของ Beethoven ซึ่งเป็นการเลียนแบบเสียงสะท้อนในการประพันธ์โดย O. Lasso "Echo" ตอนไพเราะ "Flight of the Bumblebee" จากโอเปร่าของ N. A. Rimsky-Korsakov เรื่อง "The Tale of Tsar Saltan" ฯลฯ) หนังสือเรียนทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

ประเภทที่สองขึ้นอยู่กับการใช้การเชื่อมโยงระหว่างปรากฏการณ์เสียงและปรากฏการณ์ที่ไม่ใช่เสียง ดังนั้นจังหวะดนตรีเร็วและช้าจึงสอดคล้องกับจังหวะเร็วหรือช้า ก้าวช้าๆการเคลื่อนไหวจริง เสียงสูงหรือต่ำ - ตำแหน่งเชิงพื้นที่ของวัตถุหรือบุคคลตลอดจนน้ำหนักมวล การเคลื่อนไหวของสเกลจากล่างขึ้นบนหรือบนลงล่างสัมพันธ์กับการเคลื่อนไหวที่แท้จริงที่คล้ายกัน: เสียงและเครื่องดนตรี "i" mbres ทำให้เกิดความสัมพันธ์ของแสง: "แสง" (ไวโอลินและขลุ่ยในเสียงสูง โซปราโน) หรือ " มืด” (คลาริเน็ตเบส, บาสซูน, ดับเบิลเบส ), “ มันเงา” (ทรัมเป็ต) หรือ“ ด้าน” (คลาริเน็ต) ในบางกรณีเสียงยังสามารถเชื่อมโยงกับสีได้ (ปรากฏการณ์ของ "การได้ยินด้วยสี" ซึ่ง - " หลังจากนั้นเล็กน้อย) “สมาคมประเภทนี้มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในด้านต่างๆ ภาพยนตร์ดนตรีรุ่งอรุณ (“ รุ่งอรุณบนแม่น้ำมอสโก” โดย M. P. Mussorgsky จุดสิ้นสุดของภาพวาดที่สองของ“ Eugene Onegin” โดย P. Tchaikovsky) รูปภาพของเปลวไฟที่ลุกโชน (“ Proms-tei” และบทกวี“ To the Flame” โดย A. N. Scriabin บางครั้งผู้แต่งด้วยความช่วยเหลือจากการเชื่อมต่อที่เชื่อมโยงอย่างละเอียดอ่อนพยายามสร้างรูปลักษณ์ของบุคคล ("หญิงสาวผมสีผ้าลินิน" โดย C. Debussy) กลิ่น ("กลิ่นหอมลอยอยู่ใน "อากาศยามเย็น" โดย C. Debussy) (1) การสร้างภาพดนตรีของแต่ละบุคคลประเภทที่เป็นพื้นฐานทางดนตรี; เพลงโปรแกรมที่ดี “การเขียนโปรแกรม” ทางดนตรีและภาพมีการนำเสนออย่างกว้างขวางในผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกและอิมเพรสชั่นนิสต์ทุกคน

ให้เรายกตัวอย่างผลงานดนตรีโรแมนติกชิ้นหนึ่งโดย F. Liszt "The Thinker" จากวงจร "The Years of Wanderings" สำหรับศิลปินแนวโรแมนติกอย่างที่เราจำได้คืองานศิลปะ : - นี่คือไดอารี่โคลงสั้น ๆ ซึ่งเป็น "ภาพเหมือน" ของจิตวิญญาณของเขาซึ่งรวบรวม โลกที่ซับซ้อนความรู้สึกที่ขัดแย้งกัน ดังนั้นผู้แต่งจึง“ ตามกฎแล้วไม่ได้พยายามดิ้นรนเพื่อการเปรียบเทียบภาพภายนอก งานของเขาคือการถ่ายทอดความประทับใจของงานประติมากรรมหรือภาพและประสบการณ์ที่พวกเขาสร้างขึ้น นี่คือ "นักคิด" โดย F. Liszt

