Immagine di una grande famiglia di descrizione di René Magritte. René Magritte, dipinti, enigmi filosofici e surrealismo

13.02.2019

Bella Adzeeva

L'artista belga René Magritte, nonostante la sua indubbia appartenenza al surrealismo, si è sempre distinto nel movimento. In primo luogo, era scettico riguardo forse alla passione principale dell'intero gruppo di Andre Breton: la psicoanalisi di Freud. In secondo luogo, i dipinti stessi di Magritte non assomigliano né alle folli trame di Salvador Dalì né ai bizzarri paesaggi di Max Ernst. Magritte utilizzava per lo più immagini quotidiane ordinarie - alberi, finestre, porte, frutti, figure di persone - ma i suoi dipinti non sono meno assurdi e misteriosi del lavoro dei suoi eccentrici colleghi. Senza creare oggetti e creature fantastici dalle profondità del subconscio, Artista belga fece ciò che Lautréamont chiamava arte: organizzò "un incontro di un ombrello e macchina da scrivere sul tavolo operatorio", combinando in modo non banale cose banali. Critici d'arte e intenditori offrono ancora nuove interpretazioni dei suoi dipinti e dei loro titoli poetici, quasi mai associati all'immagine, il che conferma ancora una volta che la semplicità di Magritte è ingannevole.

Lo stesso René Magritte non chiamava la sua arte nemmeno surrealismo, ma realismo magico, ed era molto diffidente nei confronti di ogni tentativo di interpretazione, e ancor più della ricerca di simboli, sostenendo che l'unica cosa da fare con i dipinti è considerarli.

Da quel momento in poi, Magritte tornò periodicamente all'immagine di un misterioso straniero con una bombetta, raffigurandolo su una spiaggia sabbiosa, o su un ponte cittadino, o in una foresta verde o di fronte paesaggio montano. Potrebbero esserci due o tre estranei, stavano con le spalle allo spettatore o di mezza faccia, e talvolta - come, ad esempio, nel dipinto High Society (1962) (può essere tradotto come " alta società"- ndr) - l'artista ha segnato solo il contorno di un uomo con una bombetta, riempiendolo di nuvole e fogliame. La maggior parte dipinti famosi, raffigurante uno sconosciuto - "Golconda" (1953) e, ovviamente, "Il figlio dell'uomo" (1964) - l'opera più replicata di Magritte, le cui parodie e allusioni sono così comuni che l'immagine vive già separatamente dal suo creatore. Inizialmente, René Magritte dipinse il quadro come un autoritratto, dove simboleggiava la figura di un uomo uomo moderno che ha perso la sua individualità, ma è rimasto figlio di Adamo, che non riesce a resistere alle tentazioni - da qui la mela che gli copre il volto.

"Amanti"

Rene Magritte commentava spesso i suoi dipinti, ma lasciava uno dei più misteriosi - "Lovers" (1928) - senza spiegazione, lasciando spazio all'interpretazione di critici d'arte e fan. Il primo vedeva ancora nel dipinto un riferimento all’infanzia dell’artista e alle esperienze legate al suicidio della madre (quando il suo corpo fu estratto dal fiume, la testa della donna era coperta dall’orlo della camicia da notte - ndr). Il più semplice e ovvio versioni esistenti- "L'amore è cieco" - non ispira fiducia tra gli specialisti, che spesso interpretano il quadro come un tentativo di trasmettere l'isolamento tra persone che non riescono a superare l'alienazione anche nei momenti di passione. Altri vedono qui l'impossibilità di comprendere e conoscere fino in fondo le persone vicine, altri interpretano "Gli Amanti" come una metafora realizzata del "perdere la testa con l'amore".

Nello stesso anno, Rene Magritte dipinse un secondo dipinto intitolato "Lovers" - su di esso anche i volti di un uomo e di una donna sono chiusi, ma le loro pose e lo sfondo sono cambiati e l'atmosfera generale è cambiata da tesa a pacifica.

