Od końca lat 80. jego „falstart” trwał 19 lat rekord aukcji ceny za twórczość żyjącego artysty, a dziś jest on najwyższy drogie malowanieżywy mistrz, sprzedany w transakcji prywatnej. Dlaczego nie porozmawiać o autorze?
W rankingu aukcyjnym żyjących artystów zajmuje trzecie miejsce, a w rankingu aukcyjnym żyjących malarzy, gdybyśmy mieli go zestawiać, wyprzedziłby go jedynie Niemca Gerharda Richtera (Jeff Koons jest przecież bardziej rzeźbiarzem ). Nazywa się Jasper Johns i urodził się 15 maja 1930 roku w Augusta w stanie Georgia.
Niewiele wiadomo o dzieciństwie Jonesa. Jego rodzice rozwiedli się, gdy był bardzo młody i całe dzieciństwo spędził podróżując po Południowej Karolinie, pomiędzy domem matki w Kolumbii a Allendale, gdzie mieszkali jego dziadkowie i zajmowali się głównie jego wychowaniem. Sam Jones wspomina Allendale jako miejsce, „gdzie nie było artystów i sztuki”. Przyszły zawód Jones dokonał wyboru w wieku pięciu lat i następnie ściśle się go trzymał. Po ukończeniu szkoły w miejscowości Sumter wstąpił na Wydział Sztuki Uniwersytetu Południowej Karoliny w Kolumbii. Po pierwszych trzech semestrach nauczyciel plastyki przekonał go do kontynuowania nauki w Nowym Jorku; Posłuchawszy rady, w 1948 roku udał się tam 18-letni Jasper Johns.
Początkowo brał udział w wielu wystawach, a w 1949 roku nawet przez jeden semestr studiował w Parson School of Design. Jednak już w 1950 roku (według innych źródeł w 1951) Jones zaciągnął się do wojska (Stany Zjednoczone były wówczas zaangażowane w wojnę koreańską, a powszechne nastroje patriotyczne ogarnęły dużą część społeczeństwa) i służył przez dwa lata, najpierw w bazę w Południowej Karolinie, następnie w mieście Sendai w Japonii.
W 1953 roku Jones wrócił do Nowego Jorku i ponownie zajął się sztuką. W Nowym Jorku szybko dołączył do czołowych środowisk artystycznych i z większością nawiązał znajomości wybitnych przedstawicieli różne rodzaje sztuka. Do jego najbliższych przyjaciół należeli artysta Robert Rauschenberg, kompozytor John Cage, choreograf Merce Cunningham i inni.Jego przyjaźń z Rauschenbergiem okazała się długa i owocna. Ciągnął ku sobie i zaszczepił w Jonesie zainteresowanie abstrakcyjnym ekspresjonizmem, minimalizmem, Sztuka konceptualna i pop-artu. Jonesowi udało się pracować we wszystkich tych kierunkach, a w ciągu 8 lat, kiedy on i Rauschenberg dzielili studio, nawet kilka wspólne projekty jak dekorowanie okna Tiffany'ego.
Próbując swoich sił w niemal wszystkich najnowszych ruchach artystycznych Nowego Jorku, Jones nigdy nie przestał szukać nowych pomysłów i środków wyrazu. Na początku lat pięćdziesiątych udał się do Filadelfii, aby zapoznać się z twórczością Marcela Duchampa. Idea Ready Made – wykorzystanie gotowych przedmiotów, często niezwiązanych ze sztuką, jako rzeczywistych dzieł sztuki lub ich części – zainteresowała Jonesa i stała się kolejnym jego własnym elementem język artystyczny artysta. Jones stworzył później scenografię do filmu Merce Cunningham Walkaround Time (1968) na podstawie Wielkiego szkła Duchampa, które zobaczył w Muzeum w Filadelfii.
Jonesowi bliska jest idea połączenia codzienności i wieczności. W jego wczesnych pracach gołym okiem widać proces przemiany zwykłej rzeczy w dzieło sztuki – przejście z naszego świata do świata „po drugiej stronie płótna”. Szeroko wykorzystuje technikę kolażu, tworząc obraz z jednej strony figuratywny, z drugiej abstrakcyjny. Jak słusznie zauważył jeden z krytyków sztuki, przedstawia coś konkretnego, znanego widzowi ze swoich zarysów, ale nieistniejącego w prawdziwy świat, ponieważ cyfra lub litera, flaga lub mapa to pojęcia podwójne. Pod koniec lat 50. w jego twórczości czyste abstrakcje („Mieszanka”, „Fałszywy start” itp.) współistnieją z pseudoabstrakcjami, tj. realistyczne obrazy obiekty - symbole pojęć abstrakcyjnych (na przykład flaga lub liczba).