ผู้แต่งถ่ายทอดความประทับใจของรูปปั้นของ Michelangelo ที่ตั้งอยู่ในโบสถ์เมดิชิ โบสถ์ซานลอเรนโซในการวาดภาพ ลอเรนโซ เมดิชี่, ดยุคแห่งอูร์บช. มีภาพดยุคนั่งอยู่ในท่าครุ่นคิดและก้มศีรษะ เขาสวมชุดเกราะอัศวินและเสื้อคลุมดยุค ท่าทางของรูปปั้นแสดงถึงความรอบคอบ สมาธิ และการหมกมุ่นอยู่กับตนเอง ลิซท์ถ่ายทอดสถานะนี้ในดนตรี

ควรเพิ่มว่าการก่อตัวของแผนของผู้แต่งยังได้รับอิทธิพลจากรูปปั้นอีกชิ้นของ Michelangelo - ร่างเชิงเปรียบเทียบของ "กลางคืน" ซึ่งตั้งอยู่ (พร้อมกับร่างของ "รุ่งอรุณ", "วัน", "ทไวไลท์") ในเวลาเดียวกัน โบสถ์ นี่เป็นหลักฐานจากความจริงที่ว่าหลังจากนั้นไม่นาน Liszt ได้สร้างบทละคร "The Thinker" ในเวอร์ชันออเคสตรา แต่เรียกมันว่า "Night" นอกจากนี้ในหน้าชื่อเรื่องของบทละคร "The Thinker" ฉบับพิมพ์ครั้งแรกยังมีคำบรรยาย: บทกวีของ Michelangelo ที่อุทิศให้กับประติมากรรม "Night" คำแนะนำการศึกษาทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

ฝันหวานสำหรับฉัน และหวานยิ่งกว่าเป็นหิน! ในช่วงเวลาแห่งความอับอายและการล้มลง การไม่ได้ยิน การไม่มองเป็นเพียงความรอดเท่านั้น เงียบไว้เพื่อไม่ให้ฉันตื่น

ดังนั้น วงกลมของภาพที่เป็นตัวกำหนดแนวคิดทางอุดมการณ์ของบทละครคือถั่วเหลือง ความรอบคอบ การจมอยู่ในความคิด แก่นสารของรัฐเหล่านี้คือความตายซึ่งสมบูรณ์และสละสิทธิ์จากโลกภายนอกโดยสมบูรณ์ (ท้ายที่สุดแล้ว ประติมากรรมทั้งสองชิ้นก็เป็นส่วนหนึ่งของหลุมฝังศพที่ซับซ้อน) ในบทกวี รัฐเหล่านี้ขัดแย้งกับความเป็นจริงที่ไม่น่าดู

แนวคิดโรแมนติกนี้เกิดขึ้นได้อย่างไรในดนตรี?

ลักษณะเศร้าโศกทั่วไปของภาพถ่ายทอดผ่านคีย์รอง (C ชาร์ปรอง) และเสียงอู้อี้และเงียบ สถานะของข้อ จำกัด และการจมอยู่ในความคิดนั้นถ่ายทอดโดยธรรมชาติของท่วงทำนอง: จาก 17 เสียงของธีมมีสิบสี่เสียงซ้ำเสียง "mi" เดียวกัน ดนตรีสร้างอะนาล็อกทางอารมณ์ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของประติมากรรมซึ่งเสริม ลึกซึ้งและพัฒนามัน

เปิดหน้าใหม่แห่งปฏิสัมพันธ์ระหว่างดนตรีและวิจิตรศิลป์ อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรี. การพัฒนาโปรแกรมภาพเพิ่มเติม นักแต่งเพลงบทกวี (C. Debussy, M. Ravel, P. Dukas, F. Shmint. J. Roger-Ducas ฯลฯ ) ประสบความสำเร็จในการถ่ายโอนความละเอียดอ่อน สภาพจิตใจเกิดจากการพิจารณาโลกภายนอก ความไม่แน่นอนและความละเอียดอ่อนของอารมณ์ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ที่ไม่แน่นอน ได้รับการเติมเต็มในดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วยการบันทึกเสียงที่ดีที่สุด ศูนย์รวมของแนวคิดใหม่และทั่วไปสำหรับศิลปะดนตรีจำเป็นต้องมีรูปแบบใหม่ “ Symphonic Sketches-Dawn-Scoops” ถือกำเนิดขึ้นโดยผสมผสานความนุ่มนวลของสีน้ำของการวาดภาพเสียงเข้ากับความลึกลับเชิงสัญลักษณ์ของอารมณ์ ในเพลงเปียโน - โปรแกรมย่อขนาดที่ถูกบีบอัดเท่ากันโดยใช้เทคนิคพิเศษของเสียง "การสะท้อน" และการวาดภาพทิวทัศน์ ... "

