Nature morte del XVII secolo. Segni segreti della natura morta olandese. Natura morta floreale iniziale

I primi dipinti di natura morta da cavalletto apparvero nel 1600 nell'opera di Jan Brueghel e Ambrosius Bosschaert ed erano composizioni elaborate di molti fiori, spesso collocati in un prezioso vaso di vetro veneziano o porcellana cinese.


Jan Brueghel Velluto. "Natura morta". 1598. Kunsthistorisches Museum, Vienna.

Ambrosius Bosshart "Fiori in un vaso", 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.

Balthasar van der Ast. "Natura morta con fiori".1632. Rijksmuseum, Amsterdam.

Un fenomeno straordinario nella storia delle belle arti mondiali ha avuto luogo nel Nord Europa XVII secolo. È conosciuta come la natura morta olandese ed è considerata uno dei pinnacoli della pittura a olio.

Gli intenditori e i professionisti lo hanno ferma convinzione, qual è questo importo? magnifici maestri Coloro che possedevano la tecnologia più avanzata e crearono così tanti capolavori di livello mondiale, pur vivendo in una piccola zona del continente europeo, non si sono mai visti nella storia dell'arte.

Nuovo significato della professione dell'artista

La particolare importanza che la professione di artista acquistò in Olanda a partire dall'inizio del XVII secolo fu il risultato dell'emergere, dopo le prime rivoluzioni antifeudali, degli inizi di un nuovo sistema borghese, della formazione di una classe di cittadini borghesi e contadini ricchi. Per i pittori, questi erano potenziali clienti che plasmavano la moda delle opere d'arte, rendendo la natura morta olandese un prodotto ricercato nel mercato emergente.

IN terre del nord Nei Paesi Bassi, le tendenze riformiste del cristianesimo, sorte nella lotta contro il cattolicesimo, divennero l'ideologia più influente. Anche questa circostanza fece della natura morta olandese il genere principale di intere corporazioni artistiche. I leader spirituali del protestantesimo, in particolare i calvinisti, negarono il significato salvifico della scultura e della pittura su temi religiosi, espulsero addirittura la musica dal mondo. chiesa, che costrinse i pittori a cercare nuovi soggetti.

Nelle vicine Fiandre, rimaste sotto l’influenza cattolica, l’arte si sviluppò secondo leggi diverse, ma la vicinanza territoriale determinò l’inevitabile influenza reciproca. Gli scienziati - storici dell'arte - trovano molto che unisce la natura morta olandese e fiamminga, notando le loro differenze fondamentali intrinseche e le caratteristiche uniche.

Natura morta floreale iniziale

Il genere “puro” della natura morta, apparso nel XVII secolo, fu adottato in Olanda forme speciali e il nome simbolico " vita tranquilla" - ancoraanche. In molti modi, la natura morta olandese è diventata un riflesso raffica di attività La Compagnia delle Indie Orientali, che portava dall'Oriente beni di lusso mai visti in Europa. Dalla Persia l'azienda portò i primi tulipani, divenuti poi il simbolo dell'Olanda, e furono proprio i fiori raffigurati nei dipinti a diventare la decorazione più apprezzata di edifici residenziali, numerosi uffici, negozi e banche.

Lo scopo delle composizioni floreali dipinte magistralmente era vario. Decorando case e uffici, enfatizzavano il benessere dei loro proprietari e, per i venditori di piantine di fiori e bulbi di tulipani, erano quello che oggi viene chiamato un prodotto pubblicitario visivo: poster e opuscoli. Pertanto, la natura morta olandese con fiori è, prima di tutto, una rappresentazione botanicamente accurata di fiori e frutti, allo stesso tempo piena di molti simboli e allegorie. Questi sono i migliori dipinti di interi laboratori, guidati da Ambrosius Bosschaert il Vecchio, Jacob de Geyn il Giovane, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar e altri.

Apparecchiare tavoli e colazioni

La pittura in Olanda nel XVII secolo non poteva sfuggire all'influenza del nuovo relazioni pubbliche e sviluppo economico. Natura morta olandese Il XVII secolo era un bene redditizio e furono organizzati grandi laboratori per la “produzione” di dipinti. Oltre ai pittori, tra i quali apparivano una rigorosa specializzazione e divisione del lavoro, lì lavoravano coloro che preparavano la base per i dipinti - tavole o tele, li preparavano, fabbricavano cornici, ecc .. La feroce concorrenza, come in ogni rapporto di mercato, ha portato ad un aumento della qualità delle nature morte a Molto alto livello.

