W Polsce mieszka wielu utalentowanych ludzi. Stamtąd pochodzą znani muzycy, artyści i artyści. Wielu z nas słyszało ich imiona.

polscy kompozytorzy zyskał sławę na całym świecie w XIX wieku. To wtedy żył i tworzył Chopin. Po nim w historii muzyki światowej zapisało się jeszcze wiele nazwisk Polaków. Porozmawiajmy o najsłynniejszym z nich.

Wykorzystanie polskiego folkloru

Nie sposób rozpocząć opowieści o kompozytorach tego kraju, nie wspominając o Chopinie. Urodził się pod Warszawą, a zakończył życie w Paryżu. Słynny polski kompozytor i pianista zapisał się w pamięci światowej kultury dzięki swoim utworom, które obecnie grają czołowi pianiści na całym świecie. W swojej twórczości wykorzystywał polski folklor i motywy romantyczne. Wyróżniał się specjalną techniką gry na fortepianie, która jest obecnie powszechnie stosowana przez pianistów europejskich.

Później w tym samym kierunku zaczął pisać swoje utwory inny kompozytor z tego kraju, Stanisław Moniuszko. W XIX wieku pisał także pieśni, które do dziś można usłyszeć na scenie. Większość jego utworów będzie można usłyszeć na Festiwalu Moniuszki.

Jak II wojna światowa zmieniła muzykę

Do 1939 roku polscy kompozytorzy pracowali i aktywnie współpracowali z kolegami z innych krajów. Na początku XX wieku powstały najsłynniejsze konkursy, które dały światu wielu nowych wykonawców. I tak Dymitr Szostakowicz zadebiutował na Konkursie Chopinowskim w Warszawie.

Przed wybuchem II wojny światowej popularna była muzyka jasna i emocjonalna. Nazwisko Karola Szymanowskiego było znane każdemu. Jego balet „Harnasi” grzmiał wówczas w całej Europie. Nadal wyczuwalne były w nim motywy folklorystyczne, nie było jednak zabarwienia politycznego.

To właśnie z powodów politycznych po rozpoczęciu wojny wielu polskich kompozytorów wyemigrowało do innych krajów. Nie chcieli ograniczać się w kreatywności i komponować muzykę na określone daty. Jednak nawet w tym trudnym czasie byli ludzie, którzy umieli przeciwstawić się reżimowi politycznemu: Grażyna Batsewicz, Lutosławski i Bolesław Szabelski. Witold Lutosławski nawet po zakończeniu wojny nie zmienił swojego ulubionego kierunku twórczości – romantyzmu. Pisał dzieła lekkie o wyrafinowanym brzmieniu.

Sonoryzm

Odwilż polityczna nastąpiła dopiero w 1956 roku. W tym czasie polscy kompozytorzy otrzymali możliwość tworzenia bez ograniczeń. Najbardziej znanymi postaciami kultury tamtych czasów byli Tadeusz Biard i Kazimierz Sierocki. Ale nie tylko rozsławili swój kraj, ale także ustanowili festiwal Warszawska Jesień. Do dziś cieszy się popularnością i prestiżem.

Znani polscy kompozytorzy po wojnie dużo eksperymentowali z dźwiękiem. Chcieli podążać za kulturą europejską, w wyniku czego narodził się kierunek „sonoryzm”. To specjalna technika budowania kompozycji. W sercu nowych dzieł zaczęto stosować wyłącznie odcienie dźwiękowe. Tak narodziła się w Polsce sztuka awangardowa. flagowy i najzdolniejszy przedstawiciel tym kierunkiem był Krzysztof Penderecki. W swoich utworach wykorzystywał nie tylko rozpiętość muzyczną, ale także odgłosy natury, pisk piły, dudnienie i stukot maszyny do pisania. Pierwsze wrażenie publiczności było szokiem, ale później dzieła tego kompozytora weszły do ​​historii świata kultura muzyczna.

Wojciech Kilar i minimalizm

Muzyka polskich kompozytorów wykorzystywana jest nie tylko na dużej scenie. Wielu autorów pisało go z myślą o filmach i świętach religijnych. Twórczość awangardowa trwała nadal w latach siedemdziesiątych. Wtedy popularność zyskał Wojciech Kilar. Swoje utwory pisał nie tylko na potrzeby popularnych polskich filmów, ale także na występy orkiestrowe. Melomani na całym świecie bardzo docenili jego awangardowy wiersz „Kszesany”, nawiązujący do kierunku minimalizmu. Charakteryzuje się skąpstwem formy i treści. Od czterdziestu lat wiersz ten pozostaje ulubionym utworem wielu osób.

Późniejsza twórczość Kilara pozostaje poświęcona minimalizmowi. Krytycy zauważają, że język muzyczny tego kompozytora wyróżnia się dokładnością i szczególną jasnością. Nie musi wymyślać skomplikowanych form, żeby zachwycić słuchacza. W swojej pracy Wojciech wykorzystywał dziedzictwo ludowe górale polscy. Jasne kompozycje Kilyara o różnych orientacjach tematycznych są często wykorzystywane we współczesnych polskich filmach.

Polska muzyka klasyczna została w dużej mierze ukształtowana przez tradycję romantyczną. Jej założycielem był Fryderyk Chopin (1810 - 1849), którego twórczość łączył motywy romantyczne z polskim folklorem. W tym samym kierunku poszedł Stanisław Moniuszko (1819 - 1852) - autor oper narodowych i cyklu pieśni, dziś z sukcesem wystawianych w teatrach i salach koncertowych, a także w ramach festiwalu Moniuszkowskiego na Ziemi Kudowskiej-Zdroju. Wpływ twórczości Chopina odczuwalny jest także w polskiej szkole gry na fortepianie. Wielcy wirtuozi pianiści – Józef Hoffman, Artur Rubinstein, Ignacy Jan Paderewski grali Chopina ze szczególnym wyczuciem.

Dwie dekady międzywojenne upłynęły pod znakiem inicjatywy organizowania międzynarodowych konkursów, w tym dziś jednego z najstarszych konkursów skrzypcowych na świecie. Henryka Wieniawskiego (wybitnego wirtuoza skrzypka), odbywającego się od 1935 roku w Poznaniu, czyli Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego. Fryderyka Chopina w Warszawie (od 1927), gdzie debiutowali Dymitr Szostakowicz, Janusz Oleiniczak, Christian Zimerman. Wśród ówczesnych kompozytorów czołowe miejsce zajmował Karol Szymanowski (1882 – 1937) – twórca jasnego, emocjonalna muzyka, często barwiony motywami folklorystycznymi (przykładem jest balet Harnasy). Muzyka Szymanowskiego zyskała ostatnio dużą popularność w Europie za sprawą Sir Simona Rattle’a, dyrygenta Birmingham Symphony Orchestra, który aktywnie popularyzuje twórczość polskiego kompozytora (nagrywając szereg albumów na zamówienie wytwórni EMI).

Po II wojnie światowej polscy kompozytorzy, działający pod silną presją polityczną, zmuszeni byli komponować dzieła w określonych terminach. Niektórzy wyemigrowali (Roman Palester, Andrzej Panufnik, Roman Matseevsky), inni, nie chcąc podporządkować się systemowi, zwrócili się w stronę folkloru lub abstrakcyjnych idei muzycznych. Dzięki temu się urodziły wybitne dzieła niepolityczne, jak I Symfonia Lutosławskiego, dzieła Grażyny Bacewicz czy Bolesława Szabelskiego. Sytuacja uległa zmianie po roku 1956 wraz z nadejściem „odwilży” politycznej. Polscy kompozytorzy szybko odnaleźli się w nowych warunkach twórczych. Prace rodziły się w niezwykłym tempie, oryginalny sposób rozwijanie popularnych trendów w Europie. Wśród nich wyróżniała się twórczość Tadeusza Bairda i Kazimierza Serockiego. Z inicjatywy tych kompozytorów w 1956 roku zorganizowano istniejący do dziś Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej Warszawska Jesień, uważany za jeden z najbardziej prestiżowych na kontynencie europejskim.

Równie szybko narodziły się rewolucyjne idee estetyczne – na przykład tzw. sonoryzm, czyli technika kompozytorska oparta wyłącznie na odcieniach dźwiękowych. Pionierem sonoryzmu był Krzysztof Penderecki (ur. 1933), który utorował drogę całkowicie nowy sposób w rozwoju współczesnej muzyki europejskiej. Awangardowa twórczość Pendereckiego początkowo wywarła na wielu szokujące wrażenie poprzez szczere wykorzystanie dźwięków nie tylko z zakresu muzyki, ale także z otaczającej rzeczywistości: naturalnych odgłosów, ryku, pisku piły, dźwięku maszyny do pisania (Fluorescencja). Z kolei Witold Lutosławski (1913 - 1994) zagłębił się w poszukiwanie doskonałości formy i wyrafinowania dźwięku. Jego muzyka to kompozycje polifoniczne, bogate i wieloaspektowe, urzekające zestawieniami dźwiękowymi i niepozbawione napięcia dramatycznego (III i IV Symfonia, Koncert fortepianowy).

Za czołowego przedstawiciela awangardy muzycznej uważany jest także Wojciech Kilar (ur. 1932), współcześnie piszący muzykę głównie do filmów, a także autor utworów na orkiestrę: Riff 62 (1962), Generique (1963) Diphtongos (1964). Najbardziej znane prace Kilyara należy poemat symfoniczny Kshesany (1974) to hołd złożony zamiłowaniu kompozytora do tzw. minimalizmu muzycznego (minimal musik), nurtu charakteryzującego się skąpstwem formy i treści. Wiersz Kshesany kiedyś zrobił furorę, a dziś jest jednym z ulubionych dzieł zarówno wykonawców, jak i melomanów. Kompozytor nadal posługuje się techniką minimalizmu, posługując się skąpym, ale niezwykle wyrazistym językiem muzycznym, wywołującym w słuchaczach silne emocje. Dotyczy to zarówno utworów inspirowanych melodiami ludowymi (głównie folklorem polskich górali), kompozycji o tematyce religijnej, jak i muzyki do filmów fabularnych.

Najważniejsze dzieła Krzysztofa Pendereckiego

1991 „Król Ubyu” – miłośnik opery A. Jerry’ego
1984 Polskie Requiem na głos, dwa chóry i orkiestrę

1980 II symfonia „W Wigilię” na orkiestrę symfoniczną

1986 „Czarna maska” – opera jednoaktowa
1978 "Stracone niebo„według D. Miltona

1977 Koncert na orkiestrę skrzypcową nr 1 1
1974 „Magnificat” na bas, zespół wokalny, trzy chóry i orkiestrę
1971 „Poranek” na głos, dwa chóry i orkiestrę

1962 „Fluorescencje” na dużą orkiestrę symfoniczną
1960 „Elegia ofiarom Hiroszimy” na 52 smyczki

1959 „Emanacje” na dwie orkiestry smyczkowe
1958 „Psalmy Dawida” na chór, smyczki i perkusję

Sinfonii Varsovii

Krzysztof Penderecki jest dyrektorem Sinfonii Varsovii, powstałej w 1984 roku na bazie Polskiej Orkiestry Kameralnej i jednej z najlepszych na świecie. Pierwszym stałym dyrygentem gościnnym Sinfonii Varsovii był Yehudi Menuhin, którego obecnie zastępuje José Cura. Mając niemal nieograniczony repertuar, orkiestra koncertuje na całym świecie, występując z najlepszymi dyrygentami (m.in. Mścisław Rostropowicz, Jerzy Maksimyuk) i artystami (Jose Carreras, Plácido Domingo, Andreas Vollenweider).

Odejście od awangardy na rzecz zbliżenia z szerszymi kręgami

melomanów znajduje odzwierciedlenie w twórczości Henryka Mikołaja Góreckiego (ur. 1933). Górecki, w młodości zagorzały zwolennik bezkompromisowości, stopniowo ewoluował w kierunku mistycyzmu, czego uderzającym dowodem była napisana w 1976 roku III Symfonia. Kilka lat później zyskała niespotykaną popularność w mediach. środki masowego przekazu. Stało się to za sprawą amerykańskiej wytwórni płytowej Elektra Nonesuch, która nagrała III Symfonię Góreckiego w wykonaniu amerykańskiej śpiewaczki Dawn Upshaw i orkiestry London Sinfonietta. Utwór zajął czołowe miejsca w rankingach amerykańskich i angielskich oraz zajął 5. miejsce w rankingu najpopularniejszych dzieł muzycznych 1993 roku w Wielkiej Brytanii. Angielska stacja radiowa Classic FM na prośbę słuchaczy na bieżąco transmitowała fragmenty tego utworu Góreckiego. Trzeciej symfonii słuchali wyrafinowani melomani i ludzie, jak się wydawało, dalecy od muzyki klasycznej - młodzież szkolna, kierowcy ciężarówek ... Prosta, ale pełna pasji muzyka Goreckiego nie pozostawiła nikogo obojętnym, wkraczając w świat głównych ludzkich uczuć.

