Rosyjskie instrumenty muzyczne są na skraju wyginięcia. Znani twórcy instrumentów muzycznych

Wykonanie narodowego instrumentu muzycznego przy użyciu technologii odlewania. Prace projektowe wykonał Kirillin Innokenty. Z. Diabyla. 2010

Przeczytaj w formacie PDF

Ministerstwo Nauki i Szkolnictwa Zawodowego

Republika Sacha Jakucji

Państwowa instytucja edukacyjna

Liceum Zawodowe nr 14

Praca projektowa

Wykonanie narodowego instrumentu muzycznego przy użyciu technologii odlewania

Ukończył: Kirillin Innokenty

Student grupy Mechanik Samochodowy

Kierownik: Bayagantaev P.S.

Z. Diabyla. 2010

• Wstęp
• 1. Tradycyjne i nowoczesne technologie wytwarzania Jakuckiego Chomusa
• 2. Muzyka Jakuta Chomusa i jej elementy starożytna technologia produkcja
• 3. Uzasadnienie tematu projektu
  • Specyfikacja projektu
• Wniosek
• Bibliografia
• Aplikacja
• Wstęp

Znaczenie tych prac projektowych polega na tym, że obecnie istnieje problem seryjnej produkcji chomusów z wykorzystaniem nowoczesnych technologii. Większość współcześni mistrzowie działa wg starożytna technologia. Technologie te są pracochłonne i wymagają stosowania siła fizyczna i wymagają dużo czasu. Na tej podstawie stajemy przed zadaniem ułatwienia i przyspieszenia procesu pracy nad głównymi elementami - ciałem Khomusa. Dzięki wprowadzeniu technologii odlewania w procesie wytwarzania khomusu możliwa jest zarówno oszczędność czasu, jak i oszczędność aktywność fizyczna. Zatem w ciągu ośmiu godzin w jednym procesie odlewania można wyprodukować 8-10 półproduktów.

Celem tej pracy projektowej jest produkcja khomusu poprzez odlewanie w profesjonalnym sprzęcie odlewniczym.

Przedmiot badań: proces wytwarzania khomusu.

Przedmiot badań: proces wytwarzania korpusu chomusa metodą odlewania.

Główne zadania to:

· Propaganda i dystrybucja instrumentu muzycznego – khomus – wśród ludności.

· Wprowadzenie masowej produkcji korpusów khomusowych do produkcji kompleksu przemysłowego w Państwowej Instytucji Oświatowej PL nr 14.

· Wszczepienie oryginalnej kultury ludu Sacha poprzez proces wytwarzania khomus.

Nowość naszego projektu polega na tym, że przy produkcji korpusu Khomus stosujemy metodę odlewania na nowoczesnych urządzeniach odlewniczych (odlewarka próżniowa), co znacznie obniża koszty pracy i obniża koszty.

Problem w tym, że przestarzała metoda wytwarzania khomusu jest zbyt powszechna. Khomusy wykonane przy użyciu prostej technologii nie cieszą się dużym zainteresowaniem wśród kupujących, ponieważ... nowoczesny khomus jest ceniony nie tylko za piękno, dźwięk, jakość, ale także za to, że jest wykonany z metali takich jak stal stopowa, mosiądz, brąz i miedź, które nie korodują. Wszyscy producenci khomusów powinni wiedzieć o tych i innych metodach nowoczesnej technologii, ponieważ nowa technika w dużej mierze spełnia współczesne wymagania. Uczy poprawności rozwiązań kompozycyjnych, estetyki, niezwykłego brzmienia, w całej precyzji itp. Nie możemy jednak zapominać o tradycyjnych formach khomusu.

Przy realizacji prac projektowych wykorzystano metodę teoretyczną, która obejmuje przestudiowanie specjalistycznej literatury metodologicznej oraz praktyczną, eksperymentalną metodę wytwarzania korpusu khomusu w technologii odlewania.

Hipoteza badawcza: wprowadzenie naszej technologii zwiększy jakość i produktywność produkcji homusu.

Obecnie harfa stała się jednym z dźwiękowych wyznaczników ekspresji muzycznej wśród ludów Syberii. Tymczasem wśród wielu ludów syberyjskich instrument ten wykonuje grę lub funkcja produkcyjna w kulturze.

Pojawiał się w różnych okresach rozwoju tych kultur i naturalnie miał różnice w swojej konstrukcji. Muzyka ta sprowadziła się do czasów współczesnych z głębi wieków, których pochodzenie naukowcy w południowej Azji przypisują epoce kamienia, a w Europie – zdaniem amerykańskiego muzykologa F. Crane’a – 5 tysięcy lat temu. Chomus to jeden z najpopularniejszych przedstawicieli jakuckich instrumentów ludowych. Przyciąga uwagę wielu badaczy.

1. Tradycyjne i nowoczesne technologie wytwarzania Jakuckiego Chomusa

Metalurgia rzemieślnicza kowali jakuckich i historia kultury rzemieślniczej

Pod koniec XIX wieku. Tradycyjnymi ośrodkami produkcji żelaza w Wilju były: Asykaisky, Odeysky, Kangalassky, Khorinsky, Mentsky, 1 Udegey naslega. W okręgu Jakuckim wytapianiem żelaza zajmowali się Khachikatsy, Zhemkontsy z ulusów East Kangalas oraz niektóre naslegi z ulusów West Kangalas i Bayagantay.

Jak wynika z ankiet rozesłanych przez Jakucki oddział Rosyjskiego Towarzystwa Geograficznego do 208 odbiorców w regionie, bardziej szczegółowych odpowiedzi na pytania udzielił Vilyuy. To był rok 1913. W tym czasie wiele hut było nieczynnych, w szczególności przestały istnieć ośrodki metalurgiczne nad Leną i Ałdanem. Od lokalnego nauczyciela w Wierchniewilyjsku V.G. Monastyrew stwierdził w kwestionariuszu odpowiedzi: „Półstal wytapia się z lokalnej rudy”. Na początku naszego stulecia mistrzowie Cantic i Satin kontynuowali dziedziczny zawód swoich przodków. Technologia i tajniki rzemiosła przekazywane były z pokolenia na pokolenie. Pod ich kierownictwem w proces wytapiania zaangażowani byli bliscy krewni huty lub sami klienci (22).

Na końcowy uzysk i jakość żelaza miał bezpośredni wpływ szereg czynników, m.in. wysokie wzbogacenie surowców zawierających żelazo, wysoka jakość prażenia oraz twardość węgla. Jednocześnie wiele zależało od indywidualnego doświadczenia samego hutnika, umiejętności kierowania postępem i procesem wytapiania.

Piec do wytapiania ładowany jest jak wkład paliwem stałym i rudą. W miarę spalania paliwa jego poziom spada niżej, wchodząc w strefę intensywnego spalania. Temperatura sięga 1300-1400 C. Ruda topi się i opada, tworząc gąbczastą masę. Mistrz obserwujący postęp spalania węgla i pieca do wytapiania. W tym celu przewoźnik rudy z kadzią o wadze około 20 kg musi wspiąć się po drabinie i załadować ją od góry. Łagodny węgiel drzewny zawierał środki redukujące, które sprzyjały usuwaniu skały płonnej i szybkiej reakcji środków redukujących z tlenkiem żelaza.(1)

Podczas sesji produkcyjnej zasypywanie przeprowadzono 12-13 razy. Co pół godziny kuśnierze wymieniali się. Dopływ powietrza nie ustał nawet podczas przerwy obiadowej. W końcowej fazie procesu wytapiania domnik Jakucka wypuścił płynny żużel przez wywiercone drzwi.

Po zakończeniu topienia wyjęto z gniazda wrzeszczące żelazo. Jest to bardzo pracochłonna operacja. Pomagali robotnicy, dzieci, starcy, kobiety. Jako dźwigni użyli zamrożonego długiego kłody o małej grubości. I spuścili gorącą critsę po pochyłej płaszczyźnie do miejsca, gdzie pospiesznie pocięli ją na kawałki stalowymi toporami. Staraliśmy się nie przegapić temperatury nagrzewania blanku. A kiedy posortowali wysokiej jakości żelazo na „surekh timir” (sposób życia), „sirey timir” (mniej podobny do stali) i „keteh timir” (złej jakości), podziękowali duchowemu ogniowi i swojemu przodkowi i następnie, jeśli to możliwe, ucztowali.

Domnicy Jakuccy wykorzystali tradycję dawnych rzemieślników bezpośredniej redukcji żelaza, omijając proces żeliwa. Pod tym względem tradycja hutnictwa Jakuta ma wspólne cechy typologiczne z kulturą metalurgiczną Południowej Syberii. Pozostaje tajemnicą, dlaczego rzemieślnicy Jakucka nie zastosowali specjalnego reduktora strumienia, jak robili to inni hutnicy. Tylko na Lenie niektórzy rzemieślnicy używali topników z piasku, gliny i wapienia. Najwyraźniej łagodny węgiel drzewny zawierał aktywne środki redukujące: wapień, wapń, węgiel i wodór. Wśród lokalnych rzemieślników było także wiele charakterystycznych cech.

Warto zwrócić uwagę na produkty końcowe. Chociaż rzemieślnicy Satin byli nieco gorsi od hut Kentik, niemniej jednak za 8-10 wytopów rocznie otrzymywali 40-80 funtów żelaza. W 1753 roku huta Tamga była w stanie wyprodukować 75 funtów żelaza. Pod koniec stulecia huta Jakucka całkowicie podupadła. Niektórzy przemysłowcy produkowali tylko na wiosnę.(2)

Istotne informacje na temat hutniczej produkcji Jakutów zawarte są w pracach pracowników Drugiej Wyprawy Kamczackiej. Dowódca tej wyprawy W. Bering napisał, że jakuckie żelazo „będzie przeciwne najlepszemu żelazu syberyjskiemu”, że „jakuci robią z tego żelaza kotły dla siebie, wykładają skrzynie i wykorzystują je do najróżniejszych potrzeb”.

Szef komisji ds. ogólnego opisu sposobu życia narodów guberni irkuckiej R.I. Langans w 10. rozdziale swego dzieła poświęconego Jakutom napisał w 1789 r.: „Ich kowale wytwarzają topory, kosy, palmy, noże, krzemienie i nożyczki, miedziarze odlewają pierścień z rzeźbionymi wzorami do ozdabiania kobiet, także do czyszczenia siodeł .” (12)

Akademik A.F. zwrócił uwagę na wydobycie i przetwarzanie żelaza w Jakucji. Middendorfa. Według jego informacji w drugiej połowie XIX w. roczna produkcja żelaza w jednym okręgu Jakucka sięgała 2000 pudów. Jego opinię potwierdził następnie W. Seroszewski.

W cennym dziele etnograficznym I.A. Chudyakowa” Krótki opis Verkhoyansk Okrug” szczegółowo opisuje strój szamański ze wszystkimi jego atrybutami. Zawiera nazwy żelaznych wisiorków i metalowych tabliczek. Szczególnie interesująca jest informacja dotycząca wagi stroju, który składał się w całości z różnych żelaznych płytek, wiszących wisiorków i dzwonków. Waga kombinezonu dochodziła do 3 funtów.

Prawie każda rodzina Jakutów nie mogła obejść się bez produktów żelaznych. Niektórzy rzemieślnicy osiągnęli znaczną doskonałość i wykonali broń gwintowaną z dużą dokładnością. Według obliczeń Seroszewskiego roczna produkcja żelaza Jakuckiego w latach 80 lata XIX V. osiągnął do 10 t. Członek wyprawy geograficznej kapitana I. Billingsa, G.A. W 1786 r. Sarychev w granicach Jakucka odkopał kopiec „kulisty”, w którym oprócz różnych obiektów kostnych odkrył 4 żelazne pierścienie, naczynie żelazne z XVII - XVIII wieku. W 1894 r. Pochodzący z regionu Ust-Ałdan, Naum Lytkin, w pobliżu jeziora Borolookh, znalazł 147 podłużnych płyt zbroi jakuckiego wojownika z XVII wieku.

Wraz z rozwojem kowalstwa dobrą sławę zyskali złotnicy i miedziarze. Ich prace wyróżniały się czystym wykończeniem i wysokim poziomem obróbki artystycznej.

Przedrewolucyjni badacze zauważyli bogaty zestaw srebrna biżuteria Jakucka panna młoda: ilin kebier (ozdoba piersi), kelin kebier (warkocz), kemus tuobakhta (okrągła blaszka na nakrycie głowy), kemus kur (srebrny pasek), kemus biileh (srebrny pierścionek), kemus ytarZa (srebrne kolczyki), beZeh (bransoletka) . Dodatkowo na siodłach i łękach siodła konia naszyto bogato zdobione srebrne talerze i okrągłe tabliczki. Odzwierciedlała ją kompletność i bogactwo zestawu ślubnego status społeczny i szlachta pochodzenia.

Jakuccy rzemieślnicy wykonywali z miedzi czajniki, misy, wędzidła, strzemiona, sprzączki, guziki, pierścionki i etui na igły, metodą kucia na gorąco. W pochówkach z XVIII w. przedmioty miedziane są lepiej zachowane niż żelazne. Spośród 16 naczyń metalowych z XVIII wieku odzyskanych z pochówków. jedenaście kotłów jest wykonanych z miedzi. A sama nazwa „altan olguy” (miedziany kocioł) mówi również o czysto jakuckim pochodzeniu tych rzeczy. Według obliczeń Seroszewskiego rzemieślnicy jakuccy pod koniec XIX wieku wyprodukowali 2750 funtów wyrobów miedzianych o wartości 140 000 rubli w srebrze. Wyroby jakuckich kowali i złotników eksportowano nie tylko do regionów centralnej Rosji, ale także za granicę. (12)

Region Jakucki brał udział w wystawach organizowanych na terenie kraju: Ogólnorosyjskiej Wystawie Przemysłowo-Artystycznej w Niżnym Nowogrodzie (1896), Wystawie Politechnicznej w Moskwie (1872) i Wystawie Etnograficznej w Moskwie (1885). Brała także udział w mistrzostwach świata: w Wiedniu (1873) i Paryżu (1889). Na tych wystawach dobrze zaprezentowano wyroby rzemieślników jakuckich. W Niżny Nowogród Wśród różnorodnych eksponatów znalazły się m.in. modele wyrobów kowalskich, damska biżuteria na klatkę piersiową i szyję, srebrne paski męskie i damskie, kolczyki i pierścionki. Do Wiednia wysłano karabin, nóż i pięć sztuk rudy żelaza z Vilyuy. W załączonym piśmie do karabinu wyprodukowanego w Jakucie wyjaśniono, że „broń została wykonana za pomocą wiertła i pilnika”. Kolejny karabin wykonany przez miejscowego rzemieślnika reprezentuje policjant z Vilyui. Karabin ten nie był jednak eksponowany na wystawie. Karabin Jakut został wyceniony przez komisję wystawową na 50 rubli.