Comunque sia, "Lovers" rimane uno dei dipinti più riconoscibili di Magritte, la cui atmosfera misteriosa è presa in prestito dagli artisti di oggi - ad esempio, la copertina si riferisce ad esso. album di debutto Gruppo britannico Funerale per un amico vestito in modo casual e immerso nella conversazione (2003).

"Tradimento delle immagini", ovvero Non è...

I nomi dei dipinti di René Magritte e la loro connessione con l'immagine sono un argomento per uno studio separato. "Chiave di vetro", "Raggiungere l'impossibile", "Il destino umano", "L'ostruzione del vuoto", " mondo meraviglioso", "Impero di luce" sono poetici e misteriosi, non descrivono quasi mai ciò che lo spettatore vede sulla tela, e si può solo immaginare quale significato l'artista abbia voluto dare al nome in ogni singolo caso. "I nomi sono scelti in in modo tale da non permettermi di collocare i miei quadri nel regno del familiare, dove l'automatismo del pensiero funzionerà sicuramente per prevenire l'ansia ", ha spiegato Magritte.

Nel 1948 creò il dipinto "Il tradimento delle immagini", che divenne uno dei più importanti opere famose Magritte, grazie all'iscrizione su di esso: dall'incoerenza, l'artista arrivò alla smentita, sotto l'immagine di una pipa, scrivendo "Questa non è una pipa". "Quella famosa pipa. Come me la rimproveravano! Eppure si può riempirla di tabacco? No, è solo una foto, vero? Quindi se scrivessi sotto la foto "Questa è una pipa", direi mentire!" ha detto l'artista.

Cielo Magritte

Il cielo con le nuvole che lo attraversano è un'immagine così quotidiana e usata che per realizzarla " biglietto da visita"Un artista in particolare sembra impossibile. Tuttavia, il cielo di Magritte non può essere confuso con quello di qualcun altro - più spesso perché nei suoi dipinti si riflette in specchi bizzarri e occhi enormi, riempie i contorni degli uccelli e, insieme alla linea dell'orizzonte dal paesaggio passa impercettibilmente al cavalletto (serie "Destino Umano"). cielo sereno funge da sfondo per uno sconosciuto in bombetta ("Decalcomania", 1966), sostituisce le pareti grigie della stanza ("Valori personali", 1952) ed è rifratto in specchi tridimensionali ("Cosmogonia elementare", 1949) .

Il famoso "Impero della luce" (1954), a quanto pare, non somiglia affatto all'opera di Magritte: nel paesaggio serale, a prima vista, non c'era posto per oggetti insoliti e combinazioni misteriose. Eppure esiste una tale combinazione, e rende l'immagine "Magritte" - un cielo limpido diurno sopra un lago e una casa immersa nell'oscurità.

18.07.2017 Oksana Kopenkina

Renè Magritte. Chiaroveggenza (autoritratto). 54 x 64,9 cm.1936 Collezione privata. Artchive.ru

Non c'è una goccia di postura nell'arte di René Magritte. Non "interessa" lo spettatore con l'aiuto del suo dipinti misteriosi. Invece, esorta a pensare.

La pittura che piace alla vista non è arte per Magritte. Per lui è completamente vuoto.

Oggi le enciclopedie definiscono Magritte un eccezionale surrealista. Al maestro non piacerebbe. Evitava la psicoanalisi e non gli piaceva Freud.

Dopo aver rotto una volta i suoi legami creativi con André Bretton (il teorico del surrealismo), ha proibito di definirsi surrealista.

Divenne il pioniere del realismo magico. Magritte era generalmente un artista libero, non pronto a separarsi dalla sua libertà in nome del riconoscimento. Pertanto, ha scritto solo ciò che contava per lui.

Polemica sul punto di partenza

René è nato il 21 novembre 1898 nella città di Lessine (Belgio). Dopo poco tempo nacquero altri tre fratelli.

