Olga Danilkina, Ivan Isaev, Elena Ishchenko i Boris Klyushnikov – o samotności przedmiotu i dyktacie widza, interpasywności i jej sile politycznej, rynku sztuki i jego autonomii
" Głęboko w środku". Główny projekt V Biennale w Moskwie młoda sztuka, 2016
Przygotowania do piątego biennale młodej sztuki przebiegały w napiętej atmosferze – obok niezmiennych logo obu organizatorów, NCCA i MMMA, pojawiło się trzecie – ROSIZO. Biennale powołało komisarza – podobnie jak „starsze” Biennale w Moskwie – Ekaterinę Kibovskaya, której główną rolą, jak się wydaje, pomimo posiadania już trzech organizatorów państwowych, było znalezienie prywatnych partnerów i sponsorów. Na kuratora głównego projektu wybrano Nadima Sammana, który według Artsy.net znalazł się w pierwszej dziesiątce młodych i obiecujących kuratorów.
Efektem jego pracy była wystawa „Deep Inside”, która zgromadziła, jak mówią, 87 artystów z 36 krajów. Główny projekt (jak i całe biennale) wywołał skrajne opinie, które znalazły odzwierciedlenie m.in. w okrągłym stole zorganizowanym przez portal Artguide. Redaktorzy czasopisma wokółart.ru Olga Danilkina i Elena Iszczenko postanowiły kontynuować dyskusję i wezwały dwóch młodych kuratorów, Iwana Isajewa i Borysa Klusznikowa, do pogłębienia sporu – o główny projekt i markę młodego biennale, samotność obiektu i dyktat widza, interpasywność i jej siła polityczna, Rynek sztuki i jego autonomia.
Zdjęcia: Olga Danilkina
Iwan Isajew: Okrągły stół w Artguide, poświęcony biennale młodzieży, na które zaproszono nas także z Boryą, minął z wyraźną przewagą wypowiedzi Victora Misiano, w którym niejako mimochodem poruszono problemy głównego projektu. Zaproszenie do wypowiadania się w celu publikacji na wokółart.ru wydawało się dobra szansa w celu bliższego omówienia głównego projektu, rozwinięcia i poszerzenia krytycznej argumentacji w stosunku do wystawy w manufakturze Trekhgornaya. Już przed rozmową było wiadomo, że moje stanowisko będzie raczej oskarżycielskie, natomiast Borya zamierzał bronić właśnie tego trybu Biennale, uzasadniając to, co zostało pokazane.
Borys Klusznikow: Tak, szczegółowo omawialiśmy wówczas podstawy Biennale jako formatu, z jego ogólną problematyką. Jeśli jednak ktoś jest naprawdę konsekwentny w krytyce, to można w nieskończoność mediować wypowiedzi, wątpiąc w ich zasadność. Po krytyce Biennale można zastanawiać się nad istnieniem instytucji sztuki i ostatecznie krytycznie ocenić samo życie na Ziemi. W tego typu krytyce umyka treść wypowiedzi, analiza tego, co zostało zrobione, a nie tego, co można zrobić w idealnej sytuacji w próżni. Mamy więc taki format, jaki mamy. A teraz myślę, że możemy zastanowić się, jak czytać główny projekt.
Na pierwszym planie: Jurij Szust. Egzo zapomnienie. 2015. W tle: Claire Pugham. Próba przytulania #25. 2015
sztuczna inteligencja: Zacznę od głównych założeń projektu. Myślę, że wystawa Sammana jest uosobieniem hackerskiej pracy na wszystkich poziomach: od podejścia do wystawy, po wybór prac i instalację. Mowa o Biennale – międzynarodowym wydarzeniu, które ma na celu ożywienie lokalnej sceny, prezentację trendów w dziedzinie Sztuka współczesna. Ale widzimy w tym potworną izolację od kontekstu – od moskiewskiej społeczno-politycznej, od manufaktury Tryokhgornaya. Kiedy ogłoszono miejsce, podkreślano, że ma ono charakter historyczny – to Krasnaja Presnia, jedno z centralnych miejsc rewolucji 1905 i 1917 r., sama fabryka jest stara. Ale nie zauważyłem żadnej pracy w ramach Projektu Głównego, która pasowałaby do tego kontekstu. Mam wrażenie, że większość Praca została po prostu przeniesiona z jednej Białej Kostki, w której była wystawiona gdzieś w Europie, do innej Białej Kostki. Myślę, że miło byłoby poznać środowisko, w którym zostałeś zaproszony do pracy. Zrozum procesy jakie tu zachodzą. Praca nie powinna być zawieszona w próżni.
Elena Isczenko: Większość prac nie powstała specjalnie na Biennale, z wyjątkiem niektórych projektów artystów rosyjskich.
sztuczna inteligencja: To bardzo trafna obserwacja, która potwierdza, że prace zostały po prostu wybrane przez kuratora i przeniesione z jednej „białej kostki” do drugiej. Byli odseparowani od samych artystów.
Być może padłem ofiarą wysokich oczekiwań. Samman był współkuratorem bardzo ciekawej i wysokiej jakości wystawy ziemia rzadka w Muzeum Thyssen-Bormenissa. Plus Biennale Antarktyczne, w które zaangażowany jest Samman. Jest zaangażowany w wystarczającą liczbę ciekawych i innowacyjnych projektów. Spodziewałem się, że tym razem również zaeksperymentuje. Tutaj też widzę uprzedzenia w stronę obiektów cyfrowych, postcyfrowych, postnaukowych, pseudointeraktywnych, sztuki postinternetowej, sztuki w epoce cyfrowej, takie fantazjowanie o przepływie informacji, globalnej sieci, uniwersalnej komunikacji, języku cyfrowym – fetyszyzacja technologii. Ilustracją tego jest naiwna twórczość Jeremy’ego Santiago-Horsmana, romantyzująca estetykę kodu binarnego: ściana z kruszącym się tynkiem. Artysta widzi ten fakt i wizualizuje go w oczywisty sposób. Albo coś w rodzaju interaktywnej skrzynki z przewodami i żarówkami Eddiego Wagenknechta, która według opisu katalogowego to „płytki drukowane i kable sieciowe… (które) symbolizują „chmurę”, sieci społecznościowe, dane, wycieki”; dodatkowo ta skrzynka „przechwytuje i zapisuje anonimowe dane otrzymane z sieci działających w pobliżu WiFi„. I wiele innych prac to także niezwykle prymitywne wizualizacje metafory, tak liczne, że poważnie przekraczają krytyczną liczbę prac „w tle” dla dużej wystawy, co każe myśleć o zbyt swobodnym podejściu kuratora do selekcji prac.
Jeremy’ego Santiago-Hosmana. Sanktuarium (ab). 2016
PNE: Wręcz przeciwnie, wydaje mi się, że to najlepszy projekt biennale młodzieżowego, jaki kiedykolwiek widziałem. A obfitość ocen krytycznych wynika tak naprawdę z tego, że do jego oceny podchodzimy z punktu widzenia danych idei, a nie zadań, jakie postawiło przed nami to biennale. Wszelka krytyka wiąże się z pewnymi wymogami – krytycznością, pracą z kontekstem lokalnym, co staje się maksymą.
sztuczna inteligencja: Nie do końca maksyma, ale raczej jeden z aspektów jakości Biennale.