Główne dzieła Henryka Mikołaja Góreckiego

1993 „Zstąp Duchu Święty” na chór a cappella

Koncert fletowy z 1992 roku

1991 Drugi Kwartet smyczkowy„Jaka fantazja”
1988 Pierwszy kwartet smyczkowy „Już się ściemnia”

1987 „Totus Tuus” na chór a cappella
1982 Kołysanki i tańce na skrzypce i fortepian
1980 Mazurki na fortepian
1976 III Symfonia „Pieśni lamentacyjne” na sopran i orkiestrę
1974 „Amen” na chór a cappella
1972 II Symfonia „Kopernik” na sopran, baryton, chór i orkiestrę

1971 „Ad Matrem” na sopran, chór i orkiestrę

1962 Genesis-Elementi per tre archi

1959 II Symfonia „1959” na orkiestrę symfoniczną i perkusję

1958 „Epitafium” na chór i zespół instrumentalny

W atmosferze rozliczenia z awangardową przeszłością wielu kompozytorów zwróciło się ku zapomnianym, tradycyjnym ideałom. Było to szczególnie widoczne w twórczości Pawła Szymańskiego i Pawła Miketyna. Ich dzieła charakteryzują się oryginalnymi skojarzeniami ze stylem klasycyzmu, romantyzmu, a nawet baroku (Sonety Myketyna według Szekspira), dalekie od uproszczonego dziedzictwa. Celem takiego stanowiska estetycznego jest próba nadania nowego znaczenia sztuce klasycznej w kontekście kultury nowożytnej, co stawia obu kompozytorów w szeregach muzycznych postmodernistów.

Dialog z tradycją widoczny jest także w najnowszej twórczości Pendereckiego, czerpiącej wprost z archetypów kulturowych. Jest to szczególnie odczuwalne w oratoriach i operach kompozytora (Diabły z Loudun, Raj utracony, Czarna maska), które są bestsellerami współczesnej literatury. twórczość operowa. W 2001 roku następca tronu hiszpańskiego książę Filip osobiście wręczył Krzysztofowi Pendereckiemu prestiżową Nagrodę Księcia Austrii w dziedzinie sztuki. Nagroda ta została przyznana za nowatorski talent kompozytora, pozwalający mu harmonijnie łączyć różne gatunki muzyczne.

Najdłużej graną symfonią na świecie jest napisany w 1997 roku Symfonia-Koncert Bohuslava Sheffera, który trwa ponad dwie godziny. Dzieło to pozostawiło po sobie dawnego lidera w tej dziedzinie – autora I Symfonii, Gavergala Bryana (ur. 1931). Schaeffer znany jest także (szczególnie w kulturze niemieckiej) jako teoretyk i muzykolog – specjalista w dziedzinie muzyki współczesnej, a także autor awangardowych, niezwykle dowcipnych sztuk teatralnych (Scenariusz dla trzech aktorów itp.)

Wśród polskich pianistów nie brakuje także osób obdarzonych nietypowymi dla muzyków zdolnościami. Ignacy Jan Paderewski, będąc uznanym wirtuozem fortepianu, nie wahał się zostać szefem pierwszego polskiego rządu niepodległej Rzeczypospolitej. Artur Rubinshtein i Mieczysław Horshowski z sukcesem występowali na koncertach w wieku prawie 100 lat. Józef Hoffman wynalazł szczotki samochodowe i spinacze, a Janusz Olejniczak zagrał Chopina w La note blee Andrzeja Żuławskiego.

Do sprzedania płyta CD z jednorazowym nagraniem występu współczesna twórczość(w dziedzinie muzyki poważnej) – w nakładzie ponad 1 miliona egzemplarzy – należy do III Symfonii Henryka Mikołaja Góreckiego, wydanej przez Elektrę Nonesuch.

Pod koniec lat 50. Krzysztof Penderecki na jeden z konkursów wysłał trzy prace własny skład, choć zgodnie z warunkami konkursu wymagany był tylko jeden. Nuty pierwszego utworu pisał lewą ręką (którą notabene zawsze pisze), nuty drugiego utworu były już pisane prawą, a trzeci utwór kompozytor dał do przepisania innej osobie - wszystko to miało na celu zwiększenie szans na nagrodę (którą w tym czasie był wyjazd na studia za granicę i stypendium). Okazało się, że wszystkie trzy kompozycje zostały nagrodzone: pierwsza i dwie drugie!

Warto przypomnieć niedawne premiery takich oper, jak Ignorant i szaleniec Pawła Miketyna, Baltazar Zygmunta Krause (na stałe mieszkający i pracujący w Paryżu), Antygona Bernadette Matuschak. Opery współczesnych polskich kompozytorów, obok klasyki gatunku, wystawiane są przez czołowych reżyserów, m.in. Mariusza Trelińskiego, Ryszarda Perita i Krzysztofa Nazara. Na corocznym festiwalu Wratislavia Cantans w Polsce zawsze pojawiają się duże formy wokalno-instrumentalne: od chorałów gregoriańskich po Gospel & Negro Spirituals, od klasyka muzyczna do awangardy, w wykonaniu światowej klasy orkiestr, chórów, zespołów i solistów pod batutą tak wybitnych dyrygentów jak Antoni Wit, Kazimierz Kord, Jacek Kasprzyk, Tadeusz Strugala. Jeden z najlepszych dyrygentów o błyskotliwej osobowości, Jerzy Maksimyuk koncertuje głównie za granicą, z entuzjazmem wprowadzając do repertuaru kierowanych przez siebie zespołów nowe, nieznane dotąd dzieła. Maksimyuk dyrygował najsłynniejszymi orkiestrami świata, m.in. BBC Scottish Symphony Orchestra z Glasgow, zdobywając honorowy tytuł Laureata Dyrygenta tej orkiestry.

Na polskiej scenie muzycznej czołowe miejsca zajmują wokaliści - Teresa Żylis-Gara, Eva Podles, Kira Borechko, Wiesław Ohman, Romuald Tesarovich. Pomimo tego, że wielu z nich na stałe mieszka za granicą, jak kompozytorzy Zygmunt Krause i Hanna Kulenty, skrzypek Bartolomej Nizel, wirtuoz klawesynu Elżbieta Chojnicka, pianiści Christian Zimerman i Piotr Andrzejewski, bliskie związki z dziedzictwem kulturowym Polski pozostają nieprzerwane. Znajduje to odzwierciedlenie w repertuarze powyższych wokalistów i muzyków. Warto pamiętać także o artystach zagranicznych mieszkających w Polsce. Są wśród nich na przykład tak znani muzycy jak Nigel Kennedy, światowej sławy skrzypek (z wyboru Krakowianin), czy brazylijski dyrygent Jose Maria Florencio Junior.

Najciekawsze wydarzenia muzyczne w Polsce

Jazzowe Jambory. Międzynarodowy Festiwal Jazzowy, Warszawa, październik.

Warszawskie Letnie Dni Jazzu. Letni Festiwal Jazzowy w Warszawie.

Gdyńskie Letnie Dni Jazzu. Gdynia, lipiec.

Festiwal Bluesowy w Rawie. Katowice, październik.

Wratysława Cantans. Międzynarodowy Festiwal Oratoriów i Kantat, Wrocław, październik.

Międzynarodowy Festiwal Muzyki Kościelnej. Hajnówka, maj.

Warszawska jesień. Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej, Warszawa, wrzesień.

Międzynarodowy Festiwal Chopinowski. Duszniki-Zdrój, lipiec i sierpień.

Jazz, pop, rock

Co charakteryzuje współczesną muzykę pop? Po pierwsze, jej życie regulują teraz nie tyle kanony sztuki, co zasady rynku. Lekka muzyka stała się gałęzią gigantycznej produkcji, w której obowiązują określone zasady. Ale oprócz międzynarodowych koncernów nagraniowych istnieją małe firmy produkujące płyty z muzyką, która nie potrzebuje szumu reklamowego. Mówi się o takiej muzyce: klubowej, niekomercyjnej, adresowanej do wąskiego kręgu fanów. Dzięki takim „niszom” obraz Kultura masowa mieni się tysiącami muzycznych barw i odcieni. Do ich powstania przyczyniają się także polscy artyści.

Nagrywanie płyt nie jest dziś szczególnie trudne, a ogólnoświatowa dostępność niemal każdego nagrania muzycznego stała się powszechna. Czym polscy muzycy wyróżniają się na tej ogromnej przestrzeni, co może świadczyć o ich twórczej oryginalności? Jakie czynniki decydują o tym, kiedy meloman amerykański, francuski czy japoński wybierze spośród milionów płyt płytę z muzyką polską, a publiczność Hamburga, Londynu czy Moskwy, przy całym bogactwie i różnorodności rozrywek tych miast, trafi do koncert polskich artystów? Czy dopiero dzisiaj polska muzyka pop bez ingerencji przekracza granice kulturowe i geograficzne, czy też było tak i w przeszłości?

Powojenna historia muzyki rozrywkowej w Polsce rozpoczęła się od pasji do jazzu. Jazz dominował na scenie aż do 1950 roku. Wtedy komuniści, którzy byli u władzy, uznali, że jazz to nic innego jak przejaw sympatii dla ideologii wroga. Jazz został oficjalnie potępiony i wprowadzono zakaz wykonywania i słuchania tej muzyki. I dopiero w połowie lat 50. wraz z „odwilżą ideologiczną” pojawiły się pierwsze kiełki wolności twórczej. W 1956 roku miłośnicy jazzu pod przewodnictwem opornego pisarza Leopolda Tyrmanda (później wyemigrującego) zorganizowali pierwszą międzynarodowy festiwal jazz. Dziś znany jest jako Jazz Jamboree i cieszy się sławą najstarszego festiwal jazzowy w Europie.

Jednym z pionierów polskiego jazzu był Krzysztof Komeda (1931 - 1969). Komeda, z wykształcenia lekarz, z zamiłowania pianista i kompozytor, był liderem wielu zespołów jazzowych, autorem niezliczonych standardów i jednym z najoryginalniejszych twórców muzyki filmowej lat 60.

Szczyt aktywności twórczej w tworzeniu własnego stylu muzycznego przypadł w Polsce na lata 60-te. Następnie utalentowana młodzież zawitała do literatury, kina, teatru, sceny i jazzu – nie tylko w Polsce, ale na całym świecie. Bujna wyobraźnia i odwaga twórcza ówczesnych debiutantów najpełniej i najdobitniej znalazła odzwierciedlenie w biografiach mistrzów jazzu – skrzypka i kompozytora Michała Urbanyaka, wokalisty Urszuli Dudziaka, pianisty Adama Makowicza, trębacza Tomasza Stańki, saksofonisty Jana „Ptaszyna” Wrublewskiego, pianisty, trębacz i puzonista Andrzej Kurilewicz. Wszyscy rozpoczęli karierę na początku lat 60. i w latach 70-tych. stali się już czcigodnymi artystami. Dziś, w przesyconym krajobrazie stylów, mód i nurtów, ich muzyka postrzegana jest jako wytwór wyobraźni. najjaśniejsze osobowości którzy cieszą się dużym prestiżem w kręgach twórczych.

W wielu polszczyznach najczęściej wymieniany jest Michał Urbaniak (ur. 1943). muzycy jazzowi. Nakład jego płyt, wydawanych w kraju i za granicą, przekracza 1,5 miliona egzemplarzy. Nazwisko Urbanyak widnieje także na okładkach kilkudziesięciu płyt nagranych wspólnie z gwiazdami światowego jazzu, m.in.: Marcusem Millerem, Billym Cobhamem, Ronem Carterem, Joe Zawinulem, Waynem Shorterem, Stefanem Grappellim, Milesem Davisem. Michał Urbaniak zaskoczył ich przede wszystkim otwartością na wszystko, co nowe, umiejętnością łączenia jazzu z muzyką rockową i stylem hip-hopowym. Nawet skrzypce w rękach Urbaniaka brzmią inaczej, ich dźwięki wzbogaca elektronika, a sposób, w jaki gracz wykorzystuje ekstrakcję dźwięku, może sprawić, że instrument ten zabrzmi jak saksofon lub ludzki głos.

Z kolei głos Urszuli Dudziaka (ur. 1943) to niewątpliwie jeden z najciekawszych instrumentów współczesnego jazzu. W 1958 roku Dudziak został solistą zespołu Krzysztofa Komedy. Kilka lat później wokalistka porzuciła tradycyjny wokal jazzowy i zaczęła eksperymentować z elektronicznymi przetwornikami głosu. Tym samym stała się założycielką nowego stylu w śpiewie jazzowym, i jak dotąd nie ma sobie równych w tej dziedzinie. Piosenkarka posiada niesamowity głos, wyjątkową intonację, technikę wykonania i ogromny potencjał twórczy, co pokazała w jednym ze swoich największych hitów Papaya.