Ogólnie rzecz biorąc, flaga jest jednym z głównych obrazów w twórczości Jonesa. Liczne „flagi”, namalowane w połowie lat 50. – na początku lat 60., dziś uważane są za szczyt twórczości artysty i zaliczane są do jego najważniejszych dzieł. Cykl rozpoczął się od wielkoformatowego płótna „Flaga” (1954–1955). To zdjęcie przedstawia dokładna kopia jedną stronę amerykańskiej flagi, a jeśli to płótno zostanie zdjęte z noszy i przymocowane na przykład do ściany, wówczas z powodzeniem można je wykorzystać jako flagę. Rezultatem będzie, że tak powiem, gotowy produkt na odwrót – dzieło stanie się przedmiotem obdarzonym właściwościami nie mającymi nic wspólnego ze światem sztuki. Artysta dystansuje się w ten sposób od przedmiotu, sprowadzając jego obraz do poziomu absolutu: w dziele nie ma nic z osobowości autora, jego pogląd nie wyraża się nawet w perspektywie, jest tylko przedmiot – symbol idei . Obraz ten jest dziełem malarza tylko w takim stopniu, w jakim został namalowany techniką olejną na płótnie. Kontynuacją serii była Flaga monochromatyczna (1955), dostępna w wersji białej, czerwonej i niebieskiej, a w 1958 Jones stworzył Three Flags, w którym nałożył na siebie trzy identyczne obrazy o różnej skali. „Kiedyś śniło mi się, że rysuję amerykańską flagę, a kiedy się obudziłem, zrobiłem to” – powiedział Jones w wywiadzie. „Namalowałem najpierw jedną, potem drugą i tak powstała seria…” Jones zaczął malować flagi niemal natychmiast po powrocie z wojska. Być może zwrócił się do tego tematu pod wpływem swojego życie armii, i wtedy sytuacja polityczna w kraju, który zachęca Amerykanów do popisywania się stanowisko obywatelskie i uczucia patriotyczne. A może fakt, że własny nadane imię Jones otrzymał na cześć bohatera amerykańskiej wojny o niepodległość (1775-1783), żołnierza Williama Jaspera, który podniósł amerykańską flagę nad Fortem Sullivan (przynajmniej taka wersja istnieje). Tak czy inaczej, to właśnie obrazy amerykańskiej flagi uczyniły Jonesa sławą w sztuce i przyniosły mu popularność.
W 1958 roku do pracowni Rauschenberga przybył słynny właściciel galerii Leo Castelli. Urzeczony twórczością 28-letniego Jonesa, jakiś czas później załatwił sobie wówczas niemalże nieznany artysta wystawa osobista. Z kolei Alfred Barr, dyrektor nowojorskiej MOMA, zobaczył ją z kolei i zorganizował wystawę Jonesa w swoim muzeum. Wystawa w MOMA wywołała prawdziwą sensację, o artyście mówiło się w całym kraju, a potem na całym świecie.
Flagi, karty, cele, cyfry i litery przez długi czas pozostały głównymi tematami Jonesa, niezależnie od techniki, z jaką pracował. Jones przez pewien czas przeszedł z malarstwa na litografię, eksperymentując z maksymalnym spłaszczeniem figur, uproszczeniem form i nałożeniem ich na siebie - na przykład w jednej z prac przedstawił wszystkie 9 liczb jedna na drugiej. Co zaskakujące, Jones się nie powtórzył, a eksperymenty te są interesujące właśnie ze względu na ich różnorodność. kreatywne pomysły z ograniczoną liczbą obiektów.
W połowie lat 60. Jasper Johns zajął się rzeźbą. Co ciekawe, zmienił się rodzaj sztuki, ale zasada się nie zmieniła: artysta z fotograficzną precyzją przedstawia przedmioty codziennego użytku, „wciągając” je w świat sztuki, nie zmieniając jednak niczego w nich. Przedmiotami może być wszystko – od puszki z zupą, przez żarówkę, aż po szczoteczkę do zębów, jednak zawsze są one wykonane z niezwykłą precyzją i z materiałów tradycyjnych dla rzeźby – np. brązu.
W 1967 roku Jones próbował swoich sił grafika książkowa ilustrujący publikację swojego przyjaciela, poety Franka Ohary, a kilka lat później zaprojektował książkę innego przyjaciela, pisarza Samuela Becketa.
W latach 80. zmienił się jego styl i ton obrazy: uspokoiły się - praktycznie zniknęły z nich kontrastujące kolory, ostry rytm i dynamika, pojawiła się tendencja do monochromatyczności, a nawet pewnego rodzaju sentymentalizmu.
Dziś Jones mieszka w Connecticut w dawnym gospodarstwie.
Jest uznanym klasykiem abstrakcyjnego ekspresjonizmu, zdobywcą wielu światowych nagród w dziedzinie sztuki: od Grand Prix Biennale w Wenecji (1988) po Cesarską Nagrodę Japonii (nagrody przyznawane artystom „za osiągnięcia, międzynarodowy wpływ, jaki wywierają swoją sztuką wzbogacili duchowo całą wspólnotę światową”), którą otrzymał w 1993 roku. W 2011 roku artysta został odznaczony Prezydenckim Medalem Wolności, przyznawanym za zasługi dla bezpieczeństwa i obronności interesy narodowe USA, publiczne i życie kulturalne USA i świat (w 1985 roku medal ten otrzymała Matka Teresa).
Obecnie artysta nie jest aktywny działania społeczne. Jego nazwisko pojawia się obecnie najczęściej albo na aukcjach, albo w skandalicznych publikacjach na jego temat znane prace. Tak więc w lutym 2013 roku okazało się, że miliarder Henry Kravis złożył pozew przeciwko kolekcjonerowi Donaldowi Bryantowi Jr. Kością niezgody był tryptyk Jonesa „Tantric Detail”, który kupili w 2008 roku od artysty pod warunkiem przekazania dzieła do MoMA. Kravis oskarżył Bryanta Jr. o to, że wbrew wszelkim umowom zdecydował się zachować tryptyk dla siebie. A kilka miesięcy temu, w połowie sierpnia, prokuratura Południowego Okręgu Nowego Jorku oskarżyła praktykanta-artystę Jamesa Mayera o kradzież jego obrazów. Według prokuratury Mayer ukradł 22 niedokończone obrazy Jonesa, które przekazał mu na przechowanie, a następnie jako ich właściciel sprzedał je w ciągu ostatnich 6 lat. Najwyraźniej będąc blisko dzieł artysty, trudno nie ulec pokusie i skorzystać z ciągle rosnącego popytu i cen na jego obrazy.