ตัวอย่าง เพลงเปียโนอิมเพรสชันนิสม์สามารถให้บริการได้โดยบทละครของ M. Ravel เรื่อง "The Play of Water" (1902) ตามที่ผู้แต่งเขียนเอง ละครเรื่องนี้ได้รับแรงบันดาลใจจาก “เสียงน้ำและเสียงดนตรีอื่นๆ ที่ได้ยินในน้ำพุ น้ำตก และลำธาร” การใช้เทคนิคการเล่นเปียโนอัจฉริยะของประเพณี Lisztov ซึ่งได้รับการปรับปรุงด้วยจิตวิญญาณแห่งอิมเพรสชั่นนิสม์ผู้แต่งสร้าง "ภาพของการเล่นน้ำอย่างสงบโดยไม่แยแสต่อโลก ความรู้สึกของมนุษย์แต่สามารถโน้มน้าวพวกมันได้ - เพื่อกล่อมและกอดรัดหู” ดนตรีจะไหลไปในเสียงของข้อความและโทนสีของอาร์เพจจิโอ เช่น เสียงพึมพำของน้ำ หรือตกเหมือนหยดด้วยเสียงของทำนองเพนทาโทนิกอันไพเราะ (นั่นคือ ประกอบด้วยห้าเสียง)

อิทธิพลของดนตรีที่มีต่อทัศนศิลป์ได้เพิ่มคุณค่าให้กับวัฒนธรรมศิลปะของโลกโดยให้ผลลัพธ์ที่น่าสนใจไม่น้อย อิทธิพลนี้ดำเนินไปในสามทิศทางหลัก

ประการแรก เป็นแบบทั่วไปและกว้างที่สุด ใช้ดนตรีเป็นธีมของการวาดภาพและประติมากรรม .ภาพเครื่องดนตรีและคนเล่นเครื่องดนตรีมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ในบรรดาผลงานประเภทนี้ก็มีของแท้อยู่ด้วย ผลงานชิ้นเอกเช่น "Rural Concert" โดย Giorgione, "The Guitarist" และ "The Savoyard with a Marmot" โดย Watteau, "Apollo, Hyacinth และ Cypress มีส่วนร่วมในดนตรีและการร้องเพลง" โดย A. Ivanov เป็นต้น นอกเหนือจาก ข้อดีของภาพที่แท้จริง (เช่นในกรณีของภาพวาดที่ระบุไว้) รูปภาพของเครื่องดนตรีและนักดนตรีสามารถมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และสารคดีได้ เพราะบ่อยครั้งนี่เป็นข้อมูลเพิ่มเติม และบางครั้งก็เป็นเพียงแหล่งข้อมูลเดียวเกี่ยวกับดนตรี

ทิศทางที่สองของอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อทัศนศิลป์รวบรวมความพยายามที่จะถ่ายทอดความประทับใจของงานดนตรีเฉพาะในงานภาพหรืองานประติมากรรม ในกรณีส่วนใหญ่ สิ่งเหล่านี้คือภาพประกอบสำหรับเพลงที่เกี่ยวข้องกับข้อความ นี่คือวงจรกราฟิกของศิลปินชาวเยอรมัน A. Richter และ Czech M. Alesh ที่รวบรวมภาพของเพลงพื้นบ้านภาพประกอบโดย F. Hass สำหรับเพลงของ F. Schubert, M. Klinger สำหรับเพลงของ J. Brahms ฯลฯ อิทธิพลของดนตรีในงานประเภทนี้แสดงออกมาในจังหวะการเรียบเรียงและสีสันของภาพ ดังนั้นในภาพวาดของ M. Schwindt เรื่อง "The Forest King" ที่เขียนขึ้นภายใต้ความประทับใจของเพลงบัลลาดที่มีชื่อเดียวกันของ F. Schubert ทั้งจังหวะของการแข่งขันยามค่ำคืนที่ดุเดือดและความสยองขวัญในการมองเห็นตอนกลางคืนจึงถ่ายทอดได้อย่างน่าเชื่อถือ

