Slikarske vrste i žanrovi slikarstva. Glavni žanrovi slikanja ruskih umjetnika s primjerima slika. Umjetničko slikanje na keramici

09.02.2019

Slikarstvo je jedna od drevnih umjetnosti, koja je tokom mnogih stoljeća prolazila kroz evoluciju od paleolitskih slika na stijenama do najnovijih trendova 20. pa čak i 21. stoljeća. Ova umjetnost je rođena gotovo s pojavom čovječanstva. Drevni ljudi, a da nisu ni u potpunosti shvatili sebe kao ljudi, osjećali su potrebu da svijet oko sebe prikažu na površini. Slikali su sve što su vidjeli: životinje, prirodu, scene lova. Za slikanje su koristili nešto slično bojama od prirodnih materijala. To su bile zemljane boje ugalj, crna čađ. Četke su se pravile od životinjske dlake, ili su se jednostavno slikale prstima.

Kao rezultat promjena, pojavile su se nove vrste i žanrovi slikarstva. Nakon antičkog perioda uslijedio je period antike. Postojala je želja među slikarima i umjetnicima da reproduciraju stvarni život oko nas, kakav se čini ljudima. Želja za preciznošću prijenosa izazvala je nastanak temelja perspektive, temelja svjetlosnih i sjenčanih konstrukcija različitih slika i proučavanje toga od strane umjetnika. I oni su, prije svega, proučavali kako prikazati volumetrijski prostor na ravni zida, u fresco painting. Neka umjetnička djela, poput volumetrijskog prostora, chiaroscuro, počela su se koristiti za ukrašavanje prostorija, vjerskih centara i ukopa.

Sljedeći važan period u prošlosti slikarstva je srednji vijek. U to vrijeme slikarstvo je bilo više religiozne prirode, a pogled na svijet počeo se odražavati u umjetnosti. Kreativnost umjetnika bila je usmjerena na ikonopis i druge melodije religije. Main važne tačke, što je umjetnik morao naglasiti, nije bio toliko tačan odraz stvarnosti, već prije prijenos duhovnosti čak i na najrazličitijim slikama. Platna tadašnjih majstora oduševljavala su svojom ekspresivnošću kontura, koloritom i šarenilom. Srednjovjekovno slikarstvo nam se čini ravno. Svi likovi umjetnika tog vremena su na istoj liniji. I zato nam se mnoga djela čine pomalo stiliziranima.

Razdoblje sivog srednjeg vijeka zamijenjeno je svjetlijim periodom renesanse. Renesansa je ponovo donela prekretnicu u istorijskom razvoju ove umetnosti. Nova raspoloženja u društvu, novi pogled na svijet počeli su diktirati umjetniku: koje aspekte slikarstva potpunije i jasnije otkriti. Žanrovi slikanja kao što su portret i pejzaž postat će samostalni stilovi. Umjetnici izražavaju ljudske emocije i njihov unutrašnji svijet kroz nove načine slikanja. U 17. i 18. vijeku slikarstvo je doživjelo još značajniji razvoj. U ovom periodu katolička crkva gubi na značaju, a umjetnici u svojim djelima sve više odražavaju istinske poglede na ljude, prirodu, svakodnevnicu i svakodnevicu. U tom periodu formiraju se i žanrovi kao što su barok, rokoko, klasicizam i manirizam. Pojavljuje se romantizam, koji je kasnije zamijenjen spektakularnijim stilom - impresionizmom.

Početkom dvadesetog veka slikarstvo se dramatično promenilo i pojavio se novi pravac moderne umetnosti - apstraktno slikarstvo. Ideja ovog smjera je prenijeti slaganje između čovjeka i umjetnosti, stvoriti harmoniju u kombinacijama linija i boja. Ovo je umjetnost bez objektivnosti. Ona ne teži tačnom donošenju stvarne slike, već naprotiv, ona prenosi ono što je u umetnikovoj duši, njegove emocije. Oblici i boje igraju važnu ulogu u ovoj umjetničkoj formi. Njegova je suština prenijeti ranije poznate objekte na nov način. Ovdje se umjetnicima daje potpuna sloboda mašte. To je dalo poticaj nastanku i razvoju modernih trendova kao što su avangarda, underground, apstraktna umjetnost. Od kraja dvadesetog veka do danas slikarstvo se neprestano menja. No, unatoč svim novim dostignućima i modernim tehnologijama, umjetnici i dalje ostaju vjerni klasičnoj umjetnosti - slikarstvu ulja i akvarela, stvarajući svoja remek-djela uz pomoć boja i platna.

Natalia Martynenko

Istorija likovne umjetnosti

Istorija slikarstva je beskrajni lanac koji je započeo prvim slikama. Svaki stil izrasta iz stilova koji su bili prije njega. Svaki veliki umjetnik dodaje nešto dostignućima ranijih umjetnika i utječe na kasnije umjetnike.

Možemo uživati u slikanju zbog njegove ljepote. Njegove linije, oblici, boje i kompozicija (raspored dijelova) mogu privući naša osjetila i ostati u našim sjećanjima. Ali uživanje u umjetnosti raste kada saznamo kada, zašto i kako je nastala.

Na istoriju slikarstva uticali su mnogi faktori. Geografija, religija, nacionalna obilježja, istorijskih događaja, razvoj novih materijala - sve to pomaže u oblikovanju vizije umjetnika. Slikarstvo je kroz istoriju odražavalo promjenjivi svijet i naše ideje o njemu. Zauzvrat, umjetnici su obezbijedili neke od njih najbolje ploče o razvoju civilizacije, ponekad otkrivajući više od pisane riječi.

Praistorijsko slikarstvo

Stanovnici pećina bili su najraniji umjetnici. Crteži u boji životinja koji datiraju od 30.000 do 10.000 godina prije Krista pronađeni su na zidovima pećina u južnoj Francuskoj i Španiji. Mnoge od ovih slika su izuzetno dobro očuvane jer su pećine bile zapečaćene vekovima. Rani ljudi su crtali slike divljih životinja koje su vidjeli oko sebe. Vrlo grube ljudske figure napravljene u životnim položajima pronađene su u Africi i istočnoj Španiji.

Pećinski umjetnici ispunili su zidove pećine crtežima u bogatim, živim bojama. Neke od najlepših slika nalaze se u pećini Altamira, u Španiji. Jedan detalj prikazuje ranjenog bivola, koji više ne može da stoji - vjerovatno žrtvu lovca. Oslikana je crvenkasto smeđom bojom i ocrtana jednostavno, ali vješto, crnom bojom. Pigmenti koje koriste pećinski umjetnici su oker (oksidi željeza u rasponu boja od svijetlo žute do tamno narandžaste) i mangan (tamni metal). Usitnjene su u fini prah, pomiješane sa lubrikantom (moguće masnim uljem) i nanesene na površinu nekom vrstom četke. Ponekad su pigmenti bili u obliku štapića, sličnih bojicama. Masnoća pomešana sa pigmentima u prahu napravila je tečnost boje, a čestice pigmenta su se zalepile. Stanovnici pećina su pravili četke od životinjskih dlaka ili biljaka, a oštre alate od silikona (za crtanje i grebanje).

Još prije 30.000 godina ljudi su izmislili osnovne alate i materijale za slikanje. Metode i materijali su se usavršavali i usavršavali tokom narednih vekova. Ali otkrića stanovnika pećine ostaju fundamentalna za slikarstvo.

egipatsko i mezopotamsko slikarstvo (3400-332 pne)

Jedna od prvih civilizacija pojavila se u Egiptu. Mnogo se zna o njihovim životima iz pisanih zapisa i umjetnosti koje su ostavili Egipćani. Vjerovali su da tijelo treba sačuvati kako bi duša mogla živjeti nakon smrti. Velike piramide bile su složene grobnice za bogate i moćne egipatske vladare. Mnogo egipatske umjetnosti stvoreno je za piramide i grobnice kraljeva i drugih važnih ljudi. Da bi bili potpuno sigurni da će duša nastaviti postojati, umjetnici su kreirali slike mrtve osobe u kamenu. Reproducirali su i scene iz ljudskog života na zidnim slikama u grobnim komorama.

Egipatske umjetničke tehnike ostale su nepromijenjene vekovima. U jednoj metodi, akvarel boja je nanesena na glinene ili krečnjačke površine. U drugom procesu, obrisi su urezani u kamene zidove i obojeni akvarelima. Za prianjanje boje na površinu vjerovatno je korišten materijal nazvan arapska guma. Srećom, suha klima i zapečaćene grobnice spriječili su neke od njih akvarel slike propadaju od vlage. Mnogi prizori lova sa zidova grobnica u Tebi, koji datiraju iz oko 1450. godine prije Krista, dobro su očuvani. Pokazuju kako lovci jure ptice ili ribe. Ovi predmeti se i danas mogu prepoznati jer su pažljivo i pažljivo oslikani.

Mesopotamska civilizacija, koja je trajala od 3200. do 332. godine prije Krista, nalazila se u dolini između rijeka Tigris i Eufrat na Bliskom istoku. Kuće u Mesopotamiji građene su uglavnom od gline. Kako je glina omekšana od kiše, njihove zgrade su se srušile u prašinu, uništavajući sve zidne slike koje su mogle biti vrlo zanimljive. Ono što je preživjelo je ukrašena keramika (oslikana i pečena) i šareni mozaici. Iako se mozaici ne mogu smatrati slikarstvom, oni često utiču na to.

Egejska civilizacija (3000-1100 pne)

Treća velika rana kultura bila je egejska civilizacija. Egejci su živjeli na ostrvima u blizini obale Grčke i na poluostrvu Male Azije otprilike u isto vreme kada i stari Egipćani i Mezopotamci.

1900. godine, arheolozi su započeli iskopavanje palate kralja Minosa u Knososu na ostrvu Krit. Iskopavanja su otkrila umjetnička djela naslikana oko 1500. godine prije Krista. u neobično slobodnom i gracioznom stilu tog vremena. Očigledno su Krićani bili bezbrižan narod koji voli prirodu. Među njihovim omiljenim predmetima u umjetnosti bili su morski život, životinje, cvijeće, sportske igre, masovne povorke. U Knososu i drugim egejskim palatama, slike su rađene na zidovima od vlažnog maltera pomoću boja napravljenih od mineralnih materija, peska i zemljanog okera. Boja se upijala u mokru žbuku i postala stalni dio zida. Ove slike su kasnije nazvane freskama (od italijanske riječi za "svježe" ili "nove"). Krećani su voljeli jarko žute, crvene, plave i zelene boje.

Grčko i rimsko klasično slikarstvo (1100 pne – 400 n.e.)

Stari Grci su ukrašavali zidove hramova i palata freskama. Iz antičkih književnih izvora i iz rimskih kopija grčke umjetnosti može se reći da su Grci slikali male slike i pravili mozaike. Imena grčkih majstora i malo o njihovim životima i djelima poznato je, iako je vrlo malo grčkog slikarstva preživjelo vijekove i posljedice ratova. Grci nisu mnogo pisali u grobnicama, pa njihova djela nisu bila zaštićena.

Oslikane vaze su sve što je danas ostalo od grčkog slikarstva. Proizvodnja grnčarije bila je velika industrija u Grčkoj, posebno u Atini. Kontejneri su bili veoma traženi, izvozili su se, kao i ulje i med, i za domaće potrebe. Najranije slikanje u vazi rađeno je u geometrijskim figurama i ornamentima (1100-700 pne). Vaze su također bile ukrašene ljudskim figurama u smeđoj glazuri na svijetloj glini. Do 6. stoljeća umjetnici vaza često su slikali crne ljudske figure na prirodnoj crvenoj glini. Detalji su oštrim alatom urezani u glinu. To je omogućilo da se crvena boja pojavi u dubini reljefa.

Crvenofiguralni stil je na kraju zamijenio crni. Odnosno, obrnuto: figure su crvene, a pozadina crna. Prednost ovog stila bila je u tome što je umjetnik mogao koristiti kist za kreiranje obrisa. Četkica daje labaviju liniju od metalnog alata koji se koristi na crnim vazama sa figurama.

Rimske zidne slike pronađene su uglavnom u vilama (seoskim kućama) u Pompejima i Herkulaneumu. 79. godine nove ere ova dva grada su potpuno zatrpana erupcijom Vezuva. Arheolozi koji su iskopali ovo područje mogli su mnogo naučiti o životu starog Rima iz ovih gradova. Gotovo svaka kuća i vila u Pompejima imale su slike na zidovima. Rimski slikari su pažljivo pripremili površinu zida nanošenjem mješavine mramorne prašine i žbuke. Polirali su površine do mermerne završnice. Mnoge od slika su kopije grčkih slika iz 4. veka pre nove ere. Graciozne poze figura oslikanih na zidovima Vile Misterija u Pompejima inspirisale su umetnike u 18. veku kada je grad otkopan.

Grci i Rimljani su takođe slikali portrete. Mali broj njih, uglavnom portreti mumija, rađen je u grčki stil egipatskih umjetnika, sačuvane su oko Aleksandrije, u sjevernom Egiptu. Osnovana u 4. veku pre nove ere od strane Aleksandra Velikog iz Grčke, Aleksandrija je postala vodeći centar grčke i rimske kulture. Portreti su naslikani tehnikom enkaustike na drvetu i postavljeni u obliku mumije nakon smrti prikazane osobe. Enkaustičke slike napravljene bojom pomešanom sa otopljenim pčelinjim voskom traju veoma dugo. Zaista, ovi portreti još uvijek izgledaju svježe, iako su snimljeni u drugom vijeku prije nove ere.

Ranokršćansko i vizantijsko slikarstvo (300-1300)

Rimsko carstvo je opadalo u 4. veku nove ere. U isto vrijeme, kršćanstvo je jačalo. Rimski car Konstantin je 313. godine zvanično priznao religiju i sam se preobratio na hrišćanstvo.

Pojava kršćanstva uvelike je utjecala na umjetnost. Umjetnici su dobili zadatak da zidove crkava ukrašavaju freskama i mozaicima. Izrađivali su panoe u crkvenim kapelama, ilustrovali i ukrašavali crkvene knjige. Pod uticajem Crkve, od umetnika se očekivalo da što jasnije prenose učenje hrišćanstva.

Rani kršćani i bizantski umjetnici nastavili su tehniku mozaika koju su naučili od Grka. Mali ravni komadi obojenog stakla ili kamena postavljani su na mokri cement ili gips. Ponekad su korišteni i drugi tvrdi materijali, poput komada pečene gline ili školjki. Kod italijanskog mozaika boje su posebno duboke i pune. Italijanski umjetnici napravili su pozadinu komadima pozlaćenog stakla. Prikazivali su ljudske figure u bogatim bojama na pozadini blistavog zlata. Ukupni efekat je bio ravan, dekorativan i nerealan.

Mozaici vizantijskih umjetnika često su bili čak manje realistični i još više dekorativni od motiva ranih kršćana. "Vizantijski" je naziv za stil umjetnosti koji se razvio oko drevnog grada Vizantije (danas Istanbul, Turska). Tehnika mozaika bila je idealno prilagođena vizantijskom ukusu za veličanstveno ukrašene crkve. Čuveni mozaici Teodore i Justinijana, napravljeni oko 547. godine nove ere, pokazuju ukus za bogatstvo. Nakit figure blistaju, a dvorske haljine u boji blistaju na pozadini blistavog zlata. Bizantski umjetnici su također koristili zlato na freskama i panelima. Zlato i drugi dragocjeni materijali korišteni su u srednjem vijeku za odvajanje duhovnih predmeta od svakodnevnog svijeta.

Srednjovjekovno slikarstvo (500-1400)

Prvi dio srednjeg vijeka, otprilike od 6. do 11. stoljeća nove ere, obično se naziva mračnim vijekom. U ovo doba nemira, umjetnost se čuvala uglavnom u manastirima. U 5. veku nove ere Varanska plemena iz sjeverne i srednje Evrope lutala su kontinentom. Stotinama godina oni su dominirali zapadnom Evropom. Ovi ljudi su stvarali umjetnost u kojoj je glavni element uzorak. Posebno su bili fascinirani strukturama isprepletenih zmajeva i ptica.

Najbolje od keltske i saksonske umjetnosti može se pronaći u rukopisima iz 7. i 8. stoljeća. Ilustracije knjiga, iluminacija i minijaturno slikarstvo, prakticirani od kasnog rimskog doba, postali su široko rasprostranjeni u srednjem vijeku. Rasvjeta je ukras teksta, velikih slova i margina. Korištene su zlatne, srebrne i svijetle boje. Minijatura je mala slika, često portret. Termin je prvobitno korišten za opisivanje ukrasnog bloka oko početnih slova u rukopisu.

Karlo Veliki, koji je krunisan za cara Svetog rimskog carstva početkom 9. veka, pokušao je da oživi klasičnu umetnost kasnog rimskog i ranokršćanskog perioda. Tokom njegove vladavine slikari minijature su imitirali klasičnu umjetnost, ali su kroz svoje subjekte prenosili i lična osjećanja.

Iz srednjeg vijeka sačuvano je vrlo malo zidnog slikarstva. U crkvama sagrađenim tokom romanski period(11.-13. stoljeće), bilo je nekoliko sjajnih fresaka, ali većina ih je nestala. U crkvama gotičkog perioda (XII-XVI stoljeće) nije bilo dovoljno prostora za zidne slike. Ilustracija knjige bila je glavno djelo gotičkog slikara.

Među najbolje ilustrovanim rukopisima bili su časovnici – zbirke kalendara, molitava i psalama. Stranica iz italijanskog rukopisa prikazuje razrađene inicijale i fino detaljnu marginalnu scenu Svetog Đorđa kako ubija zmaja. Boje su briljantne i poput dragulja, poput vitraža, a zlato svjetluca sa stranice. Graciozno suptilni listovi i cvjetni dizajni graniče s tekstom. Umjetnici su vjerovatno koristili lupe da bi napravili tako zamršen, detaljan rad.

Italija: Cimabue i Giotto

Italijanski umjetnici krajem 13. stoljeća još uvijek rade u vizantijskom stilu. Ljudske figure su bile ravne i ukrasne. Lica su retko imala izraz. Tijela su bila bestežinska i činilo se da lebde umjesto da čvrsto stoje na zemlji. U Firenci je umjetnik Cimabue (1240-1302) pokušao modernizirati neke od starih vizantijskih tehnika. Anđeli u Madonni Enthroned aktivniji su nego inače na slikama tog vremena. Njihovi gestovi i lica pokazuju malo više ljudskih osjećaja. Cimabue je svojim slikama dodao novi osjećaj monumentalnosti ili sjaja. Međutim, nastavio je slijediti mnoge vizantijske tradicije, kao što su zlatna pozadina i šareni raspored predmeta i figura.

Bio je to veliki firentinski umjetnik Giotto (1267-1337) koji je zapravo raskinuo s vizantijskom tradicijom. Njegova serija fresaka u kapeli Arene u Padovi ostavlja daleko iza sebe vizantijsku umjetnost. Ima prave emocije, napetosti i naturalizma u ovim scenama iz života Marije i Krista. Prisutni su svi kvaliteti ljudske topline i simpatije. Ljudi ne izgledaju potpuno nestvarni ili nebeski. Giotto je zasjenio obrise figura, a stavio je duboke sjene u nabore odjeće kako bi dao osjećaj zaobljenosti i čvrstoće.

Za svoje male ploče, Giotto je koristio čistu temperu od jaja, medij koji su usavršili Firentinci u 14. vijeku. Jasnoća i svjetlina njegovih boja sigurno su uvelike utjecale na ljude koji su navikli na tamne boje vizantijskih ploča. Slike tempere ostavljaju utisak da na scenu pada meka dnevna svetlost. Imaju gotovo ravan izgled, za razliku od sjaja uljanih slika. Jajčana tempera je ostala glavna boja sve dok je ulje nije gotovo u potpunosti zamijenilo u 16. stoljeću.

Slikarstvo kasnog srednjeg vijeka sjeverno od Alpa

Početkom 15. vijeka umjetnici u Sjeverna Evropa radio u stilu potpuno drugačijem od italijanskog slikarstva. Sjeverni umjetnici ostvarili realizam dodajući bezbroj detalja svojim slikama. Sva kosa je bila graciozno definisana, a svaki detalj draperije ili poda bio je precizno pozicioniran. Izum uljanog slikarstva olakšao je izradu detalja.

Flamanski umjetnik Jan van Eyck (1370-1414) dao je veliki doprinos razvoju uljanog slikarstva. Kada se koristi tempera, boje se moraju nanositi odvojeno. Ne mogu se dobro zasjeniti jer se boja brzo suši. Uljem koje se sporo suši umjetnik može postići složenije efekte. Njegovi portreti iz 1466-1530. izvedeni su u tehnici flamanskog ulja. Svi detalji, pa čak i refleksije u ogledalu su jasni i tačni. Boja je postojana i ima tvrdu površinu nalik na emajl. Grudirani drveni panel pripremljen je na isti način na koji je Giotto pripremao svoje ploče za temperu. Van Eyck je stvorio sliku sa slojevima fine boje zvane glazura. Tempera je vjerovatno korištena u izvornom podrastu i za naglaske.

Italijanska renesansa

U vrijeme kada je van Eyck radio na sjeveru, Italijani su ulazili u zlatno doba umjetnosti i književnosti. Ovaj period se naziva renesansa, što znači ponovno rođenje. Italijanski umjetnici bili su inspirirani skulpturama starih Grka i Rimljana. Italijani su željeli oživjeti duh klasične umjetnosti, koja veliča ljudsku nezavisnost i plemenitost. Renesansni umjetnici nastavili su slikati vjerske scene. Ali oni su takođe naglašavali zemaljski život i ljudska dostignuća.

Firenca

Giottova dostignuća u ranom 14. vijeku označila su početak renesanse. Italijanski umjetnici 17. vijeka su ga nastavili. Masaccio (1401-1428) bio je jedan od predvodnika prve generacije renesansnih umjetnika. Živio je u Firenci, bogatom trgovačkom gradu u kojem je počela renesansna umjetnost. Do svoje smrti, kasnih dvadesetih godina, napravio je revoluciju u slikarstvu. U njegovom poznata freska“The Tribute Money” postavlja impozantne skulpturalne figure u pejzaž koji kao da se proteže daleko u daljinu. Masaccio je možda proučavao perspektivu od firentinskog arhitekte i vajara Bruneleskija (1377-1414).