Infanzia felice si è conclusa per il futuro artista all'età di 14 anni. Nel 1912 sua madre si annegò nel fiume. Vedendo come i cittadini tirarono fuori il corpo senza vita di sua madre, il giovane René cercò di capire il motivo di quello che era successo. Ha sempre creduto nel potere del pensiero. Devi solo impegnarti al massimo e poi la mente troverà le risposte.

Oggi gli storici dell'arte discutono sull'impatto della tragedia dell'infanzia sul pittore. Alcuni credono che sia stato sotto gli auspici di questo dramma che sia apparsa una serie di dipinti raffiguranti sirene. È vero, Magritte ha le sirene al contrario: con la parte superiore di un pesce e il fondo umano.

Renè Magritte. invenzione collettiva. 1934 collezione d'arte Nord Reno-Westfalia, Düsseldorf. Wikiart.org

Altri, senza negare l'influenza di questa cupa pagina della biografia, sono ancora propensi a vedere la natura del talento nella personalità stessa dell'artista.

R.Magritte. Ritratto. 1935 MOMA, New York

Era un vero visionario. Ha inventato giochi e intrattenimento senza precedenti. Ma la mentalità romantica di René era estranea ai suoi fratelli. Non sono mai riusciti a diventare persone di famiglia.

Chissà, forse abbiamo il ritratto di uno dei suoi fratelli. Il che riflette la bella relazione tra parenti di sangue.

Vedi l'occhio nella pancetta? Penso che, per usare un eufemismo, sia necessario detestare una persona per poterne dipingere un ritratto del genere.

Amore per tutta la vita

Ma sua moglie, Georgette Berger, è diventata per lui una persona davvero vicina. Si sono conosciuti da adolescenti. E incontrarsi per caso giardino botanico già adulti, mai più separati.

Georgette era la sua musa ispiratrice e migliore amico. Magritte le dedicò più di una tela e lei gli dedicò tutta la vita.

Solo una storia li ha messi in ombra la vita familiare. Dopo 13 anni di matrimonio, Magritte si interessò ad un'altra donna. Georgette si vendicò di lui avendo una relazione con il suo amico. Hanno vissuto separati per 5 anni.

Fu durante questo periodo che per qualche motivo Magritte dipinse questo ritratto di Georgette.

Renè Magritte. Georgette. Museo del 1937 belle arti, Bruxelles. Wikiart.org

Questo ritratto è particolarmente da cartolina. Tale apertura è caratteristica di quasi tutti i dipinti di Magritte.

Nel 1940 la coppia si riunì di nuovo. E non si separarono.

Dopo la morte di suo marito, Georgette ha ricordato che fino ad ora, guardando i suoi dipinti, parla con lui e spesso discute.

Magritte non voleva rappresentare il suo amore come una sorta di cliché. Nel tentativo di arrivare all'essenza di questo sentimento, crea la tela "Lovers". Su di esso sono avvolti nei lenzuoli i volti dei giovani.

Renè Magritte. Amanti. 54 x 73,4 cm 1928 Museo arte contemporanea(MOMA), New York. Renemagritte.org

Quest'opera colpisce per il suo anonimato. Non vediamo i volti degli eroi. Tale impersonalità era caratteristica di quasi tutte le opere dell'artista.

Anche se sui volti non c'era il velo, i lineamenti del viso erano nascosti da un oggetto comune. Ad esempio, una mela.

Renè Magritte. Figlio di uomo. cm 116 x 89. 1964. Collezione privata. Artchive.ru

Riconoscimento e dovere civico

Nel 1918, il giovane si diplomò alla Royal Academy of Fine Arts. Varcata la soglia dell '"alma mater", iniziò faticosamente a cercare mezzi di sussistenza.

Non poteva andare contro la sua idea, adattandosi ai gusti del pubblico. Pertanto, ha trovato lavoro in un laboratorio che dipingeva carte da parati.