światowa sława wśród pianistów jazzowych zwyciężył Adam Makowicz (ur. 1940). Wykonywane przez niego dzieła George'a Gershwina zachwyciły nie tylko amerykańską publiczność. Na indywidualne interpretacje standardów muzyk otrzymał specjalne pozwolenie od Iry Gershwina, brata wybitnego kompozytora. Prawie cała historia roli fortepianu w jazzie odbija się w grze Makovicha jak w lustrze. Zawiera: zamach Teddy'ego Wilsona, niesamowitą szybkość, z jaką palce Arta Tatuma przebiegały po klawiszach, manierę Errola Garnera, elegancję Oscara Petersona. Adam Makovich jest bardziej zwięzły niż Keith Jarrett i bardziej jazzowy niż Chick Corea. Wszystko to w połączeniu z wirtuozowską techniką wykonania, improwizacyjną fantazją, słowiańskim rozmachem Chopina tworzy niepowtarzalny obraz muzyczny godny eksponowania w najlepszych salach koncertowych świata.

Tomasz Stańko (ur. 1942) - Laureat prestiżowe nagrody Deutschen Schallplattenkritik 2000 i European Jazz Prize 2002, od trzech dekad dzierży tytuł pierwszego trębacza w Europie. W 1962 roku zaczął grać w ramach kwartetu Jazz Darings, założonego przez niego wraz z Adamem Makovichem. Podobno był to pierwszy europejski zespół grający free jazz, który zdaniem jednego z niemieckich krytyków dokonał udanego tłumaczenia z języka Ornette’a Colemana na swój własny. Wkrótce Stańko wkroczył w trudne, ale indywidualne kreatywny sposób, osiągając to, co wyróżnia naprawdę wybitnych muzyków - poetycką nieprzewidywalność i wybuchową ekspresję. Wydaje się, że nie ma godnego kandydata na tron ​​opróżniony po Milesie Davisie. Zwłaszcza jeśli weźmie się pod uwagę ciepłe przyjęcie, jakie publiczność w Stanach Zjednoczonych przyjęła polskiego trębacza w listopadzie 2002 roku.

Międzynarodową sławę cieszy się także saksofonista Zbigniew Namysłowski (ur. 1939), jedna z najwybitniejszych osobistości twórczych europejskiej sceny jazzowej. Jako pierwszy polski jazzman nagrał za granicą płytę Lola wydaną w 1967 roku nakładem Decca. Fakt ten został odnotowany w rankingu przeprowadzonym przez redakcję magazynu „Down Beat” (1. miejsce w kategorii „Talent zasługujący na szerokie uznanie”). Namysłowski pisze muzykę do filmów, komponuje utwory do własnego repertuaru koncertowego, nagrywa płyty solowe, aktywnie rozwija tematykę jazzową, wykorzystując motywy zaczerpnięte z polskiego folkloru.

Wybitny saksofonista i skrzypek Zbigniew Seyfert (1946 - 1979) zmarł zbyt wcześnie. W latach 1967 - 1973 grał z kwintetem Tomasza Stańki. Później koncertował i nagrywał płyty za granicą, najczęściej w Niemczech, z zespołami jazzowymi Alberta Mangelsdorfa, Chrisa Ginse, Charliego Mariano, z Free Sound Ensemble, Joachimem Kühnem i McCoyem Tynerem. W 1976 nagrał pierwszą autorską płytę Man of the Light, która przyniosła mu światową sławę. Jednak odkryta wówczas choroba nie pozwoliła na realizację wszystkich twórczych planów. Zbigniewowi Seyfertowi udało się nagrać z grupą wybitnych amerykańskich jazzmanów, m.in. Johna Scofielda, Eddiego Gomeza i Jacka DeJohnette, dwudziestą i jak się okazało ostatnią płytę Passion, która do dziś zaskakuje oryginalnością i ekspresją brzmienia skrzypiec instrumenty.

Polski jazz, posługując się uniwersalnym językiem muzycznym, szybko i skutecznie przedostał się na świat. Warunkiem przełamania granic geograficznych dla polskiej pieśni było przełamanie językowych barier językowych. Stało się to dopiero na przełomie lat 80. i 90., kiedy znaczącą rolę na polskim rynku muzycznym zaczęły odgrywać spółki zależne międzynarodowych koncernów nagraniowych.

Na trudnym i dość szczelnie zamkniętym dla obcokrajowców brytyjskim rynku muzycznym z sukcesem zadebiutowała w połowie lat 80-tych. Barbara Tshetshelevskaya (ur. 1954), a opinia publiczna w Stanach Zjednoczonych jako pierwsza zaakceptowała jej natchnione brazylijskie rytmy utwory, czasem z zauważalnymi nutami swingu. Dziś Barbara Tshetshelevskaya jest dobrze znana na świecie jako Basya – piosenkarka popowa, wokalistka jazzowa, kompozytorka i autorka tekstów, która podbiła serca Amerykanów solowym koncertem na Broadwayu, w tym sanktuarium artystów. Dzięki płytom Bassa można było usłyszeć w innych częściach świata. Jej utwory zajmują czołowe miejsca na listach przebojów, a niemal każda płyta uzyskuje status złotej lub platynowej płyty.

Młody i piękny

Płyty dwóch polskich gwiazd popu młodego pokolenia – Edyty Gurniak (ur. 1972) i Anny Marii Jopek (ur. 1970), wydawane przez międzynarodowe koncerny, kupują melomani na wszystkich kontynentach. Czarujący i utalentowani polscy artyści postanowili przedstawić światu zachodnich menadżerów (m.in. Johna Beacha, który przez wiele lat opiekował się grupą Queen). Edita Gurniak zajęła drugie miejsce na Konkursie Piosenki Eurowizji w Dublinie (1994) w duecie ze słynnym tenorem José Carrerasem na koncercie charytatywnym, a media angielskie i niemieckie nazwały ją „największym odkryciem ostatniej dekady”. Edita Gurniak ma wszelkie dane, aby w przyszłości zająć miejsce Lizy Minnelli czy Whitney Houston: egzotyczna uroda, wspaniały głos i wielki talent sceniczny. Z kolei Anna Maria Jopek otrzymała nagrodę za umiejętności wykonawcze z rąk samego Michela Legranda, a Pat Metheny widział w niej partnera do wspólnych nagrań kompozycji wokalno-jazzowych. Urok, umiejętność zaprezentowania się na scenie, umiejętność subtelnego wyczucia jazzu, a także delikatność gry tej wokalistki bardzo efektownie współgrają z brzmieniem gitary Metheny’ego.

Niestety, najmniej sukcesów na arenie międzynarodowej polski rock odniósł. Trudno mu było konkurować z brytyjskimi gigantami. Jednak w ostatnich latach wiele się zmieniło. Angielską wersję albumu Myslovitz spopularyzowały koncerty zespołu w Londynie. Wymagający i bywały w rock and rollu publiczność doceniła urok Polaków, przyznając MTV European Music Award 2002 w kategorii „Najlepszy Polski wykonawca„(Najlepszy Polski Akt). Warto zaznaczyć, że kategoria ta pojawiła się w tym konkursie całkiem niedawno.

Death metalowy zespół Vader to jeden z nielicznych polskich zespołów death metalowych, który zdobył uznanie na świecie. Vader urodziła się w 1985 roku, a pięć lat później zaczęła robić międzynarodową karierę przy wsparciu niemieckiej wytwórni Earache Rec. Od 1993 roku zespół koncertuje w Polsce na najważniejszych festiwalach rockowych, a także za granicą - w Europie, Japonii, USA i Kanadzie. Większość płyt z dyskografii zespołu doczekała się zagranicznych reedycji, które cieszą się dużym powodzeniem w Europie i Japonii.

Polskie płyty wydawane przez niezależne studia, popularyzujące modną na całym świecie muzykę etniczną, cieszą się coraz większą popularnością za granicą. Cennym nabytkiem dla miłośników stylów etno i folk będą nagrania zespołu „Trebunie Tutki”. Zespół polskich alpinistów z okolic Białego Dunajca kontynuuje i rozwija rodzinne tradycje muzyczne sięgające niemal stu lat. Profesjonalny debiut zespołu miał miejsce w 1991 roku. Był to wspólny koncert z legendarnym jamajskim zespołem Roots Reggae Twinkle Brothers. Nagrana wspólnie płyta W Sherwooda uznawana jest za jedną z najlepszych płyt world music wydanych w ciągu 10 lat istnienia World Music Charts Europe – organizacji producentów z 11 krajów członkowskich Europejskiej Unii Nadawców (EBU). Nie mniej popularny jest kolejny wspólny album Best Dub/Greatest Hits. Dosłownie wprawiające w trans brzmienie instrumentów smyczkowych, urokliwe melodie i rytmiczne „pokazowe występy” wszechstronnie utalentowanego Normana Granta dają niezwykły efekt apelu i całkowitego wzajemnego zrozumienia dwóch kultur muzycznych.

Warto zapoznać się także z twórczością De Press – punkowo-folkowego zespołu powstałego w 1980 roku w Oslo (Norwegia) z inicjatywy Andrzeja Dziubka oraz norweskich muzyków Jorn Christensen i Ola Smortheim. Na repertuar zespołu składają się utwory inspirowane folklorem polskich górali, utrzymane w rytmach punkowych, hardrockowych czy ska. Z De Press ściśle współpracują muzycy ze Szwecji, Białorusi i Rosji.

zakochani oryginalne dźwięki Bezwstydnie mogę polecić nagrania i koncerty kwartetu The Kraków Klezmer Band – niezwykłego zespołu młodych wirtuozów (akordeon, skrzypce, klarnet, kontrabas, instrumenty perkusyjne). Dynamiczne kompozycje i nowatorskie aranżacje czynią Krakowski Zespół Klezmerski jednym z najciekawszych zjawisk współczesnego ruchu radykalnego odradzającego narodową muzykę żydowską. Ale kwartet nie ogranicza się do Melodie żydowskie, ale wykorzystuje w swoich kompozycjach elementy bałkańskie, arabskie, cygańskie, słowiańskie tradycje muzyczne. Krakowski zespół z sukcesem koncertował z takimi gwiazdami jak Brave Old World, Anthony Coleman i Sephadic Tinge, The Klezmatics czy Dave Krakauer Klezmer Madness. Muzyka The Kraków Klezmer Band fascynowała samego Johna Zorna – gwiazdę muzyki współczesnej, artystę nieustannie poszukującego twórczo. W 2000 roku znana nowojorska firma TZADIK wydała debiutancką płytę krakowskich muzyków pt. De Profundis, a rok później ukazała się kolejna płyta – The Warriors.

Obraz polskiej muzyki będzie niepełny, jeśli nie będziemy pamiętać o polskich kompozytorach, którzy pisali muzykę do filmów. Ich osiągnięcia są znane od dawna i wielokrotnie nagradzane. Po Bronisławie Kaperze nieżyjący już Henryk Wars w latach 50. podbił Hollywood swoją muzyką. W latach 60. błyskotliwą hollywoodzką karierę Krzysztofa Komedy przerwał tragiczny wypadek. Dziś muzyka Jana A.P. jest ozdobą wielu znanych filmów. Kaczmarek, Zbigniew Preyzner i Wojciech Kilar – kompozytorzy, którzy wnieśli wielki wkład w dorobek kina amerykańskiego i europejskiego.

Polscy kompozytorzy - autorzy muzyki do filmów, które stały się światowymi bestsellerami

Wojciech Kilar - filmy: Pianista (2002), Śmierć i dziewczyna (1994), reż. R. Polanski; Portret damy (1996), reż. D. Campion; Dracula (1992), reż. F. Coppoli.

Zbigniew Preisner - filmy: Trzy kolory (1993-4), Podwójne życie Weronika (1991), reż. K. Keslevsky; Tajemniczy ogród (1993), reż. A. Holandia; Uszkodzenie (w rosyjskiej kasie - Obsesja (1992), reż. L. Mall.

Jan A.P. Kaczmarek - filmy: Niewierni (2001), reż. A. Linia; Błogość (1997), rez. L. Młody; Plac Waszyngtona (1997) reż. A.Holland.

Michał Lorenz - filmy: Bandyta (1997), reż. M. Deutscher; Wyjście na czerwono (1996) reż. Y. Bogajewicz; Krew i wino (1996) reż. B. Rafelsona.

Krzysztof Komeda - filmy: Nóż w wodzie (1961), Ślepota (1966), Dziecko Rosemary (1968), reż. R. Polanski; Kattorna (1965), reż. H. Carlsena.

