Luigi Pirandello sei personaggi in cerca d'autore. Lorca "Nozze di sangue"

03.03.2019

Luigi Pirandello

PERSONAGGIPersonaggi di una commedia non ancora scritta

Figliastra.

Ragazzo, ragazza: entrambi non pronunciano una sola parola.

Madame Pace (persona successivamente espulsa).

Attori e dipendenti del teatro.

Anche il regista è un regista. In futuro verrà chiamato semplicemente Direttore.

Premier.

Seconda attrice.

Giovane attrice.

Giovane attore.

Altri attori e attrici.

Direttore di scena.

Operatore di scena.

Segretario del direttore.

Addetti alle luci e al palco.

L'azione si svolge di giorno, durante una prova, sul palco di un teatro.

L'opera non è divisa in atti o scene. L'azione viene interrotta per la prima volta quando il regista e il capo dei personaggi della commedia non ancora scritta vanno nel backstage per pensare alla sceneggiatura, e gli attori vanno nei loro camerini. Non viene fornita alcuna tenda. La seconda volta viene interrotto a causa del direttore di scena, che per errore abbassa il sipario.

Entrando in sala, il pubblico vedrà un sipario alzato e un palco quasi vuoto e buio... insomma, avrà l'impressione che nulla sia ancora pronto per lo spettacolo.

Due scale (una a destra, l'altra a sinistra) collegano il palco all'auditorium.

Sul proscenio, accanto al portello spalancato, è spostata di lato la cabina del suggeritore.

A lato della cabina, proprio accanto alla rampa, c'è un tavolo e una sedia da regista, con la schiena rivolta all'auditorium. Ci sono altri due tavoli nelle vicinanze: uno più grande, l'altro più piccolo, con delle sedie attorno. Tutto questo è preparato per le prove. Altre sedie possono essere viste in fondo al palco. Sono destinati agli attori che aspettano il loro turno. Ancora più lontano si vede l'angolo del pianoforte. Dopo che le luci nella sala si saranno abbassate, il Macchinista apparirà sul palco. Indossa una camicetta da lavoro blu e ha una borsa con gli attrezzi alla cintura. Il macchinista si dirigerà verso l'angolo più lontano del palco, prenderà l'attrezzatura per l'installazione della scenografia, la stenderà sul proscenio e, inginocchiandosi, inizierà a piantare i chiodi. Al suono del martello, il Direttore di Scena uscirà di corsa da dietro le quinte.

Direttore di scena. Cosa fai?

Autista. Cosa sto facendo? Lo sto capendo.

Direttore di scena. Sai che ore sono adesso? (Guarda l'orologio.) Dieci e mezzo. Il direttore arriverà da un momento all'altro e la prova avrà inizio.

Autista. Dimmi, per favore, quando dovrei lavorare?

Direttore di scena. Quando vuoi, solo non adesso.

Autista. E quando?

Direttore di scena. Certamente non durante le prove! Prendi la tua spazzatura adesso! Devo preparare il terreno per il secondo atto de Il gioco degli interessi.

L'autista, sospirando e imprecando, raccoglie lo strumento e esce di scena. Il palco inizia gradualmente a riempirsi di azione. Prima ne appare uno, poi un altro, poi due contemporaneamente, poi l'intero gruppo. Dovrebbero esserci nove o dieci persone sul palco... insomma, tante quante sono necessarie per la prova dell'opera di Pirandello "Un gioco di interessi", in programma oggi. Entrando in scena, gli attori prima si inchinano al direttore di scena, poi si salutano. Alcuni vanno in bagno; altri - e tra questi il Suggeritore, che tiene sotto il braccio il testo dell'opera arrotolato in un tubo - restano sulla scena, in attesa del Direttore. Gli altri si scambiano battute, qualcuno si accende una sigaretta, qualcuno si lamenta del ruolo assegnatogli, qualcuno legge ad alta voce brani di una rivista teatrale. È altamente auspicabile che gli attori e le attrici indossino abiti e abiti dai colori allegri e che tutta questa scena improvvisata, con tutta la sua naturalezza, proceda con un buon ritmo. Uno degli attori può anche essere seduto al pianoforte e costretto a suonare qualcosa di divertente e ballabile. Allora anche il più giovane degli attori e delle attrici potrà ballare.

Direttore di scena (batte le mani, richiamando gli attori all'ordine). Attenzione attenzione! Il signor Direttore è arrivato!

La musica e la danza si fermano all'improvviso. Gli attori si dirigono verso l'ingresso dell'auditorium, dove appare il regista. Ha una bombetta in testa, un bastone sotto il braccio e un grosso sigaro tra i denti. Cammina lungo il corridoio tra le file di sedie e, rispondendo ai saluti degli attori, sale la scala fino al palco. La segretaria gli consegna la posta: una rivista e fogli dattiloscritti.

Il 4 settembre si è svolto un pre-spettacolo dello spettacolo al Teatro Volkovsky, la cui prima il pubblico vedrà il 23 settembre - la produzione di "Sei personaggi in cerca d'autore" basata sull'opera omonima del drammaturgo Luigi Pirandello concluderà il XIX Volkovskij festival internazionale.