Tehnika fresaka bila je veoma popularna tokom renesanse. Posebno je bio pogodan za velike murale jer su boje na fresci suhe i savršeno ravne. Slika se može posmatrati iz bilo kog ugla bez odsjaja ili refleksije. Freske su također dostupne. Obično su umjetnici imali nekoliko asistenata. Radovi su izvedeni u dijelovima jer je trebalo završiti dok je malter još bio mokar.

Masacciov puni "trodimenzionalni" stil bio je tipičan za novi progresivni pokret 15. stoljeća. Stil Fra Angelica (1400-1455) predstavlja tradicionalniji pristup, koji su koristili mnogi umjetnici rane renesanse. Manje ga je zanimala perspektiva, a više ga je zanimao dekorativni dizajn. Njegovo “Krunisanje Bogorodice” primjer je tempere u njenom najljepšem obliku. Zabavne, bogate boje postavljene na zlato i naglašene zlatom. Slika izgleda kao uvećana minijatura. Duge, uske figure imaju malo zajedničkog s Masacciom. Kompozicija je organizirana u širokim linijama kretanja koje kruže oko središnjih figura Krista i Marije.

Drugi Firentinac koji je radio u tradicionalnom stilu bio je Sandro Botticelli (1444-1515). Tečne ritmičke linije povezuju dijelove Botticellijevog proljeća. Lik proljeća, nošen zapadnim vjetrom, promiče s desne strane. Tri Gracije plešu u krugu, lepršavi nabori njihovih haljina i graciozni pokreti njihovih ruku izražavaju ritmove plesa.

Leonardo da Vinci (1452-1519) studirao je slikarstvo u Firenci. On je poznat po svojim naučno istraživanje i izume, kao i njegove slike. Vrlo malo njegovih slika je preživjelo, dijelom zbog toga što je često eksperimentirao s različitim načinima stvaranja i nanošenja boje umjesto da koristi isprobane i istinite metode. Posljednja večera (slikana između 1495. i 1498.) rađena je u ulju, ali ju je, nažalost, Leonardo naslikao na vlažnom zidu, zbog čega je boja popucala. Ali čak iu lošem stanju (prije restauracije), slika je imala sposobnost da probudi emocije kod svakoga ko je vidi.

Jedna od karakterističnih osobina Leonardovog stila bila je njegova metoda prikazivanja svjetla i tame. Talijani su njegovo prigušeno osvetljenje nazvali "sfumato", što znači zadimljeno ili maglovito. Likovi u Bogorodici od Škrpjela prekriveni su atmosferom sfumato. Njihovi oblici i karakteristike su blago zasjenjene. Leonardo je postigao ove efekte koristeći vrlo suptilne gradacije svijetlih i tamnih tonova.

Rim

Kulminacija renesansnog slikarstva dogodila se u 16. veku. Istovremeno, centar umjetnosti i kulture preselio se iz Firence u Rim. Pod papom Sikstom IV i njegovim nasljednikom Julijem II, grad Rim je bio slavno i bogato ukrašen renesansnim umjetnicima. Neki od najambicioznijih projekata ovog perioda započeti su za vrijeme papstva Julija II. Julije je naručio velikog vajara i slikara Michelangela (1475-1564) da oslika plafon Sikstinske kapele i izrezuje skulpturu za papin grob. Julije je pozvao i slikara Rafaela (1483-1520) da pomogne u ukrašavanju Vatikana. Rafael je sa svojim pomoćnicima oslikao četiri sobe papinih stanova u Vatikanskoj palači.

Michelangelo, Firentinac po rođenju, razvio je monumentalni stil slikarstva. Likovi na njegovoj slici su toliko jaki i obimni da izgledaju kao skulpture. Sikstinski plafon, za koji je Mikelanđelu trebalo 4 godine da ga završi, sastoji se od stotina ljudskih figura iz Starog zaveta. Da bi završio ovu grandioznu fresku, Mikelanđelo je morao da leži na leđima na skeli. Zamišljeno Jeremijevo lice među prorocima koji okružuju plafon neki stručnjaci smatraju Mikelanđelovim autoportretom.

Rafael je u Firencu došao iz Urbina dok je još bio veoma mlad. U Firenci je upijao ideje Leonarda i Mikelanđela. Do trenutka kada je Raphael otišao u Rim da radi u Vatikanu, njegov stil je postao jedan od najvećih u ljepoti izvedbe. Posebno su mu bili dragi njegovi prekrasni portreti Bogorodice s Djetetom. Reproducirane su u hiljadama i mogu se vidjeti posvuda. Njegova Madonna del Granduca uspješna je zbog svoje jednostavnosti. Bezvremenski u svom miru i čistoći, nama je privlačan kao što je bio i Italijanima iz Rafaelovog doba.

Venecija

Venecija je bila glavni grad na sjeveru Italije u doba renesanse. Posjetili su ga umjetnici iz Flandrije i drugih regija koji su znali za flamanske eksperimente s uljanim bojama. To je stimuliralo ranu upotrebu tehnologija nafte u italijanskom gradu. Mlečani su naučili da slikaju na čvrsto zategnutom platnu, a ne na drvenim pločama koje se obično koriste u Firenci.

Giovanni Bellini (1430-1515) bio je najveći venecijanski umjetnik 15. stoljeća. Bio je i jedan od prvih italijanskih umjetnika koji je koristio ulje na platnu. Giorgione (1478-1151) i Tizian (1488-1515), koji je najpoznatiji od svih venecijanskih umjetnika, bili su šegrti u Bellinijevom ateljeu.

Majstor uljanog slikarstva, Tizian je slikao ogromna platna u toplim, bogatim bojama. U svojim zrelim slikama žrtvovao je detalje kako bi stvorio zapanjujuće efekte, kao na primjer u Madoni iz Pezara. Koristio je velike četke za velike poteze. Njegove boje su posebno bogate jer je strpljivo stvarao glazure kontrastnih boja. Obično su se glazure nanosile na smeđu kaljenu površinu, što je slici dalo ujednačen ton.

Drugi veliki venecijanski umjetnik 16. stoljeća bio je Tintoretto (1518-1594). Za razliku od Tiziana, on je obično radio direktno na platnu bez preliminarnih skica ili obrisa. Često je izobličavao svoje forme (izvrtao ih) radi kompozicije i dramatičnosti radnje. Njegova tehnika, koja uključuje široke poteze kistom i dramatične kontraste svjetla i tame, djeluje vrlo moderno.

Umjetnik Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bio je poznat kao El Greco ("Grk"). Rođen na ostrvu Krit, koje je okupirala venecijanska vojska, El Greka su obučavali italijanski umetnici. Kao mladić otišao je na studije u Veneciju. Ujedinjeni uticaj Vizantijska umjetnost koje je vidio oko sebe na Kritu, i italijanska umjetnost renesanse, učinila je El Grecovo djelo izvanrednim.

Na svojim slikama izobličavao je prirodne forme i koristio još čudnije, nezemaljske boje od Tintoreta, kojem se divio. Kasnije se El Greco preselio u Španiju, gde je tama španske umetnosti uticala na njegov rad. U njegovoj dramatičnoj viziji Toleda, oluja bjesni nad smrtonosnom tišinom grada. Hladne plave, zelene i plavo-bijele nijanse šire hladnoću po krajoliku.

Renesansa u Flandriji i Njemačkoj

Zlatno doba slikarstva u Flandriji (danas dio Belgije i sjeverne Francuske) bilo je 15. vijek, vrijeme Van Eycka. U 16. veku, mnogi flamanski umetnici oponašali su italijanske renesansne umetnike. Međutim, neki Flamanci su nastavili flamansku tradiciju realizma. Zatim se širi žanrovsko slikarstvo – prizori iz svakodnevnog života, koji su ponekad bili šarmantni, a nekad fantastični. Hijeronim Boš (1450-1515), koji je prethodio žanrovskim slikarima, imao je neobično živu maštu. Smislio je sve vrste čudnih, grotesknih stvorenja za Iskušenje sv. Anthony." Pieter Bruegel Stariji (1525-1569) također je radio u flamanskoj tradiciji, ali je svojim žanrovskim scenama dodao perspektivu i druge renesansne karakteristike.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein Mlađi (1497-1543) i Lucas Cranach Stariji (1472-1553) bili su tri od najznačajnijih njemačkih umjetnika 16. stoljeća. Učinili su mnogo da ublaže sumorni realizam ranog njemačkog slikarstva. Dürer je barem jednom posjetio Italiju, gdje je bio impresioniran slikama Giovannija Belinija i drugih sjevernih Italijana. Kroz ovo iskustvo on je njemačkom slikarstvu usadio znanje o perspektivi, osjećaj za boju i svjetlost i novo razumijevanje kompozicije. Holbein je upijao još više italijanskih dostignuća. Njegov osjetljiv crtež i sposobnost odabira samo najvažnijih detalja učinili su ga majstorskim portretistom.

Barokno slikarstvo

17. vijek je u umjetnosti poznat kao barokni period. U Italiji su umjetnici Caravaggio (1571-1610) i Annibale Carracci (1560-1609) zastupali dvije suprotne tačke gledišta. Caravaggio (pravo ime Michelangelo Merisi) je uvijek crpio inspiraciju direktno iz stvarnosti života. Jedna od njegovih glavnih briga bila je da kopira prirodu što je bliže moguće, a da je na bilo koji način ne veliča. Carracci je, s druge strane, slijedio renesansni ideal ljepote. On je studirao antička skulptura i djela Mikelanđela, Rafaela i Ticijana. Caravaggiov stil divio se mnogim umjetnicima, posebno Špancu Riberi i mladom Velazquezu. Carracci je inspirisao Nicolasa Poussin (1594-1665), poznatog francuskog slikara iz 17. vijeka.

Španija

Diego Velaskez (1599-1660), dvorski slikar španskog kralja Filipa IV, bio je jedan od najvećih španskih umetnika. Obožavalac Ticijanovog djela, bio je majstor u korištenju bogatih, harmoničnih boja. Nijedan umjetnik ne bi mogao bolje stvoriti iluziju bogatog tkiva ili ljudske kože. Prosperov Portret malog princa Filipa pokazuje tu vještinu.

Flandrija

Slike flamanskog umjetnika Petera Paula Rubensa (1577-1640) predstavljaju oličenje punog baroknog stila. Prštaju energijom, bojom i svjetlošću. Rubens je prekinuo flamansku tradiciju slikanja malih slika. Njegova platna su ogromna, ispunjena ljudskim figurama. Dobio je još naređenja velike slike nego što sam mogao da postignem. Stoga je često crtao samo malu skicu u boji. Njegovi pomoćnici su zatim prenijeli skicu na veliko platno i dovršili sliku pod Rubensovim vodstvom.

Holland

Dostignuća holandskog slikara Rembranta (1606-1669) su među najistaknutijim u istoriji. Imao je divan dar preciznog hvatanja i prenošenja ljudskih emocija. Kao i Tizian, dugo je radio na stvaranju višeslojnih slika. Zemljane boje - žuti oker, smeđa i smeđe-crvena - bile su mu omiljene. Njegove slike su rađene uglavnom u tamnim bojama. Važnost tamnih višeslojnih dijelova čini njegovu tehniku neobičnom. Naglasak se prenosi jakim osvjetljenjem u relativno svijetlim područjima.

Jan Vermeer (1632-1675) bio je jedan iz grupe holandskih umjetnika koji su slikali skromne prizore svakodnevnog života. Bio je majstor u slikanju bilo koje teksture - satena, perzijskih tepiha, kora kruha, metala. Ukupan utisak Vermeerovog enterijera je sunčana, vesela soba ispunjena kultnim kućnim predmetima.

Slikarstvo 18. veka

U 18. veku Venecija je dala nekoliko likovnih umetnika. Najpoznatiji je bio Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Ukrasio je enterijere palata i drugih zgrada veličanstvenim, šarenim freskama koje su prikazivale prizore bogatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bio je vrlo vješt s kistom i sa samo nekoliko mrlja boje mogao je dočarati ideju male figure u čamcu. Spektakularni pogledi na Antonio Canaletto (1697-1768) slavili su prošlu slavu Venecije.

Francuska: rokoko stil

U Francuskoj je ukus za pastelne boje i zamršene dekoracije doveo do razvoja rokoko stila početkom 18. stoljeća. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorski slikar kralja Luja XV, a kasnije François Boucher (1703-1770) i Jean Honoré Fragonard (1732-1806) bili su povezani sa trendovima rokokoa. Watteau je napisao sanjive vizije, život u kojem je sve zabavno. Stil je baziran na piknicima u parkovima i šumskim zabavama, na kojima se vesela gospoda i elegantne dame zabavljaju u prirodi.

Drugi umjetnici iz 18. stoljeća prikazivali su prizore običnog života srednje klase. Poput holandskog Vermeera, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) je cijenio jednostavne domaće teme i mrtve prirode. Njegove boje su trezvene i mirne u poređenju sa Watteauom.

Engleska

U 18. veku, Britanci su prvi razvili posebnu školu slikarstva. Jezgro su uglavnom činili portretisti, pod uticajem venecijanskih renesansnih umetnika. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) i Thomas Gainsborough (1727-1788) su najpoznatiji. Reynolds, koji je putovao u Italiju, slijedio je ideale renesansnog slikarstva. Njegovi portreti, iako šarmantni i dirljivi, nisu posebno zanimljivi ni po boji ni po teksturi. Gainsborough je, s druge strane, imao talenat za briljantnost. Površine njegovih slika blistaju blistavom bojom.

Slikarstvo 19. veka

19. vijek se ponekad smatra periodom tokom kojeg je moderna umjetnost počela da se oblikuje. Jedan od važnih razloga za takozvanu revoluciju u umjetnosti u to vrijeme bio je izum kamere, koja je natjerala umjetnike da preispitaju svrhu slikarstva.

Važniji razvoj bio je široka upotreba gotovih boja. Sve do 19. stoljeća većina umjetnika ili njihovih asistenata izrađivala je svoje boje mljevenjem pigmenta. Rane komercijalne boje bile su inferiornije od ručnih boja. Umjetnici su krajem 19. stoljeća otkrili da su tamnoplave i smeđe boje ranijih slika izblijedjele u crne ili sive u roku od nekoliko godina. Ponovo su počeli da koriste čiste boje kako bi sačuvali svoj rad, a ponekad i zato što su pokušavali da preciznije reflektuju sunčevu svetlost u uličnim scenama.

Španija: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bio je prvi veliki španski umetnik koji se pojavio od 17. veka. Kao omiljeni umetnik španskog dvora, napravio je mnoge portrete kraljevske porodice. Kraljevski likovi su opremljeni elegantnom odjećom i finim nakitom, ali na nekim licima se ogleda samo sujeta i pohlepa. Osim portreta, Goya je slikao dramatične scene poput Trećeg maja 1808. Ova slika prikazuje pogubljenje grupe španskih pobunjenika od strane francuskih vojnika. Odvažni kontrasti svijetlih i tamnih i tmurnih boja, prošarani mrljama crvene, izazivaju tmurni užas spektakla.

Iako je Francuska bila veliki centar umjetnosti 1800-ih, engleski umjetnici pejzaža John Constable (1776-1837) i Joseph Mallord William Turner (1775-1851) dali su vrijedan doprinos slikarstvu 19. stoljeća. Oboje su bili zainteresovani za slikanje svetlosti i vazduha, dva aspekta prirode koja su umetnici 19. veka u potpunosti istražili. Pozornik je koristio metodu poznatu kao podjela ili razbijena boja. Koristio je kontrastne boje preko glavne boje pozadine. Često je koristio palet nož za čvrsto nanošenje boje. Slika "Hay Wain" proslavila ga je nakon što je prikazana u Parizu 1824. godine. Ovo je jednostavna seoska scena košenja sijena. Oblaci lebde nad livadama prekrivenim mrljama sunčeve svjetlosti. Turnerove slike su dramatičnije od onih Constablea, koji je slikao veličanstvene prirodne znamenitosti - oluje, morske pejzaže, blistave zalaske sunca, visoke planine. Često zlatna izmaglica djelomično zaklanja objekte na njegovim slikama, čineći ih kao da lebde u beskrajnom prostoru.

Francuska

Period Napoleonove vladavine i Francuske revolucije obilježili su pojavu dvaju suprotstavljenih trendova u francuskoj umjetnosti - klasicizma i romantizma. Jacques Louis David (1748-1825) i Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) inspirirani su antičkom grčkom i rimskom umjetnošću i renesansom. Naglasili su detalje i koristili boju za stvaranje čvrstih oblika. Kao omiljeni umetnik revolucionarne vlade, David je često slikao istorijske događaje iz tog perioda. U svojim portretima, poput Madame Recamier, nastojao je postići klasičnu jednostavnost.

Théodore Guéricault (1791-1824) i romantični Eugene Delacroix (1798-1863) pobunili su se protiv Davidovog stila. Za Delacroixa, boja je bila najviše važan element u slikarstvu i nije imao strpljenja da oponaša klasične statue. Umjesto toga, divio se Rubenu i Mlečanima. Za svoje slike odabrao je šarene, egzotične teme, koje blistaju svjetlošću i pune su pokreta.

Umjetnici Barbizona također su bili dio općeg romantičarskog pokreta, koji je trajao od 1820. do 1850. godine. Radili su u blizini sela Barbizon na rubu šume Fontainebleau. Inspiraciju su pronašli u prirodi i dovršili slike u svojim ateljeima.

Drugi umjetnici eksperimentirali su sa svakodnevnim, običnim predmetima. Pejzaži Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) odražavaju njegovu ljubav prema prirodi, a njegova proučavanja ljudskog tijela pokazuju neku vrstu uravnotežene smirenosti. Gustave Courbet (1819-1877) sebe je nazvao realistom jer je prikazao svijet onakvim kakvim ga je vidio - čak i njegovu oštru, neugodnu stranu. Ograničio je svoju paletu na samo nekoliko tamnih boja. Edouard Manet (1832-1883) je također uzeo osnovu za svoje subjekte iz okolnog svijeta. Ljudi su bili šokirani njegovim šarenim kontrastima i neobične tehnike. Površine njegovih slika često imaju ravnu, šarenu teksturu poteza kistom. Maneove metode primjene efekata svjetlosti na formu utjecale su na mlade umjetnike, posebno na impresioniste.

Radeći 1870-ih i 1880-ih, grupa umjetnika poznatih kao impresionisti željela je prikazati prirodu upravo onakvom kakva je bila. Otišli su mnogo dalje od Constablea, Turnera i Maneta u proučavanju efekata svjetlosti u boji. Neki od njih razvili su naučne teorije o boji. Claude Monet (1840-1926) često je slikao isti pogled u različito doba dana kako bi pokazao kako se mijenja pod različitim svjetlosnim uvjetima. Bez obzira na temu, njegove slike se sastoje od stotina sitnih poteza kistom postavljenih jedan pored drugog, često u kontrastnim bojama. Na daljinu se potezi stapaju kako bi stvorili utisak čvrstih oblika. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) koristio je impresionističke tehnike kako bi snimio slavlje pariškog života. U njegovom Plesu u Moulin de la Galette, ljudi u odeći jarkih boja zbili su se i veselo plesali. Renoir je naslikao cijelu sliku malim potezima. Tačke i potezi boje stvaraju teksturu na površini slike koja joj daje poseban izgled. Gomile ljudi kao da se rastvaraju u sunčevoj svjetlosti i svjetlucavim bojama.

Slikarstvo 20. veka

Brojni umjetnici su ubrzo postali nezadovoljni impresionizmom. Umjetnici kao što je Paul Cézanne (1839-1906) smatrali su da impresionizam ne opisuje čvrstoću oblika u prirodi. Cézanne je volio slikati mrtve prirode jer su mu omogućavale da se fokusira na oblik voća ili drugih predmeta i njihov raspored. Teme njegovih mrtvih priroda izgledaju solidno jer ih je sveo na jednostavne geometrijske oblike. Njegova tehnika postavljanja prskanja boje i kratkih poteza bogate boje jedan pored drugog pokazuje da je mnogo naučio od impresionista.

Vincent Van Gogh (1853-90) i Paul Gauguin (1848-1903) odgovorili su na realizam impresionista. Za razliku od impresionista, koji su rekli da prirodu posmatraju objektivno, Van Gogh je malo mario za tačnost. Često je izobličavao predmete kako bi kreativnije izrazio svoje misli. Koristio je impresionističke principe da postavi kontrastne boje jednu pored druge. Ponekad je istiskivao boju iz tubica direktno na platno, kao u "Žutom polju kukuruza".

Gauguin nije mario za šarene boje impresionista. Tečno je nanosio boju na velike, ravne površine, koje je odvajao jedno od drugog linijama ili tamnim rubovima. Raznobojni tropski narodi pružili su veliki dio njegove teme.

Sezanovu metodu stvaranja prostora pomoću jednostavnih geometrijskih oblika razvili su Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) i drugi. Njihov stil postao je poznat kao kubizam. Kubisti su slikali predmete kao da se mogu vidjeti iz više uglova odjednom, ili kao da su rastavljeni i ponovo sastavljeni na ravnom platnu. Često se pokazalo da predmeti nisu slični ničemu što postoji u prirodi. Ponekad kubisti izrezuju figure od tkanine, kartona, tapeta ili drugih materijala i lijepe ih na platno kako bi napravili kolaž. Teksture su također varirale dodavanjem pijeska ili drugih supstanci u boju.

Noviji trendovi su bili da se manje naglaska na ovu temu. Kompozicija i tehnika slike su počele da dobijaju veći naglasak.

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

UVOD

1. VRSTE BOJA

2. SLIKARSTVO I NJEGOVI ŽANROVI

ZAKLJUČAK

BIBLIOGRAFIJA

UVOD

Reč "slikanje" je izvedena od reči "živo" i "pisati". „Naslikati“, objašnjava Dahl, „verno i živopisno prikazati kistom ili rečima, olovkom“. Za slikara pravilno prikazati znači tačno preneti spoljašnji izgled onoga što je video i njegove najvažnije karakteristike. Bilo ih je moguće ispravno prenijeti koristeći grafička sredstva - liniju i ton. Ali nemoguće je ovim ograničenim sredstvima živopisno prenijeti višebojnost okolnog svijeta, pulsiranje života u svakom centimetru obojene površine predmeta, čar ovog života i stalno kretanje i promjenu. Slikarstvo, jedna od vrsta likovne umjetnosti, pomaže da se istinito odražavaju boje stvarnog svijeta.