ED Strełow, pierwszy z radzieckich archeologów Jakucji, zbadał 20 grobów i 14 kopców. Na podstawie wyników swoich wykopalisk opublikował artykuły „Łuk, strzały i włócznia starożytnego Jakuta”, „Odzież i biżuteria Jakuta w pierwszej połowie XVIII wieku”, „W kwestii użycia żelaza rudy na rzekach Buotama i Lyutenge”.

Rozciąga się na dużym obszarze pomiędzy rzekami Buotama i Lyutenge. cały system mineralizacja powierzchniowa. Od czasów starożytnych lokalne huty rzemieślnicze wykorzystywały je jako surowiec rudy. Na podstawie danych archiwalnych E.D. Strełow prześledził wydobycie żelaza przez Jakutów od XVIII do początków XX wieku.

Wybitny jakucki historyk, etnograf i folklorysta G.V. Ksenofontow w swoim dziele „Uraaankhai Sakhalar” zastanawiał się nad południowym pochodzeniem jakuckiego rzemiosła kowalskiego. Jego zdaniem starożytni Jakuci również znali wytapianie rudy srebra. Jako dowód przywołuje cykl legend o kowalach jakuckich „Saappa houn” i „Delger Uus”. Wiele informacji folklorystycznych na temat jakuckiego rzemiosła hutniczego znajduje się w innej pracy G.V. „Ellejada” Ksenofontowa poświęcona legendarnej historii i mitologii Jakutów. Tutaj starożytni Jakuci występują zwykle w żelaznych hełmach, kolczugach, zbrojach, z mieczami, włóczniami i palmami.(7)

Wspomina się o żelaznych przedmiotach gospodarstwa domowego: siekierach, nożach, różowych kosach do łososia, krzemieniu i przedmiotach kowalskich. Wojskowa zbroja końska (kuyahi) i strzemiona są wspominane nie raz. Podano imiona bohaterów posiadających umiejętności kowalskie. Elley Bootur jest wykwalifikowanym hutnikiem żelaza. Zrobił wszystko: palmy, różowy łosoś, siekiery, noże, szczypce, krzemień itp. Jego najstarszy syn nosił imię Tobo5oro-Kuznetsa, jego bliski sąsiad – Ekesteen-Kuznetsa. Tekst różnych bajek obejmuje Kowala OmoZoi, Labere Kowala oraz kowali Tarkaya i Mychakh. Zebrane źródła folklorystyczne konsekwentnie powtarzają obecność u Jakutów żelaznych hełmów, kolczug, zbroi, mieczy, włóczni, dłoni, atrybutów wyposażenia koni, strzemion żelaznych, a także noży i toporów.(11)

Wybitny kolekcjoner legendy historyczne Jakuci i ich ustna sztuka ludowa, folklorysta S.I. Bolo w swoim słynnym dziele opublikował dużą liczbę legend o Jakutach z okresu przed przybyciem Rosjan. Odzwierciedlały rodzaje i rodzaje broni, kujaki wojowników i koni oraz akcesoria kowalskie. Przodkowie plemion Jakutów z reguły mieli własnych kowali. Ci ostatni to Elley Bootur, Tuene MoZol i inni. SI. Bolo na podstawie zebranych materiałów uważa, że ​​rzemiosło kowalskie Jakutów ma starożytne korzenie, że pojawiło się na południu w górnym biegu Leny, w rejonie Bajkału i regionu Angary, przez przodków Jakutów żelazo z rudy w ich południowym domu przodków, zanim dotarli do Środka, Lena miała pełny zestaw żelaznej broni i artykułów gospodarstwa domowego. Kowal Jakuck wykonał z żelaza następujące rodzaje zbroi wojskowej: hełm (timir bergebe), klatkę piersiową (wtorek), nadgarstek (backekchek), ramię (dabydal), plecy (keune), tarcze ochronne; broń: włócznia (unu), palma (batiya), duża palma (batas), miecz (bolot) i inne. SI. Bolo wymienia narzędzia starożytnego kowala jakuckiego, których nazwy całkowicie pokrywają się z późniejszymi odmianami wyposażenia rzemieślnika jakuckiego.

A.P. niejednokrotnie zwracał się do żelaznej kultury Jakutów. Okladnikow. Zbadał zabytki kultury Kurumchi i pokazał wysoką technologię obróbki żelaza wśród Kurykanów - prawdopodobnych przodków Jakutów. W tym widzi dowód starożytności hutnictwa i kucia Jakutów i ich przodków. Jego uzasadnionej opinii „chwała kowali jakuckich sięga głęboko w ich bohaterską epokę - czas epickich bohaterów”. Wysokie uznanie dla tradycyjnego rzemiosła Jakutów potwierdzają jego zdaniem późniejsze znaleziska przedmiotów kultury żelaznej. Na „miejscu kirgiskim” nad rzeką Marzhe znaleziono wysoki i wąski kocioł z płaskim dnem i rozszerzającym się ku górze, wykonany z kilku małych płytek z blachy żelaznej z żelaznymi nitami.

O takich kotłach, wykonanych w „dziewięciu miejscach”, wspomina olonkho, co samo w sobie mówi o oryginalnej kulturze Jakuckiej. Okladnikow uważa dwa żelazne hełmy i płyty żelaznej zbroi znalezione w rejonie Ust-Ałdanu za czysto jakuckie i pod względem doskonałości dekoracji i elegancji formy stawia je na równi z chińską zbroją. Okladnikov stawia eksperymenty metalurgiczne Jakutów wyżej niż eksperymenty ludzi z wczesnej epoki żelaza w Jakucji, a także późniejszych plemion północnych z ich wędrownymi kowalami.

Niezależność i tradycyjny charakter hutnictwa rud podkreślał w swoich pracach S.A. Tokariew. „Jakuci mieli kowali” – zapewniał – „wytapiali żelazo z rud bagiennych i górskich oraz wykuwali z niego broń i wszelkiego rodzaju produkty na sprzedaż i na zamówienie. Przemysł kowalski był szczególnie rozwinięty na Vilyui. W dokumentach Yasak ludów Jakucji w XVII wieku. Tokariew często zauważał jakuckie nazwiska kowali. Spotkano następujące zwroty: „Kowal Niki Ogoronow”, „Kowal Betyunsky volost Tyubyaka”, „Kowal Kyanianya”, „Poszedłem do kowala Mechiya, żeby wykuć konia”. „Wcześniej mówiliśmy o Jakucie Eltyku Kurdyagasowie, który skarżył się, że Kozak Dmitrij Spiridonow odebrał mu pięć palet”. Takie petycje w dokumentach z XVII wieku. było całkiem sporo. Stąd Tokariew wywnioskował, że jeszcze przed przybyciem Rosjan kowalstwo było tradycyjnym rzemiosłem Jakutów, że jakuckowie „kowale byli prawdziwymi rzemieślnikami, producentami towarów, którzy pracowali na rynek”.

W okresie powojennym ciekawy artykuł opublikował M.Ya. Struminski, który rozszerzył koncepcję metalurgii jakuckiej, opisał pracę lokalnych rzemieślników. Zauważył obecność kilku ośrodków złóż rudy. Zwracał uwagę na towarowy charakter produkcji. Porównał dane z dwóch rodzajów hutnictwa żelaza: zakładu Tamginsky i pieców do wytapiania rzemieślników Jakuckich. Jednocześnie zauważył wyższą produktywność metody produkcji sera z dmuchaniem i niski koszt wyrobów metalowych. Jakuccy kowale sprzedawali swoje produkty za półtora roku, czyli dwa razy taniej niż importowane żelazo. Dlatego lokalna produkcja stała się bardziej powszechna. „Wraz z zamknięciem huty Tamga rzemieślnicza produkcja żelaza i innych wyrobów metalowych w Jakucji nabrała dość rozległych rozmiarów, osiągając swój szczyt w drugiej połowie XIX wieku.”(18)

Główne obserwacje M.Ya. Strumińskiego w XIX w. „jeśli spojrzeć retrospektywnie, można je odnieść do rzeczywistości XVII wieku”. – pisze V.N. Iwanow, który szczegółowo badał stosunki społeczno-gospodarcze Jakutów w XVII wieku. Opierał się głównie na dokumentalnych źródłach pisanych z XVII wieku, co czyni jego przekazy bardziej przekonującymi i wartościowymi.(5)

W XVII wieku żelazo staje się jednym z głównych surowców domowej produkcji Jakutów, produkcja żelaza staje się powszechna, wyroby kowalskie stają się własnością każdego hodowcy i myśliwego bydła, a część wyrobów sprzedawana jest na rynku zagranicznym. Jednocześnie zakres produkcji kucia Jakuta jest dość szeroki. Wszystko to pomogło V.N. Iwanow podsumował: „W XVII wieku. W ten sposób Jakuci wykonali z żelaza następujące rodzaje narzędzi i broni: kosa z różowego łososia, palma lub Batu, zbroja kuyakh, wiosło, włócznia, groty strzał, kotły, piły; ponadto kowale Jakucka wyłożyli różne artykuły gospodarstwa domowego przedmiotami z materiału żelaznego i inne.”(6)

V.N. Iwanow nie wspomniał o kowalstwie wileńskim, które, jak wiadomo, osiągnęło wysoki poziom rozwoju.

W XVIII wieku Broń wojskowa i sprzęt do nich wykonany z żelaza tracą swoje pierwotne znaczenie. Z drugiej strony znacznie wzrasta znaczenie funkcjonalne wyrobów metalowych stosowanych w gospodarstwie domowym i życiu codziennym. „Żelazny warkocz” – pisze P.S. Sofroneev, który badał ten okres w historii Jakucji i skupiał się szczególnie na produkcji rzemieślniczej, odegrał tutaj w rolnictwie tę samą rolę, co pług z żelaznym lemieszem”. Rzeczywiście, rozwój hodowli bydła w gospodarce Jakucji był główną zachętą do rozwoju produkcji rzemieślniczej, w tym kowalstwa. Sofroneev wypowiada się z uznaniem o mistrzach kowalstwa z Vilyui i zauważa dalsze pogłębianie się procesu specjalizacji kowali.

W pracy historiograficznej V.F. Iwanow nad Jakucją w XVII i XVIII wieku. oprócz innych cennych informacji historycznych i etnograficznych na temat kultury materialnej i duchowej Jakutów, zamieszczono także przekazy od służb, podróżników i badaczy, którzy odwiedzali Jakucję w różnych latach i zauważyli obecność wśród Jakutów własnej produkcji hutniczej i kowalskiej. dalej potwierdzone.

Analiza rozwoju społeczno-gospodarczego narodów Jakucji na przełomie XIX i XX wieku. Poświęcona jest monografia historyka Z.V Gogolewa. Autor dość przekonująco podkreśla powszechne występowanie złóż rud i rynkowy charakter przemysłu kuźniczego Jakucka. W analizowanym okresie, pomimo importu do Jakucji narzędzi rolniczych (pługi, kosy, kosiarki, siewniki, przesiewacze, brony żelazne itp.), większość narzędzia do hodowli zwierząt i rolnictwa „zostały wykonane w lokalnych warsztatach przez jakuckich kowali”(3).

N.K. interesował się terminologią metalurgiczną Jakuta. Antonow. Opierając się na epickiej kreatywności Jakutów, a także podkreślając z bogatego słownictwa jakuckiego nazwiska rzemieślników, produkty kowalskie, narzędzia myśliwskie, życie codzienne i biżuterię damską, Antonow dokonuje językowej paraleli ze starożytnymi tureckimi podstawami. Jego zdaniem „pojawienie się terminów metalurgicznych, a co za tym idzie samej metalurgii jakuckiej, sięga czasów starożytnych”.

Dodatkowym i bardzo przydatnym punktem odniesienia w badaniu kultury żelaza Jakutów są materiały ich historycznego folkloru. Na ich wartość wielokrotnie wskazywał G.V. Ksenofontow, A.P. Okladnikov, Z.V. Gogolew, I.S. Gurvich, G.U. Ergis, P.P. Baraszkow.

Wśród wymienionych badaczy historycznego folkloru Jakutów jest wielu ciekawe wypowiedzi, dotyczący starożytności i tradycjonalizmu jakuckiego rzemiosła kowalskiego, wykonał znawca ustnej sztuki ludowej G.U. Ergis. Według niego przodkowie Jakutów, Kurykanów, wyróżniali się sztuką obróbki metali, że broń ich wojowników ma podobieństwa tureckie i mongolskie, co wskazuje na ich południowe pochodzenie. Na przykład unuu-shungu-włócznia; och, ok, strzałka; miecz kylys-kylyt; nóż byah-bychah.

Po przestudiowaniu zabytków kultury kurykańskiej regionu Bajkału i historycznych korzeni Jakutów Ergis dochodzi do następującego wniosku: „Przodkowie Jakutów przywieźli ze sobą z południa wyższą kulturę niż aborygeni - hodowlę bydła, narzędzia żelazne, początki heroicznej epopei i sztuk pięknych”.

Swoje wnioski opiera na stale powtarzających się cyklach legend i opowieści historycznych Jakutów, zawierających listę wszystkich znanych dotychczas nazw broni, myślistwa i przedmiotów gospodarstwa domowego wytwarzanych przez starożytnych rzemieślników jakuckich.

Czasami źródła folklorystyczne potwierdzają dane archeologiczne. I tak legendy o przodkach Ospetian opowiadają o Suorze Bugduku, który żył w czasach Tygyna i wyróżniał się niezwykłą siłą, posiadał „żelazny kujak i często jeździł w pełnym uzbrojeniu”. Zapisy dotyczące jego kuyaka odnalazł mieszkaniec N.N. Lytkin na przylądku Barakhsy, położonym na niestety Bereleeh, około 70 lat temu. O tym, że wytapianie i kucie Jakutów było ich starożytnym zajęciem, że w okresie długiego rozwoju rzemieślniczej produkcji metalurgicznej nie zaszły żadne zasadnicze zmiany, świadczą materiały historycznego folkloru samych hut, a także te zebrane nad ostatnie dziesięciolecia materiały dotyczące historii lokalnej w muzeach republiki.

Wierzenia Jakuckie związane z kowalstwemprodukcja

Wysoki poziom zawodowy i wszechstronne umiejętności kowali stworzyły dla nich szczególną pozycję społeczną. Szacunek, z jakim traktowano kowala, graniczył z czcią dla niego niemal jako człowieka świętego. Znajduje to odzwierciedlenie w wierzeniach ludowych i obrzędzie przejścia dla kowala. Doświadczony kowal potrafi obrabiać nie tylko żelazo, ale także miedź, ołów, srebro, złoto i drewno, a nawet futro, zna się także na szyciu ubrań i rzeźbieniu w kościach. Kowal stoi najwyższy poziom mistrzostwo w rzemiośle, był także jubilerem, który tworzył detale artystyczne za bogatą dekorację stroju narodowego. Cześć wykwalifikowanego rzemieślnika była związana z religią i wśród Jakutów przez długi czas Wraz z religią prawosławną zachowały się elementy religii pogańskiej. Powodzenie pracy kowala i mistrza jubilerskiego łączono z pewnego rodzaju siłami nadprzyrodzonymi.(22)

Zastanówmy się zatem nad wierzeniami Jakutów związanymi z kowalstwem i rytuałem inicjacji w kowalstwo.