Ha ricevuto Andrzej Buben, regista polacco educazione teatrale a San Pietroburgo, lavora molto in Russia ed è molto conosciuto in Europa, affronta spesso testi a sfondo filosofico. La trama dell'opera di Pirandello accompagna lo spettatore, come Alice attraverso lo specchio, attraverso rovescio processo creativo, cioè creazioni opera drammatica e la nascita dello spettacolo, e porta alla domanda: chi è più reale: un personaggio o un attore, una persona; Ciò che è più illusorio è la nostra realtà, che cambia in ogni momento, diventando un miraggio, o gli eroi creati dall'autore, la cui esistenza è immutata. I personaggi principali dell'opera di Pirandello sono personaggi tristi di un'opera incompiuta che vengono a teatro durante le prove e costringono il regista a diventare il loro autore, a incarnare sul palco la loro esistenza insoddisfatta.

Il regista Andrzej Buben ha abbandonato la visione dell'autore dei personaggi, cioè volti creati artificialmente, trucco pesante, elementi dell'eredità dell'arte, caratteristici dei teatri dialettali italiani, il moderno Pirandello - l'opera è stata scritta nel 1921. Lo spettacolo, che rappresenta il teatro nel teatro con attori che interpretano attori, evita ogni segno del tempo o un'eccessiva teatralità. Non ci sono decorazioni che rappresentino la realtà, solo una parete di fondo (simile a quella usata in “Sawmill Plus”) diventa o una verticale nel cielo, o la superficie di un lago, o quasi un portale verso altri mondi o, attraverso un video proiezione, nell'anima (Artista – Svetlana Tuzhikova, San Pietroburgo).

Lo spettacolo inizia in modo normale: alcune persone salgono sul palco, gli attori si riuniscono per le prove, salutano il pubblico, ciascuno individualmente. Camminano in cerchio attorno al citato muro, che occupa la parte centrale del palco, sempre più velocemente, ripetendo le loro azioni e i loro saluti un'infinità di volte. Le loro manipolazioni dietro lo sfondo vengono trasmesse sullo schermo a parete. La musica accelera, si aggiungono nuovi rumori, il movimento ad imbuto delle persone si snoda e gira, trascinandosi dentro, torturando gli artisti con un ritmo crescente. Alla fine, questa danza di fretta e monotonia si ferma: arrivano il suggeritore (Vladimir Meisinger) e il regista (Nikolai Zuborenko). Ma questo imbuto è dato per un motivo: riflette l'intera struttura successiva della performance.

Il rapporto tra regista e attori, l'autopresentazione della prima, le scaramucce durante le prove mostrano qui un teatro che ha perso il suo spirito creativo. Tutti qui sono una maschera, adempiono al proprio ruolo nella squadra; celesti per posizione e posizione, ma probabilmente avendo dimenticato cosa sia il volo. E i personaggi in nero che escono dal pubblico non riescono subito a superare il loro autocompiacimento. Persone così diverse: l'intelligente padre di Valery Kirillov, la figliastra tragicamente distrutta di Daria Taran, la sensuale e gelida madre di Alexandra Chilin-Giri, il figlio distaccato di Maxim Podzin, che rappresentano ogni tipo specifico, che circondano il regista un po' rilassato e non -tiranno Nikolai Zuborenko, stanno conducendo lo spettacolo. La più attiva di loro è la figliastra e Daria Taran in questo grande ruolo si sente libero e rilassato, stimolando e provocando chi lo circonda. Ma non si può dire che in questo ensemble ci sia qualcuno che comanda, come in un'orchestra quando si esegue una sinfonia: gli artisti assolo, creano duetti e si dissolvono l'uno nell'altro. I bambini più piccoli - i ruoli senza parole di un maschio e una femmina - sono bambole in abito grigio, sono lì, da qualche parte nel loro Attraverso lo Specchio, iconici nella loro senza volto; Molti cambiamenti sul palco possono essere visti nell'atteggiamento dei partecipanti allo spettacolo nei loro confronti.