Anche la specializzazione di genere degli artisti ha assunto un carattere geografico. Composizioni floreali furono dipinte in molte città olandesi: Utrecht, Delft, L'Aia, ma fu Haarlem a diventare il centro per lo sviluppo di nature morte raffiguranti tavole apparecchiate, prodotti e piatti pronti. Tali dipinti possono variare in scala e carattere, da complessi e multisoggetto a laconici. Apparvero le "Colazioni": nature morte di artisti olandesi raffiguranti diverse fasi di un pasto. Descrivono la presenza di una persona sotto forma di briciole, panini morsicati, ecc storie interessanti, pieno di allusioni e simboli moralizzanti comuni ai dipinti di quel tempo. Particolarmente significativi sono i dipinti di Nicholas Gillies, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Roelof Coots e altri.

Natura morta tonale. Pieter Claes e Willem Claes Heda

Per i contemporanei, i simboli che riempivano la tradizionale natura morta olandese erano rilevanti e comprensibili. Il contenuto dei dipinti era simile ai libri di più pagine e per questo era particolarmente apprezzato. Ma esiste un concetto che non è meno impressionante sia per gli intenditori moderni che per gli amanti dell'arte. Si chiama "natura morta tonale" e la cosa principale in essa è la massima abilità tecnica, colorazione sorprendentemente raffinata, straordinaria abilità nel rendering sottili sfumature illuminazione.

Queste qualità sono pienamente coerenti con i dipinti di due importanti maestri, i cui dipinti sono considerati tra i migliori esempi di natura morta tonale: Peter Claes e Willem Claes Heed. Hanno scelto composizioni da un piccolo numero di oggetti, privi di colori vivaci e decoratività speciali, che non hanno impedito loro di creare cose di straordinaria bellezza ed espressività, il cui valore non diminuisce nel tempo.

vanità

Il tema della fragilità della vita, dell'uguaglianza prima della morte sia del re che del mendicante, era molto popolare nella letteratura e nella filosofia di quel periodo di transizione. E in pittura trovò espressione in dipinti raffiguranti scene in cui l'elemento principale era il teschio. Questo genere si chiama vanitas - dal latino "vanità delle vanità". La popolarità delle nature morte, simili ai trattati filosofici, fu facilitata dallo sviluppo della scienza e dell'istruzione, il cui centro era l'Università di Leida, famosa in tutta Europa.

Vanitas occupa un posto serio nell'opera di molti maestri olandesi dell'epoca: Jacob de Gein il Giovane, David Gein, Harmen Steenwijk e altri. I migliori campioni Le “Vanitas” non sono semplici storie dell’orrore; non evocano orrore inspiegabile, ma una contemplazione calma e saggia, piena di pensieri sulle questioni più importanti dell’esistenza.

Dipinti ingannevoli

I dipinti sono la decorazione più popolare degli interni olandesi sin dal tardo Medioevo, cosa che la crescente popolazione delle città poteva permettersi. Per interessare gli acquirenti, gli artisti hanno fatto ricorso a vari trucchi. Se la loro abilità lo consentiva, creavano "trompe l'oeil", o "trompe l'oeil", dal francese trompe-l'oeil - un'illusione ottica. Il punto era che una tipica natura morta olandese - fiori e frutti, morti uccelli e pesci, o oggetti legati alla scienza - libri, strumenti ottici, ecc. - contenevano una completa illusione di realtà: un libro che è uscito dallo spazio del quadro e sta per cadere, una mosca che si è posata su un vaso che vuoi sbattere - soggetti tipici per un dipinto esca.

Dipinti dei principali maestri della natura morta in stile trompe l'oeil - Gerard Dou, Samuel van Hoogstraten e altri - spesso raffigurano una nicchia incassata nel muro con scaffali su cui c'è una massa di cose diverse. L'abilità tecnica dell'artista nel trasmettere trame e superfici, luci e ombre era così grande che la mano stessa ha raggiunto un libro o un bicchiere.

Heyday e ora del tramonto

Entro la metà del XVII secolo, i principali tipi di natura morta nei dipinti dei maestri olandesi raggiunsero il loro apice. La natura morta “lussuosa” sta diventando popolare, perché il benessere dei borghesi è in crescita e piatti ricchi, tessuti preziosi e abbondanza di cibo non sembrano estranei all'interno di una casa di città o di una ricca tenuta rurale.

I dipinti aumentano di dimensioni, stupiscono per il numero di trame diverse. Allo stesso tempo, gli autori sono alla ricerca di modi per aumentare l'intrattenimento per lo spettatore. Per raggiungere questo obiettivo, la tradizionale natura morta olandese - con frutti e fiori, trofei di caccia e piatti di vari materiali - è completata da insetti esotici o piccoli animali e uccelli. Oltre a creare le solite associazioni allegoriche, l'artista spesso le introduce semplicemente per il gusto di farlo emozioni positive, per aumentare l'attrattiva commerciale del terreno.