È difficile immaginare una contraddizione più triste: l'artista, che soprattutto ha cercato di catturare l'idea, è stato costretto a disegnare fiori sulla carta da parati.

Ma René continuava a scrivere tempo libero. Gli eroi dei suoi dipinti sono oggetti ordinari. O meglio, le idee che si celano dietro di essi.

Esiste una serie di dipinti negativi in cui l'artista disegna deliberatamente, ad esempio, una pipa e lascia una firma: "Questa non è una pipa". Attirando così l'attenzione su ciò che si nasconde dietro il guscio familiare del soggetto.

Renè Magritte. Tradimento delle immagini (Questa non è una pipa). 63,5 x 93,9 cm 1948. Collezione privata. Wikiart.org.

Ogni dipinto di Magritte è una storia spiritosa e indipendente. I componenti della tela non si allargano, non si deformano. Sono realistici e riconoscibili.

Ma nell'aggregato compositivo formano un'idea completamente nuova. Il maestro ha affermato che in ciascuno dei suoi dipinti è “cucito” un significato speciale. Nessun disordine inutile.

Qual è, ad esempio, il significato della pioggia di persone? L'artista stesso non ha mai decifrato i suoi dipinti. Ognuno cerca il sottotesto nascosto per se stesso.

Renè Magritte. Golconda. 100 x 81 cm 1953. Collezione privata, Houston. Artchive.ru

Nel 1927 fu inaugurata la prima mostra di René, che non ebbe un successo di critica. E la coppia Magritte parte per Parigi, capitale dell'arte d'avanguardia.

Dopo una breve collaborazione con il circolo di Bretton, l'artista sceglie la propria strada e raggiunge rapidamente il successo.

I contemporanei ricordano che René era diverso da tutti gli artisti. Non ha mai avuto un proprio laboratorio. E nella casa in cui visse Magritte non c'era il disordine caratteristico del pittore. Magritte diceva che la pittura è stata creata per essere applicata sulla tela, non spalmata sul pavimento.

Tuttavia, i suoi dipinti erano altrettanto “puliti” e addirittura piuttosto asciutti. Linee nette, forme ideali. Il massimo realismo, trasformandosi in un'illusione.

Renè Magritte. Condizioni esistenza umana. 1934 Collezione privata. Artchive.ru

Con l'inizio della guerra, Magritte iniziò a dipingere quadri che non erano caratteristici del suo stile. Il periodo “ ” sarà chiamato questa volta dai critici d’arte.

René pensava che fosse suo dovere civico, per scrivere immagini che affermano la vita, dando speranza allo spettatore. Colomba della pace con coda di fiori - un ottimo esempio L'arte "militare" di Magritte.

Renè Magritte. Auspicio propizio. 1944 Collezione privata. Wikiart.org

Raggiunto l'immortalità

Dopo la guerra, Magritte tornò al suo solito stile, pensando molto alla morte e alla vita.

Basti ricordare le sue parodie di famosi dipinti di altri artisti, dove ha sostituito tutti i personaggi con delle bare. Ecco come appare l’immagine “Balcone” nell’interpretazione di Magritte.

Renè Magritte. Prospettiva II: Il balcone di Manet. 80 x 60 cm 1950 Museo delle Belle Arti, Gand. Artchive.ru

Magritte riconosce la grandezza della morte prima del pensiero. Queste persone persone reali, che un tempo posarono per Edouard Manet, non sono più vivi. E tutti i loro pensieri finirono per sempre nell'oblio.

Ma Magritte è riuscito a ingannare la morte? Sua moglie Georgette ha affermato di sì! È vivo nei suoi dipinti, negli enigmi, negli enigmi, che ognuno porta con sé. E sollecitando lo spettatore a trovare la risposta.

Dopo la morte dell'artista per cancro al pancreas nel 1967, Georgette fino alla fine dei suoi giorni mantenne intatto tutto ciò che apparteneva al suo talentuoso coniuge: pennelli, tavolozza, colori. E sul cavalletto c'era ancora il dipinto incompiuto “Impero della luce”.

