Poematy symfoniczne Liszta to jedna z najjaśniejszych kart europejskiej muzyki romantycznej, obszar niestrudzonego kreatywne poszukiwania, niesamowite aktualizacje w dziedzinie tematyki, formy, orkiestracji, interakcji z różnorodnym pochodzeniem narodowym. W wierszach charakterystyczne dla kompozytora pragnienie syntezy z innymi sztukami, tworzenia program działa. Obrazy starożytnych mitów („Prometeusz” i „Orfeusz”), obrazy arcydzieł literatury światowej („Tasso” Goethego, „Mazeppa” i „Co słychać na górze” Hugo, „Hamlet” Szekspira, „Ideały ” Schillera, „Preludia” według Lamartine’a), obrazy Dzieła wizualne(„Bitwa Hunów” według Kaulbacha, „Od kołyski aż po grób” według Zichy’ego), wreszcie obrazy ojczyzny („Węgry”, „Lament nad bohaterami”), wszystko to przełożono na język Liszta opusy symfoniczne. Przy całej różnorodności wątków i postaci, głównych tematów, które ucieleśnia tutaj kompozytor, wielkości człowieka i jego czynów, namiętnego pragnienia wolności i szczęścia, nieuniknionego triumfu dobra i sprawiedliwości, uzdrawiającego działania sztuki, która przyczynia się do doskonalenie ludzkości, wyróżniają się wyraźnie.
Zachwyca pięknem dźwięku wcześnie poemat symfoniczny nr 1 „Co słychać na górze”, pierwotnie zatytułowany „Symfonia górska”. Inspiracją dla Liszta był tutaj wiersz Victora Hugo pod tym samym tytułem. Program wiersza opiera się na romantycznej idei opozycji majestatyczna przyroda ludzkie smutki i cierpienia. Co słychać w górach na wybrzeżu Bretanii? Szum wiatru z mroźnych wysokości, ryk fal oceanu rozbijających się o skały, melodie pasterskie z zielonych łąk u podnóża klifów... i krzyk cierpiącej ludzkości. A wszystko to można usłyszeć w muzyce.
Bohater poemat symfoniczny nr 2 „Tasso”- wielki włoski poeta renesansu Torquato Tasso (1544-1595), którego poemat epicki „Jerozolima wyzwolona” na przestrzeni wieków inspirował wielu, w tym Goethego. W wieku 35 lat poeta znalazł się w zakładzie psychiatrycznym i jednocześnie w więzieniu, trafiwszy tam w wyniku intrygi sądowej. Legenda jako powód uwięzienia podała miłość - śmiałą, burzącą wszelkie bariery klasowe miłość poety do siostry księcia Alfonsa, Eleonory d'Este. Siedem lat później, wychodząc z więzienia za wstawiennictwem papieża, Tasso - już całkowicie załamany człowiek – głoszono największy poeta Włoch i otrzymał wieniec laurowy, przyznany wcześniej tylko raz wielkiemu Petrarce. Śmierć jednak przyszła wcześniej i podczas uroczystej ceremonii na Kapitolu rzymskim laurami uwieńczono jedynie trumnę poety. „Skarga i Triumf: to są dwie wielkie opozycje w losach poetów, o których słusznie się mówi, że jeśli przekleństwo często ciąży na ich życiu, wtedy błogosławieństwo nigdy nie opuszcza ich grobów” – napisał Liszt w programie tego dramatycznego wiersza, ukazując wszystkie perypetie życia poety – od więzienia i wspomnień miłości po zasłużoną sławę.
Poemat symfoniczny Nr 3 – „Preludia”. Tytuł i program utworu zostały zapożyczone przez kompozytora z wiersza o tym samym tytule Francuski poeta Lamartine. Liszt jednak znacząco odszedł od głównej idei wiersza, poświęconej myślom o śmiertelności ludzka egzystencja. Tworzył muzykę pełną heroicznego, afirmującego życie patosu. Obrazy życia są ucieleśniane przez Liszta w serii jasnych, kolorowych epizodów wypełnionych gatunkami i drobne szczegóły(marsz, duszpasterstwo, burza, bitwa, sygnały trąb, melodie pasterskie). Zestawiane są one na zasadzie kontrastu, a jednocześnie są ze sobą ściśle powiązane: w całym wierszu Liszt umiejętnie przekształca temat wiodący, stosując charakterystyczną dla siebie zasadę monotematyzmu
W poemat symfoniczny nr 4 „Orfeusz”, pomyślana jako uwertura do opery Glucka pod tym samym tytułem, mityczna opowieść o śpiewaczce o słodkim głosie została ucieleśniona w uogólnionym sensie filozoficznym. Orfeusz dla Liszta staje się symbol zbiorowy sztuka. To jedno z najbardziej lapidarnych i zwięzłych dzieł Liszta. Wiersz jest wielowątkowy, jednak wszystkie wątki są ze sobą intonacyjnie powiązane i przenikają się nawzajem. Długotrwałe brzmienie „G” wydobywające się z rogów zastępuje szarpanie harf – to oczywiście obraz liryka Orfeusza, który z uwagą słucha świat. Magiczne brzmienie tych dźwięków wydobywających się z rogów wprawia w podniosły nastrój i wprowadza w poetycką atmosferę. Główna część diatonicznych instrumentów dętych i smyczków skłania się ku rozpiętości epickiej, choć jej nie osiąga. To obraz wszechświata, który artysta stara się zrozumieć, zobiektywizowanej, pozaosobowej rzeczywistości. Zastępujący go nierozszerzony temat łączący symbolizuje poszukiwania artysty. Opadającą figurą melodyczną Liszt przedstawia obraz muzyki – Eurydyki, której szuka Orfeusz. Chcąc nadać temu tematowi szczególne ciepło brzmieniowe i oświecenie, Liszt powierza temat skrzypcom solo, a następnie wiolonczeli solo. Zamysł programowy kompozytora jest tu przejrzysty i jasny: ideał jest nieosiągalny, Eurydyka jest jedynie mirażem niemożliwym do utrzymania. Sztuka jest skazana na wieczne poszukiwania bez rezultatu.
