Pittura olandese ebbe origine nei primi anni del XVII secolo. La scuola di pittura olandese è stata una scuola indipendente, grande, indipendente, con caratteristiche e identità uniche e inimitabili.
Fino al XVII secolo l’Olanda non si distinse per l’abbondanza di artisti nazionali. Sebbene questo paese fosse uno stato con le Fiandre, è stato soprattutto nelle Fiandre che furono creati e sviluppati movimenti artistici originali.
Pittori eccezionali come Van Eyck, Memling e Rogier van der Weyden, che non si trovano in Olanda, lavorarono nelle Fiandre. All'inizio del XVI secolo si possono notare solo isolati sprazzi di genio nella pittura: si tratta dell'artista e incisore Luca di Leida, seguace della scuola di Bruges. Ma Luca di Leida non creò alcuna scuola. Lo stesso si può dire del pittore Dirk Bouts di Haarlem, le cui creazioni difficilmente si distinguono sullo sfondo dello stile e dei modi delle origini della scuola fiamminga, degli artisti Mostert, Skorel e Heemskerke, che, nonostante tutto il loro significato, Non sono i talenti individuali che li caratterizzano con la loro originalità nazionale.
Verso la fine del XVI secolo, quando i ritrattisti avevano già creato una scuola, altri artisti iniziarono ad apparire e formarsi. L'ampia varietà di talenti porta a molte direzioni e percorsi diversi per lo sviluppo della pittura. Appaiono i diretti predecessori di Rembrandt: i suoi insegnanti Jan Pace e Peter Lastman. Anche i metodi di genere stanno diventando più liberi: la storicità non è più così obbligatoria come prima. Si sta creando un genere speciale, profondamente nazionale e quasi storico: ritratti di gruppo destinati a luoghi pubblici: municipi, corporazioni, officine e comunità.
Questo è solo l’inizio, la scuola stessa non esiste ancora. Ci sono molti artisti di talento, tra loro ci sono abili artigiani, diversi grandi pittori: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, infine, Esaias van de Velde e van Goyen: nacquero tutti alla fine del XVI secolo.
In sviluppo Pittura olandeseè stato un momento critico. Con un equilibrio politico instabile, tutto dipendeva solo dal caso. Nelle Fiandre, dove si è osservato un risveglio simile, al contrario, c'era già un senso di fiducia e stabilità che in Olanda non c'era ancora. Nelle Fiandre c'erano già artisti che si erano formati o erano vicini a questo.
Le condizioni politiche e socio-storiche in questo paese erano più favorevoli. C'erano seri motivi perché le Fiandre diventassero per la seconda volta un grande centro d'arte. Per questo mancavano due cose: diversi anni di pace e un maestro che fosse l'ideatore della scuola.
Nel 1609 si decise il destino dell'Olanda, dopo il trattato di tregua (tra Spagna e Paesi Bassi) e il riconoscimento ufficiale delle Province Unite, ci fu subito una tregua. È sorprendente quanto inaspettatamente e in quanto breve periodo di tempo - non più di trent'anni - in un piccolo spazio, su un ingrato suolo desertico, in dure condizioni di vita, sia apparsa una meravigliosa galassia di pittori, e per di più grandi pittori.
Sono apparsi immediatamente e ovunque: ad Amsterdam, Dordrecht, Leida, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, anche all'estero - come da semi caduti fuori dal campo. I primi sono Jan van Goyen e Wijnants, nati intorno alla fine del secolo. E inoltre, nell'intervallo dall'inizio del secolo alla fine del suo primo terzo: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael. Il prossimo è Pieter de Hooch, Hobbema. Gli ultimi grandi furono van der Heyden e Adrian van de Velde nel 1636 e nel 1637. Approssimativamente questi anni possono essere considerati il ​​periodo della prima fioritura della scuola olandese. Era necessario creare arte per la nazione.
Pittura olandese, era e poteva essere solo un'espressione dell'apparenza esteriore, un ritratto vero, accurato, simile dell'Olanda. Gli elementi principali della scuola di pittura olandese erano ritratti, paesaggi e scene di tutti i giorni. La scuola olandese cresce e opera da un secolo.
I pittori olandesi trovarono soggetti e colori adatti a soddisfare ogni inclinazione e affetto umano. La tavolozza olandese è assolutamente degna del loro disegno, da qui la perfetta unità del loro metodo pittorico. Qualsiasi dipinto olandese è facile da riconoscere dal suo aspetto. È di piccole dimensioni e si distingue per i suoi colori potenti e rigorosi. Ciò richiede grande precisione, mano ferma e profonda concentrazione da parte dell'artista.
Esattamente Pittura olandese dà l'idea più chiara di questo processo nascosto ed eterno: sentire, pensare ed esprimere. Non esiste quadro più ricco al mondo, dal momento che sono gli olandesi a includere così tanti contenuti in uno spazio così piccolo. Ecco perché tutto qui assume una forma precisa, compressa e condensata.
Per un quadro più completo della pittura olandese sarebbe necessario considerare in dettaglio gli elementi di questo movimento, le caratteristiche dei metodi e la natura della tavolozza. La descrizione delle principali caratteristiche dell'arte olandese ci consente di distinguere questa scuola dalle altre e di risalire alle sue origini.
In modo espressivo illustrando Pittura olandese, è un dipinto di Adrian van Ostade proveniente dal Museo di Amsterdam "Atelier dell'artista". Questo soggetto era uno dei preferiti dei pittori olandesi. Vediamo un uomo attento, leggermente curvo, con una tavolozza preparata, pennelli sottili e puliti e olio trasparente. Scrive al crepuscolo. Il suo viso è concentrato, la sua mano è attenta.
Solo, forse, questi pittori erano più coraggiosi e sapevano ridere in modo più spensierato e godersi la vita di quanto si possa concludere dalle immagini sopravvissute.
Le basi per la scuola di pittura olandese furono gettate da Jan van Goyen e Jan van Wijnants all'inizio del XVII secolo, stabilendo alcune leggi della pittura.