Renè Magritte. Impero di Luce. 146 x 114 cm.Anni '50. Collezione Peggy Guggenheim di Venezia.

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(P. Rene Francois Ghislain Magritte; nato il 21 novembre 1898, Lessin, morto il 15 agosto 1967, Bruxelles) - Artista surrealista belga. Conosciuto come autore di dipinti spiritosi e allo stesso tempo poeticamente misteriosi.

René Magritte era visto con sospetto. Soprattutto medici. Soprattutto psicoanalisti. Coloro che non hanno notato alcuna anomalia mentale dietro questo artista hanno cambiato bruscamente idea in seguito. Come hai conosciuto il suo lavoro?

Ma in risposta alle loro invasioni, l'artista stesso, non senza sarcasmo, ha sostenuto che il miglior paziente per uno psicoanalista è un altro altro psicoanalista. E il più popolare a quei tempi, Sigmund Freud, non veniva preso affatto sul serio. Ma ha continuato a disegnare mele e volti, specchi dai riflessi fantastici, bare per i morti seduti e altre stranezze e incomprensibilità.

René trascorse la sua infanzia e giovinezza nella piccola città industriale di Charleroi. La vita era dura.

René Magritte "Il figlio dell'uomo", 1964.

Nel 1912, sua madre si annegò nel fiume Sambre, che a quanto pare aveva grande influenza sul futuro artista allora adolescente. Quando fu ritrovato il cadavere, la sua testa era accuratamente avvolta in un leggero panno di garza.

Probabilmente è per questo che un posto speciale nell'opera di Magritte è occupato dai volti, o meglio, dalla loro assenza. Molto spesso, il volto nel ritratto è coperto da un oggetto estraneo o avvolto in un panno, oppure al posto del viso viene raffigurata semplicemente la parte posteriore della testa o un'altra parte del corpo.

Magritte ha riportato dall'infanzia una serie di altri ricordi, non così tragici, ma non per questo meno misteriosi, di cui lui stesso ha detto che si riflettevano nel suo lavoro.

A partire dal 1916, Magritte studiò all'Accademia reale di belle arti di Bruxelles e lasciò l'Accademia nel 1918. Nello stesso periodo conobbe Georgette Berger, che sposò nel 1922 e con la quale visse fino alla sua morte nel 1967.

L'assassino minacciato - 1927

I dipinti di Magritte sono caratterizzati da uno stile distaccato, per così dire, imperturbabile. Raffigurano oggetti ordinari che Magritte, a differenza di altri grandi surrealisti (Dalì, Ernst), non perdono quasi mai la loro “obiettività”: non si diffondono, non si trasformano nelle proprie ombre. Tuttavia, la combinazione molto strana di questi oggetti colpisce e fa riflettere. L'equanimità dello stile non fa che esacerbare questa sorpresa e immerge lo spettatore in una sorta di stupore poetico causato dal mistero stesso delle cose.

All'età di 14 anni, René incontra una ragazza di nome Georgette. Pochi anni dopo, diventa sua moglie, amante, musa ispiratrice, collega e amica: l'unica modella femminile dell'artista. Non c'erano altre donne nella sua vita. Il bel volto di Georgette è sfuggente nei dipinti di Magritte. È confuso e criptato, come una bellezza sfuggente.

Il significato della notte 1927

L'obiettivo di Magritte, per sua stessa ammissione, è far riflettere lo spettatore. Per questo motivo, i dipinti dell’artista assomigliano spesso a enigmi che non possono essere completamente risolti, poiché sollevano interrogativi sull’essenza stessa dell’essere: Magritte parla sempre dell’inganno del visibile, del suo mistero nascosto, che di solito non notiamo. Esiste un ciclo di opere dell'artista in cui scrive sotto oggetti comuni: questo non è lui. Particolarmente popolare è il dipinto "Tradimento delle immagini", che raffigura una pipa che fuma con la didascalia "Questa non è una pipa". Così Magritte ricorda ancora una volta allo spettatore che l'immagine dell'oggetto non è l'oggetto stesso.