Poemat symfoniczny nr 5 „Prometeusz” poświęcony legendarnemu cierpiącemu i humaniście, który od wieków pobudzał wyobraźnię twórczej elity ludzkości. Wiersz powstał jako uwertura do dramatu sławnego Niemiecki poeta Gottfrieda Herdera. „Cierpienie (nieszczęście) i chwała (błogość)! W ten sposób główną myśl tej aż nazbyt prawdziwej opowieści można wyrazić w skondensowanej formie i w tej formie staje się ona jak burza, jak błyskawica. Smutek pokonany siłą niezniszczalnej energii jest tym, co stanowi w tym przypadku istotę treści muzycznych.”
Poemat symfoniczny nr 6 „Mazeppa”, poświęcony czemuś postać historyczna w losie, który wyraźnie odsłonił ukochane przez romantyków przeciwieństwo cierpienia i triumfu. Wiersz Hugo publikujemy w całości jako program w partyturze. Inspiracją dla Liszta była przede wszystkim główna, pierwsza część wiersza, kompletna kolorowe obrazy, przerażające szczegóły, poczucie grozy śmierci - w porównaniu z triumfem niezłomnego bohatera, powitanym przez cały naród: „Pędzi, leci, upada i powstaje jak król!”
Koncepcja oprogramowania poemat symfoniczny nr 7 „Świąteczne dźwięki” niezwiązane z wydarzenia historyczne lub tematyki literackiej. Wiadomo, że kompozytor zaśpiewał tu swój związek (tj. wesele) z księżniczką Karoliną Wittgenstein i nie mógł obejść się bez cechy portretu siebie i swoją dziewczynę.
Poemat symfoniczny nr 8 „Lament nad bohaterami” stworzony na podstawie „Symfonii rewolucyjnej” (1830), niedokończonej przez młodego Liszta, poświęcony rewolucja Francuska. Gorzkie lamenty i gloryfikacje walki rewolucyjnej, światowego żalu i protestu społecznego słychać w tym dramatycznym wierszu o niezwykłej formie, w którym upiorne bębnienie i sceny egzekucji w środku ustępują jednemu z najlepszych tematów lirycznych w twórczości kompozytora . Można dostrzec ogólny związek artystyczny pomiędzy tym utworem a jednym z najpopularniejszych utworów fortepianowych Liszta, „Procesją żałobną”, powstałym jako zabytek muzyczny tragicznie poległym bohaterom rewolucji, która miała miejsce na jego rodzinnych Węgrzech. Pojawienie się tego dzieła nosi piętno tragicznego rozczarowania romantycznego artysty i wiąże się przede wszystkim z klęską rewolucji, która w latach 1848-49 ogarnęła kraje Europy Środkowej.
Poemat symfoniczny nr 9 „Węgry” często nazywany orkiestrowym Węgierska rapsodia`. Powstał w odpowiedzi na wiersz węgierskiego poety Veresmarty’ego poświęcony Lisztowi. Vörösmarty powitał tym wierszem półtora dekady temu, w styczniu 1840 roku, przyjazd do ojczyzny młodego, niespełna 30-letniego, ale już światowej sławy pianisty. Trasa Liszta nabrała wówczas charakteru święta narodowego. Otrzymał tytuł honorowego obywatela miasta Peszt; po koncercie w Teatr Narodowy, gdzie Liszt występował w węgierskim stroju narodowym, w imieniu narodu wręczono mu „szablę honorową”. Wrażenia te znalazły odzwierciedlenie w powstających w tym samym czasie utworach kompozytora o tematyce narodowej – „Marszu bohaterskim w stylu węgierskim” oraz „Węgierskich melodiach i rapsodiach narodowych”. Wiele lat później Liszt zapożyczył stamtąd trzy tematy do poematu symfonicznego „Węgry”: dwa bohaterskie, marszowe i jeden w duchu zapalającym taniec ludowy Czardasza.
Poemat symfoniczny nr 10 „Hamlet”- wiersz najnowszy pod względem kompozycyjnym Okres weimarski, umieszczony jednak w publikacji pod numerem dziesiątym. Podobnie jak wiele poematów symfonicznych Liszta, opierał się on na uwerturze przeznaczonej do inscenizacji tragedii Szekspira. W muzyce uchwyceni są wszyscy bohaterowie tragedii Szekspira – Hamlet, Ofelia itp.
Prototyp oprogramowania bitwy poemat symfoniczny nr 11 – „Bitwa Hunów” dość nietypowe. To obrazowe. Namalowany w latach 1834-1835 przez modnego malarza historycznego Wilhelma von Kaulbacha fresk o tej samej nazwie zdobił główną klatkę schodową nowego Muzeum Berlińskie. Obraz przedstawia krwawą bitwę, która toczyła się przez cały dzień i pozostawiła tylko kilku rannych na ziemi. Trwa to w niebie, gdzie pośrodku jednej grupy stoi potężny Hun w hełmie z uniesionym mieczem, a drugą grupę przyćmiewa lecący anioł z krzyżem. Liszta urzekł głęboko humanistyczny sens twórczości artysty: triumf chrześcijańskiej miłości i miłosierdzia nad pogańskim barbarzyństwem i krwiożerczością
http://s017.radikal.ru/i441/1110/09/f47e38600605.jpg
Poemat symfoniczny nr 12 „Ideały” inspirowany wierszem Schillera pod tym samym tytułem: "Ideał nie jest niczym bardziej pożądanym i nieosiągalnym. Drogę do niego znajdzie tylko ten, kto tworzy powoli i nigdy nie niszczy"...
Latem 1881 roku kompozytor, przytłoczony myślami o zbliżającej się śmierci, napisał swój ostatni utwór poemat symfoniczny nr 13 „Od kołyski aż po grób”, inspirowany rysunkami pióra „Od Cradle to Grave” podarowanymi mu przez słynnego węgierskiego artystę Mihaly’ego Zichy’ego. http://s017.radikal.ru/i403/1110/71/363fe132803b.jpg Na prośbę księżnej Wittgenstein słowo „trumna” zastąpiono słowem „grób”, a wiersz ostatecznie nadano tytuł „Od kołyski do Grób". Muzyka ostatniego wiersza Liszta jest smutna i jasna...