Una scena chiave è quando i personaggi descrivono una scena in un bordello. Inizia la parte più interessante: una dimostrazione visiva dell'adattamento dell'artista al ruolo. I personaggi mostrano cosa è successo nelle loro vite, è molto doloroso per loro. Il dramma si intensifica, ma il regista interrompe la scena a metà, come avviene durante le prove reali, e fa i suoi commenti. Ma una professione senza tatto è un regista! Dopo questa pausa niente di meno scena luminosa– Il posto dei “personaggi” è preso dai futuri interpreti dei ruoli di padre e figliastra, premier e premier, Vitaly Daushev e Tatyana Korovina. Sono leggeri, giovani e belli, suona una melodia frivola, un uomo pieno di vitalità e, ovviamente, orgoglioso della sua bella idoneità fisica, con andatura elastica, scende le scale verso la donna. Reagiscono l'uno all'altro con gioia: la relazione tra questi personaggi è ovvia. Forse in questo episodio c'è anche una risposta alla battuta penzolante sul perché l'autore non ha terminato l'opera - "a causa del suo disprezzo per il teatro, che il pubblico di oggi esige...". I personaggi resistono a questa interpretazione, la trovano divertente, resistono alla trasformazione del loro dramma in uno spettacolo di vaudeville. Ecco come risulta: quando un attore conosce per la prima volta un ruolo, il ruolo può “resistere”, ma, naturalmente, non con urla e risate. Il conflitto non viene appianato finché l'interprete del ruolo non ne viene permeato, formula il retroscena del suo eroe, i suoi scopi, obiettivi, sogni e sentimenti punti dolenti dovrebbe diventare suo. Più avanti nel testo si scopre che il drammaturgo stesso non può resistere ai suoi personaggi, nascono e si sviluppano secondo determinate leggi, e ad un certo momento la trama delle loro vite si forma da sola e in questo modo e non altrimenti. E qui i “personaggi” finiscono di recitare l'episodio interrotto nel bordello, ma già sulla verticale di un muro inclinato, che man mano che l'azione procede diventa sempre meno inclinato e diventa quasi spaventoso. Dopo queste scene delle prove avviene una svolta. Ancora implicitamente, ma passo dopo passo, gli artisti “assorbono” l'essenza dei loro personaggi, ciascuno il proprio; Nessuno può sfuggire a questo Specchio finché non vive il ruolo. Qualcuno prende un burattino e una ragazza: anche loro sono eroi, anche se senza parole, ma figure importanti nel dramma rappresentato dai “personaggi”. Ci sono diversi “sostituti” per ogni ruolo, ripetono le parole dei “personaggi” con intonazioni diverse, e di tanto in tanto c'è rumore e trambusto sul palco. Ed è già impossibile strappare il "ragazzo" dalle mani dell'attore, che ora è quel ragazzo (Ruslan Khalyuzov), i suoi occhi brillano di ossessione, nudo mani potenti fondersi con il corpo del burattino... Come in un imbuto, gli artisti vengono trascinati nelle immagini di “personaggi” che dimostrano di essere reali, più reali di vita abituale, che si trasforma rapidamente in “ieri”. Alla fine non ci sono osservatori sul palco, tutti vivono e rabbrividiscono per l'orrore della narrazione incarnata. Nel finale non è più chiaro chi sia ferito: l'artista durante le prove o il personaggio in questo caso- un manichino dalla faccia cava fatto di cartapesta e stracci. Forse si sono lasciati trasportare e sono caduti in una realtà diversa, come in un'opera misteriosa medievale, quando l'attore che interpretava il ruolo dell'uomo giustiziato, Cristo o un peccatore, a volte veniva crocifisso accidentalmente nella realtà. La trasformazione di un attore, l'immersione nel ruolo: tutto qui.

Era una prova generale, non ancora una prima. Ma si tratta già di una performance forte e consolidata, senza le tradizionali riserve sulla prima secondo cui “la produzione, ovviamente, continuerà a crescere...”. E storie horror narrato dai personaggi stessi impressiona lo spettatore, ma il contesto qui è ancora più complesso che in un dramma sentimentale. Una performance intelligente e profonda, a differenza di altre. Stanislavskij ne sarebbe felice.
Foto dal sito web del Teatro Volkovsky
Irina Pekarskaya, critica teatrale

Luigi Pirandello

PERSONAGGIPersonaggi di una commedia non ancora scritta

Figliastra.

Ragazzo, ragazza: entrambi non pronunciano una sola parola.

Madame Pace (persona successivamente espulsa).

Attori e dipendenti del teatro.

Anche il regista è un regista. In futuro verrà chiamato semplicemente Direttore.

Premier.

Seconda attrice.

Giovane attrice.

Giovane attore.

Altri attori e attrici.

Direttore di scena.

Operatore di scena.

Segretario del direttore.

Addetti alle luci e al palco.

L'azione si svolge di giorno, durante una prova, sul palco di un teatro.

Entrando in sala, il pubblico vedrà un sipario alzato e un palco quasi vuoto e buio... insomma, avrà l'impressione che nulla sia ancora pronto per lo spettacolo.

Due scale (una a destra, l'altra a sinistra) collegano il palco all'auditorium.

Sul proscenio, accanto al portello spalancato, è spostata di lato la cabina del suggeritore.

Direttore di scena. Cosa fai?

Autista. Cosa sto facendo? Lo sto capendo.

Direttore di scena. Sai che ore sono adesso? (Guarda l'orologio.) Dieci e mezzo. Il direttore arriverà da un momento all'altro e la prova avrà inizio.

Autista. Dimmi, per favore, quando dovrei lavorare?

Direttore di scena. Quando vuoi, solo non adesso.

Autista. E quando?

Direttore di scena. Certamente non durante le prove! Prendi la tua spazzatura adesso! Devo preparare il terreno per il secondo atto de Il gioco degli interessi.

L'autista, sospirando e imprecando, raccoglie lo strumento e esce di scena. Il palco inizia gradualmente a riempirsi di azione. Prima ne appare uno, poi un altro, poi due contemporaneamente, poi un intero gruppo. Dovrebbero esserci nove o dieci persone sul palco... insomma, tante quante sono necessarie per la prova dell'opera di Pirandello "Un gioco di interessi", in programma oggi. Entrando in scena, gli attori prima si inchinano al direttore di scena, poi si salutano. Alcuni vanno in bagno; altri - e tra questi il Suggeritore, che tiene sotto il braccio il testo dell'opera arrotolato in un tubo - restano sulla scena, in attesa del Direttore. Gli altri si scambiano battute, qualcuno si accende una sigaretta, qualcuno si lamenta del ruolo assegnatogli, qualcuno legge ad alta voce brani di una rivista teatrale. È altamente auspicabile che gli attori e le attrici indossino abiti e abiti dai colori allegri e che tutta questa scena improvvisata, con tutta la sua naturalezza, proceda con un buon ritmo. Uno degli attori può anche essere seduto al pianoforte e costretto a suonare qualcosa di divertente e ballabile. Allora anche il più giovane degli attori e delle attrici potrà ballare.

