L'arte ortodossa è un enorme strato ricco di risultati eredità culturale umanità, radicata nella cultura del primo cristianesimo e nei tempi dell'Antico Testamento, e divenne la base di quasi tutta l'arte della Rus' a noi nota oggi.
Come sai, le direzioni più antiche Arte ortodossa che arrivarono in Rus' nel X secolo insieme al cristianesimo sono la pittura e la musica. Avendo avuto origine nella qualità e nella pittura di icone, queste aree si sono sviluppate per molti secoli, essendosi sviluppate in modo meraviglioso musica profana e belle arti.
Tra i dipinti ortodossi russi del Medioevo, il famoso dipinto di icone di Novgorod è il più famoso e apprezzato. I suoi campioni sopravvissuti fino ad oggi sono conservati nei musei statali della Russia e sono elencati in fondo culturale Patrimonio DELL'UNESCO. Questi sono noti a tutti gli intenditori della bellissima icona del Salvatore di Novgorod, dell'Arcangelo Michele, dei Capelli d'oro dell'Angelo, nonché della famosa icona dei beati principi Boris e Gleb, su cui sono raffigurati i santi a tutta altezza. Oltre alle icone di Novgorod, il russo Pittura ortodossa famoso per altre immagini sacre: l'icona di Vladimir Madre di Dio, Trinity, che sarebbe attribuito alla penna di Andrei Rublev, Spas Onnipotente, Spas Emmanuel.
Artisti ortodossi Nesterov, Vasnetsov, Vrubel
Tuttavia, la pittura ortodossa non è più stata a lungo limitata all'arte della pittura di icone. Non appena la cultura è uscita dall'influenza della chiesa e il divieto di raffigurare persone diverse dai volti dei santi è stato revocato, un concetto come la pittura secolare è apparso e ha iniziato a svilupparsi e fiorire in Russia. Tuttavia, anche agli artisti mondani piaceva dipingere racconti biblici sia veterotestamentario che evangelico. Uno degli artisti ortodossi più famosi, senza dubbio, può essere chiamato MV Nesterov, autore di molti dipinti dipinti su temi religiosi. Ha illustrato sia la vita monastica che la vita della comunità ortodossa, e ha anche scritto storie sulla vita dei santi.
Il suo dipinto ortodosso più famoso, che ricordiamo dalla scuola, è "La visione del giovane Bartolomeo", la trama per la quale l'artista ha preso in prestito dalla biografia di San Sergio di Radonezh. Gli artisti ortodossi M. A. Vrubel e V. M. Vasnetsov non sono meno famosi. Non avendo nulla a che fare con la pittura di icone classiche, Vasnetsov, Vrubel e Nesterov, oltre ai dipinti, sono famosi anche per i loro dipinti di chiese. Quindi, Nesterov ha preso parte alla pittura del monastero di Solovetsky, Vasnetsov - la cattedrale di Vladimir a Kiev, e il nome di Vrubel è indissolubilmente legato ai dipinti della chiesa di San Cirillo di Kiev.
Pittura ortodossa moderna
Le mostre di arte ortodossa, tenute di volta in volta in diverse città della Russia, mostrano che ai nostri tempi lo sviluppo della pittura ortodossa non si ferma. Tra i giovani artisti che si sono distinti nelle mostre, si possono notare P. Chekmarev, E. Zaitsev, V. Sokovnin, Arciprete M. Maleev.
I dipinti ortodossi di questi autori mostrano il loro vivo interesse per la vita della chiesa, le personalità spirituali, eventi storici che hanno avuto luogo o stanno avendo luogo nella chiesa. In Russia e all'estero ci sono anche mostre di arte moderna, ma già abbastanza conosciute Artista ortodosso A. Shilov, raffigurante la vita dei monasteri e dei loro abitanti. A. Shilov è diventato famoso grazie ai ritratti dei monaci: luminosi, espressivi, emotivi. Volti giovani e vecchi raffigurati nei suoi quadri, commoventi, sentimentali, con dettagli scritti con cura, involontariamente
Pavel Dmitrievich Korin è un famoso artista e pittore di icone russo, autore dell'eroico trittico "Alexander Nevsky", ritratti espressivi dei suoi contemporanei: il comandante Georgy Zhukov, lo scultore S.T. Konenkov, fumettisti M.V. Kupreyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolov (Kukryniksov), pianista K.N. Igumnova, Artista italiano Renato Guttuso e altri. Con il potere della pittura e l'energia della creazione, i ritratti di Korin rimarranno capolavori insuperabili dell'arte mondiale. "I tuoi eroi hanno una postura", hanno detto all'artista gli ospiti di alto rango del suo laboratorio. In termini di stile artistico, i ritratti di Pavel Korin sono paragonabili ai ritratti del suo mentore - M.V. Nesterov. Un posto speciale nel patrimonio dell'artista è occupato da straordinarie immagini del popolo della Chiesa, realizzate in preparazione, forse, del più lavoro principale PD Korina - dipinto "Requiem".
Pavel Korin nacque l'8 luglio 1892 in una famiglia di pittori di icone russi ereditari, nel villaggio di Palekh, nella provincia di Vladimir. Quando Pavel aveva cinque anni, suo padre, Dmitry Nikolaevich Korin, morì. Nel 1903, Pavel fu ammesso alla scuola di pittura di icone di Palekh, dalla quale si diplomò nel 1907. La famiglia viveva molto male e all'età di 16 anni Pavel partì per lavorare a Mosca. Trova lavoro nel laboratorio di pittura di icone di K.P. Stepanov al monastero di Donskoy, qui ha l'opportunità di migliorare la sua arte.
Una tappa importante nello sviluppo di Korin come artista fu il lavoro sui murales per il convento Marfo-Mariinsky a Mosca nel 1908-1917. Il monastero fu creato a spese della Granduchessa Elisabetta Feodorovna, sorella Imperatrice Alexandra Feodorovna. Nel 1908-1912, secondo il progetto dell'architetto A.V. Shchusev nel monastero di Ordynka, fu eretto il tempio principale - in onore dell'intercessione della Santissima Theotokos. L'8 aprile 1912 fu consacrata. Alla celebrazione hanno partecipato Elizaveta Fedorovna, le autorità di Mosca, l'architetto A.V. Shchusev, artisti Viktor Vasnetsov, Vasily Polenov, Mikhail Nesterov, Ilya Ostroukhov; Anche i fratelli di Korina, Pavel e Alexander, erano qui. Per migliorare l'abilità del pittore di icone, “nell'estate del 1913, Pavel Korin, architetto A.V. Shchusev fu inviato al monastero delle grotte di Pskov per copiare due sudari del XVI secolo. Quindi Korin visitò l'antica Novgorod. Immagini simili ai volti dei santi di Novgorod adorneranno la tomba nel convento di Marfo-Mariinsky.
Nel 1913 Elizaveta Fyodorovna chiese all'artista M.V. Nesterov. Il tempio-tomba nel nome delle Forze del Cielo e di Tutti i Santi era sotto la chiesa cattedrale dell'Intercessione della Vergine. Korin era il miglior assistente di Nesterov. Il giovane pittore di icone M.V. Nesterova fu presentata personalmente dalla Granduchessa Elizaveta Feodorovna (questo accadde nel 1908).
Nel 1914, nel Convento Marfo-Mariinsky, continuarono i lavori per la decorazione della Chiesa dell'Intercessione della Vergine. L'artista Nesterov e il suo assistente Korin hanno dipinto insieme la cupola principale della cattedrale con l'affresco "Padre Savoaf con il Bambino Gesù Cristo" (uno schizzo nella Galleria Statale Tretyakov), e poi Pavel Korin da solo ha decorato lo spazio della cupola del tempio, le volte di finestre e porte. I volti di arcangeli e serafini in ornamenti floreali decoravano il tempio. I campioni di pittura furono accettati dalla Granduchessa Elizaveta Feodorovna, come se partecipassero alla loro incarnazione. Dopo aver terminato il lavoro di rifinitura, Korin, su raccomandazione della Granduchessa Elisabetta Feodorovna, per aumentare educazione artisticaè andato in viaggio nelle antiche antiche città russe. Visiterà Yaroslavl, Rostov il Grande, Vladimir.
Il 26 agosto 1917 ebbe luogo la completa consacrazione della chiesa costruita e dipinta della Santissima Theotokos.
Pavel Korin ha ricevuto altre competenze professionali in Scuola d'arte pittura, scultura e architettura a Mosca (MUZHVZ), dove entrò, guadagnati i fondi necessari, nel 1912. Qui i suoi insegnanti di pittura erano Konstantin Korovin, Sergey Malyutin, Leonid Pasternak.
In estate, Korin ha fatto un viaggio a Kiev, ha conosciuto il dipinto della Cattedrale di Vladimir, i suoi antichi affreschi, i mosaici creati da V. Vasnetsov, M. Nesterov, V. Zamirailo. Il giovane artista visitò anche l'Hermitage di Pietrogrado.