Lui, come Dalì e altri surrealisti, trasferì sogni e pensieri sulla tela. ma odiava quando i critici lo definivano surrealista. "IO - realista magico”, si disse Magritte.

All'età di 18 anni, René andò a studiare all'Accademia di Belle Arti di Bruxelles, dove capì subito che spettava a lui trasferire i dettagli sulla tela. vita reale- angoscia mortale. Qui si “ammala” di cubismo e futurismo nello spirito di Fernand Léger, ma guarisce conoscendo l'opera di Max Ernst e Giorgio de Chirico.

Tempo paralizzato 1938

In generale, i nomi dei dipinti giocano un ruolo speciale in Magritte. Sono quasi sempre poetici e, a prima vista, non hanno nulla a che fare con l'immagine stessa. Ed è proprio in questo che l'artista stesso ne vedeva il significato: credeva che il legame poetico nascosto tra il nome e l'immagine contribuisse a quella magica sorpresa che Magritte vedeva come lo scopo dell'arte.

Nel 1921, Magritte fu arruolato nell'esercito e un anno dopo, al suo ritorno vita civile, trovò lavoro come disegnatore in una fabbrica di carta da parati, dove trascorreva ore a scrivere rose su carta i più piccoli dettagli(le rose diventeranno in seguito uno dei leitmotiv dei suoi dipinti - simbolo di bellezza fatale e insicura - “La tomba di un combattente”, 1961). Poi, insieme al fratello, apre un'agenzia pubblicitaria, che ha permesso loro di dimenticare presto i problemi urgenti.

Nel 1930 ci fu una rottura con Breton. Magritte torna a Bruxelles e, insieme a Paul Delvaux, diventa qui uno dei leader del movimento surrealista. In ciò periodo fruttuoso Magritte creò una serie di dipinti con soggetti misteriosi e poetici, incluso il suo dipinto più spesso copiato, La condizione dell'uomo (1935). L'immagine del mare in un dipinto su un cavalletto davanti finestra aperta, si fonde miracolosamente con la “vera” vista del mare dalla finestra.

Quando i tedeschi occuparono il Belgio nel 1940, Magritte trascorse prima tre mesi in esilio a Carcassonne (Francia), poi tornò a Bruxelles, dove sopravvisse alla guerra. Nell'immediato dopoguerra, Magritte decide di dipingere con tratti ampi, nello stile di Renoir e Matisse, spiegando ciò con il bisogno di trovare la gioia in contrapposizione al pessimismo generale di quegli anni. Questo periodo nell'opera di Magritte è spesso chiamato il periodo del “sole splendente” (“plein soleil”). Ma i motivi dell'impressionismo e del fauvismo nell'opera del maestro dei dipinti misteriosi non convinsero il pubblico e la critica, e nel 1948 l'artista tornò al proprio stile.

“Prendo un oggetto o argomento arbitrario come domanda”, ha scritto, “e poi inizio a cercare un altro oggetto che possa servire come risposta. Per diventare un candidato per una risposta, l'oggetto cercato deve essere collegato all'oggetto della domanda tramite una serie di collegamenti arcani. Se la risposta si presenta in tutta chiarezza, allora si sta stabilendo la connessione tra i due oggetti”. E ancora: “Per me il pensiero consiste inizialmente solo di cose visibili, ed esso stesso può diventare visibile grazie alla pittura”. Renè Magritte

Negli anni '50 l'artista crea alcuni dei suoi capolavori opere famose. Tra questi c'è il dipinto "Golconda" (1953). L'artista ha raffigurato dozzine di rentier ben vestiti (con bombette, cravatte e cappotti alla moda) sospesi in uno spazio sconfinato, pur mantenendo un'assoluta equanimità. Golconda- città antica in India, che è diventato sinonimo innumerevoli tesori e ricchezza, perché è qui che si trovano molti famosi diamanti e altro pietre preziose. Le persone nella foto sembrano attratte dai tesori di Golconda.