I maestri della “lussuosa natura morta” - Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf - divennero i precursori del tempo a venire, quando divennero importanti una maggiore decoratività e la creazione di un'impressione impressionante.

Fine dell'età dell'oro

Le priorità e la moda cambiarono, l'influenza dei dogmi religiosi sulla scelta dei soggetti per i pittori divenne gradualmente un ricordo del passato e il concetto stesso di età dell'oro, che la pittura olandese conobbe, divenne un ricordo del passato. Le nature morte sono entrate nella storia di quest'epoca come una delle pagine più importanti e impressionanti.

Insieme alla pittura di paesaggio, nell'Olanda del XVII secolo si diffuse la natura morta, che si distingueva per il suo carattere intimo. Gli artisti olandesi sceglievano un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, sapevano disporli perfettamente e rivelavano le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claes (c. 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose versioni di "colazioni", raffiguranti prosciutti, panini rossi, torte di more, fragili bicchieri di vetro riempiti per metà di vino sul tavolo. tavolo, trasmettendo magistralmente in modo sorprendente il colore, il volume, la trama di ogni oggetto. Nel disordine si nota la presenza recente di una persona, la casualità della disposizione delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è rigorosamente pensata e trovata. Una sobria tavolozza tonale grigio-dorata, olivastra unisce gli oggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro blu.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Klas e Kheda, lasciano il posto ai “dessert” Artisti olandesi Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beyeren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche e colorate. Per tutta la sua vita, Willem Kalf dipinse in modo libero e democratico “cucine”: pentole, verdure e nature morte aristocratiche nella selezione di oggetti squisiti e preziosi, pieni di sobria nobiltà, come vasi d'argento, tazze, conchiglie sature della combustione interna di colori.
IN ulteriori sviluppi la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in decorazione per la casa di clienti di alto rango. Nonostante tutta la loro decoratività e abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale e la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo danno origine a una tendenza al riavvicinamento con visioni estetiche La nobiltà francese, porta all'idealizzazione delle immagini artistiche e alla loro riduzione. L’arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo le sue basi realistiche ed entrando in un periodo di declino a lungo termine. Gravemente esaurita dalle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di importante centro artistico.

L'opera di Frans Hals e il ritratto olandese della prima metà del XVII secolo.

Frans Hals(Olandese Frans Hals, IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Anversa - 1666, Haarlem) - uno straordinario ritrattista della cosiddetta età dell'oro Arte olandese.

• 1 Biografia
• 2 Fatti interessanti
• 3 Galleria
• 4 Note
• 5 Letteratura
• 6 Collegamenti

Biografia

"Ritratto di famiglia di Isacco Massa e di sua moglie"

Hals nacque intorno al 1582-1583 dal tessitore fiammingo François Frans Hals van Mechelen e dalla sua seconda moglie Adriantje. Nel 1585, dopo la caduta di Anversa, la famiglia Hals si trasferì ad Haarlem, dove l'artista visse tutta la sua vita.

Nel 1600-1603 il giovane artista studiò con Karel van Mander, sebbene l’influenza di questo rappresentante del Manierismo non sia tracciata nelle opere successive di Hals. Nel 1610 Hals divenne membro della Gilda di St. Luca e comincia a lavorare come restauratore presso il Comune della città.

Hals creò il suo primo ritratto nel 1611, ma la fama arrivò ad Hals dopo aver realizzato il dipinto “Banchetto degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. Giorgio" (1616).

Nel 1617 sposò Lisbeth Reyners.

“Il primo stile di Hals era caratterizzato da una predilezione per i toni caldi e una modellazione chiara delle forme utilizzando tratti pesanti e densi. Negli anni venti del Seicento, Hals, insieme ai ritratti, dipinse scene di genere e composizioni su temi religiosi ("Evangelista Luca", "Evangelista Matteo", 1623-1625 circa).

Louvre "Zingaro", Parigi

Negli anni 1620-1630. Ha scritto Hals tutta la linea ritratti raffiguranti rappresentanti della gente comune pieni di energia vitale (“Giurante con liuto”, 1620-1625, “Buon compagno di bevute”, “Malle Babbe”, “Zingara”, “Mulatto”, “Ragazzo pescatore”; tutti - intorno al 1630).

L'unico ritratto a figura intera è il Ritratto di Willem Heythuissen (1625-1630).

