ภาพวาดของคลินท์ Gustav Klimt แกลเลอรีภาพวาดและวิดีโอมากมาย

ชีวประวัติ
Gustav Klimt (2405-2461) - ศิลปินผู้ก่อตั้งความสมัยใหม่ในการวาดภาพออสเตรีย หนึ่งในศิลปินที่มีความซับซ้อนมากที่สุดแห่งยุคอาร์ตนูโว ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ภาพวาดที่เร้าอารมณ์อย่างเปิดเผยของเขาสร้างความตกตะลึงแก่สาธารณชนชาวเวียนนาผู้งดงาม บางคนมองว่า Klimt เป็นอัจฉริยะ ส่วนบางคนมองว่าเป็น "คนเสื่อมทราม"

เขาเกิดที่ย่าน Baumgarten ชานเมืองเวียนนาเมื่อวันที่ 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2405 ในครอบครัวของช่างแกะสลักและช่างอัญมณี Ernest Klimt เขาศึกษากับพ่อของเขาและในปี พ.ศ. 2418-2426 ที่โรงเรียนหัตถกรรมที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะและอุตสาหกรรมแห่งเวียนนาแห่งออสเตรียซึ่งเออร์เนสต์น้องชายของเขาก็เข้าเรียนในปี พ.ศ. 2420 ด้วย

พ.ศ. 2422-2428 - กุสตาฟกับน้องชายของเขาและศิลปินหนุ่ม Franz Match ทำงานตกแต่งโรงละครของจังหวัดออสเตรีย - ฮังการี (ใน Reichenberg, Fiume และ Carlsbad - Karlovy Vary) และเพดานของพระราชวังเวียนนาด้วยภาพวาดตกแต่งและมีอยู่แล้ว พ.ศ. 2423 (ค.ศ. 1880) - ได้รับคำสั่งจริงจังครั้งแรก - "สี่สัญลักษณ์เปรียบเทียบ"

พ.ศ. 2428-2429 - ตกแต่งอาคารเวียนนาของ Burgtheater และพิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches
ในช่วงเวลาของการทำงานร่วมกันนี้ สไตล์ของ Klimt เริ่มแตกต่างจากของพี่ชายและ Match และย้ายออกไปจากรูปแบบการวาดภาพเชิงวิชาการ

เมื่อเสร็จสิ้นการทำงานที่ Burgtheater จักรพรรดิ Franz Joseph ทรงมอบรางวัล Klimt the Golden Cross จากการให้บริการด้านศิลปะ

พ.ศ. 2429 (ค.ศ. 1886) คลิมท์สร้างแผ่นผนังสำหรับหอประชุมใหญ่ของมหาวิทยาลัยเวียนนาพร้อมภาพเชิงเปรียบเทียบของคณะนิติศาสตร์ ปรัชญา และแพทยศาสตร์ทั้งสามคณะ ผืนผ้าใบจะถูกปฏิเสธเนื่องจาก "อารมณ์ทางเพศที่เร้าใจ": สุภาพสตรีของ Klimt ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของปรัชญาและสาขาวิชาอื่น ๆ ดูเหมือนลูกค้าจะน่ารักเกินไปและไม่สอดคล้องกับจิตวิญญาณของวิทยาศาสตร์ที่เข้มงวด

พ.ศ. 2434 (ค.ศ. 1891) - คลิมต์เข้าเป็นสมาชิกของสหภาพวิจิตรศิลป์

พ.ศ. 2437 (ค.ศ. 1894) - Klimt ร่วมกับ Franz Matsch ได้รับคำสั่งให้ตกแต่ง "Aula Magna" ที่มหาวิทยาลัยเวียนนา

Klimt ถูกดึงเข้าสู่องค์ประกอบของความทันสมัยมากขึ้นเรื่อย ๆ และด้วยเหตุนี้จึงขัดแย้งกับประเพณีทางวิชาการจึงกลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง "การแยกตัว" ของเวียนนาซึ่งเป็นอิสระจาก Academy of Arts (เยอรมัน: Sezession - "falling away", " แยก") เขาแยกทางกับแวดวงสร้างสรรค์อย่างเป็นทางการตลอดกาล และเป็นผู้นำชุมชนจิตรกรแห่งนวัตกรรมแห่งใหม่ทันที ในปีเดียวกันนั้น ในฤดูร้อน ในเมือง Kammer บน Attersee เขาได้วาดภาพทิวทัศน์เป็นครั้งแรก