PNE: Tak, ale trzeba brać pod uwagę nie je, ale pytania, jakie stawia samo Biennale, zresztą według formy interakcji: temat – dzieło, widz – dzieło, widz – decyzja kuratora i tak dalej. W tym kontekście widać, że kuratorka zdecydowała się na bardzo odważną formę. Co zrobiły biennale, które stały się powszechne w latach 90. i 2000. XX wieku? Byli po prostu bardzo kontekstualni i oddani relacjom, komunikacji. Najpierw – estetyka interakcji, potem – aktywizm polityczny. Projekty te wciągały widza w interakcję, próbowały uczynić z niego obywatela, przenieść go na jakąś pozycję. A obecne Biennale Sammana wyraźnie pokazuje, że taka postawa, kiedy trzeba koniecznie uwieść widza do działania, do jakiejś reakcji, jest już uznawana przez młodych artystów za brutalną. Pociąga mnie brak tej obywatelskiej kokieteryjności, konieczności zrobienia czegoś, przemyślenia kontekstu, wzięcia w czymś udziału. A jeśli spojrzeć z tego punktu widzenia, staje się jasne, że prace zostały wybrane bardzo trafnie. Na wystawie jest na przykład wiele filmów, a to takie narcystyczne medium, zamknięte w sobie, obiekt mocno kontemplacyjny. Przeciwnie, większość obiektów nie jest interaktywna, wręcz przeciwnie, są samotne i samowystarczalne.
Prace, które pamiętam, to głównie filmy poświęcone samotnemu gestowi w pustce, jak człowiek z pszczołami w twórczości Marka Johnsona. Albo instalacja wideo „Wniebowstąpienie” Petra Dawydczenki z nurkowaniem w błocie. Na wystawie znajduje się wiele prac odbieranych w sposób interpasywny, tworzący komunikację bez komunikacji, komunikację bez komunikacji. Kurator zrywa połączenie widza z dziełem. Jak w tej sali z lustrami – estetyka narcyzmu, rozumiesz, że jesteś zamknięty w sobie, jak młoda sztuka. Zasadniczo to cecha wyróżniająca młodzi ludzie. Mark Fisher nazwał to hedonią depresyjną – kiedy nie możesz robić nic innego, jak tylko się dobrze bawić. Ale ten narcyzm jest paradoksalny: kiedy okazujemy sobie izolację, po prostu znajdujemy punkty interakcji, rozumiemy, że jesteśmy w jakiś sposób połączeni.
Kolejnym ważnym punktem jest tematyka. Tutaj tematem jest komunikacja, komunikacja to obieg obrazów. Wydawać by się mogło, że wszystko, wszystko już słyszeliśmy: teorię aktora-sieci, teorię komunikacji i że świat poza komunikacją w ogóle nie istnieje. I ta wystawa faktycznie podejmuje temat komunikacji, przeludnienia obrazami, ale jednocześnie prezentuje prace absolutnie niekomunikacyjne. Od dawna panuje taka ideologia powierzchni, przesuwania sterowanego cyfrowo, a Deep Within oferuje inny tryb.
Dziś popularne są różnorodne wykłady performatywne i programy równoległe i wydaje się, że wystawa nie jest już potrzebna. Wielu krytykowało za to biennale. Pokazuje jednak to, co można wyrazić w formie biennale – izolację i samotność związaną z przedmiotami. To nie przypadek, że na tej wystawie nie ma performansów – nie da się tej idei wyrazić w performansie. To Biennale jest ogniwem łączącym tak wiele samotności. Myślę, że wiele osób ma wrażenie, że są poza społecznością, więc to biennale ma charakter kontekstowy – naprawdę do mnie przemawia.
sztuczna inteligencja: Po prostu wydaje mi się, że wystawa ta została wykonana według schematów biennale sprzed dziesięciu lat, kiedy to pojawił się zestaw jakości dla tak konwencjonalnych wystaw. Mieszanka prac przywiezionych z różne zakątkiświatło, aby podkreślić pewne abstrakcyjne kwestie. Przy okazji dyskusji „Artguide” przypomnieliśmy sobie Biennale iluminacje, - to dobry przykład takiej wystawy: prace, które wydają się być związane z tematem, chociaż wszystko może być z nim powiązane. To właśnie definiuje izolację od lokalnego kontekstu, która jest obecna w głównym projekcie Biennale.
PNE: Biennale, o którym mówisz, to Magowie Ziemi Jeana Huberta Martina. Ale obecne biennale młodzieży odbywa się w zupełnie inny sposób.
sztuczna inteligencja: Nie, mówię o tej studenckiej formie biennale, która powstała dzięki ich rozkwitowi, kiedy niemal każdy punkt na świecie, który twierdzi, że ma jakieś znaczenie w sztuce współczesnej, ma swój własny. Dzięki temu powstają według jednej receptury: problematyka jest wzięta znikąd, sformułowana możliwie ogólnie, artyści tworzą różne pozycje na ten temat, a wszystko jest połączone w jedną przestrzeń.
Olga Danilkina: Wydaje mi się, że to Biennale jest zrobione inaczej. Bardzo mi się podobało, że daje bardzo trzeźwe zrozumienie, że nie możemy sobie pozwolić na naprawdę produktywne myślenie o czymkolwiek innym niż globalny. Jeśli przejdziemy do tego, co lokalne, to nieuchronnie zanurzymy się w obszar mediów masowych i ich odzwierciedlenia procesów politycznych i społecznych, a próba obiektywnego zrozumienia tego jest raczej beznadziejna – ten gest jedynie zwielokrotni szum informacyjny i jest mało prawdopodobne, aby wykraczać poza manipulację stosowaną przez te same środki masowego przekazu. Po prostu bardzo mi się podobało to usunięcie z takich tematów.
PNE: Ja też, bo prowincjalność ma miejsce wtedy, gdy nie można domagać się własnej uniwersalności, wtedy można myśleć uniwersalnie. A to jest szczególnie ważne w przypadku biennale młodzieżowego. Podczas dyskusji na temat Artguide wiele osób wyraziło pogląd, że nie powinno być biennale młodzieży, że jest to dyskryminacja ze względu na wiek. Sugerowano, że kiedy biennale nosiło nazwę „Stop! kto przyjedzie?”, potem był festiwal, funk, zabawa, a teraz biennale i trzeba się jakoś namęczyć. Ale zdałam sobie sprawę, że tak naprawdę biennale młodzieżowe dają młodym ludziom możliwość bycia poważnym i bycia traktowanym poważnie, bez tych akcesoriów „młodości” – lekkiej sztuki, imprez, zabawy. A ta wystawa temu zaprzecza: jest napięta, mroczna, przedapokaliptyczna, beznadziejna. Wania opowiada o postinternecie, ale często używa jasnych kolorów, ale ta wystawa nie jest jasna, monochromatyczna. W ramach festiwalu Farsh takiej wystawy nie zrobicie.
EI: Pomysł ciekawy, ale wydaje mi się, że wektor, jaki wyznacza sformułowanie „biennale młodej sztuki”, nie jest zbyt trafny. Skłania do autorefleksji – czym jest młodość, co to znaczy być młodym – co być może nie jest do końca konieczne.