สถานที่พิเศษในบรรดาภาพประกอบดนตรีถูกครอบครองโดยวงจรกราฟิก "Fantasy on Themes of Brahms" (1894) โดยศิลปินชาวเยอรมัน M. Klinger ความเป็นเอกลักษณ์ของวัฏจักรนี้ถูกกำหนดโดยข้อเท็จจริงที่ว่ามันไม่เพียงแสดงถึงความพยายามที่จะรวบรวมดนตรีไว้ในภาพกราฟิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความพยายามที่จะสร้างการสังเคราะห์กราฟิกเชิงศิลปะและสัญลักษณ์ทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งเทียบเท่ากับเสียงดนตรี วงจรภาพรวมอยู่ในคอลเลกชันบันทึกที่มีผลงานของบราห์มส์และรวมเป็นหนึ่งเดียวกับเขา ดนตรีและ งานกราฟิกเสริมและแสดงร่วมกันโดยสรุปวงกลมของภาพและแนวคิดร่วมกัน

ทิศทางที่สามของอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อวิจิตรศิลป์นั้นเกี่ยวข้องกับความปรารถนาของศิลปินที่จะใช้ลักษณะจังหวะการประพันธ์และการจัดรูปแบบของเสียงดนตรีเมื่อสร้างภาพวาด ในขณะเดียวกัน อิทธิพลซึ่งกันและกันของศิลปะทั้งสองก็เกิดขึ้นในระดับที่ลึกซึ้งและสำคัญยิ่งขึ้น

นับเป็นครั้งแรกที่สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนและมีประสิทธิภาพที่สุดในยุคแห่งความโรแมนติกด้วยความปรารถนาที่จะผสมผสานศิลปะ ภาพวาดโรแมนติกกลายเป็น "ดนตรี" มากขึ้น: การวาดภาพและสีสันเริ่มทำหน้าที่ไม่มากนักในการพรรณนาสิ่งต่าง ๆ สัตว์ ผู้คนอย่างแม่นยำ แต่เป็นศูนย์รวมของแก่นแท้ภายในอารมณ์และจิตวิญญาณ ในภาพวาด สีของมัน และ สารละลายผสมความสามารถในการสร้างความประทับใจด้วยสีและเส้นราวกับเป็นของตัวเอง ค่อนข้างเป็นอิสระจากหรือเพิ่มเติมจากภาพ หลักการวาดภาพประดับจังหวะและมีสีสันมีความเข้มข้นมากขึ้น

โดยเฉพาะอย่างยิ่งนี่คือภาพวาดของหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของแนวโรแมนติกในการวาดภาพ - E. Delacroix ลองใช้ภาพเหมือนของโชแปงเป็นตัวอย่าง เราเห็นว่า “ใบหน้าของโชแปงถูกบดบัง การแสดงออกของเขาดูราวกับว่าผู้แต่งหมกมุ่นอยู่กับประสบการณ์ของเขาหมกมุ่นอยู่กับตัวเองเข้าสู่โลกส่วนตัวของเขา บางทีเสียงดนตรีหรืออาจเกิดในจิตวิญญาณของเขา สีของภาพบุคคลนั้นมืดมนเกือบเป็นเอกรงค์ แต่ต่อไป พื้นหลังสีเข้มราวกับการแสดงออกของชีวิตฝ่ายวิญญาณที่เข้มข้น จังหวะสีขาว สีแดง สีเหลืองสดกะพริบ สีที่สุภาพและเงียบงันบังคับให้เรามุ่งความสนใจไปที่การแสดงออกทางสีหน้าเป็นพิเศษ” การแรเงาและโครงร่างที่ไม่ชัดเจนของใบหน้าเน้นย้ำความหมาย สถานะภายในของพระเอกให้นึกถึงความร่ำรวย มั่งคั่ง และความเข้มข้นของการดำรงอยู่ทางจิตวิญญาณของเขา