Dopo essersi diplomato alla MUZHVZ nel 1917, Korin fu invitato a insegnare disegno al 2nd State Art Workshops (come veniva ora chiamato MUZHVZ), dove l'artista lavorò negli anni amari e affamati del 1918-1919. Per sopravvivere fisicamente in questo periodo di devastazione e guerra, Pavel Korin nel 1919-1922 dovette trovare lavoro nell'anatomista della 1a Università di Mosca; questo lavoro si è rivelato utile per lui come artista: ha avuto l'opportunità di migliorare le sue conoscenze sull'anatomia umana.
Nel 1922, a Pietrogrado, nel Museo della propaganda antireligiosa (Cattedrale di Kazan), l'artista realizza schizzi delle sante reliquie di San Joasaph di Belgorod. Nel 1931 copia dipinto famoso A. Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo", quando viene trasferito dal Museo Rumyantsev alla Galleria Tretyakov.
In Italia nel 1932 studia migliori immagini Classici italiani del Rinascimento. Un viaggio in Italia è stato organizzato per Korin da Maxim Gorky. L'artista dipingerà il suo ritratto contemporaneamente, e successivamente, già negli anni '40, e un ritratto della moglie di Gorky N.A. Peškova.
La distruzione delle fondamenta dello stato ortodosso in Russia negli anni '20 è stato un errore irreparabile della storia. Nella pittura russa e sovietica del XX secolo, Pavel Korin rimarrà per sempre un pittore religioso, allievo di Palekh. Il suo lavoro si sviluppò nonostante la rivoluzione di febbraio del 1917, infida per la Russia, e la politica dello stato sovietico. Lavora per pittori di icone durante gli anni della persecuzione contro i russi Chiesa ortodossa non aveva. La popolazione dell'URSS sotto la guida dei comunisti si ritirò dalla fede dei loro nonni e padri, ovunque si chiusero e crollarono Chiese ortodosse, solo i monaci e gli eremiti nei monasteri conservavano la fede nella Russia ortodossa con sante preghiere. Durante questo periodo, è nato per l'artista grande disegno perpetuare sulla tela "l'abbandono della Rus'" - il suo "Requiem".
L'azione della trama dell'immagine si svolge nella Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca, dove i vescovi della chiesa, i monaci e gli ortodossi russi pregano per la Russia ortodossa. L'immagine era tecnicamente difficile da eseguire, perché era stata concepita un'enorme tela che misurava più di 5 x 9 metri.
SU idea creativa"Requiem", ovviamente, ha influenzato la pittura di M.V. Nesterov. Nel 1901-1905, Nesterov dipinse il dipinto "Holy Rus'" (conservato nel Museo statale russo) - sull'incontro dei pellegrini con il Signore Gesù Cristo. Nel 1911 creò il dipinto "La via verso Cristo" per il convento Marfo-Mariinsky: "Un paesaggio di quindici metri, e brave persone lo attraversano - commovente e non meno impressionante per la mente e il cuore", scrisse M.V. Nesterov in una lettera del 23 marzo 1911. - Lavoro furiosamente, spero di finire su Passionate. Il dipinto “La via verso Cristo” si trovava nel refettorio della chiesa del monastero, sulla sua parete orientale, proprio al centro, e, ovviamente, era ben noto a Korin, che in quegli anni lavorava qui insieme a Nesterov, come così come a molti moscoviti che vennero al monastero. L'amore di Pavel Dmitrievich per questo luogo rimarrà con lui per tutta la vita, e quando il Convento Marfo-Mariinsky sarà chiuso nel 1926, lui, insieme a suo fratello Alexander, salverà la sua iconostasi e i murales dalla distruzione.
I credenti russi divennero sempre più convinti dell'essenza della lotta contro Dio potere sovietico. Nella foto P.D. Korina "Requiem" Gli ortodossi in nero dolore e terribile dolore stanno nella Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca e pregano - per la santa Rus', per la Chiesa ortodossa. Per molto tempo l'artista non ha potuto iniziare a lavorare sulla tela vera e propria "Requiem", e poi non è riuscito ancora a completare il quadro, così forti erano le sensazioni del potere tragico del dolore e del dolore universale che cadevano su tutti. L'artista ha lavorato alla tela epica per trent'anni e tre anni - fino al 1959. Per lui furono realizzati 29 grandi ritratti (sono conservati nella Galleria Statale Tretyakov). Questi ritratti di gerarchi, eremiti, monaci, sacerdoti, suore ed eremiti colpiscono il pubblico con il loro aspro realismo. Le immagini tragiche e drammatiche dei credenti nella Russia ortodossa oggi possono essere viste in una mostra nella Galleria Statale Tretyakov (su Krymsky Val). Mostra “Requiem”. Verso la storia della “Rus' in uscita”, inaugurato nel novembre 2013, proseguirà fino al 30 marzo di quest'anno. Maxim Gorky raccomandò a Pavel Korin il nome del dipinto "Departing Rus'" dopo aver visitato lo studio dell'artista sull'Arbat nel 1931. Gorky ha patrocinato Korin e questo ha dato all'artista l'opportunità di lavorare in pace.
Contemporaneamente al lavoro sul "Requiem", Korin dipinge ritratti dei suoi contemporanei: lutto per la "Rus' uscente", l'artista non perde un legame vivo con il presente, con il suo tempo, proteso in avanti. Korin fa ritratti di forte e persone di talento: scrittore A.N. Tolstoj, scienziato N.F. Gamaleya, attori V.I. Kachalova e L.M. Leonidov; visitando l'isola di Valaam, dipinge un ritratto di M.V. Nesterov; successivamente, negli anni '40, realizzò i ritratti dello scultore S.T. Konenkov, pianista K.N. Igumnova; gli anni '50 includono ritratti degli artisti M.S. Saryan e Kukryniksov. Si tratta di opere monumentali con una composizione perfetta e un'immagine psicologica integra di quelle ritratte.
Nel 1942, Pavel Korin creò la parte centrale del suo famoso trittico "Alexander Nevsky" (conservato nella Galleria Statale Tretyakov). L'immagine dell'eroico e maestoso difensore della Patria era necessaria per la Patria in questi anni dolorosi per lei. Nell'immagine severa e ascetica del principe Alexander Nevsky, l'eroismo e la resistenza incrollabile si esprimono, personificando Inizio russo, consapevolmente necessario Popolo sovietico nei difficili tempi della guerra. Successivamente, l'artista ha scritto versioni di schizzi per il trittico "Dmitry Donskoy" e parte del trittico "Alexander Nevsky" - "Old Tale" e "Northern Ballad". Immagine eroica guerriero-comandante del Santo Principe Alexander Nevsky, creato da P.D. Korin, non ha eguali in termini di impatto sullo spettatore.
Nell'autunno-inverno del 1945, dopo la fine del Grande Guerra patriottica, Korin scrive almeno famoso ritratto comandante Georgy Konstantinovich Zhukov (conservato nella Galleria Statale Tretyakov). Quattro volte Eroe dell'Unione Sovietica, detentore di due Ordini della Vittoria, G.K. Zhukov è raffigurato in uniforme da maresciallo, con numerosi ordini e premi.
Il 24 giugno 1945, il maresciallo Zhukov ospitò la Victory Parade sulla Piazza Rossa di Mosca. E il 7 settembre 1945 si svolse a Berlino, presso la Porta di Brandeburgo, la Victory Parade delle forze alleate. Dall'Unione Sovietica, fu il maresciallo Zhukov a ricevere la parata delle unità degli eserciti alleati: URSS, Francia, Gran Bretagna e Stati Uniti. Quando il leggendario comandante tornò da Berlino, Pavel Korin fu invitato a fargli visita: iniziarono i lavori per il ritratto. Dalla tela ci guarda con calma un uomo, che per molti è diventato un simbolo del potere dell'esercito russo. Zhukov è maestoso, maestoso e bello.
Nel 1931-1958 Korin diresse il laboratorio di restauro del Museo di Stato belle arti a Mosca (GMII), dove dalla seconda metà degli anni '40 c'erano i capolavori del trofeo del Dresda galleria d'arte di cui l'artista è responsabile.
Korin è rimasto uno specialista insuperabile in antica pittura russa, sentendone sottilmente lo stile, l'immagine della visione del mondo da esso trasmessa. L'artista è stato coinvolto nella creazione di antiche immagini russe in pannelli di mosaico artistico per l'aula magna di Mosca Università Statale, mosaici e vetrate per le stazioni Arbatskaya, Komsomolskaya-Koltsevaya, Smolenskaya e Novoslobodskaya della metropolitana di Mosca. Per questi lavori nel 1954 ricevette il Premio di Stato dell'URSS.