OD: Tak, nie mogę oglądać wystaw i zastanawiać się, czy artyści są młodzi, czy nie. Wydaje się, że „biennale młodej sztuki” to pojęcie, które straciło na znaczeniu.
PNE: Tak masz rację. Socjolodzy na przykład Pascal Gielen słusznie twierdzą, że w Europie nie ma już podziału na pokolenia w sztuce współczesnej. Ale wydaje mi się, że w Rosji istnieje taki kontekst, że tutaj koncepcja „młodego artysty” ma sens. W 89. roku upadku bloku socjalistycznego w ZSRR doszło do poważnej przepaści pokoleniowej. Logika dziesięcioleci wciąż czai się w naszym kraju i to nie dlatego, że jesteśmy na peryferiach, ale właśnie ze względu na kontekst roku 1989. Spór konceptualistów z akcjonistami czy artystów pierwszej dekady XXI wieku z akcjonistami jest sporem edypalnym.
EI: Tak, oczywiście, są artyści, którzy tam mieszkają przestrzeni poradzieckiej, są tacy, którzy żyli w Sowiecie. Ale przecież ci, którzy żyją w przestrzeni poradzieckiej, wkrótce przekroczą ten kamień milowy 35 lat, co jest tak wszechobecną kwalifikacją młodego artysty.
PNE: Oczywiście nie mówię o granicy wiekowej. Chociaż Massimiliano Gioni zrobił wystawę Młodszy od Jezusa i tak naprawdę nikt nie miał nic przeciwko. Ale oto co chcę powiedzieć. Wszyscy martwią się, że gloryfikacja młodzieży jest faszyzmem. Ale dziwnie wyobrażasz sobie młodzież jako napompowanych facetów, tryskających zdrowiem, energią i szowinizmem. Nie, młodzież jest inna i to biennale to pokazuje. To słabe dzieci, które nie potrafią odnaleźć się w życiu.
EI: Wydaje mi się, że właśnie o to chodziło w ostatnim biennale – „Czas na marzenia”: o niekończących się frustracjach, o niezadowoleniu i niemożności działania. To biennale, jeśli w ogóle o tym mówi, jest bardzo pośrednie.
Generalnie zgadzam się, że to biennale jest o samotności obiektu i zerwaniu komunikacji. Tak naprawdę prace na wystawie wypierają widza: na ostatnim piętrze wszystko blokuje dźwięk z wideo Andrew Normana Wilsona, głupi piosenka popowa, która miesza się z brzmieniem innych dzieł, nakłada się na nie i tworzy przestrzeń, w której nie da się przebywać, jest w niej niewygodnie. A w lustrzanym pokoju rozdzierasz się i nie możesz się skoncentrować, skup swoją uwagę na jakimś przedmiocie. Nie możesz się z nim skontaktować. Staje się to taką metaforą wyparcia widza z przestrzeni wystawienniczej i samotności odrębnego obiektu. Wydaje mi się, że widać to dobrze w architekturze wystawy, rozwiązaniach ekspozycyjnych: z jednej strony wszystko jest wyeksponowane wysokiej jakości i pięknie, wszystkie kompozycje są zrównoważone, ale im dalej idziesz i zaczynasz przyglądać się pracom , to poczucie pierwotnej integralności i harmonii zaczyna się rozpadać. Cała wystawa się rozpada – brakuje spójności, niemal wszystkie prace są zamknięte w sobie. Jest to pomysł atrakcyjny, jednak opierający się na pewnego rodzaju produkcji obiektowej, na rynku – większość obiektów na wystawie wygląda jak dobrze wykonane prace galeryjne. A w naszym rosyjskim kontekście tę samotność wzmacnia także poczucie, że te przedmioty zdają się szukać swojego nabywcy, właściciela, ale nie mogą go znaleźć.
PNE: Systemu już dawno nie było w ten sposób zaaranżowanego, a obiekty te nie szukają swojego nabywcy.
EI: Nie powinno tak być.
sztuczna inteligencja: Na świecie istnieją dwa główne sposoby zarabiania na nazwisku artysty: albo artysta sprzedaje działalność społeczną i otrzymuje granty, albo produkuje i sprzedaje przedmioty - pojedyncze elementy którymi wypełnione jest to biennale. W Biennale bierze udział wystarczająca liczba odnoszących sukcesy artystów galeryjnych. Wydaje mi się jednak, że tej wystawy nie można traktować jako nowej przeprosin za autonomiczny, izolowany obiekt, bo nie mamy podstaw sądzić, że zrobiono to świadomie. O wiele łatwiej jest zrobić wystawę, jeśli potraktujemy dzieła sztuki jako obiekty autonomiczne poza ich kontekstualizacją, wystawę jako zbiór przedmiotów w białym sześcianie.
PNE: Nie, nie zgadzam się. Po pierwsze dlatego, że jest to wystawa programowa, której temat i forma są ze sobą ściśle powiązane. Może jestem zbyt cyniczny, ale nie widzę nic złego w tym, że ludzie robią rzeczy na sprzedaż. Źle, gdy staje się kryterium oceny pracy. Ale nie ocenia się Dostojewskiego po liczbie symboli, które chciał wypełnić, aby odzyskać dług. Wykonano wiele pięknych i ważnych prac, które następnie dobrze się sprzedały.
Po drugie, teraz znacznie łatwiej jest konwencjonalnie zorganizować jakieś spotkanie. Ciekawie jest spojrzeć na to biennale młodzieży w kontekście ostatniego Biennale w Moskwie: są to dwie różne odpowiedzi na te same warunki – brak funduszy. A Biennale w Moskwie stworzyło platformę dyskusyjną...
sztuczna inteligencja:…biennale ciepłej lampy. Jak w inkubatorze.
OD: Zgadzam się, że przedmioty są zamknięte, ale jednocześnie w wielu pracach rozpoznałam siebie. Nie sądzę, że Biennale ignoruje kontekst lokalny, nie, odwołuje się do niego, ale nie bezpośrednio, ten kontekst nie krzyczy na każdym rogu „Jestem wszystkim!” (bo nie jest wszystkim), jak to często bywa.
PNE: Tak, to nie jest połączenie bezpośrednie, ale rezonansowe. Wszyscy ludzie w zglobalizowanym świecie czują w pewnym sensie to samo, ale ten zbieg okoliczności staje się możliwy tylko wtedy, gdy jesteś sam w pokoju i coś robisz. Wszyscy są z tym powiązani. To oderwanie.
OD: Podobało mi się, że wiele prac zachęca do spojrzenia nie na to, co dzieje się wokół ciebie, ale przede wszystkim na to, jak to postrzegasz, jak w ogóle myślimy. W tym sensie interesująca jest praca Darii Koltsowej z wzorami na oknach, w której dobrze widać ten stopień interakcji z lokalnym kontekstem.
To oderwanie bardzo we mnie współgrało z odczuciem stanu naszej wspólnoty artystycznej. Żaden film na wystawie nie ma rosyjskich napisów, sala nie została odnowiona. Stopniowo, siedząc w naszym małym świecie, zaczynamy rozumieć, jaki jest mały i jak wszystko jest ograniczone. O ile my ogólnie mówiąc nikt nie potrzebuje. I ten moment jest dobrze odczuwalny na tym Biennale.
sztuczna inteligencja: Biennale w zasadzie pokazuje, że nikt nas nie potrzebuje. Brak napisów jest wyznacznikiem, wcale nie wymagają dużego budżetu. Z mojego punktu widzenia jest to kolejny dowód na zaniedbanie i nieostrożność w podejściu do wystawy.