Jakuci mieli szczególny kult kowali, których uważano za posiadających nadprzyrodzoną moc, nawet większą niż szamani. Rzemiosło kowalskie było przekazywane w drodze dziedziczenia i zgodnie z ówczesnymi wyobrażeniami, im więcej kowalskich przodków miał kowal, tym był potężniejszy. Według legendy przodkami kowali był kowal Kudai Bakhsy.

Z kowalstwem i innymi rzemiosłami metalowymi wiązały się różne wierzenia. Jeśli kowal przez dłuższy czas nie pracował, to przed rozpoczęciem pracy wrzucał oliwę do ognia, uspokajając timir ichchite (duch żelaza), aby praca zakończyła się sukcesem. Każdy nowy właściciel zrobił to samo, jeśli kowal pracuje na boku. Dodatkowo na koniec pracy wziął od właściciela prezent: masło, mięso itp., z którego po powrocie do domu oddał do ognia miniaturową część, czyli wrzucił ją do ognia. kominek. Jeśli nie otrzymałeś prezentu i nie dałeś ognia, możesz spodziewać się złych rzeczy.

W dawnych czasach Jakuci mieli rytuał inicjacji w kowalstwo. Człowiek, który chciał zostać kowalem, nabywa niezbędne narzędzia i zaczyna działać. Jeśli jego przeznaczeniem było zostać prawdziwym kowalem, to po chwili on i nieznajomi usłyszeli w nocy dźwięk młotka i syk miechów kowalskich w jego pustej kuźni. Oznaczało to, że kuźnia zyskała własnego ducha – właściciela (ichiilenera). Przyszły kowal kontynuował pracę, ale po 2-3 latach zachorował. Na rękach i nogach pojawiły się niegojące się rany (skaleczenia) i bolały go plecy. Na tę chorobę chorowały osoby, które nie miały przodków-kowali, zdarzały się też osoby, które miały przodków-kowali, ale z jakiegoś powodu sami nie zajmowali się kowalstwem. Choroba przeciągała się i nie ustępowała, nocne odgłosy kuźni nasilały się. Następnie przyszły kowal zwrócił się do szamana, który stwierdził, że dana osoba zachorowała od swoich przodków i powiedział: Kudai Bakhsy usłyszał hałas i stukanie twojego młota i kowadła i prosi o ofiarę z trzyletniego czarnego byka (inne kolor nie jest dozwolony). Osoba inicjowana w kowala znajduje wymaganego byka, a szaman wykonuje rytuał. Udawał, że bierze „kut” (duszę) byka i schodzi z nią na dół męt. Po dotarciu na miejsce, gdzie mieszka Kudai Bakhsy, wręczył „kut” byka ze słowami: „Przyniosłem ci „Berik” (ofiarę) za tego człowieka. Nie dotykajcie go, ale uczyńcie z niego kowala”.

Po rytuale związali żywego byka, rozpruli brzuch i szczypcami kowalskimi wydobyli serce i wątrobę, które włożyli do tygla, po czym podsycali ogień miechami kowalskimi, po czym umieszczono wątrobę i serce na kowadle. Wtajemniczony musiał uderzać ich młotem. W tym czasie jego asystenci pieśniami przerywanymi jękami opisywali cierpienie wtajemniczonego. W zależności od tego, ile czasu zajęło mu zmiażdżenie serca i wątroby, określano siłę kowala. I wierzono, że jeśli zmiażdży jednym ciosem, to zostanie dobrym kowalem, dwoma ciosami - przeciętnym, trzema - złym.

Dla oddanego kowala wykonywano gwóźdź – żelazną płytkę z otworami do wybijania otworów w metalu i wykonywania łbów gwoździ (zwanych w Jakucie chuolgan). AA Kułakowski zauważył magiczne właściwości chuolganu kowala, które świadczyły o jego sile i godności. Najlepszy kowal powinien mieć gwoździe z dziewięcioma dziurkami, przeciętny z siedmioma dziurkami, a kiepski z pięcioma dziurkami.

Po inicjacji choroba kowala ustąpiła, a on stał się prawdziwym kowalem. Odtąd pod pewnymi względami uznano go nawet za lepszego od szamana. Szaman nie mógł skrzywdzić kowala, który przeszedł ceremonię inicjacji, a za pomocą swojego chuolganu (gwoździa), który ma magiczne właściwości, mógł zniszczyć szamana. Widząc podejście do kuźni, kowal rzuca swój chuolgan na próg, szaman przechodzi przez ten chuolgan, jego „kut” (dusza) pozostaje w chuolgan. Kiedy szaman odchodzi, kowal podgrzewa chuolgan wraz z kut, powodując jego śmierć.

2. Muzyka Jakuckiego Chomusa i jej starożytna technologia produkcji

Instrument muzyczny harfa żydowska (gr. og§apop) jest rozpowszechniony wśród wielu ludów ziemi na wszystkich kontynentach. Ma swój specyficzny rozmiar, kształt i w zależności od tego niepowtarzalny dźwięk. Wykonany jest z metalu, drewna, kości, a w systemie muzycznym, zgodnie ze sposobem mocowania stroika instrumentu do korpusu, dzieli się na dwie odmiany: idioglotyczną i heteroglotyczną.

Ideogloticheskie harfy żydowskie (drewniane, kościane, miedziane, wykonane z litego materiału) są dystrybuowane głównie w Azji.

Heteroglotic (z językiem przymocowanym do podstawy ciała) - w Eurazji, Ameryce, Afryce.

Wiek tego instrumentu muzycznego nie został jeszcze ostatecznie wyjaśniony, ale niektóre dane archeologiczne z Azji Środkowej, Japonii i Europy Północnej wskazują, że historia harfy szczękowej liczy ponad tysiąc lat (P. Fox, V. Crane, V. Bax, L. Tadagawa).

Według materiałów muzykologów naszego stulecia instrument ten był szeroko stosowany w VII - VIII wieku. V Azja centralna i Szwajcarii, w XIV - XV wieku. w Szwajcarii i Rumunii. W Europie od XVI w. Do dziś harfa zajmuje wyższe miejsce w hierarchii instrumentów muzycznych.

Wielu przeżyło fakt historyczny o wykonawcach XVII-XIX wieku. Na harfie grały i interesowały się nią tak wielkie osobistości, jak A. Lincoln i Piotr Wielki. W krajach europejskich harfa przeżywała swój „złoty wiek”, który trwał do 1850 roku. Od 1765 roku austriacki organista i nauczyciel L. Beethovena Johann Georg Albrechtsberger napisał kilka koncertów symfonicznych na harfę. Muzykolodzy tej i późniejszych epok uznają Karla Eulensteina (1803-1890) za największego harfistę wszechczasów.

Ciekawą obserwacją myśliwych jest to, że brzęk odłamków z złamanego pnia przyciąga uwagę niedźwiedzia, to znaczy czasami niedźwiedź specjalnie wyciąga jeden z odłamków złamanego pnia drzewa i odkłada go, po czym stoi i długo słucha grzechotania drewna. Co więcej, gdy zanika, niedźwiedź ponownie ściska ten sam kawałek i wznawia wibracje. Wydaje nam się, że proces ten niejasno przypomina zasadę wytwarzania dźwięku na drewnianym khomusie. Jest całkiem możliwe, że sposób grania muzyki przez łowców tajgi na drewnianym khomusie został zasugerowany przez obserwacje dzikiej przyrody.

Żywe tradycje ludowej kultury muzycznej zawsze przyczyniają się do zbliżenia i wzajemnego zrozumienia ludzi, ze względu na fakt, że język muzyki jest międzynarodowy i ze swej natury zrozumiały dla ludzi dowolnej narodowości. W szczególności urzekające dźwięki harfy (khomus), temir komuz, gotuz, parmupil, pimmel, kumaz itp., słyszane z różnych kontynentów ziemi, wydają się mieć magiczną moc, która jednoczy i dostraja ludzi do twórczej twórczości.

Ten instrument muzyczny dotarł do naszych czasów od czasów starożytnych dzięki naszym kowalom. Od niepamiętnych czasów nasz naród słynął z wykwalifikowanych kowali. Świadczą o tym liczne legendy, baśnie i eposy.(21)

Naukowcy uważają, że już w X - XII wieku. plemiona będące przodkami Jakutów rozwinęły kowalstwo.

W dawnych czasach wśród Jakutów, aż do XIX wieku. Powszechnie używano różnych rodzajów harf: „Kuluun khomus” (khomus trzcinowy), „Mas khomus” (khomus drewniany). Ale stopniowo na pierwszy plan wysuwają się „Timir khomus” (żelazny khomus) i „Ikki Tillaah khomus” (khomus dwujęzyczny). Pierwsze trzy z nich znane były dopiero do połowy XIX wieku. I zapomniane. Chomus dwujęzyczny również nie rozpowszechni się, najwyraźniej ze względu na nierozwiniętą technologię produkcji i techniki gry.

Z tego co napisano doszliśmy do wniosku, że kowale już od czasów starożytnych na przestrzeni wieków udoskonalali khomus.(21)

Tradycyjny klasyczny żelazny khomus z jednym językiem, szeroko rozpowszechniony w republice, składa się z obręczy w kształcie podkowy w kształcie piry ze zwężającymi się dwoma „policzkami”. Wiadomo, że rzemieślnicy wybierali materiał korpusu i języka na podstawie twardości, która zależy od podatności materiału na pilnik z drobnym szmerglem, podczas gdy każdy rzemieślnik wypracował sobie własne wyczucie metalu. Korpus jest zwykle wykonany przez kucie na zimno z materiału bardziej miękkiego niż język. Z punktu widzenia metaloznawstwa kucie nazywane jest „na zimno” nawet wtedy, gdy przedmiot obrabiany zostanie podgrzany do 600°C; Poniżej tej temperatury nie zachodzą tzw. procesy rekrystalizacji, tj. Po obróbce metal nadal zachowuje swoje właściwości. Z punktu widzenia zapewnienia brzmienia chomusa wybór jest bardzo ważny, materiał stroika musi być odpowiednio elastyczny i mieć odpowiednio dużą twardość, a jednocześnie nie być kruchy i charakteryzować się dużą wytrzymałością na niewielkie odkształcenia plastyczne. Tworząc język khomus, kowale Jakucka podążają głównie dwiema ścieżkami:

Najtrudniejsza ścieżka wymaga wyraźnego wyczucia metalu: wybierz metal, który wymaga kucia, hartowania w określonym środowisku i odpuszczania do wymaganych właściwości mechanicznych;

Wybierz metal, który ma już odpowiedni właściwości mechaniczne, doprowadź go do wymaganego rozmiaru i kształtu języka (na przykład często stosuje się brzeszczoty do metalu, metalowe kosy do cięcia trawy itp.). Wymaga to minimalnej obróbki cieplnej, ale ponownie wymaga dość rozwiniętego wyczucia metalu. Naszym zdaniem starożytni kowale i rzemieślnicy wybierali głównie pierwszą ścieżkę, ponieważ w tamtych czasach nie było elektrycznych ostrzałek. A ręczna temperówka zajmowała dużo czasu, więc wykuli i utwardzili język.

Po wykonaniu tułowia i języka, duże znaczenie ma ich wzajemne dopasowanie oraz sposób mocowania języka do tułowia. Naruszenie form dopasowania, stosunek szczelin między „wargami” ciała a językiem lub nieudane przymocowanie języka do ciała może spowodować utratę całej przewagi uzyskanej podczas mechanicznej i termicznej obróbki języka I ciała.

Głównym wymaganiem dla korpusu khomusa jest jego wystarczająca wytrzymałość i masywność pierścienia, aby bezpiecznie przymocować do niego język, który nie powinien z czasem osłabiać się, przy czym ważne jest przestrzeganie kształtu i wielkości, proporcji obu ciała i języka, trzeba też bardzo precyzyjnie dopasować język do „warg” ciała, zachowując ściśle określony odstęp. Część wibrującej płyty wygięta na końcu pod kątem prostym nazywa się khokhuora „ptakiem”, na końcu której znajduje się eminneh „okrągłe ucho”. To właśnie ten malutki otwór (oko) służy do strojenia instrumentu. Umieszcza się w nim kawałek ołowiu, a miligramowe zmniejszenie jego masy poprzez skrobanie pomaga zmienić (zwiększyć) częstotliwość drgań stroika. W ten sposób uzyskuje się pożądane brzmienie khomusu.(21)

Za ostatnie lata Jakucki chomus przeszedł poważne zmiany, zarówno pod względem zewnętrznych elementów konstrukcyjnych, jak i pod względem walorów muzycznych. Złożyły się na to różne okoliczności.

Po pierwsze, wirtuozi-wykonawcy w stosunkowo krótkim czasie znacznie poszerzyli zakres swoich umiejętności wykonawczych i otworzyli szerokie pole dla twórczej wyobraźni i działalności kompozytorskiej.

Po trzecie, w atmosferze wzmożonego zainteresowania muzyką ludową odradza się sztuka khomusowa. W wyniku tych pozytywnych procesów powstały różne wersje elementów solowych: dwujęzyczne i przyciemniane chomuzy na zawiasach, zmontowane w solidną bryłę, a także specjalne chomuzy dziecięce i koncertowe. Każdy rzemieślnik tworzy własny model konstruktywnego rozwiązania według rodzaju i znaki zewnętrzne Profesjonalni wykonawcy khomusa rozpoznają charakter pisma mistrza kowala. Poszczególni rzemieślnicy doprowadzają technikę i technologię wytwarzania narzędzi do jubilerskiej perfekcji. Wśród producentów jakuckich chomusów szczególnym szacunkiem i honorem cieszą się rzemieślnicy tworzący instrumenty „mówiące” i „śpiewające”. Chomusy M.I. są niezwykle popularne w całej republice. Gogoleva (wieś Maya, rejon Megino-Kangalassky), N.P. Burtseva (wieś Sottintsy, obwód Ust-Ałdan), I.F. Zacharowa (Wilejsk, rejon wilejski), P.M. Borysów (wieś Wierchniewiłujsk, rejon Wierchniewiłujsk). Każdy ma swój własny rodzaj modyfikacji, własną metodę utwardzania i tylko swój własny gust artystyczny i estetyczny.

TJ. Aleksiejew, stając się uznanym mistrzem, zaczął się nawracać poważną uwagę Jakuccy kowale. Między Iwanem Jegorowiczem a uznanymi starymi mistrzami rozwinęły się zaufanie i twórcze relacje. A Siemion Innokentiewicz Gogolew – Amynnyky Uus, nauczyciel fizyki Nikołaj Pietrowicz Burcew i mistrz jubilerski Iwan Fedorowicz Zacharow – Kylyady Uus traktowali i nadal traktują Iwana Aleksiejewa ze szczególnym szacunkiem. Całkowicie zaufali temu genialnemu talentowi, który był jednocześnie naukowcem, w tajniki swojego rzemiosła i chętnie pokazali mu techniki technologiczne i tajniki wytwarzania jakuckiego chomusa. Iwan Aleksiejew godzinami opowiada o każdym z nich.