Nel 1958, Pavel Dmitrievich Korin ricevette il titolo di Artista popolare della RSFSR, fu eletto membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti dell'URSS.
Nel 1963, in occasione del 45° anniversario dell'attività creativa dell'artista, il suo mostra personale, è stato insignito del titolo di People's Artist of the USSR.
La fama mondiale è arrivata a Korin, visita l'Italia, la Francia, gli Stati Uniti; nel 1965 a New York, su iniziativa di Armand Hammer, viene organizzata una grande mostra personale dell'artista.
Dal 1933 fino alla fine della sua vita, Pavel Korin visse a Mosca in Malaya Pirogovskaya Street, dove si trovava anche il suo laboratorio di lavoro. Nel 1967, dopo la morte dell'artista, nella casa di Pirogovskaya, 16 fu creata la casa-museo dell'artista (una filiale della Galleria Statale Tretyakov).
La vita nell'arte potenziale creativo personalità - uno dei temi principali che preoccupavano P.D. Korina, non è un caso che abbia realizzato così tanti ritratti di persone d'arte. Lui stesso, geniale pittore, profondo conoscitore antica arte russa, ha sentito sottilmente sia la letteratura che la musica, comprendendo le profonde connessioni di diversi tipi di arte. Caratteristica è una nota fatta da Korin dopo il concerto di Rachmaninov al Conservatorio di Mosca: “Ieri sera ero a un concerto di Rachmaninov al Conservatorio. "Cliff" è stato eseguito - una fantasia per orchestra e concerto n. 2 per pianoforte e orchestra. Che forza, che ampiezza e che serietà... Genio! Hai bisogno di tanta forza e tanta ampiezza nella pittura.
La Bibbia è un libro unico che fa appello al cuore delle persone in tutte le lingue del mondo. Il Vangelo parla anche il linguaggio dell'arte. I dipinti ortodossi di artisti russi dimostrano che la Bibbia ci parla non solo nella Parola, ma anche nelle immagini visive.
Dipinti ortodossi
Dipinti ortodossi e pittura ortodossa nel corso dei secoli hanno trovato ispirazione nella Bibbia. Trame delle Sacre Scritture, gli eventi dell'Antico e del Nuovo Testamento hanno preso vita sulle tele. Abbiamo deciso di far conoscere ai lettori l'eredità spirituale dei grandi artisti che hanno incarnato le trame del grande Libro. Dipinti ortodossi scrivevano sempre con olio e carboncino, su tele e sui muri di celle appartate.
Il nostro contemporaneo Elena Cherkasova- artista. I suoi dipinti ortodossi basati su storie della Bibbia stanno già prendendo il loro posto nella storia mondiale della pittura.
Ha portato l'artista ai dipinti ortodossi crisi spirituale come dicono i critici d'arte. Dopo essere venuta alla fede, Elena Cherkasova ha pianificato di dedicarsi alla pittura di icone. Ma alla fine sono arrivato al mio linguaggio di conversazione con persone che arrivano alla fede attraverso l'arte. I suoi dipinti "ingenui" e allo stesso tempo profondi sono diventati un esempio di profonda abnegazione e obiettività.
Nozze di Cana
Questo dipinto è un sermone che trasmette eventi sotto forma di una storia sugli eroi biblici e le loro azioni.
La pittura di Elena Cherkasova non può essere definita classica, Elena è riuscita a creare nuovi classici. Non tenta di copiare la tradizionale scuola di pittura di icone, ma questo offre ai dipinti ortodossi di artisti contemporanei l'opportunità di creare qualcosa di nuovo, usando la loro esperienza spirituale e immaginazione.
Il 16 luglio, alla vigilia del Giorno della Memoria dei Santi Martiri Reali, Pavel Ryzhenko, Artista popolare della Russia, parrocchiano della Chiesa di Tutti i Santi del Convento Stauropegiale di Alekseevsky, si è riposato nel Signore.
Di se stesso Paolo scrive:
“Ogni persona, e soprattutto russa, si protende nel profondo e nei segreti del suo cuore verso la luce: Cristo. La fede in Cristo mi è venuta molto tardi, ma, credendo, volevo corrergli dietro, sperando un giorno di avvicinarmi a questa luce. È difficile per me scrivere di questo, non ci sono parole per esprimere chiaramente i miei pensieri, ma devo dire delle persone che sono morte e vive, che sono portatrici della fede e dello spirito dell'Impero russo. E dire sulla tela perché è mio dovere grande verità Rus'. Il dovere di un residente non completamente spezzato della metropoli, che, attraverso i contorni delle case moderne, attraverso lo smog del Terzo Anello, vede come ancora e ancora questi volti severi e amorevoli dei nostri antenati, che hanno versato il loro sudore e sangue per Cristo e per ciascuno di noi, appare ancora e ancora.
Avvicinandosi alla linea della sua vita, la linea che non poteva oltrepassare grande Pushkin dove molti si sono fermati, mi pongo una domanda di domande: chi ho servito? A chi, e non a cosa, e in generale, cos'è l'arte?
Spero che i miei dipinti risveglino la memoria genetica dei miei contemporanei, l'orgoglio per la loro Patria e forse aiutino lo spettatore a trovare l'unica strada giusta per se stessi. E poi - sarò felice del dovere adempiuto. (pavel-ryzhenko.rf)
I suoi dipinti erano amati da credenti e persone laiche. Tutti ricordano lo stesso Paolo come uomo di grande potenza di Spirito e di fede.
Il 18 ottobre è il giorno della memoria dell'eccezionale artista ortodosso russo Mikhail Nesterov. Michail Nesterov morì nel 1942. L'artista è venuto alla fede dopo la perdita della sua amata moglie. Fu uno dei fondatori dell'Unione degli artisti russi, conservato nei suoi dipinti migliori tradizioni Chiesa russa e pittura ortodossa.
I dipinti ortodossi di questi artisti ci permettono di rivelare un po' di più del mistero della Bibbia.
10 opere principali di belle arti della chiesa: murales, icone e mosaici
Preparato da Irina Yazykova
1. Catacombe romane
arte paleocristiana
Pasto. Affresco dalle catacombe di Pietro e Marcellino. 4° secolo DIOMEDIAFino all'inizio del IV secolo, il cristianesimo nell'impero romano era perseguitato ei cristiani usavano spesso le catacombe per i loro incontri - cimiteri sotterranei dei romani, in cui nel II secolo seppellivano i loro morti. Qui, sulle reliquie dei martiri, hanno celebrato il principale sacramento cristiano: l'Eucaristia Eucaristia(dal greco “ringraziamento”) è un sacramento in cui il vero Corpo e il vero Sangue del Signore Gesù Cristo viene donato al credente sotto le spoglie del pane e del vino., come testimoniano le immagini sulle pareti delle catacombe. Le prime comunità, che consistevano di ebrei, erano lontane dalle belle arti, ma con la diffusione della predicazione apostolica, sempre più pagani si unirono alla Chiesa, per la quale le immagini erano familiari e comprensibili. Nelle catacombe possiamo rintracciare come è nata l'arte cristiana.
In totale a Roma ci sono oltre 60 catacombe, la loro lunghezza è di circa 170 chilometri. Ma solo pochi sono disponibili oggi. Catacombe di Priscilla, Callista, Domitilla, Pietro e Marcellino, Commodilla, catacombe di Via Latina e altre.. Queste tombe sotterranee sono gallerie o corridoi, nelle cui pareti sono disposte tombe sotto forma di nicchie rivestite di lastre. A volte i corridoi si espandono formando sale - cubi con nicchie per sarcofagi. Dipinti e iscrizioni si sono conservati sulle pareti e sulle volte di queste sale, sulle lastre. La gamma di immagini va dai graffiti primitivi alla trama complessa e alle composizioni decorative, simili agli affreschi pompeiani.
L'arte paleocristiana è permeata di un profondo simbolismo. I simboli più comuni sono un pesce, un'ancora, una nave, una vite, un agnello, un cesto di pane, un uccello fenice e altri. Ad esempio, il pesce era percepito come simbolo del battesimo e dell'Eucaristia. Una delle prime immagini di un pesce e di un cesto di pane che troviamo nelle catacombe di Callisto, risale al II secolo. Il pesce simboleggiava anche Cristo stesso, poiché la parola greca "ichthus" (pesce) veniva letta dai primi cristiani come un acronimo in cui le lettere si snodano nella frase "Gesù Cristo Figlio di Dio Salvatore" (Ἰησοὺς Χριστὸς Θεoς ῾Υιὸς Σωτήρ) .