OD: Sytuacja z napisami wydaje mi się polityczna jak na tak ogromny projekt.
sztuczna inteligencja: To bardzo ważny sygnał ignorowania lokalnego widza.
Eli Marii Lundgor. Setki wyjaśnień tego samego. 2015
PNE: Dla mnie te problemy wydają się mniej istotne, bo widz powinien być wykluczony z tej wystawy. Dyktatura widzów istnieje od dawna i należy ją usunąć.
sztuczna inteligencja: Nie proponujecie usunięcia tej dyktatury za pomocą sztuki na rzecz sztuki i autonomicznych form wyrażania siebie?
PNE: NIE. Po pierwsze, nie jest to tylko grafika koncepcyjna Sztuka XIX wiek. Kontekst jest inny, inna forma relacji pomiędzy tymi obiektami. W ogóle ta idea nie tyle dotyczy sztuki autonomicznej, ile pewnej polityki relacji, jaka dzisiaj ustala się między ludźmi, między przedmiotami, między czymkolwiek. Polityka ta nie jest realizowana bezpośrednio, lecz poprzez pośredników. Komunikujemy się interpasywnie, a nie aktywnie. Dziś ludzie nie trzymają się już za ręce i nie chodzą na plac. Obecnie istnieją inne metody reakcji politycznej. Dziś można być apolitycznym i będzie to wypowiedź polityczna.
sztuczna inteligencja: Jednak to oświadczenie polityczne sprzyja status quo. Nie można zaprzeczyć, że dla władz korzystne jest teraz umieszczanie ludzi w izolatkach.
PNE: NIE. Warto zawiesić się na poziomym drążku i obejrzeć sztukę publiczną. Co spowodowało kryzys z 2008 roku? Ponieważ ludzie po prostu nie byli w stanie spłacić swoich kredytów. Oni są zmęczeni. Kapitalizm nie wziął pod uwagę tego momentu, w którym ludzie mogą się po prostu zablokować.
EI: Ale jednocześnie prace na wystawie wskazują, że zostały wyprodukowane, że włożono w to wysiłek i pieniądze. Nawet wideo nie jest znalezione nagranie lub surowe filmy dokumentalne, które wymagają minimum kosztów i można je stworzyć samodzielnie. Nie, z filmów znajdujących się na wystawie wynika, że proces ich produkcji był kosztowny i wymagał zaangażowania zespołu. Jeśli są to przedmioty, to często powstają albo przy wykorzystaniu nowych technologii, albo są wykonane umiejętnie. Oznacza to, że zmęczenie i bierność, o których mówi cała wystawa, zaprzeczają sposobowi ich realizacji, w istocie zaprzeczają strategiom artystycznym uczestników.
PNE: W przypadku tej wystawy nie chodzi tu o ludzi w ogóle. Prace wywołują efekt, ale nie wymagają żadnego działania.
EI: Zatem artyści, którzy aktywnie tworzą dzieła i promują się, tworzą dzieła, które każą nam być pasywnymi? Któregoś dnia otrzymałem list od PR-owca jednego z wystawców z Rosji z prośbą o napisanie o niej wokół sztuki lub weź udział w wywiadzie, bo jest piękna, młoda i jest jedną z niewielu rosyjskich artystek, które zostały zabrane do głównego projektu. Taka strategia – bycia znanym i sprzedawanym – jest sprzeczna z biernością, o której mówimy.
sztuczna inteligencja: Nie rozumiem reakcji Borysa, który nie widzi w tym sprzeczności. Zwykliśmy krytykować stanowisko, gdy bodziec do twórczości artysty jest jego kariera. Przyzwyczailiśmy się krytykować zepsucie wyboru.
PNE: O jakim zepsuciu wyboru mówisz w przypadku wystawy kuratorskiej?
sztuczna inteligencja: Widzę to, bo wiele prac na wystawie jest bardzo prymitywnych i kiepskiej jakości. Wyboru niektórych rosyjskich artystów nie potrafię też wytłumaczyć niczym innym, jak tylko tym, że zostali dosłownie wepchnięci do Sammana.
EI: A jak ogólnie oceniasz wybór rosyjskich artystów? Z jednej strony widzimy artyści zagraniczni, mniej lub bardziej znane, współpracujące z galeriami, z drugiej rosyjskie, z których połowy nawet nie znamy.
sztuczna inteligencja: Mam dwa odczucia co do tego wyboru. Z jednej strony poznałem kilka nowych imion, które wydały mi się bardzo ciekawe i które będę obserwował. Wiele prac ma moc – niezwykle trafny i zapadający w pamięć film z nurkiem Piotrem Dawydczenką, wspomniane powyżej wzory na oknach Darii Kolcowej, Balony Darii Prawdy, prosta, ale trafna ściana „Ani słowa o wojnie” autorstwa Nataszy Tichonowej. Z drugiej strony są prace zupełnie dziwne, których wybór wydawał mi się po prostu skorumpowany – wszelkiego rodzaju barszcze, kolaże i hejterzy koncepcji. Nie wyobrażam sobie, żeby kurator przyciągnął te prace z własnej woli.
PNE: Oceniam ten wybór jako doskonały! To wspaniale, że jest ich tak dużo nieznani artyści. I nie zgadzam się ze słowami Wanii, że jest to korupcja. Samman wybrał artystów na zamówienie. A idealna sytuacja, gdy kurator ma ogólnie ogląd wszystkiego, jest po prostu niemożliwa. Jest to pogląd utopijny. Poza tym nie widzę nic złego w tym, że osoby zawodowo zajmują się swoją promocją i zatrudniają PR-owców.
O pracy. Widziałem nie tyle złe prace, ile pewną strukturę: wystawa ma prace centralne, dobrze ustrukturyzowane i są prace drugiego rzędu, wykonane nawet nie przez artystów, ale przez projektantów. Najwyraźniej przejrzeli aplikację. Ale te prace nie wyglądają strasznie. Każda praca odgrywa swoją rolę w ogólnym pomyśle.
EI: Które prace są według Ciebie najważniejsze?
PNE: Na przykład z nurkiem Peterem Davydchenko. Wielokrotne refleksje, paranoja. Nieustannie zanurza się w tym błocie, jak kanał ściekowy wykonujący syzyfową pracę. Ta praca nawiązuje do sali lustrzanej. Pamiętam flagi upadłych stanów Andrew Renville, „Balony”. Również Feliksa Kisslinga. Nie mogę powiedzieć, że jest to dzieło niesamowite, ale bardzo precyzyjnie skrojone.
sztuczna inteligencja: Oprócz dzieł o nazwie Boreas zwrócę uwagę na „Jerycho” Lee Nevo, „Sale wojskowe” Katariny Grutsay. Pracuje z materiałem - autorstwa Ekateriny Burlygi czy Revital Cohen i Thor van Balen. Wideo Eliego Marii Lundgora „A Hundred Explanations of the Same” wydaje mi się jednym z najważniejszych dla biennale o tej nazwie. Flagi oczywiście; Zadzwonię do nich nawet drugi raz! To jedna z niewielu prac, które trzeba było pokazać tu, w Moskwie i właśnie teraz. A „Anti-Sun”, o którym wspomniałeś, to właśnie selfie, które powinno być na każdym biennale!