Direttore di scena (batte le mani, richiamando gli attori all'ordine). Attenzione attenzione! Il signor Direttore è arrivato!

Direttore. Nessuna lettera?

Segretario. NO. Questo è tutto.

Direttore (porgendogli fogli dattiloscritti). Portalo nel mio ufficio. (Guardandosi intorno, si rivolge al direttore di scena.) Oh, non puoi vedere niente dannatamente qui! Fammi un po' di luce, per favore.

Direttore di scena. Un minuto! (Va a sistemare la luce.)

Presto tutto Lato destro le scene in cui si trovano gli attori sono piene di luce bianca accecante. Mentre il direttore di scena armeggiava con le luci, il suggeritore aveva già preso posto in cabina, acceso la lampadina e disposto davanti a lui il testo dello spettacolo che si stava provando.

Direttore (batte le mani). Iniziamo, iniziamo! (Al direttore di scena.) Chi è assente?

Direttore di scena. Primi!

Direttore. Come sempre! (Guarda l'orologio.) Eravamo già in ritardo di dieci minuti buoni. Tieni presente... lo saprò la prossima volta...

Prima che avesse il tempo di sfogare la sua rabbia, dal fondo della sala si udì la voce del premier: “No, no! Non taggare! Sono qui!"

Vestita tutta di bianco, con un cappello civettuolo e con un cagnolino in braccio, si precipitò come un turbine attraverso il corridoio e svolazzò su per le scale fino al palco.

Penseresti di aver fatto voto di arrivare sempre in ritardo!

Premier. Scusa! È da tanto tempo che cerco un taxi per arrivare in tempo! Ma non hai ancora iniziato! Inoltre nella prima scena non sono affatto occupato! (Chiamando familiarmente il Direttore per nome, gli lancia il cane.) Ti prego, chiudila nel bagno!

Direttore (scontroso). Anche un cane! Come se non fossimo abbastanza qui. (Battendo ancora le mani al suggeritore.) Iniziamo, iniziamo! Il secondo atto di "Gioco di interessi". (Si siede su una sedia.) Attenzione, signori! Chi c'è nella prima scena?

Attori e attrici lasciano il proscenio e si siedono di lato. Rimangono al loro posto solo i tre attori coinvolti nella prima scena, più il Premier, che, non prestando attenzione alle parole del regista, si è seduto a uno dei tavoli destinati alle prove.

(Al Primo Ministro.) Quindi sei occupato?

Premier. IO? No, signor direttore!

Direttore (Asciutto). Quindi allontanati, dannazione!

Il premier si alza e si avvicina agli altri attori seduti in disparte, non occupati.

(Al suggeritore.) Iniziamo!

Luigi Pirandello

"Sei personaggi in cerca d'autore"

Gli attori vengono a teatro per le prove. Il primo ministro è in ritardo, come sempre. Il primo ministro è scontento di dover indossare un cappello da cuoco durante lo spettacolo. Il regista esclama in cuor suo: “... cosa volete da me, se la Francia ha smesso da tempo di fornirci buone commedie e siamo costretti a mettere in scena le commedie di questo Pirandello, che ci vuole una tonnellata per capire e che , come se apposta, fa tutto in modo che gli attori, sia i critici che il pubblico sputino?" All'improvviso appare nella sala un usciere teatrale, seguito da sei personaggi guidati dal Padre, il quale spiega che sono venuti a teatro in cerca dell'autore. Offrono al regista teatrale di diventare la sua nuova opera. La vita è piena di tali assurdità che non hanno bisogno di verosimiglianza, perché sono la verità, e creare l'illusione della verità, come è consuetudine in teatro, è pura follia. L'autore ha dato vita ai personaggi, e poi ha cambiato idea o non è riuscito a elevarli al rango dell'arte, ma loro vogliono vivere, loro stessi sono dramma e ardono dal desiderio di presentarlo come le passioni che infuriano in loro diglielo.

Interrompendosi a vicenda, i personaggi cercano di spiegare cosa sta succedendo. Il padre sposò la madre, ma presto cominciò a notare che non era indifferente alla sua segretaria. Ha dato a entrambi dei soldi in modo che potessero lasciare la sua casa e vivere insieme. Mandò suo figlio, che a quel tempo aveva due anni, al villaggio, dove assunse una balia. Ma il Padre non si è perso di vista nuova famiglia sua moglie finché non lasciò la città. La Madre diede alla luce altri tre figli: una figliastra, un maschio e una femmina, che il Figlio legittimo disprezza perché illegittimi. Dopo la morte del compagno, la Madre e i suoi figli tornarono a vivere città natale e per guadagnare almeno un po' di soldi cominciò a cucire. Ma si scopre che la proprietaria del negozio di moda, Madame Pace, dà ordini solo per costringere la figliastra a prostituirsi: dice che la madre ha rovinato la stoffa, e le toglie dallo stipendio, così la figliastra, per coprire le trattenute, si vende di nascosto dalla madre. La figliastra incolpa di tutto il Figlio o il Padre, e sono giustificati. La madre soffre e vuole riconciliare tutti. Il padre dice che in ognuno dei partecipanti al dramma non c'è una, ma tante apparenze, in ognuna c'è una capacità nascosta di essere una cosa con alcuni, un'altra con altri, parlare dell'integrità dell'individuo è una sciocchezza. Il figlio, che la figliastra considera responsabile di tutto, dice di essere un personaggio drammaturgicamente “irrealizzato” e chiede di lasciarlo in pace. I personaggi litigano e il regista ritiene che solo l'autore possa ristabilire l'ordine. È pronto a consigliare loro di rivolgersi a un certo drammaturgo, ma il padre invita il regista a diventare lui stesso un autore: è tutto così semplice, i personaggi sono già qui, proprio di fronte a lui.