Dwa odcinki z „Fausta” Lenaua – „Nocna procesja” i „Taniec w wiejskiej karczmie (Walc Mefisto)”. Obrazy Fausta i Mefistofelesa ekscytowały Liszta przez całe jego życie. twórcze życie. Nad Lenau dominuje Mefistofeles, duch negacji i zniszczenia, obdarzony nieustępliwą wolą i nieokiełznaną siłą namiętności. Triumf zła jest niezaprzeczalny: taki Mefistofeles z łatwością ujarzmia Fausta – człowieka zagubionego, czasem ogarniętego zachwytem, czasem pogrążonego w otchłani rozpaczy, niezdolnego do panowania ani nad swoimi uczuciami, ani nad okolicznościami życiowymi. Początkowa część „Nocnej procesji” zbudowana jest na ostrym kontraście. Jej pierwszy temat, żałobny i ponury, jest cechą charakterystyczną stanu umysłu Fausta. Bohater staje w obliczu spokoju wiosenna natura: w przejrzystym dźwięku smyczków, instrumentów dętych drewnianych i rogów słychać tryle słowika, szelest drzew, szum strumieni. Odległe bicie dzwonu zapowiada centralny epizod – samą procesję. Liszt oparł ją na temacie chorału katolickiego „Pange lingua gloriosi” („Śpiewaj język”), którego tekst przypisuje się Tomaszowi z Akwinu. Wchodzą kolejne instrumenty, procesja się zbliża, a potem znika w oddali. Znów króluje cisza. I brzmi to jak eksplozja rozpaczy temat otwierający: „szlochając gwałtownie” – jak zauważa autor – padają motywy skrzypiec, fletów i obojów. Przechodzą w głęboki bas grupa ciągów, oprawiając w ten sposób całe dzieło w obraz duszy bohatera, który dla Liszta jest ważniejszy niż szkice obrazowe. Walc Mephisto stanowi ostry kontrast w stosunku do pierwszego odcinka. Ten prawdziwy wiersz walc - szybki, ekscytujący, całkowicie pozbawiony wolnych temp. Po mistrzowsku zestawione zostały dwa obrazy: prawdziwy, codzienny taniec efekty komiczne i fantastyczny taniec. Pierwsza ucieleśnia grę wiejskich muzyków, a pełna orkiestra symfoniczna imituje brzmienie chłopskiej kapeli. Muzycy poświęcają dużo czasu na przygotowania, dostrojenie się i zebranie odwagi. Wreszcie altówki i wiolonczele pewnie wykonują wiejski, zgodnie z kierunkiem autora, szorstki, ostro akcentowany temat. Zabawa rośnie, coraz więcej nowych tancerzy pędzi jak wicher w szaleńczym tańcu. Potem zmęczeni przestają. Zaczynają się wiolonczele w niezwykle wysokim rejestrze nowy temat(uwaga autora „czule, z miłością”) – ospały, zmysłowy, chromatyczny, nie wpisujący się w czytelną taneczną siatkę. Pojawił się Mefistofeles; jego temat dopełnia zanikające brzmienie skrzypiec solowych. Rozpoczyna się jeszcze szybszy epizod fantasy. A kiedy wiejski taniec powraca, diabelskie śpiewy nie pozwalają mu się rozwinąć, wypaczają jego motywy – podporządkowują się woli Mefistofelesa, stając się równie połamane, chromatyczne. Teraz sam diabeł rządzi grzędą. Taniec zamienia się w szaloną bachanalię, metrum trzytaktowe zostaje zastąpione dwutaktowym, „ruch walca zamienia się w jakiś dziki czardasz, pełen ognia i niepohamowaną pasją.” W kulminacyjnym momencie taniec się urywa i fantastyczny epizod powtarza się jeszcze raz; mocno skrócony, kończy się spokojnymi głosami natury (kadencja fletu solo, glissando harfy). Ale ostatnie słowo pozostaje przy Mefistofelesie: szaleńczy taniec eksploduje ponownie, groźnie triumfalnie, diabelski motyw wielokrotnie potwierdza się w basie orkiestry. Nagle wszystko cichnie, znika w oddali; pozostaje tylko cichnący szelest kotłów oraz pizzicato wiolonczel i kontrabasów. Po glissando na harfie Liszt wpisał ostatnią linijkę Lenaua: „I połyka je wściekłe morze namiętności”.
Dyrygent Arpad Joó (węgierski: Árpád Joó) urodzony 8 czerwca 1948 roku w Budapeszcie, pochodzi ze starej węgierskiej rodziny, jest cudownym dzieckiem. Już w dzieciństwie został zauważony przez Zoltana Kodaly'ego i objęty jego patronatem, studiował w Akademii Muzycznej w Budapeszcie. Franz Liszt Pal Kadosy i József Gat. W 1962 roku został zwycięzcą Konkursu Pianistycznego im. Liszta i Bartoka w Budapeszcie. Następnie studiował dyrygenturę w Juilliard School i Indiana University oraz studiował u Igora Markevicha w Monte Carlo. W latach 1973-1977 główny dyrygent Orkiestra Symfoniczna w Knoxville, 1977-1984. - Orkiestra Filharmonii Calgary, 1988-1990. - Orkiestra Symfoniczna Hiszpańskiego Radia i Telewizji. Występował z zespołem London Orkiestra symfoniczna. Pracował jako gościnny dyrygent z Orkiestrą Wspólnoty Europejskiej. Nagranie przez dyrygenta całego cyklu dzieł Kodály’ego i Bartóka stało się wydarzeniem nie tylko na Węgrzech. W 1985 roku z okazji 100. rocznicy śmierci Liszta nagrał z Budapesztańską Orkiestrą Symfoniczną pełne spotkanie swoje poematy symfoniczne, za które otrzymał upragnioną nagrodę „Grand Prix du Disque” w Paryżu, prosto z rąk francuskiego Ministra Kultury Leotarda. Dlaczego Francuzi tak bardzo lubili Liszta w wykonaniu Budapestów i Arpada Joo? Zapewne ze względu na miękkość i plastyczność interpretacji. Nie ma tu zwykłych oszałamiających „efektów specjalnych” i sztucznego zewnętrznego patosu, ale są uduchowione melodie.