Pesce e un cesto di pane. Affresco dalle Catacombe di Callisto. 2 ° secolo Wikimedia Commons
Buon Pastore. Affresco dalle catacombe di Domitilla. 3° secolo Wikimedia Commons
Gesù Cristo. Affresco dalle catacombe di Commodilla. Fine del IV secolo Wikimedia Commons
Orfeo. Affresco dalle catacombe di Domitilla. 3° secolo Wikimedia Commons
È importante notare che l'immagine di Cristo fino al IV secolo è nascosta sotto vari simboli e allegorie. Ad esempio, si trova spesso l'immagine del Buon Pastore: un pastorello con un agnello sulle spalle, riferendosi alle parole del Salvatore: "Io sono il buon pastore ..." (Giovanni 10:14). Un altro simbolo molto importante di Cristo era l'agnello, spesso raffigurato in cerchio, con un'aureola intorno alla testa. E solo nel IV secolo compaiono immagini in cui riconosciamo l'immagine più familiare di Cristo come Dio-uomo (per esempio, nelle catacombe di Commodilla).
I cristiani spesso ripensavano alle immagini pagane. Ad esempio, sulla volta delle catacombe di Domitilla, Orfeo è raffigurato seduto su una pietra con una lira tra le mani; intorno a lui ci sono uccelli e animali che ascoltano il suo canto. L'intera composizione è inscritta in un ottagono, lungo i cui bordi sono raffigurate scene bibliche: Daniele nella fossa dei leoni; Mosè che attinge acqua da una roccia; resurrezione di Lazzaro. Tutte queste trame sono un prototipo dell'immagine di Cristo e della sua risurrezione. Quindi Orfeo in questo contesto corrisponde anche a Cristo, che discese agli inferi per far emergere le anime dei peccatori.
Ma più spesso nella pittura delle catacombe venivano usate scene dell'Antico Testamento: Noè con l'arca; il sacrificio di Abramo; la scala di Giacobbe; Giona viene inghiottito da una balena; Daniele, Mosè, tre giovani nella fornace ardente e altri. Dal Nuovo Testamento: l'adorazione dei Magi, la conversazione di Cristo con la donna samaritana, la risurrezione di Lazzaro. Sulle pareti delle catacombe sono presenti molte immagini di pasti, interpretabili sia come Eucaristia che come pasti funebri. Spesso ci sono immagini di persone che pregano: oranti e oranti. Alcune immagini femminili corrispondono alla Madre di Dio. Va detto che l'immagine della Vergine appare nelle catacombe prima dell'immagine di Cristo in forma umana. Maggior parte immagine antica La Madre di Dio nelle catacombe di Priscilla risale al II secolo: Maria è qui raffigurata seduta con il Bambino in braccio, e vicino un giovane che indica una stella (ci sono diverse versioni: il profeta Isaia, Balaam , Giuseppe il Promesso Sposo, marito di Maria).
Con l'invasione dei barbari e la caduta di Roma, inizia il saccheggio delle sepolture e cessano le sepolture nelle catacombe. Per ordine di papa Paolo I (700-767), i papi sepolti nelle catacombe vengono trasferiti in città e sulle loro reliquie vengono costruiti templi e le catacombe vengono chiuse. Così, nell'VIII secolo, finisce la storia delle catacombe.
2. Icona "Cristo Pantocratore"
Monastero di Santa Caterina nel Sinai, Egitto, VI sec
Monastero di Santa Caterina nel Sinai / Wikimedia Commons
"Cristo Pantocratore" (greco "Onnipotente") è l'icona più famosa del periodo pre-Icono-Nobor Iconoclastia- un movimento eretico, espresso nella negazione della venerazione delle icone e nella loro persecuzione. Nel periodo che va dall'VIII al IX secolo ricevette più volte riconoscimenti ufficiali nella Chiesa d'Oriente.. È scritto su una lavagna usando la tecnica dell'encausto. Encausto- una tecnica pittorica in cui il legante dei colori è la cera, e non l'olio, come, ad esempio, nella pittura a olio., che è stato a lungo utilizzato nell'arte antica; tutte le prime icone sono state scritte con questa tecnica. L'icona non è molto grande, le sue dimensioni sono 84 × 45,5 cm, ma la natura dell'immagine la rende monumentale. L'immagine è scritta in modo pittorico libero, in qualche modo espressivo; macchie pastose striscio pastoso- uno spesso strato di vernice non diluita. scolpire chiaramente la forma, mostrando il volume e la tridimensionalità dello spazio. Non c'è ancora la ricerca della piattezza e della convenzionalità, come sarà più tardi nell'iconografia canonica. L'artista si è trovato di fronte al compito di mostrare la realtà dell'Incarnazione, e ha cercato di trasmettere la massima sensazione della carne umana di Cristo. Allo stesso tempo, non gli manca il lato spirituale, mostrando nel volto, soprattutto nello sguardo, forza e potenza che colpisce immediatamente lo spettatore. L'immagine del Salvatore è già abbastanza iconograficamente tradizionale e allo stesso tempo insolita. Il volto di Cristo, incorniciato da lunghi capelli e barba, circondato da un'aureola con inscritta una croce, è calmo e pacifico. Cristo è vestito con una tunica blu scuro con clava d'oro clav- un ornamento cucito a forma di striscia verticale dalla spalla al bordo inferiore dell'indumento. e un mantello viola: le vesti degli imperatori. La figura è raffigurata fino alla cintola, ma la nicchia che vediamo alle spalle del Salvatore fa pensare che sia seduto su un trono, dietro il quale si stende il cielo azzurro. Con la mano destra (mano destra) Cristo benedice, nella mano sinistra tiene il Vangelo in una preziosa cornice ornata d'oro e pietre.
L'immagine è maestosa, persino trionfante e allo stesso tempo insolitamente attraente. In esso si sente l'armonia, ma è in gran parte costruita sulle dissonanze. Lo spettatore non può non notare l'evidente asimmetria nel volto di Cristo, soprattutto nel modo in cui sono scritti gli occhi. I ricercatori spiegano questo effetto in modi diversi. Alcuni lo fanno risalire alla tradizione arte antica quando gli dei raffiguravano un occhio punitivo, l'altro misericordioso. Secondo una versione più convincente, ciò rifletteva una controversia con i monofisiti, che affermavano in Cristo un'unica natura: quella divina, che assorbe la sua natura umana. E come risposta a loro, l'artista raffigura Cristo, sottolineando in lui sia la divinità che l'umanità allo stesso tempo.
Apparentemente, questa icona è stata dipinta a Costantinopoli ed è finita nel monastero del Sinai come contributo dell'imperatore Giustiniano, che era un kti-tor, cioè un donatore, del monastero. Alta qualità la performance e la profondità teologica dello sviluppo dell'immagine parlano a favore della sua origine nella capitale.
3. Mosaico "Madonna in trono"
Hagia Sophia - Sapienza di Dio, Costantinopoli, IX secolo
Basilica di Santa Sofia, Istanbul / DIOMEDIA
Dopo una lunga crisi iconoclasta durata più di cento anni, nell'867, per decreto imperiale, iniziarono nuovamente a decorare di mosaici la Cattedrale di Hagia Sophia a Costantinopoli. Una delle prime composizioni musive era l'immagine della Madre di Dio in trono in conchiglia Conha- soffitto a semicupola su parti semicilindriche di edifici, come le absidi.. È del tutto possibile che questa immagine abbia ripristinato un'immagine precedente che era stata distrutta dai combattenti delle icone. Il pellegrino russo di Novgorod Anthony, che visitò Costantinopoli intorno al 1200, lasciò nei suoi appunti una menzione che i mosaici dell'altare di Santa Sofia furono realizzati da Lazzaro. Infatti, l'iconografo Lazar visse a Costantinopoli, che soffrì sotto gli iconoclasti, e dopo il Concilio dell'843, che ripristinò la venerazione delle icone, ricevette il riconoscimento a livello nazionale. Tuttavia, nell'855 fu inviato a Roma come ambasciatore dell'imperatore Michele III presso papa Benedetto III e morì intorno all'865, quindi non poteva essere l'autore del mosaico di Costantinopoli. Ma la sua fama di vittima degli iconoclasti collegava questa immagine al suo nome.
Questa immagine della Madre di Dio è una delle più belle della pittura monumentale bizantina. Su uno sfondo dorato splendente, su un trono ornato di pietre preziose, la Madre di Dio siede regalmente su alti cuscini. Tiene davanti a sé il Cristo bambino, seduto sulle sue ginocchia, come su un trono. E ai lati, sull'arco, sono due arcangeli nei paramenti dei cortigiani, con lance e specchi, a guardia del trono. Lungo il bordo della conha c'è un'iscrizione, quasi perduta: "Le immagini che gli ingannatori hanno rovesciato qui, i pii governanti restaurate".