Olanda. 17 ° secolo Il paese sta vivendo una prosperità senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo diverse province del paese ottennero l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi protestanti hanno preso la loro strada. E le Fiandre cattoliche (l'attuale Belgio) sono sotto l'ala protettrice della Spagna.

Nell'Olanda indipendente, quasi nessuno aveva bisogno della pittura religiosa. La Chiesa protestante non approvava le decorazioni di lusso. Ma questa circostanza “ha fatto il gioco” della pittura secolare.

Letteralmente ogni residente del nuovo paese si è svegliato con l'amore per questo tipo di arte. Gli olandesi volevano vedere la propria vita nei dipinti. E gli artisti li hanno accolti volentieri a metà strada.

Mai prima d’ora la realtà circostante è stata rappresentata così tanto. Gente comune, stanze normali e la colazione più ordinaria di un abitante della città.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo sarà un degno concorrente dell'accademismo con le sue ninfe e dee greche.

Questi artisti sono chiamati "piccoli" olandesi. Perché? I dipinti erano di piccole dimensioni, perché realizzati per piccole case. Pertanto, quasi tutti i dipinti di Jan Vermeer non superano il mezzo metro di altezza.

Ma mi piace di più l'altra versione. Nei Paesi Bassi, nel XVII secolo, visse e lavorò un grande maestro, il “grande” olandese. E tutti gli altri erano “piccoli” in confronto a lui.

Stiamo parlando, ovviamente, di Rembrandt. Cominciamo con lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto all'età di 63 anni. 1669 Galleria Nazionale di Londra

Rembrandt ha sperimentato una vasta gamma di emozioni durante la sua vita. Ecco perché c'è così tanto divertimento e spavalderia nei suoi primi lavori. E ci sono così tanti sentimenti complessi - in quelli successivi.

Eccolo giovane e spensierato nel dipinto “Il figliol prodigo nella taverna”. In ginocchio c'è la sua amata moglie Saskia. È un artista popolare. Gli ordini fioccano.

Rembrandt. Il figliol prodigo in una taverna. 1635 Galleria dei Maestri Antichi, Dresda

Ma tutto questo scomparirà tra circa 10 anni. Saskia morirà di tisi. La popolarità scomparirà come fumo. Una grande casa con una collezione unica verrà portata via per debiti.

Ma apparirà lo stesso Rembrandt che rimarrà per secoli. I sentimenti nudi degli eroi. I loro pensieri più profondi.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitano d'Arte, New York

Frans Hals è uno dei più grandi ritrattisti di tutti i tempi. Pertanto lo classificherei anche come un “grande” olandese.

In Olanda a quel tempo era consuetudine ordinare ritratti di gruppo. Ecco quante opere simili sono apparse raffiguranti persone che lavorano insieme: tiratori di una corporazione, medici di una città, gestori di una casa di cura.

In questo genere, Hals si distingue di più. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti sembrava un mazzo di carte. Le persone si siedono al tavolo con la stessa espressione facciale e si limitano a guardare. Con Hals è stato diverso.

Guarda il suo ritratto di gruppo “Frecce della Gilda di S. Giorgio."

Frans Hals. Frecce della Gilda di S. Giorgio. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella posa o nell'espressione facciale. Allo stesso tempo, non c'è caos qui. I personaggi sono tanti, ma nessuno sembra superfluo. Grazie alla disposizione sorprendentemente corretta delle figure.

E anche in un singolo ritratto, Hals era superiore a molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone dell'alta società nei suoi dipinti sono prive di grandezza artificiosa e i modelli delle classi inferiori non sembrano umiliati.