Słuchać:http://www.youtube.com/watch?v=yfhf7_mUccY
Ferenc Liszt – Ukończono poematy symfoniczne
Budapeszteńska Orkiestra Symfoniczna / Arpad Joo
Nagrano w Budapeszcie 1984/5 DDD
1987 „Grand Prix Du Disque”, Paryż, Francja
Franciszek Liszt (1811-1886)
CD1
Poemat symfoniczny nr 1. Co słychać w górach („Symfonia górska”) (wg Hugo, 1847-1857) (30:34)
Poemat symfoniczny nr 2. Tasso. Lament i triumf (według Goethego, 1849-1856) (21:31)
Poemat symfoniczny nr 3. Preludia (wg Lamartine’a, 1850-1856) (15:52)
CD2
Poemat symfoniczny nr 4. Orfeusz (jako wprowadzenie i zakończenie Orfeusza Glucka, 1856)(11:36)
Poemat symfoniczny nr 5. Prometeusz (według Herdera, 1850-1855) (13:29)
Poemat symfoniczny nr 6. Mazepa (wg Hugo, 1851-1856) (15:54)
Poemat symfoniczny nr 7. Świąteczne dźwięki (Caroline Wittgenstein, 1853-1861) (19:47)
CD3
Poemat symfoniczny nr 8. Lament nad bohaterami (na podstawie I części „Symfonii Rewolucyjnej”, 1830-1857) (24:12)
Poemat symfoniczny nr 9. Węgry (odpowiedź na poemat patriotyczny Vörösmarty'ego, 1839-1857) (22:22)
Poemat symfoniczny nr 10. Hamlet (według Szekspira, 1858-1861)(14:35)
CD4
Poemat symfoniczny nr 11. Bitwa Hunów (na podstawie fresku Kaulbacha, 1857-1861) (13:58)
Poemat symfoniczny nr 12. Ideały (wg Schillera, 1857-1858)(26:55)
Poemat symfoniczny nr 13. Od kołyski do grobu (na podstawie rysunku M. Zichy, 1881-1883)
I. Kołyska (6:31) / II. Walka o byt (3:14) / III. Grób (7:38)
CD5
Dwa odcinki Fausta Lenaua (1857-1866)
I. Nocna procesja (15:15)
II. Taniec w wiejskiej karczmie (Walc Mefisto nr 1) (11:54)
Walc Mefisto nr 2 (1880-1881) (11:41)
Proklamacja i hymn węgierski (1873) (10:13)
Ewa Kwiatkowska () zaktualizowała link do nagrania audio:
SĄ trackovo
http://files.mail.ru/973FB84356324B3886DFA2E0A4CF6F9B
G. Krauklis „Wiersze symfoniczne F. Liszta”.
Moskwa, 1974, 144 strony.
Książka jest popularnonaukowym esejem na temat poematów symfonicznych Liszta
TREŚĆ
Symfonia programowa F. Liszta i jego poematy symfoniczne 5
„Co słychać na górze” („Ce qu’on entend sur la montagne”) 30
„Tasso. Reklamacja i triumf” („Tasso. Lamento e trionfo”) 43
„Preludia” („Les Préludes”) 53
„Orfeusz” 62
„Prometeusz” 71
„Mazepa” 77
„Świąteczne dźwięki” („Fest-Klänge”) 85
„Lament nad bohaterami” („Héroїde funèbre”) 93
„Węgry” („Węgry”) 99
„Hamlet” 107
„Bitwa Hunów” („Hunnenschlacht”) 114
„Ideały” („Die Ideale”) 122
Uwagi 135
Aplikacje 140
Referencje 141
Liść przeszedł do historii muzyka symfoniczna jako twórca nowego gatunku – jednoczęściowego poematu symfonicznego. Jej nazwa przywołuje od razu skojarzenia z atmosferą poezji i wyraźnie oddaje związek muzyki i literatury leżący u podstaw estetyki Liszta (jak wiadomo, Liszt był jednym z najzagorzalszych zwolenników twórczości programowej i syntezy różnych sztuk).
Poemat symfoniczny ucieleśnia konkretną treść programową, czasem bardzo złożoną.
Z 13 poematów symfonicznych Liszta 12 pochodzi z okresu świetności jego twórczości, kiedy kompozytor był liderem i dyrygentem teatru dworskiego w Weimarze.
Paleta obrazów zawartych w poematach symfonicznych Liszta jest bardzo szeroka. Prezentowane tutaj literatura światowa przez wszystkie stulecia, od starożytnych mitów po dzieła współczesnych romantyków. Ale wśród pstrokatej różnorodności tematów wyraźnie wyróżnia się jeden, bardzo specyficzny dla Liszta. zagadnienia filozoficzne:
problem sensu życia człowieka.
Dwa najbardziej znane wiersze Liszta to „Tasso” (w którym kompozytor nawiązał do osobowości wybitnego włoskiego poety renesansu Torquato Tasso) i „Preludia”.
„Preludia” to trzeci poemat symfoniczny Liszta. Jej nazwę i program zapożyczył kompozytor z wiersza francuskiego poety Lamartine’a pod tym samym tytułem. Liszt jednak znacząco odszedł od głównej idei wiersza, która poświęcona była myśleniu o kruchości ludzkiej egzystencji. Tworzył muzykę pełną heroicznego, afirmującego życie patosu.
Początek wiersza jest bardzo typowy dla Liszta, który zwykle odmawia uroczystych wstępów i wiele utworów rozpoczyna po cichu, jakby w tajemnicy. W „Preludiach” gwałtowne, ciche dźwięki pierwszych taktów sprawiają wrażenie tajemnicy i zagadki. Następnie pojawia się typowo romantyczny motyw pytania, wyrażający „kluczową” początkową frazę programu: „Czy nasze życie nie jest serią preludiów do nieznanego hymnu, którego pierwszą uroczystą nutę zabierze śmierć?”) , czyli pytanie o sens życia. Motyw ten pełni rolę rdzenia tematycznego całej późniejszej muzyki utworu.
Wyrastając z motywu pytania, ale zdobywając pewność samoafirmacji, bohaterski temat główny brzmi potężnie i uroczyście.