Il volto della Madre di Dio è nobile e bello, non ha ancora quell'ascetismo e l'austerità che saranno caratteristici delle successive immagini bizantine, ha ancora molto di antico: un viso ovale arrotondato, labbra ben definite, naso dritto . Vista grandi occhi sotto le arcate arcuate delle sopracciglia, è leggermente scostato di lato, questo mostra la castità della Vergine, su cui sono fissi gli occhi di migliaia di persone che entrano nel tempio. Nella figura della Madre di Dio si può sentire la grandezza regale e allo stesso tempo la grazia veramente femminile. La sua veste profonda di colore blu, decorato con tre stelle dorate, cade in morbide pieghe, sottolineando la monumentalità della figura. Le mani sottili della Madre di Dio con lunghe dita tengono il bambino Cristo, proteggendolo e allo stesso tempo rivelandolo al mondo. Il viso del bambino è molto vivace, infantilmente paffuto, sebbene le proporzioni del corpo siano piuttosto adolescenziali, ma la veste regale dorata, la postura dritta e il gesto di benedizione sono chiamati a mostrare: davanti a noi c'è il vero Re, ed Egli siede su il grembo della Madre con dignità regale.
Il tipo iconografico della Madre di Dio in trono con Cristo bambino acquistò particolare popolarità nel IX secolo, epoca post-iconoclasta, come simbolo del Trionfo dell'Ortodossia. E spesso era collocato proprio nell'abside del tempio, a significare la manifestazione visibile del Regno dei Cieli e il mistero dell'Incarnazione. Lo incontriamo nella chiesa di Hagia Sophia a Salonicco, a Santa Maria in Domnik a Roma e altrove. Ma i maestri di Costantinopoli si svilupparono tipo speciale un'immagine in cui bellezza corporea e bellezza spirituale coincidevano, perfezione artistica e profondità teologica convivevano armoniosamente. In ogni caso, gli artisti aspiravano a questo ideale. Tale è l'immagine della Madre di Dio di Hagia Sophia, che ha gettato le basi per il cosiddetto Rinascimento macedone: questo nome è stato dato all'arte dalla metà del IX all'inizio dell'XI secolo.
4. Affresco "Resurrezione"
Monastero di Chora, Costantinopoli, XIV secolo
Monastero di Chora, Istanbul / DIOMEDIA
Gli ultimi due secoli dell'arte bizantina sono chiamati Rinascimento paleologo. Questo nome è dato secondo la dinastia regnante dei Paleologi, l'ultima nella storia di Bisanzio. L'impero declinava, pressato dai turchi, perdeva territorio, forza, potere. Ma la sua arte era in aumento. E uno degli esempi di ciò è l'immagine della Resurrezione del monastero di Chora.
Il monastero di Chora di Costantinopoli, dedicato a Cristo Salvatore, secondo la leggenda, fu fondato nel VI secolo dal monaco Savva il Consacrato. All'inizio dell'XI secolo, imperatore bizantino Alexei Komnina, sua suocera Maria Duka ordinò di costruire nuovo tempio e lo trasformò in una tomba reale. Nel XIV secolo, tra il 1316 e il 1321, il tempio fu nuovamente ricostruito e decorato ad opera di Teodoro Metochita, il grande logoteta Logoteta- il più alto funzionario (revisore, cancelliere) dell'ufficio reale o patriarcale di Bisanzio. alla corte di Andro-nik II Andronico II Paleologo(1259-1332) - Imperatore impero bizantino negli anni 1282-1328.. (Su uno dei mosaici del tempio, è raffigurato ai piedi di Cristo con un tempio tra le mani.)
I mosaici e gli affreschi di Hora sono stati creati dai migliori maestri di Costantinopoli e sono capolavori dell'arte tardo bizantina. Ma spicca soprattutto l'immagine della Resurrezione, perché esprime in una magnifica forma artistica le idee escatologiche dell'epoca. La composizione si trova sulla parete orientale della paraclesia (navata meridionale), dove sorgevano le tombe, il che, a quanto pare, spiega la scelta del tema. L'interpretazione della trama è collegata alle idee di Gregory Palamas, un apologeta dell'esicasmo e della dottrina delle energie divine. Fu chiamato esicasmo nella tradizione monastica bizantina forma speciale la preghiera, in cui la mente tace, è in uno stato di esichia, silenzio. L'obiettivo principale di questa preghiera è raggiungere l'illuminazione interiore con una speciale Luce del Tabor, la stessa che videro gli apostoli durante la Trasfigurazione del Signore..
L'immagine della Resurrezione si trova sulla superficie curva dell'abside, che ne esalta la dinamica spaziale. Al centro vediamo il Cristo risorto in bianche vesti splendenti sullo sfondo di una mandorla abbagliante di colore azzurro e bianco. mandorla(Mandorla italiana - "mandorla") - nell'iconografia cristiana, uno splendore a forma di mandorla o rotondo attorno alla figura di Cristo o della Madre di Dio, che simboleggia la loro gloria celeste.. La sua figura è come un grumo di energia che diffonde onde di luce in tutte le direzioni, disperdendo l'oscurità. Il Salvatore con un passo largo ed energico attraversa l'abisso dell'inferno, si potrebbe dire - ci vola sopra, perché una delle sue gambe poggia sulla fascia rotta delle porte dell'inferno, e l'altra pende sull'abisso. Il volto di Cristo è solenne e concentrato. Con un movimento imperioso, trascina Adamo ed Eva, sollevandoli sopra le tombe, e sembrano librarsi in assenza di gravità. A destra ea sinistra di Cristo ci sono i giusti, che Egli conduce fuori dal regno della morte: Giovanni Battista, i re Davide e Salomone, Abele e altri. E nell'abisso nero dell'inferno, aperto sotto i piedi del Salvatore, sono visibili catene, ganci, serrature, tenaglie e altri simboli del tormento infernale, e c'è anche una figura collegata: questo è il Satana sconfitto, privato della sua forza e potere. Sopra il Salvatore in lettere bianche su sfondo scuro c'è l'iscrizione "Anastasis" (dal greco "Resurrezione").
L'iconografia della Resurrezione di Cristo in tale versione, chiamata anche "Discesa agli inferi", appare in Arte bizantina in epoca post-combattista, quando l'interpretazione teologica e liturgica dell'immagine cominciò a prevalere su quella storica. Nel Vangelo non troveremo una descrizione della risurrezione di Cristo, rimane un mistero, ma, riflettendo sul mistero della risurrezione, i teologi, e dopo di loro i pittori di icone, hanno creato un'immagine che mostra la vittoria di Cristo sull'inferno e la morte. E questa immagine non fa appello al passato, come ricordo di un evento accaduto in un certo momento della storia, è rivolta al futuro, come compimento delle aspirazioni di una risurrezione universale, iniziata con la risurrezione di Cristo e comporta la risurrezione di tutta l'umanità. Si tratta di un evento cosmico - non a caso sulla volta della paraclesia, sopra la composizione della Resurrezione, vediamo l'immagine giorno del giudizio e angeli che rotolano il rotolo del cielo.
5. Icona Vladimir della Madre di Dio
Primo terzo del XII secolo
L'immagine fu dipinta a Costantinopoli e portata negli anni '30 del XII secolo in dono dal Patriarca di Costantinopoli al principe Yuri Dolgorukiy di Kiev. L'icona è stata collocata a Vyshgorod Ora il centro distrettuale nella regione di Kiev; situato sulla riva destra del Dnepr, a 8 km da Kiev. dove divenne famosa per i miracoli. Nel 1155, il figlio di Yuri, Andrey Bogolyubsky, lo portò a Vladimir, dove l'icona si trovava per più di due secoli. Nel 1395, per volere del Granduca Vasily Dmitrievich, fu portata a Mosca, nella Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino, dove rimase fino al 1918, quando fu portata per il restauro. Ora è nella Galleria Statale Tretyakov. Questa icona è associata a leggende su numerosi miracoli, tra cui la liberazione di Mosca dall'invasione di Tamerlano nel 1395. Metropolitani e patriarchi furono eletti prima di lei, i monarchi furono incoronati nel regno. La Madonna di Vladimir è venerata come un talismano della terra russa.
Sfortunatamente, l'icona non è in ottime condizioni; secondo i lavori di restauro del 1918 fu più volte riscritto: nella prima metà del XIII secolo dopo la rovina di Baty; all'inizio del XV secolo; nel 1514, nel 1566, nel 1896. Del dipinto originale solo i volti della Madre di Dio e del Cristo bambino, parte della calotta e il bordo del mantello - maforia Maforius- abbigliamento femminile a forma di tavola, che copre quasi l'intera figura della Madre di Dio. con assist d'oro Assistere- nella pittura di icone, tratti d'oro o d'argento sulle pieghe dei vestiti, sulle ali degli angeli, sugli oggetti, che simboleggiano i riflessi della luce divina., una parte di una tunica ocra di Gesù con un assist d'oro e una camicia visibile da sotto, la mano sinistra del bambino e parte della mano destra, i resti di uno sfondo dorato con frammenti dell'iscrizione: "Mr. .U".