E i suoi personaggi sono anche molto emotivi: sorridono, ridono e gesticolano. Come, ad esempio, questo “Gypsy” dallo sguardo sornione.

Frans Hals. Zingaro. 1625-1630

Hals, come Rembrandt, concluse la sua vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo andava contro i gusti dei suoi clienti. Che volevano che il loro aspetto fosse abbellito. Hals non accettò l'adulazione aperta e quindi firmò la propria frase: "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerardo Terborch. Auto ritratto. 1668 Galleria reale Mauritshuis, L'Aia, Paesi Bassi

Terborkh era un maestro del genere quotidiano. I cittadini ricchi e meno ricchi parlano tranquillamente, le donne leggono le lettere e una mezzana osserva il corteggiamento. Due o tre figure ravvicinate.

È stato questo maestro a sviluppare i canoni del genere quotidiano. Che sarà poi preso in prestito da Jan Vermeer, Pieter de Hooch e tanti altri “piccoli” olandesi.

Gerardo Terborch. Un bicchiere di limonata. 1660. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

"A Glass of Lemonade" è una delle opere famose di Terborch. Mostra un altro vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

Terborch ha anche opere insolite. Il che la dice lunga sulla sua volontà di andare oltre le richieste del cliente.

Il suo "The Grinder" mostra la vita delle persone più povere dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e stanze pulite nei dipinti dei “piccoli” olandesi. Ma Terborch ha osato mostrare l'Olanda sgradevole.

Gerardo Terborch. Macinino. 1653-1655 Musei statali di Berlino

Come hai capito, tale lavoro non era richiesto. E sono un evento raro anche tra Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Non si sa con certezza che aspetto avesse Jan Vermeer. È ovvio che nel dipinto “La bottega dell’artista” ha raffigurato se stesso. La verità da dietro.

È quindi sorprendente che recentemente sia venuto a conoscenza di un fatto nuovo della vita del maestro. È collegato al suo capolavoro “Delft Street”.

Jan Vermeer. Via Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam

Si è scoperto che Vermeer ha trascorso la sua infanzia in questa strada. La casa nella foto apparteneva a sua zia. Ha cresciuto lì i suoi cinque figli. Forse è seduta sulla soglia di casa a cucire mentre i suoi due figli giocano sul marciapiede. Lo stesso Vermeer viveva nella casa di fronte.

Ma più spesso raffigurava l'interno di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una bella signora, una ricca cittadina, che controlla il funzionamento della sua bilancia.

Jan Vermeer. Donna con squame. 1662-1663 Galleria Nazionale d'Arte, Washington

Perché Vermeer si distinse tra migliaia di altri “piccoli” olandesi?

Era un insuperabile maestro della luce. Nel dipinto “Donna con la bilancia” la luce avvolge dolcemente il volto, i tessuti e le pareti dell’eroina. Conferire all'immagine una spiritualità sconosciuta.

E le composizioni dei dipinti di Vermeer sono attentamente verificate. Non troverai un singolo dettaglio non necessario. Basta rimuoverne uno, l'immagine “cadrà a pezzi” e la magia scomparirà.

Tutto questo non è stato facile per Vermeer. Una qualità così straordinaria ha richiesto un lavoro scrupoloso. Solo 2-3 dipinti all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato anche come mercante d'arte, vendendo opere di altri artisti.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Auto ritratto. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch è spesso paragonato a Vermeer. Lavoravano nello stesso periodo, c'è stato addirittura un periodo nella stessa città. E in un genere: tutti i giorni. In Hoch vediamo anche una o due figure in accoglienti cortili o stanze olandesi.

Porte e finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti stratificato e divertente. E le figure si inseriscono in questo spazio in modo molto armonioso. Come, ad esempio, nel suo dipinto “La cameriera con una ragazza nel cortile”.

Pieter de Hooch. Una cameriera con una ragazza nel cortile. 1658 Galleria Nazionale di Londra

Fino al XX secolo l'Hoch era molto apprezzato. Ma poche persone notarono le piccole opere del suo concorrente Vermeer.

Ma nel XX secolo tutto è cambiato. La gloria di Hoch svanì. Tuttavia, è difficile non riconoscere i suoi successi nella pittura. Poche persone potrebbero combinare in modo così competente l'ambiente e le persone.

Pieter de Hooch. Giocatori di carte in una stanza soleggiata. 1658 Collezione d'arte reale, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sulla tela “Giocatori di carte” c'è un dipinto appeso in una cornice costosa.

Ciò dimostra ancora una volta quanto fosse popolare la pittura tra la gente comune degli olandesi. I dipinti decoravano ogni casa: la casa di un ricco borghese, di un modesto abitante della città e persino di un contadino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoritratto con liuto. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen è forse il “piccolo” olandese più allegro. Ma amare l'insegnamento morale. Raffigurava spesso taverne o case povere in cui esisteva il vizio.