Potencjał inwestycyjny Jonesa jest tak duży, że nawet kryzys 2008 roku i ogólny spadek rynku najwyraźniej nie miały praktycznie żadnego wpływu na dynamikę sprzedaży jego dzieł. W sumie na aukcjach publicznych pojawiły się one ponad 2300 razy, w tym ponad 2000 grafik edycyjnych, 79 razy wystawiano jego obrazy, 60 oryginalnych grafik i 60 rzeźb.
Obecna rekordowa cena za dzieło Jonesa wynosi 28,6 miliona dolarów. Tyle zapłacili za jego słynną „Flagę” w Christie's 11 maja 2010 roku. Drugi wynik pokazano na przedkryzysowej aukcji z 2007 roku Dom Aukcyjny Christie’s: za płótno „Numer 4” z 1959 r. kupujący zapłacił 17,4 mln dolarów. Ale najbardziej ciekawa historia w tej trójce jest oczywiście związane z obrazem, który znajduje się obecnie na trzecim miejscu na liście najdroższych dzieł sprzedanych na publicznych aukcjach. Tak więc 10 listopada 1988 r. (!) w Sotheby’s sprzedano bardzo jasne i dekoracyjne płótno „Fałszywy start” namalowane przez Jonesa w 1959 r. za 17 milionów dolarów. Postać tę natychmiast nazwano niedostępną dla żyjącego artysty i rzeczywiście tak się okazało: to Aukcja rekord utrzymywał się przez 19 lat. Co ciekawe, rekordzista Jaspera Johnsa nie miał charakteru ciągłego. W 1989 r. został przelicytowany pracą swojego kolegi Willema de Kooninga (20,7 mln dolarów), jednak 8 lat później, w 1997 r., de Kooning zmarł, a „Fałsz start” Jonesa ponownie zajął pierwsze miejsce w rankingu cen aukcyjnych dzieł przez żyjących artystów. Prawie 10 lat - do 2007 roku. W 2006 roku sprzedano ten sam „falstart”. w prywatnej transakcji za 80 milionów dolarów. A teraz to właściwie najwięcej drogi kawałekżywy artysta. (Według plotek wartą 100 milionów dolarów „czaszkę” Hursta kupił sam autor, a wynik „Fałszywego startu” jest bezdyskusyjny).
Czy jest dużo? współcześni artyści cieszą się dużą popularnością wśród kolekcjonerów, sprzedają swoje dzieła za bajeczne sumy, a jednocześnie udało im się wprowadzić i utrwalić swój własny styl w świecie sztuki? Rzeczywistość jest taka, że większość genialnych i niesamowitych rzeczy powstała wiele lat (a nawet stuleci) wcześniej.
Niemniej jednak nasze czasy nie są pozbawione zasłużonych, cenionych mistrzów, wśród których jasno świeci gwiazda geniuszu pop-artu Jaspera Johnsa. Opinie na temat jego talentu są sprzeczne, ale jednego nie można zaprzeczyć – to prawdziwy klasyk i najdroższy żyjący artysta.
Historia Jaspera Johnsa w niewielkim stopniu przypomina losy większości jego współczesnych. Artysta urodził się 15 maja 1930 roku w Augusta w stanie Georgia, USA. Później przeniósł się do małego miasteczka w Południowej Karolinie, gdzie mieszkał do osiemnastych urodzin. W rodzinie Jonesa nie było malarzy ani rzeźbiarzy, a miejsce, w którym się wychował, nie miało nic wspólnego ze sztuką. Można powiedzieć, że do 1948 roku Jasper Johns nawet nie wiedział, co to jest. Mistrz rozpoczął swoją drogę do sławy po przeprowadzce do Nowego Jorku, gdzie spotkał się z osobami, które przekazały mu bogatą wiedzę i wizję sztuki, a także pomogły mu w kształtowaniu własnych pomysłów.
Ale Punkt wyjścia Cechą charakterystyczną Jonesa w kreowaniu własnego stylu była znajomość twórczości jednego z założycieli ruchu Ready Made, który przedstawiał przedmioty gospodarstwa domowego pochodzące z recyklingu jako dzieła sztuki bez żadnych specjalnych zmian. Tak otrzymali nowe życie i miało zupełnie inne znaczenie. Twórczość Duchampa stała się inspiracją dla serii dzieł odlanych z brązu, stworzonych przez Jonesa na przełomie lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku. Następnie Jasper Johns zaprzyjaźnił się z właścicielem galerii Leo Castellim najsłynniejszy pop-art artysta Andy Warhol.
W twórczości Jonesa istnieje szereg dzieł, które z łatwością można nazwać najważniejszymi dla mistrza. Powstała w drugiej połowie lat pięćdziesiątych XX wieku i nosi nazwę „Flaga”. Artystka opowiadała o niej później tak:
„Pewnego dnia śniło mi się, że rysuję amerykańską flagę, a kiedy się obudziłem, zrobiłem to. Najpierw narysowałam jedno, potem drugie i tak powstała seria…”
Wszystkie prace z tej serii są tak duże, że przytłaczają stojący w pobliżu widz. Obrazy na płótnach są znane każdemu i prawie takie same: amerykańska flaga jest całkowicie identyczna z oryginałem w swojej strukturze, przedstawiona w różnych interpretacjach kolorystycznych lub ilościowych. Krytyka tych dzieł była niejednoznaczna: jedni podziwiali patriotyzm artysty, inni widzieli w nich odrzucenie Polityka publiczna. Sam Jasper wypowiadał się na ten temat bardzo wymijająco i mówił o próbie zwrócenia uwagi na prawdę Wartości amerykańskie, potrzebę ich zachowania i zwiększania.