Tuttavia, l'immagine ha mantenuto il suo fascino e l'elevata intensità spirituale. È costruito su una combinazione di tenerezza e forza: la Madre di Dio le stringe suo Figlio, volendo proteggerla da future sofferenze, ed Egli le preme dolcemente la guancia e le abbraccia il collo con la mano. Gli occhi di Gesù sono fissi con amore sulla Madre, ei suoi occhi guardano lo spettatore. E in questo sguardo penetrante c'è un'intera gamma di sentimenti: dal dolore e dalla compassione alla speranza e al perdono. Questa iconografia, sviluppata a Bisanzio, ha ricevuto il nome di "Tenerezza" in Rus', che non è una traduzione del tutto accurata. Parola greca"eleusa" - "misericordia", come venivano chiamate molte immagini della Madre di Dio. A Bisanzio, questa iconografia era chiamata "Glykophilus" - "Dolce bacio".
Colore icona ( noi stiamo parlando sui volti) è costruito su una combinazione di ocra trasparente e rivestimenti colorati con transizioni tonali, velature (galleggianti) e sottili tratti di luce bianca, che crea l'effetto della carne più delicata, quasi respirante. Gli occhi della Madre di Dio sono particolarmente espressivi, sono dipinti con vernice marrone chiaro non ululante, con un tratto rosso nella lacrima. Le labbra splendidamente sagomate sono dipinte con cinabro in tre tonalità. Il viso è incorniciato da un berretto blu con pieghe blu scuro, delineato da un contorno quasi nero. Il viso del bambino è scritto dolcemente, l'ocra trasparente e il marrone creano l'effetto della calda e morbida pelle del bambino. L'espressione vivace e spontanea del volto di Gesù è resa anche da vigorose pennellate di pittura che ne plasmano la forma. Tutto ciò testimonia l'elevata abilità dell'artista che ha creato questa immagine.
Il maforio ciliegia scuro della Madre di Dio e il chitone dorato del Divino Bambino furono dipinti molto più tardi dei volti, ma nel complesso si inseriscono armoniosamente nell'immagine, creando un bel contrasto, e la sagoma generale delle figure, unite da abbracci in un unico insieme, è una sorta di piedistallo per bei volti.
Icona Vladimir bifacciale, portatile (cioè per compiere varie processioni, processioni religiose), sul retro è presente un altare con strumenti delle passioni (inizio XV secolo). Sul trono, coperto da un drappo rosso ornato di ornamenti d'oro con bordi d'oro, sono chiodi, una corona di spine e un libro rilegato d'oro, e su di esso è una colomba bianca con un'aureola d'oro. Sopra il trono si erge una croce, una lancia e un bastone. Se leggiamo l'immagine della Madre di Dio in unità con il fatturato, allora il tenero abbraccio della Madre di Dio e del Figlio diventa un prototipo della futura sofferenza del Salvatore; stringendo al petto il Cristo bambino, la Madre di Dio piange la sua morte. Ecco com'è dentro Rus' antica e comprendere l'immagine della Madre di Dio, che dà alla luce Cristo per un sacrificio redentore in nome della salvezza dell'umanità.
6. Icona "Salvatore non fatto da mani"
Novgorod, XII secolo
Stato Galleria Tretyakov/Wikimedia Commons
L'icona portatile a doppia faccia del Salvatore non fatto da mani con la scena “Adorazione della Croce” sul retro, monumento di epoca pre-mongola, testimonia la profonda assimilazione del patrimonio artistico e teologico di Bisanzio da parte dell'icona russa pittori.
Su una tavola vicina a un quadrato (cm 77×71) è raffigurato il volto del Salvatore, circondato da un'aureola con mirino. grande, largo Apri gli occhi Guardano leggermente a sinistra di Cristo, ma allo stesso tempo lo spettatore sente di essere nel campo visivo del Salvatore. Gli archi alti delle sopracciglia sono curvi e sottolineano la nitidezza dello sguardo. barba biforcuta e capelli lunghi con un assist d'oro incorniciano il volto del Salvatore: severi, ma non duri. L'immagine è concisa, sobria, molto capiente. Non c'è azione qui, no dettagli aggiuntivi, solo una faccia, un'aureola con croce e lettere - IC XC (abbreviato "Gesù Cristo").
L'immagine è stata creata dalla mano ferma di un artista che possiede un disegno classico. La simmetria quasi perfetta del volto ne sottolinea il significato. La colorazione sobria ma raffinata si basa su sottili transizioni di ocra - dal giallo dorato al marrone e all'oliva, sebbene oggi le sfumature di colore non siano visibili nella loro interezza a causa della perdita degli strati pittorici superiori. A causa delle perdite, le tracce dell'immagine delle pietre preziose nel mirino dell'aureola e delle lettere negli angoli superiori dell'icona sono appena visibili.
Nome " Santissimo Salvatore”è collegato alla leggenda della prima icona di Cristo, creata non dalle mani, cioè non dalla mano dell'artista. Questa leggenda dice: il re Abgar viveva nella città di Edessa, era malato di lebbra. Sentendo parlare di Gesù Cristo che guariva i malati e risuscitava i morti, mandò dietro di lui un servitore. Non potendo lasciare la sua missione, Cristo decise comunque di aiutare Abgar: gli lavò il viso, lo asciugò con un asciugamano, e subito il volto del Salvatore impresso miracolosamente sul tessuto. Il servo portò questo asciugamano (ubrus) ad Avgar e il re fu guarito.
La Chiesa considera l'immagine miracolosa come prova dell'Incarnazione, poiché ci mostra il volto di Cristo - Dio, che si è fatto uomo ed è venuto sulla terra per la salvezza delle persone. Questa salvezza si realizza attraverso il Suo sacrificio espiatorio, che è simboleggiato dalla croce nell'aureola del Salvatore.
Al sacrificio espiatorio di Cristo è dedicata anche la composizione sul retro dell'icona, che raffigura la croce del Golgota, sulla quale pende una corona di spine. Ai lati della croce adorano arcangeli con strumenti di passione. A sinistra, Michele con una lancia che trafisse il cuore del Salvatore sulla croce; a destra, Gabriele con un bastone e una spugna imbevuta di aceto, che fu dato da bere al crocifisso. In alto - serafini infuocati e cherubini dalle ali verdi con ripidi Ripidi- oggetti liturgici - cerchi metallici montati su lunghi manici con l'immagine di serafini a sei ali. nelle mani, così come il sole e la luna - due facce in medaglioni rotondi. Sotto la croce vediamo una piccola caverna nera, e in essa si trovano il teschio e le ossa di Adamo, il primo uomo che, con la sua disobbedienza a Dio, fece precipitare l'umanità nel regno della morte. Cristo, il secondo Adamo, come viene chiamato Sacra Bibbia, con la sua morte in croce, vince la morte, restituendo all'umanità la vita eterna.
L'icona si trova nella Galleria Statale Tretyakov. Prima della rivoluzione, era conservato nella Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca. Ma inizialmente, come stabilito da Gerold Vzdornov Gerold Vzdornov(nato nel 1936) è uno specialista nella storia dell'antica arte e cultura russa. Primo Ricercatore Istituto Statale di Ricerca per il Restauro. Creatore del Museo degli affreschi di Dionigi a Ferapontov., proviene dalla chiesa lignea della Sacra Immagine di Novgorod, eretta nel 1191, ora defunta.
7. Presumibilmente Teofane il Greco. Icona della Trasfigurazione del Signore
Pereslavl-Zalessky, intorno al 1403
Galleria statale Tretyakov / Wikimedia Commons Tra le opere dell'antica arte russa che si trovano nelle sale della Galleria Tretyakov, l'icona "Trasfigurazione" attira l'attenzione non solo per le sue grandi dimensioni - 184 × 134 cm, ma anche per l'interpretazione originale del racconto evangelico. Questa icona era una volta un'icona del tempio nella Cattedrale della Trasfigurazione di Pereslavl-Zalessky. Nel 1302 Pereslavl divenne parte del principato di Mosca e quasi cento anni dopo gran Duca Vasily Dmitrievich sta intraprendendo la ristrutturazione dell'antica cattedrale Spassky, costruita nel XII secolo. Ed è del tutto possibile che abbia attratto il famoso pittore di icone Teofano il Greco, che aveva precedentemente lavorato a Veliky Novgorod, Nizhny Novgorod e in altre città. Nei tempi antichi le icone non erano firmate, quindi la paternità di Teofano non può essere provata, ma la calligrafia speciale di questo maestro e la sua connessione con il movimento spirituale, chiamato esicasmo, parlano a suo favore. Esicasmo Attenzione speciale dedicato al tema delle energie divine, o, in altre parole, della luce increata del Tabor, che gli apostoli contemplarono durante la Trasfigurazione di Cristo sul monte. Consideriamo come il maestro crea un'immagine di questo fenomeno luminoso.