"Nello stesso periodo, Hals riformò radicalmente il ritratto di gruppo, rompendo con i sistemi compositivi convenzionali, introducendo nelle opere elementi di situazioni di vita, garantendo una connessione diretta tra l'immagine e lo spettatore ("Banchetto degli ufficiali del fucile di Sant'Adriano compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1627, "Ritratto di gruppo della compagnia di fucilieri di S. Adriano", 1633; "Ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1639 ). Non volendo lasciare Haarlem, Hals rifiutò gli ordini se questo significava andare ad Amsterdam. L'unico ritratto di gruppo iniziato ad Amsterdam dovette essere completato da un altro artista.

Negli anni 1620-1640, periodo di massima popolarità, Hals scrisse molto doppi ritratti coppie sposate: il marito è nel ritratto a sinistra, e la moglie è a destra. L'unico dipinto in cui la coppia è raffigurata insieme è il “Ritratto di famiglia di Isacco Massa e sua moglie” (1622).

"Reggenti della Casa per Anziani"

Nel 1644 Hals divenne presidente della Gilda di S. Luca. Nel 1649 dipinse un ritratto di Cartesio.

« Caratteristiche psicologiche approfondire i ritratti del 1640. (“I reggenti dell’ospedale di St. Elizabeth”, 1641, ritratto giovanotto, 1642-50 circa, "Jasper Schade van Westrum", 1645 circa); Nella colorazione di queste opere comincia a predominare un tono grigio-argento. Lavori successivi I Khalsa vengono eseguiti in modo molto libero e si risolvono in modo sobrio combinazione di colori, costruito sui contrasti dei toni del bianco e del nero ("Man in Black Clothes", 1650-52 circa, "V. Cruz", 1660 circa); alcuni di loro mostravano un sentimento di profondo pessimismo (“The Regents of the Home for the Aged”, “The Regents of the Home for the Aged”, entrambi del 1664)”.

“Nella sua vecchiaia, Hals smise di ricevere ordini e cadde in povertà. L'artista morì in un ospizio di Haarlem il 26 agosto 1666.

La più grande collezione di dipinti dell'artista è di proprietà del Museo Hals di Haarlem.