Dziś, 23 listopada, wybitny polski kompozytor i dyrygent Krzysztof Penderecki obchodzi swoje 80. urodziny. Jego talent muzyczny i innowacyjność wniosły nieoceniony wkład w rozwój sztuki muzycznej. Dziedzictwo światowej klasyki muzycznej byłoby niepełne bez twórczości Krzysztofa Pendereckiego i innych nie mniej znakomitych polskich kompozytorów naszych czasów, o których postanowiliśmy porozmawiać.

2013-11-22 23:00

Krzysztofa Pendereckiego

Krzysztof Penderecki to wybitna postać współczesnej światowej kultury muzycznej: kompozytor, dyrygent, pedagog (wybitny pod każdym względem). Jest jednym z najlepiej opłacanych i rozchwytywanych kompozytorów naszych czasów. Penderecki pisze głównie na zamówienie, nie wstydzi się być oportunistą, co w sumie jest prawdą.

Kompozytor od dzieciństwa uczył się gry na skrzypcach i fortepianie. Pod koniec lat czterdziestych Krzysztof grał w miejskiej orkiestrze dętej, później zorganizował własną orkiestrę, w której występował jako skrzypek i dyrygent. W wczesna praca Penderecki dużo eksperymentował i stosował zupełnie nowe sposoby ekspresja muzyczna- naśladowanie nietradycyjnych sposobów śpiewania i gry na instrumentach muzycznych środki muzyczne różne krzyki, jęki, gwizdy, szepty. Głównym zadaniem artystycznym kompozytora w wczesne pisma- osiągnięcie maksymalnego oddziaływania emocjonalnego na słuchacza, a głównymi tematami były cierpienie, ból, histeria. Aby oddać swój niestandardowy zamysł muzyczny, Penderecki specjalnie wymyślił nowe znaki i zastosował je w partyturach.

Od połowy lat 70. styl muzyczny Pendereckiego ewoluował w stronę bardziej tradycjonalizmu, w stronę neoromantyzmu. Kompozytor szczególną uwagę poświęca najważniejszym dziełom wokalno-symfonicznym i symfonicznym. Jedno z nich – „Polskie Requiem” – kompozytor tworzył na przestrzeni kilkudziesięciu lat (1980-2005). Z dużym zainteresowaniem Krzysztof Penderecki nawiązuje do kultury rosyjskiej, czego wyrazem są jego dzieła – „Chwała św. Danielowi księciu moskiewskiemu” (1997), „Pasja według Jana” (na podstawie tekstów z Biblii, Bułhakowa i Dostojewskiego; obecnie nieukończone) i oratoria do tekstów Siergieja Jesienina (nieukończone, dokładny tytuł nieznany).

kreacja ostatnie dekady Penderecki odznacza się zbliżeniem do tradycji XIX wieku i do dziś pozostaje jednym z najbardziej poszukiwanych wśród dziedzictwa muzycznego końca XX wieku.

Zbigniewa Preisnera

Zbigniew Preisner to jeden z najzdolniejszych kompozytorów naszych czasów, który napisał wiele pięknych melodii. Formalnie nigdy nie studiował muzyki, samodzielnie studiował samokształcenie muzyczne, kupował płyty i rekonstruował utwory, przepisując fragmenty i utwory, aby wyrazić swój zachwyt lub dokonać ulepszeń w stosunku do oryginału. Wkrótce poznał młodego polskiego reżysera Antoniego Krause, który poprosił go o skomponowanie własnej muzyki do filmu „Prognoza pogody”. To doświadczenie zapoczątkowało karierę Preisnera jako kompozytora filmowego. Dzięki Krause Preisner poznał Krzysztofa Kieślowskiego, który poszukiwał kompozytora do pracy nad muzyką do swojego filmu Bez końca. Praca ta była początkiem dalszej długoterminowej współpracy i silnej przyjaźni. W 1988 Preisner zgodził się skomponować muzykę do wszystkich dziesięciu odcinków Dekalogu Kieślowskiego. Niektórzy z nich przypisują muzykę Preisnera fikcyjnemu holenderskiemu kompozytorowi Van Den Budenmeierowi. Wynika to z faktu, że w „Dekalogu” Kieślowski chciał wykorzystać kilka kompozycji Mahlera, które nigdy w Polsce nie zostały nagrane (nagranie ich kosztowałoby fortunę), a Preisner zaproponował następujące wyjście: „ I(Priisner – red.) Napiszę coś innego. W przeciwnym razie będziesz musiał kupić prawa do Mahlera. Jeśli piszę złą muzykę, powiedzmy, że to nie ja, tylko Van Den Budenmeier. A jeśli napiszę coś dobrego, będzie moje».

Na kompozytora zwrócili uwagę także hollywoodzcy filmowcy, już w 1991 roku Preisner napisał muzykę do filmów Louisa Mandoki, Johna Irvinga, Agnieszki Holland i wielu innych.

Kompozytor określa swój styl jako „romantyzm”, nawiązuje do twórczości Paganiniego i Sibeliusa, a także do polskich kompozytorów romantycznych. Swoją twórczość określa mianem „twórczości”, gdyż uważa, że ​​jego muzyka nie jest ani klasyczną, ani tradycyjną muzyką filmową. To jest coś pomiędzy.

Wojciech Kilara

Kilyar zaczął komponować muzykę pod koniec lat pięćdziesiątych. Trzymał się tradycyjnych form, a w jego twórczości odczuwalny był wpływ Igora Strawińskiego, Dmitrija Szostakowicza, Siergieja Prokofiewa. Ale w latach 60. wraz z Krzysztofem Pendereckim i Henrykiem Góreckim Wojciech stał się pionierem polskiej awangardy muzycznej.

W wieku 30 lat Kilyar był uważany za odnoszącego sukcesy kompozytora klasycznego, ale jego indywidualny styl rozwinął się nieco później – w latach 70. Jednym z jego najważniejszych dzieł tego okresu jest „Krzesany” (1974).

Obecnie Kilyar znany jest przede wszystkim jako kompozytor filmowy. Napisał muzykę do ponad 150 filmów w reżyserii znani reżyserzy w tym Romana Polańskiego i Francisa Forda Coppoli. Co więcej, nad tym ostatnim Wojciechowi udało się popracować kultowy film„Drakula”. To Kilyar został poproszony o skomponowanie akompaniamentu muzycznego do trylogii Władca Pierścieni Petera Jacksona.

Henryka Mikołaja Góreckiego

W 1952 roku Henryk Mikołaj Górecki rozpoczął studia w Rybnickiej Wyższej Szkole Muzycznej Szkoła Muzyczna i ukończył czteroletni kurs w ciągu 3 lat. Po raz pierwszy jego utwory wykonano w 1958 r. W roku 1960 kompozytor znajdował się już w czołówce awangardy. Od 1968 roku Henrik wykłada kompozycję w Katowickiej Liceum Muzycznym.

Prawdziwa sława przyszła do Goreckiego na początku lat 90., kiedy jego „Symfonia pieśni żałosnych” (III Symfonia, 1976) została wykonana przez amerykańskiego piosenkarza Don Upshawa i London Symphonyette: sprzedano ponad milion płyt z ich nagraniami w około świat. Napisana na sopran solo i orkiestrę symfonia opowiada o cierpieniach, jakie nazizm zadał Polsce.

Mimo komercyjnego sukcesu III symfonii Górecki nie kontynuował twórczości muzycznej w tym samym stylu. W latach 90. i 2000. jego nazwisko najczęściej pojawiało się w związku ze współpracą z amerykańskim Kronos Quartet. Dla tego zespołu skomponował takie kompozycje jak „Pieśni się śpiewa” (inspirowane poezją Wielimira Chlebnikowa), „Concerto-Cantata” i „Kleines Requiem für eine Polka”.

Górecki to legenda współczesnej muzyki akademickiej. Żył ciężko i zmarł Wielka droga jako kompozytora – od dzieł awangardowych utrzymanych w duchu serializmu i sonoryzmu po kompozycje neoromantyczne zaliczane do sakralnego minimalizmu, nurt reprezentowany także przez Arvo Pärta, Peterisa Vasksa i Gię Kancheli.

Andrzeja Panufnika

Andrzej jest absolwentem Konserwatorium Warszawskiego, uzyskując dyplom z kompozycji i teorii muzyki. W latach 1938-39 studiował na dyrygenturę w Operze Wiedeńskiej. W czasie okupacji kontynuował twórczość muzyczną, utrzymując się z gry na fortepianie w warszawskich kawiarniach w duecie z kompozytorem Witoldem Lutosławskim. W czasach Powstania Warszawskiego opuszcza stolicę, zostawiając w domu wszystkie swoje partytury na pewną śmierć. Na szczęście Andrzejowi udało się część z nich odrestaurować.

Po zakończeniu wojny Panufnik został głównym dyrygentem Filharmonii Krakowskiej, a w 1946 roku dyrektorem Filharmonii Warszawskiej. Po nierozwiązalnych różnicach i odmowie przyjęcia ideologii socrealizmu kompozytor wyemigrował w 1954 roku do Anglii.

23 maja 2013 roku na scenie Teatru Michajłowskiego odbyła się światowa premiera balet jednoaktowy Nacho Duato „Invisible” do muzyki Panufnika. Choreograf przyznał, że muzyka polskiego kompozytora prześladowała go przez całe trzy lata. I na koniec wystawił balet o tym, czego nie możemy zobaczyć, ale możemy poczuć. Wymyślił nawet kostiumy, aby dokładniej oddać swoje emocje.

Zasłynęli dzięki mazurkom i polonezom, operom i kameralnym utworom wokalnym. Wybitni polscy kompozytorzy zdobyli uznanie nie tylko w kraju, ale także daleko poza jej granicami. Prawie każdy zna przynajmniej jedno imię.

Przedstawiamy najsłynniejszych przedstawicieli sztuki muzycznej Polski i ich główne osiągnięcia.

Fryderyk Chopin (1810-1849)

Najsłynniejszy polski kompozytor, przedstawiciel rodziny francuskich emigrantów. Jego twórczość uznawana jest za jedno z największych osiągnięć Polski. W wieku 20 lat przyszły kompozytor i pianista przeprowadził się do Francji. Nigdy nie wrócił do Polski.

Chopin stworzył 60 mazurków, trzy sonaty fortepianowe, około trzydziestu etiud muzycznych, szereg utworów na fortepian i orkiestrę, pieśni na głos i fortepian do tekstów polskich. Jego dzieła, zwłaszcza polonezy i mazurki, uchodziły za synonim polskości.

Liczne obiekty noszą imię Chopina. Do najbardziej znanych należą Filharmonia Gdańska, Konserwatorium Warszawskie, lotnisko w Warszawie, asteroida i krater na Merkurym.

Fryderyk Chopin uważany jest za bohatera narodowego Polski!

wikipedia.org/domena publiczna

Stanisław Moniuszko (1819-1872)

Wybitny polski kompozytor połowa XIX wieku, który pochodził z rodziny białoruskich imigrantów. Jest autorem pieśni, operetek, baletów, oper. Jego pieśni położyły podwaliny pod polską narodową muzykę wokalną. Wiele oryginalnych melodii, które napisał, uznano za folkowe.

Stanisław Moniuszko uważany jest za twórcę polskiej klasyki opera narodowa. W sumie napisał ponad 15 oper. Ponadto Moniuszko stworzył pierwszą polską dzieła narodowe muzyka symfoniczna.

Ulice w wielu miastach Polski, a także w niektórych miastach Białorusi i Ukrainy noszą imię Stanisława Moniuszki.

wikipedia.org/Domain publiczna

Karol Szymanowski (1882-1937)

Jeden z najsłynniejszych polskich kompozytorów pierwszej połowy XX wieku. Urodzony i wychowany na Ukrainie. Do Polski przeprowadził się w wieku 19 lat.

Shimanovsky jest autorem licznych dzieł fortepianowych, kameralnych i orkiestrowych. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest opera „Król Roger”. Kompozytor został odznaczony Złotym Akademickim Wiejem Laurowym za wybitne zasługi dla szeroko pojętej sztuki polskiej.

W 1976 roku w Zakopanem otwarto Muzeum Karola Szymanowskiego. Honorowe imię kompozytora nosi także Muzeum Kultury Muzycznej w Kropywnyckim (Ukraina). Imienia Szymanowskiego nosi także Akademia Muzyczna w Katowicach.

wikipedia.org/domena publiczna

Witold Lutosławski (1913-1994)

Wybitny polski kompozytor. Uważany za jeden z najwięksi przedstawiciele sztuka muzyczna ostatniej tercji XX wieku.

Został także odznaczony złotym medalem Królewskiego Towarzystwa Filharmonicznego Wielkiej Brytanii (1987), tytułem Komandora Francuskiego Orderu Sztuki i Literatury (1982), polskim Orderem Orła Białego (1994).

Za przykład awangardy chóralnej XX wieku uznawane są „Trzy wiersze Henriego Michauda” Witolda Lutosławskiego.