Vediamo un paesaggio montuoso sull'icona, in alto montagna centrale sta Gesù Cristo, con la mano destra benedice, con la sinistra tiene un rotolo. Alla sua destra c'è Mosè con la tavoletta, a sinistra c'è il profeta Elia. Ai piedi del monte ci sono tre apostoli, vengono gettati a terra, Giacomo si copre gli occhi con la mano, Giovanni si volta per la paura e Pietro, indicando con la mano Cristo, come testimoniano i vangeli, esclama: “Esso ci fa bene qui con voi, facciamo tre tende» (Mt 17,4). Cosa colpì così tanto gli apostoli, provocando tutta una serie di emozioni, dalla paura alla gioia? Questa, ovviamente, è la luce che è venuta da Cristo. In Matteo leggiamo: “E fu trasformato davanti a loro, e il suo volto risplendeva come il sole e le sue vesti divennero candide come la luce” (Matteo 17:2). E sull'icona Cristo è vestito con abiti splendenti: bianco con riflessi dorati, da Lui emana uno splendore sotto forma di una stella bianco-oro a sei punte, circondata da una mandorla sferica blu, trafitta da sottili raggi dorati. Bianco, oro, blu: tutte queste modificazioni della luce creano l'effetto di uno splendore multiforme attorno alla figura di Cristo. Ma la luce va oltre: tre raggi provengono dalla stella, raggiungono ciascuno degli apostoli e li inchiodano letteralmente al suolo. Sulle vesti dei profeti e degli apostoli ci sono anche riflessi di luce bluastra. La luce scivola sui monti, sugli alberi, cade dove può, anche le grotte sono delineate di bianco: sembrano imbuti usciti da un'esplosione - come se la luce che viene da Cristo non solo illumina, ma penetra nella terra, trasforma, cambia l'universo.
Lo spazio dell'icona si sviluppa dall'alto verso il basso, come un ruscello che scende da una montagna, pronto a confluire nella zona dello spettatore e coinvolgerlo in quanto sta accadendo. Il tempo dell'icona è il tempo dell'eternità, qui tutto accade contemporaneamente. L'icona combina piani di epoche diverse: a sinistra, Cristo e gli apostoli stanno salendo la montagna, ea destra stanno già scendendo dalla montagna. E negli angoli superiori vediamo le nuvole, sulle quali gli angeli portano Elia e Mosè sul Monte della Trasfigurazione.
L'icona "Trasfigurazione" di Pereslavl-Zalessky è un'opera unica, scritta con virtuosa abilità e libertà, mentre qui puoi vedere l'incredibile profondità di interpretazione del testo evangelico e trovare la loro immagine visiva di quelle idee che sono state espresse dai teorici di esicasmo - Simeone il Nuovo Teologo, Grigory Palamas , Gregorio del Sinai e altri.
8. Andrej Rublev. Icona "Trinità"
All'inizio del XV secolo
Galleria statale Tretyakov / Wikimedia Commons L'immagine della Santissima Trinità è l'apice dell'opera di Andrei Rublev e l'apice dell'antica arte russa. Il "Racconto dei pittori di icone sacre", compilato alla fine del XVII secolo, afferma che l'icona fu dipinta per ordine dell'abate del Monastero della Trinità Nikon "in memoria e lode di San Sergio", rendendo la contemplazione di la Santissima Trinità il centro della sua vita spirituale. Andrei Rublev è riuscito a riflettere nei dipinti tutta la profondità dell'esperienza mistica di San Sergio di Radonezh, il fondatore del movimento monastico, facendo rivivere la preghiera e la pratica contemplativa, che, a sua volta, ha influenzato la rinascita spirituale della Rus' alla fine del XIV - inizio XV sec.
Dal momento della creazione l'icona si trovava nella Cattedrale della Trinità, nel tempo si è oscurata, è stata più volte rinnovata, ricoperta di paramenti dorati, e per molti secoli nessuno ne ha visto la bellezza. Ma nel 1904 accadde un miracolo: su iniziativa del paesaggista e collezionista Ilya Semenovich Ostro-ukhov, membro della Commissione archeologica imperiale, un gruppo di restauratori guidati da Vasily Guryanov iniziò a ripulire l'icona. E quando un involtino di cavolo e l'oro fecero improvvisamente capolino da sotto gli strati scuri, fu percepito come un fenomeno di bellezza veramente paradisiaca. L'icona in quel momento non fu pulita, solo dopo la chiusura della Lavra nel 1918 fu portata ai Laboratori Centrali di Restauro e la pulizia continuò. Il restauro fu completato solo nel 1926.
La trama dell'icona era il 18 ° capitolo del Libro della Genesi, che racconta come un giorno tre viaggiatori vennero dall'antenato Abramo e lui organizzò un pasto per loro, poi gli angeli (in greco "angelos" - "messaggero, messaggero") disse ad Abramo che avrebbe avuto un figlio, dal quale Grandi persone. Tradizionalmente, i pittori di icone ritraevano "L'ospitalità di Abramo" come una scena della vita quotidiana, in cui lo spettatore immaginava solo che i tre angeli simboleggiassero la Santissima Trinità. Andrei Rublev, esclusi i dettagli quotidiani, ha raffigurato solo tre angeli come l'apparizione della Trinità, rivelandoci il segreto della Divina Trinità.
Su uno sfondo dorato (ora quasi perduto) sono raffigurati tre angeli seduti attorno a un tavolo su cui poggia una ciotola. L'angelo di mezzo si erge sopra il resto, dietro di lui cresce un albero (l'albero della vita), dietro l'angelo di destra c'è una montagna (un'immagine del mondo montano), dietro a sinistra c'è un edificio (le camere di Abramo e l'immagine dell'economia divina, la Chiesa). Le teste degli angeli sono chinate come se stessero conversando in silenzio. I loro volti sono simili, come se fosse un volto, raffigurato tre volte. La composizione si basa su un sistema di cerchi concentrici, che convergono al centro dell'icona, dove è raffigurata una ciotola. Nella ciotola vediamo la testa di un vitello, simbolo di sacrificio. Davanti a noi c'è un pasto sacro in cui viene fatto un sacrificio espiatorio. L'angelo di mezzo benedice la coppa; quello seduto alla sua destra esprime con un gesto il consenso ad accettare la coppa; un angelo, posto alla sinistra di quello centrale, sposta la coppa verso colui che gli è seduto di fronte. Andrei Rublev, che era chiamato un veggente di Dio, ci rende testimoni di come nelle viscere della Santissima Trinità si stia svolgendo un concilio su un sacrificio redentore per la salvezza dell'umanità. Nei tempi antichi, questa immagine era chiamata "Eternal Council".
Naturalmente, lo spettatore ha una domanda: chi è chi su questa icona? Vediamo che l'angelo di mezzo è vestito con gli abiti di Cristo: un chitone color ciliegia e un himation blu Imazio(greco antico "tessuto, mantello") - tra gli antichi greci, capispalla a forma di pezzo rettangolare di tessuto; solitamente indossato sopra una tunica.
Chitone- somiglianza di una camicia, più spesso senza maniche., quindi, possiamo presumere che questo sia il Figlio, la seconda persona della Santissima Trinità. In questo caso, alla sinistra dello spettatore è raffigurato un Angelo, che personifica il Padre, la sua tunica blu è ricoperta da un mantello rosato. A destra c'è lo Spirito Santo, l'angelo è vestito con abiti blu-verdi (il verde è un simbolo dello spirito, la rinascita della vita). Questa versione è la più comune, sebbene ci siano altre interpretazioni. Spesso, sulle icone dell'angelo medio, raffiguravano un alone di croce e incise IC XC - le iniziali di Cristo. Tuttavia, la Cattedrale di Stoglavy del 1551 proibiva severamente la raffigurazione di aureole a forma di croce e l'iscrizione del nome nella Trinità, spiegando che l'icona della Trinità non raffigura separatamente il Padre, il Figlio e lo Spirito Santo, ma lo è un'immagine della divina tri-unità e della trinità dell'essere divino. Allo stesso modo, ciascuno degli angeli può sembrarci l'una o l'altra ipostasi, poiché, secondo San Basilio Magno, "Il Figlio è l'immagine del Padre e lo Spirito è l'immagine del Figlio". E quando guardiamo da un angelo all'altro, vediamo quanto sono simili e come non sono simili: la stessa faccia, ma vestiti diversi, gesti diversi, pose diverse. Così il pittore di icone trasmette il mistero dell'inseparabilità e dell'inseparabilità delle ipostasi della Santissima Trinità, il mistero della loro consustanzialità. Secondo le definizioni della Cattedrale di Stoglavy Cattedrale di Stoglavy — cattedrale della chiesa 1551, sì, le decisioni della cattedrale furono presentate a Stoglav., l'immagine creata da Andrei Rublev è l'unica immagine accettabile della Trinità (che però non sempre viene rispettata).