I suoi personaggi principali sono festaioli e donne di facili virtù. Voleva intrattenere lo spettatore, ma allo stesso tempo metterlo in guardia contro una vita viziosa.

Jan Steen. È un casino. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Sten ha anche opere più tranquille. Come, ad esempio, "Morning Toilet". Ma anche qui l'artista sorprende lo spettatore con dettagli troppo rivelatori. Ci sono tracce di elastico di calza e non di un vaso da notte vuoto. E in qualche modo non è affatto appropriato che il cane sia sdraiato proprio sul cuscino.

Jan Steen. Toilette mattutina. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ma nonostante tutta la frivolezza, gli schemi di colori di Sten sono molto professionali. In questo era superiore a tanti “piccoli olandesi”. Guarda come si abbina perfettamente la calza rossa con la giacca blu e il tappeto beige brillante.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Ritratto di Ruisdael. Litografia da un libro del XIX secolo.

Il barocco "burgher" nella pittura olandeseXVII V. – rappresentazione della vita quotidiana (P. de Hooch, Vermeer). Nature morte "lussuose" di Kalf. Ritratto di gruppo e sue caratteristiche di Hals e Rembrandt. Interpretazione di scene mitologiche e bibliche di Rembrandt.

Arte olandese del XVII secolo

Nel XVII secolo L’Olanda è diventata un paese capitalista modello. Conduceva estesi commerci coloniali, aveva una flotta potente e la costruzione navale era una delle industrie principali. Il protestantesimo (calvinismo come la sua forma più severa), che soppiantò completamente l'influenza della Chiesa cattolica, portò al fatto che il clero in Olanda non ebbe la stessa influenza sull'arte che nelle Fiandre, e soprattutto in Spagna o in Italia. In Olanda la chiesa non svolgeva il ruolo di committente di opere d'arte: le chiese non erano decorate con immagini d'altare, poiché il calvinismo rifiutava ogni accenno di lusso; Le chiese protestanti erano semplici nell'architettura e non erano decorate in alcun modo all'interno.

Il risultato principale dell'arte olandese del XVIII secolo. -nella pittura da cavalletto. L'uomo e la natura erano oggetto di osservazione e rappresentazione da parte degli artisti olandesi. La pittura domestica sta diventando uno dei generi principali, i cui creatori nella storia hanno ricevuto il nome di "Little Dutchmen". Sono rappresentati anche dipinti basati su soggetti evangelici e biblici, ma non nella stessa misura che in altri paesi. In Olanda non ci furono mai collegamenti con l'Italia e l'arte classica non ebbe un ruolo come nelle Fiandre.

La padronanza delle tendenze realistiche, lo sviluppo di una certa gamma di temi, la differenziazione dei generi come un unico processo furono completati negli anni '20 del XVII secolo. Storia della pittura olandese del XVII secolo. dimostra perfettamente l'evoluzione dell'opera di uno dei più grandi ritrattisti olandesi, Frans Hals (circa 1580-1666). Negli anni '30 e '30 Hals lavorò molto nel genere dei ritratti di gruppo. Dalle tele di questi anni si affacciano persone allegre, energiche, intraprendenti, fiduciose nelle proprie capacità e nel futuro (“La Gilda dei Tiri di Sant'Adriano”, 1627 e 1633;

"Gilda dei fucilieri di S. Giorgio", 1627).

I ricercatori a volte chiamano i ritratti individuali di Hals ritratti di genere a causa della speciale specificità dell'immagine. Lo stile abbozzato di Hulse, la sua scrittura audace, quando la pennellata scolpisce forma e volume e trasmette colore.

Nei ritratti di Hals del tardo periodo (anni '50 -'60), l'abilità spensierata, l'energia, l'intensità nei personaggi delle persone raffigurate scompaiono. Ma fu nell'ultimo periodo della creatività che Hals raggiunse l'apice della maestria e creò le opere più profonde. La colorazione dei suoi dipinti diventa quasi monocromatica. Due anni prima della sua morte, nel 1664, Hals tornò nuovamente al ritratto di gruppo. Dipinge due ritratti dei reggenti e dei reggenti di una casa di cura, in uno dei quali trovò rifugio lui stesso alla fine della sua vita. Nel ritratto dei reggenti non c'è lo spirito di cameratismo delle composizioni precedenti, le modelle sono disunite, impotenti, hanno sguardi spenti, sui loro volti è scritta la devastazione.

L'arte di Hals fu di grande importanza per l'epoca; influenzò lo sviluppo non solo dei ritratti, ma anche dei generi quotidiani, dei paesaggi e delle nature morte.