Il regista è d'accordo e sul palco viene installata una scenografia raffigurante una stanza dello stabilimento di Madame Pace. Il regista invita i personaggi a condurre una prova per mostrare agli attori come recitare. Ma i personaggi vogliono esibirsi loro stessi davanti al pubblico, così; cosa sono. Il regista spiega loro che questo è impossibile, saranno interpretati sul palco da attori: la figliastra - il premier, il padre - il premier, ecc. Nel frattempo, i personaggi reciteranno il dramma davanti agli attori, chi sarà il pubblico. Il regista vuole vedere la prima scena: la conversazione tra la figliastra e Madame Pace. Ma Madame Pace non è tra i personaggi venuti a teatro. Il padre crede che se il palco è preparato adeguatamente, può attrarre Madame Pace e lei apparirà. Quando grucce e cappelli vengono appesi sul palco, appare effettivamente Madame Pace: una volpe grassa con una parrucca rosso fuoco con un ventaglio in una mano e una sigaretta nell'altra. Gli attori inorridiscono alla sua vista e fuggono, ma il Padre non capisce perché, in nome della “volgare verosimiglianza”, sia necessario uccidere questo “miracolo della realtà, che prende vita dalla situazione scenica”. si." Madame Pace, in un misto di italiano e spagnolo, spiega alla figliastra che il lavoro di sua madre non va bene, e se la figliastra vuole che Madame Pace continui ad aiutare la loro famiglia, deve decidere di sacrificarsi. Sentendo questo, la mamma urla e si precipita verso Madame Pace, le strappa la parrucca dalla testa e la getta a terra. Avendo difficoltà a calmare tutti, il regista chiede al padre di recitare una continuazione di questa scena. Entra il Padre, incontra la Figliastra, le chiede da quanto tempo si trova a casa di Madame Pace. Le offre in regalo un elegante cappello. Quando la figliastra fa notare alla sua attenzione che è in lutto, le chiede di togliersi velocemente il vestito. Il primo ministro e il premier cercano di ripetere questa scena. Il Padre e la Figliastra sono completamente irriconoscibili nella loro interpretazione, tutto è molto più fluido, esteriormente più bello, tutta la scena è accompagnata dalla voce del Suggeritore. I personaggi vengono fatti ridere dalla recitazione. Il regista decide di non permettere ai personaggi di assistere alle prove in futuro, ma per ora chiede loro di recitare le restanti scene. Il regista vuole rimuovere l'osservazione del padre, in cui chiede alla figliastra di togliersi rapidamente l'abito da lutto: tale cinismo porterà il pubblico all'indignazione. La figliastra obietta che questo è vero, ma il regista ritiene che in teatro la verità sia buona solo fino a un certo punto. La figliastra abbraccia il padre, ma all'improvviso la madre irrompe nella stanza, strappando la figliastra al padre gridando: "Sventurata, questa è mia figlia!" Gli attori e il regista sono entusiasti della scena, i personaggi sono sicuri che la cosa principale sia che questo sia esattamente quello che è successo nella realtà. Il regista ritiene che la prima azione avrà successo.

In scena un nuovo set: un angolo di giardino con una piccola piscina. Gli attori si siedono da un lato del palco, i personaggi dall'altro. Il regista annuncia l'inizio del secondo atto. La figliastra racconta che tutta la famiglia, contro la volontà del Figlio, si è trasferita nella casa del Padre. La Madre spiega di aver tentato con tutte le sue forze di riconciliare la Figliastra con il Figlio, ma senza alcun risultato. Il padre litiga con il regista sull'illusione e sulla realtà. L'abilità degli attori è creare l'illusione della realtà, mentre i personaggi hanno una loro realtà diversa, il personaggio l'ha sempre avuta Propria vita, contrassegnato da tratti caratteristici, solo per lui caratteristiche intrinseche, è più reale persona ordinaria, soprattutto un attore che spesso può essere un "nessuno". La realtà delle persone cambia, e loro stesse cambiano, mentre la realtà dei personaggi non cambia e loro stessi non cambiano. Quando nasce un personaggio, acquisisce subito indipendenza, anche dall'autore, e talvolta capita di acquisire un significato che l'autore non si sarebbe mai sognato! Il padre si lamenta del fatto che l'immaginazione dell'autore li ha messi al mondo e poi ha negato loro un posto al sole, quindi cercano di badare a se stessi. Hanno chiesto più volte all'autore di prendere in mano la penna, ma senza successo, quindi sono andati loro stessi a teatro. Il direttore continua a dare ordini per quanto riguarda le decorazioni. La figliastra è molto infastidita da suo figlio. È pronto a lasciare il palco e cerca di andarsene, ma niente funziona per lui, come se una forza misteriosa lo tenesse sul palco. Vedendo questo, la figliastra inizia a ridere in modo incontrollabile. Il figlio è costretto a restare, ma non vuole prendere parte all'azione. Una ragazza gioca in piscina. Il ragazzo si nasconde dietro gli alberi, stringendo in mano una pistola. La Madre entra nella stanza del Figlio e vuole parlargli, ma lui non vuole ascoltarla. Il Padre cerca di costringerlo ad ascoltare la Madre, ma il Figlio resiste, scoppia una lotta tra il Figlio e il Padre, la Madre cerca di separarli e alla fine il Figlio sbatte a terra il Padre. Mio figlio non vuole mettersi in imbarazzo in pubblico. Dice che rifiutandosi di suonare sta solo esaudendo la volontà di chi non ha voluto portarli sul palco. Il regista chiede a Seung di raccontargli personalmente cosa è successo. Il figlio racconta che, mentre attraversava il giardino, ha visto una ragazza nella piscina, si è precipitato da lei, ma all'improvviso si è fermato quando ha visto un ragazzo, che guardava con occhi folli la sorella annegata. Quando il Figlio arriva a questo punto della sua storia, si sente uno sparo da dietro gli alberi dove si nascondeva il Ragazzo. Il ragazzo viene portato dietro le quinte.