Tematem drugorzędnym, zgodnie z planem programu, jest temat miłości. Jego związek z motywem głównym jest bardziej pośredni. Z tematem głównym temat drugorzędny wydaje się być w barwnej, „romantycznej” relacji. Drugorzędne brzmienie rogów zdublowane przez alty nadaje szczególnego ciepła i szczerości.
Miłosna idylla pobocznej gry w fazie rozwoju ustępuje miejsca burzom życia, scenom bitewnym i wreszcie wielkiemu epizodowi o charakterze pasterskim: „bohater” szuka na łonie natury wytchnienia od trosk życia. Wszystko to budzi skojarzenia z gwałtownymi podmuchami wiatru. Epizod burzy wyróżnia się żywymi obrazami wizualnymi.
Dalsza część – duszpasterska – ma charakter powolny. Całkowicie nowy jest jego temat, naprzemiennie wykonywany przez różne instrumenty dęte. Jednak i tu, w przejrzystym brzmieniu pieśni pasterskich, błyska „intonacja pytania”, jak gdyby nawet na łonie natury bohater nie mógł pozbyć się wątpliwości.
Późniejszy rozwój tematu pobocznego ma na celu jego heroizację: staje się on coraz bardziej aktywny, energiczny i w dynamicznej repryzie zamienia się w zwycięski marsz w rytmie punktowanym. Tę marszową wersję tematu pobocznego ponownie poprzedza temat łączący, który również traci swój marzycielski charakter i zamienia się w radosny apel. Gloryfikacja obrazy liryczne logicznie prowadzi do szczytu całego dzieła – potężnego wykonania główny temat, co staje się heroiczną apoteozą poematu.
Poemat symfoniczny „Preludia”
musike.ru/index.php?id=78
Wśród 12 wierszy „Tasso” zajmuje drugie miejsce, o czym jednak nie decyduje ani czas ukończenia, ani kolejność publikacji utworu. Bohaterem wiersza jest wielki włoski poeta renesansu Torquato Tasso, którego poemat epicki „Jerozolima wyzwolona” na przestrzeni wieków inspirował wielu kompozytorów. Los Tasso jest bardzo niepewny. Poeta, który zabłysnął na dworze księcia Ferrary, Alfonsa II d'Este, w wieku 35 lat trafił do szpitala św. Anny – szpitala psychiatrycznego i jednocześnie więzienia, kończąc tam albo naprawdę z powodu choroby, która go dotknęła, albo z powodu dworskiej intrygi. Legenda nazywała powód uwięzienia miłością - śmiałością poety, burzącą wszelkie bariery klasowe wobec siostry księcia Alfonsa, Eleonory d’Este. Siedem lat później, zwolniony z więzienia za wstawiennictwem papieża, Tasso – już całkowicie załamany człowiek – został ogłoszony największym poetą Włoch i odznaczony wieńcem laurowym, przyznanym wcześniej tylko raz wielkiemu Petrarce.
Poemat symfoniczny „Tasso”
Śmierć jednak przyszła wcześniej i podczas uroczystej ceremonii na Kapitolu rzymskim laurami uwieńczono jedynie trumnę poety. „Skarga i Triumf: to są dwie wielkie opozycje w losach poetów, o których słusznie się mówi, że jeśli przekleństwo często ciąży na ich życiu, wtedy błogosławieństwo nigdy nie opuszcza ich grobów” – napisał Liszt w programie tego dramatycznego wiersza, ukazując wszystkie perypetie życia poety – od więzienia i wspomnień miłości po zasłużoną sławę.
Koncepcja ta pojawiła się w sztuka muzyczna w 1854: Węgierski kompozytor Franz Liszt nadał definicję „poematu symfonicznego” swojemu utworowi orkiestrowemu „Tasso”, pierwotnie zamierzonemu jako uwertura. Tą definicją chciał podkreślić, że Tasso to nie tylko oprogramowanie kompozycja muzyczna. Treścią jest niezwykle blisko poezji.
Franciszek Liszt. Poemat symfoniczny „Tasso. Skarga i triumf”
Orkiestra Symfoniczna Ogólnounijnego Radia, dyr. Nikołaj Gołowanow
Pobierać
Następnie Liszt napisał dwanaście kolejnych poematów symfonicznych. Najbardziej znanym z nich są „Preludia”. Opiera się na wierszu „Preludia” (a dokładniej „Preludia”) francuskiego poety romantycznego Lamartine’a, w którym całe życie ludzkie postrzegane jest jako ciąg epizodów – „preludiów” prowadzących do śmierci.
Twórczość Liszta wykształciła także formę najbardziej charakterystyczną dla poematu symfonicznego: swobodną, lecz posiadającą oczywiste cechy cyklu sonatowo-symfonicznego (patrz opowieść o symfonii), jeśli wykonywana jest bez przerwy między częściami. Zróżnicowane epizody poematu symfonicznego wykazują podobieństwa z głównymi częściami formy sonatowej: główną i wtórną częścią ekspozycji, rozwinięciem i repryzą. Jednocześnie poszczególne epizody wiersza można postrzegać jako części symfonii.
Po Liszcie wielu kompozytorów zwróciło się ku stworzonemu przez niego gatunkowi. U klasyka Muzyka czeska Bedřich Smetana to cykl poematów symfonicznych, które łączy wspólny tytuł „Moja Ojczyzna”. Bardzo podobał mi się ten gatunek Niemiecki kompozytor Ryszarda Straussa. Powszechnie znane są jego Don Juan, Don Kichot i Wesołe sztuczki Tilla Eulenspiegela. Fiński kompozytor Jean Sibelius napisał poemat symfoniczny „Kalevala”, oparty na fińskim eposie ludowym jako źródle literackim.
Rosyjscy kompozytorzy woleli nadawać swoim dziełom orkiestrowym tego typu inne definicje: uwertura fantasy, ballada symfoniczna, uwertura, obraz symfoniczny .
Gatunek malarstwa symfonicznego , szeroko rozpowszechniony w muzyce rosyjskiej, ma pewne różnice. Jego programowanie nie jest związane z fabułą, ale maluje pejzaż, portret, gatunek lub scenę bitewną. Zapewne każdemu znane są takie filmy symfoniczne, jak „Sadko” Rimskiego-Korsakowa, „W Azji Środkowej” Borodina, „Baba Jaga”, „Kikimora” czy „Czarodziejskie jezioro” Ładowa.