Particolarmente interessante è il genere paesaggistico dell'Olanda del XVII secolo. L'Olanda è raffigurata da Jan van Goyen (1596-1656) e Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Il periodo di massimo splendore della pittura di paesaggio nella scuola olandese risale alla metà del XVII secolo. Il più grande maestro del paesaggio realistico fu Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), le cui opere sono solitamente piene di profonda drammaticità, sia che rappresenti boschetti di foreste (“Forest Swamp”),

paesaggi con cascate (“Cascata”) o un paesaggio romantico con un cimitero (“Cimitero ebraico”).

La natura di Ruisdael appare nella dinamica, nell'eterno rinnovamento.

Il genere animalesco è strettamente legato al paesaggio olandese. Il motivo preferito di Albert Cuyp sono le mucche all'abbeveratoio (“Tramonto sul fiume”, “Mucche sulla riva di un ruscello”).

La natura morta raggiunge uno sviluppo brillante. La natura morta olandese, a differenza di quella fiamminga, è un dipinto di carattere intimo, di dimensioni e motivi modesti. Pieter Claes (c. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) raffiguravano molto spesso le cosiddette colazioni: piatti con prosciutto o torta su un tavolo servito in modo relativamente modesto. Le “colazioni” di Kheda sono sostituite dai lussuosi “dessert” di Kalf. I semplici utensili sono sostituiti da tavoli di marmo, tovaglie in moquette, calici d'argento, vasi di conchiglie di madreperla e bicchieri di cristallo. Kalf raggiunge un sorprendente virtuosismo nel trasmettere la consistenza delle pesche, dell'uva e delle superfici cristalline.

Negli anni '20 e '30 del XVII secolo. Gli olandesi crearono un tipo speciale di piccoli dipinti a figure piccole. Gli anni '40 e '60 furono il periodo di massimo splendore della pittura, glorificando la calma vita borghese dell'Olanda, misurando l'esistenza quotidiana.

Adrian van Ostade (1610-1685) dipinge inizialmente i lati oscuri della vita contadina (“La Lotta”).

Dagli anni '40, le note satiriche nella sua opera furono sempre più sostituite da quelle umoristiche (“In una taverna del villaggio”, 1660).

Talvolta questi piccoli quadri si colorano di un grande sentimento lirico. Il “Pittore in studio” di Ostade (1663), in cui l’artista glorifica il lavoro creativo, è giustamente considerato un capolavoro della pittura di Ostade.

Ma il tema principale del “piccolo olandese” non è ancora la vita contadina, ma la vita borghese. Di solito si tratta di immagini senza trama affascinante. Il narratore più divertente in film di questo tipo fu Jan Stan (1626-1679) (“Revelers”, “Game of Backgammon”). Gerard Terborch (1617-1681) raggiunse in questo una maestria ancora maggiore.

L'interno del “piccolo olandese” diventa particolarmente poetico. Il vero cantore di questo tema fu Pieter de Hooch (1629-1689). Le sue stanze con la finestra semiaperta, con le scarpe lanciate accidentalmente o una scopa dimenticata, sono spesso raffigurate senza figura umana.

Negli anni '50 inizia una nuova fase della pittura di genere ed è associata alla cosiddetta scuola di Delft, con i nomi di artisti come Carel Fabricius, Emmanuel de Witte e Jan Wermeer, noto nella storia dell'arte come Wermeer di Delft (1632-1675) ). I dipinti di Vermeer non sembrano in alcun modo originali. Queste sono le stesse immagini della vita borghese congelata: leggere una lettera, un gentiluomo e una signora che parlano, cameriere che fanno semplici lavori domestici, vedute di Amsterdam o Delft. Questi dipinti sono semplici in azione: “Ragazza che legge una lettera”,

"Il gentiluomo e la dama alla spinetta"

"L'ufficiale e la ragazza che ride", ecc. - sono pieni di chiarezza spirituale, silenzio e pace.

I principali vantaggi di Vermeer come artista risiedono nella trasmissione della luce e dell'aria. La dissoluzione degli oggetti in un ambiente leggero-aria, la capacità di creare questa illusione, determinò principalmente il riconoscimento e la gloria di Vermeer proprio nel XIX secolo.

Vermeer fece qualcosa che nessuno aveva fatto nel XVII secolo: dipinse paesaggi dal vero (“Via”, “Veduta di Delft”).

Possono essere definiti i primi esempi di pittura all'aria aperta.

L'apice del realismo olandese, il risultato delle conquiste pittoriche della cultura olandese nel XVII secolo, è l'opera di Rembrandt. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) nacque a Leida. Nel 1632 Rembrandt partì per Amsterdam, il centro della cultura artistica olandese, che naturalmente attirò il giovane artista. Gli anni '30 furono il periodo della sua più grande gloria, la strada verso la quale fu aperta al pittore un grande dipinto commissionato del 1632 - un ritratto di gruppo, noto anche come "L'anatomia del dottor Tulp", o "Lezione di anatomia".