Polska muzyka. kultura jest jedną z najstarszych chwał. muzyka kultury. Najwcześniejsze informacje o istnieniu P. m. zawarte są w notatkach podróżniczych Araba. kupcy (Ibn Fadlan i in.), którzy w VII w. handlowali na ziemiach polskich. W tym samym czasie znajdują się w stanowiskach archeologicznych. wykopaliska w Polsce, gwizdek kostny z 5 otworami grającymi i fragmentami fletu; XII w. 5-struny odkryte pod Gdańskiem są datowane. harfa. Wspomnienia o nim. mnisi (wczesne średniowiecze), którzy podróżowali po rejonie rzeki. Wiśle, świadczą o istnieniu polskich pieśni pogańskich. W tym samym czasie w polskim folklorze pieśniowym zachowały się elementy pieśni rytualnych związanych z pogańskim kultem przyrody (w pieśniach ludowych robotniczych pojawiają się imiona bóstw pogańskich – Lado, Mazhanna itp.). Już na najwcześniejszym etapie rozwoju Nar. P. m. w obrazach pieśni, intonacjach, pieśniach i cechach modalnych ujawniła się podobieństwo z pieśniami innych chwał. narody. O starożytnym pochodzeniu. utwory zawarte w dekompozycji folklorystycznej. r-nowy nowoczesny. Polska, zeznają śpiewy trichordowe, tryb pentatoniczny.

Nar. P. m. jest monofoniczna. Dla niej typowy jest ścisły związek pieśni i tańca; pl. nar. melodie są tańcem. melodie. Charakterystyczny jest rytm 3-taktowy punktowany z przesunięciem akcentu z taktu mocnego na słaby oraz rytm synkopowany na 2 takty. Istnieją także inne rytmy – w starożytnych myślach ceremonialne i krzyżowe. pieśni pracy. Niektóre stare prycze przypominają starożytne próbki. narzędzia, które zachowały się we współczesności Polskie wsie – trzepaczki, gwizdki i flety, na których przy akompaniamencie małych tamburynów wykonuje się rytualne melodie, dzwonki i fujarki pasterskie. Nar. muzyka instrumentacja jest zróżnicowana. Wśród starych pryczy. instrumenty: smyczki. pochylony - skrzypce, gensle, lepianki, przystanie itp.; instrumenty dęte - ligawy, ligawki, basy, dudy (dudy); perkusja - drewniane „krzyki” (grzechotki), tamburyny duże i małe. Narzędzie muzyka stała się powszechna wśród ludzi. życie codzienne. Wędrujący Nar. muzycy i instr. zespoły w zob. wieków byli stałymi uczestnikami wiejskich festiwali i uroczystości. Popularne starożytne prycze. tańce: khodzony (poprzednik poloneza), mazurek, kujawiak, oberek, krakowiak. Do tańca. P. m charakteryzuje się przemianą ruchu wolnego (taniec chdzory) i ruchu szybkiego (taniec goniony); sekcja tańca w ruchu szybkim opiera się na rytmice. odmiana tej samej melodii.

Khizatsky Kuyavyak (nagrane 1932).

Mazur (nagranie 1935).

Taniec Hodzona (nagrany 1934).

Krakowiaka z Kielc.

Mazur z Tarłowy. (Zebranie O. Kolberga „Ludzie…”, t. 2, s. 139, nr 168).

Krakowiak z Opatowa. (Zebranie O. Kolberga „Ludzie…”, t. 2, s. 137, nr 166).

Taniec Hodzona z Lubraneca. (Zbiór. O. Kolberga „Lud…”, t. 4, s. 95, nr 172).

Polonez z Włocławka. (Zebranie O. Kolberga „Ludzie…”, t. 4, s. 77, nr 131).

Kuyawiak z Kowala. (Zebranie O. Kolberga „Lud…”, t. 4, s. 92, nr 166)

Polska muzyka. folklor był szeroko stosowany przez wielu. Polski kompozytorzy, a także kompozytorzy z innych krajów; nadal są do niego kierowane. Na podstawie kreatywności realizacja charakterystycznych elementów Nar. P. m. (zwłaszcza narodowa muzyka taneczna) polska, rosyjska. i niemiecki. kompozytorzy tworzyli polonezy, mazurki i inne dzieła. (polonezy pisali J. S. Bach, G. F. Telemann, I. F. Kirnberger i inni). Wpływ Nar. P. m. jest szczególnie zauważalny w twórczości F. Chopina, S. Moniuszki, K. Szymanowskiego. Rus. kompozytorzy używali języka polskiego. melodie w jego operach („Iwan Susanin”, „Borys Godunow”, „Namiestnik Pan”, „Eugeniusz Oniegin”); po polsku nar. melodie oparte są również na instr. sztuki M. I. Glinki, A. A. Alyabyeva, A. N. Wierstowskiego, P. I. Czajkowskiego, A. K. Głazunowa, A. K. Lyadova i innych. muzyka sztuka znajduje także odzwierciedlenie w muzyce sów. kompozytorzy B. N. Lyatoshinsky, V. S. Ivannikov, M. V. Koval, M. S. Weinberg, S. A. Kondratiev i inni.

prof. P. m. zaczął się rozwijać od IX wieku. Wraz z katolicyzmem do Polski przedostał się chorał gregoriański. W XI-XII w. w różnych Na ziemiach polskich pojawiają się mszały, zbiory chorału gregoriańskiego („Sacramentarium”) z Tyńca i „Episkopalnego” („Pontificale”, 1110), opracowane przez biskupów krakowskich, sob. liturgiczny katolicki piosenki, tzw. „Ewangeliczny” („Ewangeliarz”, 1130), z Płocka (w zapisie niementalnym). Na katedry w Gnieźnie, Krakowie, Płocku, Krushwitz, Trzemeshn, Poznaniu otwarto śpiewaków dostępnych dla ogółu społeczeństwa. szkołach uczniowie to-rykh wprowadzili intonację naru do chorału gregoriańskiego. muzyka; powstały lokalne odmiany liturgiki. pieśni – znane są chorały krakowskie, gnieźnieńskie i inne. Wpływ Nar. muzyka sztuka ta przejawiała się szczególnie w misteriach (z XII w.) sprawowanych przez wędrownych seminarzystów, zabawach (jkululatorach) i innych osobach. muzycy; seminarzyści śpiewali po łacinie. lang., jokery - po polsku. Dogmat katolika kościoły nie mogły powstrzymać rozwoju oryginalnych pryczy. muzyka pozew sądowy.

Jednocześnie z kościoła muzyka opracowana i adv. sztuka świecka; pierwsza wzmianka o adw. instr. kaplice, tańce, wojsko. muzyka, o spektaklach z muzyką należą do XII wieku. W XIII wieku powstały pieśni rycerskie (służby itp.), które otrzymały specjalną dystrybucję na dworze króla Bolesława Krivousta. Pod wpływem Nar. muzyka powstała twórczość polska vneliturgich. piosenka duchowa. Jej najwcześniejszym przykładem jest „Dziewica Maryja” (notacja muzyczna odnosi się do 1407 r.), która wkrótce stała się patriotyczną militarną. pieśń rycerzy polskich, którzy ją śpiewali podczas bitwy pod Grunwaldem w 1410 roku. Melodia „Dziewicy” przypomina pieśń francuską. trouveur J. de Bruyne (być może wskazuje to na przenikanie wpływu twórczości trubadurów i truuveurów na P. m.). Do XIII wieku zawierają wczesne przykłady sekwencji (zachowało się 280 tekstów i około 80 melodii).

Pierwszym znanym autorem polskich pieśni duchowych (2. połowa XIII w.) był członek zakonu dominikanów, kompozytor Wincenty z Kielc. Jego dzieło, jak dzieło wielu współczesnych anonimowych kompozytorów świadczy o silnym wpływie muzyki polskiej. folklor. Penetracja Nar. elementy w religii. P. m. był tak intensywny, że opublikowano specjalne oferty. edykty biskupie zabraniające duchowieństwu „przestawać z komikami i muzykami”.

Na początku. XIV w. pojawiają się pierwsze próbki polskiej polifonii – kultowej katolickiej. gatunki: 2 tzw. chwalą „Chwalcie Pana” („Benedicamus Domine”), „lekcję” „Wszyscy jesteśmy śmiertelni” („Una cunctis leticia”) i Conductus „Teraz Chrystus wstąpił” („Surrexit Christus hodie”). Od XV wieku rozpoczyna się rozwój wielokątny. wok-instr. P. m. Wybitnym mistrzem był Mikołaj z Radomia, autor dzieł świeckich i duchowych. (Magnificat itp.), w którym wraz z wpływem Nar. P. m. kompozytorów ars nova i burgundy-flam. szkoły (patrz szkoła holenderska).

Od XIV wieku rozwijają się góry. muzyka kultura; rosnąca liczba prof. muzycy z gór. Drobnomieszczanie, to-żyto zjednoczeni w cechach i od 16 wieku. w warsztatach trębaczy, flecistów, perkusistów itp. (wspomnianych w księgach miejskich). Centrum muzyczne. kultura Polski staje się jej stolicą – Krakowem, gdzie działały warsztaty organistów i budowniczych organów; rozpowszechniły się pieśni studentów Jacque’a („Breve regnum igitur” i „Cracovia civitas”) Uniwersytetu Krakowskiego (założonego w 1364 r.). Szkolenie muzyczne. nauki prowadzono na nie-tych według traktatu I. de Murisa „Muzyka spekulacyjna”. Na początku. 16 wiek teorii muzyki wykładali tu Sebastian z Felsztyna, Marcin Kromer z Becha, S. Monetarius i in., pieśni ki) oraz inne wydawnictwa muzyczne, m.in. popularne religie. utwory wydrukowane na ulotki (tzw. druki ulotne; sprzedawano je przy kościołach, na jarmarkach). Na 2. piętrze. 16 wiek odbywały się warsztaty produkcji muzyki. instrumentach (B. Dobrutsky, M. Groblich Starszy, B. Keyher w Krakowie, B. Dankvart w Wilnie). W XVI wieku słynny instr. kaplica Zamku Wawelskiego i chór katedry na Wawelu w Krakowie, tzw. Rorantyści (od łac. imion. poranna modlitwa„Rorate coeli” – „Módlcie się do nieba”). Zespół rorantystów powstał na dworze Zygmunta Augusta (1543, liczył 11 muzyków).

Wraz z upowszechnieniem się w Polsce idei reformacji (z drugiej połowy XVI w.) i renesansu związał się nowy etap w rozwoju muzyki muzycznej, w muzyce polskiego renesansu umocniły się elementy świeckie. Znajdują się tu pieśni takie jak madrygał „Venus Above Me” („Alec nade mna, Wenus”) Mikołaja z Krakowa (był także autorem preambuł organowych), instr. muzyka (tańce na kilka instrumentów, preludia). OK. ser. 16 wiek w tabulaturach pojawiły się zbiory – organy Jana z Lublina (36 tańców itp., 1537-49), klasztor św. Duch w Krakowie (1548), późniejsza krakowska lutnia, to-żyto świadczyły o rozwoju w Polsce rozkładu. taniec formy. W wielu z nich zawarte są także tańce polskie. sob.

Dzięki tym zbiorom oraz innym źródłom rękopiśmiennym (do dziś znajdują się w różnych repozytoriach polskich i zagranicznych), zawierających dzieła. pl. Kompozytorzy polscy XVI wieku op. Sebastian z Felsztyna, Mikołaj z Chszanowa, M. Vartetsky, K. Borek, Wacław z Szamotula, M. Leopolita, M. Gomułka, T. Shadek, M. Paligonius, W. Gawara, A. Staniszewski i inni.Jest ich 4- 8 z nich -Goal. O znaczeniu świadczą msze, części mszy, motety, lamentacje, a także tańce i preambuły (preludia). wpływ na P. m. ital. i holenderski. polifoniczny Szkoły renesansowe.

Z królem. na dziedzińcu obsługiwali włoscy, flam., niemieccy, później polscy trębacze, fleciści (fleciści), harfiści, lutniści, cytry, którzy kultywowali rozkład. gatunki muzyki świeckiej; wśród nich - węgierski. lutnista i komp. Balint (Valenty) Backfark, autor 2 zbiorów utworów na lutnię, który służył na dworze w latach 1549-66. muzyk w Krakowie. Wysoki prof. umiejętność wyróżniała się śpiewem rorantystów, którzy wykonywali dzieła duchowe. polifoniści rozdz. przyr. włoski. i holenderski. szkoły. To op. przeciwny produkcji. kompozytorzy związani z protestantyzmem i rozwijającym się nat. prawo. Reformacja, która wywołała w Polsce w XVI wieku. filozoficzno-religijne tak zwany ruch dysydenci (niezwiązani z katolicyzmem), przyczynili się do powstania licznych. zbiory religii jednogłowy i wielokąt. pieśni, których autorzy (b. h. nieznani) dążyli do uproszczenia polifonii. technik, używał intonacji Nar. muzyka domowa, melodie nat. taniec; pisali piosenki wyłącznie z polskimi tekstami. Polskie kantcjonały stały się powszechne.