Boja - glavno vizuelno i izražajno sredstvo u slikarstvu - ima ton, zasićenost i lakoću; čini se da spaja u cjelinu sve što je karakteristično za predmet: i ono što se može prikazati linijom i ono što mu je nedostupno.

Slikarstvo, kao i grafika, koristi svijetle i tamne linije, poteze i mrlje, ali za razliku od njega, ove linije, potezi i mrlje su obojeni. Oni prenose boju izvora svjetlosti kroz blještavilo i jarko osvijetljene površine, oblikuju trodimenzionalnu formu s predmetnom (lokalnom) bojom i bojom reflektovanom u okolini, uspostavljaju prostorne odnose i dubinu, te oslikavaju teksturu i materijalnost objekata.

Zadatak slikarstva nije samo da nešto prikaže, već i da otkrije unutrašnju suštinu prikazanog, da reproducira „tipične likove u tipičnim okolnostima“. Stoga je istinito likovno uopštavanje životnih pojava u osnovi osnova realističkog slikarstva.

1. VRSTE BOJA

Monumentalno slikarstvo je posebna vrsta velikih slika koje ukrašavaju zidove i stropove arhitektonskih objekata. Otkriva sadržaj glavnih društvenih pojava koje su imale pozitivan uticaj na razvoj društva, veliča ih i ovjekovječuje, pomažući u odgoju ljudi u duhu patriotizma, napretka i humanosti. Uzvišenost sadržaja monumentalnog slikarstva, značajna veličina njegovih djela i povezanost sa arhitekturom zahtijevaju velike kolorističke mase, strogu jednostavnost i lakonizam kompozicije, jasnoću kontura i općenitost plastične forme.

Dekorativno slikanje koriste se za ukrašavanje zgrada i interijera u obliku šarenih panela, koji sa realističnim slikama stvaraju iluziju probijanja kroz zid, vizualno povećavajući veličinu prostorije, ili, naprotiv, koristeći namjerno spljoštene forme, potvrđuju ravnost zid i ograđivanje prostora. Uzorci, vijenci, vijenci i druge vrste dekora koje krase djela monumentalnog slikarstva i skulpture povezuju sve elemente interijera, naglašavajući njihovu ljepotu i usklađenost s arhitekturom.

Pozorišno i dekorativno slikarstvo(scenografija, kostimi, šminka, rekviziti, rađeni prema skicama umjetnika) pomaže da se dodatno otkrije sadržaj performansa. Posebni pozorišni uslovi za sagledavanje kulisa zahtevaju uzimanje u obzir višestrukih tačaka gledišta publike, njihove velike udaljenosti, uticaja veštačkog osvetljenja i pozadinskog osvetljenja u boji. Scenografija daje predstavu o mjestu i vremenu radnje i aktivira gledaočevu percepciju onoga što se dešava na sceni. Pozorišni umjetnik nastoji akutno izraziti individualni karakter likova, njihov društveni status, stil epohe i još mnogo toga u skicama kostima i šminke.

Minijaturno slikarstvo dobio je veliki razvoj u srednjem vijeku, prije pronalaska tiska. Rukopisne knjige bile su ukrašene najfinijim zaglavljem, završecima i detaljnim minijaturnim ilustracijama. Ruski umjetnici prve polovine 19. stoljeća vješto su koristili tehniku minijaturnog slikarstva za izradu malih (uglavnom akvarela) portreta. Čiste duboke akvarelne boje, njihove izuzetne kombinacije i izuzetna finoća pisanja izdvajaju ove portrete, pune gracioznosti i plemenitosti.

Štafelajno slikarstvo, izveden na mašini - štafelaju, kao materijalnu osnovu koristi drvo, karton, papir, ali najčešće platno razvučeno na nosilima. Štafelajna slika, kao samostalno djelo, može prikazati apsolutno sve: činjenično i izmišljeno umjetnika, nežive predmete i ljude, modernost i povijest - jednom riječju, život u svim njegovim manifestacijama. Za razliku od grafike, štafelajno slikarstvo ima bogatstvo boja, koje pomaže emocionalno, psihološki, višestruko i suptilno prenijeti ljepotu svijeta oko nas.

Slikarstvo se prema tehnici i načinu izvođenja dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš i pastel. Ovi nazivi su nastali od veziva ili od načina upotrebe materijalno-tehničkih sredstava.

Ulje slika urađeno bojom opranom biljnim uljima. Gusta boja se razrjeđuje kada joj se doda ulje ili posebni razrjeđivači i lakovi. Uljana boja se može koristiti na platnu, drvetu, kartonu, papiru i metalu.

Tempera farbanje se vrši bojom pripremljenom od žumanca ili kazeina. Tempera boja se rastvara vodom i nanosi pasta ili tečnost na zid, platno, papir, drvo. U Rusiji se tempera koristila za izradu zidnih slika, ikona i šara na svakodnevnim predmetima. U današnje vrijeme tempera se koristi u slikarstvu i grafici, u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti te u umjetničkom dizajnu.

Fresko slikarstvo ukrašava interijere u obliku monumentalnih i dekorativnih kompozicija nanesenih na vlažnu žbuku bojama na bazi vode. Freska ima prijatnu mat površinu i izdržljiva je u zatvorenim uslovima.

Slikanje voskom(enkaustiku) koristili su i umjetnici starog Egipta, o čemu svjedoče čuveni “Fajumski portreti” (1. vek nove ere). Vezivo u enkaustičkom slikarstvu je izbijeljeni vosak. Voštane boje nanose se u rastopljenom stanju na zagrijanu podlogu, nakon čega se spaljuju.

Mosaic painting, ili mozaik, sastavlja se od pojedinačnih komada smalte ili obojenog kamena i učvršćuje na poseban cementni prajmer. Prozirna smalta, umetnuta u zemlju pod različitim uglovima, reflektuje ili prelama svetlost, uzrokujući da boja blista i svetluca. Mozaik ploče se mogu naći u podzemnoj željeznici, u interijerima pozorišta i muzeja itd. Slikarstvo vitraža je djelo dekorativne umjetnosti namijenjeno ukrašavanju prozorskih otvora u bilo kojem arhitektonskom objektu. Vitraji su napravljeni od komada obojenog stakla koji se drže zajedno čvrstim metalnim okvirom. Svjetlosni tok, probijajući se kroz obojenu površinu vitraža, iscrtava dekorativno spektakularne, višebojne šare na podu i zidovima unutrašnjosti.

2. SLIKARSTVO I NJEGOVI ŽANROVI

Žanrovi slikarstva (francuski žanr - rod, vrsta) su istorijski utvrđena podela slikarskih dela u skladu sa temama i objektima slike. U modernom slikarstvu postoje sljedeći žanrovi: portret, historijski, mitološki, borbeni, svakodnevni, pejzažni, mrtva priroda, animalistički žanr.

Iako se koncept „žanra“ u slikarstvu pojavio relativno nedavno, određene žanrovske razlike postoje još od antičkih vremena: slike životinja u pećinama iz doba paleolita, portreti starog Egipta i Mezopotamije iz 3 hiljade prije nove ere, pejzaži i mrtve prirode u helenističkom i Rimski mozaici i freske. Formiranje žanra kao sistema u štafelajnom slikarstvu počelo je u Evropi u 15.-15. veku. i završava uglavnom u 17. stoljeću, kada se, pored podjele likovne umjetnosti na žanrove, pojavljuje koncept „visokih“ i „niskih“ žanrova, ovisno o predmetu slike, temi, radnji.

„Visoki“ žanr je uključivao istorijske i mitološke žanrove, a „niski“ je uključivao portret, pejzaž i mrtvu prirodu. Ovakva gradacija žanrova postojala je sve do 19. veka. Tako su u 17. veku u Holandiji upravo „niski“ žanrovi postali vodeći u slikarstvu (pejzaž, svakodnevni žanr, mrtva priroda) i svečani portret, koji je formalno pripadao „niskom“ žanru portreta, nije pripadao tome.

Postavši oblik prikazivanja života, žanrovi slikarstva, uprkos postojanosti svojih opštih karakteristika, nisu nepromenljivi, oni se razvijaju zajedno sa životom, menjajući se kako se razvija umetnost. Neki žanrovi izumiru ili poprimaju novo značenje (npr. mitološki žanr), nastaju novi, obično unutar već postojećih (npr. u žanru pejzaža pojavili su se arhitektonski pejzaž i marina). Pojavljuju se djela koja kombiniraju različite žanrove (na primjer, kombinacija svakodnevnog žanra s pejzažom, grupni portret s povijesnim žanrom).

Zove se žanr likovne umjetnosti koji odražava vanjski i unutrašnji izgled osobe ili grupe ljudi portret. Ovaj žanr je rasprostranjen ne samo u slikarstvu, već iu skulpturi, grafici itd. Glavni zahtjevi za portret su prenošenje vanjske sličnosti i otkrivanje unutrašnjeg svijeta, suštine karaktera osobe. Na osnovu prirode slike razlikuju se dvije glavne grupe: svečani i kamerni portreti. Svečani portret prikazuje osobu u punom rastu (na konju, stoji ili sjedi), na arhitektonskoj ili pejzažnoj pozadini. Kamerni portret koristi sliku do pola ili do grudi na neutralnoj pozadini. Autoportret se izdvaja u posebnu grupu - umjetnikov prikaz samog sebe.

Portret je jedan od najstarijih žanrova likovne umjetnosti, u početku je imao kultnu svrhu i poistovjećivao se sa dušom pokojnika. IN antički svijet Portret se više razvijao u skulpturi, kao iu slikovnim portretima - Fajumski portreti 1. - 3. vijeka. U srednjem vijeku koncept portreta zamijenjen je generaliziranim slikama, iako su u freskama, mozaicima, ikonama i minijaturama postojale pojedinačne karakteristike u prikazu povijesnih ličnosti. Kasna gotika i renesansa je brzi period razvoja portreta, kada dolazi do formiranja žanra portreta, dostižući vrhunce humanističke vjere u čovjeka i razumijevanja njegovog duhovnog života.

Zove se žanr likovne umjetnosti posvećen povijesnim događajima i likovima istorijski žanr. Istorijski žanr koji karakteriše monumentalnost, dugo vremena razvijen u zidno slikarstvo. Od renesanse do 19. stoljeća. umjetnici su koristili predmete iz antičke mitologije i kršćanskih legendi. Često su stvarni povijesni događaji prikazani na slici bili zasićeni mitološkim ili biblijskim alegorijskim likovima.

Istorijski žanr se isprepliće sa ostalim – svakodnevnim žanrom (istorijske i svakodnevne scene), portretom (prikazi istorijskih ličnosti prošlosti, portretno-istorijske kompozicije), pejzažom („istorijski pejzaž“), i stapa se sa žanrom bitke.

Istorijski žanr oličen je u štafelajnim i monumentalnim oblicima, u minijaturama i ilustracijama. Nastao u antičko doba, historijski žanr je kombinirao stvarne istorijske događaje s mitovima. U zemljama drevnog istoka postojale su čak i vrste simboličkih kompozicija (apoteoza vojnih pobjeda monarha, prenošenje vlasti na njega od strane božanstva) i narativni ciklusi slika i reljefa. U staroj Grčkoj postojale su skulpturalne slike istorijskih heroja, u starom Rimu su stvoreni reljefi sa scenama vojnih pohoda i trijumfa.

U srednjem vijeku u Evropi, istorijski događaji su se ogledali u minijaturnim hronikama i ikonama. Istorijski žanr u štafelajnom slikarstvu počeo je da se oblikuje u Evropi tokom renesanse, u 17. - 18. veku. smatran je „visokim“ žanrom, naglašavajući (religijske, mitološke, alegorijske, istorijske teme).

Slike istorijskog žanra bile su ispunjene dramatičnim sadržajem, visokim estetskim idealima i dubinom ljudskih odnosa.

Zove se žanr likovne umjetnosti posvećen junacima i događajima o kojima pričaju mitovi starih naroda mitološki žanr(od grčkog mythos - legenda). Mitološki žanr dolazi u dodir sa istorijskim i oblikuje se u doba renesanse, kada su antičke legende pružale bogate mogućnosti za utjelovljenje priča i likova sa složenim etičkim, često alegorijskim prizvukom. U 17. veku -- početak U 19. stoljeću u djelima mitološkog žanra širi se spektar moralnih i estetskih problema koji su se oličavali u visokim umjetničkim idealima i ili su se približavali životu ili stvarali svečani spektakl. Od 19. - 20. vijeka. Teme germanskih, keltskih, indijskih i slovenskih mitova postale su popularne.

Battle žanr(od francuskog bataille - bitka) je žanr slikarstva koji je dio istorijskog, mitološkog žanra i specijaliziran je za prikazivanje bitaka, vojnih podviga, vojnih operacija, veličanje vojne hrabrosti, bijesa bitke i trijumfa pobjede. Žanr bitke može uključivati elemente drugih žanrova - domaći, portret, pejzaž, animalistički, mrtva priroda.

Žanr likovne umjetnosti koji prikazuje prizore čovjekove svakodnevice, ličnog života, svakodnevnog života iz seljačkog i gradskog života naziva se svakodnevni žanr. Prizivi na život i moral ljudi već se nalaze na slikama i reljefima antičkog istoka, u antičkom vaznom slikarstvu i skulpturi, u srednjovjekovnim ikonama i knjigama sati. No, svakodnevni žanr se izdvojio i dobio karakteristične forme tek kao fenomen svjetovne štafelajne umjetnosti. Njegove glavne karakteristike počele su da se oblikuju u 14. - 15. veku. u oltarskim slikama, reljefima, tapiserijama, minijaturama u Holandiji, Njemačkoj, Francuskoj. U 16. veku u Holandiji se svakodnevni žanr počeo naglo razvijati i izolovao se. Jedan od njegovih osnivača bio je Hijeronim Boš.

Na razvoj svakodnevnog žanra u Evropi uvelike je utjecao rad Pietera Bruegela: on prelazi na čisti svakodnevni žanr, pokazuje da svakodnevni život može biti predmet proučavanja i izvor ljepote. 17. vijek se može nazvati vijekom svakodnevnog žanra u svim slikarskim školama u Evropi.

U 18. vijeku u Francuskoj se žanrovsko slikarstvo povezuje sa prikazom galantnih scena, „pastorala“, i postaje profinjeno i graciozno, ironično. Radovi svakodnevnog žanra bili su raznoliki: pokazivali su toplinu kućnog života i egzotiku dalekih zemalja, sentimentalna iskustva i romantične strasti. Svakodnevni žanr, fokusiran na prikazivanje seljačkog života i života stanovnika grada, živo se razvio u ruskom slikarstvu 19. stoljeća: na primjer, u djelima A. G. Venetsianova, P. A. Fedotova, V. G. Perova, I. E. Repina.

Žanr likovne umjetnosti, gdje je glavna stvar prikaz prirode, okoliša, pogleda na selo, gradove, povijesne spomenike, naziva se pejzaž(francuski naslov). Postoje ruralni, urbani, arhitektonski, industrijski, morski (marina) i riječni pejzaži.

U antici i srednjem vijeku pejzaži se pojavljuju u slikama hramova, palača, ikona i minijatura. U evropskoj umjetnosti, venecijanski slikari renesanse prvi su se okrenuli prikazu prirode. Od 16. veka pejzaž postaje samostalan žanr, formiraju se njegove varijante i pravci: lirski, herojski, dokumentarni pejzaž. U 19. vijeku kreativna otkrića majstora pejzaža, njegovo zasićenje društvenim pitanjima, razvoj plenerizma (prikaz prirodnog okruženja) kulminirali su dostignućima impresionizma, što je dalo nove mogućnosti u slikovnom prenošenju prostorne dubine, promjenjivosti prostora. svijetlo-zračno okruženje i složenost šeme boja.

Žanr likovne umjetnosti koji prikazuje predmete svakodnevne upotrebe, rada, stvaralaštva, cvijeća, voća, ubijene divljači, ulovljene ribe, smještene u realnom svakodnevnom okruženju, naziva se mrtva priroda(francuski nature morte - mrtva priroda). Mrtva priroda može biti obdarena složenim simboličkim značenjem, igrati ulogu ukrasnog panela ili biti tzv. “trik”, koji daje iluzornu reprodukciju stvarnih predmeta ili figura koji dočaravaju efekat prisustva prave prirode.

Prikaz predmeta poznat je u umjetnosti antike i srednjeg vijeka. No, prvom mrtvom prirodom u štafelajnom slikarstvu smatra se slika umjetnika iz Venecije Jacopa de Barbarija "Jarebica sa strijelom i rukavicama". Već u 16. veku mrtva priroda se deli na više tipova: kuhinjski enterijer sa ili bez ljudi, postavljeni sto u seoskom ambijentu, „vanite” sa simboličkim predmetima (vaza sa cvećem, ugašena sveća, muzički instrumenti). Holandska mrtva priroda bila je posebno bogata, skromna u bojama i u prikazanim stvarima, ali izvrsna u ekspresivnoj teksturi predmeta, u igri boje i svjetla.

Zove se žanr likovne umjetnosti koja prikazuje životinje animalistički žanr(od lat. animal - životinja). Umjetnik životinja obraća pažnju na likovne i figurativne karakteristike životinje, njene navike, dekorativnu ekspresivnost figure i siluete. Životinje su često obdarene osobinama, radnjama i iskustvima svojstvenim ljudima. Slike životinja se često nalaze u drevnim skulpturama i slikanju vaza.

ZAKLJUČAK

U zaključku, rezimiramo gore navedeno:

Slikarstvo se dijeli na monumentalno, dekorativno, pozorišno i dekorativno, minijaturno i štafelajno.

Slikarstvo se prema tehnici i načinu izvođenja dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš i pastel.

U modernom slikarstvu postoje sljedeći žanrovi: portret, historijski, mitološki, borbeni, svakodnevni, pejzažni, mrtva priroda, animalistički žanr.

Istorijsko slikarstvo je slika određenih istorijskih trenutaka, kao i javnih ličnosti prošlosti.

Battle painting ima za cilj snimanje bitaka, bitaka i ratova. Mitološko slikarstvo prikazuje događaje opisane u mitovima, epovima i legendama.

Svakodnevno (žanrovsko) slikarstvo je prikaz prizora stvarnog života, njegovih stvarnosti i atributa.

Pejzažno (pejzažno) slikarstvo je slika prirodne prirode ili bilo kojeg područja.

Portret je umjetnički prikaz osobe. Posebna vrsta portreta je autoportret.

Mrtva priroda je slika raznih neživih predmeta, na primjer, voća, cvijeća, kućnih potrepština, posuđa, smještenih u stvarnom svakodnevnom okruženju i kompozicijski organiziranih u jednu grupu.

BIBLIOGRAFIJA

1. Batrakova SP Umetnik 20. veka. i jezik slikarstva. M., 1996.

2. Whipper B.R. Uvod u historijski studij umjetnosti. M., Likovna umjetnost, 1985

3. Zapadna umjetnost 20. stoljeća. Klasično naslijeđe i modernost. M, 1992.

4. Istorija strana umetnost. M., Likovna umjetnost, 1984

5. Istorija svjetske umjetnosti. 3. izdanje, Izdavačka kuća "Akademija", M., 1998.

6. Od konstruktivizma do nadrealizma. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Istorija svjetske umjetnosti. Likovna umjetnost i arhitektura 20. stoljeća. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturologija: teorija i istorija kulture: Tutorial. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Savremena zapadnjačka umjetnost. XX vijek: problemi i trendovi. M., 1982.

10. Suzdalev P. O žanrovima slikarstva. // Kreativnost, 2004, br. 2, 3. str. 45-49.

Slični dokumenti

Opšte karakteristike, klasifikacija i tipovi pejzaža kao jednog od aktuelnih žanrova umetnosti. Identifikacija karakteristika i odnosa žanra pejzaža u slikarstvu, fotografiji, bioskopu i televiziji. Istorija nastanka fotografske umjetnosti na prijelazu iz 19. u 20. vijek.

sažetak, dodan 26.01.2014

Koncept štafelajnog slikarstva kao samostalne umjetničke forme. Korejsko slikarstvo iz perioda Goguryeo. Vrste likovne umjetnosti i arhitekture Sille. Izvanredni umjetnici i njihove kreacije. Karakteristike sadržaja korejskog narodnog slikarstva.

sažetak, dodan 04.06.2012

Rođenje umjetnosti u pećinskoj eri. Razvoj umjetnosti u staroj Grčkoj i Rimu. Osobine razvoja slikarstva u srednjem vijeku, renesansi i baroku. Umjetnički pokreti u savremenoj umetnosti. Suština lepote sa moralnog stanovišta.

članak, dodan 16.02.2011

Sistem za razvrstavanje umjetnosti u grupe prostornih (plastičnih), privremenih (dinamičkih), sintetičkih (spektakularnih) tipova. Istorijski razvoj, karakteristike i tehnike upotrebe likovnih materijala u grafici, skulpturi i slikarstvu.

test, dodano 29.01.2010

Studija predstavnika italijanske slikarske škole. Karakteristike karakteristika glavnih vrsta likovne umjetnosti: štafelajne i primijenjene grafike, skulpture, arhitekture i fotografije. Proučavanje tehnika i tehnika rada sa uljanim bojama.

kurs, dodan 15.02.2012

Portret kao žanr u slikarstvu. Istorija portretnog slikarstva. Portret u ruskom slikarstvu. Izrada portretne kompozicije. Tehnika slikanja uljem. Osnova za farbanje. Masno umjetničke boje i četke. Paleta boja i mešanje boja.

disertacije, dodato 25.05.2015

Nastanak i razvoj holandske umetnosti u 17. veku. Proučavanje rada najvećih majstora holandskog i holandskog žanra i pejzažnog slikarstva. Studija specifične karakteristikežanrovi kao što su svakodnevni život, portret, pejzaž i mrtva priroda.

test, dodano 04.12.2014

Mrtva priroda kao jedan od žanrova likovne umjetnosti, upoznavanje sa vještinama slikanja. Značajke korištenja tekućih akrilnih boja. Upoznavanje sa zadacima slikanja. Analiza intenzivno asketske umetnosti Vizantije.

kurs, dodan 09.09.2013

Karakteristike unutrašnjeg slikarstva, koje postoji i kao samostalan umjetnički žanr i kao podloga u radovima koji prikazuju istorijske i svakodnevne događaje. Analiza unutrašnjih karakteristika na slikama majstora slikarstva K. Bryullov, I. Repin.

test, dodano 26.08.2011

Karakteristične karakteristike antičke rimske umjetnosti. Istorijski korijeni rimske kulture. Rimski stil slikanja. Glavni pravci i varijante starorimskog slikarstva: Fajumski portreti, monumentalno slikarstvo, etrursko slikarstvo.