พ.ศ. 2441 (ค.ศ. 1898) – ก่อตั้งหนังสือพิมพ์ Sacrum ซึ่งเป็นอวัยวะสาธารณะของการแยกตัว และมีการจัดนิทรรศการครั้งแรกของสมาชิก ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Klimt พัฒนาขึ้นในฐานะนักแสดงออก ผลงานของเขามีความโดดเด่นด้วยการพรรณนารูปแบบที่สวยงามซึ่งเต็มไปด้วยกระเบื้องโมเสก

พ.ศ. 2444-2445 - สำหรับอาคารนิทรรศการของ Secession Klimt ได้สร้าง "Beethoven Frieze" ซึ่งรวบรวมธีมของ Ninth Symphony

พ.ศ. 2446 (คลิมท์) เดินทางผ่านอิตาลี (ราเวนนา เวนิส ฟลอเรนซ์) โมเสกไบเซนไทน์อันหรูหราที่เห็นได้ที่นี่ทำให้จินตนาการของปรมาจารย์ต้องตะลึง ตั้งแต่นั้นมา ความสามารถในการถ่ายทอดวัตถุจริงผ่านการใช้ลวดลายตกแต่งกลายเป็นจุดเด่นของเขา “ยุคทอง” ของเขาเริ่มต้นขึ้น ด้วยความคิดริเริ่มของเขา "Vienna Workshops" ถูกสร้างขึ้นซึ่งมีบทบาทสำคัญในการปรับปรุงรูปแบบการออกแบบของออสเตรียใหม่ ในปีเดียวกันนั้น มีการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของ Gustav Klimt ที่ Secession

พ.ศ. 2447 (ค.ศ. 1904) คลิมท์เขียนภาพร่างภาพโมเสกติดผนังของพระราชวัง Stoclet ในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่งแล้วเสร็จในเวิร์กช็อปเวียนนาของศิลปิน

พ.ศ. 2448 (ค.ศ. 1905) - แผ่นคอนกรีต “Aula Magna” ที่สร้างขึ้นที่มหาวิทยาลัยเวียนนาซื้อจากหอศิลป์ออสเตรีย

หลังจากออกจากการแยกตัวในปี พ.ศ. 2449 เขาได้ก่อตั้งสหภาพศิลปินออสเตรียขึ้นใหม่โดยสนับสนุน O. Kokoschka และ E. Schiele ที่ยังไม่ค่อยมีใครรู้จักในนิทรรศการ
พ.ศ. 2452-2454 - ทำงานบนจิตรกรรมฝาผนังในพระราชวัง Stoclet

พ.ศ. 2460 (ค.ศ. 1917) - เริ่มทำงานเรื่อง The Bride และ Adam and Eve ในเวลานี้เท่านั้นที่เขาได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการโดยกลายเป็นศาสตราจารย์กิตติมศักดิ์ของสถาบันเวียนนาและมิวนิก
6 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2461 คลิมท์เสียชีวิตด้วยโรคหลอดเลือดสมองในกรุงเวียนนา ทิ้งงานที่ยังสร้างไม่เสร็จไว้จำนวนมาก

Klimt ลงไปในประวัติศาสตร์ โดยหลักๆ ด้วยภาพวาดผู้หญิงที่แสดงออกอย่างโดดเด่น (E. Flöge, 1902, A. Bloch-Bauer, 1907) และภาพวาดเชิงสัญลักษณ์ที่เต็มไปด้วยอารมณ์ทางเพศที่ "ถึงแก่ชีวิต" ที่น่าทึ่ง (“Judith 1”, 1901; “The จูบ”, 1907-1908, “Salome”, 1901; “Danae”, 1907) เขาปรับปรุงละครเรื่อง "Dionysian" นี้ด้วยพื้นหลังสีทองจากนั้นก็มีรูปแบบสีขนาดใหญ่จากองค์ประกอบที่กะพริบซึ่งราวกับว่าร่างที่หลอมละลายจากพื้นก็ถือกำเนิดขึ้น