Alekseev korzysta z instrumentu S.I. od ponad dwudziestu lat. Gogolewa. Wszystkie nagrania jego powszechnie znanych występów zostały nagrane z jego khomusem. Z khomusem Amynnyikky odwiedził wiele krajów bliskich i dalekich za granicą. Dawni mistrzowie khomusów zawsze cenili opinię Iwana Jegorowicza, dlatego chcę przedstawić profesjonalną ocenę, podane przez Iwana Jegorowicza trzem słynnym mistrzom produkcji chomusów.

„Przez ponad 50 lat sławę zyskał najzdolniejszy mistrz Siemion Innokentiewicz Gogolew, autor kilku tysięcy „śpiewających” chomusów tradycyjnego typu, szeroko stosowanych jako instrument muzyczny w naszym kraju i za granicą. Główną zaletą chomusu Gogola jest prostota formy przy zachowaniu klasycznych proporcji detali, co składa się na jego „melodię”. Pod nazwą S.I. Gogol kojarzy się z odrodzeniem sztuki khomusowej w republice i muzyki na harfie żydowskiej w naszym kraju, gdyż najsłynniejsi grający na khomusie tworzą swoje improwizacje, kompozycje i gry na instrumencie Gogola.

Nauczyciel pracy szkoły Sottino Nikołaj Pietrowicz Burtsev był inicjatorem stworzenia ulepszonych, estetycznie

atrakcyjne, ale jednocześnie dźwięczne khomusy. Z biegiem lat jego chomuzy, bazując na obliczeniach prawa ciał sprężystych i akustyce, zaczęły wyróżniać się wysoką tonalnością, a po nastrojeniu wyjątkową barwą. Khomuses N.P. Prace Burtseva były wystawiane na różnych wystawach, m.in. w Montrealu. Na khomach Burtseva grają głównie dziewczęta i kobiety, są bardzo wygodne w użyciu w różnych zespołach.

Słynny jubiler Iwan Fiodorowicz Zacharow, obecnie rozwijający pomysły i doświadczenie twórcze swoich poprzedników, całą swoją wiedzę i umiejętności poświęca tworzeniu khomusów. Przede wszystkim zamiast kucia metalu wprowadził technologię odlewania korpusu instrumentu z mosiądzu, srebra i żelaza. I wreszcie I.F. Zacharow zdecydował się na optymalną wersję korpusu wykonaną z mosiądzu z domieszkami żelaza. Khomus o takim ciele i stalowym języku wydaje delikatne dźwięki o miękkim wydźwięku. Z estetycznego punktu widzenia chomuzy Zacharowa stały się bardzo atrakcyjne. Iwan Fedorowicz jest autorem wielu chomusów pamiątkowych, wykonanych specjalnie na wystawy i muzea. A jego masowe solowe chomuzy cieszą się dużym zainteresowaniem. Oprócz jednojęzycznych chomusów I.F. Zacharow wskrzesił także wersję dwujęzyczną, która stopniowo wchodzi do twórczego arsenału improwizatorów Jakuta Chomusa”.

Iwan Jegorowicz Aleksiejew, opierając się na swojej osobistej kolekcji harf żydowskich z narodów świata i wielokrotnych spotkaniach z mistrzami kowalstwa z innych krajów, bada cechy technologiczne i strukturalne jakuckiego chomusa. W tej złożonej i delikatnej materii przyciąga specjalistów w charakterze konsultantów naukowych różne profile. Współpraca z członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Nauk, przewodniczącym Centrum Naukowego Jakucji V.P. jest szczególnie owocna i obiecująca. Larionow. Władimir Pietrowicz bada struktury metalograficzne chomusów Jakuckich i zmienność ich cech konstrukcyjnych.

Inni naukowcy, głównie młodzi, również przywiązują dużą wagę do sztuki wytwarzania khomusów. Najwyraźniej będą inni badacze, być może światowej klasy. Ale we wszystkich tych badaniach naukowych i twórczych rola pierwszego badacza Jakuckiego Chomusa, naukowca I.E., będzie znacząca. Aleksiejewa.

Casting muzyczny Jakut Chomus

3 . Uzasadnienie tematu projektu

Aby uzasadnić prace projektowe, konieczne jest przestudiowanie nie tylko khomusa Jakuta, ale także harf żydowskich narodów świata.

Narodowy instrument muzyczny Chomus Jakut

W dawnych czasach wśród Jakutów, aż do XIX wieku, szeroko w użyciu były różne odmiany harfy żydowskiej „kuluun khomus” (trzcina), „mae khomus” (drewniana) i „unuoh khomus” (kość). Stopniowo jednak na pierwszy plan wysuwa się „timir khomus” (żelazo), ostatecznie wypierając inne odmiany. Najwyraźniej można to wytłumaczyć rolą chomusa w życiu Jakutów, kiedy w pierwszych etapach swojego istnienia instrument ten służył jako towarzyszący tamburyn ustny w starożytnych rytuałach religijnych, a następnie stopniowo wszedł do codziennego życia Jakutów jako niezależny instrument. Przedrewolucyjna muzyka jakuckiego chomusa różniła się od muzyki współczesnej swoim czysto osobistym, kameralnym charakterem brzmienia.

Po pierwsze, w najtrudniejszych chwilach żałoby zwracano się do gry na khomusie – „sanaar Zabyllaah tardiylar”.

Po drugie, gra na khomusie wiązała się z tradycją wyznań miłosnych – „taptyyr kibitiger hoyyan tardyylar”. Ta tradycja umożliwiła wyrażenie najskrytszych uczuć danej osoby w specjalnej formie alegorycznej wymowy tekstu, nawiązującej do gatunku pieśni miłosnych-improwizacji-tuoisuu.

Po trzecie, ludzie mogli rozmawiać poprzez khomus.

Po czwarte, chomus był uważany za ulubiony instrument dziewcząt i kobiet. Zagrali na nim pieśni khomus, podkreślając je specjalnym tańcem „Khomus yryata” („pieśni khomus”).

Po piąte, istniała także tradycja zbiorowego grania na khomusie.

Po szóste, chomus zawsze dekorował święta Ysyakh zgodnie z tradycją pieśni ludowe i okrągłe tańce, wychwalające nadejście długo oczekiwanego lata, po silnych mrozach okrutnej zimy, wychwalające naturę Jakucji.

Gatunek improwizacji khomus w starożytnym sposobie wykonania „syyya tardy” można określić jako gatunek składanki – „yrya matyptaryn tardy”.

W 1918 r P.N. Turnin z powodzeniem występował w Moskwie w dniach przeglądu sztuki amatorskiej narodów RFSRR. I od tego momentu na scenie XXX pojawia się muzyka Yakut Chomus. Wraz ze zmianą warunków życia instrument ten staje się instrumentem czysto koncertowym, wyznaczającym kierunek rozwoju muzyki Jakuckiego Chomusa na drodze wirtuozowskiego wykonawstwa solowego i zbiorowego. Jednocześnie od razu pojawia się problem wykonania „etigen khomus” (harmonijnego, melodyjnego khomusu).

Założycielem improwizowanego stylu koncertowego muzyki Jakuckiej jest I.S. Aleksiejew, który nie tylko rozwinął na khomusie cały kompleks technik dźwiękowo-wizualnych, wyróżniających się techniczną doskonałością i osiąganą fantastyczną barwą barw, ale także wyszkolił całą plejada wspaniałych wykonawców improwizujących. Założona I.E. w dalszym ciągu odgrywa ogromną rolę w edukacji graczy khomus. Aleksiejewa w 1961 r Zespół „Algis”

Ogólnie rzecz biorąc, jeśli chodzi o improwizowany dźwiękowo styl znakomitych muzyków Jakuckiego Chomusa, można powiedzieć, że styl ten wzbogacił muzykę Jakuckiego Chomusa o techniki wykonawcze, rodzaje kompozycji zbliżone do toyuków, gatunki pieśni w stylu „dyeretii” osuokhayu, rozszerzył alikwot asortymentu Jakuckiego Chomusa jako instrumentu koncertowego – „etigen” Chomus”, a także poruszał kwestie dotacji, czyli otwierał drogę do profesjonalizmu. (jedenaście)

Technologia konstrukcji harf żydowskich wśród ludów Syberii

Dzięki trwającym od ponad dwóch i pół wieku muzycznym badaniom etnograficznym powstało około sześciu tuzinów odmiany krajowe Harfa żydowska. Cała różnorodność konstrukcji tego narzędzia tworzy 4 typy organiczne: plastikowe, łukowe, płytowo-łukowe i kątowe. Pierwsze 2 typy są dobrze znane w etnoorganologii i dość szczegółowo opisane. Wyróżnia je kształt i charakter mocowania języka do nasady, stąd ich podział na idioglatyczne i heteroglatyczne.

Odmiana duchowej harfy żydowskiej powstaje w wyniku typologii łuku, tworzącego okrągłą pętlę w miejscu mocowania języka, wydłużoną lub nie.

Rozważmy narodowe typy harf żydowskich, biorąc pod uwagę typologię przedstawioną powyżej, a najpierw rozważymy ludy, które mają tylko jeden rodzaj harfy, a następnie ludy, które łączą w swojej kulturze praktykę intonacji na różnych typach tej harfy instrument.

Plastikowy rodzaj harfy żydowskiej jest praktykowany jako jedyna odmiana wśród ludów zachodniej Syberii i skrajnego północnego wschodu. W innych regionach Syberii instrument ten łączy się z łukowym typem harfy lub z nim kontrastuje.

Ludy, u których zidentyfikowano łukową odmianę harfy żydowskiej, nie mają tak zwartego obszaru osadniczego jak te uprawiające harfę lamelkową. Z jednej strony są to Turcy Taimyr Dolgan, którzy nazywają ten instrument bargavun.

Harfa łukowa jako jedyna odmiana występuje także w kulturze południowo-zachodnich Turków Syberii XXX. Wśród wszystkich wymienionych ludów instrument ten ma podobną nazwę - khamys-khomus-komus.

Wśród ludów regionu Amur znane są trzy rodzaje harfy żydowskiej: dwie w kształcie płyty i jeden łuk. Harfy płytowo-szczękowe mogą być schodkowe lub klinowe, przy czym oba typy są powszechne i oddziałują z równą wagą w danym regionie.

Wśród ludów regionu Amur harfa żydowska w kształcie talerza jest wykonana (oprócz materiałów wskazanych w związku z charakterystyką harfy Nivkh) z berberysu (nanoisa), cedru i modrzewia (udeche ulchi).

Wśród ludów środkowej Syberii płyta i harfa łukowa są prezentowane według typu; płyta ze schodkowym językiem i łuk z okrągłą pętlą.

Jakuci nazywają obie opcje terminem „Khomus”. Jednocześnie, identyfikując harfy żydowskie w kształcie talerza, Jakuci zwykle wskazują materiał, z którego wykonany jest instrument. „Kuluun khomus” - „harfa trzcinowa”, „mae khomus” - „drewniana harfa”. Obie odmiany harfy płytowo-łukowej - idiogloiczna i heterolotyczna, a także harfa kątowa - występują tylko wśród Turków południowej Syberii.

Vargany narodów WNP, Azji, Rosji

Prawie wszystkie narody mają swoje własne narodowe instrumenty muzyczne. Spośród nich harfa szczękowa zajmuje szczególne miejsce. Po pierwsze, jest to instrument bardzo stary, po drugie, jest zapomniany lub na wpół zapomniany i dlatego odradza się. Na mapie rozmieszczenia harfy żydowskiej kropki wskazują prawie wszystkie regiony byłego ZSRR. W republikach zidentyfikowano ponad 60 rodzajów harfy żydowskiej w różnych wariantach. Najbardziej znane odmiany harfy żydowskiej są płytowe i łukowe.

Harfa płytowa to cienka, wąska drewniana lub bambusowa, kość lub rzadziej metalowa płyta. Jego język jest wycięty na środku talerza.

Harfy żydowskie w kształcie łuku są wykute z żelaznego pręta, pośrodku którego przymocowany jest cienki stalowy język z haczykiem na końcu.

Nazwa harfy żydowskiej zawiera elementy starożytnych koncepcji zwierzęcych.

Na przykład: varam-tun (Czuwasz) - komar parmupil (estoński) - trzmiel

Powszechne wśród ludów tureckich określenie muzyczne „komuz” (w różnych wariantach fonetycznych: kobuz, kobyz, komys, khomys itp.) oznacza obok instrumentów strunowych także harfę.

Jak podają rosyjskie źródła pisane, w Rosji harfa istniała jako dwa różne instrumenty. W kronikach i legendach XVIII i XVIII wieku. mówiono w armii rosyjskiej od czasów Światosława Igorewicza.

Od XVIII wieku pod nazwą harfa żydowska rozumiano inny instrument. Pierwsza wzmianka o nim pojawiła się w rejestrze sporządzonym przez Piotra I w książce I. Golikowa „Dzieje Piotra Wielkiego”, wydanej w 1938 r. w Moskwie. Wśród ludów regionu Wołgi nie wszystkie zachowały do ​​dziś harfę żydowską. Baszkirowie tradycyjnie mają kubyz i kumyz. Harfa tatarska zwana kubyzem wykonana jest z metalu.

Zasięg dystrybucji harfy żydowskiej wśród ludów Azji Środkowej jest różny; Temir-komuz występuje na całym terytorium Kirgistanu.

Wśród większości ludów Syberii i Dalekiego Wschodu harfa żydowska była niezwykle rozpowszechniona, a dla niektórych służyła jako niemal jedyny instrument muzyczny. Stosowano dwie odmiany: łukową metalową i drewnianą lub kościaną (płytową). Znalazł różne zastosowania u różnych ludów: także jako atrybut szamanizmu, używany podczas rytuałów.

Kultowy cel harfy żydowskiej nie jest typowy dla ludów Ałtaju. W 19-stym wieku Chomus był powszechnym instrumentem muzycznym wielu ludów syberyjskich. Używano go również do konwencjonalnych rozmów między kochankami i na weselach. Czasami podczas wykonywania melodii słowa, a czasami całe dialogi wypowiadane były ledwo słyszalnym głosem.

Tuwańczycy znają pięć odmian harfy żydowskiej – metalowy temir-khomus i drewniany yyash-khomus. Instrument płytowy wykonany z bambusa lub trzciny nazywa się kuluzun-khomus. Każdy region ma swoją własną melodię temir-khomus.

W Buriacji harfa szczękowa jest obecnie bardzo rzadka. W przeszłości był to instrument niemal wyłącznie kultowy, zwłaszcza wśród wschodnich Buriatów w Irkucku, używany przez szamanów wraz z tamburynem do wróżenia i przywoływania duchów. Nazywało się to khur lub khuur.

Harfy żydowskie narodów Europy i Ameryki

Harfa żydowska jest powszechna nie tylko w Azji Środkowej, Środkowej i Południowo-Wschodniej, ale także w Europie i Ameryce i występuje pod różnymi nazwami narodowymi. Jest również wykonany z drewna, kości, bambusa i metalu.