Nel 1950-1960, i dipinti di René Magritte sconvolsero il mercato dell'arte statunitense, dove per un'intera stagione si tennero solo le sue mostre. Il denaro affluiva da tutte le parti, ma quest'uomo con la faccia di un gentile farmacista, come affermavano i suoi parenti, rimase fedele a se stesso: niente bohémien, una casa modesta, un laboratorio tranquillo e il suo mezzo di trasporto preferito: il tram.

Magritte morì il 15 agosto 1967, all'età di 69 anni, di cancro, lasciando incompiuto nuova versione il suo dipinto forse più famoso, Empire of Light. Rimase per sempre nella loro stanza su un cavalletto. Georgette disse, rivolgendosi al marito: “In una cosa ti sbagliavi: negli arti Propria vita, nella vittoria della morte su tutto. Sei rimasto vivo non solo per me, ma per tutti coloro che guardano i tuoi quadri: in fondo ci sei tutto tu. Li guardo e ti parlo e discuto come faccio sempre. Hai comunque fatto quello che sognavi. Sei penetrato nello specchio, ma sei rimasto. Hai vinto la morte."

Ha cercato di distruggere la solita idea del noto, immutabile, per far vedere l'oggetto in una nuova dimensione, portando lo spettatore in confusione. Nelle sue tele, ha creato un mondo di fantasia e di sogno partendo da cose reali, immergendo gli spettatori in un'atmosfera di sogno e mistero. L'artista ha saputo brillantemente come "dirigere" i propri sentimenti. Sembrerebbe che il mondo creato dall'artista sia statico e solido, ma il surreale invade sempre l'ordinario, distruggendo questo mondo familiare (una normale mela in una stanza, crescendo, sposta le persone o una locomotiva a vapore salta fuori dal camino a tutta velocità velocità - “Il tempo trafitto”, 1938).

Bella Adzeeva

L'artista belga René Magritte, nonostante la sua indubbia appartenenza al surrealismo, si è sempre distinto nel movimento. In primo luogo, era scettico riguardo forse alla passione principale dell'intero gruppo di Andre Breton: la psicoanalisi di Freud. In secondo luogo, i dipinti stessi di Magritte non assomigliano né alle folli trame di Salvador Dalì né ai bizzarri paesaggi di Max Ernst. Magritte utilizzava per lo più immagini quotidiane ordinarie - alberi, finestre, porte, frutti, figure di persone - ma i suoi dipinti non sono meno assurdi e misteriosi del lavoro dei suoi eccentrici colleghi. Senza creare oggetti e creature fantastici dal profondo del subconscio, l'artista belga ha fatto ciò che Lautreamont chiamava arte: ha organizzato "un incontro di un ombrello e una macchina da scrivere sul tavolo operatorio", combinando cose banali in modo non banale. Critici e intenditori d'arte offrono ancora nuove interpretazioni dei suoi dipinti e dei loro titoli poetici, quasi mai associati all'immagine, il che conferma ancora una volta quanto la semplicità di Magritte sia ingannevole.

Lo stesso René Magritte chiamava la sua arte nemmeno surrealismo, ma realismo magico, ed era molto diffidente nei confronti di ogni tentativo di interpretazione, e ancor più della ricerca di simboli, sostenendo che l'unica cosa da fare con i dipinti è considerarli.