Il fondatore del ritratto realistico olandese fu Frans Hals (Hals) (1580-1666 circa), la cui eredità artistica, con la sua acutezza e il potere di catturare il mondo interiore di una persona, va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista con un'ampia visione del mondo, coraggioso innovatore, distrusse i canoni della ritrattistica di classe (nobile) emersi prima di lui nel XVI secolo. Non era interessato a una persona raffigurata secondo il suo status sociale in una posa maestosamente solenne e in un costume cerimoniale, ma a una persona in tutta la sua essenza naturale, carattere, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni. Nei ritratti di Hals sono rappresentati tutti gli strati della società: borghesi, fucilieri, artigiani, rappresentanti delle classi inferiori; le sue simpatie speciali sono dalla parte di queste ultime, e nelle loro immagini ha mostrato la profondità di un talento potente e purosangue. La democrazia della sua arte è dovuta ai legami con le tradizioni dell'era della rivoluzione olandese. Hals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con la loro morale senza cerimonie e il potente amore per la vita. Hals ha ampliato la portata del ritratto introducendo elementi della trama, catturando coloro che sono ritratti in azione, nel concreto situazione di vita, enfatizzando le espressioni facciali, i gesti, le posture, catturate istantaneamente e con precisione. L'artista ha ricercato l'intensità emotiva e la vitalità delle caratteristiche dei soggetti ritratti, trasmettendone l'energia incontenibile. Hals non solo ha riformato i ritratti individuali su commissione e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto al limite del genere quotidiano.
Hals è nato ad Anversa, poi si è trasferito ad Haarlem, dove ha vissuto tutta la sua vita. Era una persona allegra, socievole, gentile e spensierata. La personalità creativa di Khalsa prese forma all'inizio degli anni '20 del XVII secolo. I ritratti di gruppo degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. George (1627, Haarlem, Museo Frans Hals) e della compagnia di fucilieri di St. Adrian (1633, ibid.) gli valsero una grande popolarità. Durante la festa vengono presentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Uno stato d'animo allegro con un tocco di umorismo unisce ufficiali di diversi caratteri e modi. Non c'è nessun personaggio principale qui. Tutti i presenti sono uguali partecipanti alla celebrazione. Hals ha superato la connessione puramente esterna dei personaggi caratteristica dei ritratti dei suoi predecessori. L'unità della composizione asimmetrica è raggiunta da una comunicazione vivace, da una rilassata libertà di disposizione delle figure, unite da un ritmo ondulatorio.
Il pennello energico dell'artista scolpisce i volumi delle forme con brillantezza e forza. Flussi luce del sole scivolano sui volti, brillano nei pizzi e nella seta, brillano negli occhiali. La tavolozza colorata, dominata da abiti neri e colletti bianchi, è ravvivata dai sonori baltetti da ufficiale giallo oro, viola, blu e rosa. Pieni di autostima e allo stesso tempo liberi e rilassati, gesticolanti, i borghesi olandesi compaiono nei ritratti di Hals, trasmettendo uno stato immediatamente catturato. Un ufficiale con un cappello a tesa larga, le braccia sui fianchi, sorride provocatoriamente (1624, Londra, Wallace Collection). La naturalezza e la vivacità delle pose, la nitidezza della caratterizzazione e la massima abilità nell'usare il contrasto tra bianco e nero nella pittura sono accattivanti.
I ritratti di Hals sono vari nei temi e nelle immagini. Ma quelli ritratti sono uniti caratteristiche comuni: integrità della natura, amore per la vita. Hals è un pittore della risata, di un sorriso allegro e contagioso. Con frizzante gioia, l'artista fa rivivere i volti dei rappresentanti della gente comune, dei visitatori delle taverne e degli scugnizzi di strada. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono lo sguardo e i gesti verso lo spettatore.
L’immagine della “Zingara” (1630 circa, Parigi, Louvre) è piena di un respiro amante della libertà. Hals ammira la posizione orgogliosa della sua testa in un'aureola di capelli vaporosi, il suo sorriso seducente, lo scintillio vivace dei suoi occhi, la sua espressione di indipendenza. Il contorno vibrante della silhouette, i raggi di luce scorrevoli, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata la zingara, riempiono l'immagine con il brivido della vita. Ritratto di Malle Babbe (inizio 1630, Berlino - Dahlem, Galleria d'arte), la proprietaria della taverna, non a caso soprannominata la “strega di Harlem”, si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo ardente e astuto, che si volta bruscamente e sorride ampiamente, come se rispondesse a uno dei clienti abituali della sua taverna. Un gufo minaccioso incombe con una sagoma cupa sulla sua spalla. Colpisce l’acutezza, la visione, la forza cupa e la vitalità dell’immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica e la ricchezza della pennellata spigolosa accrescono l'ansia della scena.
Verso la metà del XVII secolo, i cambiamenti avvenuti nella società olandese erano chiaramente visibili; Man mano che si rafforza la posizione della borghesia, che ha perso il contatto con le masse, essa acquisisce un carattere sempre più conservatore. L'atteggiamento dei clienti borghesi verso artisti realisti. Perse popolarità anche Hals, la cui arte democratica divenne estranea alla borghesia degenerata, che si precipitò dietro la moda aristocratica.
L'ottimismo del maestro che affermava la vita fu sostituito da pensiero profondo, ironia, amarezza e scetticismo. Il suo realismo divenne psicologicamente più approfondito e critico, la sua abilità più raffinata e perfetta. Anche il colore del Khalsa cambiò, acquisendo maggiore sobrietà; nella gamma tonale fredda e grigio-argento predominante, tra il bianco e il nero, piccole macchie di colore rosato o rosso, accuratamente individuate, acquisiscono una sonorità speciale. Il sentimento di amarezza e delusione è palpabile nel “Ritratto di un uomo in abiti neri” (1660 circa, San Pietroburgo, Hermitage), in cui le più sottili sfumature colorate del viso si arricchiscono e prendono vita accanto al sobrio, quasi toni monocromatici in bianco e nero.
Il risultato più alto di Hals sono i suoi ultimi ritratti di gruppo dei reggenti e dei reggenti (amministratori) di una casa di cura, eseguiti nel 1664, due anni prima della morte dell'artista, che finì la sua vita da solo nel rifugio. Pieni di vanità, freddi e devastati, assetati di potere e arroganti, i vecchi amministratori seduti al tavolo del gruppo “Ritratto dei reggenti di una casa per anziani” (Harlem, Frans Hals Museum. La mano del vecchio artista infallibilmente applica con precisione tratti liberi e rapidi. La composizione è diventata calma e rigorosa. La scarsità dello spazio, la disposizione delle figure, la luce uniformemente diffusa, che illumina equamente tutti i soggetti raffigurati, contribuiscono a focalizzare l'attenzione sulle caratteristiche di ciascuno di essi. lo schema è laconico con una predominanza di toni neri, bianchi e grigi. Ritratti tardivi Hals si trova accanto alle creazioni più straordinarie della ritrattistica mondiale: nel loro psicologismo sono vicini ai ritratti del più grande dei pittori olandesi: Rembrandt, che, come Hals, conobbe la fama della sua vita entrando in conflitto con l'élite borghese della società olandese .

Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. Da giovane venne ad Haarlem, dove visse quasi costantemente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hulse. Nel 1610 entrò nella Gilda di San Luca e nel 1616 entrò nella camera dei retori (attori dilettanti). Molto rapidamente Hals divenne uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem.
Nei secoli XV-XVI. Nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, personaggi famosi e artisti. L'arte di Hals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un cittadino ricco, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare le persone raffigurate, la cosa principale per lui è la loro naturalezza e unicità. I suoi nobili si comportano rilassati come rappresentanti degli strati inferiori della società, che nei dipinti di Khals sono raffigurati come persone allegre che non sono prive di autostima.
Bel posto Il ritratto di gruppo occupa un posto nel lavoro dell’artista. Le migliori opere di questo genere furono i ritratti degli ufficiali della compagnia di fucilieri St. George (1627) e della compagnia di fucilieri St. Hadrian (1633). Ogni personaggio nei dipinti ha il suo personalità brillante, e allo stesso tempo queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su commissione raffiguranti ricchi borghesi e le loro famiglie in pose rilassate (“Ritratto di Isaac Massa”, 1626; “Ritratto di Hethuisen”, 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche; sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell’ambiente popolare nei ritratti di Khals si distinguono per la loro vivida espressività e spontaneità. Nelle immagini dei ragazzi di strada, dei pescatori, dei musicisti e dei visitatori delle taverne si può sentire la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo “Gypsy” è notevole. La giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il suo sguardo sornione è rivolto al suo interlocutore, invisibile allo spettatore. Hals non idealizza il suo modello, ma l'immagine di una zingara allegra e arruffata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso, i ritratti di Hulse includono elementi di una scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o giocano strumenti musicali("I ragazzi che cantano", 1624–1625). Con lo stesso spirito venne rappresentata la famosa “Malle Babbe” (inizi degli anni Trenta del Seicento), che rappresentava una nota proprietaria di una taverna di Haarlem, che i visitatori alle sue spalle chiamavano la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Negli anni Quaranta del Seicento. Il Paese mostra segnali di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata sulle tradizioni democratiche. La veridicità dei dipinti di Hulse non attrae più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hulse non abbandonò il realismo e la sua popolarità crollò. Note di tristezza e delusione compaiono nel dipinto di questo periodo (“Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga”). La sua tavolozza diventa più severa e calma.
All'età di 84 anni, Hulse creò due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (amministratori) e reggenti di una casa di cura (1664). Questi ultimi lavori Le opere del maestro olandese si distinguono per l'emotività e la vivida individualità delle sue immagini. Le immagini dei reggenti - uomini e donne anziani - emanano tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla combinazione di colori in nero, grigio e bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte sincera e di affermazione della vita ha avuto una grande influenza su molti artisti olandesi.

Dipinto di Rembrandt.

Rembrandt Harmens van Rijn(Olandese Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista, disegnatore e incisore olandese, Grande maestro chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È riuscito a incarnare nelle sue opere l'intero spettro delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva che l'arte non aveva mai conosciuto prima. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, rivelano allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.

• 1 Biografia
• 1.1 Anni di apprendistato
• 1.2 Influenza di Lastman e dei caravaggisti
• 1.3 Workshop a Leida
• 1.4 Uscita proprio stile
• 1.5 Successo ad Amsterdam
• 1.6 Dialogo con gli italiani
• 1.7 "Ronda notturna"
• 1.8 Periodo di transizione
• 1.9 Tardo Rembrandt
• 1.10 Lavori recenti
• 2 Problemi di attribuzione
• 3 Studenti di Rembrandt
• 4 Fama postuma
• 5 Al cinema
• 6 Note
• 7 Collegamenti

Biografia

Anni di apprendistato

Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) nella numerosa famiglia del ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. Anche dopo la Rivoluzione Olandese la famiglia materna rimase fedele alla religione cattolica.

"Allegoria della musica" del 1626 - un esempio dell'influenza di Lastman sul giovane Rembrandt

A Leida Rembrandt frequentò la scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leida Jacob van Swanenburch, cattolico di fede. Le opere di Rembrandt di questo periodo non sono state identificate dai ricercatori, e la questione dell'influenza di Swanenbuerch sullo sviluppo del suo stile creativo rimane aperta: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che si era formato in Italia e si era specializzato in argomenti storici, mitologici e biblici. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni aveva acquisito una notevole fama.

Elena Konkova è una brillante rappresentante dell'élite intellettuale moderna, che lo Spirito del tempo (o, se preferisci, Zeitgeist) mette in forme glamour, senza dimenticare il contenuto interiore.