Według amerykańskiego profesora Fredericka Crane’a harfa pojawiła się pięć tysięcy lat temu w Azji Południowej. Rozprzestrzenił się po całej Azji i Europie, stamtąd dotarł do Afryki, a następnie do Nowy Świat, gdzie otrzymał nową zabudowę.

W latach 20. naszego stulecia harfa organicznie weszła w styl „country”, o czym świadczą nagrania gramofonowe, które Frederic Crane zademonstrował podczas II Międzynarodowego Kongresu. W połączeniu ze śpiewem, grą na banjo i gitarą tworzy to szczególny smak dźwiękowy.

Pierwsza gablota poświęcona jest materiałom I Ogólnounijnej Konferencji „Problemy żydowskiej muzyki harfowej w ZSRR”, która odbyła się w kwietniu 1988 roku w Jakucku przy wsparciu Związku Kompozytorów ZSRR i Ministerstwa Kultury ZSRR. Jakucka Autonomiczna Socjalistyczna Republika Radziecka. Omawiano wieloaspektowe problemy związane z archeologią, etnografią, folklorystycznymi tradycjami gry na harfie żydowskiej różne narody ZSRR, a także sposoby wprowadzenia muzyki na harfę żydowską z profesjonalną twórczością muzyczną, możliwość seryjnej produkcji harf żydowskich w różnych regionach i republikach ZSRR.

Przedstawiciele USA, Japonii, Francji i innych krajów w swoich sprawozdaniach i przemówieniach poruszali zagadnienia i problemy żydowskiej muzyki harfowej, życie aborygenów Oceanii, Azji, Ameryki i Europy.

Ciekawą relację na temat harfy i harfistów z Oceanii, Filipin, Tajwanu i Japonii przedstawił Leo Tadagawa, badacz i propagator muzyki harfowej z Japonii.

O muzyce harfy starożytnej i współczesnej (khomus)

Instrument muzyczny harfa żydowska jest powszechna wśród różnych narodów Ziemi na wszystkich kontynentach. Ma swój specyficzny rozmiar, kształt i w zależności od tego niepowtarzalny dźwięk. Wykonany jest z metalu, drewna, kości, a w systemie muzycznym, zgodnie ze sposobem mocowania stroika instrumentu do korpusu, dzieli się na dwie odmiany: idioglotyczną i heteroglotyczną. Różnica ta odzwierciedla również zakres instrumentu. Idioglotyczne harfy żydowskie (drewniane, kościane, miedziane, wykonane z litego materiału) rozpowszechnione są głównie w Azji, a heteroglotyczne (z językiem przymocowanym do podstawy korpusu) - w Eurazji, Ameryce i Afryce.

Wiek tego instrumentu muzycznego nie został jeszcze ostatecznie wyjaśniony, jednak niektóre dane archeologiczne z Azji Środkowej, Japonii i Europy Północnej wskazują, że harfa szczękowa ma ponad tysiącletnią historię (L. Fox, F. Crane, F. Bax, L. Tadagawa i inni). W swojej pracy E. Hornbostel i K. Sachs uznają azjatyckie harfy żydowskie z drewna i metalu za starsze. Jak wynika z materiałów badaczy muzyki naszego stulecia, instrument ten był szeroko stosowany w VII i VIII wieku. w Azji Środkowej i Szwajcarii w XIV-XV wieku. w Szwajcarii i Rumunii. W Europie od XVI w. do dziś harfa żydowska zajmuje wyższe miejsce w hierarchii instrumentów muzycznych, choć w pracach K. Sachsa wspomina się, że azjatycki typ heteroglotycznej harfy żydowskiej wyprzedza europejski, zwłaszcza w Indiach, Nepalu i Afganistanie. W eposach „Manas” i „Korkurt Ata” harfa pod nazwami temir komus, kobyz pełni funkcję instrumentu wirtuozowskiej gry, kojarzonej nie tylko z obrzędami rytualnymi, ale także z kompozycją muzyczną. (21)

Za tajemnicami Jakuckiego Chomusa

W ostatnich latach chomus jakucki przeszedł poważne zmiany zarówno pod względem zewnętrznych elementów konstrukcyjnych, jak i pod względem walorów muzycznych. Złożyły się na to różne okoliczności.

Po pierwsze, wirtuozi-wykonawcy w stosunkowo krótkim czasie znacznie poszerzyli zakres umiejętności wykonawczych i otworzyli szerokie pole dla twórczej wyobraźni i działalności kompozytorskiej.

Po drugie, rzemieślnicy zaczęli odkrywać tajemnice technologiczne dawnych rzemieślników.

Po trzecie, w atmosferze wzmożonego zainteresowania muzyką ludową odradza się sztuka khomusowa.

W wyniku tych pozytywnych procesów powstały różne opcje instrumenty solowe: dwujęzyczne i przyciemniane chomuzy na zawiasach, zmontowane w jeden blok, a także specjalne chomuzy dziecięce i koncertowe. Każdy rzemieślnik tworzy swój własny model konstruktywnego rozwiązania. Po wyglądzie i cechach zewnętrznych khomusa profesjonalni wykonawcy rozpoznają charakter pisma mistrza kowala. Poszczególni rzemieślnicy doprowadzają technikę i technologię wytwarzania narzędzi do jubilerskiej perfekcji. Wśród producentów jakuckich chomusów szczególnym szacunkiem i honorem cieszą się rzemieślnicy tworzący instrumenty „mówiące” i „śpiewające”.

O japońskich harfach szczękowych sprzed tysiąca lat

21 października 1989 roku w mieście Omiya w prefekturze Saitama na stanowisku archeologicznym odkryto żelazny przedmiot zwany „pozostałościami wnęki spod mieszkania nr 4” świątyni Hikawa Shinto, który później uznano za szczękę harfa. Początkowo sugerowano, że było to kilka połączonych ze sobą żelaznych grotów włóczni. Obiekt znaleziono w północno-zachodnim narożniku, w pozycji pochylonej, z częścią pierścieniową skierowaną w dół i dwoma uchwytami do góry. Na podstawie rodzaju i struktury znalezionych razem przedmiotów glinianych określono wiek przedmiotu – pierwsza połowa X wieku Heian, kiedy stolicą Japonii było miasto Kioto.

Drugi podobny obiekt żelazny odkryto w jednym z jam pozostałości „konstrukcji wielofilarowej nr 2”, położonego niecałe 10 metrów na północ od miejsca wykopalisk pierwszego obiektu żelaznego. Niestety szczegóły znaleziska nie są znane, poza tym, że odkryto je w jednym z czterech dołów po stronie północnej (w sumie 16 dołów). Prawdopodobnie obiekt zakopano w otworze filaru, usuniętego z jakiegoś powodu, w pierwszej połowie X wieku, co można wytłumaczyć następującymi faktami:

spod podłogi tego budynku odnaleziono monetę engi-tsuho – jedną z monet dynastycznych wykonanych w 907 r., która została zakopana „być może jako dar dla ducha ziemi”;

sądząc po dołach, mniej więcej w pierwszej połowie X wieku budowla została zniszczona dwukrotnie.

Od 1884 roku wschodnie relikty Sanktuarium Hikawa stanowią część Parku Omiya, wcześniej jednak należały do ​​Sanktuarium Hikawa, największego w regionie Musashi (dzisiejsze Kanto, które obejmuje 6 prefektur i miasto Tokio) . Nazwa miasta Omiya, co oznacza „wielka świątynia”, pochodzi od świątyni Hikawa Shinto. Odległość od świątyni do centrum wykopalisk archeologicznych jest niewielka, około 250 metrów w kierunku wschód-północny wschód. Zatem Sanktuarium Hikawa Shinto jest jednym z ważnych elementów rozważań na temat znalezisk archeologicznych.

Komitet Badań nad Zabytkami Omiya prowadził wykopaliska od września 1989 do marca 1993, po czym nastąpiła rozbudowa parku baseballowego diamentu.

Obydwa znalezione przedmioty żelazne wykonano prześwietleniami rentgenowskimi. Okazało się, że wykonano je z zaokrąglonej części i dwóch uchwytów oraz z cienkiej płytki umieszczonej pomiędzy uchwytami.

Sprawdzili, czy znaleziskami nie mogła być para żelaznych nożyczek lub kluczy, ale prześwietlenia rentgenowskie wykazały zupełnie inną strukturę. Pogląd, jakoby było to kilka połączonych ze sobą żelaznych grotów lub gwoździ, został odrzucony z następującego powodu: „prawie niemożliwe jest znalezienie dwóch identycznych przedmiotów wykonanych przez przypadek”. To jest bardzo wielkie szczęścieże oba obiekty znaleziono niedaleko siebie. Innymi słowy, można powiedzieć, że dwa obiekty zostały upodobnione pod względem kształtu, wielkości i struktury celowo, a nie przez przypadek.

Później były profesor Uniwersytetu Chuo, Inao Tentaro, który bada klucze i zamki, zwrócił uwagę, że znalezione przedmioty to harfy kuokin i ten instrument muzyczny został wspomniany w rozdziale poświęconym grom encyklopedii Kojiruyen, ukończonej w 1914 roku. Były profesor Broadcasting University Shibato Minao, kompozytor i wczesny zwolennik archeologii muzycznej, zbadał relikty i ocenił je jako harfy żydowskie. Jednak zgodnie z powołaniem Shibaty nie ma on całkowitej pewności, a jedynie ostrożne założenie, aby uważać je za harfy żydowskie. Nawet jeśli są to harfy żydowskie, pozostają wątpliwości co do realności ich tysiącletniego wieku.

Stąd dochodzimy do wniosku, że musimy zrobić khomus, tradycyjna forma, ale z wykorzystaniem nowych technologii.

Specyfikacja projektu

Jakim produktem jest homus?

Konsumentem końcowym są ci, którzy lubią grać w khomus.

Która potrzeba zostanie zaspokojona – gra na khomusie.

Cel funkcjonalny - odbieranie dźwięki muzyczne

Dopuszczalne limity kosztów - 1500-5000 rubli

Produkcja masowa

Czynnik ludzki - chomus nie powinien szkodzić zdrowiu, być wygodny podczas zabawy

Materiały - muszą być zgodne określone funkcje, mają przystępną cenę

Metoda produkcji – w warunkach Kodeksu postępowania karnego w Państwowej Instytucji Oświatowej „PL nr 14”

Środki bezpieczeństwa dla konsumenta muszą być bezpieczne podczas zabawy i transportu

W stosunku do producenta warunki produkcji muszą spełniać wymogi bezpieczeństwa.

Wygląd powinien być estetyczny, piękny i dobrze zaprojektowany.

Wartości moralne: szkody dla środowiska muszą być mniejsze niż korzyści dla społeczeństwa.

Wniosek

Pracując nad pracami projektowymi dotyczącymi produkcji Jakuckiego Chomusa w technologii odlewania, doszliśmy do wniosku, że zastosowanie brązu na korpus i stali nierdzewnej na język poprawia estetykę, higienę, praktyczność i trwałość instrumentu.

Technologia odlewnicza pozwala na zmianę kształtów i rozmiarów półfabrykatów korpusowych. Gotowy detal jest zaawansowany technologicznie do dalszej obróbki wykańczającej, grawerowania, lutowania i nakładania nakładek.

W Ostatnio Instrumentem muzycznym – harfą żydowską, interesowali się nie tylko muzykolodzy, wykonawcy i propagatorzy muzyki ludowej, ale także specjaliści z innych dziedzin wiedzy, w tym hutnicy i chemicy.

Technologia wytwarzania khomusu jest stale udoskonalana, rzemieślnicy umiejętnie przekształcają homus z instrumentu muzycznego w piękne dzieło sztuki zdobniczej i użytkowej, tj. powinien być nie tylko estetyczny, ale także nietypowy pod względem dźwięku.

Cele prac projektowych uważamy za spełnione, zbadano różne technologie wytwarzania khomusu jakuckiego i wyprodukowano chomusa z korpusem wykonanym metodą odlewania na instalacji odlewania próżniowego.

Bibliografia

Antonow N.K. O terminach metalurgicznych Jakuta. — gwiazda biegunowa, Jakuck, 1977.

Bolo S.N. Przeszłość Jakutów przed przybyciem Rosjan do Leny. - M., 1938.

Gogolev Z.V. Jakucja na przełomie XIX i XX wieku. - Nowosybirsk, 1970.

Gotovtsev I.N. Saham khomukhugar sanany – Nowe technologie Jakuta khomusa. Jakuck, Sachapoligrafizdat, 2003.

Iwanow V.N. Stosunki społeczno-gospodarcze między Jakutami w XVII wieku. - Jakuck, 1966.

Iwanow V.F. Studium historyczne i etnograficzne Jakucji XVII-XVIII wieku - M., 1974.

Historia Jakuckiej Autonomicznej Socjalistycznej Republiki Radzieckiej. - M., 1955.

Legendy historyczne i opowieści o Jakutach. - M., 1960.

Konstantinow I.V. Kultura materialna Jakutów XVIII wieku. - Jakuck, 1971.

Ksenofontov G.V. Uranhai Sachalar. - Irkuck, 1937.

Ksenofontov G.V. Ellejada. -M., 1977.

Middendorf A.F. Podróż na północ i wschód Syberii. - Petersburg, 1878.

Pekarsky E.K. Słownik języka Jakuckiego. - M., 1917.

Safronow F.G. Zajmuje się historią archeologii, etnografii i bibliografii historycznej. - Petersburg, 1976.

Zbiór artykułów naukowych Muzeum Jakuckiego. - 1955.-Wydanie, Jakuck.

Seroshevsky V.L. Jakuci. - Petersburg, 1896.

Sofroneev P.S. Jakuci w pierwszej połowie XVIII wieku. - Jakuck, 1972.

Struminsky M.Ya. Rzemieślnicza metoda wydobywania rudy i wytapiania z niej żelaza przez Jakutów. Zbiór materiałów na temat etnografii Jakutów. - Jakuck, 1948.

Tokariew S.A. System społeczny Jakutów w XVIII i XVIII wieku.

Tokariew S.A. Szkic historii Ludzie Jakucji. - M., 1940.

22. Utkin K.D. Produkcja żelaza Jakutów. - CHIF „Citim”, Jakuck, 1994.

23. Utkin K.D. Metalurgia żelaza Jakutów drugiej połowy XIX - początku XX wieku. - Wydawnictwo książek Jakut, 1992.

23.09.2013

Historia pojawienia się rosyjskich instrumentów ludowych sięga odległej przeszłości. Freski soboru św. Zofii w Kijowie, materiały ikonograficzne, miniatury rękopiśmiennych ksiąg, druki popularne świadczą o różnorodności instrumentów muzycznych naszych przodków. Starożytne instrumenty muzyczne odkryte przez archeologów są autentycznym materialnym dowodem ich istnienia na Rusi. W niedawnej przeszłości codzienne życie narodu rosyjskiego było nie do pomyślenia bez instrumentów muzycznych. Prawie wszyscy nasi przodkowie posiadali tajemnice tworzenia prostych instrumentów dźwiękowych i przekazywali je z pokolenia na pokolenie. Wprowadzanie w tajniki rzemiosła wpajane jest już od dzieciństwa, poprzez zabawy, prace możliwe do wykonania dla dziecięcych rączek. Obserwując pracę starszych, nastolatki zdobywały pierwsze umiejętności tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Czas minął. Duchowe powiązania pokoleń stopniowo ulegały zerwaniu, ich ciągłość została przerwana. Wraz ze zniknięciem ludowych instrumentów muzycznych, które niegdyś były wszechobecne w Rosji, utracony został także masowy udział w narodowej kulturze muzycznej.