Gli attori tornano in scena. Alcuni dicono che il Ragazzo sia morto davvero, altri sono convinti che sia stato solo un gioco. Il padre grida: “Che gioco! La realtà stessa, signori, la realtà stessa! Il regista perde la pazienza, manda tutti al diavolo e chiede la luce.

Il palco e la sala si illuminano luce luminosa. Il direttore è irritato: tutta la giornata è stata sprecata. È troppo tardi per iniziare le prove. Gli attori si disperdono fino a sera. Il regista dà il comando all'operatore luci di spegnere le luci. Il teatro sprofonda nell'oscurità, dopodiché, in fondo al palco, come per una svista del lighting designer, si accende una luce verde. Appaiono enormi ombre di personaggi, ad eccezione del ragazzo e della ragazza. Alla loro vista, il regista scappa dal palco inorridito. In scena restano solo i personaggi.

Teatro. Il primo ministro è in ritardo. Il Primo Ministro è indignato di dover indossare un cappello da cuoco. Il regista è arrabbiato perché no buone commedie. Qui appaiono sei personaggi. Il principale è il Padre. Sono venuti alla ricerca dell'autore che li ha inventati, ma non ha scritto l'opera. Vogliono vivere. I personaggi, interrompendosi a vicenda, cercano di spiegare l'essenza. Il padre sposò la madre, ma lei si innamorò della segretaria. Il padre ha dato loro dei soldi perché potessero vivere insieme. Il figlio di due anni fu mandato al villaggio. La madre diede alla luce una figliastra, un maschio e una femmina. Il Figlio Legittimo li disprezza come illegittimi. Dopo la morte del suo compagno, la mamma vuole guadagnare soldi cucendo. Ma la proprietaria Madame Pace rovina gli ordini per costringere la figliastra a prostituirsi. La figliastra incolpa il Padre o il Figlio per le disgrazie. La mamma vuole riconciliare tutti. Tutti litigano. Il regista ritiene che l'autore possa ristabilire l'ordine. Ma il padre ha invitato il regista a diventare un tale autore: i personaggi sono già di fronte a lui.

Il regista è d'accordo, viene messa in scena la scenografia della stanza di Madame Pace. Il regista insiste per le prove, ma i personaggi vogliono esibirsi davanti al pubblico. Il regista spiega cosa interpreteranno gli attori. Ma prima i personaggi mostreranno l'azione. Nella prima scena, la conversazione della figliastra con Madame Pace. Ma lei non è tra coloro che sono venuti a teatro. Il padre dice: lascia che il palco sia adeguatamente preparato: questo attirerà Madame Pace. Apparirà. In effetti, appare una volpe grassa con una parrucca focosa con un ventaglio e una sigaretta. Gli attori scappano inorriditi. Il padre non è d'accordo nel rimuovere il miracolo della realtà causato dalla situazione stessa. Madame Pace, parlando in un misto di spagnolo e italiano, spiega alla figliastra che deve sacrificarsi per il bene della sua famiglia. La madre urla e strappa la parrucca di Madame. Il regista, dopo aver calmato i personaggi, chiede di continuare. Il Padre incontra la Figliastra, le offre un dono e le chiede di togliersi il vestito. Gli attori (Premier e Premier) vogliono ripetere la scena. Ma gli eroi sono diventati irriconoscibili. I personaggi trovano la recitazione divertente. Nuova decorazione: giardino con piscina. Contrariamente alla volontà del Figlio, la Figliastra si trasferì nella casa del Padre.

La mamma vuole riconciliare tutti. Il Padre discute con il Direttore riguardo all'illusione e alla realtà. Il figlio è pronto a lasciare la scena, ma una certa forza lo trattiene. Ragazza in piscina. Il ragazzo si nascose dietro gli alberi con una pistola. La Madre vuole parlare con il Figlio senza successo, il Padre cerca di costringere la Madre ad ascoltare. Il Figlio e il Padre litigano, la Madre cerca di separarli. Il Figlio abbatte il Padre, ma si vergogna: non vuole obbedire alla volontà dell'autore, che non ha voluto portarli in scena. In risposta alla sua richiesta, il figlio ha detto al regista di aver visto una ragazza in piscina, voleva aiutare, ma ha visto un ragazzo che guardava la sorella annegata con occhi folli. Non appena il Figlio raggiunge questo luogo, si sente uno sparo dietro gli alberi. Il ragazzo viene portato via.