Inna odmiana tego gatunku – fantastyka symfoniczna – uwielbiana także przez kompozytorów rosyjskich, wyróżnia się większą swobodą konstrukcji, często obecnością w programie elementów fantastycznych.
Wyłaniają się cechy idealistycznej abstrakcji, retoryki i na pozór oratorskiego patosu. Jednocześnie ma to fundamentalne znaczenie twórczość symfoniczna Liszt jest wielki: konsekwentnie realizując swoją ideę „odnawiania muzyki poprzez jej połączenie z poezją”, w szeregu dzieł osiągnął niezwykłą doskonałość artystyczną.
Programowanie leży u podstaw przeważającej liczby dzieł symfonicznych Liszta. Wybrana fabuła sugerowała nowe środki wyrazu, zainspirowało do odważnych poszukiwań w dziedzinie formy i orkiestracji, które Liszt zawsze cenił za błyskotliwą dźwięczność i barwność. Kompozytor zazwyczaj wyraźnie wyodrębniał trzy główne grupy orkiestry – smyczki, instrumenty dęte drewniane i blaszane – oraz pomysłowo posługiwał się głosami solowymi. W tutti jego orkiestra brzmi harmonijnie i równo, a w momentach kulminacyjnych, podobnie jak Wagner, często posługiwał się potężnymi unisono blaszanymi na tle figuracji smyczkowych.
Liszt wszedł do historii muzyki jako twórca nowej gatunek romantyczny- „poemat symfoniczny”: tak po raz pierwszy nazwał dziewięć dzieł ukończonych do 1854 r. i opublikowanych w latach 1856-1857; później napisano cztery kolejne wiersze.
Poematy symfoniczne Liszta są dużymi utworami programowymi w swobodnej jednoczęściowej formie (Tylko ostatni poemat symfoniczny „Od kołyski do grobu” (1882) jest podzielony na trzy małe części, które biegną nieprzerwanie.), gdzie często łączone są różne zasady formacji (sonata, wariacja, rondo); czasem ta jednoczęściowa konstrukcja „wchłania” elementy czteroczęściowego cyklu symfonicznego. Powstanie tego gatunku przygotował cały przebieg rozwoju symfonii romantycznej.
Z jednej strony istniała tendencja do jedności wieloczęściowego cyklu, jego unifikacji poprzez przekrojowe tematy, łączenie części („Symfonia szkocka” Mendelssohna, Symfonia d-moll Schumanna i inne). Z kolei poprzedniczką poematu symfonicznego była programowa uwertura koncertowa, swobodnie interpretująca formę sonatową (uwertury Mendelssohna, a wcześniej – Leonora nr 2 i Coriolan Beethovena). Podkreślając tę relację, Liszt wiele swoich przyszłych poematów symfonicznych w ich pierwszych wersjach nazwał uwerturami koncertowymi. Narodziny nowego gatunku przygotowywały także duże, jednoczęściowe dzieła na fortepian, pozbawione rozbudowanego programu – fantazje, ballady itp. (Schuberta, Schumanna, Chopina).
Spektrum obrazów ucieleśnionych przez Liszta w poematach symfonicznych jest bardzo szerokie. Inspirował się literaturą światową wszystkich stuleci i narodów - od starożytny mit(„Orfeusz”, „Prometeusz”), angielskie i niemieckie tragedie XVII-XVIII w. („Hamlet” Szekspira, „Tasso” Goethego) po wiersze współczesnych Francuzów i Węgier („Co słychać na górze” i „Mazeppa” Hugo, „Preludia” „Lamartine”, „Do Franza Liszta” Vörösmarty’ego). Podobnie jak w twórczości fortepianowej, Liszt często ucieleśniał w swoich wierszach obrazy malarstwa („Bitwa Hunów” na podstawie obrazu Niemiecki artysta Kaulbacha, „Od kołyski aż po grób” na podstawie rysunku węgierskiego artysty Zichy’ego) itp.
Ale wśród pstrokatej różnorodności fabuł wyraźnie widać skłonność do tematów heroicznych. Liszta pociągały tematy przedstawiające silny duchem ludzie, obrazy wielkich ruchów ludowych, bitew i zwycięstw. Ucieleśniał w swojej muzyce wizerunek starożytnego bohatera Prometeusza, który stał się symbolem odwagi i nieustępliwej woli. Podobnie jak romantyczni poeci różne kraje(Byron, Hugo, Slovacki) Liszt martwił się o los młodego Mazepy – człowieka, który przezwyciężył niesłychane cierpienie i zyskał wielką sławę (Taka dbałość o młodość Mazepy (według legendy był on przywiązany do zadu konia pędzącego przez step przez wiele dni i nocy), a nie o historyczne losy hetmana Ukrainy – zdrajcy swego ojczyzna - jest typowa, w przeciwieństwie do Puszkina, dla zagranicznych romantyków.). W „Hamlecie”, „Taso”, „Preludiach” kompozytor wysławiał wyczyn życiowy człowieka, jego odwieczne dążenie do światła, szczęścia, wolności; w „Węgrzech” śpiewał chwalebną przeszłość swojego kraju, jego bohaterską walkę o wyzwolenie; „Lament nad bohaterami” poświęcony był bojownikom rewolucyjnym, którzy polegli za wolność ojczyzny; w „Bitwie Hunów” namalował obraz gigantycznego starcia narodów (bitwa armii chrześcijańskiej z hordami Attyli w 451 r.).
Liść jest wyjątkowo dostosowany do dzieła literackie, co stanowiło podstawę programu poematu symfonicznego. Podobnie jak Berlioz zwykle poprzedza partyturę szczegółowym przedstawieniem fabuły (często dość obszernej, obejmującej historię idei i abstrakcyjne rozumowanie filozoficzne); czasami - fragmenty wiersza i bardzo rzadko ograniczone jedynie do ogólnego tytułu („Hamlet”, „Dzwonki wakacyjne”). Ale w przeciwieństwie do Berlioza Liszt interpretuje szczegółowy program uogólnione, bez przekazywania sekwencyjnego rozwoju fabuły w muzyce. Zwykle stara się stworzyć jasny, wyrazisty wizerunek postać centralna i skupić całą uwagę słuchacza na jego przeżyciach. Ten centralny obraz jest również interpretowany nie w konkretny, codzienny sposób, ale w sensie uogólnionym i wzniosłym, jako nośnik wielkiej idei filozoficznej.