Dziś niestety nie ma już wielu rzemieślników, którzy zachowali tradycje tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Ponadto tworzą swoje arcydzieła wyłącznie na indywidualne zamówienia. Produkcja instrumentów na skalę przemysłową wiąże się ze znacznymi kosztami finansowymi, stąd ich wysoki koszt. Nie każdego stać dziś na zakup instrumentu muzycznego. Dlatego pojawiła się chęć zebrania w jednym artykule materiałów, które pomogą każdemu, kto chce własnoręcznie wykonać ten lub inny instrument. Wokół nas istnieje duża ilość znanych materiałów pochodzenia roślinnego i zwierzęcego, na które czasami nie zwracamy uwagi. Każdy materiał zabrzmi, jeśli zostanie dotknięty zręcznymi rękami:

Z niepozornego kawałka gliny możesz zrobić gwizdek lub okarynę;

Kora brzozy usunięta z pnia brzozy z piskiem zamieni się w duży róg;

Plastikowa rurka nabierze dźwięku, jeśli zrobisz w niej gwizdek i dziury;

Z drewnianych klocków i płyt można wykonać wiele różnych instrumentów perkusyjnych.

Na podstawie publikacji na temat rosyjskich instrumentów ludowych oraz doświadczeń różnych osób przy ich wytwarzaniu poczyniono zalecenia, które mogą okazać się przydatne w procesie pracy nad nimi.

* * *

Dla wielu ludów pochodzenie instrumentów muzycznych jest kojarzone z bogami i władcami burz, zamieci i wiatrów. Starożytni Grecy przypisywali Hermesowi wynalezienie liry: stworzył on instrument, naciągając struny na skorupę żółwia. Jego syn, leśny demon i patron pasterzy, Pan był zawsze przedstawiany z fletem składającym się z kilku łodyg trzciny (flet Pana).

W Niemieckie bajki Często wspomina się o dźwiękach rogu, w języku fińskim - pięciostrunowej harfy kantele. W rosyjskich baśniach przy dźwiękach rogów i piszczałek pojawiają się wojownicy, którym żadna siła nie jest w stanie się oprzeć; cudowna harfa samogud sama gra, sama śpiewa pieśni i sprawia, że ​​tańczysz bez wytchnienia. W języku ukraińskim i Białoruskie bajki Nawet zwierzęta zaczęły tańczyć przy dźwiękach dud (duda).

Historyk, folklorysta A.N. Afanasjew, autor dzieła „Poetyckie poglądy Słowian na przyrodę”, napisał, że różne dźwięki muzyczne, powstające, gdy wiatr wieje w powietrzu, identyfikują „wyrażenia dla wiatru i muzyki”: od czasownika „wiać” ” przyszedł - duda, fajka, cios; Perski. dudu – dźwięk fletu; Niemiecki blasen – dmuchać, przewiewać, trąbić, grać na instrumencie dętym; gwizdek i harfa - od szumu; szum - słowo używane przez Małych Rosjan na określenie wiejącego wiatru; porównaj: sopelka, sipovka z sopati, węszenie (syk), ochrypły, gwizdek - z gwizdka.

Dźwięki muzyki dętej powstają poprzez wdmuchnięcie powietrza do instrumentu. Nasi przodkowie postrzegali podmuch wiatru jako dochodzący z otwartych ust bogów. Fantazja starożytnych Słowian łączyła wycie burzy i świst wiatru ze śpiewem i muzyką. Tak powstały legendy o śpiewie, tańcu i grze na instrumentach muzycznych. Mityczne przedstawienia w połączeniu z muzyką uczyniły je świętymi i niezbędne akcesorium pogańskie rytuały i święta.

Niezależnie od tego, jak niedoskonałe były pierwsze instrumenty muzyczne, wymagały one jednak od muzyków umiejętności ich tworzenia i gry.

Na przestrzeni wieków nie ustało udoskonalanie instrumentów ludowych i selekcja najlepszych próbek. Instrumenty muzyczne przybrały nowe formy. Powstały rozwiązania projektowe dotyczące ich wytwarzania, metod wydobywania dźwięków i technik gry. Ludy słowiańskie były twórcami i strażnikami wartości muzycznych.

Starożytni Słowianie czcili swoich przodków i wychwalali bogów. Gloryfikacji Bogów dokonywano przed świętymi boginiami w świątyniach lub na świeżym powietrzu. Rytuałom na cześć Peruna (boga piorunów i piorunów), Striboga (boga wiatrów), Światowida (boga Słońca), Łady (bogini miłości) itp. towarzyszył śpiew, taniec, gra na instrumentach muzycznych i zakończenie z powszechną ucztą. Słowianie czcili nie tylko niewidzialne bóstwa, ale także ich siedliska: lasy, góry, rzeki i jeziora.

Według badaczy śpiew i sztuka instrumentalna tamtych lat rozwijały się w ścisłym związku. Być może pieśni rytualne przyczyniły się do narodzin instrumentów wraz z ustaleniem ich struktury muzycznej, gdyż pieśni modlitewne świątynne wykonywano przy akompaniamencie muzyki.

Bizantyjski historyk Teofilakt Simokatta, arabski podróżnik Al-Masudi i arabski geograf Omar ibn Dast potwierdzają istnienie instrumentów muzycznych wśród starożytnych Słowian. Ten ostatni pisze w swojej „Księdze cennych skarbów”: „Mają wszelkiego rodzaju lutnie, harfy i fujarki…”

W „Esejach o historii muzyki w Rosji od czasów starożytnych do końca XVIII wieku” rosyjski muzykolog N.F. Findeizen zauważa: „Jest absolutnie niemożliwe, aby starożytni Słowianie, prowadzący życie wspólnotowe, których obrzędy religijne były niezwykle rozwinięte, różnorodne i ozdobione dekoracyjnym przepychem, nie byłyby w stanie wytworzyć własnych instrumentów muzycznych, zupełnie niezależnie od tego, czy podobne instrumenty istniały w sąsiednich obszarach.

Niewiele jest odniesień do starożytnej rosyjskiej kultury muzycznej.

Sztuka muzyczna Rusi Kijowskiej

Według badaczy na Rusi Kijowskiej znane były następujące instrumenty muzyczne:

Drewniane fajki i rogi (dla wojska i myślistwa);

Dzwonki, gwizdki gliniane (rytualne);

Flet Pana, składający się z kilku połączonych ze sobą rurek trzcinowych o różnej długości (rytuał dęty);

Gusli (sznurek);

Sopel i flet (instrumenty dęte o długości arshine);

Materiały użyte do przygotowania tego artykułu:

Jeśli chcesz zawsze na czas otrzymywać informacje o nowych publikacjach na stronie, zapisz się

Kryłow Borys Pietrowicz (1891-1977) Harmonista. 1931

Naród rosyjski zawsze otaczał swoje życie pieśniami i muzyką płynącą z instrumentów ludowych. Od najmłodszych lat każdy posiadał umiejętności tworzenia prostych instrumentów i wiedział, jak na nich grać. Tak więc z kawałka gliny możesz zrobić gwizdek lub okarynę, a z tabliczki możesz zrobić grzechotkę.

W starożytności człowiek był bliżej natury i czerpał z niej wiedzę, dlatego instrumenty ludowe tworzono w oparciu o dźwięki natury i wykonywano z naturalne materiały. Przecież nigdzie nie odczuwa się tak piękna i harmonii, jak podczas gry na ludowym instrumencie muzycznym, a nic nie jest tak bliskie człowiekowi jak dźwięki rodzimego instrumentu znane z dzieciństwa.

Dla Rosjanina XXI wieku takim rodzimym instrumentem jest akordeon, ale co z resztą... Przestań już. młody człowiek i poproś go, aby wymienił przynajmniej kilka znanych mu instrumentów ludowych, lista ta będzie bardzo mała, nie mówiąc już o grze na nich. Ale to ogromna warstwa kultury rosyjskiej, o której prawie zapomniano.

Dlaczego straciliśmy tę tradycję? Dlaczego nie znamy naszych ludowych instrumentów i nie słyszymy ich pięknych dźwięków?

Trudno odpowiedzieć na to pytanie, czas mijał, o czymś zapomniano, coś zostało zakazane, np. średniowieczna Ruś Chrześcijańska nie raz podnosiła broń przeciwko muzycy ludowi. Chłopom i mieszkańcom miast pod groźbą kar finansowych zakazano posiadania instrumentów ludowych, a tym bardziej gry na nich.

„Aby oni (chłopi) nie bawili się w demoniczne gry w pociąganie, gusli, pikanie i domry i nie trzymali ich w swoich domach... A kto, zapominając o bojaźni Bożej i godzinie śmierci, zacznie się bawić i wszelkie zabawy strzeż w sobie – kara wynosi pięć rubli od osoby”.(Z aktów prawnych z XVII w.)

Wraz z nadejściem instrumenty elektroniczne i nagrań muzycznych na płytach i dyskach, ludzie na ogół zapomnieli, jak samodzielnie grać, a tym bardziej, jak tworzyć instrumenty muzyczne.

Być może jest inaczej i wszystko można przypisać nie tylko bezlitosności czasu, ale znikanie i masowe znikanie zaczęło się dawno temu i szybko postępuje. Tracimy tradycje, swoją oryginalność – idziemy z duchem czasu, dostosowaliśmy się, pieścimy uszy „falami i częstotliwościami”…

A więc najrzadsze rosyjskie ludowe instrumenty muzyczne lub te, które już wkrótce mogą po prostu zniknąć. Być może już niedługo większość z nich zapadnie się w kurz na muzealnych półkach, jako ciche, rzadkie eksponaty, choć pierwotnie powstały z myślą o bardziej odświętnych wydarzeniach...

1. Gusli

Nikołaj Zagorski Dawid gra na harfie przed Saulem. 1873

Gusli to strunowy instrument muzyczny, najpopularniejszy w Rosji. Jest to najstarszy rosyjski strunowy instrument muzyczny.

Istnieją harfy w kształcie skrzydeł i hełmów. Pierwsze, w późniejszych próbkach, mają kształt trójkątny i od 5 do 14 strun, strojonych według stopni skali diatonicznej, w kształcie hełmu - 10-30 strun tego samego strojenia.

Muzycy grający na gusli nazywani są guslarami.

Historia gusli

Gusli to instrument muzyczny, którego rodzajem jest harfa. Do harfy podobna jest także starożytna grecka cithara (istnieje hipoteza, że ​​jest ona przodkiem harfy), kanon ormiański i irański santur.

Pierwsze wiarygodne wzmianki o używaniu rosyjskiego gusli znajdują się w źródłach bizantyjskich z V wieku. Bohaterowie eposu grali na gusli: Sadko, Dobrynya Nikitich, Boyan. W wielkim pomniku starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieści o kampanii Igora” (XI - XII w.) poetycko śpiewa się wizerunek gawędziarza:

„Bojan, bracia, to nie 10 sokołów na stado łabędzi w lesie, ale własne rzeczy i palce jako żywe sznurki; Oni sami są księciem, chwała rykowi.

2. Rura

Henryk Semiradski Pasterz gra na flecie.

Svirel to rosyjski dwulufowy instrument dęty; rodzaj dwulufowego fletu podłużnego. Jeden z pni ma zwykle długość 300–350 mm, drugi 450–470 mm. Na górnym końcu lufy znajduje się gwizdek, w dolnej części znajdują się 3 boczne otwory służące do zmiany wysokości dźwięków.

W języku potocznym często nazywa się fajką instrumenty dęte takie jak flety jedno- lub dwulufowe.

Wykonany jest z drewna z miękkim rdzeniem, czarnego bzu, wierzby i czeremchy.

Zakłada się, że rura migrowała do Rosji Starożytna Grecja. W starożytność Flet był muzycznym instrumentem dętym składającym się z siedmiu połączonych ze sobą rurek trzcinowych o różnej długości. Według starożytnej mitologii greckiej Hermes wymyślił ją, aby bawić się przy pasaniu krów. Ten instrument muzyczny jest nadal bardzo kochany przez pasterzy Grecji.

3. Bałałajka

Niektórzy przypisują słowo „bałałajka” pochodzeniu tatarskim. Tatarzy mają słowo „bala”, które oznacza „dziecko”. Być może posłużył jako źródło pochodzenia słów „balakat”, „balabonit” itp. zawierające koncepcję nieuzasadnionej, dziecinnej paplaniny.

Nawet w XVII-XVIII wieku istnieje bardzo niewiele wzmianek o bałałajce. W niektórych przypadkach rzeczywiście istnieją wzmianki o tym, że w Rosji istniał instrument tego samego typu co bałałajka, ale najprawdopodobniej wspomina się tam o domrze, przodku bałałajki.

Za cara Michaiła Fiodorowicza do pałacowej izby rozrywki przydzielono graczy w domrachey. Za Aleksieja Michajłowicza prześladowano instrumenty. Do tego czasu, tj. Zmiana nazwy domry na bałałajka datuje się prawdopodobnie na drugą połowę XVII wieku.

Nazwa „bałałajka” po raz pierwszy pojawiła się w zabytkach pisanych z czasów Piotra Wielkiego. W 1715 roku podczas obchodów komicznego wesela zorganizowanego na rozkaz cara wśród instrumentów, które pojawiały się w rękach mummerów, wymieniono bałałajki. Co więcej, instrumenty te trafiły w ręce grupy przebranej za Kałmuków.

W XVIII wieku. Bałałajka rozprzestrzeniła się szeroko wśród narodu wielkoruskiego, zyskując taką popularność, że uznano ją za najstarszy instrument, a nawet przypisano jej pochodzenie słowiańskie.

Rosyjskie pochodzenie można przypisać jedynie trójkątnemu zarysowi ciała lub ciała bałałajki, który zastąpił okrągły kształt domry. Kształt XVIII-wiecznej bałałajki różnił się od współczesnego. Szyja bałałajki była bardzo długa, około 4 razy dłuższa niż tułów. Korpus instrumentu był węższy. Ponadto bałałajki spotykane w starożytnych popularnych rycinach są wyposażone tylko w 2 sznurki. Trzecia struna była rzadkim wyjątkiem. Struny bałałajki są metalowe, co nadaje dźwiękowi specyficzny odcień - dźwięczną barwę.