Gli attori sostengono: il ragazzo è morto o è un gioco? Il padre grida che non c'è gioco, tutto è realtà. Il regista è furioso: l'intera giornata è persa. Gli attori si disperdono. Teatro al buio. Nelle profondità del palco, dove rimaneva la retroilluminazione, apparivano enormi ombre dei personaggi: non c'erano un ragazzo e una ragazza. Il regista fugge inorridito, ma i personaggi rimangono.

L’idea di rendere l’azione più teatrale costrinse Pirandello a ricorrere alla tecnica del “teatro nel teatro”, popolare nel Rinascimento. Nella commedia di Pirandello il sipario è alzato e gli attori sono in scena, impegnati a provare. nuova commedia. In questo momento da auditorium appaiono sei personaggi illuminati da una luce intensa: padre, madre, figlio, figliastra, un ragazzo di 14 anni e una bambina di 4 anni. Per separare i personaggi dagli attori della troupe, Pirandello ha utilizzato la tecnica della commedia improvvisata e ha “indossato” maschere sui personaggi che esprimevano l'essenza di ciascuno di loro: Padre - rimorso, Madre - sofferenza, Figlio - disprezzo, Figliastra - vendetta. I personaggi cercano un autore che li incarni immagini artistiche e offrono al regista di mettere in scena il loro dramma sul palco. Pirandello fa scontrare deliberatamente due piani: quello reale (attori che provano una commedia) e quello irreale, fantastico (personaggi di una commedia non scritta). I personaggi creati dalla fantasia, secondo Pirandello, sono reali quanto gli attori, e ancor più reali della vita stessa.

Il dramma del personaggio inizia in modo banale e finisce tragicamente. Questa è la storia di una famiglia in cui il padre, pensando che la moglie sia innamorata di un altro, la lascia. Va dalla segretaria del marito e vive felice con lui, lasciando il figlio maggiore. Ha altri tre figli. Dopo la morte del segretario, la famiglia torna nella città natale. Questo passato. Il presente della famiglia è più drammatico. Figlia più grande(La figliastra), per salvare la famiglia dalla povertà, intraprende la via del vizio, incontrando uomini nel locale di una certa Madame Pace. Il padre, avendo saputo tutto, si pente e sistema la famiglia a casa sua. Qui si sta consumando una nuova tragedia. Il figlio maggiore si allontana dalla Madre e non riconosce i suoi figli illegittimi, la Figliastra non vuole riconciliarsi con il Padre. Il conflitto familiare si conclude con la morte dei figli: una bambina annega in piscina e si spara Figlio minore. Il regista, confuso da tutto ciò che sta accadendo, non riesce a distinguere tra gioco e realtà e interrompe lo spettacolo. Quattro personaggi lasciano la scena: non sono mai riusciti a incarnarsi nell'arte.

Non c'è uno sviluppo coerente della trama nel gioco. La drammaticità dei personaggi si rivela nella loro storia o nella loro interpretazione sul palco. singoli momenti dalle loro vite (ad esempio, l'incontro della figliastra e del padre nella casa di Madame Pace), poi nel finale - la morte di due figli. Questa morte è tanto una fantasia trasformata in realtà quanto l'apparizione in scena di Madame Pace, che non era tra i personaggi. Tale è il potere dell'arte che, secondo Pirandello, non solo può sostituire la vita, ma anche anticiparla. Ha posto l'arte sul piano della realtà, contrapponendo la verosimiglianza alla realtà dell'illusione.

Il passato, il presente e la realtà immediata sembrano coesistere nell'opera di Pirandello, il che gli permette di rivelare più profondamente il dramma dei personaggi. Questo dramma è psicologico, ma riflette anche un momento sociale: la tragica posizione dell'individuo scrittore moderno società, che ha enfatizzato nel destino della figliastra.

Il drammaturgo ha cercato di sostanziare filosoficamente il problema dell'alienazione e della disunità delle persone del suo tempo con l'aiuto dell'inadeguatezza del “volto” e della “maschera”. Nella commedia, le “maschere” di tutti i personaggi riflettono solo una piccola parte della loro profonda vita interiore. Solo la “maschera” della Madre coincide con il suo vero volto di donna sofferente, completamente assorbita da un sentimento: l'amore per i bambini.

La produzione dei "Sei personaggi" a Roma fu segnata dallo scandalo; Lo spettacolo è stato rappresentato tra forti grida di indignazione e approvazione da parte del pubblico, la maggior parte del quale ha trovato difficile abbandonare le idee tradizionali sul teatro e accettare le idee innovative di Pirandello.

Pirandello sviluppa il problema del “dramma-spettacolo” in altri due drammi: “Ognuno a modo suo” e “Oggi improvvisiamo”, che insieme a “Sei personaggi” costituivano una “trilogia teatrale”. Nelle nuove commedie, utilizzando la stessa tecnica della "scena in scena", Pirandello crea una vibrante rappresentazione teatrale, sfumando i confini tradizionali tra regista, attori e pubblico. Gli attori sembrano avere l'opportunità di improvvisare e il pubblico può partecipare direttamente allo sviluppo dell'azione. Quindi gli attori, il regista e il pubblico, per così dire, creano insieme uno spettacolo - un "miracolo d'arte" che dura un attimo. Pirandello ha sottolineato in particolare il ruolo del regista nella creazione di questo “miracolo”.