Flagi zostały zastąpione gigantycznymi „Liczbami”, a po nich aktywnie wykorzystywano takie proste i znane obrazy, jak cele, litery i karty. Wszystkie prace Jonesa są wykonane bujnie i malowniczo. Mistrz często malował swoje prace dużymi, wyrazistymi pociągnięciami, aby wyraźniej wskazać przynależność obrazu do sztuki. Oprócz pociągnięć pędzlem charakteryzuje się zastosowaniem enkaustyki (technika malowanie woskiem) i ulgę. Do najbardziej uderzających obrazów Jonesa należą „Mapa”, „Cel” i „0 do 9”.
Jaspera Johnsa pociągało nie tylko malarstwo, ale także rzeźba. Cechą wspólną wszystkich jego dzieł jest to, że są odlane z brązu i przedstawiają przedmioty codziennego użytku.
„Źródłem inspiracji” dla mistrza była żarówka, Szczoteczka do zębów i latarkę elektryczną. Jednak najpopularniejszą rzeźbą są „Dwie puszki”, które przedstawiają dwie brązowe puszki po piwie.
Jasper nigdy nie próbował przedstawiać się jako wielkiego filozofa, oddając w swoich dziełach świętość istnienia. Rejestrował życie takie, jakie widzi na co dzień zdecydowana większość ludzi.
Jones wierzył, że nie ma nic bardziej żywego i prawdziwego niż przedmioty, które zawsze mamy przed oczami. Jego twórczość sprawia, że widz ze zdziwieniem spogląda na coś, czego nigdy nie postrzegał jako coś bliskiego sztuce. Ale przyglądają się uważnie i nawet znajdują nieoczekiwany podtekst!
Podejście Jonesa do sztuki zdobyło ogromną publiczność i zapewniło mistrzowi Światowa sława i uznanie. Jego obraz „Biała flaga” został sprzedany za ponad 20 milionów dolarów, co jest dalekie od jego najwyższego wynagrodzenia, bo za „Flagę” zarobił 110 milionów.
Dziś Jasper Johns jest najdroższym żyjącym artystą. Udowodnił, że sztuka to nie tylko elitarne, ospałe obrazy. Dla niego jest w każdym przedmiocie stworzonym przez człowieka.
Nowe od nieznanego dla rosyjskiego widza kobieta reżyserka. Chociaż kino australijskie w ogóle nie cieszy się w naszym kraju szczególnym zainteresowaniem, dlatego wiele premier nas omija.
W tej historii czternastoletni chłopiec Charles żyje swoim życiem beztroskie życie, gdy nagle w nocy pewien ciemnoskóry Jasper, który nie jest zbyt znany w miasteczku z pozytywnych wrażeń, zwraca się do niego o pomoc. Jasper zabiera Charlesa nad brzeg jeziora niedaleko jego domu i pokazuje mu zwłoki młodej dziewczyny, z którą miał romans. romantyczny związek. Jasper prosi faceta, aby pomógł mu ukryć ciało i samodzielnie odnaleźć zabójcę, ponieważ jeśli policja odkryje ciało, aresztuje Jaspera bez dalszego namysłu, ponieważ akcja rozgrywa się w czasie, gdy temat rasizmu jest dość istotny.
Fabuła może się oczywiście wydawać dziwna, ale zdradzę więcej, że najdziwniejsze dopiero przed nami, więc śmiało można dać filmowi piątkę za oryginalność. Od razu chcę zaznaczyć, że jest to dalekie od ideału Film dla dzieci a pytania postawione w filmie też wcale nie są za młody widz. Temat rasizmu, przemocy w rodzinie, zdrady, okrucieństwa i wielu innych rzeczy, z którymi będzie musiał się zmierzyć główny bohater. Skromny, ale mądry chłopak pewnie rozwiązuje problemy i znajduje wyjście z raczej trudne sytuacje, więc ogląda się bardzo ciekawie, bo trudno przewidzieć zakończenie filmu, ale będzie mocne. Dzięki zwroty akcji Trudno oderwać się od ekranu, gdyż produkcja reżysera, aktorzy i przyjemna muzyka odbierane są bardzo dobrze wysoki poziom. Można przypuszczać, że na naszych oczach mija dzieciństwo bohaterów, kiedy byli jeszcze małymi zielonymi dzieciakami, dyskutującymi o superbohaterach z komiksów, a tutaj są od razu dorosłymi ludźmi z kupą dorosłych problemów. Film zawiera nagrania dzieci pijących alkohol, widzących śmierć, a wiele z nich musi robić niebezpieczne rzeczy, więc jest to wciąż skomplikowana, dorosła kreacja dla prawdziwych koneserów kina wysokiej jakości.
O aktorach można długo opowiadać, ale powiem tylko, że wszyscy byli po prostu wspaniali. Każdy aktor pokazał w pełni swoją postać. W kadrze każdy wygląda inaczej pod względem obrazu i silnych postaci w swoich cechach. Miło na nich patrzeć, miło ich słuchać, martwić się i martwić o nich, bo aktorzy wyglądają naturalnie i różnorodnie.