W połowie XX wieku. wysunięto nową hipotezę, że bałałajka istniała na długo przed wzmiankami o niej w źródłach pisanych, tj. istniał obok domry. Niektórzy badacze uważają, że domra była profesjonalnym instrumentem bufonów i wraz z ich zniknięciem utraciła powszechną praktykę muzyczną.

Bałałajka jest instrumentem czysto ludowym i dlatego jest bardziej wytrzymały.

Początkowo bałałajka rozprzestrzeniała się głównie w północnych i wschodnich prowincjach Rosji, zwykle towarzysząc pieśniom tańca ludowego. Ale już w połowie XIX wieku bałałajka była bardzo popularna w wielu miejscach Rosji. Grali na nim nie tylko chłopi ze wsi, ale także poważni muzycy dworscy, tacy jak Iwan Chandoszkin, I.F. Jabłoczkin, N.W. Ławrow. Jednak w połowie XIX wieku niemal wszędzie obok niej znaleziono harmonijkę ustną, która stopniowo zastąpiła bałałajkę.

4. Bayan

Bayan to jedna z najdoskonalszych obecnie istniejących harmonicznych chromatycznych. Nazwa „akordeon” pojawiła się po raz pierwszy na plakatach i reklamach od 1891 roku. Do tego czasu taki instrument nazywano harmonijką ustną.

Harmonijka pochodzi z azjatyckiego instrumentu zwanego shen. Shen był znany w Rosji już bardzo dawno temu, bo w X-XIII wieku, w okresie panowania tatarsko-mongolskiego. Niektórzy badacze twierdzą, że shen przybył z Azji do Rosji, a następnie do Europy, gdzie został udoskonalony i stał się powszechnym, niezwykle popularnym w całej Europie instrumentem muzycznym – harmonijką ustną.

W Rosji zdecydowanym impulsem do upowszechnienia instrumentu było nabycie przez Iwana Sizowa w 1830 roku na jarmarku w Niżnym Nowogrodzie ręcznej harmonijki ustnej, po czym podjął on decyzję o otwarciu warsztatu harmonijkowego. W latach czterdziestych XIX wieku w Tule pojawiła się pierwsza fabryka Timofeya Woroncowa, która produkowała 10 000 harmonicznych rocznie. Przyczyniło się to do najszerszego rozpowszechnienia instrumentu i do połowy XIX wieku. Harmonijka staje się symbolem nowego ludowego instrumentu muzycznego. Jest obowiązkowym uczestnikiem wszelkich festiwali i uroczystości ludowych.

Jeśli w Europie harmonijkę wykonali mistrzowie muzyki, to w Rosji wręcz przeciwnie, harmonijka została stworzona z rzemieślników ludowych w mistrzów. Dlatego w Rosji, jak w żadnym innym kraju, istnieje takie bogactwo projektów harmonijek o charakterze czysto narodowym, różniących się nie tylko formą, ale także różnorodnością skal. Na przykład repertuaru harmonijki saratowskiej nie można wykonać na Livenkach, repertuaru Livenki na Bołogojewce itp. Nazwę harmonijki zadecydowało miejsce jej wykonania.

Rzemieślnicy z Tuły jako pierwsi na Rusi rozpoczęli produkcję akordeonów. Ich pierwsze harmonijki ustne TULA miały tylko jeden rząd przycisków na prawej i lewej ręce (pojedynczy rząd). Na tej samej podstawie zaczęły się rozwijać modele bardzo małych harmonijek koncertowych – TURTLES. Byli bardzo głośni i głośni i robili wrażenie na publiczności, chociaż był to numer bardziej ekscentryczny niż muzyka.

Harmonijki SARATOV, które pojawiły się po harmonijkach Tula, strukturalnie nie różniły się od pierwszych, ale mistrzom Saratowa udało się znaleźć niezwykłą barwę dźwięku, dodając do projektu dzwonki. Akordeony te stały się bardzo popularne wśród ludzi.

Rzemieślnicy Vyatka rozszerzyli zakres brzmień harmonijek ustnych (dodali przyciski po lewej i prawej ręce). Wersja wymyślonego przez nich instrumentu nazywała się akordeonem Vyatka.

Wszystkie wymienione instrumenty miały osobliwość - ten sam przycisk do otwierania i zamykania miechów wydawał różne dźwięki. Harmonijki te miały jedną wspólną nazwę – TALYANKI. Talyankas może być z systemem rosyjskim lub niemieckim. Grając na takich harmonijkach należało przede wszystkim opanować technikę gry na miechach, aby poprawnie wydobyć melodię.

Problem został rozwiązany przez rzemieślników LIVENSK. Na akordeonach mistrzów Liven dźwięk nie zmieniał się przy wymianie miechów. Akordeony nie miały pasków przerzuconych przez ramię. Po prawej i lewej stronie krótkie pasy owijane wokół dłoni. Akordeon Liven miał niesamowicie długie futro. Można by dosłownie owinąć sobie taki akordeon, bo... gdy futro było całkowicie rozciągnięte, jego długość sięgała dwóch metrów.

Absolutni mistrzowie świata w akordeonie guzikowym Siergiej Wojtenko i Dmitrij Khramkow. Duetowi udało się już zaimponować swoim kunsztem ogromne rzesze słuchaczy.

Kolejnym etapem rozwoju akordeonu był akordeon dwurzędowy, którego konstrukcja przybyła do Rosji z Europy. Akordeon dwurzędowy można również nazwać akordeonem „dwurzędowym”, ponieważ Każdemu rzędowi przycisków w prawej ręce przypisano określoną skalę. Takie akordeony nazywane są ROSYJSKIMI WINICAMI.

Obecnie wszystkie wymienione powyżej akordeony są bardzo rzadkie.

Bayan swój wygląd zawdzięcza utalentowanemu rosyjskiemu mistrzowi - projektantowi Piotrowi Sterligowowi. Harmoniczne chromatyczne Sterligova (później akordeony guzikowe) poprawiły się w latach 1905–1915 tak szybko, że nawet dziś instrumenty fabryczne są produkowane w oparciu o ich najnowsze próbki.

Instrument ten spopularyzował wybitny muzyk – harmonijkarz Jakow Fedorowicz Orlansky-Titarenko. Mistrz i wirtuoz nazwał instrument na cześć legendarnego rosyjskiego muzyka, gawędziarza i piosenkarza Boyana - „akordeon”. Miało to miejsce w roku 1907. Od tego czasu na Rusi istnieje akordeon guzikowy – instrument jest obecnie tak popularny, że nie trzeba mówić o tym, jak wygląda.

Być może jedyne narzędzie, które nie udaje, że przedwcześnie zniknie i zostanie „odłożone na półkę” w ramach tego artykułu. Ale błędem byłoby też o tym nie mówić. Przejdźmy dalej...

5. Ksylofon

Ksylofon (z greckiego ksylon – drzewo, drewno i telefon – dźwięk) to instrument perkusyjny pewna wysokość dźwięk, którego konstrukcja składa się z zestawu drewnianych klocków (płyt) o różnych rozmiarach.

Ksylofony występują w wersjach dwurzędowych i czterorzędowych.

Na czterorzędowym ksylofonie gra się dwoma zakrzywionymi pałeczkami w kształcie łyżki, zgrubiałymi na końcach, które muzyk trzyma przed sobą pod kątem równoległym do płaszczyzny instrumentu. w odległości 5-7 cm z zapisów. Na ksylofonie dwurzędowym używa się trzech i czterech pałeczek. Podstawową zasadą gry na ksylofonie jest dokładne naprzemienne uderzanie obu rąk.

Ksylofon ma starożytne korzenie – najprostsze instrumenty tego typu istniały i znajdują się do dziś wśród różnych ludów Rosji, Afryki, Azji Południowo-Wschodniej i Ameryki Łacińskiej. W Europie pierwsze wzmianki o ksylofonie pochodzą z początku XVI wieku.

Do rosyjskich instrumentów ludowych zaliczają się także: róg, tamburyn, harfa żydowska, domra, zhaleika, kalyuka, kugikly, łyżki, okaryna, piszczałka, grzechotka i wiele innych.

Chciałbym wierzyć, że Wielki Kraj będzie w stanie ożywić tradycje ludowe, festiwale ludowe, festiwale, stroje narodowe, pieśni, tańce... przy dźwiękach prawdziwych rodzimych rosyjskich instrumentów muzycznych.

I zakończę artykuł optymistyczną nutą - obejrzyj wideo do końca - życzę wszystkim dobrego nastroju!

Dusza Rosji jest w moich rękach,
kawałek rosyjskiej starożytności,
Kiedy poprosili o sprzedaż akordeonu,
Odpowiedziałem: „Ona nie ma ceny”.

Muzyka ludowa jest bezcenna,
co żyje w pieśniach Ojczyzny,
Jej melodia to natura,
jak ten balsam rozlewa się na serce.

Za mało złota i pieniędzy
kupić mój akordeon,
I ta, której uszy bolą,
nie mogę bez niej żyć.

Graj na akordeonie bez przerwy,
i ocieram spocone czoło,
Oddam cię chłopcu
Albo położę to na trumnie przyjaciela!

Amati wykonał skrzypce z drewna gruszy i zabezpieczył je własnym lakierem. Kilka słów o lakierze. Jedyne, co brzmi najlepiej, to to, że skrzypce są wykonane, a nie lakierowane. Wydłużona płyta rezonansowa skrzypiec wzdłuż kierunku słojów drewna, z którego są wykonane, zapewnia jednoczesne oddzielenie fali dźwiękowej od całego konturu płyty rezonansowej. W końcu fale dźwiękowe przemieszczają się szybciej wzdłuż światłowodu niż przez niego. Odchylenia kształtu skrzypiec od owalu i szczeliny w płycie rezonansowej zniekształcają falę dźwiękową, nadając dźwiękowi podtekstów. Nielakierowane skrzypce brzmią świetnie, ale nie trwają długo, ponieważ tlen zawarty w powietrzu utlenia włókna drewna, zamieniając je w pył. Dodatkowo takie skrzypce będą wyciągać wilgoć z powietrza jak gąbka, co będzie miało szkodliwy wpływ na dźwięk.

Z jakiego drewna wykonane są instrumenty muzyczne?

Od czasów starożytnych ludzie wytwarzali prymitywne drewniane instrumenty muzyczne. Do polowań i celów rytualnych używano różnych grzechotek i bębnów, piszczałek i różnych instrumentów dźwiękowych - na przykład zaklęciom magicznym, za pomocą których szamani przywoływali dobre duchy lub wypędzali złe, często towarzyszyły różne efekty dźwiękowe.

Wraz z rozwojem cywilizacji powstała cała nauka - akustyka muzyczna, która bada cechy dźwięków muzycznych, tak jak je postrzegamy, oraz mechanizmy dźwiękowe instrumentów muzycznych. Prawie wszystkie przedmioty wytwarzające dźwięk można wykorzystać jako instrumenty muzyczne, ale ludzkość ciężko pracowała, aby stworzyć szeroką gamę specjalnych urządzeń wytwarzających specjalny dźwięk. Drewno było i pozostaje jednym z najważniejszych materiałów do produkcji instrumentów muzycznych. Gitara

oraz skrzypce, wiolonczelę i altówkę, instrumenty dęte - flet, obój, klarnet, fagot, pudła rezonansowe fortepianów i wiele innych instrumentów lub ich części wykonane są z różnych gatunków drewna. Sekret polega na tym, że drewno ma jeszcze jedną cenną cechę korzystne właściwości, a mianowicie zdolność do rezonowania, tj. wzmacniania wibracji fale dźwiękowe. Istnieją gatunki o podwyższonych właściwościach rezonansowych, a do takich gatunków należy znany świerk pospolity, który rośnie w Europie Środkowej i europejskiej Rosji. Inne drzewa iglaste również mają dobre właściwości rezonansowe: jodła, cedr. Drewno świerkowe i jodłowe jest wykorzystywane w prawie wszystkich instrumentach muzycznych do produkcji płyt rezonansowych. Drewno rezonansowe zbiera się zimą. Podejście mistrzów muzyki specjalna uwaga do wyboru rezonansowe drewno. Wybrane drzewo nie powinno mieć żadnych wad, a warstwy roczne powinny mieć tę samą szerokość.

Czy wiesz, że każda rasa ma również swój własny głos? Najbardziej dźwięczny i melodyjny jest świerk pospolity. Okazuje się, że właśnie dlatego Stradivarius i Amati zrobili z niego swoje wspaniałe skrzypce. W tym celu wybrane drzewo zostało wycięte i pozostawione na trzy lata. Stopniowo traciło wilgoć, drewno stawało się gęstsze i jaśniejsze. W rezultacie instrumenty muzyczne wykonane z takiego drewna otrzymały szczególną moc dźwięku. To prawda, że ​​\u200b\u200btrzeba było znaleźć i wybrać spośród dużej liczby drzew dokładnie to, które śpiewałoby lepiej niż inne. Mistrzom się to udało, a dowodem na to jest fakt, że ich skrzypce od prawie trzystu lat urzekają słuchaczy „głosami”, które potrafią śpiewać, płakać, cierpieć i radować się.

Do dziś skrzypce i inne instrumenty smyczkowe – fortepiany, pianina – nadal wykonuje się z drewna świerkowego. Żadne inne drzewo nie daje takiego rezonansu jak świerk. Wyjaśnia to fakt, że jego drewno charakteryzuje się wyjątkowo równomiernym rozkładem włókien. Ponadto jest miękki, lekki, błyszczący, łatwy do nakłucia i trwały. To jedna z „choinkowych” doskonałości.

Świerk ma inne zalety. Zwróć uwagę na to, ile śniegu świerk utrzymuje na gałęziach. Pod białym futrem czasami nie widać najbardziej zielonego piękna. Wąska korona nie zatrzymuje śniegu zbyt długo, jeśli jest go za dużo, schodzi z drzewa. Szerokie gałęzie-łapy są elastyczne i sprężyste. Śnieg dociska łapę do podłoża, ale jej nie łamie. Jeśli śniegu jest dużo, łapa mocniej dociska się do tułowia i śnieg się z niego zsuwa. Otrząsnąwszy się ze śniegu, świerk ponownie dumnie unosi gałęzie i zadziwiająco popisuje się sobie i ludziom. Taka struktura korony pozwoliła świerkowi doskonale przystosować się do życia w strefie umiarkowanej i stać się jednym z najpospolitszych drzew.