SLIKANJE I NJEGOVE VRSTE?

Slikarstvo je umjetnost ravni i jedne tačke gledišta, gdje prostor i volumen postoje samo u iluziji.

Velika raznolikost i kompletnost pojava, utisaka, efekata koje slikarstvo može oličiti. Čitav svijet osjećaja, likova, odnosa, doživljaja dostupan je slikarstvu. Ima pristup najsuptilnijim opažanjima prirode, vječnim idejama, utiscima, suptilnim nijansama raspoloženja.

1. VRSTE BOJA

Slikarstvo se dijeli na monumentalno, dekorativno, pozorišno i dekorativno, minijaturno i štafelajno.

MATERIJAL U MOTORSKIM RADOVIMA.

Prema tehnici i načinu izvođenja, slikarstvo se dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš, pastel.

Materijali za štafelajno slikanje: izvorno je korišteno drvo, korišteno u Egiptu i staroj Grčkoj.

Tokom rane renesanse u 14. veku, slika i okvir za nju su napravljeni od jednog komada. (u Italiji u 15-16 veku najčešće se koristila topola, ređe vrba, jasen i orah. U ranim vremenima koristile su se debele daske, a ne blanjane sa zadnje strane. U Holandiji, Francuskoj od god. 16. vijeka počele su se koristiti hrastove daske.U Njemačkoj lipa, bukva, smrča).

Od 18. vijeka drvo gubi na popularnosti.Pojavljuje se "platno". Već se sreće kod antičkih umjetnika. Platno se kombinuje sa drvetom. U ovo doba platno se još uvijek sporadično koristi. Platno je dobilo široku upotrebu tek u 15-16 st. Koristi se za tempere.

Od druge polovine 16. stoljeća pojavljuju se bakrene ploče za male slike (posebno popularne u Flandriji).

U 19. vijeku karton se ponekad koristio za skiciranje.

U slikarstvu srednjeg vijeka i rane renesanse dominira bogato uglačano tlo od gipsa i krede. U 13.-14. vijeku zlato se koristilo za prekrivanje bijelog temeljnog premaza. Krajem 14. vijeka zlatni bukvar postepeno nestaje. Umjesto gipsa ili krede, grundiraju se uljanom bojom.Krajem 16. vijeka šareno grundiranje uljanim bojama dobilo je puno priznanje u Italiji.Crvenosmeđi prajmer je bio popularan.(BOLUS)

Preduzet je odlučujući korak početkom XVIII vijeku dolazi do bifurkacije u tehnici tri olovke.

18. vijek je bio procvat kreveta (najveći majstori bili su Chardin, Latour, Lyotard).

Akvarel počinje veoma kasno, kasnije od pastela. Tehnika akvarela je poznata odavno. Bila je poznata već u Drevni Egipat, u Kini Akvarel su koristili srednjovjekovni minijaturisti.

Od kraja 15. veka popularnost uljanog slikarstva raste. U 16. vijeku zamjenjuje temperu.

Francuski romantičari s početka 19. stoljeća bili su ljubitelji bitumena (ili asfalta).

GLAVNE VRSTE PERSPEKTIVE U SLIKARSTVU

Perspektiva je nauka o prikazivanju objekata u prostoru na ravni ili bilo kojoj površini u skladu sa prividnim promjenama njihovih veličina, promjenama oblika i odnosima svjetla i sjene koji se uočavaju u prirodi.

(Klasična perspektiva odgovara određenom intelektualnom nivou, unutar kojeg se vlastito gledište ne može razlikovati od drugih, a njegova praktična implementacija zapravo može predstavljati vrstu samodovoljnog tehničkog savršenstva.

Dinamička perspektiva je poseban oblik primitivne perspektive.

Outline - linearni obrisi prikazane figure, njena kontura.

Apstraktna umjetnost - jedan od formalističkih pravaca u likovnoj umjetnosti koji se javlja krajem 19. - početkom 20. stoljeća. Apstrakcionisti su napustili prikazivanje predmeta i pojava objektivnog svijeta (otuda drugi naziv za apstrakcionizam - neobjektivna umjetnost). Njihov rad je pokušaj da izraze svoja osjećanja i misli kroz kombinacije boja tačaka ili linija same po sebi, bez prikazivanja stvarnih predmeta i predmeta. Apstrakcionisti su napustili crtež, perspektivu, boju i sva druga sredstva figurativni jezik umjetnost slikanja. Na taj način su narušili profesionalne temelje slikarstva i uništili njegove prave umjetničke mogućnosti. Apstrakcionizam narušava estetski ukus ljudi i udaljava ih od razumijevanja ljepote prirode i života.

Adaptacija - sposobnost oka da se prilagodi određenim uslovima osvetljenja. Postoje adaptacije na svjetlost, tamu i boju. Posebnost potonjeg je sposobnost oka da ne primijeti boju osvjetljenja na objektima.

U uslovima sumraka i općenito pri slabom svjetlu, nervni završeci (fotoreceptori) koji se nazivaju štapići u oku su najosjetljiviji na svjetlost. Uz njihovu pomoć, oko percipira crno-bijele gradacije. Pri jakom svjetlu tokom dana osjetljiviji su drugi fotoreceptori, čunjići, preko kojih se percipira boja. Prilikom prilagođavanja svjetlu osjetljivost vida se smanjuje, a pri prilagođavanju mraku povećava. Kada se oko prilagodi tami, počinjemo jasno razlikovati detalje krajolika. Zbog povećane osjetljivosti oka na mrak po oblačnom danu i u sumrak, umjetnik početnik gubi iz vida nivo opće osvijetljenosti, koja je u ovim uvjetima mnogo slabija nego po sunčanom ili svijetlo sivom danu. U sumrak mu se čini da svjetlosni objekti ne smanjuju svjetlost do te mjere da je osvjetljenje postalo niže od prethodnog dnevnog osvjetljenja. On također slabo primjećuje bliže tonske odnose karakteristične za sumrak i sivi dan. Osim toga, unatoč zamračenju, umjetnik početnik razlikuje u prirodi (ili sjeni) vrlo suptilne gradacije svjetla i sjene na objektima i dopušta pretjerano šarenilo i fragmentaciju. Dakle, u početku nije u stanju precizno procijeniti i prenijeti one stvarne promjene svjetline i boje koje se događaju u prirodi.

Adaptacija se zasniva na različitim promjenama koje se javljaju u našem oku kada se promijeni intenzitet osvjetljenja. Na primjer, tokom dana zjenica se smanjuje za 1-2 mm, zbog čega malo svjetlosti prolazi u oko. U mraku se širi za 8-10 mm, propuštajući puno svjetla. Znajući da je površina zjenice proporcionalna kvadratu prečnika, možemo utvrditi da ako se zjenica udvostruči, tada se količina svjetlosti koju prenosi povećava četiri puta; ako se zjenica poveća četiri puta, količina svjetlosti koju prenosi povećava se za 16 puta. To je dijelom razlog zašto razlikujemo glavne omjere svjetla u sumrak. Refleks zjenica na svjetlost i tamu tako u određenoj mjeri kompenzira smanjenje osvjetljenja.

Akademizam - evaluacijski pojam koji se odnosi na one pokrete u umjetnosti čiji su predstavnici u potpunosti orijentirani na uspostavljene umjetničke autoritete, vjeruju u napredak moderne umjetnosti ne u živoj vezi sa životom, već u njenom najbližem približavanju idealima i oblicima umjetnosti prošlih epoha, i braniti apsolutnu, nezavisnu od mjesta i vremena, normu ljepote. Istorijski gledano, akademizam je povezan s djelovanjem akademija koje su obrazovale mlade umjetnike u duhu nerazumnog slijeđenja likovnih modela antike i italijanske renesanse. Nastao po prvi put u Bolonjskoj akademiji u 16. vijeku, ovaj trend je bio široko razvijen u akademijama kasnijih vremena; bio je karakterističan i za Rusku akademiju umetnosti u 19. veku, što je izazvalo borbu sa akademijom naprednih umetnika realista. Kanonizirajući klasicističke metode i predmete, akademizam je umjetnost ogradio od moderne, proglašavajući je „niskom“, „baznom“, nedostojnom „visoke“ umjetnosti.

Koncept akademizma ne može se poistovetiti sa svim aktivnostima umjetničkih akademija iz prošlosti. Sistem akademskog obrazovanja imao je mnoge prednosti. Konkretno, zasnovana na dugoj tradiciji, visokoj kulturi crtanja, koja je bila jedan od najjačih aspekata akademskog obrazovanja.

Akvarelne boje - ljepilo na bazi vode napravljeno od fino mljevenih pigmenata pomiješanih sa gumom, dekstrinom, glicerinom, ponekad sa medom ili šećernim sirupom; Proizvode se suvi - u obliku pločica, polu-sirovi - u porculanskim čašama ili polutečni - u tubama.

U akvarelu možete slikati na suvom ili vlažnom papiru odmah, u punoj jačini boja, a možete raditi sa glazurama, postepeno rafinirajući odnosima boja priroda. Morate znati da akvarel ne podnosi ispravke, mučenje, niti brojna preslikavanja miješanim bojama.

Često slikari koriste tehniku akvarela u kombinaciji s drugim materijalima: gvaš, tempera, ugljen. Međutim, u ovom slučaju se gube glavni kvaliteti akvarela - zasićenost, prozirnost, čistoća i svježina, odnosno upravo ono što razlikuje akvarel od bilo koje druge tehnike.

Akcent - tehnika naglašavanja linijom, tonom ili bojom bilo kojeg ekspresivnog predmeta, detalja slike na koje je potrebno usmjeriti pažnju gledatelja.

Alla prima -- tehnička tehnika u akvarelu ili uljnom slikarstvu, koja se sastoji u tome da se skica ili slika naslikaju bez prethodnih oznaka i podslikavanja, ponekad u jednom koraku, u jednoj sesiji.

Slikar životinja - umjetnik koji je svoj rad uglavnom posvetio prikazu životinja.

Ahromatske boje - bijela, siva, crna; Razlikuju se samo po lakoći i nedostatku tona boje. Nasuprot tome, postoje hromatske boje, koje imaju nijansu različite svetlosti i zasićenosti.

Blik - element chiaroscura, najsvjetlije mjesto na osvijetljenoj (uglavnom sjajnoj) površini predmeta. Sa promjenom točke gledišta, osvjetljenje mijenja svoju lokaciju na obliku objekta.

Valeur - pojam umjetničke prakse koji definira kvalitativnu stranu posebnog, pretežno svijetlog i sjenčanog tona, u njegovom odnosu sa okolnim tonovima. U realističkom slikarstvu materijalna svojstva objektivnog svijeta prenose se uglavnom putem objektivno pravilnih tonskih odnosa. Ali da bi slikovito, holistički reproducirao materijalnost, plastičnost i boju predmeta pod određenim stanjem osvijetljenosti i u određenoj situaciji, umjetnik mora postići vrlo veliku preciznost i ekspresivnost u odnosima tonova; Bogatstvo i suptilnost odnosa između prelaza koji vode do izražajnosti slike glavne su karakteristike valera. Među najvećim majstorima 17.-19. - kao što su Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - slikarstvo je uvijek bogato vrijednošću.

Vizija je slikovita - sagledavanje i razumevanje kolorističkih odnosa prirode, uzimajući u obzir uticaj okoline i opšte stanje osvetljenosti, koje je karakteristično za prirodu u trenutku njenog prikazivanja. Kao rezultat takve vizije, u skici se pojavljuju istinitost odnosa svjetla i boja, bogatstvo toplih i hladnih nijansi, njihovo jedinstvo boja i harmonija, prenoseći prirodu sa svim poštovanjem života. U ovom slučaju govore o slikovitosti skice ili slike.

Umetnička vizija - sposobnost davanja potrebne estetske procjene kvaliteta svojstvenih prirodi. Prije nego što prikaže prirodu, umjetnik već u njenim glavnim crtama vidi njeno figurativno slikarsko rješenje, uzimajući u obzir određeni materijal.

Vitraž - slikanje na staklu prozirnim bojama ili ornament od komada raznobojnog stakla učvršćenih metalnim povezom za popunjavanje otvora prozora i vrata. Zrake svjetlosti koje prodiru kroz staklo poprimaju povećanu svjetlinu i stvaraju igru refleksija boja u unutrašnjosti.

Zračna perspektiva - očigledne promene nekih karakteristika objekata pod uticajem vazduha i prostora. Svi obližnji objekti se percipiraju jasno, s mnogo detalja i teksture, dok se udaljeni objekti percipiraju na opći način, bez detalja. Konture obližnjih objekata izgledaju oštre, dok su konture udaljenih objekata mekane. Na velikoj udaljenosti svijetli objekti izgledaju tamniji, a tamni svjetliji. Svi bliski objekti imaju kontrastni chiaroscuro i izgledaju trodimenzionalno, svi udaljeni objekti imaju slab chiaroscuro i izgledaju ravno. Zbog zračne izmaglice boje svih udaljenih objekata postaju manje zasićene i dobijaju boju ove izmaglice - plavu, mliječno blijedu ili ljubičastu. Svi obližnji objekti izgledaju višebojni, dok udaljeni objekti izgledaju jednobojni. Umjetnik uzima u obzir sve ove promjene kako bi prenio prostor i uslove osvjetljenja - važnih kvaliteta slikarstvo na pleneru.

Vizuelna percepcija - proces reflektiranja predmeta i pojava stvarnosti u svoj raznolikosti njihovih svojstava koja direktno utječu na organe vida. Uz vizuelne senzacije, uključuje i percepcija prošlo iskustvo znanja i ideja o određenoj temi. Suštinu percipiranog moguće je shvatiti i razumjeti samo ako se posmatrani predmeti i pojave uporede sa prethodno viđenim (stalna i stalna vizualna percepcija). Ovome treba dodati da vizuelnu percepciju prate asocijativni osećaji, osećaj lepote, koji su povezani sa ličnim doživljajem čulnih doživljaja od uticaja okoline.

Raspon boja - boje koje prevladavaju u datom djelu i određuju prirodu njegove strukture boja. Kažu: niz hladnih, toplih, bledih nijansi boja itd.

Harmonija - povezanost, proporcionalnost, konzistentnost. U likovnoj umjetnosti - kombinacija oblika, odnos dijelova ili boja. U slikarstvu je to korespondencija detalja sa cjelinom, ne samo po veličini, već i po boji (jedinstvo boja, raspon srodnih nijansi). Izvor harmonije su obrasci promjene boja u prirodnim objektima pod utjecajem jačine i spektralnog sastava osvjetljenja. Harmonija strukture boja skice ili slike ovisi i o karakteristikama fiziologije i psihologije vizualne percepcije svjetlosti i kvaliteta boja objektivnog svijeta (kontrastna interakcija boja, fenomen aureola, itd.).

Graviranje- štampana reprodukcija crteža isečenog ili urezana na drvenoj dasci (drvorez), linoleumu (linorez), metalnoj ploči (bakorez), kamenu (litografija) itd. Posebnost gravure je mogućnost njene replikacije: sa jednog ploča koju je ugravirao umjetnik, možete odštampati veliki broj višebojnih otisaka (markica). Na osnovu prirode obrade štamparske forme (ploče ili ploče) i načina štampe, razlikuje se konveksno i dubinsko graviranje.

Graficka umjetnost - jedna od vrsta likovne umjetnosti, po sadržaju i formi bliska slikarstvu, ali ima svoje zadatke i umjetničke mogućnosti. Za razliku od slikarstva, glavno vizuelno sredstvo grafike je monohromatski crtež (tj. linija, chiaroscuro); uloga boje u njemu ostaje relativno ograničena. Sa tehničke strane, grafika uključuje crtež u pravom smislu te riječi u svim njegovim varijantama. Grafički radovi se po pravilu izvode na papiru, a povremeno se koriste i drugi materijali.

Ovisno o namjeni i sadržaju, grafike se dijele na štafelajne, koje uključuju djela samostalnog značaja (koja ne zahtijevaju neizostavnu vezu s književnim tekstom da bi otkrili svoj sadržaj i nisu ograničena na suženu, strogo definiranu praktičnu svrhu), Knjižna grafika, koja čini idejno i likovno jedinstvo sa književnim ili pratećim tekstom, a istovremeno je namenjena dekorativnom i likovnom oblikovanju knjige, plakata, koji je najviše masovni izgled likovne umjetnosti, namijenjene za obavljanje političkih, propagandnih, umjetničkih produkcija ili primijenjenih zadataka korištenjem umjetničkih sredstava (etikete, potvrde, poštanske marke, itd.).

Grisaille - slika u crno-bijeloj boji (ili jednobojna, na primjer, smeđa); Često se koristi kao pomoćni rad pri izvođenju podslikavanja ili skiciranja, kao i u obrazovne svrhe pri ovladavanju tehnikama tonskih slika izvedenih akvarelom ili uljanim bojama. Slika se stvara na osnovu samo tonskih (svjetlosnih) odnosa objekata u punoj postavci.

Priming - tanak sloj specijalnog sastava (ljepilo, ulje, emulzija) koji se nanosi na platnu ili karton kako bi se njihovoj površini dala željena svojstva boje i teksture i ograničilo prekomjerno upijanje veziva (ulja). Ako radite sa uljanim bojama na negrundiranoj podlozi (npr. platno), boje se ne lijepe, suše se, ulje iz boje se upija u tkaninu, uništava platno i sloj boje. Na osnovu sastava veziva razlikuju se tla: uljna, adhezivna, emulziona, sintetička. Po boji - tonirani i obojeni. Prajmer se u pravilu sastoji od 3 elementa: tankog sloja ljepila koji pokriva cijelu površinu platna filmom (odnosno dimenzioniranje) i nekoliko slojeva temeljne boje, uključujući tanki završni sloj. Dimenzioniranje - tanak sloj ljepila (stolarskog, kazeinskog ili želatinskog) - štiti platno od prodiranja temeljne boje ili ulja u tkaninu ili na poleđinu platna i čvrsto vezuje sljedeće slojeve prajmera za platno. Prajmer boja izravnava površinu platna, stvara potrebnu (obično bijelu) boju i osigurava čvrstu vezu sloja boje sa prajmerom.

Primer - u tehnologiji farbanja: postupak nanošenja prajmera na površinu namijenjenu farbanju.

Gvaš - boja na vodenoj bazi sa velikom pokrivnom sposobnošću. Boje nakon sušenja brzo posvjetljuju, a potrebno je znatno iskustvo da se predvidi do koje mjere će se promijeniti njihov ton i boja. Koriste gvaš boje za pisanje na papiru, kartonu i šperploči. Radovi imaju mat baršunastu površinu.

Detailing - pažljivo proučavanje detalja oblika objekata na slici. U zavisnosti od zadatka koji umjetnik sebi postavlja, stepen detalja može varirati.

Dodatne boje - dvije boje koje daju bijelu kada se optički pomiješaju (crvena i plavkasto-zelena, narandžasta i plava, žuta i plava, ljubičasta i zelenkasto-žuta, zelena i ljubičasta). Kada se ovi parovi komplementarnih boja mehanički pomiješaju, dobivaju se nijanse smanjene zasićenosti. Komplementarne boje se često nazivaju kontrastnim bojama.

Žanr - istorijski uspostavljena unutrašnja podjela na sve vrste umjetnosti; vrsta umjetničkog djela u jedinstvu specifičnih svojstava njegove forme i sadržaja. Koncept „žanra“ generalizira karakteristike karakteristične za veliku grupu djela bilo koje epohe, nacije ili svjetske umjetnosti općenito. Svaka umjetnička forma ima svoj sistem žanrova. U likovnoj umjetnosti - na osnovu predmeta slike (portret, mrtva priroda, pejzaž, historijski i bojno slikarstvo), a ponekad i priroda slike (karikatura, crtani film).

Slikarstvo - jedna od glavnih vrsta likovne umjetnosti. Istinito prenošenje spoljašnjeg izgleda predmeta, njegovih spoljašnjih obeležja, moguće je i grafičkim sredstvima – linijom i tonom. Ali samo slikarstvo može prenijeti sve izuzetno raznolike boje okolnog svijeta.

Prema tehnici izvođenja, slikarstvo se dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš, pastel. Ovi nazivi potiču od veziva ili od upotrijebljenih materijalno-tehničkih sredstava. Svrha i sadržaj slike zahtijevaju izbor takvih vizualnih sredstava uz pomoć kojih se idejna i stvaralačka namjera umjetnika može najpotpunije izraziti.

Po žanru slikarstvo se dijeli na štafelajno, monumentalno, dekorativno, pozorišno-dekorativno i minijaturno.

Dekorativno slikanje nema samostalno značenje i služi kao ukras za eksterijer i unutrašnjost zgrada u obliku šarenih panela, koji sa realističnim slikama stvaraju iluziju „proboja“ zida, povećavajući veličinu prostorije, ili, naprotiv. , namjerno spljoštenih oblika, vizualno sužavaju i zatvaraju prostor. Uzorci, vijenci, vijenci i druge vrste dekora koje krase djela monumentalnog slikarstva i skulpture povezuju sve elemente interijera, naglašavajući njihovu ljepotu i usklađenost s arhitekturom. Dekorativno slikarstvo ukrašava i stvari: kovčege, kovčege, tacne, škrinje itd. Njene teme i forme su podređene namjeni stvari.

Minijaturno slikarstvo dobio je veliki razvoj u srednjem vijeku, prije pronalaska tiska. Rukopisne knjige bile su ukrašene najfinijim oglavljama, završecima, detaljnim ilustracijama i minijaturama. Ruski umjetnici prve polovine 19. stoljeća vješto su koristili slikarsku tehniku minijatura pri stvaranju malih (uglavnom akvarela) portreta. Čiste duboke akvarelne boje, njihove izuzetne kombinacije i izuzetna finoća pisanja izdvajaju ove portrete.