การพัฒนาหลักการของการวาดภาพดนตรีเพิ่มเติมนำไปสู่การละทิ้งความเป็นกลาง ในงานของ V. Kandinsky เส้น สี จุดบนผืนผ้าใบกลายเป็นช่องทางในการถ่ายทอดเนื้อหาทางอารมณ์และดนตรี ศิลปินได้สร้างพจนานุกรมจดหมายโต้ตอบที่มีสีสันและดนตรี Kandinsky เข้าใจสีว่าเป็นเสียงดนตรีของเครื่องดนตรีบางชนิดและเชื่อมโยงกับความสัมพันธ์ต่างๆ ในบทความของเขาเรื่อง "On the Spiritual" (1911) ผู้ก่อตั้งโคลงสั้น ๆ นามธรรมนิยมให้ลักษณะต่อไปนี้กับสเปกตรัมสี:

สีเหลือง—เสียงแตรในเสียงสูง ส้ม - ระฆังกลางหรือวิโอลา (ไวโอลิน, เสียง); สีแดง - การประโคม, ครอบงำ, น้ำเสียงที่แข็งแกร่ง; สีม่วง - แตรอังกฤษ, บาสซูน; สีฟ้าอ่อน - เชลโล; สีน้ำเงินเข้ม - ดับเบิลเบส, ออร์แกน; สีเขียว—ไวโอลินในทะเบียนกลาง; สีขาว—ความเงียบ หยุดชั่วคราว เสียงของโลกเมื่อถูกปกคลุมไปด้วยน้ำแข็ง สีดำ - การหยุดชั่วคราว แต่มีลักษณะที่แตกต่าง - "ศพที่อยู่เหนือกว่าเหตุการณ์ทั้งหมด"

ภาพวาดของ Kandinsky รวมถึงดนตรีของ Scriabin ที่สร้างขึ้นในปีเดียวกันนั้นทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างการสังเคราะห์ดนตรีสีแสงใหม่ซึ่งได้รับการพัฒนาด้วยความสำเร็จทางเทคนิคในยุคของเรา

ประสบการณ์ที่น่าสนใจที่สุดในการคาดการณ์ลักษณะการเรียบเรียงและลักษณะที่เป็นทางการของดนตรีเมื่อสร้างสรรค์ ภาพวาดเป็นของศิลปินและนักแต่งเพลงชาวลิทัวเนีย M. Ciurlionis (พ.ศ. 2418-2454) ภาพวาดของ CIurlionis ถือเป็นดนตรีประเภทหนึ่งที่มองเห็นได้ เป็นบางรอบของมัน ภาพวาดเรียกว่า "โซนาตา" ("โซนาตาแห่งท้องทะเล", "โซนาตาแห่งดวงอาทิตย์", "โซนาตาแห่งฤดูใบไม้ผลิ" ฯลฯ ) และสร้างขึ้นโดยการเปรียบเทียบกับโครงสร้างของวงจรโซนาตา - ซิมโฟนิก ประกอบด้วยสามหรือสี่ส่วน: Allegro, Andante, Scherco? ตอนจบ องค์ประกอบ จังหวะ อารมณ์ และโครงสร้างเป็นรูปเป็นร่างของแต่ละส่วนสอดคล้องกับจังหวะและลักษณะของส่วนต่างๆ ของวงจรนัตโน-ซิมโฟนิก

ตัวอย่างเช่น “Sonata of the Sea” ประกอบด้วยสามส่วน ส่วนแรก - Allegro และส่วนสุดท้าย - ตอนจบ - พรรณนาถึงทะเล - มีพายุ กระสับกระส่าย รวดเร็ว เราเห็นคลื่นสูงขึ้นและดูเหมือนได้ยินเสียงคำรามและเสียงคำรามของลม ในตอนจบ “คลื่นขนาดมหึมาพุ่งเข้าหาภาพในแนวทแยง ราวกับเสียงระเบิดอันทรงพลังของวงออเคสตรา ที่น่าทึ่งในพลังและความแข็งแกร่งของมัน ยอดของมันถูกคลื่นพาดผ่านด้านหลัง และด้านล่างตรงเชิงเขา เรือเล็ก ๆ ดูเหมือนจะเต้นด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบคม สูงชัน และมีทิศทางตรงกันข้าม ฟองน้ำบนผนังคลื่นทำให้เกิดอักษรย่อของ Ciurlionis ที่มองเห็นได้ ชั่วครู่หนึ่ง - แล้วพวกมันก็จะหายไปพร้อมกับเรือที่ถูกคลื่นกลืนหายไป” (2) ส่วนตรงกลางคืออันดันเต้ สงบและเงียบสงบ ทะเลพักผ่อนอย่างลึกลับ สปอตไลต์สว่างขึ้นบนขอบฟ้าราวกับดวงตาของสัตว์ประหลาดในเทพนิยาย ซึ่งอาณาจักรใต้น้ำมีซากปรักหักพังและซากเรือที่จมอยู่ หนังสือเรียนทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