PNE: To jest dobre! Selfie to bardzo ważne zjawisko, które mówi o samotności. Przypomnijcie sobie dzieło Bruce’a Naumana kwadrat depresji? Naumann zrobił taką kopertę, sięgając głęboko i nazwał ją otchłanią rozpaczy. Jednak łyżwiarze zaczęli używać go jako rampy i robić tam selfie. Zrób sobie selfie w otchłani rozpaczy! Robisz sobie selfie, bo jesteś zamknięty w świecie samooceny. I tak jest tutaj: robisz sobie selfie na tle czarnej otchłani.
OD: Nie do końca rozumiem krytykę sztuki jako branży w kontekście wielkiej wydarzenie międzynarodowe. Czego jeszcze można się po nim spodziewać? Dlaczego tak bardzo przeszkadza nam to, że artysta ma PR-owca?
EI: Branżę trzeba krytykować właśnie w ramach biennale. Nasz system jest tak ułożony, że w ramach Biennale odbywa się lawina wydarzeń – każdy chce dostać się do katalogu Biennale. Samo w sobie nie jest to złe – o ile ten system działał sprawnie. Ale przecież o tym, jakie wydarzenia nadal wybierane są do programu równoległego, ich organizatorzy dowiadują się niemal przed otwarciem i zaczynają gorączkowo je przygotowywać, choć innym razem można było je zrobić lepiej i bardziej przemyślanie, choć bez tego tiku uczestnictwa w specjalny program Biennale. Galeria „Triumph” rozpoczyna współpracę z nowym parkiem sztuki przy powstającym osiedlu mieszkaniowym.
sztuczna inteligencja: W Donstroyu.
EI: I w ten sposób dowiemy się, skąd będą pochodzić pieniądze na Moskiewskie Biennale Sztuki Współczesnej.
OD: Na odprawie na temat jej przyszłości wyraźnie powiedzieli, że najprawdopodobniej w najbliższej przyszłości nie będzie miała pieniędzy z budżetu państwa.
EI: No i zaczęliśmy szukać sponsorów.
sztuczna inteligencja: Biennale jest dla urzędników pretekstem do wyluzowania, do występów pod pewną etykietą zakorzenioną w samej sztuce. Biennale to gatunek megawystawy, który oczywiście służy określonym celom. Ale takie wydarzenie ma dobre cechy mieszczące się w polu eksperymentu, czasowości i kruchości dzieł (ich odmienna czasowość), dialogu z lokalnym kontekstem. Pytanie brzmi: czy powinniśmy się ich pozbyć i zamienić biennale w kolejny przegląd dzieł autonomicznych? Albo odwrotnie: musimy je zachować i przekształcić w kanon biennale. To dwie zupełnie różne, choć wzajemnie podatne na zagrożenia pozycje.
Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie- jeden z najjaśniejszych wydarzenia artystyczne stolice. Biennale Młodej Sztuki, które stało się odrodzeniem corocznego festiwalu młodej sztuki „Stop! Kto przyjedzie?” (2002-2008) odbywa się co dwa parzyste lata, w przeciwieństwie do Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej, które odbywa się w latach nieparzystych. Biorąc pod uwagę, że Iosif Backshtein ustąpił ze stanowiska komisarza Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej w tym roku, a jego nowa struktura nie jest jeszcze jasna, Biennale Młodej Sztuki jest dziś być może także jednym z najbardziej ambitnych międzynarodowych wydarzeń artystycznych w Moskwie. A o tegorocznym projekcie można już powiedzieć, że okazał się znacznie ciekawszy od poprzedniego.„dorosłe” Biennale w Moskwie.
Temat Biennale Sztuki Młodychże mogą w nim brać udział wyłącznie młodzi autorzy. W tym roku na Biennale nastąpiła istotna zmiana organizacyjna – nie tylko artyści, ale także kuratorzy projektów głównych i strategicznych mieli mniej niż 35 lat. Osoby poniżej 35. roku życia pełnią także funkcję Komisarza Biennale, co zostało wprowadzone w tym roku. Została przydzielonaEkaterina Kibowskaodpowiedzialny za koncepcjęnowoczesny rozwój Parku Gorkiego w latach 2011-2013.
Projekt 32-letniego Brytyjczyka Nadima Sammana został wybrany przez radę ekspertów jako projekt główny Biennale. Zgłoszenie udziału w projekcie głównym może przesłać każdy za pośrednictwem forma elektroniczna. Ostatecznych uczestników wybrał kurator.
Nadima Sammana- Kurator ponad 40 projektów wystawienniczych w Londynie, Zurychu, Moskwie, Wiedniu, Marrakeszu. w tym kierownik projektuAleksander Ponomariew. Concordia” i „Antarctopia” w pawilonie Antarktycznym na Biennale w Wenecji 2014. Z wybranymi projektami Nadima Sammana można zapoznać się na jego stronie internetowej. Nadim Samman znany jest także jako krytyk sztuki, który zajmował się problematyką włączania/wykluczania sztuki radzieckich konceptualistów w kontekstach zachodnich, m.in. podczas emigracji artystów radzieckich do Nowego Jorku.
Projekt główny V Biennale Młodej Sztuki
Projekt główny V Biennale Młodej Sztukiodbędzie się w manufakturze Trekhgornaya od 1 lipca do 10 sierpnia. Na potrzeby projektu Nadim Samman wybrał temat „Deep Inside” i wybrał prace 87 młodych artystów z 36 krajów. Założenia programowe Biennale, jak przystało na format dużej, międzynarodowej wystawy, mają charakter uniwersalny, globalny, a nawet uniwersalny:
„Nasz czas to czas pęknięć, pęknięć, penetracji i ubytków. Nasza kultura to kultura otchłani. Gdyby modernizm próbował uderzyć w sam fundament kultury – dotrzeć do „punktu zerowego” malarstwa, zmienić strukturę podstaw psychologii człowieka, praw historycznych i nauk ekonomicznych, to dziś rozstaliśmy się z tymi złudzeniami. Zatapiamy się głębiej – lub wpadamy – w swego rodzaju czarną dziurę. Można się więc spodziewać, że artyści zainteresują się nieprzejrzystymi, tajemniczymi zjawiskami , spiski: to, co jest po drugiej stronie horyzontu zdarzeń, a także wszystko, co wiąże się z niestabilnością i wszechstronnością. Patrzymy głęboko w otchłań, otchłań spogląda na nas. w dziwny sposób, ta otchłań zawiera znacznie więcej, niż możemy sobie wyobrazić: o czym świadczy gigantyczne odbicie zdjęcia rentgenowskie w koronie gwiazdy Markarian 335 może wypluć otchłań.” – opowiada o kuratorze projektu Nadimie Sammanie.
Feliksa Kisslinga. Niemcy. Anty Słońce.
Głęboka czarna dziura w przestrzeni wystawienniczej, pochłaniająca swoją nieuchwytną głębią. Okrągła ramka wykonana jest z drewna i pokryta warstwą czarnego pigmentu wysoki współczynnik absorpcja światła.