Film naprawdę warto zobaczyć, gdyż recenzje krytyków są dobre, ocena na IMDb: 8,00 (jeśli ktoś zwraca uwagę). Ale ogólnie rzecz biorąc, ma to charakter informacyjny dramatyczna historia o przyjaźni, rodzinie i oczywiście o miłości.
Miłego oglądania.
Jaspera Johnsa(Język angielski) Jaspera Johnsa, R. 1930) to amerykański artysta tworzący w gatunkach pop-artu. Autor obrazu "Flaga".
Biografia, twórczość
Jaspera Johnsa urodzony w Augusta (Georgia, USA) 15 maja 1930 r. Wkrótce jego rodzice rozwiedli się, a dziecko wraz z matką przeprowadziło się do Południowej Karoliny, gdzie spędził bardzo swojego dzieciństwa. Mieszkał na przemian w mieście Columbia, gdzie mieszkała jego matka, oraz w Allendale, u dziadków. Choć Jones, jak sam przyznaje, w Karolinie Południowej nie było wówczas artystów, on sam zaczął malować dość wcześnie. W 1947 Jones wstąpił na Wydział Sztuki Uniwersytetu Karoliny Południowej, skąd jednak po trzech semestrach opuścił szkołę w 1948 i przeniósł się do Nowego Jorku.
W Nowym Jorku Jasper Johns przez jeden semestr uczęszczał do Parson School of Design i aktywnie uczestniczył w różnych wystawach, ale w 1950 roku zaciągnął się do armii amerykańskiej i służył przez dwa lata, najpierw w bazie w Południowej Karolinie, a następnie w mieście Sendai w Japonii (jego staż pracy liczony był w latach wojna koreańska). Po zwolnieniu Jones wrócił do Nowego Jorku, gdzie poznał i wkrótce zaczął mieszkać z Robertem Rauschenbergiem, który wywarł na niego znaczący wpływ i przedstawił go innym przedstawicielom ówczesnej współczesnej sztuki amerykańskiej, m.in. galeryście Leo Castelliemu i Alfredowi Barrowi. (wówczas dyrektor Muzeum Sztuki Nowoczesnej).
Nazwisko Jaspera Johnsa najczęściej kojarzone jest z jego wczesną twórczością z drugiej połowy lat pięćdziesiątych. W sposób wczesny okres Twórczość artysty można ograniczyć do okresu od 1954 do 1961 roku, kiedy mieszkał ze swoim chłopakiem Robertem Rauschenbergiem. Prawdopodobnie najsłynniejszy obraz Jonesa dla ogółu społeczeństwa "Flaga" powstał właśnie w tym czasie, w 1955 roku. Praca ta wywołała wiele kontrowersji. Było to interpretowane przez większość na różne sposoby, widząc w tym zarówno przejaw amerykańskiego „imperializmu”, jak i wręcz przeciwnie, brak szacunku dla własnego kraju. Alfred Barr zdecydował się na zakup Flagi wystawa stała, ale bała się oskarżenia o niepatriotyzm, dlatego cały proces zakupu przeprowadziła przez pośrednika, który następnie przekazał obraz do muzeum. Ówcześni krytycy sztuki również postrzegali twórczość Jonesa jako zdecydowaną wypowiedź polityczną. I tak na przykład Robert Rosenblum stawia pytanie dokładnie w ten sposób: „czy to świętokradztwo, czy cześć?” i nazywa ten obraz „bluźnierczym i lekceważącym”. Jednak sam artysta twierdził, że widział we śnie, jak maluje flagę USA, a potem budząc się, zaczął pracować.
Motyw amerykańskiej flagi Jones podejmował w wielu innych pracach powstałych w tym okresie. Można tu uwzględnić najbardziej znaczące dzieła "Biała flaga"(1955) i „Trzy flagi” (1958).
W kolejnych latach kontrowersje wokół tej twórczości Jonesa nie ucichły, lecz wyszły poza dyskusję na temat poziomu patriotyzmu artysty. Rozważając „Flagę” w kontekście sztuki XX wieku i próbując określić jej rolę dla różnych ruchów artystycznych, ten obrazek zaczęto uważać za jeden z pierwszych przykładów pop-artu. Jaspera Johnsa można zatem uznać za artystę, który w pewnym sensie utorował drogę Andy’emu Warholowi i całemu amerykańskiemu pop-artowi lat 60. Ponadto „Flaga” zaczęła powstawać już w 1954 roku, czyli jeszcze wcześniej niż kolaż Richarda Hamiltona „Co sprawia, że nasze domy są dziś tak różne, tak atrakcyjne?” (1956), który z kolei tradycyjnie uważany jest za jedno z pierwszych dzieł gatunku pop-art w Wielkiej Brytanii.
Z drugiej strony „Flagę” Jaspera Johnsa można uznać za pewną kontynuację idei Marcela Duchampa i jego Ready-Made. W rzeczywistości flagę Jonesa można przenieść bez zmian na materiał bardziej znany flagom i używać dokładnie jako flagi, tj. wywieś go za okno, idź na stadion itp. To. otrzymujemy coś w rodzaju „gotowego na odwrót”, kiedy dzieło sztuki może bez żadnych przeróbek służyć jako banalny przedmiot gospodarstwa domowego. Flaga USA to jeden z najbardziej rozpoznawalnych, a co za tym idzie najbardziej banalnych symboli itp. zwracanie się ku niemu jest wciąż tym samym zwracaniem się do przedmiotów codziennego użytku. „Zabawa” przedmiotem, symbolem, stworzenie dzieła sztuki z podpisem artysty – to wszystko jest charakterystyczne dla Dadaizmu i dlatego twórczość Jaspera Johnsa można przypisać tzw. neodada. Warto jednak zaznaczyć, że samo to określenie zaproponowała Barbara Rose właśnie dla scharakteryzowania twórczości Jonesa i Rauschenberga, a sam artysta mówiąc o pojęciu „przedmiotu” zauważył, że „samo pojęcie przedmiotu jest wątpliwe . Płótno jest przedmiotem, farba jest przedmiotem, a przedmiot jest przedmiotem. Skoro płótno ma mieć jakieś znaczenie przestrzenne, to przedmiot namalowany na płótnie może otrzymać to samo znaczenie.”