Nel 1634, Rembrandt sposò una ragazza di una famiglia benestante, Saskia van Uylenborch. Inizia il periodo più felice della sua vita. Diventa un artista famoso e alla moda.

L'intero periodo è avvolto nel romanticismo. La visione del mondo di Rembrandt di questi anni è trasmessa più chiaramente dal famoso “Autoritratto con Saskia in ginocchio” (circa 1636). L'intera tela è permeata di schietta gioia di vivere e giubilo.

Il linguaggio barocco è quello più vicino all'espressione del buon umore. E Rembrandt durante questo periodo fu largamente influenzato dal barocco italiano.

I personaggi del dipinto “Il sacrificio di Abramo” del 1635 appaiono davanti a noi da angolazioni complesse. La composizione è altamente dinamica, costruita secondo tutte le regole del barocco.

Negli stessi anni '30, Rembrandt iniziò per la prima volta a dedicarsi seriamente alla grafica, principalmente all'acquaforte. Le acqueforti di Rembrandt sono principalmente soggetti biblici ed evangelici, ma nei suoi disegni, da vero artista olandese, si rivolge spesso al genere. A cavallo tra il primo periodo del lavoro dell'artista e la sua maturità creativa, appare davanti a noi uno dei suoi dipinti più famosi, noto come "The Night Watch" (1642) - un ritratto di gruppo della compagnia di fucilieri del Capitano Banning Cock.

Ha ampliato la portata del genere, presentando piuttosto un quadro storico: al segnale di allarme, il distaccamento di Banning Cock intraprende una campagna. Alcuni sono calmi e fiduciosi, altri sono entusiasti in attesa di ciò che verrà, ma tutti portano l’espressione di energia generale, entusiasmo patriottico e trionfo dello spirito civico.

Il ritratto di gruppo dipinto da Rembrandt si è sviluppato in un'immagine eroica dell'epoca e della società.

Il dipinto era già diventato così scuro da essere considerato la rappresentazione di una scena notturna, da qui il nome errato. L'ombra proiettata dalla figura del capitano sugli abiti leggeri del tenente dimostra che non è notte, ma giorno.

Con la morte di Saskia nello stesso 1642, avvenne la naturale rottura di Rembrandt con gli ambienti patrizi a lui estranei.

Gli anni '40 e '50 sono un periodo di maturità creativa. Durante questo periodo si rivolge spesso a opere precedenti per rifarle in un modo nuovo. Questo è stato, ad esempio, il caso di “Danae”, che dipinse nel 1636. Riprendendo il dipinto negli anni '40, l'artista intensificò il suo stato emotivo.

Ha riscritto la parte centrale con l'eroina e la cameriera. Dando a Danae un nuovo gesto di mano alzata, le ha trasmesso una grande eccitazione, un'espressione di gioia, speranza, appello.

Negli anni '40 e '50 la maestria di Rembrandt crebbe costantemente. Sceglie per interpretare gli aspetti più lirici, poetici dell'esistenza umana, quell'umanità eterna, tutta umana: l'amore materno, la compassione. La Sacra Scrittura gli fornisce la maggior parte del materiale, e da esso - scene della vita Sacra Famiglia... Rembrandt raffigura la vita semplice, la gente comune, come nel dipinto "La Sacra Famiglia".

Gli ultimi 16 anni sono gli anni più tragici della vita di Rembrandt; è rovinato e non ha ordini. Ma questi anni furono pieni di straordinaria attività creativa, a seguito della quale furono create immagini pittoresche, eccezionali nel loro carattere monumentale e spiritualità, opere profondamente filosofiche. Anche le opere di piccole dimensioni di Rembrandt di questi anni creano l'impressione di straordinaria grandezza e vera monumentalità. Il colore acquista sonorità e intensità. I suoi colori sembrano irradiare luce. I ritratti del defunto Rembrandt sono molto diversi dai ritratti degli anni '30 e persino '40. Si tratta di immagini estremamente semplici (a mezzo busto o generazionali) di persone vicine all'artista nella loro struttura interiore. Rembrandt ha raggiunto la massima sottigliezza di caratterizzazione nei suoi autoritratti, di cui circa un centinaio sono giunti fino a noi. L'ultimo pezzo nella storia dei ritratti di gruppo fu la rappresentazione di Rembrandt degli anziani del laboratorio di stoffa - i cosiddetti "Sindics" (1662), dove, con mezzi scarsi, Rembrandt creò tipi umani viventi e allo stesso tempo diversi, ma soprattutto, è stato in grado di trasmettere un senso di unione spirituale, comprensione reciproca e interconnessione tra le persone.