In un'immagine scritta in Tempi difficili conflitto principesco e Giogo tataro-mongolo, si incarna il testamento di San Sergio: "Guardando la Santissima Trinità, l'odiato conflitto di questo mondo è sconfitto".
9. Dionisio. Icona "Metropolitan Alexy with Life"
FINE XV - inizi del XVI secolo
Galleria statale Tretyakov / Wikimedia Commons
L'icona agiografica di Alessio, metropolita di Mosca, fu dipinta da Dionisio, i cui contemporanei lo chiamavano “il famigerato filosofo” (famoso, glorificato) per la sua maestria. La datazione più comune dell'icona è il 1480, quando fu costruita e consacrata la nuova Cattedrale dell'Assunzione a Mosca, per la quale a Dionisio furono ordinate due icone dei santi di Mosca: Alessio e Pietro. Tuttavia, alcuni ricercatori attribuiscono la scrittura dell'icona all'inizio del XVI secolo sulla base del suo stile, in cui trovò l'espressione classica dell'abilità di Dionisio, che si manifestò in modo più completo nella pittura del Ferapontov Monastero.
È chiaro, infatti, che l'icona è stata dipinta da un maestro maturo, che padroneggiava sia lo stile monumentale (la dimensione dell'icona è 197 × 152 cm) sia la scrittura in miniatura, che si nota nell'esempio dei segni distintivi. stigma- piccole composizioni con trama indipendente, situate sull'icona attorno all'immagine centrale - il fulcro.. Si tratta di un'icona agiografica, dove l'immagine del santo al centro è circondata da punzoni con scene della sua vita. La necessità di un'icona del genere potrebbe sorgere dopo la ricostruzione della cattedrale del monastero di Chudov nel 1501-1503, il cui fondatore fu il metropolita Alessio.
Il metropolita Alexy lo era personalità eccezionale. Discendente dalla famiglia boiardo di Byakontov, fu tonsuratore del monastero dell'Epifania a Mosca, poi divenne metropolita di Mosca, svolse un ruolo di primo piano nel governo dello stato sotto Ivan Ivanovich Krasny (1353-1359) e sotto il suo giovane figlio, Dmitry Ivanovich, in seguito soprannominato Donskoy (1359-1389). Possedendo il dono di un diplomatico, Alexy riuscì a stabilire relazioni pacifiche con l'Orda.
Al centro dell'icona, il metropolita Alessio è rappresentato a figura intera, in solenni paramenti liturgici: un sakkos rosso Sakkos- abiti lunghi e larghi con maniche larghe, paramenti liturgici di un vescovo., decorato con croci dorate in cerchi verdi, in cima al quale pende una stola bianca con croci Stola- parte dei paramenti dei sacerdoti, portata al collo sotto la veste e una fascia che scende fino in fondo. Questo è un simbolo della grazia del sacerdote, e senza di essa il sacerdote non svolge nessuno dei servizi divini., sulla testa - una vongola bianca bambola- la veste superiore di un monaco che ha assunto il grande schema (il più alto grado di rinuncia monastica) sotto forma di cappuccio a punta con due lunghe strisce di stoffa che coprono la schiena e il petto.. Con la mano destra il santo benedice, con la sinistra tiene il Vangelo con un bordo rosso, in piedi su un velo verde chiaro (fazzoletto). Il colore dell'icona è dominato da Colore bianco, su cui risalta brillantemente un'ampia varietà di toni e sfumature: dal verde freddo nuovo e bluastro, rosa pallido e giallo ocra a macchie luminose di cinabro scarlatto lampeggiante. Tutto questo multicolore rende l'icona festosa.
Il centrotavola è incorniciato da venti segni distintivi della vita, che dovrebbero essere letti da sinistra a destra. L'ordine dei segni distintivi è il seguente: la nascita di Eleuterio, futuro metropolita Alessio; avvicinare i giovani all'insegnamento; un sogno di Eleuterio, che prefigurava la sua vocazione di pastore (secondo la Vita di Alessio, durante un sogno udì le parole: “Ti farò pescatore di uomini”); la tonsura di Eleuterio e la denominazione del nome Alessio; la nomina di Alessio a vescovo della città di Vladimir; Alessio nell'Orda (sta con un libro in mano davanti al khan seduto sul trono); Alessio chiede a Sergio di Radonezh di dare il suo discepolo [Sergio] Andronik come abate nel monastero di Spassky (in seguito Andronikov) da lui fondato nel 1357; Alessio benedice Andronico per l'egumenato; Alexy prega sulla tomba del metropolita Pietro prima di partire per l'Orda; Khan incontra Alexis nell'Orda; Alexy guarisce Khansha Taidula dalla cecità; Il principe di Mosca con i ragazzi-arieti incontra Alessio al suo ritorno dall'Orda; Alessio, sentendo l'avvicinarsi della morte, propone a Sergio di Radonezh di diventare il suo successore, metropolita di Mosca; Alexy si sta preparando una tomba nel Monastero dei Miracoli; la morte di Sant'Alessio; acquisizione di reliquie; inoltre i miracoli del metropolita: il miracolo del bambino morto, il miracolo del monaco zoppo Naum e altri.
10. Icona "Giovanni Battista - Angelo del deserto"
1560
Museo centrale dell'antica cultura e arte russa. Andrej Rublev / icon-art.info L'icona proviene dalla Cattedrale della Trinità del monastero Stefano-Makhrishchsky vicino a Mosca, ora si trova nel Museo centrale dell'antica cultura russa Andrei Rublev. La dimensione dell'icona è 165,5 × 98 cm.
L'iconografia dell'immagine sembra insolita: Giovanni Battista è raffigurato con ali d'angelo. Questa è un'immagine simbolica che rivela la sua speciale missione di messaggero ("angelos" in greco - "messaggero, messaggero"), profeta e precursore del Messia (Cristo). L'immagine risale non solo al Vangelo, dove viene dato Giovanni grande attenzione, ma anche alla profezia di Malachia: «Ecco, io mando il mio angelo, ed egli preparerà davanti a me la via» (Mc 3,1). Come i profeti dell'Antico Testamento, Giovanni ha chiesto il pentimento, è venuto prima della venuta stessa di Cristo per preparargli la strada ("Precursore" e significa "andare avanti"), e anche le parole del profeta Isaia sono state attribuite a lui: “Voce di uno che grida nel deserto: Preparate la via del Signore, raddrizzate i suoi sentieri” (Isaia 40:3).
Giovanni Battista appare vestito di sacco e himation, con un cartiglio e una coppa in mano. Sul rotolo c'è un'iscrizione composta da frammenti del suo sermone: “Ecco, ho visto e ho testimoniato di me, come se fossi l'Agnello di Dio, togli i peccati del mondo. Pentitevi più vicino, per paura del Regno dei Cieli, la scure è già alla radice dell'albero, perché ogni albero è tagliato” (Giovanni 1:29; Matteo 3:2, 10). E come illustrazione di queste parole - proprio lì, ai piedi del Battista, è raffigurata un'ascia alla radice di un albero, un ramo del quale viene abbattuto e l'altro diventa verde. Questo è un simbolo del Giudizio Universale, a dimostrazione che il tempo è vicino e presto ci sarà un giudizio per questo mondo, il Giudice del Cielo punirà i peccatori. Allo stesso tempo, nella coppa vediamo la testa di Giovanni, simbolo del suo martirio, che subì per la sua predicazione. La morte del Precursore ha preparato il sacrificio espiatorio di Cristo, che concede la salvezza ai peccatori, e quindi Giovanni benedice coloro che pregano con la mano destra. Nel volto di Giovanni, asceta, con profondi solchi di rughe, sono visibili farina e compassione.
Lo sfondo dell'icona è verde scuro, molto caratteristico della pittura di icone di quel tempo. Le ali ocra di John assomigliano a lampi di fuoco. In generale, il colore dell'icona è cupo, che trasmette lo spirito dei tempi: pesante, pieno di paure, cattivi segni, ma anche speranze di salvezza dall'alto.
Nell'arte russa, l'immagine di Giovanni Battista, l'angelo del deserto, è nota dal XIV secolo, ma diventa particolarmente popolare nel XVI secolo, nell'era di Giovanni il Terribile, quando gli stati d'animo così yang in società stanno aumentando. Giovanni Battista era il patrono celeste di Ivan il Terribile. Il monastero Stefano-Makhrishchsky godeva di uno speciale patrocinio dello zar, come confermato dagli inventari del monastero contenenti informazioni sui numerosi contributi reali effettuati negli anni Sessanta e Settanta del Cinquecento. Tra questi contributi c'era questa icona.
Vedere anche materiali "", "" e microheading "".