1.3. ดนตรีและวรรณกรรม

ดนตรีและวรรณกรรมมีอิทธิพลอย่างมากต่อกันและกัน ดนตรียังเป็นกระบวนการโดยเนื้อแท้ซึ่งทำให้คล้ายกับศิลปะอื่นๆ ที่มีลักษณะชั่วคราวในธรรมชาติ เช่น ละครและภาพยนตร์ การลงและขึ้น, การเข้าใกล้และระยะทาง, การเคลื่อนไหวและการพักผ่อน, จังหวะของชีพจรและความรู้สึกของการหมุน, การสั่นสะเทือน, ความทะเยอทะยาน - ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่นในงานดนตรีใด ๆ ที่นี่เรือของ Sinbad the Sailor กำลังโยกไปตามคลื่น (“ Scheherazade” โดย Rimsky-Korsakov) เรือแล่นอย่างราบรื่นไปตามผืนน้ำของคลอง (เพลงของเรือแจวเวนิสของ Mendelssohn) ผู้ขับขี่ควบม้าด้วยความเร็วสูงสุดบน ม้าร้อน (เพลง "The Forest King" โดย Schubert) และที่นี่เขากำลังวิ่งรถจักรความเร็วสูง "Pacific 231" (เพลงซิมโฟนิกของ Honegger ในชื่อเดียวกัน) บางครั้งคุณสมบัติขั้นตอนของดนตรีจะถูกเน้นโดยคำบรรยายประเภทลักษณะเฉพาะของงานเช่น "perpetuum mobile" - " การเคลื่อนไหวตลอด" แต่ละยุคสมัยไม่เพียงแต่ทิ้งร่องรอยทางโวหารหรือแนวเพลงไว้ในศิลปะดนตรีเท่านั้น แต่ยังทำให้เกิดการเคลื่อนไหวทางดนตรีประเภทของตัวเองและสัมผัสถึงช่วงเวลาทางดนตรีของตัวเองอีกด้วย เป็นไปได้ไหมที่จะเปรียบเทียบการขับร้องบทสวดเกรโกเรียนในยุคกลางที่ราบรื่นและไม่เร่งรีบกับจังหวะที่บ้าคลั่งและจังหวะที่วิตกกังวลของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

เสียง - วัสดุก่อสร้างที่ใช้ประกอบพื้นที่ดนตรี - สามารถรับรู้ได้ทันเวลาเท่านั้น (ท้ายที่สุดแล้วแม้แต่เสียงเดียวเพื่อที่จะเกิดขึ้นและรับรู้ได้จะต้องคงอยู่ชั่วขณะหนึ่ง) ในระบบ "เสียง - เวลา" องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของดนตรีจะเกิดขึ้นและใช้งาน: ทำนอง โหมดและความกลมกลืน จังหวะเมตร เนื้อสัมผัส และบางส่วน เช่น ทำนอง สามารถเกิดขึ้นได้ที่จุดตัดของ "พิกัดทั้งสอง" เท่านั้น " - เสียงและเวลา องค์ประกอบของภาษาดนตรีทำหน้าที่ร่วมกันในระบบหนึ่ง โดยแต่ละองค์ประกอบมีบทบาทในการแสดงออก ความหมาย และสร้างสรรค์เป็นของตัวเอง ระบบวิธีการแสดงดนตรีมักเรียกว่าภาษาดนตรี อย่างไรก็ตามชื่อนี้ดูเหมือนจะไม่ถูกต้องทั้งหมด - มันจะแม่นยำกว่าถ้าจะเปรียบเทียบไม่ใช่ด้วยภาษา แต่ด้วยคำพูดซึ่งสะท้อนถึงธรรมชาติของดนตรีทางโลกและการสื่อสารโดยตรงมากกว่า เช่นเดียวกับคำพูด ดนตรีขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของสองปัจจัย - ความต่อเนื่องและการแยกส่วน นี่คือการไหลของข้อมูลที่จัดระเบียบตามกฎของไวยากรณ์ บทบาทของเครื่องหมายวรรคตอนในดนตรีเล่นโดย caesuras หยุดชั่วคราว หยุดเสียงยาว จังหวะซึ่งแยกโครงสร้างความหมายและโครงสร้างออกจากกัน - แรงจูงใจ วลี ประโยค จุด เช่นเดียวกับวลี ประโยค ย่อหน้าในการพูดด้วยวาจา มีการจัดเรียงในลำดับชั้นที่แน่นอนและมีความหมายบางอย่าง - แต่ความหมายไม่ใช่แนวความคิด แต่เป็นดนตรี ซึ่งครอบคลุมหลายแง่มุมของการรับรู้ รวมถึงอารมณ์ หนังสือเรียนทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