Durante i suoi anni maturi (soprattutto negli anni '50), Rembrandt creò le sue migliori acqueforti. Come incisore non ha eguali nell'arte mondiale. In tutti le immagini hanno un profondo significato filosofico; raccontano i misteri dell'esistenza, la tragedia della vita umana.

Fa molto disegno. Rembrandt ha lasciato 2000 disegni. Questi includono schizzi dal vero, schizzi per dipinti e preparativi per incisioni.

Nell'ultimo quarto del XVII secolo. Inizia il declino della scuola di pittura olandese, la perdita della sua identità nazionale e dall'inizio del XVIII secolo inizia la fine della grande era del realismo olandese.

Nel frattempo, questa è un'area speciale della cultura europea degna di uno studio più dettagliato, che riflette la vita originale del popolo olandese dell'epoca.

Storia dell'apparenza

Rappresentanti di spicco delle arti artistiche cominciarono ad apparire nel paese nel XVII secolo. I culturologi francesi hanno dato loro un nome comune: "piccolo olandese", che non è correlato alla scala del talento e denota un attaccamento a determinati temi della vita quotidiana, opposto allo stile "grande" con grandi tele su argomenti storici o mitologici. La storia dell'emergere della pittura olandese fu descritta in dettaglio nel diciannovesimo secolo e anche gli autori di opere a riguardo usarono questo termine. I “piccoli olandesi” si distinguevano per il realismo secolare, si rivolgevano al mondo e alle persone circostanti e usavano una pittura ricca di toni.

Principali fasi dello sviluppo

La storia della pittura olandese può essere suddivisa in diversi periodi. Il primo durò all'incirca dal 1620 al 1630, quando il realismo si affermò nell'arte nazionale. La pittura olandese conobbe il suo secondo periodo nel 1640-1660. Questo è il periodo in cui la scuola d'arte locale fiorì davvero. Infine, il terzo periodo, il periodo in cui la pittura olandese iniziò a declinare, dal 1670 all'inizio del XVIII secolo.

Vale la pena notare che i centri culturali sono cambiati durante questo periodo. Nel primo periodo, i principali artisti lavorarono ad Haarlem e il principale rappresentante era Khalsa. Successivamente la sede si spostò ad Amsterdam, dove le opere più significative furono realizzate da Rembrandt e Vermeer.

Scene di vita quotidiana

Quando si elencano i generi più importanti della pittura olandese, è imperativo iniziare con la vita di tutti i giorni, la più vivida e originale della storia. Furono i fiamminghi a rivelare al mondo scene della vita quotidiana della gente comune, contadini, cittadini o borghesi. I pionieri furono Ostade e i suoi seguaci Audenrogge, Bega e Dusart. Nei primi dipinti di Ostade, le persone giocano a carte, litigano e persino litigano in una taverna. Ogni dipinto si distingue per un carattere dinamico, un po' brutale. La pittura olandese di quei tempi parla anche di scene pacifiche: in alcune opere, i contadini parlano davanti a una pipa e un bicchiere di birra, trascorrono del tempo in una fiera o con le loro famiglie. L'influenza di Rembrandt portò all'uso diffuso del chiaroscuro morbido e dorato. Le scene urbane hanno ispirato artisti come Hals, Leicester, Molenaar e Codde. A metà del diciassettesimo secolo, i maestri raffiguravano medici, scienziati nel processo di lavoro, i propri laboratori, le faccende domestiche o ogni trama avrebbe dovuto essere divertente, a volte grottescamente didattica. Alcuni maestri erano inclini a poeticizzare la vita di tutti i giorni, ad esempio Terborch raffigurava scene di musica o flirt. Metsu ha utilizzato colori vivaci, trasformando la vita di tutti i giorni in una celebrazione, mentre de Hooch si è ispirato alla semplicità della vita familiare, immersa nella luce del giorno diffusa. I rappresentanti successivi del genere, che includono maestri della pittura olandesi come Van der Werff e Van der Neer, nella loro ricerca di una rappresentazione elegante, spesso crearono soggetti alquanto pretenziosi.

Natura e paesaggi

Inoltre, la pittura olandese è ampiamente rappresentata nel genere paesaggistico. Emerse per la prima volta nelle opere di maestri di Haarlem come van Goyen, de Moleyn e van Ruisdael. Furono loro che iniziarono a rappresentare le zone rurali con una certa luce argentata. L'unità materiale della natura è venuta alla ribalta nelle sue opere. I paesaggi marini meritano una menzione separata. I Marinisti del XVII secolo includevano Porsellis, de Vlieger e van de Capelle. Non si sono sforzati tanto di trasmettere alcune scene marine, quanto hanno cercato di rappresentare l'acqua stessa, i giochi di luce su di essa e nel cielo.