Da quel momento in poi, Magritte ritorna periodicamente all'immagine di un misterioso straniero in bombetta, raffigurandolo su una spiaggia sabbiosa, o su un ponte cittadino, o in una foresta verde o di fronte a un paesaggio montano. Potrebbero esserci due o tre estranei, stavano con le spalle allo spettatore o di mezza faccia, e talvolta - come, ad esempio, nel dipinto High Society (1962) (può essere tradotto come "High Society" - ndr) - L'artista ha indicato solo il contorno di un uomo con una bombetta, riempiendolo di nuvole e foglie. I dipinti più famosi raffiguranti uno sconosciuto sono "Golconda" (1953) e, naturalmente, "Il figlio dell'uomo" (1964) - l'opera più replicata di Magritte, le cui parodie e allusioni sono così comuni che l'immagine vive già separatamente dal suo Creatore. Inizialmente, René Magritte ha dipinto il dipinto come un autoritratto, in cui la figura di un uomo simboleggiava un uomo moderno che ha perso la sua individualità, ma rimane il figlio di Adamo, che non è in grado di resistere alle tentazioni, da qui la mela che gli copre il viso.

"Amanti"

Rene Magritte commentava spesso i suoi dipinti, ma lasciava uno dei più misteriosi - "Lovers" (1928) - senza spiegazione, lasciando spazio all'interpretazione di critici d'arte e fan. Il primo vedeva ancora nel dipinto un riferimento all’infanzia dell’artista e alle esperienze legate al suicidio della madre (quando il suo corpo fu estratto dal fiume, la testa della donna era coperta dall’orlo della camicia da notte - ndr). La più semplice e ovvia delle versioni esistenti - "l'amore è cieco" - non ispira fiducia tra gli specialisti, che spesso interpretano l'immagine come un tentativo di trasmettere isolamento tra persone che non riescono a superare l'alienazione anche nei momenti di passione. Altri vedono qui l'impossibilità di comprendere e conoscere fino in fondo le persone vicine, altri interpretano "Gli Amanti" come una metafora realizzata del "perdere la testa con l'amore".

Comunque sia, "The Lovers" rimane uno dei dipinti più riconoscibili di Magritte, la cui atmosfera misteriosa è presa in prestito dagli artisti di oggi - ad esempio, la copertina dell'album di debutto della band britannica Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003) si riferisce ad esso.

"Tradimento delle immagini", ovvero Non è...

I nomi dei dipinti di René Magritte e la loro connessione con l'immagine sono un argomento per uno studio separato. "Glass Key", "Achieving the Impossible", "Human Destiny", "Obstacle of the Void", "Beautiful World", "Empire of Light" sono poetici e misteriosi, non descrivono quasi mai ciò che lo spettatore vede sulla tela, ma quale significato l'artista ha voluto dare al nome, in ogni singolo caso bisogna solo indovinarlo. "I titoli sono scelti in modo tale da non permettermi di collocare i miei quadri nell'area del familiare, dove l'automatismo del pensiero funzionerà sicuramente per prevenire l'ansia", ha spiegato Magritte.

Nel 1948 realizza il dipinto "Il tradimento delle immagini", che diventa una delle opere più famose di Magritte grazie all'iscrizione su di esso: l'artista passa dall'incoerenza alla negazione, scrivendo "Questa non è una pipa" sotto l'immagine di una pipa . "Quella famosa pipa. Come me la rimproveravano! Eppure si può riempirla di tabacco? No, è solo una foto, vero? Quindi se scrivessi sotto la foto "Questa è una pipa", direi mentire!" ha detto l'artista.

Cielo Magritte

Il cielo con le nuvole che lo attraversano è un'immagine così quotidiana e usata che sembra impossibile farne il "biglietto da visita" di un particolare artista. Tuttavia, il cielo di Magritte non può essere confuso con quello di qualcun altro, più spesso perché nei suoi dipinti si riflette in specchi fantasiosi e occhi enormi, riempie i contorni degli uccelli e, insieme alla linea dell'orizzonte dal paesaggio, passa impercettibilmente a il cavalletto (serie “Destino Umano”). Il cielo sereno fa da sfondo a uno sconosciuto in bombetta ("Decalcomania", 1966), sostituisce le pareti grigie della stanza ("Valori personali", 1952) e si rifrange in specchi tridimensionali ("Cosmogonia elementare" , 1949).