เสียงและถ้อยคำยังคงเสริมสร้างซึ่งกันและกันในบทสวดทางศาสนา พิธีมิสซาและพิธีกรรม บทร้องและบทปราศรัย เพลง และบทเพลงโรแมนติก สม่ำเสมอ เพลงบรรเลงเมื่อแยกจากคำพูดและท่าทางมักจะแบกรับภาระของน้ำเสียงคำพูดความน่าสมเพชเชิงปราศรัยและหันไปหาวรรณกรรมเป็นระยะ ๆ ไปจนถึงโครงเรื่องและรูปภาพวรรณกรรม การอุทธรณ์นี้นำไปสู่การสร้างศิลปะดนตรีสาขาพิเศษ - ที่เรียกว่าโปรแกรมดนตรี การเขียนโปรแกรมบ่งบอกถึงดนตรีในยุคโรแมนติกโดยเฉพาะ Kabalevsky D. ดนตรีในเกรด 4-7 มอสโก, การศึกษา, 2529

มีผลงานเพลงโรแมนติกมากมาย พื้นฐานวรรณกรรมหรือในรูปแบบของโครงเรื่องที่มีรายละเอียด การเล่าเรื่อง (เช่น Symphony Fantastique ของ G. Berlioz) ซึ่งเป็น "ดิน" ที่ทำให้ภาพดนตรีเติบโตขึ้น นี่คือผลงานหลายชิ้นของ F. Liszt: ซิมโฟนี "Faust", ชิ้นส่วนเปียโน "Petrarch's Sonnet No. 104", "After Reading Dante"; B. Smetana: บทกวีไพเราะ " ริชาร์ดที่ 3", "แคมป์วอลเลนสไตน์"; P. Tchaikovsky: "Manfred", การทาบทามแฟนตาซี "Romeo and Juliet" ฯลฯ ในกรณีนี้ผู้แต่งดูเหมือนจะพูดถึงความประทับใจในงานวรรณกรรมในภาษาของดนตรีบรรเลง

นอกจากนี้ยังสามารถถ่ายทอดความซับซ้อน แนวคิดเชิงปรัชญา. ความพยายามที่จะรวมแนวคิดดังกล่าวเข้ากับโปรแกรมงานดนตรี โดยให้ไว้ในรูปแบบของบันทึกย่อของผู้แต่งและการกำหนดธีมดนตรี (“ธีมแห่งความฝัน”, “ธีมแห่งการสร้างสรรค์”, “ธีมแห่งการยืนยันตนเอง”, “ธีมแห่งความตั้งใจ”, “ธีมแห่งจังหวะวิตกกังวล”, “ธีมแห่งความปรารถนา”), A. N. รับหน้าที่แสดงการพัฒนาของธีมเหล่านี้ - ความคิด, การปะทะกัน, ปฏิสัมพันธ์, การเผชิญหน้า Scriabin ใน "บทกวีแห่งความปีติยินดี" อันโด่งดัง นอกเหนือจากการกำหนดเหล่านี้โดยผู้แต่ง หลังจากคะแนนของบทกวีเสร็จสิ้นและพิมพ์แล้ว ยังมีข้อความบทกวีของบทกวีที่แต่งโดยผู้แต่ง