Wpływ idei reformacyjnych znalazł odzwierciedlenie w twórczości cara Basylika, a zwłaszcza w op. znaczy najwięcej. Polski kompozytor Ser. 16 wiek Wacława z Szamotula, którego muzyka jest polską polifonią. styl a cappella osiągnął swój szczyt. Jego motety i inne op. wok. kościół gatunki, które wyróżniają się subtelnym wyczuciem harmonii. styl i użycie imitacji. techniki, emocjonalne, bliskie świeckiej liryce kompozytorów renesansu; są napisane po łacinie. teksty („In te Domine speravi” i inne), natomiast pieśni duchowe, które stworzył w okresie bliskości ze środowiskami protestanckimi, są w języku polskim („Kryste, dzień naszego swiatlosci”). Wybitny zabytek homofoniczno-harmoniki. styl – komp. M. Gomułka sob. 4-gol Psalmy Dawida „Melodie Psałterza Polskiego” (na tekstach polskich J. Kochanowskiego, 1580). Psalm ten składa się ze 150 psalmów w formie kupletów, bez skomplikowanych imitacji, utrzymanych w duchu pieśni świeckich polskiego renesansu (zwykle łączą one tradycje pieśni francuskiej, włoskiej vilanelle, polskiej pieśni duchowej) i niemieckiej. protestancki śpiew.

Jednocześnie szybko rozwinęła się muzyka świecka – wok. i instrumentalne. Pojawiły się różnice. zgodnie z charakterem i tematyką pieśni – weselne, żałobne, historyczne, satyryczne; Popularnością cieszył się „Hymn rokoszan Zebrzydowskiego” („Hymn rokoszan Zebrzydowskiego”, 1606). Wśród gatunków instr. P. m. - Ch. przyr. tańce, a także preambuły organowe, opublikowane później w grudniu. zagraniczny zbiory tabulatur - X. Neusiedler, E. N. Ammerbach, M. Weiselius, J. B. Bezard, I. X. Demantius i inni. zbiory tabulatur druk prod. Polski komp. Diomedes Kato i wybitni lutniści V. Długorai, J. Polyak i in. Publikowane w tych zbiorach tańce polskie rozprzestrzeniły się po całej Europie. Państwa. Wiele tańców z języka polskiego. zbiór tabulatur Jana z Lublina przypisuje się Mikołajowi z Krakowa. Na przełomie XVI-XVII w. pojawiły się pieśni organowe A. Rokhaczewskiego. Jego dzieła, a także op. W org. znajdują się Heronim z Kopszywnicy i A. Jażembski. zbiór tabulatur z Pelplina (1620 r., odnaleziony w 1957 r.; łącznie zawiera około 100 utworów wykonywanych w Polsce na początku XVII w., w tym dzieła wielu kompozytorów holenderskich i włoskich).

Zwycięstwo kontrreformacji doprowadziło do wzmocnienia P. m. wpływy. Z królem. na dziedzińcu, który w 1596 roku został przeniesiony z Krakowa do Warszawy, znajdowała się kaplica, złożona z Ch. przyr. z Włoch. muzycy (wśród kompozytorów i kapelmistrzów są L. Marenzio, A. Pacelli, J. F. Anerio, M. Scacchi, V. Lilius, T. Merula i inni). Od XVI wieku wielu służyło w kaplicy. Polscy muzycy. Jak król. kaplice świeckie i kościelne. potentaci zaczęli tworzyć swoje wok.-instr. kaplice (rozdz. rozmieszczone w klasztorach jezuickich). Do kompozytorów polskich, którzy wyszli na pierwszy plan na przełomie XVI i XVII w., należy M. Zełenski, mistrz pisarstwa polichóralnego, który rozwinął się w jego Offertoriach, Communiones (pieśniach wielogłowych zaliczanych do kultu katolickiego) i inne gatunki duchowe, koncertujące (koncertujące) polifoniczne . wok-instr. Styl szkoły weneckiej. W 1628 r. na dworze Władysława IV wojska włoskie. dyrygenci, śpiewacy i członkowie orkiestry po raz pierwszy wystawili przedstawienia operowe. przysł. Włoski kapelmistrz w Warszawie służył przez ponad 30 lat. muzyk M. Skakki (później Polacy B. Penkel i J. Ruzhitsky). Zagraniczny muzycy pracujący w Polsce zapoznali się z polską muzyką. kultury i rozpowszechniany w innych krajach polski nar. melodie i narodowe gatunki. P. m. znalazło odzwierciedlenie w twórczości Austriaka. komp. I. Schmeltzer („Dody polskie”, 1671), francuski. komp. F. Couperin (utwór klawesynowy „Pieśń w smaku polskim”, 1721), niemiecki. komp. G. F. Telemana („Polskie Trio Sonata”) i innych.

Wszystko R. XVII wiek w związku z ogólną sytuacją gospodarczą upadek spowodowany najazdami i wojnami wroga, trupa operowa została rozwiązana iw kon. XVII wiek Król August II Saksoński przeniósł dwór i kaplicę do Drezna (tylko okazjonalnie kaplica występowała w Warszawie i Krakowie). Polscy magnaci i biskupi zaczęli tworzyć własne, często składające się z chłopów pańszczyźnianych, trupy operowe, wystawiane głównie za granicą. opery. W tym czasie wielu Kompozytorzy polscy działali poza granicami Polski (J. Polyak, V. Dembolecki, A. Hyliński i in.).

Równolegle z przysł. rozwinęły się także góry. muzyka kultury, o czym świadczy zbiór zebrany w 1640 r., obejmujący 59 gór. Miłość i taniec. piosenki (znalezione w 1962 r.). Piosenki te różnią się ściśle symetrycznie. strukturę i rytm. Brak warunków dla rozwoju gatunku operowego przyczynił się do wzrostu zainteresowania polskich kompozytorów instr. muzyka. Narzędzie muzykę stworzyli M. Melchevsky (kompozycje wokalno-instrumentalne, a także wielogłosowe kanzony na skrzypce z organami lub klawesynem), M. Zełenski (3 fantazje instr.), A. Yazhembsky - kompozytor, poeta i dworzanin. architekt, autor 28 pieśni i koncertów na instrumenty kameralne. (rozdz. arr. strings.) Zespoły, a także wiersz „Droga Stolbovaya, czyli Opis Warszawy”, zawierający informacje o froncie. muzyka życie. Przedstawicielem stylu barokowego w P. m. jest B. Penkel, twórca pierwszego w P. m. łac. oratorium-kantaty „Słuchajcie śmiertelnicy” („Audite mortales”), autor 9 mszy i 40 tańców na lutnię. Wśród innych przedstawicieli wczesnego polskiego baroku można wymienić D. Stachowicza, A. Paszkiewicza i innych kompozytorów, którzy opracowali Ch. przyr. gatunek koncertu duchowego. Na przełomie XVII-XVIII w. komputer jest wyciągnięty. S. S. Shazhinsky (pierwsza polska sonata tria kościelnego - Sonata da chiesa na 2 skrzypiec z basem ogólnym), G. Ya. Podbelsky (fantazja organowa), G. Gorchitsky (Completorium i koncerty duchowe).

Na początku. 18 wiek ponowne zainteresowanie gatunkiem operowym, które wykracza poza granice dworu. pozew sądowy. Otwarcie w 1724 r. w Warszawie spec. teatr. miejsce na pocztę spektakle operowe („Operalnya”), gdzie pod pachami. Polscy dyrygenci wystawiali także bezpłatne przedstawienia (opery M. Kamenskiego, J. D. Hollanda, J. Stephanie i in.) dla szlachty i mieszczan, przyczyniając się do demokratyzacji opery.

Zależny polityk. stan kraju, podziały Polski, rozwój nat.-liberate. ruch spowodował pojawienie się ruchu patriotycznego. piosenki. Wśród nich jest „Mazurek Dąbrowskiego”, który zaczyna się od słów „Jeszcze Polska nie zginela” i przechodzi w Nar. hymn Polski (i Polski), pieśni polskich powstańców, m.in. „Naprzód, szybciej!”, które śpiewali uczestnicy powstania pod bronią. Kościuszki (1794), „Dymem pożarów” (wykorzystany przez posła Musorgskiego w pieśni „Dowódca” z cyklu „Pieśni i tańce śmierci”). Sto lat później wśród rewolucjonistów. wykluczy pieśni mieszkańców miasta. Popularność zdobyła „Warszawianka” K. Kurpińskiego (1831).

W 1765 roku otwarto „Tr Narodovy”, dzięki któremu możliwy był dalszy rozwój polskiego państwa. sztuka operowa. W nim w 1778 roku znajdowała się poczta. pierwszy obywatel Polski opera – „Lepsza bieda” M. Kamenskiego. W poście z 1794 r. opera „Krakowici i Górale, czyli cud urojony” J. Stefaniego (liberała, twórcy polskiej t-ry, dramaturga i aktora W. Bogusławskiego). Akcja tych oper rozgrywa się na polskiej wsi, a nar są szeroko stosowane w muzyce. melodie i tańce. Krajowy motywy nadal się rozwijały itp. kompozytorów operowych kon. 18 wiek Jednocześnie Powstały polskie singspiele, opery historyczne. treść i dramat. opery w wersji klasycznej historie, m.in. „Faust” A. Radziwiłła (pierwsza opera w historii muzyki europejskiej, oparta na fabule „Fausta” Goethego).

K ser. 18 wiek wystąpili pierwsi polscy symfoniści – ks. Hilara (symfonia zaginęła), J. Szczurowski (ok. 1740), później – A. Milvid (jego symfonie opierały się na tematyce bliskiej ukraińskiemu folklorowi muzycznemu), J. Golumbek, J. D Holland, J. Vansky, na przełomie XVIII i XIX wieku. - V. Dankovsky, F. Scigalsky i in. Znany jest ok. 80 symfonii polskich napisanych w XVIII wieku rozdz. przyr. w stylu kompozytorów szkoły mannheimskiej i wczesnej szkoły klasycznej wiedeńskiej charakterystyczną cechą tych symfonii jest użycie nat. melodie w końcowych partiach.

Kameralna P. m. a gatunek polskiego instr. koncert klasyczny. typ położył podwaliny pod F. Janewicza, w twórczości którego zauważalny jest wpływ jego nauczyciela J. Haydna, i J. Klechinsky'ego, w którego twórczości. łączą się wpływy walecznej, wczesnej klasyki. i przedromantyczny style. To jest ta sama kombinacja. wpływy charakterystyczne dla twórczość kameralna F. Mireckiego (autor 8 oper, bardziej znanych we Włoszech i 1. podręcznika instrumentacji w Polsce). Na przełomie XVIII i XIX w. fp zaczyna się rozwijać. muzyka; pierwszy polski koncert należy do W. Lessela. Polonezy są szeroko rozpowszechnione. W tym gatunku bezpośrednim poprzednikiem F. Chopina był M. K. Oginski, którego polonezy zyskały szeroką popularność w całej Europie. Wśród innych autorów op. muzyka okresu przedchopinowskiego - pianista M. Shimanovskaya, Yu.Deshchinsky, Yu.Kachkovsky i inni, którzy napisali rozdz. przyr. miniatury w stylu „brillant”, polonezy, mazurki, etiudy itp.; do wybitnych kompozytorów skrzypcowych tego czasu należał wirtuoz K. Lipiński (występował na tym samym koncercie z N. Paganinim), autor 4 Skr. koncerty, a także opery, symfonie i inne dzieła, w których wyczuwalne są cechy romantyzmu. Do ich współczesnych zaliczają się skrzypek S. Servachinsky i organista W. Goronchkevich. Duże znaczenie dla rozwoju literatury muzycznej miała działalność kompozytora, wydawcy i pedagoga Yu.Elsnera (nauczyciela F. Chopina), założyciela (1821) i dyrektora Instytutu Muzyki i Recytacji (później konserwatorium). Niektóre jego opery opierały się na scenach z historii Polski - Leszek Biały, czyli Czarownica z Łysej Góry (1809), Król Loketek (1818), Jagiello w Tenczynie (1820). Krajowy jego instr. utworów, zwłaszcza sonat, w których wprowadził mazurka i krakowiaka.

Oznacza. wkład w rozwój P. m. 1 piętro. 19 wiek wniesione przez kompozytora, dyrygenta, pedagoga i muzyka. pisarz K. Kurpiński, ok. 1800 Przez 30 lat kierował teatrem operowym w Warszawie i napisał 26 oper (w tym historyczną Jadwigę itp.), które wyróżniają się jasnym kolorem. kolor. Pisał także balety, symfonie, uwertury, pieśni; założył pismo „Tygodnik Muzyczny” (1820).