In questo film parlerà degli aspetti mistici della pittura europea, rivelerà il significato segreto racchiuso negli attributi spaventosi, divertenti e semplicemente insoliti delle nature morte olandesi e inviterà con garbo tutti a iniziare a collezionare questo tipo di arte, o a dipingere come come...


Di seguito è riportato il materiale che completerà leggermente la serie visiva creata dalla signora Konkova nella parola stampata.

Così, nel 1581, gli abitanti dei Paesi Bassi settentrionali, dopo molti anni di guerra per la liberazione dal dominio spagnolo, proclamarono la Repubblica indipendente delle Province Unite. Tra questi in economico e culturalmente L'Olanda era in testa, quindi presto l'intero paese cominciò a chiamarsi così. Struttura sociale I nuovi Paesi Bassi cambiarono poco rispetto al XVI secolo, ma seguirono cambiamenti significativi nella vita spirituale. Il calvinismo divenne la religione di stato. Questa dottrina non riconosceva le icone e l'arte sacra in generale (questo movimento nel protestantesimo prende il nome dal suo fondatore, il teologo francese Giovanni Calvino (1509-1564).

Gli artisti olandesi dovettero inevitabilmente abbandonare i temi religiosi e cercarne di nuovi. Si sono rivolti alla realtà che li circondava, agli eventi quotidiani che accadevano giorno dopo giorno nella stanza accanto o nella strada accanto. E i clienti – il più delle volte non nobili, ma borghesi scarsamente istruiti – apprezzavano soprattutto le opere d’arte per il fatto che erano “proprio come la vita”.

I dipinti divennero beni di mercato e il benessere del pittore dipendeva interamente dalla sua capacità di compiacere il cliente. Pertanto, l'artista ha trascorso tutta la sua vita migliorando in un certo genere. Il mood che permea le opere Scuola olandese, e anche il loro formato piccolo, di regola, suggerisce che molti di loro non erano destinati ai palazzi, ma a soggiorni modesti ed erano indirizzati all'uomo comune.

Natura morta olandese del XVII secolo. stupisce per la sua ricchezza di temi. In ogni centro artistico del paese, i pittori preferivano le proprie composizioni: a Utrecht - di fiori e frutti, a L'Aia - di pesce. Ad Haarlem scrivevano colazioni modeste, ad Amsterdam - dessert lussuosi e all'Università di Leida - libri e altri oggetti per lo studio della scienza o simboli tradizionali della vanità mondana - un teschio, una candela, clessidra.

Nelle nature morte risalenti all'inizio del XVII secolo, gli oggetti sono disposti in un ordine rigoroso, come reperti in una vetrina di un museo. In tali dipinti i dettagli sono dotati significato simbolico. Le mele ricordano la caduta di Adamo e l'uva il sacrificio espiatorio di Cristo. Una conchiglia è una conchiglia lasciata da una creatura che un tempo viveva in essa; i fiori appassiti sono un simbolo di morte. Una farfalla nata da un bozzolo significa resurrezione. Tali sono, ad esempio, i dipinti di Balthasar van der Ast (1590-1656).

Per gli artisti della prossima generazione le cose non ricordano più verità astratte, ma servono piuttosto a creare immagini artistiche indipendenti. Nei loro dipinti, oggetti familiari acquisiscono una bellezza speciale, precedentemente inosservata. Il pittore di Haarlem Pieter Claes (1597-1661) sottolinea in modo sottile e abile l'unicità di ogni piatto, bicchiere, pentola, trovando per ognuno di essi il quartiere ideale. Le nature morte del suo connazionale Willem Claes Heda (1594 ca. - 1680 ca.) sono piene di pittoresco disordine. Molto spesso scriveva “colazioni interrotte”. Una tovaglia spiegazzata, oggetti di servizio mescolati, cibo appena toccato: tutto qui ricorda la recente presenza di una persona. I dipinti sono ravvivati ​​da diversi punti di luce e ombre multicolori su vetro, metallo e tela (“Colazione con il granchio”, 1648).

Nella seconda metà del XVII secolo. La natura morta olandese, come il paesaggio, divenne più spettacolare, complessa e multicolore. I dipinti di Abraham van Beyeren (1620 o 1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693) raffigurano grandiose piramidi di piatti costosi e frutti esotici. Qui puoi trovare argento cesellato, terracotta bianca e blu, calici fatti di conchiglie, fiori, grappoli d'uva e frutti mezzo sbucciati.

Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono stati espulsi dall'immagine. Natura morta La “natura morta” si trova in molti dipinti di artisti olandesi del XVI secolo. È facile immaginare una tavola apparecchiata da “ Ritratto di famiglia» Martin van Heemskerck (1530 circa. Musei statali, Kassel) o un vaso con fiori dalla composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel ha fatto qualcosa del genere, scrivendo nel suo inizio XVII V. le prime nature morte floreali indipendenti. Apparvero intorno al 1600: questa volta è considerata la data di nascita del genere.

In quel momento non c’erano parole per definirlo. Il termine “natura morta” ha origine in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa “natura morta”, “natura morta” (nature morte). In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti erano chiamati "stilleven", che può essere tradotto sia come "natura morta, modello" sia come "vita tranquilla", che trasmette in modo molto più accurato le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale entrò in uso solo a partire dal 1650, e prima di allora i dipinti venivano chiamati in base al soggetto dell'immagine: blumentopf - un vaso con fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutti, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - quadri con un teschio. Già da questa elencazione si evince quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, tutto il mondo oggettivo che li circondava sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.

Nell'arte, ciò significò una rivoluzione nientemeno che quella che gli olandesi compirono nella sfera economica e sociale, conquistando l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo Stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia e Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, tele e affreschi su soggetti dell'antica mitologia per sale del palazzo, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute di angoli del loro paesaggio nativo, balli ad una festa di paese o un concerto casalingo in una casa borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di riunione, tavole imbandite con colazione o dessert , cioè una natura “bassa”, senza pretese, non oscurata dalla tradizione poetica antica o rinascimentale, tranne forse dalla poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d’Europa era netto.

I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma venivano per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e erano destinati a decorare le stanze delle case dei residenti delle città e persino dei residenti delle zone rurali, quelli che erano più ricchi. Più tardi, nel 18 e XIX secoli, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, queste collezioni di dipinti domestici furono ampiamente vendute all'asta e acquistate con entusiasmo per collezioni reali e aristocratiche in tutta Europa, da dove alla fine migrarono in musei più grandi pace. Quando dentro metà del 19 V. gli artisti di tutto il mondo si dedicarono alla rappresentazione della realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.

Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. All'interno del genere della natura morta, c'era persino una divisione in temi separati, e diverse città avevano i loro tipi preferiti di natura morta, e se un pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava bruscamente la sua arte e iniziava a dipingere quelle varietà. del genere che andavano di moda in quel luogo.

Haarlem divenne la città natale di aspetto caratteristico Natura morta olandese - “colazione”. I dipinti di Peter Claes raffigurano una tavola apparecchiata con piatti e stoviglie. Un piatto di latta, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: la selezione scarsa e precisa degli articoli crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine “pittoresco” introdotto nella disposizione delle cose e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuto dalla trasmissione di un ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marroncino unisce gli oggetti in un’unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti e dello stile di vita individuali di una persona.

Un altro residente di Haarlem, Willem Heda, ha lavorato nella stessa vena di Klas. La colorazione dei suoi dipinti è ancora più subordinata all'unità tonale, è dominata da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.

A Utrecht si sviluppò una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, che divenne particolarmente famoso per la sua scrittura attenta e i suoi colori chiari.

A L'Aia, il centro della pesca marina, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beyeren perfezionarono la rappresentazione di pesci e altri abitanti del mare; il colore dei loro dipinti brilla con la brillantezza delle squame, in cui macchie di rosa, rosso e i colori blu lampeggiano. L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davids de Heem, oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrena (armature, libri, attributi d'arte, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono giustapposti a un teschio o a una clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da “cucina” più democratica è nata a Rotterdam nell’opera di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e i suoi migliori risultati sono associati ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.

A metà del secolo, il tema delle modeste “colazioni” si trasformò in lussuosi “banchetti” e “dessert” nelle opere di Willem van Aalst, Jurian van Streck e soprattutto Willem Kalf e Abraham van Beyeren. Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per la grazia e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni “monocromatiche” vengono sostituite da un sapore succoso, ricco di colori e caldo dorato. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori dei dipinti di Kalf dall'interno, poeticizzando il mondo oggettivo.

I maestri nella raffigurazione di “trofei di caccia” e “cortili di pollame” furono Jan-Baptiste Wenix, suo figlio Jan Wenix e Melchior de Hondecoeter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine del secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la costituzione di possedimenti e l'intrattenimento della caccia. La pittura degli ultimi due artisti mostra un aumento della decoratività, del colore e del desiderio di effetti esterni.

La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità fu apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX; videro nelle nature morte, prima di tutto e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per gli stessi olandesi del XVII secolo, questi dipinti erano pieni di significato; offrivano cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, la futilità delle aspirazioni umane, indirizzando i pensieri verso riflessioni filosofiche sul significato della vita umana.