Eddiego Wagenknechta. USA. Dane i smoki.
Seria rzeźb przechwytujących i rejestrujących anonimowe dane otrzymane z okolicy Sieci Wi-Fi w czasie rzeczywistym. Zebrane razem płytki drukowane i kable sieciowe, ciemne i surowe same w sobie, symbolizują „chmurę”, sieci społecznościowe, dane, wycieki i to, co sprawia, że kapitał społeczny jest przedmiotem wyjątkowym.
Christiana Fagaroliego. Włochy. Pamiętaj, powtarzaj, powtarzaj.
Artysta postanowił przywieźć do Moskwy kopię modelu mózgu wykonaną w 1885 roku i po raz pierwszy odwiedził Moskwę pod koniec XIX wieku, aby zbadać części mózgu odpowiedzialne za archiwizację procesów pamięciowych, za uczucia i emocje.
Alvaro Urbano. Nieuprawny. Hiszpania.
Artysta z Madrytu wybił dziurę w ścianie i zaprosił nas do środka, do fikcyjnego krajobrazu, z innej rzeczywistości. Obraz dzikiej przyrody, która nie poddawała się żadnej klasyfikacji - jak muzealna diorama, która zrodziła się sama.
Paula Rosero Contreras. Ekwador. Fala.
Artysta z Ekwadoru mieszkający w Los Angeles stworzył biokontrolowaną instalację, która zawierała model 3D fala dźwiękowa, stworzonej z jedwabiu przez setki gąsienic jedwabników, oraz komputerowy system monitorowania: wytwarza dźwięki i obrazy, śledząc ruchy robaków. Ta żywa instalacja wprowadza ideę organicznego druku 3D w ramach hybrydowego mechanizmu produkcyjnego.
Katarzyna Grutsay. Austria. hale wojskowe.
W serii fotografii przed widzem pojawiają się dziwne widoki: na pierwszy rzut oka są to historie wojskowe, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zaczynają opowiadać zupełnie inną historię. Zdjęcia zrobione w Moskwie Muzeum CentralneŚwietnie Wojna Ojczyźniana, - częściowo spersonalizowane przestrzenie, które wyłoniły się na tle scen militarnych przedstawionych w muzealnych dioramach. Bankiety, krzesła, telefony przed obrazami ze scenami wojennymi to tutaj obiekty obce i odosobnione.
Julia Selin. Szwecja. Choroba.
Malarstwo na Biennale nie jest aktywne, ale też było prezentowane.Artystka w swojej pracowni tańczy na płótnie leżącym na podłodze. Akt fizyczny i choreografia widoczne są w odciskach palców, stopach i kolanach w warstwie farby. Jednocześnie istnieje skojarzenie z krajobrazem. Płótno oddaje wrażenie ciała w naturze.
Juliany Cerqueiry Leite. Brazylia. Trzy tańce.
Klub nocny jest przestrzenią mediacji Doświadczenie kulturalne. Parkiet tworzy przestrzeń „zbiorowego wrzenia” i ekstatycznej legitymizacji alternatyw dla zachowań produktywnych akceptowanych w pragmatycznym świecie kapitalistycznym. Artystka przez kilka dni wykonuje odlew swojego poruszającego się ciała z wielobarwnego gipsu. Efektem jest kompozycja trzech gipsowych grup – niedoskonałych śladów tańca, abstrakcyjnych obiektów w przestrzeni.
Projekty strategiczne V Biennale Młodej Sztuki:
Hyperconnected w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Jermolaevsky 17). Wystawa, która zgromadziła 15 artystów z 17 krajów na 5 piętrach muzeum, przypomina, że wszyscy poruszamy się w jednym nurcie, gdzie każdy staje się wielością, jednostka staje się częścią całości, a wszystko to można nazwać hiperłączami .
Kurator Juan Laya: „W erze globalnego przyspieszenia nasze umysły i ciała zmieniają się, aby dostosować się do środowisk, w których się znajdujemy na co dzień. Odradzamy się, otwierając okna, zamykając foldery i wpatrując się w odblaskowe powierzchnie; niejasne granice zmuszają nas do W konsekwencji zanika wszelkie hipotetyczne oddzielenie kultury od natury i otaczającego nas środowiska środowisko naturalne staje się środowiskiem kulturowym. Zaproszeni przeze mnie artyści porzucili apokaliptyczną i utopijną wizję nowoczesności, realizując świat jako wielość państw i stanowisk.”
Adrian Meksyk. Francja. Centrum Rehabilitacji dzikiej przyrody.
Neringa Czerniaauskaite. Litwa. Utracone dziedzictwo.
W Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej (Zoologicheskaya 13) „Czas uzasadnionych wątpliwości”. Kuratorzy: Silvia Franceschini. Valeria Mancinelli:
„Prace prezentowane w ofercie wystawienniczej Nowy wygląd nad znaczeniem badań artystycznych, które rozwijają się w obecnych warunkach niepewności, lęku i niepokoju zarówno o przyszłość, jak i przeszłość, które determinują indywidualne i zbiorowe wyobrażenia o świecie oraz stają się sposobem na jego uporządkowanie.
Daniela Ortiz. Hiszpania. Obejrzeliśmy wideo i było w nim pełno ksenofobii.
W latach 2014–2015 Daniela Ortiz wraz z uczniami szkół średnich w Katalonii pracowała nad projektem skupiającym się na: Analiza krytyczna systemu kontroli migracji.Efektem badań był cykl rysunków i zestaw narzędzi zajęcie się kwestiami związanymi z ksenofobią, europocentryzmem, systemem kontroli migracji i polityką kolonialną.
Basma Alsharif. Palestyna. USA
„Nie sądziłem, że tak będzie współczesny artysta kiedy wyemigrowałem do stanów, ale wszyscy ciągle pytali mnie o politykę, o kulturę, o moje emocje, że postanowiłem wyrazić je w formie przenośnej” -Basma Alsharif.
Projekty równoległe i specjalne V Biennale Młodej Sztuki
W sumie w ramach Biennale odbędzie się kilkadziesiąt projektów równoległych i specjalnych, na różnych scenach miejsca wystawowe w Moskwie, Jekaterynburgu, Niżnym Nowogrodzie, Iżewsku, Woroneżu. Ważnym elementem Biennale będzie także interakcja z miastem. Wystawy będą odbywać się nie tylko w przestrzeniach artystycznych, ale także w centra handlowe i parki.
W Domu Towarowym Tsvetnoy wraz z Muzeum Puszkina im. Puszkin będzie gospodarzem wystawy „Inside Art”, podczas którego będzie można obejrzeć pod promieniami rentgenowskimi wspaniałe obrazy z kolekcji muzeum.
W ogród Botaniczny Wystawa „Ogród aptekarski” na Moskiewskim Uniwersytecie Państwowym Proste nazwy. Wybrane synonimy. Młody Rosyjscy artyści wbudowali swoje biomorficzne obiekty w naturalny kontekst sformatowany przez sztukę ogrodową i parkową.