Polska muzyka się rozwija. etnografia. W 1843 r. ksiądz M. Meduszewski opublikował zbiór starożytnych religii. pieśni, kolędy i pastorałki (z melodiami). Twórca muzyki polskiej. etnografią był O. Kolberg, autor wielotomowego dzieła (38 tomów) „Ludzie, ich zwyczaje, sposób życia, język, legendy, przysłowia, obrzędy, zaklęcia, zabawy, pieśni, muzyka i tańce” („Lud , jego zwyczaje, sposub życie, mowa, zastosowania, przyslowia, obrzedy, gusla, zabawy, piesni, muzyka i tance”, 1865-90). Dzieło to zachowało wagę najważniejszego źródła do badania kultury i życia narodu polskiego.

Krajowy aspiracje kompozytorów w con. 18 - błagam. XIX w., rozwój FP. gatunki, wykonanie ft. muzykę koncertową, upowszechnianie domowego muzykowania, wydawanie obszernej literatury fortepianowej. – wszystko to stopniowo otwierało drogę do rozkwitu twórczości najwybitniejszego przedstawiciela P.m.F.Chopina. Chopin jest jednym z założycieli narodu polskiego szkoła kompozytorska. Jego twórczość nabrała światowego znaczenia, determinując rozwój romantyzmu. fp. muzyka. Chopin, który sam był wybitnym pianistą, rozwinął swoją ekspresję. możliwości FP., wzbogacił technikę FP. Gry; w oparciu o modalność i intonację. cechy Nar. P. m. rozszerzył harmonikę. znaczy i melodyjny Zasoby europejskie. muzyka pozew sądowy. Chopin stworzył nowe gatunki fp. muzyki, przekształcił preludium ze spektaklu wprowadzającego w samodzielne (cykl 24 preludiów), rozwinął i poetyzował Nar. taniec gatunki mazur, polonez, krakowiak, wypełnione nowymi, znaczącymi i często udramatyzowanymi treściami etiuda i scherzo, wprowadziły gatunek fp. ballady, na nowo zinterpretował formę sonatową, był jednym z twórców romantyzmu. cykl sonatowy. Ucieleśniał w muzyce różnorodny świat ludzkich uczuć - marzycielski, jasny, romantyczny. tekst, tragiczny smutek, bohaterstwo impulsy, jasna radość. Dzieło Chopina, rozdz. przyr. jego innowacja w dziedzinie harmonii wywarła ogromny wpływ nie tylko na współczesność. go polskiego i zagranicznego. kompozytorów, ale także muzyków kolejnych pokoleń, aż do środka. XX wiek (szczególnie w języku rosyjskim. Kompozytorzy - M. A. Balakireva, A. K. Lyadov, A. N. Skriabin itp.). Do współczesnych Chopinowi zaliczają się J. Nowakowski, T. Nidetski, A. Orłowski, I. F. Dobżyński i inni kompozytorzy, których twórczość nie wykraczała poza naturę. pozew sądowy.

Ogromny wkład w operę i wok. P. m. przedstawił S. Monyushko. Na podstawie art. tradycji Chopina, a także M. I. Glinki i A. S. Dargomyżskiego, Monyushko ostatecznie zatwierdził typ nat. Opera polska, rozwinęła osobliwe cechy pryczy. piosenka i taniec. muzyka. Krajowy charakter jego oper wyznacza libretto, osn. na wątkach z życia polskiego, charakteryzujących się konfliktami społecznymi („Galka”, 1847; „Pariasz”, 1860) brzmią patriotycznie. motywy („Uczciwe słowo”, 1860; „Straszne podwórko”, 1864 itd.). Jego opery, a także wok. szturchać. (kantata „Wizje” – „Widma”) i instr. muzyczne, zachowały swoje znaczenie i są wykonywane w Polsce i za granicą.

Na pierwszym piętrze. 19 wiek Towarzystwo Przyjaciół Nat. i religijne muzyki w Warszawie oraz Towarzystwo Przyjaciół Muzyki w Krakowie, które organizowało koncerty, muzykę i edukację. instytucje, zagadnienia muzyczne. edukacja i oświecenie, propaganda nowych muz. kompozycje.

Wszystko R. 19 wiek promują się najwięksi wirtuozi skrzypiec - G. Venyavsky, twórca Skt. koncerty, popularne polonezy itp. oraz Ap. Kontsky (założyciel i dyrektor Warszawskiego Instytutu Muzycznego, 1861-79). Bracia Ap. i Mrówka. (pianista) Kontscy byli autorami tańców salonowych i innych sztuk teatralnych, które stały się powszechne. Wśród kompozytorów II piętra. 19 wiek - Y. Zarembsky, znany także jako pianista (uczeń F. Liszta), autor fortepianu. kwintet, polonezy i inne. Prod., A. Stolpe, A. Rutkovsky i E. Pankevich. Zasady wagnerowskie do polskiej opery wprowadził H. Jarotsky (dramat muzyczny Mindove; w innych operach rozwinął zasady Moniuszki). w symfie. gatunki w con. 19 - błagam. XX wiek pracował Z. Noskowski (uczeń Moniuszki, pedagog i działacz muzyczno-społeczny), twórca pierwszej polskiej symfonii. wiersze „Step”, symfonie programowe, opery, 10 cykli pieśni itp., V. Żelenski, autor symfonii programowych. szturchać. (w tym uwertury ” leśne echo" i "W Tatrach") oraz orkiestrowe "Suity tańców polskich", w których intonacje ludowych P.m., utworów wokalno-symfonicznych i oper mają przeważnie charakter liryczny, pieśni oparte na folku.

W 1901 roku zorganizowano Filharmonię Warszawską, która stała się ośrodkiem upowszechniania muzyki klasycznej. i nowoczesne symp. P. m. (filharmonia – pierwszy stały polski zespół zawodowy).

Na początku. XX wiek tradycje romantyzmu i neoromantyzmu w wymiarze narodowym. ducha rozwinęli I. Ya. Paderevsky, który zasłynął jako pianista (utwory fortepianowe, pieśni, opera „Manru”), R. Statkovsky (6 kwartetów smyczkowych), J. Gall (liczne popularne chóry i pieśni), F. Shopsky, P. Mashinsky, M. Soltys (oratoria), V. Malishevsky (uczeń N. A. Rimskiego-Korsakowa), F. Novoveisky (produkcja kościelna), Z. Stoyovsky i inni.

W tym czasie na pierwszy plan wysunęli się wirtuozi, wśród nich (oprócz Paderevsky'ego) - pianista N. Yanota, skrzypek S. Bartsevich, śpiewacy - rodzina Reshke, A. Bandrovsky-Sas i inni. staje się bardziej intensywny i różnorodny. życie. Rozwija się nauka o muzyce: powstają katedry muzykologii w wysokich butach futrzanych w Krakowie (1911) i Lwowie (1912); Aktywuje się działalność prywatnych muz. wydawnictwie, liczba muz rośnie. czasopisma, rosnące zainteresowanie starożytnym P. m. na przełomie XIX i XX wieku. kreatywność powstaje w Warszawie. grupy „Młoda Polska”, która odegrała ważną rolę w zatwierdzeniu nat. P. m. oraz przyczynił się do wydania i wykonania nowego op. polskich kompozytorów i zapoznawanie polskich muzyków z najnowszymi trendami muzyki światowej. pozew sądowy. Dla promocji nowego P. m. duże znaczenie miała działalność Stałej Filharmonii Warszawskiej. orkiestra (1901-14), na której czele stoją czołowi dyrygenci i kompozytorzy, a także Polskie Wydawnictwo Muzyczne. Oprócz wspólnych dążeń ideowych kompozytorów „Młodej Polski” w pierwszych latach jej działalności łączyła charakterystyczna stylistyka. cechy: neoromantyczny. trendy w harmonii i instrumentacji oraz programowaniu. Jednak wkrótce twórczo. ścieżki członków grupy rozeszły się: najpierw przetestował K. Shimanovsky silny wpływ twórczość A. N. Skriabina, następnie R. Straussa i M. Regera, ks. Impresjoniści i wczesny I. P. Strawiński (balet „Harnasi”) w wielu FP. szturchać. przyszedł do harmonijki. złożoność (III sonata, „Maski”, „Metopy”); M. Karlovich pozostał w kręgu neoromantyki. tradycje (wiersze symfoniczne „Stanisław i Anna Auschwitz”, „Rapsodia litewska”, „Epizod na maskaradzie”, „Powracające fale”, symfonia „Renesans” itp.); L. Rużycki w symfonii. wiersze, wyróżniające się jasnym natem. kolor, rozwinął pewne cechy stylu R. Straussa.

Wykonawca osiągnął wysoki poziom. roszczenie w con. 19 wiek Na 2. piętrze. 19 i wcześnie XX wiek nominowani: dyrygenci E. Młynarski, G. Fitelberg, W. Bierdiajew; pianiści T. Leshetitsky (lepiej znany jako nauczyciel), A. Mikhalovsky, I. Hoffman, R. Kochalsky, I. Paderevsky, Yu.Turchinsky i inni; skrzypkowie B. Huberman, P. Kochansky, I. Lotto i inni; śpiewacy A. Didur, I. Dygas;

Po odzyskaniu przez Polskę niepodległości (1918) w kraju odrodziła się muzyka. życie: działały 3 konserwatoria (we Lwowie, Katowicach i Poznaniu), organizowano symfonię. orkiestry, 3 teatry operowe, ale żyto okazało się ekonomiczne. trudnościami („T-r Wielki” został czasowo zamknięty). Na pierwszy plan wysunęli się najważniejsi wykonawcy: pianiści X. Sztompka, S. Szpinalski, Z. Dzhevetsky; skrzypkowie I. Dubiskaya i E. Uminskaya; śpiewacy E. Bandrovska-Turska, J. Kiepura i in.. Koncertowali w Polsce wybitni dyrygenci i skrzypkowie; konkursy pianistyczne. Chopin (Warszawa), od 1935 - skrzypkowie. G. Wieniawskiego (Poznań). W 1930 r. powstał Związek Kompozytorów Polskich; w 1922 r. otwarto III katedrę muzykologii – na Uniwersytecie Poznańskim (kierowany przez L. Kamenskiego). Wśród czołowych muzykologów lat 20.-30. XX wieku. - A. Khybinsky, Z. Yakhimetsky, S. Lobachevskaya, X. Feucht. W latach 1920-30. ogromne znaczenie miała działalność K. Shimanovsky'ego, który rozpoczął swoją twórczość. ścieżka z 1900 r. Miał wielki wpływ na kompozytorów młodszego pokolenia: doskonaląc się w Paryżu, Berlinie i Wiedniu, kompozytorzy ci byli pod wpływem Strawińskiego, Francuza. neoklasycyzm i nowa szkoła wiedeńska (w mniejszym stopniu). Kompozytorom skupionym wokół Shimanovsky'ego (S. Vekhovich, K. Sikorsky, B. Voitovich, T. Sheligovsky, Ya. Maklyakevich, B. Shabelsky, A. Malyavsky i in.) przeciwstawiali się konserwatywnie myślący przedstawiciele starszego pokolenia muzyków (P. Rytel, E. Moravsky, E. Mlynarsky, X. Meltzer-Shchavinsky, F. Novoveisky, S. Niewiadomsky i inni). Walka tych obszarów zdeterminowała towarzystwa muzyczne. klimat lat 30-tych Do kompozytorów, których działalność twórcza rozwinęła się w przededniu II wojny światowej 1939–45, należą P. Perkowski, M. Kondratsky, R. Palester, M. Spisak, T. Kassern, A. Malyavsky, a także ci, którzy przeżyli poza Polską - A. Shalovsky, A. Tansman, K. Rathaus, E. Fitelberg, L. Rogovsky i in. Zaczęła pojawiać się muzyka. czasopisma: naukowe „Muzyka Polska” (1934-39), „Rocznik Muzykologiczny” (1935-36); popularne „Śpiewak” (do 1938 r.), „Muzyka w szkole” (do 1939 r.) i wiele innych. itd. W 1939 roku po raz pierwszy w Warszawie odbył się festiwal nowoczesności. muzyczne (od 1954 pod nazwą „Warszawska Jesień”).

II wojna światowa i 6-letni faszysta. okupacja (1939-1945) niemal całkowicie sparaliżowała muzy. życie kraju. Muzy. uch. instytucje zamknięto (kilka szkół muzycznych działało nielegalnie), spalono i częściowo wywieziono drogą muzyczną do Niemiec. biblioteki i archiwa, zniszczone lub zamknięte przez conc. w salach koncertowych odbywały się koncerty „tylko dla Niemców” (nielegalne koncerty odbywały się jednak w prywatnych domach Polaków). B. h. notatki i rękopisy prod. nowoczesny kompozytorzy zginęli w czasie Powstania Warszawskiego (1944), kompozytorzy i wykonawcy, którzy znaleźli się w różnych częściach kraju, pozbawieni instrumentów, zaprzestali swojej działalności.