Oprócz wszystkich powyższych, „Flagę” można również rozpatrywać w kontekście przezwyciężenia abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Jednocześnie sam Jasper Johns był najmniej zaangażowany w walkę z panującym wówczas trendem, ale jego malarstwo nadal można zaliczyć do figuratywnych i zaczął on „mnożyć” symbole (choć pojęcie symulakrum trudno w pełni zastosować tutaj), natomiast sama historia ze snem i wyraziste pociągnięcia przypominają wizerunek artysty, typowy dla abstrakcyjnego ekspresjonisty itp. Jasper Johns ponownie staje się swoistym „łącznikiem” pomiędzy, relatywnie rzecz biorąc, takimi postaciami sztuki amerykańskiej, jak Pollock i Warhol.
Oprócz flagi Jasper Johns pracował także z wieloma innymi symbolami. Na przykład jest właścicielem serii prac z obrazami liczb w różnych odmianach („Szare liczby”, „od 0 do 9”, „0-9” itp.), A także wiele obrazów map USA i różne typy celów. Wszystkie te symbole są częścią zwykłego świata, ale w Życie codzienne przeciętny człowiek ma tendencję do ignorowania ich formy, zwracając uwagę jedynie na to, co „znaczą” w różnych kombinacjach. Niezwykle rzadko kwestionuje się znaczenie pojedynczej cyfry czy litery, równie rzadko mówi się o samym kształcie flagi czy mapy. Jones najwyraźniej ignoruje kwestie związane ze sposobem, w jaki poszczególne litery lub cyfry oddziałują na siebie, tworząc język i znaczenie. W jego wczesna praca„Szare liczby” na przykład oddaje całą przestrzeń płótna siatce wypełnionej liczbami. Liczby są rysowane na szablonie, każda w osobnej komórce na całym obrazie, z wyjątkiem lewego górnego prostokąta. Ułożone są w określonej kolejności, jednak to nie znaczenie każdej liczby przyciąga uwagę, ale kształt, struktura i porządek, który tworzy sam artysta.
W połowie lat 60. Jasper Johns zajął się rzeźbą. Tutaj także nie sposób nie wspomnieć po raz kolejny o konfrontacji abstrakcyjnego ekspresjonizmu z pop-artem. Faktem jest, że jeden z najbardziej słynne rzeźby– dwie puszki po piwie („Puszki Ale”, 1964) – artysta wykonał w odpowiedzi na zjadliwą uwagę Willema de Kooninga na temat działalność zawodowa właściciel galerii Leo Castelli, co sprowadza się do tego, że ten ostatni kupi nawet puszki po piwie, jeśli powie się, że to pop-art.
Rzeźby Jaspera Johnsa przedstawiają głównie przedmioty codziennego użytku (latarki, żarówki, puszki po piwie) wykonane z brązu. O obciążenie semantyczne Z tych prac można powiedzieć wszystko, co napisano już o „Fladze” i innych dziełach Jonesa. Tutaj widzimy grę z artykuły gospodarstwa domowego, powrót od abstrakcjonizmu do sztuki figuratywnej, swoisty przekaz dla widza zmęczonego niezrozumiałymi abstrakcjami, sprowadzający się do tego, że jeśli nie potrzeba niezrozumiałych fantazyjnych „wzorów”, to można podziwiać znane każdemu przedmioty, na przykład puste puszki po piwie. Nieco wyróżnia się rzeźba „Oko krytyka” (1964). ta praca stanowi metaforę twórczości krytyka sztuki.
W latach 80. Jones zaczął tworzyć kolaże, których tematyka poruszała także problem treści semantycznych znanych symboli i znaków, które grupują się w życiu przeciętnego człowieka, niemających żadnego „prawdziwego” początkowego wspólnego mianownika poza bezpośrednio dla osoby, w której głowie wszystkie one mają jakieś znaczenie i coś znaczą. Wyrwane z ogólnego dyskursu kulturowego, różne znaki spotykają się na nowo Prywatność osobę i oczywiście zaczynamy w niej coś znaczyć, ale jednocześnie mowę to już trwa nie o oryginalne przedmioty czy nawet idee, ale o symulakry - kopie bez oryginału.
Po ostatecznym zerwaniu z Rauschenbergiem Jasper Johns zaczął coraz bardziej dążyć do samotności. Od lat 90. prawie nie udziela wywiadów, ale nadal utrzymuje kontakt z kilkoma wybranymi postaciami ze świata sztuki i od czasu do czasu wystawia swoje nowe prace. W sierpniu 2013 roku Jasper Johns ponownie trafił na pierwsze strony gazet po tym, jak jego asystent James Mayer, który pracował dla niego od 1988 do 2012 roku, został oskarżony o kradzież w połowie ukończonych obrazów mistrza na łączną kwotę sześciu i pół miliona dolarów. Sam Jones zakazał sprzedaży tych dzieł, ale Meyer uciekł z 22 pracami ze pracowni artysty w Sharon w stanie Connecticut, aby sprzedać je za pośrednictwem niezidentyfikowanej osoby w galerii w Nowym Jorku, twierdząc, że wszystkie były prezentami od Jonesa. Jones nie chciał komentować kradzieży, ale wkrótce po odkryciu zaginionych dzieł skontaktował się z policją.