W Centralnym Domu wystawa ARTPLAY BEZMESTIE. Absolwenci Instytutu PRO ARTE stworzyli mikrospołeczność, która nie podlega wpływom zewnętrznym. Zamknęli się w zamkniętej przestrzeni, podróżowali z Petersburga do Moskwy na wpół rozbitej „gazeli” i nie zapomnieli o własnych pracach, które prezentowane są na wystawie. Program treningowy„Szkoła młodego artysty” (St. Petersburg), organizowana przez Fundację PRO ARTE, skierowana jest do młodych praktykujących artystów w wieku od 20 do 30 lat. Celem programu jest rozwój potencjał twórczy i krytycznego myślenia młodych artystów, stworzyć przestrzeń dla ich profesjonalnej komunikacji i wspierać nowe projekty, które odpowiadały wymogom aktualnej sytuacji w obszarze sztuki współczesnej.
W Stolica Rosji artyści przybyli z całego świata
Od 8 czerwca do 31 lipca w stolicy odbędzie się szóste Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki. Swoje prace zaprezentuje ponad 50 młodych artystów z całego świata – zwycięzców otwartego konkursu. Wiek uczestników i kuratorów wynosi do 35 lat włącznie.
Jedyne na świecie biennale, w którym biorą udział wyłącznie młodzi artyści, obejmie kilka miejsc jednocześnie: dzielnicę biznesową Rassvet na Krasnej Presnej, Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA), Narodowe Centrum Sztuki Współczesnej w ramach ROSIZO , Muzeum AZ i specjalna strefa w TSUM. Całkowita powierzchnia projektów dwuletnich jest porównywalna wielkością do Placu Czerwonego. W programie jest 5 bloków: projekt główny, projekty strategiczne, projekty specjalne, równoległe i programy edukacyjne. Już za półtora miesiąca odbędzie się 55 wydarzeń.
Zadaniem Biennale jest pokazywanie aktualna praca utalentowani młodzi artyści. Rzeczywiście, są wśród nich tacy, którzy za 20-30 lat staną się znani całemu światu, a których prace będą zdobić zbiory najlepsze muzea– mówi Komisarz Biennale Ekaterina Kibovskaya. – Często nie zdajemy sobie sprawy, że wiele uznanych dzieł sztuki zostało stworzonych przez młodych ludzi. Vereshchagin napisał „Apoteozę wojny” w wieku 29 lat, „Dziewczynę na balu” Picassa – w wieku 24 lat Duchamp zszokował świat „Fontanna” w wieku 30 lat.
Głównym projektem Biennale będzie wystawa Abracadabra. Spośród 1500 zgłoszeń kuratorka projektu Lucrezia Calabro Visconti (Włochy) wybrała 58 prac i połączyła je wspólny temat, nawiązując jednocześnie do starożytnego zaklęcia magicznego i przeboju sowieckich dyskotek – piosenki „Abracadabra” Steve’a Millera.
Otwarty konkurs Biennale dało mi wyjątkową okazję do poznania praktyk młodych artystów z całego świata. Sam proces wyboru artystów do projektu Abracadabra był bardzo ekscytujący, mówi Lucrezia Calabro Visconti. - „Abrakadabra” ma wiele znaczeń, jest jednym z najbardziej uniwersalnych słów, które w wielu językach brzmi tak samo. Historia sowieckich dyskotek, w których grała „Abracadabra” Steve’a Millera, i praktyki ezoteryczne Punkt wyjścia za historię, która najbardziej porusza różne tematy: strajki, metabolizm, hipochondria, uwaga, intymność, sen, niedopowiedzenie.
Abracadabra odbędzie się w dzielnicy Rassvet na Krasnej Presnej. Rassvet wyróżnia się niepowtarzalną twórczą atmosferą stworzoną przez stara architektura w połączeniu z nowoczesnymi rozwiązaniami konstrukcyjnymi. Kompleks łączy dawne budynki fabryka mebli „Mur i Maryliz”, która dostarczała towary na dwór cesarski. Obecnie budynki te są rekonstruowane przy użyciu zaawansowanych technologii inżynieryjnych i starannie zachowując wygląd architektoniczny.
Po obejrzeniu głównego projektu warto zatrzymać się na wystawie „Dziękuję, proszę przepraszam” w Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej w ramach ROSIZO. „Dziękuję, proszę, przepraszam – to trzy „magiczne słowa” – mówi Zhenya Chaika, kuratorka wystawy. Zaproponowała własną wizję tematu: dom, zwykły dom ze swoimi problemami, rozmowami, szelestami i codziennością. Gra z emocjami. Ekspozycja odtwarza przestrzeń domu, który jak w każdym domu składa się z sypialni, salonu, kuchni, korytarza, poddasza. Poruszając się po okręgu widz musi samodzielnie określić punkt wyjścia, opierając się na własnych odczuciach i intuicji.
Zgodnie z logiką domu wzniesie się na drugie piętro, warunkowy drugi poziom łóżka, gdzie można dosłownie czytać sny. Na wystawie widz proszony jest o odczytanie snów innych ludzi i zapisanie własnych, ofiarowanie ich do przeczytania. Wszystko w ekspozycji zakłada samodzielne działanie zwiedzającego: nawet objaśnienia istnieją w formacie Print-on-demand – print-on-demand; widz przeczyta tekst-wyjaśnienie tylko wtedy, gdy naprawdę tego potrzebuje.
Ekaterina Kibowska.
Wystawa o intrygującym tytule „Idealny wiek” poświęcona jest kryzysowemu doświadczeniu starzenia się nowoczesny świat i zrozumienie tego zjawiska Sztuka rosyjska XX-XXI wieki. Składa się z dwóch samodzielnych i jednocześnie uzupełniających się części, które prezentowane są w różnych miejscach – w Centrum Edukacyjnym MMOMA oraz w Muzeum AZ.
W MMOMA ekspozycja, która strukturalnie nawiązuje do klasycznych toposów „trzech wieków”, oparta zostanie na dziełach z kolekcji muzeum, a także projektach zaproszonych artystów młodszego pokolenia. Poruszone zostaną zarówno tematy bardziej ogólne społeczno-psychologiczne: kult młodości, przemysł kosmetyczny, frustracja dorastania i starzenia się, ageizm, jak i związane z wiekiem aspekty twórczości artystycznej, format „młoda sztuka”.
Z kolei dla Muzeum AZ powstaną trzy instalacje, które zlokalizowane zostaną w nieoczekiwanych, tajemniczych obszarach: na dziedzińcu i na tylnej elewacji budynku muzeum, w wirtualnej przestrzeni „rozszerzonej rzeczywistości”.
Z równoległego programu Biennale wyróżnia się wystawa osobista Alexandra Shchurenkova „Zugzwang” w Galerii Fragmentów. praktyka artystyczna autor opiera się na badaniu procesów psychologicznych związanych z samopoznaniem, samostanowieniem, samorozumieniem i ostatecznie samoidentyfikacją osoby. Artystę interesuje przede wszystkim zależność tych procesów od szerokiego spektrum pułapek życiowych, których sprzeczny charakter, interakcja z wizją, wiedzą, czasem, utrwalaniem informacji, zapominaniem o nich, a także podświadomą zmianą odsłania w swoich pracach .
Głównym materiałem dla Szczurenkowa są przedmioty, przedmioty i zjawiska codziennego użytku. Życie codzienne, czyli znaki, które utrwaliły zmianę bytu, czyniąc nieobecne teraźniejszością, czyli odniesieniem jednocześnie do przeszłości, teraźniejszości i przyszłości.