Monumentalno slikarstvo - posebna vrsta velikih slika koje ukrašavaju zidove i plafone arhitektonskih objekata (freska, mozaik, panel). Otkriva sadržaj glavnih društvenih pojava koje su imale pozitivan uticaj na razvoj društva, veliča ih i perpetuira. Uzvišenost sadržaja monumentalnog slikarstva, značajna veličina njegovih djela i povezanost sa arhitekturom zahtijevaju velike kolorističke mase, strogu jednostavnost i lakonizam kompozicije, jasnoću silueta i općenitost plastične forme.

Štafelajno slikarstvo - naziv dolazi od mašine (štafelaja) na kojoj je slika nastala. Materijalna osnova koja se koristi je drvo, karton, papir, ali najčešće platno razvučeno na nosilima. Slika je umetnuta u okvir i doživljava se kao samostalno umjetničko djelo, neovisno o svom okruženju. S tim u vezi, za stvaranje djela štafelajnog slikarstva koriste se nešto drugačija umjetnička sredstva, daju se suptilniji i detaljniji koloristički i tonski odnosi, te daju složenije i detaljnije psihološke karakteristike likova.

Pozorište i dekorativno slikarstvo - scenografija, kostimi, šminka, rekviziti, rađeni po skicama umjetnika; pomažu da se sadržaj predstave dublje otkrije. Posebni pozorišni uslovi za percepciju slike zahtevaju uzimanje u obzir višestrukih tačaka gledišta publike, njihove veće udaljenosti, uticaja veštačkog osvetljenja i kolorističkih naglasaka. Scenografija daje predstavu o mjestu i vremenu radnje i aktivira gledaočevu percepciju onoga što se dešava na sceni. U skicama kostima i šminke, kazališni umjetnik nastoji da akutno izrazi individualni karakter likova, njihov društveni status, stil epohe i još mnogo toga.

Akademsko slikarstvo - slika rađena za bilo koju obrazovnu svrhu.

Slikanje na mokrom - tehnička tehnika slikanja uljem i akvarelom. Prilikom rada s uljima potrebno je završiti radove prije nego se boje osuše i isključiti korake kao što su podfarbanje, zastakljivanje i ponovno farbanje. Slikanje u sirovom stanju ima dobro poznate prednosti - svježinu sloja boje, dobru očuvanost i uporednu jednostavnost tehnike izvođenja.

U akvarelima, prije početka rada na mokrom papiru, papir se ravnomjerno navlaži vodom. Kada se voda upije u papir i malo se osuši (nakon 2-3 minute), počinju pisati; potezi boje, koji leže na vlažnoj površini, zamagljuju se, spajaju jedni s drugima, stvarajući glatke prijelaze. Tako možete postići mekoću u prenošenju obrisa objekata, prozračnost i prostornost slike.

Uvenuće - nepoželjne promjene u sloju boje koje se suši, zbog čega slika gubi svježinu, gubi sjaj, zvučnost boja, potamni i postaje crnkasta. Razlog suvoće je prekomjerno smanjenje vezivnog ulja u boji, koje apsorbira zemlja ili sloj boje ispod, kao i nanošenje boja na prethodni sloj uljanih boja koji se nije potpuno osušio.

Kompletnost .- ova faza u radu na skici ili slici kada je postignuta najveća kompletnost realizacije kreativni koncept, ili kada je određeni slikovni zadatak završen.

„Serija“ osnovnih boja - prethodna priprema na paleti mješavine boja koje odgovaraju osnovnim tonskim i kolorističkim odnosima prirodnih objekata (pejzaž). U toku rada u ove osnovne smjese uvode se različite varijacije nijansi i dodaju se nove boje. Međutim, boje glavnih objekata pripremljenih na paleti ne dopuštaju da se upadne u pretjerano kolorit i ne dopuštaju da se izgubi karakter osnovnih odnosa boja. U akvarelu, ove potporne „mješavine“ se prave u zasebnim čašama.

Skica - crtež iz života, rađen prvenstveno van radionice radi prikupljanja materijala za značajniji rad, radi vježbe, a ponekad i za neku posebnu svrhu (npr. po uputama novina, časopisa). Za razliku od tehnički slične skice, izvođenje skice može biti vrlo detaljno.

Idealizacija u umjetnosti - odstupanje od istine života zbog umjetnikovog namjernog ili nevoljnog uljepšavanja subjekta slike. Idealizacija se obično manifestuje u preuveličavanju i apsolutizaciji pozitivnog principa kao neke vrste konačnog, navodno već postignutog savršenstva; u izglađivanju životnih kontradikcija i sukoba; u oličenju apstraktnog, nadvitalnog ideala itd. Idealizacija uvijek znači raskid s principima realizma i na ovaj ili onaj način se ispostavlja da je povezana s ideologijom reakcionarnih klasa koje su sklone udaljavanju od istinite slike. života i zameniti proučavanje stvarnosti subjektivno ulepšanim idejama o njoj.

Od idealizacije treba razlikovati odraz u realističkoj umjetnosti određenog društveno progresivnog životnog ideala, koji, kao važan aspekt ideološkog sadržaja svake realističke umjetničke slike, ponekad može biti odlučujući princip u umjetničkom rješenju slike.

Ideja slike - glavna ideja djela, određujući njegov sadržaj i figurativnu strukturu, izraženu u odgovarajućem obliku.

Iluzorno - sličnost slike sa prirodom; graniči sa optičkom iluzijom. Zbog iluzornosti, umjetnička ekspresivnost djela i dubina njegovog sadržaja mogu se izgubiti ako u slici želja za vanjskom sličnošću zamagljuje ono glavno - njenu namjeru.

Impresionizam - pravac u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, čiji su predstavnici nastojali što prirodnije i nepristrasnije uhvatiti stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, kako bi prenijeli svoje prolazne utiske. Impresionizam je počeo 1860-ih. u francuskom slikarstvu. E. Manet, O. Renoir, E. Degas uneli su u umjetnost svježinu i spontanost percepcije života, prikaz trenutnih, naizgled nasumičnih pokreta i situacija, prividnu neravnotežu, fragmentarnu kompoziciju, neočekivane tačke gledišta, uglove, presjeke figura. . Godine 1870-80 Impresionizam se pojavio u francuskom pejzažu. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley razvili su konzistentan plein air sistem. Pored slikara, za trenutno kretanje i fluidnu formu interesovali su se vajari (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy).

Impresionizam je razvio realističke principe umjetnosti, ali se rad njegovih sljedbenika često ogledao u udaljavanju od proučavanja osnovnih pojava društvene stvarnosti, stalnih stabilnih kvaliteta materijalnog svijeta. Ovaj pravac kreativnosti doveo je kasne impresioniste do formalizma.

Enterijer - unutrašnji pogled prostorije. Prikaz enterijera zahteva temeljno poznavanje perspektive. Važno je pronaći mjesto odakle možete komponirati sliku na zanimljiviji način. Gotova slika enterijera, pored zanimljive kompozicije, pravilne perspektivne konstrukcije, postavljanja objekata u prostoru, treba da daje ideju o osvetljenju.

Slikarstvo - djelo štafelajnog slikarstva koje istinito oličava umjetnikovu namjeru, odlikuje se značajem sadržaja, istinitošću i cjelovitošću umjetničke forme. Slika je rezultat umjetnikovih dugih promatranja i razmišljanja o životu. Prethode mu skice, skice, skice, u kojima umjetnik bilježi pojedinačne pojave života, prikuplja materijal za buduce slikarstvo, tražeći osnovu svoje kompozicije i boje. Pri stvaranju slike umjetnik se oslanja na prirodu, polazi od nje kako u općem konceptu, tako iu pojedinačnim detaljima. Promatranje, mašta i dizajn igraju veliku ulogu u ovom procesu. Slika na svoj način nosi određen ideološki i figurativni koncept, a oblici izražavanja su vizuelno pouzdani. Svaki detalj, dio je u korelaciji sa cjelinom, svaki element izražava sliku. Dekadentne formalističke tokove karakteriše kriza radnje i tematske slike, odbacivanje značajnih ideoloških pitanja i psihologizam. Ne samo da je subjekt izbačen iz slika, već dolazi i do prekida sa slikom subjekta uopšte. Prema obliku slike, slika postaje bespredmetna, apstraktna.

Adhezivne boje - suhe boje, proizvedene u prahu i pomiješane od strane umjetnika s vodom za ljepilo. Dobro mljevene, ponekad ih umjetnici koriste prilikom ukrašavanja reprodukcijskih originala kao zamjene za gvaš boje. Najčešće se koriste za kazališne dekoracije.

Nag - vrsta meke gumice koja se koristi u slučajevima kada trebate posvijetliti ton sjenčanja na crtežima olovkom. Nag je mekan i lako se može gnječiti prstima; olovka se njime ne briše, već se lagano pritiska na one dijelove crteža koji se posvjetljuju: grafit se zalijepi za oznaku i drži ga nakon što se odvoji od papira. Ako su područja koja se osvjetljavaju vrlo mala, nag dobija izgled šiljastog konusa.

Nag se može napraviti na sljedeći način. Obična žvakaća guma se stavlja u benzin dva do tri dana (ili kerozin), a zatim se drži još dva dana. Nakon toga se omekšani kaučuk umesi sa krompirovim brašnom (škrobom), brašno se uzima u prstohvatima i njegovom količinom se podešava viskozitet zamesa.

Boja (studija ili slika) - priroda odnosa svih elemenata boje slike, njena struktura boja. Njegova glavna prednost je bogatstvo i postojanost boja koje odgovaraju samoj prirodi, prenoseći, u jedinstvu sa chiaroscurom, objektivna svojstva i stanje osvijetljenosti prikazanog trenutka. Koloriranje skice određuje: 1) konzistentnost odnosa boja proporcionalnih prirodi, uzimajući u obzir opšte tonsko i kolorističko stanje osvetljenja, 2) bogatstvo i raznovrsnost refleksa svetlo-vazduh i predmetnog okruženja, 3) kontrastna interakcija toplih i hladnih nijansi, 4) uticaj boje osvetljenja, koja objedinjuje boje prirode, čini ih podređenim i srodnim.

Pravi odraz države realnim uslovima Osvetljenje utiče na osećanja gledaoca, stvara raspoloženje i izaziva odgovarajuća estetska iskustva.

Četke . Četke se isporučuju u kolinskim četkicama, četkicama i čekinjama. Četkice od čekinje namijenjene su za rad sa uljanim bojama, ali se mogu koristiti i za slikanje tempera i gvaš bojama. Vjeverica i kolinski kistovi se koriste u akvarelima. Oblici su ravni i okrugli. Veličina četke je označena brojem. Broj pljosnatih četkica i žljebova četkica odgovara njihovoj širini u milimetrima, a broj okruglih četkica odgovara njihovom promjeru (također izražen u milimetrima).

Nakon rada sa uljanim bojama, četke operite toplom vodom i sapunom. Ne perite četke u acetonu: to će oštetiti vašu kosu. Kistovi za akvarel nakon upotrebe se peru u čistoj vodi. Ni u kom slučaju ne smijete dozvoliti da se četke osuše, posebno nakon rada sa uljanim bojama, stavite četke u teglu sa dlačicama nadole, jer će se kosa deformisati. Opran kist treba umotati u papir, tada će zadržati svoj oblik.

Kompozicija - izrada skice ili slike, usklađivanje njenih delova. Pri slikanju iz prirode: odabir i postavljanje objekata, izbor najbolje tačke gledišta, osvjetljenje, određivanje formata i veličine platna, identifikacija kompozicionog centra, podređivanje sporednih dijelova djela. Prilikom stvaranja slike: odabir teme, razvoj zapleta, pronalaženje formata i veličine djela, karakterizacija karaktera, njihovi međusobni odnosi, poze, pokreti i geste, ekspresivnost lica, upotreba kontrasta i ritmova - sve su to sastavni elementi kompozicione strukture slike, koji služe najboljem oličenju umjetnikovog plana. U takvoj kompoziciji se uzima u obzir sve: masa objekata i njihove siluete, ritam kojim su postavljeni na platno, perspektiva, zamišljena linija horizonta i tačka gledišta prikazanog, boja slike. , grupisanje likova, pravac njihovih pogleda, pravac linije perspektivne redukcije objekata, raspodela chiaroscuro, poza i gestova itd.

Konstantnost vizuelne percepcije - sklonost da se predmet, njegova veličina, oblik, lakoća, boja percipira kao stabilan i nepromijenjen, bez obzira na promjene koje mu se dešavaju (udaljenost od posmatrača, promjene u osvjetljenju, uticaji okoline, itd.) - Konstantnost veličine - sklonost percipirati veličinu objekta kao konstantnu, uprkos promjeni udaljenosti do njega. Po pravilu, početnici crtači ne primjećuju nikakve obećavajuće promjene.

Konstantnost forme - sklonost da se percipira stvarni oblik, čak i ako je predmet rotiran tako da se njegova slika na mrežnici razlikuje od stvarnog oblika. (Na primjer, kvadratni komad papira koji leži na stolu izgleda kvadratno čak i ako njegova projekcija na mrežnicu nije kvadratna.)

Konstantnost svjetline - sklonost da se lakoća objekta percipira kao konstantna, uprkos promjenama u osvjetljenju; zavisi uglavnom od konstantnog omjera intenziteta svjetlosti reflektirane i od objekta i od njegove okoline.

Konstantnost boje - sklonost percepciji boje objekta (njegove lokalne boje) bez obzira na promjenjive uvjete osvjetljenja, njegovu snagu i spektralni sastav (dnevni, večernji, umjetni).

Zbog fenomena postojanosti, percepcija i prenošenje u slikanju predmeta i pojava upravo onakvima kakvi se pojavljuju oku pod određenim svjetlosnim uvjetima, u određenom okruženju i na određenoj udaljenosti, predstavlja određenu poteškoću na početku učenja. Umetnik početnik, iako zna da se boja menja u zavisnosti od uslova osvetljenja, vidi je nepromenjenu i ne usuđuje se, na primer, da naslika zeleno drveće na zracima zalazećeg sunca kao crvenkasto ili da naslika plavo nebo kao složeno ružičasto-oker , kako izgleda na zalasku sunca.

Neiskusnom slikaru se čini da je bijeli predmet bijeli u svim svojim dijelovima, a tamni predmet je taman. U međuvremenu, u punoj postavci, površina tamnog objekta okrenuta prema svjetlosti će reflektirati više svjetlosnih zraka nego dio sjene bijelog objekta, pa će stoga sjena bijelog objekta biti tamnija od svijetlog dijela tamnog. objekt.

Dok radi na pejzažnoj skici, neiskusni slikar ne primjećuje kako se približava sumrak, iako je osvjetljenje značajno smanjeno.

Okolni objekti mogu biti osvijetljeni svjetlošću različitog spektralnog sastava, što mijenja spektralni sastav svjetlosti koja se odbija od objekata. Međutim, oko umjetnika početnika čak i ne primjećuje ovu promjenu boje.

Konstantnost percepcije može se povećati i intenzivirati iz mnogo razloga. Što je hromatsko osvetljenje jače i što je veća udaljenost sa koje se posmatra objekat, to je manifestacija postojanosti slabija. Sposobnost površine predmeta da snažno odbija svjetlosne zrake također doprinosi stalnoj percepciji: objekti svijetle boje uočljivije pokazuju utjecaj boje osvjetljenja. Prilagođavanja svjetla i boja poboljšavaju postojanost percepcije. Promatrajući zimski pejzaž po oblačnom vremenu, možete primijetiti samo složene sivkaste nijanse. Ako pogledate isti zimski motiv sa prozora električno osvijetljene sobe, krajolik izvan prozora će se doživjeti kao intenzivno plavkast. Ako napustite sobu pod otvorenim nebom, onda nakon nekoliko minuta plavi ton pejzaž će nestati. Slično, nula postojanost u publici se pojavljuje pod obojenim osvetljenjem pozorišne scene; nakon što topla električna rasvjeta u sali nestane, zavjesa se otvara i gledalac je oduševljen prizorom zimskih, lunarnih ili drugih svjetlosnih uslova.

Kao rezultat prakse, umjetnik stječe sposobnost da uoči promjene u boji predmeta u prirodi zbog okoline i osvjetljenja, vidi i prenosi svo bogatstvo i raznolikost vanjskog svijeta, veliku raznolikost gradacija boja. Kao rezultat, na platnu se pojavljuje uvjerljivo osvjetljenje, boja izgleda komplikovano i obogaćena okruženjem i rasvjetom. Mnogi umjetnici i učitelji izvodili su posebne vježbe, stvarajući vizualne modele kako bi razumjeli kolorističke karakteristike različitih svjetlosnih uvjeta. K.. Monet je, na primjer, napisao seriju studija koje su prikazivale isti predmet (plast sijena), i tako proučavao promjenu boje pod različitim svjetlosnim uvjetima u prirodi. Da bi razvio stalnu percepciju, N. N. Krimov je postavio bijelu kocku, obojanu s jedne strane crnom bojom, i s ove strane je osvijetlio snažnom lampom, ostavljajući bijelu stranu u sjeni. Istovremeno, njegovi učenici su bili uvjereni da je crna, osvijetljena strana kocke svjetlija od bijele, u sjeni. Krimov je pozvao studente da naprave mali kartonski platno za harmoniku, čije su ravni bile obojene u različite boje i osvijetljene s dvije strane: s jedne strane električnom lampom, a s druge dnevnom svjetlošću. Zraci iz lampe bili su usmjereni prema područjima obojenim hladnim bojama, dok su tople boje bile usmjerene prema dnevnoj svjetlosti. Učenici su se uvjerili da uvjeti osvjetljenja značajno mijenjaju boje objekata, te su se tako oslobodili konstantne percepcije boja.

Slikar početnik mora se osloboditi postojanosti percepcije i biti u stanju da percipira oblik predmeta, njegovu lakoću i boju, određene svjetlosnim okruženjem, osvjetljenjem i prostorom.

Dizajn - u likovnoj umjetnosti suština, karakteristična osobina strukture forme, koja ukazuje na prirodan odnos između dijelova forme i njenih proporcija.

Kontrast - 1) oštra razlika, suprotnost dve veličine: veličine, boje (svetlo i tamno, toplo i hladno, bogato i neutralno), kretanja itd.; 2) svjetlosni i hromatski kontrast – pojava u kojoj je percipirana razlika znatno veća od fizičke osnove. Na svijetloj pozadini, boja objekta izgleda tamnija; na tamnoj pozadini djeluje svjetlije. Kontrast svjetlosti se najjasnije pojavljuje na granici tamnih i svijetlih površina. Kromatski kontrast je promjena nijanse i zasićenja pod utjecajem okolnih boja (istovremeni kontrast) ili pod utjecajem prethodno uočenih boja ( serijski kontrast). Na primjer: zelena pored crvene povećava svoju zasićenost. Siva boja na crvenoj pozadini poprima zelenkastu nijansu. Hromatski kontrast je jači kada su boje u interakciji približno jednake svjetline.

Kopiraj - proces pribavljanja kopija crteža ili crteža; može se izvesti na različite načine: štipanjem, praćenjem, stiskanjem, precrtavanjem na svjetlu, precrtavanjem na mreži, kao i korištenjem pantografa i epidijaskopa.

Piling - metoda kopiranja bez promjene mjerila: original se stavlja na prazan list papira i tankom iglom se ubode sve karakteristične točke slike ili crteža, kroz koje se na ubodenom papiru povlače linije olovkom .

Tracing - metoda kopiranja bez promjene razmjera. Paus papir se nanosi na original, na kojem je slika nacrtana olovkom ili tintom; Radnu površinu paus papira prvo treba odmastiti - obrisati prahom krede ili magnezijum karbonatom.

Stiskanje - način kopiranja bez promjene mjerila: suvi transfer papir se stavlja ispod originala ili njegove kopije na paus papir; Naoštrena igla se povlači duž linija originalne slike, zbog čega je prevedena slika utisnuta na prazan list papira. Povratak originala (paus papir) može se protrljati mekom olovkom, u tom slučaju prenesena slika postaje jasnija.

Ponovno crtanje protiv svjetla - metoda kopiranja bez promjene razmjera. Original se stavlja na staklo i prekriva čistim papirom ili paus papirom; iza stakla se nalazi izvor svjetlosti (dnevno ili električno); Linije originala koje se vide kroz papir ocrtane su olovkom. Postoje posebne mašine za kopiranje prilagođene za ovu svrhu.

Ponovo nacrtajte na mreži - način kopiranja iz moguća promjena mjerilo (uvećavanjem ili smanjivanjem crteža) pomoću koordinatne mreže napravljene na originalu i praznom listu papira. Slika se crta “u ćelijama”. Ćelije su građene kvadratne ili pravougaone. Ponovno crtanje u ćelijama je vrlo naporno i ne može precizno prenijeti linije originala, jer se radi okom i rukom.

Traka za farbanje karoserije - izvođenje skice ili slike gustim, neprozirnim, relativno debelim slojem uljane boje, često reljefne teksture.

Crocs - brza skica iz života, rjeđe površno fiksiranje kompozicionog koncepta u obliku crteža. Termin "croki" se ne koristi uobičajeno; u opštem smislu je bliže širok pojam"skica".

Drvorez - graviranje na drvetu, glavna tehnička vrsta uzdignutog gravura, najstarija tehnika graviranja uopće. Drvorez se izvodi tako što se na dasci, najčešće kruškovoj ili bukovoj, izrezuju oni dijelovi graviranja koji se nanose na nju koji trebaju ostati bijeli. Kod uzdužnog ili rubnog graviranja, vlakna ploče su paralelna s njenom površinom, a rad se izvodi uglavnom šiljatim noževima. Mogućnosti ove tehnike su relativno ograničene, ali su poteškoće značajne (pošto je otpor vlaknastog materijala na nož neujednačen u različitim smjerovima). Završno graviranje se izvodi na dasci sa zrno okomito na površinu; njen glavni instrument je šljunak, koji omogućava veoma suptilnu i raznoliku tehniku.

Za razliku od bilo koje vrste dubinskog graviranja, drvorez se može štampati zajedno sa montažom na običnoj štampariji, pa se stoga često koristi u ilustraciji knjiga.

Lucky . Umjetnici lakiraju tla kako bi ih zaštitili od prodiranja ulja iz boja, uvode lakove u sastav veziva boje, nanose ih na stvrdnuti sloj boje prije daljnjeg rada (radi boljeg vezivanja slojeva) i na kraju lakiraju gotovi radovi. Istovremeno, lak pojačava bogatstvo boja. Lak film štiti sliku od direktnog kontakta sa štetnim atmosferskim plinovima, prašinom i čađom u zraku. Lakovi u uljanim bojama pomažu da se ravnomjernije i brže suši, a slojevi boje se bolje povezuju sa zemljom i međusobno. Slike je bolje premazati terpentinskim lakovima nego uljanim lakovima (onda manje potamne). Učvršćivanje laka za fiksiranje radi se sa ugljenom, sanguinom, pastelima i akvarelima.