Gitara to wyjątkowy instrument muzyczny. W rękach profesjonalisty jest w stanie stworzyć taką symfonię dźwięków, która sprawi, że słuchacz będzie płakać i śmiać się, cieszyć i martwić w rytm wirtuozowskiej gry. Jednak nie wszystko w w tym przypadku zdeterminowany czynnikiem ludzkim. Dobra gitara jest w stanie wyrazić całą paletę uczuć muzyka, zły instrument zrujnuje najwspanialszą grę. Dźwięk wydawany przez gitarę zależy w dużej mierze od rodzaju drewna, z którego jest wykonana. Proces ten jest pracochłonny, a drewno w instrumencie odgrywa decydującą rolę. Jeśli jest „martwa”, to nic nie można zrobić, aby tej gitarze pomóc – jakkolwiek na nią spojrzysz, nie uzyskasz z niej dobrego brzmienia. Gryf instrumentu wykonany jest najczęściej z klonu, podstrunnica również z klonu (Ash), palisandru (Rosewood) lub hebanu (Ebony). Z korpusem (talem) nie wszystko jest takie proste. Nowoczesny przemysł Do produkcji gitar wykorzystuje się wiele gatunków drewna, od znanej olchy po egzotyczne „kurze oko”. Wynika to z faktu, że różne gatunki drewna wydają różne dźwięki. Najpopularniejszym rodzajem drewna do produkcji gitar jest dobrze znana olcha (olcha). Z niego wykonana jest prawie cała linia instrumentów znanych firm gitarowych Fender, Jackson i Carvin. A inne firmy często nie wahają się wykorzystać go w produkcji. Gitary wykonane z olchy charakteryzują się zrównoważonym, czystym dźwiękiem z bogatą średnicą. Równie dobrze sprawdzają się z kawałkami solowymi, jak i heavy metalowymi riffami. Moim zdaniem takie instrumenty, będąc swego rodzaju „złotym środkiem”, przeznaczone są dla gitarzystów, dla których nie ma stereotypów w grze i myśleniu. Świerk (jodła) wykorzystywany jest głównie do produkcji półakustycznych gitar elektrycznych. Daje ciepły, gładki dźwięk. Jeżeli zamierzasz grać muzykę jazzową to taki instrument będzie dla Ciebie świetny wybór. Główną wadą gitar wykonanych ze świerku jest ich stosunkowo wysoka cena. Najbardziej dźwięczne gitary, idealne do grania partii solowych, wykonane są z klonu (Maple) i jesionu (Ash). Instrumenty te mają zaakcentowany atak, ich brzmienie jest znacznie bardziej „szkliste” niż jakikolwiek inny rodzaj drewna. Gitary wykonane z klonu i jesionu wytwarzają dźwięk o wyraźnych wysokich częstotliwościach. Te gatunki drewna są idealne do solówek i niezbyt dobre do gry rytmicznej. Jeśli więc marzysz o graniu muzyki a la Joe Satriani, to jesion i klon są idealnymi materiałami na gitarę. Orzech jest szeroko stosowany do produkcji wysokiej klasy gitar akustycznych. Z tego materiału wykonana jest większość ekskluzywnych instrumentów światowej sławy mistrzów. W produkcji gitar elektrycznych wykorzystuje się go wyłącznie na podstrunnice i do okleinowania korpusów. Gitary z kategorii tzw. „instrumentów studenckich” wykonane są z topoli (Topola). Jak wiadomo drewno topoli jest bardzo miękkie, co negatywnie wpływa na jakość dźwięku. Najczęściej produkowane są z niego instrumenty z najniższej kategorii cenowej. Mahoń jest używany do produkcji gitar do „ciężkich” stylów. Dźwięk takich instrumentów wyróżnia się ciepłą i soczystą średnicą, z głębokimi dołami i wygładzoną górą. Gitary mahoniowe nie mają sobie równych w jakości brzmienia low-end (lepiej brzmią tylko instrumenty wykonane z egzotycznego drewna Bubinga). Opisane powyżej gatunki drewna są dalekie od pełna lista materiały używane do produkcji gitar. To tylko te najczęstsze. Istnieje wiele ras egzotycznych, takich jak Paduak, Koa czy Bubinga, które wykorzystywane są do produkcji ekskluzywnych instrumentów.

Drewno z pewnością odgrywa ważną rolę w brzmieniu przyszłego instrumentu. Nie zapominajmy jednak, że to tylko drzewo. Dopiero w rękach doświadczonego mistrza nabiera wyglądu instrumentu, który może stać się przedłużeniem ciała i duszy muzyka.

Instrumenty muzyczne są przedłużeniem człowieka, przekształcają coś niezwykłego w coś uniwersalnego. Ta lista pokaże starożytne wierzenia ludzi na całym świecie, a także opowie o ich tradycjach, które łączą sekrety naszej podświadomości ze światem, który postrzegamy naszymi uszami.

10.TANBUR

Tanbur należy do kategorii strun. Jest to instrument drewniany z długą szyją i rezonującym korpusem. Jest znany pod różnymi nazwami, w tym tamburem, tanburem, smołą i lirą, i jest przodkiem nowoczesnych gitar. Został wynaleziony tysiące lat temu w Mezopotamii, Azji Południowej i Środkowej.

Chociaż wiele kultur przystosowało dźwięk tego instrumentu do różnych celów, najwcześniejsze znane zastosowania tanburu to uzdrawianie, uspokajanie i tworzenie wewnętrznej równowagi. Praktyka ta zajmuje ważne miejsce w XVIII-wiecznym kulcie religijnym znanym jako Za'ar w Afryce Północnej i na Bliskim Wschodzie. Wiara ta opiera się na dualizmie dobra i zła oraz opętaniu ludzkich dusz przez siły zła.

Rytuały Zaar często obejmowały ceremonie, którym towarzyszyła dzika, brzęcząca muzyka, która doprowadzała opętanych do szaleństwa, oczyszczając ich duszę. W tamtym czasie preferowano nie jeden, ale zestaw instrumentów, w tym tanbur, tamburyn i bębny.

9. KONH

Koncha to instrument dęty wykonany z muszli morskich lub duże ślimaki. Używały go różne ludy: od Karaibów po Mezoamerykę, a także w Indiach, Tybecie, Nowej Zelandii i na wyspach Pacyfiku. Po prostu dmuchały w muszle i wydawały głośny dźwięk przypominający trąbkę.

W Indiach, zgodnie z tradycją hinduską, róg jest świętym symbolem boga Wisznu, reprezentującym kobiecą płodność, dobrobyt i życie. Tutaj nawet muszle można uznać za święte w zależności od ich koloru i kierunku loków, na przykład muszle zwinięte zgodnie z ruchem wskazówek zegara, ponieważ ich loki są odbiciem ruchu Słońca, Księżyca, gwiazd i nieba.

W plemionach mezoamerykańskich i karaibskich ten instrument muzyczny był ważny podczas polowań, wojen i innych rytuałów. W życiu starożytnego miasta Teotihuacan (niedaleko Meksyku) koncha była używana wszędzie: przy tworzeniu dzieł sztuki, podczas ceremonii poświęconych wodzie i męskiej płodności. Jego kształt sprawiał wrażenie wypływającej wody, dającej życie uprawom i ludziom, tworzącej nowe życie. W tym kontekście róg reprezentuje męską siłę i seksualność. Wojowników i mężczyzn o wysokim statusie społecznym chowano z muszlami, które później znajdowano na kapeluszach lub w pobliżu basenu.

Ponadto w wielu kulturach wysp Pacyfiku koncha była używana do ogłaszania przybycia gości do wioski lub podczas uroczystości pogrzebowych, podczas których jej dźwięk towarzyszył ciału zmarłego aż do końca jego życia – pochówku.

8. OKARYNA

Okaryna to mały, ręczny instrument dęty, który został wynaleziony około 10 000 lat p.n.e. Tradycyjnie wytwarza się go z kości lub gliny, ale wykonywano go również z kamieni, drewna lub metalu. Instrument ten składa się z pustej komory, ustnika i 4-12 otworów, które zamyka się palcami w celu wytworzenia różnych dźwięków. Okarynom nadano różne formy: zwierzęta, ludzi, bogów czy potwory, które odkryto w Ameryce Środkowej i Południowej.

Historycznie rzecz biorąc, używano ich w rytuałach kultur mezoamerykańskich. Wydawały niezwykłe, piękne dźwięki, które pozwalały im rozmawiać z bogami, oczarowywać ptaki i zwierzęta, a nawet wprowadzać ludzi w stan przypominający trans. Ocarina zyskała popularność dzięki grze wideo The Legend of Zelda: Ocarina of Time, w której gracz otrzymuje narzędzie pozwalające mu kontrolować pogodę, przemieszczać się pomiędzy lokacjami, otwierać drzwi, a nawet podróżować w czasie.

7. MBIRA

Mbira to ręczny instrument muzyczny stworzony ponad 1000 lat temu przez lud Shona z dzisiejszego Zimbabwe. Składa się z kilku metalowych zębów lub ściśniętej metalowej siatki zamontowanej na drewnianej desce. To narzędzie jest dostępne w różnych rozmiarach i odmianach.

Tradycyjnie odgrywał kluczową rolę w rytuałach Shona, których związek z duchami przodków był szczególnie silny. Mbira umożliwiała kontakt z duszami zmarłych i proszenie ich o pomoc, a wszystkim tym akcjom towarzyszyły pieśni i modlitwy. Najczęstszą jest ceremonia Bira – rytuał, podczas którego ludzie i duchy jednoczą się ku pamięci tradycji i mądrości plemienia. Shona używali także muzyki mbira do kontrolowania cykli deszczu i suszy, co było ważne dla rolnictwa, a także do odpędzania złych duchów.

6. WARGAŃ

Harfa żydowska, zwana także harfą ustną, jest instrumentem szarpanym składającym się z ramy, w której znajduje się wibrująca trzcina wykonana z metalu, trzciny lub bambusa. Rama jest utrzymywana zębami, a językiem bawią się palce, a jego wibracje zmieniają się wraz ze zmianą kształtu ust. Po raz pierwszy pojawił się w Chinach w IV wieku, ale jego metalowy odpowiednik pojawił się w wielu kulturach europejskich, oceanicznych i azjatyckich w XIII wieku.

Harfa żydowska była używana od wieków w szamańskich rytuałach i zaklęciach plemion mongolskich i syberyjskich, a także do wywoływania transu i leczenia chorób. Stosowano go także do terapii duszy i kontaktu z naturą np. w Malezji i Indonezji, gdzie dźwięk harfy żydowskiej pomagał komunikować się z ptakami, owadami, ropuchami i roślinami lasów tropikalnych, dodatkowo leczył melancholię i melancholię.

5. GONGI

Gong to metalowy instrument perkusyjny wynaleziony w Chinach około 3500 roku p.n.e. Został on następnie przyjęty przez ludy w całej Azji Południowej i Afryce. Jest to duży metalowy dysk, często z brązu lub miedzi, który jest zawieszony i uderzany młotkiem w celu wytworzenia dźwięku.

Tradycyjnie używano go podczas świąt, modlitw i ogłaszania świętych ceremonii. Jego głośny, charakterystyczny dźwięk idealnie nadaje się również do przekazywania wiadomości. Na przykład w nadmorskiej prowincji Zhejiang gongi służyły do ​​przyciągania gości do zejścia na ląd ze statków, a nawet do sygnalizowania statkom, gdy widoczność była słaba. Gra na gongu jest kojarzona w buddyzmie z rytuałami uzdrawiającymi, modlitwami i medytacją. W całej historii Chin gong był uważany za instrument sakralny i wierzono również, że duch mistrza, który wykonał gongi, był przesiąknięty jego wyrobami. Wierzono, że jeśli ktoś dotknie gongu, otrzyma radość, szczęście i zdrowie.

4. DIGGERIDOO

Aborygeni z Australii Północnej wynaleźli ten dziwny instrument dęty ponad 1500 lat temu. Każde plemię ma swoją nazwę, a poza tym jest nadal w użyciu. Didgeridoo to długi, drewniany instrument przypominający trąbkę. Mężczyzna dmucha w jeden koniec fajki, wytwarzając niski, nieco niesamowity, ale jednocześnie harmonijny szum. Doświadczeni muzycy mogą nawet stosować techniki oddychania okrężnego, aby utrzymać dźwięk przez 45 minut.

Didgeridoo, używane również jako ucieleśnienie głosu samej krainy, od dawna pojawia się w rytuałach pieśni i tańca Aborygenów, reprezentując połączenie z naturą i niewidzialnym światem duchowym. Według tradycji aborygeńskiej zrozumienie dźwięków pogody, natury i zwierząt, naśladowanie ich melodią didgeridoo, odtwarza wzajemne zrozumienie między lądem a ludźmi.

3. SKRZYPCE

Skrzypce, drewniany instrument strunowy, na którym gra się smyczkiem, istniały w amerykańskim folklorze i miały swoje korzenie w Starym Testamencie. Stare religie abrahamowe wierzyły, że głosy aniołów symbolizują komunikację z Bogiem, podczas gdy głos diabła objawia się dźwiękami instrumentów stworzonych przez człowieka. Mit ten w tajemniczy sposób rozwinął się w Kultura Zachodu, najprawdopodobniej za sprawą reformacji protestanckich i katolickich.

Wykształcił się i powszechnie przyjął się obraz diabła jako „złego skrzypka”. Najsłynniej opisano to w piosence „The Devil Went Down to Georgia” z 1979 roku, która opowiada historię znakomitego skrzypka imieniem Johnny, który rywalizował z diabłem w umiejętnościach gry na skrzypcach, stawiając swoją duszę przeciwko jego magicznym złotym skrzypcom.

2. BĘBNY

Bębny to jedne z najstarszych i najbardziej różnorodnych instrumentów muzycznych, które mają swoje odpowiedniki we wszystkich starożytnych kulturach. Bęben, prosty instrument wykonany z drewna, metalu lub skóry, na którym gra się pałkami lub rękami, był używany od dziesiątków tysięcy lat w rytuałach, działaniach wojennych, komunikacji i tańcu.

Ponad 8 000 lat temu w starożytnej Mezopotamii wierzono, że bębny wydają święte dźwięki podczas spotkań plemiennych, ceremonii i bitew. Dodatkowo w różnych częściach Afryki używano „gadających bębnów” jako narzędzia do przekazywania informacji, tworząc muzykę, którą można było usłyszeć na wiele kilometrów pomiędzy wioskami. Osoby grające na perkusji stosowały różne techniki przekazywania ludzkiego głosu, tworząc dźwięki przekazujące słowa i frazy. Często wykorzystywano to w rytuale modlitewnym, gdzie dźwięki wydawane przez bębny odbierano jako mowę bogów, którzy porozumiewali się z nimi językiem zrozumiałym dla całego plemienia.

1. GWIZD ŚMIERCI

Ten niesamowity i jednocześnie przerażający instrument muzyczny pojawił się w kulturze starożytnych Azteków, a jego głównym celem było zastraszenie. Te gwizdki często miały kształt czaszki, wykonanej z gliny, kości, kamienia, a nawet jadeitu. Ich kształt oznaczał, że ktokolwiek usłyszał ich dźwięk, doświadczył strachu. Kiedy w niego wdmuchnięto, wydał straszny, wrzeszczący dźwięk.

Gwizdki śmierci były szeroko stosowane podczas ceremonii poświęconych bogu wiatru Ehecatlowi i Mictlantecuhtli (władcy podziemia). Azteccy kapłani używali tych gwizdków podczas rytuałów obejmujących składanie ofiar z ludzi i wierzyli, że dźwięk gwizdków poprowadzi duszę ofiary do innego świata i przebłaga bogów. Gwizdki te można również wykorzystać w rytuałach leczniczych lub na wojnie, aby zastraszyć wroga w momencie ataku.