W najlepszych poematach symfonicznych Lisztowi udało się stworzyć zapadające w pamięć obrazy muzyczne i pokazać je na różne sposoby sytuacje życiowe. Im bardziej różnorodne są okoliczności, w jakich bohater walczy i pod wpływem których ujawniają się różne strony jego charakteru, tym jaśniej ujawnia się jego wygląd, tym bogatsza jest treść dzieła jako całości.
Charakterystykę tych warunków życia tworzy szereg środków muzycznych i ekspresyjnych. Generalizacja poprzez gatunek odgrywa ważną rolę: Liszt posługuje się pewnymi, historycznie ustalonymi gatunkami, takimi jak marsz, chorał, menuet, pastorał i inne, które przyczyniają się do specyfikacji obrazy muzyczne i sprawiają, że są one łatwiejsze do zauważenia. Często korzysta techniki wizualne do tworzenia obrazów burz, bitew, wyścigów konnych itp.
Zwierzchnictwo centralny obraz rodzi zasadę monotematyzmu – całość dzieła opiera się na modyfikacji jednego tematu przewodniego. Tak skonstruowanych jest wiele wierszy bohaterskich Liszta („Tasso”, „Preludia”, „Mazeppa”) Monotematyzm jest dalszym rozwinięciem zasady wariacyjnej: zamiast stopniowo ujawniać możliwości tematu, bezpośrednie porównanie jego wariantów które mają charakter odległy, często kontrastowy. Dzięki temu powstaje jednolity, a zarazem wieloaspektowy, zmienny obraz bohatera. Przekształcenie głównego tematu odbierane jest jako ukazanie różnych stron jego charakteru – jako zmiany, które powstają w wyniku pewnych okoliczności życiowych. W zależności od konkretnej sytuacji, w jakiej postępuje bohater, zmienia się także kompozycja jego tematu.
Poemat symfoniczny(niemiecki symphonische Dichtung, francuski poemat symphonique, angielski poemat symfoniczny, włoski poema sinfonica) - jednoczęściowa symfonia programowa. praca. Gatunek S. p. został całkowicie ukształtowany w twórczości F. Liszta. Sama nazwa pochodzi od niego. „S. p.” Liszt nadał go po raz pierwszy w 1854 r. w swojej uwerturze „Tasso”, napisanej jeszcze w 1849 r., od której zaczęto go nazywać. S. p. wszystkie ich jednoczęściowe symfonie programowe. eseje. Nazwa „S.p.” wskazuje na powiązanie z tego rodzaju produkcją. muzyka i poezja – zarówno w sensie realizacji fabuły tej czy innej lit. dzieł, a także w sensie podobieństwa przedmiotów S. o tej samej nazwie. gatunek poetycki pozew sądowy S. p. jest głównym rodzaj symfonia muzyka programowa. Dzieła takie jak S. p. czasami otrzymują inne nazwy - fantastyka symfoniczna, symfonia. legendy, ballady itp. Zamknij S. pozycje, ale posiadające specyficzne. Cechami różnorodności muzyki programowej są uwertura i obraz symfoniczny. Dr. najważniejszy rodzaj symfonii. muzyka programowa to symfonia programowa, będąca cyklem 4 (a czasem 5 lub więcej) części.
Na kartce wpisano 13 S. p. Najsłynniejsze z nich to „Preludia” (wg A. Lamartine’a, ok. 1848 r., najnowsza edycja. 1854), „Tasso” (wg J. V. Goethego), „Orfeusz” (1854), „Bitwa Hunów” (wg obrazu W. Kaulbacha, 1857), „Ideały” (wg F. Schillera, 1857), „ Hamlet” (według W. Szekspira, 1858). W pozycjach S. Listova różne typy są swobodnie łączone. struktury, cechy itp. instr. gatunki. Szczególnie charakterystyczne dla nich jest połączenie w jednej części cech allegra sonatowego i symfonii sonatowej. cykl. Podstawowy część symfonii Wiersz składa się zazwyczaj z szeregu różnych epizodów, które z punktu widzenia allegra sonatowego odpowiadają rozdz. części, strony poboczne i rozwinięcie, a z punktu widzenia cyklu – część pierwszą (szybką), drugą (liryczną) i trzecią (scherzo). Kończy produkcję powrót w skompresowanej i przetworzonej figuralnie formie, podobnej w swej wyrazistości, do poprzednich odcinków, co z punktu widzenia allegra sonatowego odpowiada repryzie, a z punktu widzenia cyklu – finałowi. W porównaniu ze zwykłym allegro sonatowym odcinki S. p. są bardziej niezależne i wewnętrznie kompletne. Skompresowany powrót na końcu tego samego materiału okazuje się silnym środkiem utrzymującym formę. W S. p. kontrast między odcinkami może być ostrzejszy niż w allegro sonatowym, a samych odcinków może być więcej niż trzy. To daje kompozytor Więcej wolności realizacja pomysłów programowych, pokaz różnych. rodzaj historii. W połączeniu z tego rodzaju „syntetycznym”. struktur Liszt często stosował zasadę monotematyzmu – wszystko podstawowe. motywy w tych przypadkach okazują się swobodnymi wariacjami tego samego tematu przewodniego lub motywu przewodniego. Edukacja. Zasada monotematyzmu zapewnia komplementarność jednak zapięcie kształtowe, jeśli jest spójne. zastosowanie może prowadzić do intonacji. zubożenie całości, gdyż przemiana ma przede wszystkim charakter rytmiczny. rysunek, harmonizacja, faktura głosów towarzyszących, ale nie intonacja. zarysy tematu.