Modeliranje oblika bojom - proces modeliranja objekta, identificiranje njegovog volumena i materijala s nijansama boja, uzimajući u obzir njihove promjene u svjetlini i zasićenosti.

Glaze - jedna od tehnika slikarske tehnike, koja se sastoji od nanošenja vrlo tankih slojeva postojanih i prozirnih boja na osušeni gusti sloj drugih boja. U ovom slučaju postiže se posebna lakoća i zvučnost boja, što je rezultat njihovog optičkog miješanja.

Linorez - graviranje na linoleumu, vrsta podignute gravure. Po tehnici i likovnim sredstvima linorez je sličan drvorezu i često se od njega razlikuje u otisku samo po odsustvu finih detalja.

Litografija - u likovnoj umjetnosti, rasprostranjena vrsta grafičke tehnike povezana s radom na kamenu (gusti krečnjak) ili metalnoj ploči koja ga zamjenjuje (cink, aluminij).

Litografiju umjetnik izvodi crtanjem po zrnastoj ili glatkoj površini kamena debelom litografskom olovkom i posebnim tušem. Nakon nagrizanja kamena kiselinom (djelujući na površini koja nije prekrivena masnoćom), dizajn se ispere: umjesto toga nanosi se tiskarska boja koja se lijepi samo na neurezane čestice kamena koje se u potpunosti uklapaju u dizajn. Boja se valja valjkom na navlaženi kamen; štampa se vrši na specijalnoj mašini.

Lokalna boja - karakteristika boje datog objekta (njegova boja) i nije pretrpjela nikakve promjene. U stvarnosti se to ne dešava. Boja objekta se stalno donekle menja pod uticajem jačine i boje osvetljenja, okoline, prostorne udaljenosti i više se ne naziva lokalnom, već uslovljenom. Ponekad lokalna boja ne znači boju predmeta, već homogenu mrlju uslovljene boje, uzetu u osnovnim odnosima prema susjednim bojama, bez otkrivanja mozaika refleksa boja, bez nijansi ovih glavnih mrlja.

Način - u odnosu na umjetničku praksu: priroda ili način izvođenja kao čisto tehničko obilježje (na primjer, “široki način”).

U istoriji umetnosti, termin „način” ponekad se odnosi na opšta svojstva izvođenja karakteristična za umetnika ili umetničku školu tokom određenog perioda kreativnog razvoja (na primer, „Ticijanov kasni način”).

Manerity - u umjetničkoj praksi: svojstva pristupa i izvođenja kojima nedostaje jednostavnost i prirodnost, što dovodi do pretencioznih, nategnutih ili konvencionalnih rezultata. Najčešće se manirizmom naziva sklonost prema bilo kojem vanjskom spektakularnom, zapamćenom maniru i svim vrstama unaprijed zamišljenih umjetničkih tehnika, sklonost stilizaciji. Ekstremni izraz manirizma daje formalistička praksa moderne buržoaske umjetnosti.

Uljane boje - boje pomiješane s biljnim uljem: laneno (uglavnom), makovo ili orašasto ulje; Uljane boje postepeno stvrdnjavaju kada su izložene svjetlosti i zraku. Mnoge podloge (platno, drvo, karton) se prethodno grundiraju za obradu uljanim bojama. Najčešće korišćeni prajmer je sledeći: materijal se premazuje tečnim ljepilom za drvo, a kada se osuši, prebriše se plovcem, nakon čega se premaže finim prahom krede pomiješanim s vodom za ljepilo do konzistencije kisele pavlake. Da biste očistili četke, operite ih u kerozinu, terpentinu ili benzinu i na kraju u toploj vodi i sapunu, istiskujući boju iz korijena četke, a zatim isperite u čistoj vodi.

Materijalnost Prikazani predmeti su prvenstveno preneseni prirodom chiaroscura. Objekti koji se sastoje od različitih materijala imaju karakteristične gradacije svjetla i sjene. Cilindrični gipsani objekt ima glatke prijelaze od svjetlosti kroz polusjenu, sjenku i refleks. Staklena cilindrična posuda nema izražene gradacije svjetla i sjene. Postoje samo naglasci i refleksi na njegovoj formi. Metalne predmete također karakteriziraju uglavnom odsjaji i refleksije. Ako na crtežu prenesete prirodu chiaroscura, tada će predmeti izgledati materijalno. Drugi, još važniji uvjet od kojeg ovisi prikaz materijalnih kvaliteta predmeta je dosljednost u crtežu ili slikovnoj skici tonskih i kolorističkih odnosa između predmeta koji su proporcionalni prirodi. Kada opažamo materijalne kvalitete predmeta, naša se svijest uglavnom oslanja na njihove tonske i kolorističke odnose (razlike). Stoga, ako se priroda chiaroscura, tonski i koloristički odnosi prenesu u skladu s vizualnom slikom prirode, dobivamo istinitu sliku materijalnih kvaliteta predmeta mrtve prirode ili pejzažnih objekata.

Višeslojno farbanje - najvažnija tehnička sorta uljanog slikarstva, koja zahteva podelu rada na više uzastopnih faza (podslikavanje, registracija, zastakljivanje), razdvojenih pauzama za potpuno sušenje boje. Prilikom izvođenja velike tematske kompozicije, kao i tokom dugotrajnog rada uopšte, višeslojno slikarstvo je jedina kompletna tehnika uljanog slikarstva. Sve do sredine 19. veka. svi glavni napredni umjetnici prošlosti koristili su ovu tehniku kao svoju glavnu. Kasnije su ga impresionisti i njihovi sljedbenici napustili.

Sa uže tehnološke tačke gledišta, nevezano za tehniku starih majstora, koncept višeslojnog farbanja može odgovarati samo upisu na osušeni sloj boje (bez podslikavanja ili glaziranja).

Modeliranje - u likovnoj umjetnosti: prijenos volumetrijsko-plastičnih i prostornih svojstava objektivnog svijeta kroz gradacije svjetlosti i sjene (slika, grafika) ili odgovarajuću plastičnost trodimenzionalnih oblika (skulptura, posebno reljef). Modeliranje se obično provodi uzimajući u obzir perspektivu, au slikarstvu, osim toga, uz pomoć gradacija boja neraskidivo povezane s chiaroscurom. Zadaci modeliranja nisu ograničeni na jednostavnu reprodukciju objektivnog svijeta: sudjelovanjem u ideološkim i figurativnim karakteristikama objekta, ono generalizira, pojačava i otkriva ono najbitnije i najkarakterističnije.

Modernizam - opšta oznaka pravaca u umetnosti i književnosti kasnog 19.-20. veka. (kubizam, dadaizam, nadrealizam, futurizam, ekspresionizam, apstraktna umjetnost, itd.). Glavne karakteristike modernizma: poricanje spoznajne i društvene uloge umjetnosti, njene ideološke prirode, nacionalnosti, zamjena umjetnosti svim vrstama trikova, potpuno izobličenje ili nepoznavanje profesionalnih tradicija realističkog umjetničkog naslijeđa.

Mozaik - posebna tehnička sorta monumentalnog slikarstva, zasnovana na upotrebi višebojnih čvrstih materijala - smalte, prirodno obojenog kamena, obojenih emajla na pečenoj glini i dr. kao glavnog umjetničkog materijala. Slika je sastavljena od komada takvih materijala, dobro spojenih jedan uz drugi, postavljenih na cement ili specijalnu mastiku i potom poliranih. Metodom tzv. direktnog postavljanja mozaik se izrađuje sa prednje strane - na za to predviđenom mjestu (zid, svod itd.) ili na posebnoj ploči koja se potom ugrađuje u zid. Prilikom obrnutog postavljanja, obojeni komadi su vidljivi umjetniku samo sa stražnje strane, jer su prednjom površinom zalijepljeni na privremenu tanku postavu (skidaju se nakon prenošenja mozaika na zid). Prva od ovih metoda je relativno složena i dugotrajna, ali sa umjetničkog gledišta savršenija.

Štafelaj - mašina (otuda definicija "štafelajne slike"), neophodna da bi umetnik održavao željeni nagib slike tokom rada. Glavni uslov za štafelaj je stabilnost.

Monotype - posebna vrsta grafičke tehnike povezana sa procesom štampe, ali se oštro razlikuje od bilo koje vrste graviranja u potpunom odsustvu mehaničkih ili tehničkih uticaja na površinu ploče. Boje se nanose ručno na glatku površinu, a zatim štampaju na mašini. Dobijeni otisak je jedini

i jedinstven.

Mmonumentalnost u djelima štafelajnog slikarstva određen je društvenim značajem predmeta slike, njegovim herojskim patosom, dubinom i snagom utjelovljenja ideja u odgovarajućim slikama - jednostavnim, strogim, veličanstvenim i izražajnim.

Skica u boji - skica male veličine, tečno i brzo izvedena. Glavna svrha takve skice je stjecanje sposobnosti holističkog sagledavanja prirode, pronalaženja i prenošenja ispravnih odnosa boja njenih glavnih objekata. Poznato je da je punopravna slikovna struktura slike određena proporcionalnim prijenosom razlika između glavnih kolornih mrlja prirode. Bez toga, nikakvo pažljivo proučavanje detalja, refleksa, mozaika nijansi boja neće dovesti do punopravne slikovne slike.

Nacionalnost - povezanost umjetnosti i naroda, uslovljenost umjetničke pojaveživot, borba, ideje, osećanja i težnje masa, izražavanje u umetnosti njihovih interesovanja i psihologije. Jedan od osnovnih principa socijalističkog realizma.

Priroda - u praksi likovne umjetnosti to su bilo koje prirodne pojave, objekti i predmeti koje umjetnik prikazuje neposrednim promatranjem modela. U pravilu se iz života izvode samo skica, skica, skica, portret, a ponekad i pejzaž.

Naturalizam - u likovnoj umjetnosti se izražava izolovano od širokih generalizacija, od ideoloških ideja i vodi metodi čisto vanjskog kopiranja svega što je u vidnom polju. Slikari početnici ponekad misle da je pouzdan prikaz prirode uz prenošenje njenih volumetrijskih, materijalnih i prostornih kvaliteta apsolutni cilj likovne umjetnosti. Naravno, potrebno je savladati vizuelnu pismenost i tehničke tehnike slikanja. Međutim, jednako je važno istovremeno razvijati sposobnost sagledavanja stvarnosti očima umjetnika. Slikovita slika nije ogledalo prirode. „Slikarstvo“, rekao je I. I. Levitan, „nije protokol, već objašnjenje prirode slikovnim sredstvima.“ Slikar odabire i sažima u šarolikoj raznolikosti prirode one elemente koji mogu ekspresivno prenijeti idejni i figurativni koncept. Pokušava da otkrije suštinu onoga što se prikazuje, pokazuje šta ga je uzbuđivalo. Ovo otkriva umjetnikovu ličnost, njegov pogled na svijet, kao i njegov ukus i praktično iskustvo u korištenju živopisnih materijala i tehnika.

Mrtva priroda - jedan od žanrova likovne umjetnosti, posvećen reprodukciji predmeta za domaćinstvo, voća, povrća, cvijeća itd. Zadatak umjetnika koji slika mrtvu prirodu je da prenese kolorističku ljepotu predmeta koji okružuju osobu, njihovu volumetrijsku i materijalnu suštinu, kao i da izrazi svoj odnos prema prikazanom. Slika mrtve prirode posebno je korisna u obrazovnoj praksi za ovladavanje slikarskim vještinama. U mrtvoj prirodi umjetnik spoznaje zakone harmonije boja i stječe tehničku vještinu likovnog modeliranja forme.

Umjetnička generalizacija - sposobnost umjetnika da spozna objektivnu stvarnost, identificira glavne, bitne stvari u predmetima i pojavama kroz poređenje, analizu i sintezu. Likovno djelo je rezultat ekspresivnosti općeg, a istovremeno čuva svu posebnost konkretne vizualne slike.

U užem stručnom shvaćanju, generalizacija je posljednja faza procesa crtanja ili slikanja iz života, nakon detaljne razrade forme. U ovoj fazi rada, detalji se generalizuju kako bi se stvorila holistička slika prirode zasnovana na njenoj integralnoj vizuelnoj percepciji.

Umetnička slika - specifičan oblik odraza stvarnosti u konkretno senzualnom, vizuelno percipiranom obliku. Stvaranje umjetničke slike usko je vezano za odabir najkarakterističnijeg, uz isticanje bitnih aspekata predmeta ili pojave unutar individualne jedinstvene prirode ovih predmeta i pojava. Poznato je da ljudska svijest odražava ne samo objektivnu vizualnu sliku predmeta ili pojave, već i emocionalne kvalitete njihove percepcije. Dakle, umjetnička slika u slikarstvu sadrži ne samo stvarne karakteristike prikazanog predmeta, već i njegov čulni i emocionalni značaj. Svaka slika je istovremeno i istinit odraz objektivne stvarnosti i izraz umjetnikovih estetskih osjećaja, njegovog individualnog, emocionalnog odnosa prema prikazanom, ukusa i stila.

Obrnuta perspektiva - pogrešna tehnika crtanja perspektive, čija je suština da se paralelne i horizontalne linije u prostoru na slici prikazuju ne konvergirajuće, već divergentne; javlja se prilično često u antičkom ikonopisu, kao posljedica nepoznavanja elementarnih pravila građenja perspektive umjetnika (u nekim slučajevima je dopušteno namjerno kršenje pravila građenja perspektive).

Opće stanje tona i boja u prirodi - rezultat različite jačine osvjetljenja. Da bi se prenijelo stanje različitog osvjetljenja (ujutro, popodne, uveče ili po sivom danu), pri izradi strukture boja skice ne koriste se uvijek svijetle i svijetle boje palete. U nekim slučajevima umjetnik gradi odnos u smanjenom rasponu svjetline i jačine boja (sivi dan, mračna soba), u drugim slučajevima sa svijetlim i svijetlim bojama (na primjer, sunčan dan). Na taj način umjetnik održava tonske i kolorističke odnose skice u različitim tonskim i kolorističkim rasponima (skalama). Ovo pomaže u prenošenju stanja osvjetljenja, što je posebno važno u pejzažnom slikarstvu, jer upravo to stanje određuje njegov emocionalni utjecaj (vidi tonsku i ljestvicu boja slike).

Volume - slika trodimenzionalnog oblika na ravni. Obavlja se prvenstveno pravilnom konstruktivnom i perspektivnom konstrukcijom predmeta. Još jedno važno sredstvo za prenošenje volumena na ravni je gradacija svjetlosti i sjene, izražena bojom: naglasak, svjetlost, polusjena, pravilna i padajuća senka, refleks. Slika volumena na slikovnoj ravni olakšava se i smjerom poteza ili sjenčanja, njihovim kretanjem u smjeru forme (na ravnim površinama su ravne i paralelne, na cilindričnim i sfernim površinama su lučne).

Halo - fenomen poznat i kao “zračenje”; nastaje kao rezultat raspršivanja jakog svjetla u providnoj tekućini koja ispunjava očnu jabučicu. Zbog povećane osjetljivosti oka u mraku, snažno reagira na promatranje izvora jakog svjetla (vatra ili upaljena lampa). Tokom dana ne izgledaju sjajno, ali u sumrak ili noću mogu zaslijepiti oči. Oko gotovo ne percipira boju jarkih izvora svjetlosti, ali oreol oko svijetlećih tijela ili jako osvijetljenih objekata ima izraženiju boju. Plamen svijeće je gotovo bijeli, a oreol oko njega žut. Snažan osvjetljenje na sjajnoj površini izgleda bijelo, a oreol oko njega poprima svojstvo boje izvora svjetlosti. Tanka stabla na pozadini neba potpuno su obavijena oreolom, odnosno izgledaju plavo, a na pozadini žutog zalaska sunca izgledaju narandžasto ili crveno. Kada se na slici prenese oreol, oko opaža objekte kao blistave (svijeće, svijetli prozori danju i noću, zvijezde na nebu, itd.). Prikazan bez oreola, neizostavan pratilac jakog svetla, stablo i njegova krošnja izgledaju kao tvrda aplikacija na pozadini svetlog neba, zvezde bez oreola odaju utisak mrlja boje prskane na tamnoj pozadini, svetlih svetla bez oreola na pozadini vrča izgledaju kao svijetle mrlje.

Osnova - u tehnologiji farbanja: materijal na koji se nanosi temeljni premaz i sloj boje. Najčešći tip podloge je platno, drvo (najčešća podloga u antici, srednjem vijeku i renesansi), rjeđe se koriste karton, papir, metal, staklo, linoleum itd. U nekim vrstama slikarstva (npr. freska, akvarel i sl.) podloga se koristi bez posebne pripreme.

Pranje - 1) tehnika akvarela sa vrlo tečnom bojom ili tušem. Da biste obojili relativno veliku površinu svijetlim tonom, obojite oko pola čaše vode bojom, pustite da se boja slegne (bolje je kasnije filtrirati) i četkom uzmite "rješenje" odozgo, bez dodirivanja dno čaše; 2) posvjetljivanje boje ili skidanje sa papira četkom umočenom u čistu vodu, te sakupljanje natopljene boje upijajućim papirom (procedura se ponavlja nekoliko puta).

Odnosi su obojeni tonom - razlike u svjetlini i boji predmeta: što je svjetlije u prirodi, što je tamnije, plus razlike u boji i njenoj zasićenosti.

Hue (nijansa) - mala, često jedva primjetna razlika u boji, svjetlini ili zasićenosti boja.

Etching - gravura iglom ili linijom, široko rasprostranjena tehnička vrsta dubinskog graviranja na metalu. Rad na bakropisu grebanjem površine za graviranje posebnim iglama, obično tehnikom crtanja slobodnih linija. Neujednačeno trajanje nagrizanja detalja slike kiselinama rezultira razlikama u snazi i bogatstvu poteza. Tehniku jetkanja karakterizira uporedna jednostavnost i velika fleksibilnost.

Vizuelna senzacija - rezultat interakcije energije zračenja sa organom vida i percepcije ove interakcije od strane svijesti. Kao rezultat, osoba dobija različite senzacije svjetla i boja, bogate gradacije boja koje karakteriziraju oblik predmeta i prirodnih pojava u različitim uvjetima osvjetljenja, okoline i prostora.

Palette - 1) mala tanka daska četvorougaonog ili ovalnog oblika na kojoj umetnik meša boje tokom rada; 2) tačan spisak boja koje određeni umjetnik koristi u svojoj kreativnoj praksi.

Panorama - slikarsko platno u obliku zatvorene kružne trake. Na platnu se ispred slikovne slike postavljaju različiti stvarni rekviziti koji stvaraju iluziju direktnog prelaska stvarnog prostora prvog plana u likovni prostor slike. Panorama se nalazi u posebno izgrađenoj sali za slike sa centralnom, obično zatamnjenom, platformom za posmatranje. Za razliku od panorame, diorama je slikovna slika u obliku zakrivljene polukružne vrpce.

Nenadmašni primjeri do sada su panorame umjetnika F. A. Ruboa "Odbrana Sevastopolja" (1902-1904) i "Borodinska bitka" (1911).

Pastel - olovke u boji bez okvira od šarenog praha. Dobivaju se miješanjem boje u prahu sa ljepilom (ljepilo od trešnje, dekstrin, želatin, kazein). Rade pastelima na papiru, kartonu ili platnu. Boje se nanose potezima, kao na crtežu, ili se utrljaju prstima s nijansiranjem, što vam omogućava postizanje najfinijih šarenih nijansi i nježnih prijelaza boja, mat baršunaste površine. Kada radite s pastelom, lako možete ukloniti ili prekriti slojeve boje, jer se ona slobodno struže sa tla. Radovi izrađeni od pastela obično se fiksiraju posebnim rješenjem.

Pastoznost - 1) u tehnici uljanog slikarstva: značajna debljina sloja boje, koji se koristi kao umjetnički medij. Delujući kao tehnička karakteristika, impasto uvek ostaje uočljiv oku i manifestuje se u izvesnoj neravnomernosti sloja boje, u "reljefnom potezu" itd. U užem, čisto tehnološkom smislu, impasto se ponekad naziva i debeloslojno slikanje sa ravnom površinom, u kojoj impasto može biti nevidljiv (slikanje tijela); 2) posebno svojstvo plastičnosti materijala boje, koje omogućava da neukapljena uljana boja u potpunosti zadrži oblik koji joj daje kist.

Scenery - pogled, slika bilo koje oblasti; u slikarstvu i grafici, žanr i odvojeni rad, u kojoj je glavni subjekt slike priroda. Često su prikazani pogledi na gradove i arhitektonske komplekse (arhitektonski pejzaž), pogled na more (marina).

Šarenilo (fragmentacija) slike - defekti u crtežu ili skici koji se javljaju kada umjetnik početnik crta ili slika prirodu u dijelovima, "iz otvora". Kao rezultat toga, oblik objekata je preopterećen detaljima, njihove konture su oštre, mnogi predmeti i njihove površine izgledaju isto u tonu i jačini boje. To se događa zato što je neiskusni umjetnik, iako je upoređivao predmete po tonu i boji, gledao ih naizmjenično, odvojeno. Kada umjetnik razvije vještinu istovremenog (cjelokupnog) viđenja i poređenja objekata prema tri svojstva boja (boja, svjetlost, zasićenost), nestaje tonska raznolikost slike.

Prostorni planovi - uslovno odvojene oblasti prostora koje se nalaze na različitim udaljenostima od posmatrača. Na slici je nekoliko planova: prvi, drugi, treći ili prednji, srednji, zadnji. Prostor na ravni platna ili papira prenosi se uglavnom pravilnom konstrukcijom perspektive. Ako se objekti ili volumeni na prostornim planovima crtaju bez striktnog pridržavanja promjena u perspektivi, shema boja neće učiniti malo da oslikava prostor. Prijenos prostornih kvaliteta slike također je olakšan prirodom poteza (na crtežu - priroda poteza). Tehnika senčenja objekata u prvom planu je definisanija, rigidnija i gušća. Hod boje je pastozniji, reljefni, frakcijski. Daleki planovi se prenose mekšim dodirom, tankim glaziranim slojem boje.