Jasper Johns obecnie dzieli swój czas pomiędzy studia w Sharon w stanie Connecticut, dokąd przeprowadził się w latach 90., oraz swoje studio przy St. Martin.
14 sierpnia James Mayer, były asystent Amerykański artysta Jasper Johns, który współpracował z nim przez ponad 25 lat, został aresztowany pod zarzutem kradzieży 22 jego obrazów. Wszystkie skradzione obrazy zostały sprzedane. Całkowity dochód ze sprzedaży wyniósł około 6,5 miliona dolarów, z czego 3,4 miliona dolarów trafiło do Mayera. 15 sierpnia postawiono mu zarzuty oszustwa i międzystanowego transportu skradzionego mienia. Łączna kara więzienia za oba przestępstwa może wynosić do 30 lat.
6,5 miliona za 22 obrazy, z których część okazała się niedokończona, to kwota bardzo mała, jeśli mówimy o o obrazach Jaspera Johnsa, wielokrotnie uznanego za najdroższego żyjącego artystę. W 1980 roku nowojorska MoMA kupiła od artysty Three Flags za milion dolarów, co było wówczas najwyższą ceną, jaką kiedykolwiek zapłacono za obraz żyjącego artysty. Jones później kilkakrotnie pobił na aukcjach własny rekord. Na przykład, gdy Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku zapłaciło w 1998 roku za jego pracę „Biała flaga” około 20 milionów dolarów, albo gdy jego najsłynniejsze dzieło „Flaga” zostało sprzedane na aukcji w 2010 roku za 28,6 miliona dolarów.
Flagi w twórczości Jonesa stały się nie tylko pewnym sposobem na zarabianie pieniędzy, ale także wizytówka. Jones stworzył trzy dzieła, które okazały się istotne dla jego twórczości od 1954 do 1958 roku, inspirowane ideami Marcela Duchampa: „Flaga” (1954), „Biała flaga” (1955) i „Trzy flagi” (1958). ). W 1960 roku artysta odlał w brązie swoją słynną „Flagę”. Później powstało około czterdziestu prac w cyklu z flagami. Użycie tak ważnego dla Amerykanów symbolu wywołało liczne dyskusje na temat znaczeń zawartych w dziele. Podczas gdy krytycy debatowali, czy Jasper Johns traktuje Gwiazdy i Paski z szacunkiem, artysta stwierdził, że interesują go przede wszystkim same gwiazdy i paski, czyli geometria flagi jako przedmiotu. „Niektórzy mówią, że namalowaną przeze mnie flagę należy traktować jedynie jako obraz, inni, że obraz należy traktować jako flagę. Właściwie miałem na myśli jedno i drugie, więc nie musisz wybierać” – powiedział Jones w wywiadzie w 1960 roku. Oprócz flag artysta stworzył najwięcej obiektów różne techniki- od rzeźby po malarstwo reliefowe i malarstwo enkaustyczne (czyli malowanie gorącym woskiem), zwrócone w stronę różnorodnej symboliki Kultura popularna.
Zdjęcie: Sten Rosenlund / REX / FOTODOM.RU
Jasper Johns to znacząca postać dla powojennej sztuki drugiej połowy XX wieku. Zaczynając pracować u szczytu popularności abstrakcyjnego ekspresjonizmu, próbował swoich sił w neodadaizmie, pop-artie i konceptualizmie. Ale nieważne co ruch artystyczny bez względu na to, jak przypisywano prace Jonesa, zawsze były sprzedawane po Wielki sukces. Sam tytuł drogi artyście dostał to nie bez udziału z zewnątrz: w dużej mierze ułatwiła mu to znajomość ze słynnym właścicielem galerii i handlarzem dziełami sztuki Leo Castellim. Castelli zobaczył prace 28-letniego Jonesa w pracowni Roberta Rauschenberga w 1958 roku i był pod ogromnym wrażeniem kreatywności młody artysta, która zaprosiła go do zorganizowania osobistej wystawy. Castelli, znany ze swojego talentu i zmysłu biznesowego, wprowadził Roberta Rauschenberga i Roya Lichtensteina na światowy rynek sztuki – nic dziwnego, że sprzedaż Jonesa zaczęła rosnąć od końca lat pięćdziesiątych.
Kiedy 22-letni początkujący artysta James Mayer po raz pierwszy zapukał do drzwi studia Johnsa przy John's Houston Street w 1984 roku, nie miał pojęcia, z kim ma do czynienia. Według niego ówczesna wiedza Mayera na temat historii sztuki skończyła się gdzieś na impresjonistach. Młody artysta zaspokoił swoje ambicje, malując niekończące się kopie Van Gogha i Matisse'a dla sieci Beefsteak Charlie's za 6 dolarów za godzinę. Przyjaciel poradził Mayerowi, aby rozpoczął karierę w świecie sztuki, pomagając niektórym słynny mistrz. Bez zastanowienia sporządził listę artystów wraz z numerami telefonów i adresami, włożył formalny garnitur, włożył do teczki kilka przykładów swoich prac i życiorysów i zaczął chodzić po nowojorskich studiach niczym podróżujący sprzedawca.