Przesłanki pojawienia się gatunku S. p. można prześledzić przez wiele poprzednich dziesięcioleci. Próby strukturalnego połączenia części symfonii sonatowej. cykle podejmowano jeszcze przed Lisztem, choć często sięgano po „zewnętrzne” metody unifikacji (np. wprowadzanie konstrukcji łączących pomiędzy poszczególnymi częściami cyklu lub przechodzenie z jednej części do drugiej). Sama zachęta do takiego zjednoczenia wiąże się z rozwojem muzyki programowej, z ujawnieniem w produkcji. pojedyncza działka. Na długo przed Lisztem pojawiły się także symfonie sonatowe. cykle, które miały na przykład cechy monotematyzmu. symfonie, główne Tematyka wszystkich części ujawniła intonację, rytm. i tak dalej. jedność. Jednym z najwcześniejszych przykładów takiej symfonii była V Symfonia Beethovena. Gatunkiem, na podstawie którego doszło do powstania S. p., jest uwertura. Rozszerzenie jego zakresu, związane z planami programowymi, wewnętrzne. tematyczny wzbogacenie stopniowo przekształciło uwerturę w S. p. Ważne kamienie milowe na tej ścieżce jest ich wielu. uwertury F. Mendelssohna. Znamienne, że Liszt tworzył także swoje wczesne utwory S. jako uwertury do K.-L. oświetlony. produkowane i początkowo miały nawet nazwę. Uwertura („Tasso”, „Prometeusz”).
W ślad za Lisztem w stronę gatunku dzieł literackich zwrócili się także inni mieszkańcy Europy Zachodniej. kompozytorzy, przedstawiciele różnych krajowy szkoły Są wśród nich B. Smetana („Ryszard III”, 1858; „Obóz Wallensteina”, 1859; „Jarl the Heckon”, 1861; cykl „Moja Ojczyzna”, składający się z 6 akapitów, 1874-70), K. Sen – Sans („Wirujące koło Omphale”, 1871; „Faeton”, 1873; „Taniec śmierci”, 1874; „Młodość Herkulesa”, 1877), S. Frank („Zolidy”, 1876; „Dżiny”, 1885; „Psyche”, 1886, z chórem), H. Wolf („Pentesileia”, 1883-85).
Najważniejszy etap rozwoju gatunku S. p. w Europie Zachodniej. sztuka kojarzona jest z twórczością R. Straussa, autora 7 S. p. Najważniejsze z nich to „Don Juan” (1888), „Śmierć i oświecenie” (1889), „Till Eulenspiegel” (1895), „Tak mówił Zaratustra” (1896), „Don Kichot” (1897). Blisko sztuki. znaki S. i. też ma swoją symfonię. fantazje „Z Włoch” (1886), „Symfonia domowa” (1903) i „Symfonia alpejska” (1915). Stworzony przez R. Straussa S. i. wyróżnia się jasnością, „chwytliwością” obrazów, mistrzowskim wykorzystaniem możliwości orkiestry – zarówno ekspresyjnej, jak i wizualnej. R. Strauss nie zawsze trzyma się tego, co typowe Schemat blokowy S. p. Liszta Podstawą jego „Don Juana” jest więc schemat allegra sonatowego, podstawą „Till Eulenspiegel” jest forma rondo-wariacyjna, podstawą „Don Kichota” są wariacje (w podtytule utwór nazywa się „wariacjami symfonicznymi na temat o charakterze rycerskim”).
Po R. Straussa przedstawiciele innych narodowości z powodzeniem pracowali w dziedzinie produkcji rolnej. szkoły J. Sibelius stworzył szereg S. p., ale opartych na motywach ludowych. fiński epicka „Kalevala” („Saga”, 1892; „Kullervo”, 1892; ostatnia – „Tapiola” pochodzi z 1925 r.). 5 pozycji S. napisał w 1896 r. A. Dvořák („Człowiek na wodzie”, „Południe”, „Złote kołowrotek”, „Gołąb”, „Pieśń bohaterska”).
W XX wieku za granicą oprócz J. Sibeliusa, prod. Niewielu kompozytorów tworzyło w gatunku pieśni śpiewanych - B. Bartok („Kossuth”, 1903), A. Schoenberg („Pelleas i Melisande”, 1903), E. Elgar („Falstaff”, 1913), M. Reger (4 S. p. na podstawie obrazów Böcklina, 1913), O. Respighi (trylogia: „Fontanny Rzymu”, 1916; „Pineas Rzymu”, 1924; „Święta Rzymu”, 1929). S. p. w Europie Zachodniej. muzyka jest wewnętrznie modyfikowana; tracąc cechy fabuły, stopniowo zbliża się do symfonii. obraz. Często pod tym względem kompozytorzy dają w swoim programie symfonie. szturchać. tytuły bardziej neutralne (preludium „Popołudnie fauna”, 1895 i 3 szkice symfoniczne „Morze”, 1903, Debussy; „ruchy symfoniczne” „Pacific 231”, 1922 i „Rugby”, 1928, Honegger itp.) .
Rus. kompozytorzy stworzyli wiele działa jak S. p., chociaż nie zawsze termin ten był używany do określenia ich gatunku. Są wśród nich M. A. Bałakirew (S. p. „Rus”, 1887, w pierwszym wydaniu 1862 zatytułowany uwertura „Tysiąc lat”; „Tamara”, 1882), P. I. Czajkowski (S. p. „Fatum”, 1868; uwertura-fantazja „Romeo i Julia”, 1869, wydanie III 1880; fantazja symfoniczna „Francesca da Rimini”, 1870; fantazja (symfoniczna) „Burza”, 1873; uwertura-fantazja „Hamlet”, 1885; ballada symfoniczna „Voevoda” , 1891), N. A. Rimski-Korsakow („Bajka”, 1880), A. K. Głazunow („Stenka Razin”, 1885), A. N. Skriabin („Sny”, 1898; „Poemat ekstazy”, 1907; „Poemat ognia” lub „Prometeusz” z ph. i refrenem, 1910). Wśród sów. kompozytorzy, którzy zwrócili się ku gatunkowi S. p. - A. I. Khachaturyan (wiersz symfoniczny, 1947), K. Karaev („Leili and Majnun”, 1947), A. A. Muravlev („Azov-Mountain”, 1949 ), A. G. Svechnikov ( „Szczors”, 1949), G. G. Galynin („ Epicki wiersz", 1950), A. D. Gadzhiev („O pokój”, 1951), V. Mukhatov („Moja ojczyzna”, 1951).