Plastika - skladnost, ekspresivnost i fleksibilnost formi, linija, koje umjetnik primjećuje u prikazanoj prirodi.

Plenersko slikarstvo - slikanje na otvorenom. Promjene u bojama prirode pod utjecajem svjetlosti i zraka su od aktivnog značaja za pisanje skice na otvorenom. Posebnu pažnju treba obratiti na opšti ton i stanje boja u prirodi (u zavisnosti od jačine i boje osvetljenja) i fenomena vazdušne perspektive. Odlučujući momenat u plenerskom slikarstvu je konzistentnost tonske i kolorističke skale prilikom konstruisanja tonskih i kolorističkih odnosa skice (vidi tonsku i kolor skalu slike):

Underpainting - pripremna faza rada na slici, izvedena tehnikom uljanog slikarstva. Podslikavanje se obično radi tankim slojem boje i može biti jednobojno ili višebojno.

Nosila. Platno na kojem umjetnik slika je razvučeno na nosila. Njegova svrha je da platno ostane zategnuto. To je osigurano nečvrstim pričvršćivanjem drvenih dasaka podokvira. Ako su uglovi nosila čvrsto pričvršćeni, teško je ispraviti progib platna zbog vlage. Na letvicama podokviva se izvode kosi, usmjereni prema unutrašnjoj strani podokvira. Inače, na mjestima dodira platna sa unutrašnjim rebrima nosila, platno se deformiše, a na njemu se pojavljuju unutrašnja rebra nosila. Veliki okviri nosila izrađeni su s križem, koji ih štiti od dijagonalnih izobličenja i progiba letvica.

Penumbra - jedna od gradacija svjetlosti i sjene na površini trodimenzionalnog objekta, između svjetlosti i sjene (kako u prirodi tako i na slici).

Portret - slika koja bilježi izgled određene osobe, njegove individualne karakteristike. Umjetnost portretiranja zahtijeva da, uz vanjsku sličnost, izgled osobe odražava njena duhovna interesovanja, društveni status i tipične karakteristike epohe kojoj pripada. Na portretu treba da bude prisutan i lični odnos umetnika prema prikazanim ljudima, njegov pogled na svet i otisak njegovog stvaralačkog manira.

primitivizam - jedan od formalističkih pokreta u likovnoj umjetnosti. Karakterizira ga potpuno odbacivanje dostignuća realizma radi oponašanja umjetničkih oblika takozvanih primitivnih epoha (primitivna plemena), namjernog posuđivanja obilježja dječjih crteža itd.

Registracije - u tehnici uljanog slikarstva, glavna faza izvođenja velikog platna, koja prati podslikavanje, prethodi glazuri. Broj prijava zavisi od napretka umetnikovog rada; svaki od njih završava potpuno sušenjem boje. U širem i nepreciznom smislu riječi, podslikavanje se ponekad naziva i podslikavanje, kao i svaka obrada već završenog platna ili njegovih detalja.

Proporcije - odnos veličina predmeta ili njihovih dijelova međusobno i prema cjelini. U crtežu ili slikarstvu ovi odnosi se prenose u proporcionalnoj korespondenciji, odnosno slično, smanjeno ili uvećano za isti broj puta. Poštivanje proporcija je ključno, jer su one najkarakterističnije obilježje subjekta i čine osnovu istinite i izražajne slike.

Proporcionalnost odnosa - zakon realističkog slikarstva, koji određuje odnos svake svetle tačke na skici sa drugima, proporcionalan vizuelnoj slici prirode, važan uslov za istinitu i celovitu sliku stvarnosti. Naša vizualna percepcija i prepoznavanje oblika, boje, materijala predmeta i stanja osvjetljenja zasniva se na njihovim tonalnim i kolorističkim odnosima. Karakteristike tona i boje vizualno se ne percipiraju izolovano, već ovisno o okruženju, zajedno s drugim tonovima i bojama. Stoga umjetnik na skici reproducira tonske i kolorističke razlike prirode, kao i perspektivne dimenzije objekata, koristeći metodu proporcionalne korespondencije između slike i vizualne slike prirode. Time se postiže stanje osvijetljenosti skice, istinito modeliranje volumetrijske forme, materijalnost, prostorna dubina i drugi slikovni kvaliteti slike.

Proces slikanja iz života podrazumeva poseban redosled rada na početku, u sredini i u završnoj fazi. Ovaj proces ide od opšteg do detaljne razrade forme i završava se generalizacijom – isticanjem glavnog i podređivanjem sporednog tome. U slikarstvu se u ovim fazama rješavaju sljedeći specifični zadaci: 1) pronalaženje odnosa glavnih mrlja u boji, uzimajući u obzir tonsko i kolorističko stanje osvjetljenja (njegovu jačinu i spektralni sastav), 2) „protezanja“ tona boje u okviru pronađenih osnovnih odnosa, modeliranje boja volumetrijskog oblika pojedinih objekata, 3) u fazi generalizacije - ublažavanje oštrih kontura predmeta, prigušivanje ili pojačavanje tona i boje pojedinih objekata, isticanje glavnog, podređivanje sporednog na to. U konačnici, cjelokupna slikovna slika je dovedena do cjelovitosti i jedinstva, do utiska koji vizija dobija kada se vidi priroda u cjelini.

Razrjeđivači . Za akvarel i gvaš boje jedini razrjeđivač je voda. Za razrjeđivanje uljanih boja koriste se kompozicije terpentinskog porijekla (pinen br. 4) ili naftni proizvodi pomiješani sa alkoholom ili lanenim uljem (razrjeđivači br. 1, 2). Dodavanje, na primjer, pinena uljanoj boji pomaže joj da se brže osuši. Osim toga, da bi se osiguralo bolje prianjanje slojeva boje, očvrsnutu površinu sloja boje prije ponovnog farbanja prebrišete pinenom.

Ugao - perspektivno smanjenje oblika predmeta, što dovodi do promjene njegovog uobičajenog oblika; izražene kontrakcije koje se javljaju pri posmatranju objekta odozgo ili odozdo.

Okvir. Slika koju je stvorio umjetnik ima okvir. Upotpunjuje kompoziciju, daje joj jedinstvo i usmjerava pažnju gledatelja na samo djelo. Najčešće, okvir ima pravokutni oblik, povremeno okrugli ili ovalni. Često letvice okvira imaju tanke profile, poput stepenica, koji se spuštaju do same slike. Oni pomažu oku gledaoca da se lakše uroni u svijet onoga što se prikazuje. Umjetnici okvir tretiraju kao bitan dio slikovne kompozicije i boje ga svijetlim i tamnim bojama različite nijanse. Tu su okviri s bogatim plastičnim motivima, konvencionalnim cvjetnim ili geometrijskim ornamentima.

Realizam - metoda umjetničkog stvaralaštva zasnovana na dubokom poznavanju života i figurativnom odrazu njegove suštine i ljepote. Realizam u slikarstvu zasniva se na prikazivanju života u oblicima samog života. Umjetnik neprestano proučava život s olovkom i četkom u ruci i savršeno savladava vještinu istinitog prikazivanja predmeta i predmeta stvarnosti. Bez organskog znanja i uopštavanja života, s jedne strane, i sposobnosti da se sve to otelotvori u specifičnoj vizuelnoj slici, s druge strane, umetnička slika na slici pretvara se u dijagram lišen životne uverljivosti.

Socijalistički realizam - metod socijalističke umjetnosti usmjeren ka istinitom, povijesno specifičnom odrazu stvarnosti u njenom revolucionarnom razvoju u svrhu ideološkog i estetskog vaspitanja ljudi u duhu socijalizma i komunizma.

Reflex - refleksija svjetlosti ili boje koja se pojavljuje na formi kao rezultat refleksije svjetlosnih zraka od okolnih objekata. Boje svih objekata međusobno su povezane refleksima. Što je veća razlika u svjetlini i boji između dva susjedna objekta, to su refleksi uočljiviji. Na hrapavim, mat površinama su slabiji, na glatkim su uočljiviji i izraženiji u obrisima. Na poliranim površinama su posebno izraženi (u ovom slučaju su pojačani zrcalnim odsjajem).

Crtanje -1) potpuna reprodukcija objektivnog svijeta: volumetrijsko-prostorno modeliranje, pravilne proporcije, istinit izraz, jasno izražen karakter itd. To je osnova za realističan prikaz stvarnosti uopšte - bilo kojim tehničkim sredstvima i tehnikama. Obuka crtanja je najvažniji deo stručno obrazovanje slikara, grafičara i vajara; 2) vrsta umetničke grafike zasnovana na tehničkim sredstvima i mogućnostima crtanja. Za razliku od slikarstva, crtanje se prvenstveno izvodi masivnim bojama (olovka, ugalj, sangvinik itd.), po pravilu, potezom i linijom, uz pomoćnu ulogu boje; 3) zasebno djelo odgovarajuće vrste grafike.

Ritam i kadenca - ponovljivost pojedinih kompozicionih elemenata djela, njihova posebna proporcionalnost, što dovodi do skladne, prirodne koherentnosti cjeline. Ritam se može manifestirati kroz kontraste i korespondencije grupiranja figura, objekata, linija, pokreta, svjetlosnih i sjenki i mrlja u boji, prostornih planova itd.

Light - element graničnih gradacija, koji se koristi za označavanje osvijetljenog dijela površine predmeta.

Lakoća (ton) - uporedni stepen razlike od tamnog: što je dalje od tamnog, to je veća svetlost boje.

Otvor blende - stepen osvetljenosti predmeta, njegov ton. Otvor blende zavisi od prisustva drugih (susednih) tonova, kao i od boje objekata.

Chiaroscuro - pravilne gradacije svjetla i tame na trodimenzionalnom obliku objekta, zahvaljujući kojima se, kako u naturi tako i na crtežu, okom percipiraju svojstva predmeta kao što su volumen i materijal. Glavne gradacije chiaroscura: vrhunac, svjetlost, penumbra, pravilna sjena, refleks, padajuća sjena.

Svojstva boja - ton boje, odnosno nijansa: crvena, plava, žuta, žuto-zelena, svetlost i zasićenost (stepen razlike od sive, odnosno stepen blizine čistoj spektralnoj boji). U procesu slikanja se boje kompletne postavke upoređuju na osnovu ova tri svojstva, pronalaze se njihove razlike u boji i prenose na skicu u proporcionalnim odnosima.

Binder - ovo je adstringentna tvar (ljepilo, ulje, gašeno vapno, žumanjak pilećeg jajeta), uz pomoć koje se čestice pigmenta međusobno povezuju i fiksiraju na površinu tla, tvoreći sloj boje. Vrste slikarstva - freska, ulje na platnu, tempera - razlikuju se upravo po sastavu veziva, iako je pigment obično isti.

Silueta - tamna jednobojna ravna slika na svijetloj pozadini. osoba, životinja ili predmet. Termin potiče od imena francuskog ministra finansija iz 18. veka. E. de Silhouette, koji je karikiran u obliku profila sjene.

Simbol. - slika koja alegorijski izražava neki širok pojam ili apstraktnu ideju. U slučaju da veza simbola sa pojmom koji izražava proizlazi iz unutrašnje sličnosti sadržaja, odnosa između prikazanog predmeta i njegovog alegorijskog značenja, upotreba simbola postaje odgovarajuća i moguća u realističkoj likovnoj umjetnosti. Simbol se koristi kada se želi izraziti širok koncept koji sadrži više sadržaja u lakoničnom i sažetom obliku.

Sadržaj i forma u umjetnosti - neraskidivo povezane i međuzavisne kategorije, od kojih jedna ukazuje na ono što se tačno odražava i izražava u djelu (sadržaj), a druga na koji način, kojim sredstvima se to postiže (forma). Vodeća, odlučujuća uloga pripada sadržaju. Ona postaje određeni fenomen života, svjestan i estetski osmišljen od strane umjetnika u tom procesu. kreativni rad. U kategoriju umjetničke forme u likovnoj umjetnosti spadaju: radnja, kompozicija, vrsta, crtež, struktura boja, volumen, prostornost, struktura svjetla i sjene itd. pripremio umjetnik je u korištenju oblika izražavanja. Bez praktičnog ovladavanja kulturom upotrebe boje nemoguće je slikom u određenom materijalu izraziti figurativni sadržaj.

Poređenje - metoda za određivanje proporcija, tonskih i kolorističkih odnosa itd. Svojstva i kvalitete naša svijest prepoznaje kroz poređenje. Možete razumjeti prirodu oblika predmeta, odrediti njegov ton i boju samo upoređujući ga s drugim objektima. Da bi istinito prikazao prirodu, umjetnik mora u skici stvoriti razlike u objektima u veličini, tonu i boji koje su proporcionalne prirodi. Samo metodom poređenja (uz potpunu percepciju prirode) moguće je u prirodi odrediti odnose boja između objekata i prenijeti ih na platno ili papir.

Stilizacija - 1) namerno oponašanje umetničkog stila, karakterističnog za autora, žanra, pokreta, za umetnost i kulturu određene društvene sredine, nacionalnosti, epohe. Obično uključuje slobodnu interpretaciju sadržaja i stila umjetnosti koja je poslužila kao prototip; 2) u likovnoj umjetnosti i uglavnom u dekorativne umjetnosti, dizajn generalizacije prikazanih figura i objekata primjenom konvencionalnih tehnika; stilizacija je posebno karakteristična za ornament, gdje predmet slike pretvara u motiv uzorka.

Stil - 1) zajedništvo idejnih i umjetničkih osobina umjetničkih djela određenog doba. Pojava i promjena stilova određena je tokom istorijskog razvoja društva (na primjer, klasicizam, barok, itd.); 2) nacionalne karakteristike umetnosti (kineski, maurski stil itd.). Također govore o stilu grupe umjetnika ili jednog umjetnika, ako se njihov rad odlikuje svijetlim individualnim karakteristikama.

Suva četka - u slikarstvu i grafici pomoćna tehnička tehnika koja se sastoji od rada tvrdim četkicama koje su slabo zasićene bojom. Kao samostalna tehnika, suho četkanje se koristi uglavnom u dekorativnoj umjetnosti.

Sfumato - u slikarstvu i grafici pojam koji se vezuje za slikarstvo italijanske renesanse počevši od Leonarda da Vincija i označava mekoću izvedbe, neuhvatljivost obrisa predmeta kao rezultat određenog umjetničkog pristupa.

Parcela - 1) određeni događaj ili pojava prikazana na slici. Ista tema može se istražiti u mnogim pričama; 2) ponekad se pod radnjom podrazumijeva bilo koji predmet žive prirode ili objektivni svijet koji se uzima za prikaz. Često radnja zamjenjuje koncept motiva koji leži u osnovi djela (posebno pejzaža).

Kreativni proces (kreativnost) - proces stvaranja umjetničkog djela, počevši od nastanka imaginativnog koncepta do njegove implementacije, proces prevođenja zapažanja stvarnosti u umjetničku sliku. U slikarstvu kreativnost leži u stvaranju djela u direktno pouzdanim vidljivim oblicima.

Predmet - krug pojava koje je umjetnik odabrao da prikaže i otkrije ideju djela.

Tempera boje - ljepljive boje na bazi vode pripremljene od suhih prahova pomiješanih sa žumanjkom razrijeđenim vodom za ljepilo. Trenutno se proizvode i polutečne boje, zatvorene u tube i pripremljene od žumanca, cijelog jajeta ili emulzije biljnog ulja sa jajetom i ljepilom. Tempera bojama možete slikati gusto, poput uljanih boja, a tanko, poput akvarela, razrjeđujući ih vodom. Suše se sporije od gvaša. Nedostatak je razlika u nijansama mokre i osušene boje. Slike slikane tempera bojama imaju mat površinu, pa se ponekad premazuju posebnim lakom koji otklanja tu tupost.

Shadow - element chiaroscura, najslabije osvijetljena područja u prirodi i na slici. Pravi se razlika između prirodnih i padajućih senki. Pravilne sjene su one koje pripadaju samom objektu. Padajuće su senke koje telo baca na okolne objekte.

Tople i hladne boje . Tople boje se konvencionalno povezuju s bojom vatre, sunca, užarenih predmeta: crvena, crveno-narandžasta, žuto-zelena. Hladne boje povezuju se sa bojom vode, leda i drugih hladnih predmeta: zeleno-plava, plava, plavo-plava, plavo-ljubičasta. Ove kvalitete boje su relativne i zavise od lokacije druge boje u blizini. Ultramarin je, na primjer, hladan sam po sebi, ali će pored pruske plave biti topao, a crveni kraplak će djelovati hladnije od crvenog cinobera.

Izgled boja vidljive prirode uvijek sadrži i tople i hladne nijanse. Ova toplo-hladna nijansa bazirana je prvenstveno na prirodnim kontrastima boja u svjetlu i sjeni. U prirodi se često dešava da su boje predmeta hladne, a njihove sjene tople, i obrnuto. Fenomen hladnoće olakšava i takozvana kontrastna vizualna percepcija boja: od prisustva tople boje u opaženoj prirodi, na mrežnjači očiju pojavljuje se utisak hladne boje, iako to nije slučaj. u prirodi. Toplina i hladnoća u slikarstvu prirodna je pojava i sastavni kvalitet slikovnog prikaza skice prirode ili slike.

Tehnika - u oblasti umjetnosti: skup posebnih vještina i tehnika kojima se umjetničko djelo izvodi. Koncept "tehnike" u užem smislu riječi obično odgovara direktnom, neposrednom rezultatu umjetnikovog rada s posebnim materijalom i alatom, sposobnosti korištenja umjetničkih mogućnosti ovog materijala; u širem smislu, ovaj koncept obuhvata i odgovarajuće elemente slikovne prirode – prenošenje materijalnosti predmeta, vajanje trodimenzionalne forme, modeliranje prostornih odnosa itd. Bez izuzetka, sva tehnička sredstva moraju voditi do poznatog, barem skromnog, umjetničkog rezultata.

Tehnička likovna sredstva ne ostaju neutralna u odnosu na sadržaj. Glavne karakteristike realističke tehnike određene su prvenstveno njenom podređenošću idejnoj i figurativnoj strukturi djela.

Ttehnika slikanja - vidi ulje na platnu, akvarel, gvaš, temperu, ljepilo, pastel, enkaustika, freska, mozaik.

Ton (bez pratnje riječi "boja") - u terminologiji umjetnika, to je ekvivalentno konceptu lakoće boje (boje). Bilo koja hromatska ili ahromatska boja može imati različitu svetlost. Može se reći o tonu unutar jedne boje, kao što je crvena, “svijetli ton crvene boje” ili “tamni ton boje”. Ponekad se termin „ton“ koristi u odnosu na boju, na primjer „zlatni ton panela“, „smeđi ton slike“. Umjetnici često koriste izraz "svjetlina" ili "otvor blende" boje umjesto izraza "ton" boje.

Ključ - pojam koji označava vanjske karakteristike boje ili svjetla i sjene u slikarskim i grafičkim djelima. Češće se koristi u odnosu na boju i poklapa se s pojmom „raspon boja“.

Tonska i skala boja slike . Prijenos tonskih i kolorističkih odnosa proporcionalnih prirodi može se izvesti u različitim rasponima svjetline i zasićenosti boja u paleti. Ovo zavisi od opšteg stanja intenziteta osvetljenja prirode i od njene udaljenosti od slikara.Da bi to stanje preneo, umetnik pre svakog rada iz prirode najpre sazna kakva je svetlost i jačina boje svetlost i svetle tačke. prirode će biti na skici. Umjetnik može uzeti najsvjetlije i najzasićenije boje u prirodi u skici ili u punoj snazi svjetlosti i svijetle boje palete, ili samo polovina njihovih mogućnosti. Na taj način se održava tonska i skala boja slike, u kojoj se odražavaju tonski i koloristički odnosi objekata u punoj postavci.

Tonska slika - slika s različitim tonskim prijelazima iz svjetla u sjenu, odnosno s područjima koja imaju različite jačine tonova. Tipičan primjer tonske slike je fotografija, ulje ili akvarel crtež u jednoj boji (grisaille), kao i crtež olovkom napravljen senčenjem.

Tonski odnosi . Prepoznavanje trodimenzionalnog oblika objekata i njihovog materijala događa se u našoj svijesti na osnovu vizualne percepcije njihovih svjetlosnih odnosa. Stoga umjetnik mora reproducirati svjetlosne odnose crteža metodom sličnosti. Gradacijama svjetlosti i sjene na volumetrijskoj formi i prenošenjem tonskih odnosa proporcionalnih prirodi između kolorita (materijala) objekata, umjetnik postiže istinsko volumetrijsko modeliranje forme, izraza materijalnosti, prostorne dubine i stanja osvijetljenosti (tonalne crtanje, slikanje tehnikom grisaille).

Tekstura - karakteristične osobine površine predmeta izrađenih od različitih materijala, kako u naturi, tako i na slici (reljef crtanog sloja boje). Tekstura može biti glatka, gruba, reljefna. Tekstura slova umnogome zavisi od svojstava živopisnog materijala, od karakteristika prirodnog objekta koji umetnik prikazuje, kao i od zadatka i materijala izvođenja. U akvarelu tekstura u velikoj mjeri ovisi o površini papira. Individualni rukopis umjetnika otkriva se u teksturi slova.

Fas (puno lice) - prednja strana, pogled sprijeda. Ovaj izraz označava da je model (glava ili predmet osobe) postavljen frontalno, paralelno sa ravninom slike.

Pozadina - bilo koji medij ili ravan koji se nalazi iza objekta slike.

Forma - 1) izgled, obris; pretpostavlja prisustvo volumena, strukture, proporcija; 2) u likovnoj umjetnosti umjetnička forma je umjetničko sredstvo kojim se stvara slika i otkriva sadržaj (vidi sadržaj i forma).

Formalizam - generalna oznaka za brojne*>1X antirealističke škole i trendove u likovnoj umjetnosti: kubizam, futurizam, konstruktivizam, nadrealizam, suprematizam, purizam, dadaizam, apstraktna umjetnost, pop art itd. Svi ovi tipovi formalizma su zasnovani na neprirodno odvajanje umjetničke forme od sadržaja, na priznavanju nezavisnosti i nezavisnosti forme, pogrešno tvrdeći da stvara umjetnička djela kroz različite kombinacije „čistih“ linija ili boja. Formalistička slika grubo iskrivljuje stvarnost, gubi sposobnost vizualnog razumijevanja svijeta, a ponekad se pretvara u besmislene, šarlatanske eksperimente.