Lukrecja Visconti. Zdjęcie: Nikołaj Zverkov.
Ekspozycja wystawy opiera się na ewolucji rozumienia pamięci jako kategorii filozoficznej – od jej platońskiego postrzegania jako fizycznego „odcisku na wosku”, do interpretacji pamięci jako śladu, co według Jacques’a Derridy oznacza „wstępne śledzenie i usuwanie”. Ślady wskazują na to, co było – według Martina Heideggera należą one do kategorii, którą nazywa „Das Dagewesene”, czyli „bytu, który już nie istnieje”, który „nie przeminął, ale był tutaj”. Ślady stóp to także znaki, które bez żadnego zamiaru stały się takimi, Mark Block nazywa je „nieświadomymi świadkami”.
9 września 2017 w Moskwie, w Nowej Przestrzeni Teatru Narodów, odbyła się rozmowa publiczna pomiędzy kuratorką projektu głównego 6. Moskiewskiego Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki, Lukrezią Calabro Visconti, a kuratorką Nowego Przestrzeń Teatru Narodów, Wiera Martynow.
W trakcie rozmowy ogłoszono, że trwa przyjmowanie zgłoszeń artystów i kuratorów na udział w konkursie głównym i projekty strategiczne 6. Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie.Uczestnicy spotkania omówili także koncepcję głównego projektu Biennale Młodej Sztuki 2018 pod nazwą „Abracadabra”, rozmawiali o praktykach kuratorskich i pracy w projektach interdyscyplinarnych. Lucrezia Calabro Visconti opowiedziała o roli, jaką odgrywają dziś młodzi kuratorzy w dużych międzynarodowych projektach, takich jak Biennale, o jej chęci pracy z lokalnymi kontekstami oraz o doświadczeniach w pracy z lokalnymi kontekstami sławny artysta Maurizio Cattelana.
Lucrezia Calabro Visconti, kuratorka projektu głównego Biennale:
« W 1999 roku William Mitchell, profesor architektury i planowania w Massachusetts Institute of Technology, sformułował teorię „ekonomii obecności”, która w ciągu ostatnich kilku dekad zatarła granice pomiędzy życiem zawodowym, prywatnym i sfery społeczneżycie człowieka. Coraz częściej na świecie najcenniejszym towarem nie są towary, ale informacja, wiedza i doświadczenie, tworzące modele dystopijnej gospodarki opartej na przyjemności. Efektywność osobista, idealna realizacja wszystkich możliwości jednostki i dobra nastrój emocjonalny stały się dziś główną walutą, a w naszym 24-godzinnym trybie działania coraz bardziej nie jest jasne, czy świadomie wybieramy taki styl życia, czy po prostu nie wiemy już, jak postępować inaczej. Jak skorzystać z prawa własności własny czas? Który ukryte moce czy możemy rysować, aby oprzeć się wypaleniu?
Słowo „Abrakadabra” przypisywane było już w starożytności magiczne właściwości. Mówiąc „Abrakadabra!” rozpoczynamy proces przekształcania rzeczywistości. Dziś to imperatywne słowo budzi wiele skojarzeń, po części dlatego, że została zawłaszczona przez popkulturę (przypomnijmy sobie dyskotekowy hit Steve’a Millera, który podbijał parkiety w latach 80. i 80.). Termin „Abrakadabra!” wiąże to, co rośnie w środku współczesna kultura zwrócenie uwagi na ezoteryczne, tajne praktyki z nowoczesną sugestią i całonocne zainteresowanie nieprzewidywalnymi imprezami, które wcześniej były formą protestu i sposobem na ucieczkę od rzeczywistości. Nasi wszechobecni transhumaniści dzisiaj czynią to nie do przyjęcia tradycyjne formy protest - np. strajk jako nieobecność. „Abrakadabra” poszukuje alternatywnych sposobów interakcji z przestrzenią i czasem w narracjach, które mogą stać się źródłem potężna energia. To właśnie fantastyczna, transformacyjna energia tych wtórnych, a czasem ukrytych narracji stanowi centralny punkt projektu „Abracadabra”, opartego na ładunku subkultury parkietu z przeszłości jako sceny, w której tworzone są nowe formy interakcji i nowe, nieoczekiwane zdobywa się doświadczenia. Dlatego stawiamy na praktyki performatywne, wideo i badania interdyscyplinarne, a wśród uczestników projektu chcielibyśmy widzieć artystów, którzy tworzą lub odkrywają nowe formy i możliwości dzisiejszych relacji z przestrzenią i czasem» .
Podczas swojej pierwszej podróży do Rosji Lukrecja Calabro Visconti odwiedziła targi Cosmoscow, wystawy fundusz V-A-C w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej i na Ural Industrial Biennale. Lukrecja spotkała się także z ponad 50 młodymi artystami w ramach przeglądu portfolio w moskiewskim Centrum Krasny, odwiedziła szkołę MMOMA Free Workshops i prywatne pracownie artystyczne.
WYBÓR UCZESTNIKÓW
Od 21 września do 20 listopada 2017 rNa stronie www.youngart.ru przyjmowane są zgłoszenia artystów, którzy nie ukończyli 35 roku życia, do udziału w głównym projekcie Biennale.
Kuratorzy, którzy nie ukończyli 35. roku życia, mogą zgłaszać swoje koncepcje do udziału w dwóch strategicznych projektach Biennale, które odbędą się w dwóch lokalizacjach: Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej (NCCA) i Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA).
Ilustracje i dodatkowe materiały prasowe dostępne są pod adresem: https://goo.gl/IDPv3F
O PROJEKCIE
Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie jest jednym z najbardziej znanych ambitne projekty w dziedzinie sztuki współczesnej w Rosji. Celem Biennale jest odkrywanie nowych nazwisk, wspieranie i stymulowanie inicjatyw twórczych artystów i kuratorów nowego pokolenia, tworzenie warunków do ich publicznej ekspresji, a w rezultacie rozwój środowiska sztuki współczesnej. Uczestnicy projektu otrzymali szansę na nawiązanie kontaktów i twórczej interakcji z profesjonalistami środowisko artystyczne. Biennale stanowi przestrzeń do zaprezentowania aktualnych strategii nowego pokolenia artystów i kuratorów.
Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie odbywa się od 2008 roku. Rozpoczął projekt coroczny festiwal młoda sztuka „Stop! Kto jedzie?" (przeprowadzone Centrum Stanowe sztuka współczesna (NCCA) corocznie od 2002 do 2006 roku we współpracy ze Szkołą Wolnych Warsztatów Sztuki Współczesnej Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA)). Projekt zdobyty nowy status w związku z rosnącym zainteresowaniem młodych artystów, kuratorów i krytyków. Dzięki wspólnym wysiłkom NCCA i MMOMA powstała koncepcja Biennale Sztuki Młodych. O ile wcześniej kuratorami Biennale byli znani międzynarodowi specjaliści wybrani przez organizatorów projektu (Daria Pyrkina, Daria Kamyshnikova, Catherine Becker, David Elliott), niezależnie od ich wieku, to od 2015 roku kurator Biennale, podobnie jak jego uczestnicy, jest przedstawicielem nowego pokolenia. Partnerami Biennale są instytucje kultury zainteresowane rozwojem młodej sztuki.