“ผลของอิทธิพล ที วรรณกรรมเกี่ยวกับดนตรีที่เราเห็นแม้จะนำเสนอโดยย่อแต่ยังห่างไกลจากการนำเสนอที่สมบูรณ์นั้นมีความน่าสนใจและเกิดผล ผลกระทบของดนตรีต่อวรรณกรรมก็น่าประทับใจไม่แพ้กัน ผลกระทบดังกล่าวบ่งบอกถึงศิลปะโรแมนติกและสัญลักษณ์นิยมตลอดจนวรรณกรรมของ ศตวรรษที่ 20

วรรณกรรมโรแมนติกที่เน้นดนตรีเป็นศิลปะที่โรแมนติกที่สุดกลายเป็นกระจกสะท้อนจิตวิญญาณของศิลปิน (จำได้ว่า “การหลั่งไหลจากใจของฤาษี - - คนรักศิลปะ") โคลงสั้น ๆ ของเขา "ไดอารี่คำสารภาพ ร้อยแก้วกลายเป็นโคลงสั้น ๆ กลายเป็น "ชีวประวัติของความรู้สึก"

บทกวีโรแมนติกกลายเป็นดนตรี - หลักการจังหวะและน้ำเสียง - ไพเราะได้รับการปรับปรุง Heine เขียนว่า: บทกวี "ความรู้สึกสอดคล้องกับสัมผัส ความหมายทางดนตรีซึ่งเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง ทำนองที่ไพเราะและไพเราะเป็นพิเศษดูเหมือนจะมีส่วนทำให้ “เครื่องดนตรีที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น ซึ่งออกแบบมาเพื่อเน้นความรู้สึกนี้หรือความรู้สึกนั้นเป็นพิเศษในท่วงทำนองที่ผ่อนคลาย เช่นเดียวกับเสียงที่อ่อนโยนของเขาสัตว์ในป่าถูกขัดจังหวะด้วยเสียงแตรอย่างกะทันหัน” จึงเป็นที่มาของคำนี้ “ เครื่องมือกลอน” ปรากฏขึ้น รวมอยู่ในการวิจารณ์วรรณกรรมในภายหลัง Kabalevsky D. ดนตรีในเกรด 4-7 มอสโก, การศึกษา, 1986

ในที่สุด ดนตรีที่เป็นองค์ประกอบของความรู้สึก หัวข้อของการอธิบายและการไตร่ตรองกลายเป็นหัวข้อที่คงที่ วรรณกรรมโรแมนติกและบทกวี สิ่งบ่งชี้ที่ชัดเจนในเรื่องนี้คือผลงานของ E. T. A. Hoffmann บุคคลที่มีพรสวรรค์ในระดับสากล นักเขียน นักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง และจิตรกร แก่นของดนตรีในรูปแบบและเฉดสีที่หลากหลายกลายเป็นธีมที่ตัดขวางในงานวรรณกรรมของเขา (เรื่องสั้น: "Cavalier Gluck", "The Musical Sufferings of Johann Kreisler, Kapellmeister", บทสนทนา "กวีและนักแต่งเพลง", "Fragments ของชีวประวัติของ Johannes Kreisler” ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนวนิยายเรื่อง “Everyday Life”) มุมมองของแมว Murr

ความปรารถนาที่จะเลียนแบบดนตรียังส่งผลต่อพื้นฐานที่เป็นทางการและสร้างสรรค์ของวรรณกรรมโรแมนติกด้วย งานวรรณกรรมนักเขียนโรแมนติกบางคน โดยเฉพาะฮอฟฟ์มันน์ มักถูกสร้างขึ้นตามกฎของรูปแบบดนตรี ดังที่ V.V. Vanslov ตั้งข้อสังเกตว่า "เราสามารถพูดได้ว่า "Serapion Brothers" ของ Hoffmann สร้างขึ้นบนหลักการของชุด ใน "The Everyday Views of Murr the Cat" ของโครงร่างโซนาต้าสามารถสืบย้อนได้ และเรื่องราว "Adventures on the Eve of the New Year” และ “Robbers” เป็นตัวแทนของทั้งรูปแบบหรือการถอดความในธีมของ Chamisso และ Sh ฯลฯ