Format - oblik ravni na kojoj je slika napravljena. Određuje se općim obrisima prirode, omjerom visine i širine. Izbor formata zavisi od sadržaja i odgovara kompoziciji slike. Za figurativnu strukturu, format je neophodan.

Freska - najvažnija tehnička vrsta monumentalnog slikarstva, u kojoj se koristi kreč kao glavno vezivo.

Boja u slikarstvu. Boja je općenito svojstvo predmeta da izazivaju određeni vizualni osjećaj u skladu sa spektralnim sastavom reflektiranih zraka. U svakodnevnom životu svakom predmetu ili predmetu je dodijeljena određena boja. Ova boja se naziva predmetna ili lokalna (trava je zelena, nebo plavo, morska voda je plava itd.). Slikari početnici, po pravilu, imaju dominantnu viziju boje, što dovodi do amaterskog kolorita. U slikovnom smislu, moguće je ispravno prikazati objekt samo ako se ne prenese boja objekta, već boja promijenjena svjetlom i okolinom. Boja objekta se mijenja kako se intenzitet svjetlosti povećava i smanjuje. Takođe varira u zavisnosti od spektralnog sastava osvetljenja. Okruženje u kojem se predmet nalazi također reflektira zrake boja koje, kada udare u površinu drugih predmeta, na njima formiraju refleksije boja. Boja se također mijenja zbog interakcije kontrasta. Dakle, boja predmeta je uvijek mozaik sastavljen od kolorističkih i svjetlosnih mrlja (refleksi i naglasci), a u ovom slučaju se naziva ne objektivnim, već uslovnim. Ova boja je jedno od glavnih vizuelnih sredstava realističkog slikarstva.

Općenito je prihvaćeno da boja sama po sebi može djelovati na osobu. Ponekad misle da su mračni i svijetle nijanse stvoriti veselo raspoloženje; siva i crna izazivaju osjećaj malodušnosti, itd. Istraživanja i eksperimenti se provode u psihologiji na ovu temu, ali određeni obrasci po ovom pitanju još uvijek nisu identificirani. Slikar ne koristi gornje vrijednosti boja. On nema opšte pravilo za emocionalni uticaj boje u „različitim prilikama“. Apsolutno nije potrebno slikati sliku u tamnim ili oštrim bojama ako je njena tema tragična ili tužna, a za radosne subjekte svijetla boja nije potrebna. Na primjer, radnje Surikovljevih slika "Menšikov u Berezovu" i "Bojarina Morozova" posvećene su tragičnoj sudbini ljudi snažne volje i uvjerenja. Kolorom prve slike dominiraju tamni tonovi. Druga slika zasnovana je na bogatim kombinacijama boja plenerskog slikanja zimskog pejzaža, svijetle odjeće gomile i svečanog kolorita „tepiha“. Priroda prirodnog subjekta i stanje osvijetljenosti odredili su kolorit ovih radova. Dakle, boja slike je stvorena sistemom odnosa boja koji za cilj imaju oslikavanje stvarnih životnih uslova i postavki. Boja je sredstvo za oslikavanje trodimenzionalne forme predmeta, njegove materijalnosti, prostornih kvaliteta, kolorističkog stanja osvijetljenosti prirode, i samo time otkrivajući semantički sadržaj slike ima potreban emocionalni utjecaj.

Jedinstvo boja i afinitet boja. Boja rasvjete, njen spektralni sastav, shodno tome utječe na različite boje predmeta i predmeta prirode, podređujući ih određenom rasponu. Rezultat je kolorističko jedinstvo boja. Istinit odraz ovih kvaliteta čini skicu iz života posebno istinitom i skladnom u slikarskom smislu.

Odnosi boja - razlike u prirodnim bojama prema nijansi (nijansi), svjetlini i zasićenosti. U prirodi se boja uvijek percipira u odnosu na boje oko nje, sa kojima je u strogoj interakciji i zavisnosti. Stoga, odnose boja na skici treba prenijeti proporcionalno odnosima boja u prirodi. To je zakon kolorističkog prijenosa boja vidljive prirode na raspon boja palete, određen je psihofiziologijom naše vizualne percepcije i mišljenja.

Integritet slike - rezultat rada iz prirode metodom odnosa (upoređivanja) sa holističkom vizijom prirode, čime se umjetnik oslobađa takvih nedostataka crteža ili skice kao što su fragmentacija i šarenilo.

Integritet percepcije - sposobnost umjetnika da vidi objekte iz prirode u isto vrijeme, sve odjednom. Samo kao rezultat integralne vizualne percepcije moguće je pravilno odrediti proporcije objekata, tonske i kolorističke odnose i postići cjelovitost slike u punoj produkciji. Integritet percepcije leži u profesionalnoj sposobnosti gledanja i „pozicioniranju oka“ umetnika.

Postoji niz savjeta o tome kako praktično percipirati prirodu kao cjelinu: 1) u trenutku posmatranja, prilikom određivanja odnosa boja, žmirite ili „otvorite“ oči na cijelu prirodu, 2) P. P. Čistjakov savjetuje „mentalno u ispred vas, takoreći, ravno staklo, daje odnose”, 3) R. Falk, za integritet vizije, preporučio je da se u komadu kartona iseče pravougaona rupa (2X1 cm) i gleda u prirodu u ravni. ovog prozora (oko dobija holističku slikovnu strukturu osnovnih odnosa boja prirode, sličnu mozaiku od dragog kamenja); 4) prirodu takođe možete sagledati holistički i razumeti njene odnose boja koristeći „crno ogledalo“ (ako jednu stranu prozirnog stakla obojite crnom bojom, dobićete ogledalo u kojem na jakom suncu možete posmatrati pejzažne objekte u smanjena svjetlina.U takvom ogledalu, objekti se reflektiraju u jednoj ravni u smanjenom obliku, mogu se vidjeti svi u isto vrijeme.To će vam omogućiti da preciznije uhvatite ton i odnos boja prirode).

Eksterijer (za razliku od unutrašnjosti) - prikaz eksterijera zgrade.

Enkaustika - slikanje voskom je trenutno retko korišćena slikarska tehnika, zasnovana na upotrebi voska kao veziva. Najbolja metoda slikanja voskom u smislu rezultata i trajnosti je antička enkaustika. Njegove prednosti leže u izuzetnim kvalitetima posebno pripremljenog voska, koji je gotovo nepromijenjen od vremena ili vlage, nikada ne puca i zadržava nepromijenjenu boju.

Skica - pripremna skica skice ili slike. U procesu rada iz života, skice se koriste kao pomoćni materijal; Razvijaju opcije za kompozicije od lista papira ili platna. Skice se izrađuju kako u obliku brzih skica olovkom tako i u materijalu.

Etida - pomoćna slika ograničene veličine, napravljena od života radi njegovog pažljivog proučavanja. Kroz skicu umjetnik unapređuje svoje profesionalne vještine. Glavni cilj skiciranja uvijek ostaje istinito i živo oličenje slikovnog koncepta, stvaranje slike. U realističkoj umjetnosti skica uvijek igra sporednu ulogu.

Etida je rezultat precjenjivanja uloge skice, neminovno dovodi do osiromašenja ideološkog i figurativnog sadržaja. Općenito je prihvaćeno da je skiciranje generirano impresionizmom, koji slikarevu djelatnost ograničava na površni rad iz života, zamjenjujući skicu slikom.

Purkine efekat - promjena relativne svjetline boja kako se osvjetljenje povećava ili smanjuje. Na primjer, tokom dana relativna svjetlina crvene i žute izgleda jako, a u sumrak - zelena i plave boje. Ovdje se radi o tome da tokom dana, pri normalnom osvjetljenju, naše oko vidi kroz neke ćelije mrežnjače, takozvane čunjeve, a pri vrlo slabom svjetlu, kroz druge - štapiće. Češeri su osjetljiviji na žutu i crvenu, dok su štapići osjetljiviji na plavo-zelenu. Leonardo da Vinci je takođe primetio: „Zelena i plava pojačavaju svoje boje u delimičnoj hladovini, dok crvena i žuta dobijaju boju na najosvijetljenijim mestima.”

Slikarstvo je možda najstariji oblik umjetnosti. Čak iu primitivnom dobu, naši preci su pravili slike ljudi i životinja na zidovima pećina. Ovo su prvi primjeri slikarstva. Od tada je ova vrsta umjetnosti uvijek ostala pratilac ljudskog života. Primjeri slikarstva danas su brojni i raznoliki. Pokušat ćemo što više pokriti ovu vrstu umjetnosti, govoriti o glavnim žanrovima, stilovima, trendovima i tehnikama u njoj.

Tehnike slikanja

Pogledajmo prvo osnovne tehnike slikanja. Jedan od najčešćih je ulje. Ovo je tehnika koja koristi boje na bazi ulja. Ove boje se nanose u potezima. Uz njihovu pomoć možete stvoriti niz različitih nijansi, kao i prenijeti potrebne slike s maksimalnim realizmom.

Tempera- još jedna popularna tehnika. O tome govorimo kada se koriste emulzione boje. Vezivno sredstvo u ovim bojama je jaje ili voda.

Gvaš- tehnika koja se široko koristi u grafici. Gvaš boja je napravljena na ljepljivoj bazi. Može se koristiti za rad na kartonu, papiru, kosti ili svili. Slika je izdržljiva, a linije oštre. Pastel- Ovo je tehnika crtanja suvim olovkama, a površina treba da bude hrapava. I, naravno, vrijedno je spomenuti akvarele. Ova boja se obično razrjeđuje vodom. Ovom tehnikom dobija se mekan i tanak sloj boje. Posebno popularan Naravno, naveli smo samo glavne tehnike koje se najčešće koriste u slikanju. Ima i drugih.

Na čemu se obično slikaju slike? Najpopularnija slika je na platnu. Razvlači se na okvir ili lijepi na karton. Imajte na umu da su se u prošlosti drvene daske često koristile. Danas nije popularno samo slikanje na platnu; bilo koji drugi ravni materijali mogu se koristiti za stvaranje slika.

Vrste slikanja

Postoje 2 glavne vrste: štafelajno i monumentalno slikarstvo. Potonje se odnosi na arhitekturu. Ova vrsta uključuje farbanje stropova i zidova zgrada, njihovo ukrašavanje slikama od mozaika ili drugih materijala, vitražima itd. Štafelajno slikarstvo nije povezano sa određenom građevinom. Može se premještati s mjesta na mjesto. Postoji mnogo varijanti štafelajnog slikarstva (inače se naziva žanrovima). Pogledajmo ih detaljnije.

Žanrovi slikarstva

Reč "žanr" je francuskog porekla. Prevedeno je kao "rod", "vrsta". Odnosno, pod nazivom žanra postoji neka vrsta sadržaja, a izgovaranjem njegovog naziva razumijemo o čemu je slika, šta ćemo u njoj pronaći: ljudi, priroda, životinje, predmeti itd.

Portret

Najstariji žanr slikarstva je portret. Ovo je slika osobe koja liči samo na sebe i ni na koga više. Drugim riječima, portret je slika u slikarstvu individualnog izgleda, jer svako od nas ima individualno lice. Ovaj žanr slikarstva ima svoje varijante. Portret može biti u punoj dužini, do poprsja, ili može biti naslikano samo jedno lice. Napominjemo da nije svaka slika osobe portret, jer umjetnik može stvoriti, na primjer, "osobu općenito", a da je ne kopira od bilo koga drugog. Međutim, kada portretira određenog predstavnika ljudske rase, zatim radi posebno na portretu. Nepotrebno je reći da postoje brojni primjeri slikarstva u ovom žanru. Ali portret predstavljen u nastavku poznat je gotovo svakom stanovniku naše zemlje. Govorimo o slici A. S. Puškina, koju je 1827. stvorio Kiprenski.

Ovom žanru možete dodati i autoportret. U ovom slučaju umjetnik prikazuje samog sebe. Postoji portret pratioca kada slika prikazuje ljude u parovima; i grupni portret, kada je prikazana grupa ljudi. Može se primijetiti i svečani portret čija je vrsta konjička, jedna od najsvečanijih. Bio je veoma popularan u prošlosti, ali ovakvi radovi su sada retki. Međutim, sljedeći žanr o kojem ćemo govoriti je relevantan u svakom trenutku. o cemu pricamo? To se može naslutiti prolaskom kroz žanrove koje još nismo imenovali kada karakterišemo slikarstvo. Mrtva priroda je jedna od njih. To je ono o čemu ćemo sada pričati, nastavljajući da gledamo na slikarstvo.

Mrtva priroda

Ova riječ je također francuskog porijekla, znači "mrtva priroda", iako bi značenje bilo preciznije "neživa priroda". Mrtva priroda je slika neživih predmeta. Oni su veoma raznoliki. Napominjemo da mrtve prirode također mogu prikazivati „živu prirodu“: leptire tihe na laticama, prekrasno cvijeće, ptice, a ponekad možete vidjeti osobu među darovima prirode. Međutim, to će ipak biti mrtva priroda, jer slika živog bića nije najvažnija za umjetnika u ovom slučaju.

Scenery

Pejzaž je još jedna francuska riječ koja znači "pogled na zemlju". Slično je njemačkom konceptu "pejzaža". Pejzaž je slika prirode u njenoj raznolikosti. Ovom žanru se pridružuju sljedeće varijante: arhitektonski pejzaž i veoma popularni morski pejzaž koji se često naziva jednom riječju “marina”, a umjetnici koji u njemu rade nazivaju se marinisti. Brojni primjeri slikarstva u žanru morskog pejzaža mogu se naći u djelima I.K. Aivazovskog. Jedna od njih je "Duga" iz 1873. godine.

Ova slika je rađena u ulju i teško je izvesti. Ali stvaranje pejzaža u akvarelu nije nimalo teško, pa je u školskim časovima crtanja ovaj zadatak dobio svaki od nas.

Animalistički žanr

Sljedeći žanr je animalistički. Ovdje je sve jednostavno - ovo je slika ptica i životinja u prirodi, u njihovom prirodnom okruženju.

Svakodnevni žanr

Žanr svakodnevice je prikaz životnih prizora, svakodnevnice, smiješnih „incidenata“, kućnog života i priča običnih ljudi u običnom okruženju. Ili možete bez priča - samo snimite svakodnevne aktivnosti i poslove. Takve slike se ponekad nazivaju i žanrovskim slikarstvom. Kao primjer, uzmimo gore predstavljeno Van Goghovo djelo “The Potato Eaters” (1885).

Istorijski žanr

Teme slikarstva su različite, ali se istorijski žanr izdvaja zasebno. Ovo je prikaz istorijskih heroja i događaja. Žanr bitke je uz njega, predstavlja epizode rata i bitke.

Religijski i mitološki žanr

U mitološkom žanru, slikarska djela su napisana na teme drevnih i antičkih priča o bogovima i herojima. Treba napomenuti da je slika svjetovne prirode, te se po tome razlikuje od slika božanstava prikazanih na ikoni. Inače, religiozno slikarstvo se ne bavi samo ikonama. Objedinjuje razna djela napisana na vjerske teme.

Sukob žanrova

Što je žanr bogatiji, to se više pojavljuju njegovi „pratioci“. Žanrovi se mogu spajati, pa postoji slikarstvo koje se ne može staviti u okvire nijednog od njih. U umjetnosti postoji i općenito (tehnike, žanrovi, stilovi) i individualni (konkretno djelo uzeto zasebno). Zasebna slika takođe sadrži nešto zajedničko. Stoga mnogi umjetnici mogu imati isti žanr, ali slike naslikane u njemu nikada nisu slične. Kultura slikarstva ima takve karakteristike.

Stil

Stil je aspekt vizuelne percepcije slika. Može kombinovati radove jednog umjetnika ili djela umjetnika određenog perioda, pokreta, škole ili lokaliteta.

Akademsko slikarstvo i realizam

Akademsko slikarstvo je poseban pravac čije je formiranje povezano sa aktivnostima evropskih umjetničkih akademija. Pojavio se u 16. veku na Bolonjskoj akademiji, sa koje su ljudi nastojali da oponašaju majstore renesanse. Od 16. vijeka metode podučavanja slikarstva počele su da se zasnivaju na strogom pridržavanju pravila i propisa, slijedeći formalne obrasce. umjetnost u Parizu smatrana je jednom od najutjecajnijih u Evropi. Promovirala je estetiku klasicizma koji je dominirao Francuskom u 17. vijeku. Pariska akademija? Doprinoseći sistematizaciji obrazovanja, postepeno je pravila klasičnog pravca pretvorila u dogmu. Tako je akademsko slikarstvo postalo poseban pravac. U 19. veku, neke od najistaknutijih manifestacija akademizma bila su dela J. L. Jeromea, Alexandrea Cabannela i J. Ingresa. Klasične kanone zamijenili su realistički tek na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. Realizam je postao osnovni metod nastave na akademijama početkom 20. veka i pretvorio se u dogmatski sistem.

Barok

Barok je stil i doba umjetnosti koju karakteriziraju aristokracija, kontrast, dinamične slike, jednostavni detalji u oslikavanju obilja, napetosti, drame, luksuza, spoja stvarnosti i iluzije. Ovaj stil se pojavio u Italiji 1600. godine i proširio se širom Evrope. Caravaggio i Rubens su njeni najistaknutiji predstavnici. Barok se često uspoređuje sa ekspresionizmom, međutim, za razliku od potonjeg, nema previše odbojnih efekata. Slike ovog stila danas se odlikuju složenošću linija i obiljem ukrasa.

kubizam

Kubizam je avangardni umjetnički pokret koji se pojavio u 20. stoljeću. Njegov tvorac je Pablo Picasso. Kubizam je napravio pravu revoluciju u skulpturi i slikarstvu u Evropi, inspirišući stvaranje sličnih pokreta u arhitekturi, književnosti i muzici. Umjetničko slikarstvo u ovom stilu karakteriziraju rekombinovani, slomljeni predmeti koji imaju apstraktnu formu. Prilikom njihovog prikazivanja koriste se mnoge tačke gledišta.

Ekspresionizam

Ekspresionizam je još jedan važan pokret moderne umetnosti koji se pojavio u Nemačkoj u prvoj polovini 20. veka. U početku je pokrivao samo poeziju i slikarstvo, a potom se proširio i na druga područja umjetnosti.

Ekspresionisti prikazuju svijet subjektivno, iskrivljujući stvarnost kako bi stvorili veći emocionalni efekat. Njihov cilj je da nateraju gledaoca na razmišljanje. Izraz u ekspresionizmu prevladava nad slikom. Može se primijetiti da mnoga djela karakteriziraju motivi muke, bola, patnje, vriska (rad Edvarda Muncha, predstavljen gore, zove se „Vrisak“). Ekspresionistički umjetnici uopće nisu zainteresirani za materijalnu stvarnost, njihove slike su ispunjene dubokim značenjem i emocionalnim iskustvima.

Impresionizam

Impresionizam je stil slikarstva koji prvenstveno ima za cilj rad na pleneru (open airu), a ne u ateljeu. Svoje ime duguje slici “Utisak, izlazak sunca” Claudea Moneta, koja je prikazana na fotografiji ispod.

Riječ "utisak" na engleski jezik- utisak. Impresionističke slike prvenstveno prenose umjetnikov osjećaj svjetlosti. Glavne karakteristike slikarstva u ovom stilu su: jedva vidljivi, tanki potezi; promjene u osvjetljenju, precizno prenesene (pažnja je često usmjerena na efekat protoka vremena); otvorena kompozicija; jednostavan zajednički cilj; pokret kao ključni element ljudskog iskustva i percepcije. Najviše istaknutih predstavnika takav pravac kao što je impresionizam su Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernizam

Sljedeći pravac je modernizam, koji je nastao kao skup pravaca u različitim oblastima umjetnosti krajem 19. i početkom 20. stoljeća. Pariški "Salon odbačenih" otvoren je 1863. godine. Ovdje su izlagali umjetnici čije slike nisu puštene u službeni salon. Ovaj datum se može smatrati datumom nastanka modernizma kao zasebnog pokreta u umjetnosti. Inače, modernizam se ponekad naziva „drugom umjetnošću“. Njegov cilj je stvaranje jedinstvenih slika, za razliku od drugih. Glavna karakteristika radova je autorova posebna vizija svijeta.

Umjetnici su se u svom radu pobunili protiv vrijednosti realizma. Samosvijest je upečatljiva karakteristika ovog smjera. To često dovodi do eksperimentiranja s formom, kao i sklonosti ka apstrakciji. Predstavnici modernizma posebnu pažnju poklanjaju korištenim materijalima i procesu rada. Neki od njenih najistaknutijih predstavnika smatraju se Henry Matisse (gore je predstavljeno njegovo djelo “Crvena soba” iz 1908.) i Pablo Picasso.

Neoklasicizam

Neoklasicizam je bio glavni pravac slikarstva u severnoj Evropi od sredine 18. veka do kraja 19. veka. Karakteriše ga povratak posebnostima antičke renesanse pa čak i iz vremena klasicizma. U arhitektonskom, umjetničkom i kulturnom smislu, neoklasicizam je nastao kao odgovor na rokoko, koji se doživljavao kao plitak i pretenciozan stil umjetnosti. Neoklasični umjetnici su, zahvaljujući dobrom poznavanju crkvenih zakona, nastojali da u svoja djela uvedu kanone. Međutim, izbjegavali su jednostavno reproduciranje klasičnih motiva i tema. Neoklasični umjetnici su svoje slike nastojali smjestiti u okvire tradicije i na taj način pokazati svoje majstorstvo u žanru. Neoklasicizam je u tom pogledu direktno suprotstavljen modernizmu, gdje se improvizacija i samoizražavanje smatraju vrlinama. Njegovi najpoznatiji predstavnici su Nicolas Poussin i Raphael.

Pop Art

Posljednji smjer koji ćemo razmotriti je pop art. U Britaniji se pojavio sredinom 50-ih godina prošlog vijeka, a kasnih 50-ih u Americi. Vjeruje se da je pop art nastao kao reakcija na ideje apstraktnog ekspresionizma koje su bile dominantne u to vrijeme. Govoreći o ovom pravcu, nemoguće je ne spomenuti. Godine 2009., “Osam Elvisa”, jedna od njegovih slika, prodata je za 100 miliona dolara.