Nella seconda metà del diciassettesimo secolo emersero nel genere opere più emotive con idee filosofiche. Jan van Ruisdael ha rivelato al massimo la bellezza del paesaggio olandese, raffigurandolo in tutta la sua drammaticità, dinamica e monumentalità. Hobbem, che preferiva i paesaggi soleggiati, continuò le sue tradizioni. Koninck dipinse panorami e van der Neer creò paesaggi notturni e rese il chiaro di luna, l'alba e il tramonto. Numerosi artisti si caratterizzano anche per la rappresentazione di animali nei paesaggi, ad esempio mucche e cavalli al pascolo, nonché scene di caccia e con cavalieri. Successivamente, gli artisti iniziarono a interessarsi alla natura straniera: entrambi, van Laar, Wenix, Berchem e Hackert raffigurarono l'Italia bagnata dai raggi del sole del sud. Il fondatore del genere fu Sanredam, i cui migliori seguaci possono essere chiamati i fratelli Berkheide e Jan van der Heijden.

Immagine degli interni

Un genere separato che ha distinto la pittura olandese nel suo periodo di massimo splendore può essere chiamato scene con chiese, palazzi e stanze domestiche. Gli interni apparvero nei dipinti della seconda metà del diciassettesimo secolo dei maestri di Delft - Haukgeest, van der Vliet e de Witte, che divennero i principali rappresentanti del movimento. Utilizzando le tecniche di Vermeer, gli artisti hanno raffigurato scene immerse nella luce del sole, piene di emozioni e volume.

Piatti e piatti pittoreschi

Infine, un altro genere caratteristico della pittura olandese è la natura morta, in particolare la raffigurazione delle colazioni. Fu ripreso per la prima volta dai residenti di Haarlem Claes e Heda, che dipinsero tavole imbandite con piatti lussuosi. Il disordine pittoresco e il trasporto speciale di un interno accogliente sono pieni di luce grigio-argento, caratteristica dell'argento e del peltro. Gli artisti di Utrecht dipingevano lussureggianti nature morte floreali e all'Aia gli artisti erano particolarmente bravi a rappresentare pesci e rettili marini. A Leida è nata una direzione filosofica del genere, in cui teschi e clessidre convivono con simboli di piacere sensuale o gloria terrena, progettati per ricordare la caducità del tempo. Le nature morte da cucina democratiche divennero un segno distintivo della scuola d'arte di Rotterdam.

L'età dell'oro della pittura olandese è una delle epoche più straordinarie nella storia della pittura mondiale. Viene considerata l'età dell'oro della pittura olandese 17 ° secolo. Fu in questo momento che gli artisti e i pittori più talentuosi crearono le loro opere immortali. I loro dipinti sono ancora considerati capolavori insuperabili, conservati in famosi musei di tutto il mondo e considerati un patrimonio inestimabile dell'umanità.

All'inizio 17 ° secolo In Olanda fioriva ancora un'arte piuttosto primitiva, giustificata dai gusti e dalle preferenze mondane di persone ricche e potenti. Come risultato dei cambiamenti politici, geopolitici e religiosi, l’arte olandese cambiò radicalmente. Se prima gli artisti cercavano di assecondare i borghesi olandesi, descrivendo la loro vita e il loro modo di vivere, privi di ogni linguaggio elevato e poetico, e lavoravano anche per la chiesa, che commissionava agli artisti di lavorare in un genere piuttosto primitivo con soggetti logori da tempo , quindi l'inizio del XVII secolo fu una vera svolta. In Olanda regnò il predominio dei protestanti, che praticamente smisero di ordinare agli artisti dipinti su temi religiosi. L'Olanda divenne indipendente dalla Spagna e si affermò sul podio storico. Gli artisti sono passati da temi precedentemente familiari alla rappresentazione di scene quotidiane, ritratti, paesaggi, nature morte e così via. Qui, in un campo nuovo, gli artisti dell'età dell'oro sembravano avere un nuovo respiro e nel mondo cominciavano ad apparire veri geni dell'arte.

Gli artisti olandesi del XVII secolo introdussero nella moda il realismo della pittura. Splendidi per composizione, realismo, profondità e insolitezza, i dipinti iniziarono a riscuotere un enorme successo. La domanda di dipinti è aumentata notevolmente. Di conseguenza, iniziarono ad apparire sempre più nuovi artisti, che a un ritmo sorprendentemente veloce svilupparono i fondamenti della pittura, svilupparono nuove tecniche, stili e generi. Alcuni degli artisti più famosi dell'età dell'oro furono: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel il Vecchio, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck e molti altri.

Dipinti di pittori olandesi

Cornelis de Man - Manifattura di olio di balena

Cornelis Trost - Divertimento nel parco

Ludolf Backhuizen - Molo della campagna delle Indie orientali ad Amsterdam

Pieter Bruegel il Vecchio - La catastrofe dell'alchimista

Rembrandt-Andries de Graef