Po 1945 r., za zgodą socjalisty. budownictwo w Polsce zapoczątkowało restaurację muz. życie i muzyka. kultura. Muzy. instytucje, stając się państwowe, otrzymały solidną bazę finansową, ich liczba wkrótce przekroczyła przedwojenną, powstało wiele nowych muz. instytucje i zespoły w różne miasta Polska. Wznowiła pracę konserwatorską i inną muzyczno-oświatową. instytucje, teatry i orkiestry Warszawy, Krakowa i innych miast. W Polsce funkcjonuje 19 symboli. orkiestry, m.in. 7 filharmonii, 8 opery t-ditch, 16 operetki t-ditch, 7 stanowe. wyższe szkoły muzyczne, ok. 120 muzyki wtórnej i elementarnej. szkoły. Muzy otrzymały szeroki zakres. występ amatorski. Muzy przyczyniają się także do procesu demokratyzacji sztuki. audycje radiowe i telewizyjne. Z kon. Lata 40 intensywnie rozwija stęż. życie. Powstało ich wiele. wok. zespoły muzyka dawna: w Poznaniu (chór pod dyrekcją Stuligrosza), w Krakowie (kaplica „Krakowense”), we Wrocławiu, Warszawie, Bydgoszczy i innych miastach. Aktywnie koncertuje także instr. zespoły muzyki dawnej, m.in. pod ręką K. Toycha, kwartet Wilanowski, kwartet Łazenkowskiego, kwintet warszawski, orkiestra kameralna pod dyr. Yu Maksimyuk i inni Recenzje dzieł współczesnych. Polscy kompozytorzy demonstrują swoją twórczość (pl. op. w duchu najnowszych trendów muzyki świata) na festiwalach „Poznańska Wiosna”, „Warszawska Jesień”, „Wratislavia cantans” („Śpiewający Wrocław”). Do wybitnych muzyków zaliczają się: dyrygenci W. Rovitsky, H. Chizh, Yu.Krenz, J. Katlevich, K. Kord, S. Wislotsky, a także W. Mikhnovsky, Yu.Maksimyuk, Ya.Kaspozhak i inni; pianiści G. Czerny-Stefanska, V. Kendra, V. Hesse-Bukowska, R. Smendzhanka, J. Ecker, P. Palechny, H. Zimmerman i inni; skrzypkowie E. Uminskaya, G. Batsevich, T. Wronsky, E. Statkevich, V. Vilkomirskaya, K. Danchevskaya, A. Kulka i inni; śpiewacy S. Wojtowicz, W. Ochman, G. Łukomska i in.W 1945 r. Związek Kompozytorów Polskich wznowił działalność.

Wszystko R. 40-50 lat pojawił się nowy gatunek dla P. m. - symfonia heroiczno-monumentalna (Z. Tursky, A. Malyavsky, B. Voitovich, V. Lutoslavsky, B. Shabelsky, K. Serotsky, A. Panufnik i inni). Ogólny rozkwit kultury socjalistycznej. Polska znalazła odzwierciedlenie w charakterze muz. pozew: pl. kompozytorzy zwrócili się w stronę wykorzystania muzyki polskiej. folklor i utworzenie chóru masowego. i pieśni solowe (T. Sigetinsky, A. Gradshtein, K. Serotsky i inni). stęż. programy zostały zaprojektowane dla szeroka publiczność. Cechy narodowe styl jest szczególnie wyraźny u takich orków. wyprodukowane jako: „Mała suita”, „Tryptyk śląski” Lutosławskiego, „Symfonia polska” (1950) Z. Mycielskiego, II symfonia (z solistami i chórem) K. Serockiego, „Symfonia wiejska” („Sinfonia rustica”) A Panufnik, III symfonia X. M. Tureckiego i in.; kantaty „Kantata na chwałę pracy” B. Woitowicza, „Dwa miasta – Warszawa – Moskwa” J. Krenza, „Wrocław Kantata” K. Wiłkomirskiego, „Droga chłopska” W. Rudzińskiego. Wszystko R. lata 50 W twórczości kompozytorów PPR pojawiły się nowe heterogeniczne tendencje. Wielu kompozytorów odeszło od tradycji folklorystycznych. Niektórzy z nich zwrócili się ku neoklasycyzmowi, inni zastosowali technikę dodekafonii, a także dekompozycji. techniki najnowszej Europy Zachodniej. muzyka. Są wśród nich K. Penderecki, K. Serocki, T. Ptak, W. Kotonski, A. Dobrowolski, W. Szalonek. Szturchać. kompozytorzy ci otrzymali nagrody na arenie międzynarodowej. konkursach i festiwalach, występujących w wielu Państwa. Największą sławę zdobyli Lutosławski i Penderecki. W latach 60-70. obok kompozytorów starszego pokolenia aktywnie pracuje wielu młodych, którzy wykazali się kreatywnością. indywidualność w poszukiwaniu nowych środków wyrazu. Do pierwszych należą: X. M. Turetsky, Z. Rudzinsky, B. Matushchak, K. Nazar-Mogumanska, R. Tvardovsky, K. Meyer (uczeń D. D. Szostakowicza), M. Stachowski, Z. Buyarsky, B. Sheffer (najbardziej „ekstremalny” wśród kompozytorów eksperymentalnych), Yu. Łucyuk, A. Koshevsky, A. Bloch, Ya. Astryap. Do młodych kompozytorów, którzy z sukcesem występowali na festiwalach Warszawskiej Jesieni w latach 70., należeli Z. Krause, T. Sikorski, J. Fotek, I. Bruzdowicz, M. Ptaszynska, G. Pstrokońska, E. Knapik, A. Kszanowski. W pracy wielu kompozytorzy w środku lata 70 nastąpiło odejście od czysto sonorystycznego. techniki i odwołują się do stylu z dobitną melodyjnością. elementy (Z. Buyarsky, Bloch, Matushchak itp.), a także wykorzystanie elementów nat. nar. muzyka (III symfonia - „Mornous tunes” Tureckiego, „Kshesany” Kilyara itp.). Bardziej umiarkowani przedstawiciele nowoczesności. prądy w P. m. - T. Patserkevich, Dombrovsky, Kiselevsky, Koshevsky. Podążając za Batsewiczem od lat 60. wyprowadziło się wielu kompozytorki - I. Bruzdowicz, K. Nazar-Moshumanskaya, Pstrokonskaya, M. Ptashinskaya. Pomimo wielu różnic w kierunku kreatywności. wyszukiwania typowe dla współczesnych. Polski szkoły kompozytorskiej to grawitacja w stronę monumentalnych form, ostra ekspresja. Szereg polskich kompozytorów na stałe mieszkających poza granicami Polski, wspierała i nadal wspiera powiązania kulturalne z ojczyzną, a wśród nich - M. Spisak (zm. 1965), A. Shalovsky (zm. 1973), M. Kondratsky, A. Tansman, Sh. Lyaks, F. R. Labunsky, R. Macheevsky, R. Palester, A. Panufnik, S. Skrowaczewski. Ich twórczość w swoim stylu i środkach wyrazu należy do P. m.

Naukowy badania w różnych kierunki historii i teorii muzyki studiują muzykolodzy na wydziałach Uniwersytetu Warszawskiego (Z. Lissa, Yu. Od 1976 roku ponownie działa Katedra Muzykologii Uniwersytetu Poznańskiego (J. Stenszewski, V. Kaminsky, K. Michalowski). Z młodszego pokolenia muzykologów polskich można wymienić L. Bielawskiego i J. Stenszewskiego (muzykologów-etnografów), K. i J. Morawskich (badaczy muzyki dawnej), I. Poniatowską, Z. Helmana i J. Wierszyłowskiego (ten ostatni zajmuje się badaniami nad psychologia twórczości muzycznej) wyróżniają się). Przy Związku Kompozytorów Polskich zorganizowano sekcję muzykologów. Polscy muzycy zaliczani są do Międzynarodówki. Towarzystwo Muzykologiczne i Międzynarodowe. muzyka Rada przy UNESCO. Muzycy-wykonawcy zrzeszają się w Związku Polskich Artystów-Muzyków („SPAM”). Polskie Towarzystwo Muzyczne aktywnie działa. wydawnictwo krakowskie (od 1945 oddział w Warszawie), publikuje publikacje naukowe. i popularne książki muzyczne, nuty, m.in. partytury op. nowoczesny polscy kompozytorzy; wśród publikacji - zbiory op. Chopina, Szymanowskiego i Moniuszki.

Międzynarodowy sławę zdobyły zespoły polskiego Nar. utwory „Mazowsze” i „Shlensk”, składające się z chóru. i grupy baletowe. Jednocześnie z wysokim rozwojem prof. P. m. podnosi sztukę. poziom muzyki. występy amatorskie (zespoły amatorskie finansują związki zawodowe). Powstają liczne. chóry i estr. amatorskie, duch. orkiestry i zespoły; istnieje działająca filharmonia. Organizowane są festiwale. chóry, popularne piosenki i inne.Wśród amatorów. Najbardziej znanym jest Łódzki Zespół Tańca i Pieśni „Harnama”. W 1960 roku zwiększone zainteresowanie starożytnym P. m.; w Bydgoszczy od 1966 roku (raz na 3 lata) odbywają się festiwale i kongresy poświęcone m.in. muzyka starożytna krajów Wschodu. Europie, uprawia ją prof. zespoły – oprócz wcześniej utworzonych (chór pod dyrekcją Stuligrosza i Poznańskich Słowików pod dyrekcją E. Kurczewskiego), Warszawscy Trębacze i Fleciści (kierownik K. Piwkowski), Bydgoscy Madrygaliści, Krakowska Kaplica Muzyki Dawnej, Wrocławski Chór pod dyr. ręka Kaidash i inne grupy. Zorganizowany coroczne festiwale- nowoczesny muzyka „Warszawska Jesień” w Warszawie, muzyka oratoryjna „Wraclavia cantans” we Wrocławiu, polscy pianiści w Słupsku, piosenka pop w Sopocie (od 1977 Festiwal Interwizji i Nagrań) i wiele innych. itp. W Polsce odbywają się największe międzynarodowe wydarzenia. zawody: w Warszawie – im. Chopin (pianiści; 1 raz na 5 lat, od 1927; przerwany w związku z II wojną światową i wznowiony w 1949), im. G. Wieniawski (skrzypkowie; od 1935; wznowiony w 1952 w Poznaniu, raz na 5 lat; od 1957 w ramach tego konkursu odbywają się konkursy dla kompozytorów i scenarzystów); Piosenka radziecka w Zielonej Górze.

Literatura: Paschałow V.V., Chopin i język polski Piosenka ludowa, L. - M., 1941, Chopin i język polski muzyka ludowa, L.-M., 1949; Bełza I.F., Dzieje polskiej kultury muzycznej, t. 1-3, M., 1954-72; Wybrane artykuły muzykologów polskich, sob. 2, M., 1959; Rosyjsko-polskie powiązania muzyczne. Artykuły i materiały, M., 1963; Roliński A., Dzieje muzyki polskiej w zarysie, Lww, 1907; Reiss J., Najpiekniejsza ze wszystkich jest muzyka polska, Kr., 1946, 1958; Jachimecki Z., Muzyka polska w rozwoju historycznym, t. 1-2, Kr., 1948-51; Chybinski A., Słownik muzykуw dawnej Polski do roku 1800, Kr., 1949; Strumillo T., Szkice z polskiego życia muzycznego XIX w., Kr., 1954; własny, Zrodla i poczatki romantyzmu w muzyoe PolskieJ, Kg., 1956; Michałowski K., Bibliografia polskiego pismiennictwa muzycznego, t. 1-2, Kr., 1955; Dodatek za lata 1955-1963, Kr., (1963); Kultura muzyczna Polski Ludowej, 1945-55, red. J. Chomiński, Z. Lissa, Kr., 1957; Muzyka polska, wyd. S. Jarocinki, Warsz., 1965; Schdffer V., Almanach polskich kompositorów wspulczesnych, Kr., 1966; Polska wspülczesna kultura muzyczna 1944-1964, red. E. Dziebowska, Kr., 1968; Mrygon A., Mrygon E., Bibliografia polskiego pismiennistwa muzykologicznego, Warsz., 1972; Volksrepublik Polen, 1945-1956, V., 1972; Morawski J., Polska liryka muzyczna w średniowieczu. Repertuar przewodyiny cystersw (XIII-XVI w.), Warsz., 1973; Szkice o kulturze muzycznej XIX wieku, t. 1-3, Warsz., 1971-76, red. Z. Chechlińska. Zobacz także lit. z artykułami Warszawa, Kraków, Chopin, Szymanowski.