W pracowni Jaspera Johnsa Mayerowi początkowo nie wpuszczono nawet na próg – zabrali jednak teczkę z jego pracami. Młody artysta był zdenerwowany i już zaczął myśleć o karierze menadżera w tym samym Beefsteak Charlie’s, ale potem postanowił wrócić po swój folder i ponownie przyszedł do studia. Tym razem drzwi otworzył sam artysta i, ku swemu zaskoczeniu, młody człowiek, zaproponował mu filiżankę kawy. Kilka godzin później przyszły mistrz i uczeń rozmawiali już o warunkach pracy.
Mayer opowiedział o swojej znajomości z Jonesem w połowie lat dziewięćdziesiątych pisarzowi Matthew Rose’owi, który recenzował młodych odnoszących sukcesy asystentów artystów dla magazynu Vogue. Tekst nie doczekał się wówczas publikacji, upubliczniony został w 2007 roku na portalu Theartblog.org. Rose w swoim materiale zauważył, jak wiele młody energiczny asystent zdołał zrobić przez kilka lat pracy z Jonesem: przeniósł swoją pracownię do bardziej prestiżowej okolicy, później zorganizował przeprowadzkę artysty do nowego, wygodnego mieszkania, wyposażonego studia w Nowym Jorku i na karaibską wyspę Saint Martin, aby mistrzowi wygodniej było na nich pracować. W obu studiach wszystko zostało zrobione absolutnie identycznie: począwszy od koloru ścian po rozmiar i markę pędzli.
Nic dziwnego, że żywy i nie pozbawiony talentu asystent cieszył się bezgranicznym zaufaniem artysty. Jones powierzył mu nawet pracę jako praktykant. Mayer czasami dodawał kilka akcentów do obrazów Jonesa; jednak według niego artysta niezmiennie je usuwał lub przepisywał. Dział asystenta obejmował całe życie jego szefa: od porządku w pracowniach po księgi rachunkowe i rachunki. Mayer wykorzystywał to w latach 2006-2012, kiedy stopniowo przewoził obrazy z pracowni artysty w Sharon w stanie Connecticut do nieznana galeria na Manhattanie, aby wykorzystać ją jako pośredniczkę w sprzedaży.
Mayer podszedł do oszustwa równie odpowiedzialnie, jak do swojej pracy. To on miał pomysły na każdy z 22 skradzionych obrazów numery inwentarza, przeprowadził spis ludności, umieścił fałszywe strony w rejestrze wszystkich dzieł Jonesa i sfotografował strony, aby wysłać je kupującym. Ponadto Mayer poświadczył notarialnie dokumenty potwierdzające, że wszystkie obrazy zostały mu przekazane w prezencie i na ich podstawie zawarł umowę sprzedaży z nienazwaną galerią na Manhattanie. Jednym z głównych warunków sprzedaży obrazów było milczenie kupujących. Wszystkie osoby, które zakupiły obrazy Jonesa w galerii, miały obowiązek nie wystawiać ani nie odsprzedawać obrazów przez osiem lat.
Nie wiadomo, dlaczego Mayer skazał swojego 83-letniego byłego szefa i nauczyciela na dokładnie 8 lat więzienia (przy czym najprawdopodobniej dopiero śmierć Jonesa mogła być powodem do rozpoczęcia otwartej sprzedaży kradzionych obrazów). Nieznane są także okoliczności, w jakich asystent artysty odszedł z pracy, w której spędził 27 lat. Jest mało prawdopodobne, aby były to pobudki twórcze: w pierwszej dekadzie XXI wieku Mayer wielokrotnie wystawiał swoje prace w nowojorskich galeriach. Ostatnia wystawa jego figuratywne rysunki tuszem powstały w galerii w Chelsea w 2011 roku. Małe zarobki również nie były prawdopodobne oficjalny powód opieka - w ostatnie lata Współpracując z artystą, Mayer aktywnie angażował się w działalność charytatywną. Przy jego udziale został nawet otwarty Szkoła Artystyczna w pobliżu jego domu w Salisbury.
Być może sam Jasper Johns mógłby opowiedzieć o okolicznościach rozstania artysty z uczniem, jednak nie chce komentować tej sytuacji. Nie podano, które prace Jonesa zostały skradzione ze studia Sharon. Wiadomo jedynie, że Mayer określił niektóre nieukończone obrazy jako ukończone, ale nie wystawione dzieła artysty. Biorąc pod uwagę początek kariery artystycznej asystenta Jonesa, można przypuszczać, że część dzieł rzeczywiście została ukończona, ale inną ręką, a część nie została napisana przez samego Jonesa. Zasłynęło, gdy w 2010 roku Brian Ramnarine, właściciel współpracującej z artystą odlewni, wykonał brązową kopię swojej „Flagi” i próbował ją sprzedać za 10 milionów dolarów. Ramnarine w przeciwieństwie do Mayera działał otwarcie, pokazując nawet swoje prace kolekcjonerom, dlatego został złapany znacznie wcześniej.
Mayer zawsze ciepło mówił o swoim panu. W późniejszym wywiadzie z tą samą Różą przed otwarciem jednej ze swoich wystaw artysta powiedział, że Jones nie tylko nauczył go wszystkiego, co wiedział techniki malarskie. „Najważniejszą rzeczą, jakiej nauczył mnie Jasper, jest dokładne przemyślenie tego, co robię, zanim to zrobię”. Wydaje się, że Mayer bardzo dobrze odrobił tę lekcję: myślał przez 27 lat, zanim okradł swojego nauczyciela.