La commedia "Enrico IV" è giustamente considerata una delle più profonde drammi filosofici Pirandello, che a volte viene erroneamente definita una farsa. Personaggio principale(il suo vero nome non è indicato) appare solo sotto la “maschera” dell'imperatore tedesco Enrico IV, vissuto nell'XI secolo, e la sua villa solitaria appare come un castello imperiale con sala del trono. Altri personaggi della commedia appaiono sotto i propri nomi appropriati e sotto i nomi di personaggi storici. Ma l'opera di Pirandello non è storica, ma filosofica. Non racconta del destino dell'imperatore tedesco, entrato in conflitto con l'autorità papale, ma di tragico destino una persona sola che ha sperimentato il tradimento nell'amore e nell'amicizia.

L'azione dell'opera si sviluppa su due piani: passato e presente. Il passato è la giovinezza, l'amore e le speranze di felicità dell'eroe, così come la follia per dodici anni dopo una caduta accidentale da cavallo, la guarigione inaspettata e il ruolo dell'imperatore Enrico IV per otto anni. Il passaggio dalla realtà all'illusione è causato nell'opera dal conflitto dell'eroe con la società secolare a cui apparteneva in precedenza. Quando l'eroe, dopo essersi ripreso, apprese che il suo rivale innamorato, che aveva organizzato un incidente, aveva catturato il cuore della sua amata, decise di non tornare in una società in cui non c'era più posto per lui. La “maschera” volontaria di Enrico IV divenne una forma unica di legittima difesa e, allo stesso tempo, di protesta e di scherno, trasformandosi mascherata di carnevale nella realtà della sua nuova esistenza.

Il presente: l'incontro dell'immaginario Enrico IV vent'anni dopo con il suo ex amante e la sua giovane figlia, sposa del nipote del protagonista, nonché suo rivale e nemico nonché medico pronto a curare il malato. Compaiono tutti davanti a Enrico IV vestiti con costumi di personaggi storici di quell'epoca. È come se la loro missione fosse umana: vogliono aiutare il personaggio principale a ritrovare la sanità mentale. Rivelando però la contraddizione tra apparenza ed essenza caratteri, Pirandello mostra Enrico IV come un saggio e un filosofo, e i veri pazzi sono quelli che vogliono restituirlo alla società con la sua moralità ipocrita. Nella sala del trono si svolge un vero e proprio spettacolo, in cui si scontra il “gioco” di due parti: il gioco volontario, ma forzato di Enrico IV e il gioco-divertimento sociale di chi veniva alla villa, che lo sottoponeva a una prova crudele: al posto dei ritratti di Enrico IV e della sua amata in gioventù, sono poste le cornici del nipote del protagonista e della sua fidanzata. In questo momento culminante dell'azione, Enrico IV è costretto a gettare la sua “maschera” per smascherare l'inganno. Lui mostra il suo vero volto un uomo solitario e sofferente e si vendica trafiggendo con la spada il suo avversario. L'atto di punizione, commesso vent'anni dopo, è una vittoria morale per il protagonista, ma approfondisce anche il suo dramma: ora deve sempre indossare la sua "maschera", essendo entrato nel mondo illusorio da lui creato.

Non c'è sviluppo del personaggio principale in Enrico IV. Il suo vita interiore si rivela attraverso l'idea di “volto” e di “maschera” e appare come una somma di stati mentali, mutevoli e instabili, a seconda delle situazioni in cui si trova l'eroe. Pirandello attribuisce al paradosso un ruolo importante nell'auto-rivelazione dei personaggi del dramma: gli ospiti che giungono alla villa interpretano personaggi storici dell'XI secolo, il che li mette nella posizione di giullari, e del pazzo immaginario, comprendendo questo buffoneria, li prende in giro e addirittura esce dal suo ruolo. Il secondo paradosso - sostituire i ritratti con persone vive - porta al risultato opposto: mentalmente uomo sano, vendicatosi, indossa per sempre la “maschera” della follia. I paradossi nelle opere di Pirandello non sono solo un'eredità del teatro "grottesco", per il quale l'importante era la parodia società moderna e della famiglia borghese, i paradossi di Pirandello riflettevano la tragedia della realtà e la coscienza contraddittoria del suo tempo.

Nelle opere di Pirandello non solo non c'è il personaggio, ma nemmeno lo sviluppo dell'azione nel senso tradizionale. L'attenzione viene trasferita dagli eventi all'azione “verbale”, che muove la rappresentazione in un circolo vizioso, ritornando ogni volta al punto da cui è iniziata. La nuova struttura dell'opera incarnava la visione dello scrittore sull'inutilità di tutti gli sforzi dei personaggi per esprimersi. Pertanto, l’“umorismo” nella drammaturgia pirandelliana è innanzitutto un’analisi mondo interiore personaggi, che portano alla distruzione delle illusioni, così come la combinazione di tratti tragici e comici nell'opera.

Nell'approvare il contenuto filosofico del dramma e le nuove esigenze della regia scena italiana ruolo importante interpretato da Pirandello fondò a Roma nel 1925 il "Teatro d'arte" (" Teatro d'Arte"). L'attività del teatro durò tre anni; le sue tournée in tutta Europa e America Latina ha portato Pirandello al riconoscimento mondiale.

La carriera drammatica di Pirandello si completa con opere da lui stesso definite “miti”: “Nuova Colonia” (1928), “Lazzaro” (1929), “Giganti della montagna” (1936). Il suo appello ai “miti” fu dettato dal desiderio di trovare sostegno morale e filosofico nell’Italia fascista, nella quale sentiva sempre più la solitudine. Questo è anche il momento per lo scrittore di riflettere profondamente sul destino dell'arte nel mondo moderno.