กุสตาฟ คลิมท์. สัญลักษณ์การแยกตัวออกและหญิงร้าย

พัลลัส อาเธน่า. พ.ศ. 2441

ที่นี่ Klimt ใช้ทองคำเป็นครั้งแรก การตกแต่งที่เย้ายวนเน้นย้ำองค์ประกอบที่สำคัญของแนวคิดเกี่ยวกับโลกของเขา

“ เราต้องการประกาศสงครามกับกิจวัตรที่ปลอดเชื้อ, ลัทธิไบแซนไทน์ที่ไม่เคลื่อนไหว, รสนิยมที่ไม่ดีทุกประเภท... “ การแยกตัวออก” ของเราไม่ใช่การต่อสู้ของศิลปินสมัยใหม่กับปรมาจารย์ผู้เฒ่า แต่เป็นการต่อสู้เพื่อความสำเร็จของศิลปินไม่ใช่เจ้าของร้านที่เรียกร้อง ตัวเองเป็นศิลปิน แต่ในขณะเดียวกันผลประโยชน์ทางการค้าของพวกเขาก็ขัดขวางความเจริญรุ่งเรืองของงานศิลปะ” คำประกาศนี้โดย Hermann Bahr นักเขียนบทละครและนักวิจารณ์ละคร ซึ่งเป็นบิดาฝ่ายจิตวิญญาณของกลุ่มแบ่งแยกดินแดน สามารถใช้เป็นคติประจำใจในการก่อตั้ง Vienna Secession ในปี พ.ศ. 2440 ซึ่ง Klimt เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง ประธาน (จนถึงปี 1905) และผู้นำทางจิตวิญญาณ .

ศิลปินรุ่นเยาว์ไม่ต้องการยอมรับการปกครองที่นักวิชาการกำหนดอีกต่อไป พวกเขาเรียกร้องให้จัดแสดงผลงานของพวกเขาในสถานที่ที่เหมาะสม ปราศจาก "กลไกตลาด" พวกเขาต้องการยุติความโดดเดี่ยวทางวัฒนธรรมของเวียนนา เชิญศิลปินจากต่างประเทศมาที่เมือง และทำให้ผลงานของสมาชิก Secession เป็นที่รู้จักในประเทศอื่นๆ โครงการแบ่งแยกดินแดนมีความสำคัญไม่เพียงแต่ในบริบทของ "สุนทรีย์" เท่านั้น แต่ยังเป็นการต่อสู้เพื่อ "สิทธิในการสร้างสรรค์" สำหรับงานศิลปะด้วยเช่นกัน มันเป็นพื้นฐานของการต่อสู้ระหว่าง "ศิลปะที่ยิ่งใหญ่" และ "ประเภทรอง" ระหว่าง "ศิลปะสำหรับคนรวย" และ "ศิลปะสำหรับคนจน" กล่าวโดยย่อคือระหว่าง "วีนัส" และ "นินี"

“การแยกตัวของเวียนนา” มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาและการเผยแพร่สไตล์อาร์ตนูโวในฐานะพลังต่อต้านนักวิชาการอย่างเป็นทางการและอนุรักษ์นิยมชนชั้นกลาง การก่อจลาจลของเยาวชนเพื่อค้นหาการปลดปล่อยจากข้อจำกัดที่กำหนดต่อศิลปะโดยนักอนุรักษ์นิยมทางสังคม การเมือง และสุนทรียศาสตร์ อาจพัฒนาไปพร้อมกับความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนและไปสิ้นสุดในโครงการยูโทเปีย: แนวคิดในการเปลี่ยนแปลงสังคมผ่านงานศิลปะ

สมาคมศิลปะ "Vienna Secession" เริ่มตีพิมพ์นิตยสารของตัวเอง "Ver Sacrum" ("Sacred Spring") ซึ่ง Klimt ร่วมงานเป็นประจำเป็นเวลาสองปี หลังจากความสำเร็จของการเคลื่อนไหวและการจัดนิทรรศการในประเทศอื่น ๆ โครงการสร้างอาคารนิทรรศการของ Secession ก็กลายเป็นความจริง Klimt นำเสนอภาพวาดของเขาสำหรับโปรเจ็กต์ในสไตล์กรีก-โรมัน แต่กลับชอบ (และตระหนักได้ในที่สุด) โปรเจ็กต์ "วังแห่งศิลปะ" ที่พัฒนาโดย Joseph Maria Olbrich แนวคิดของเขาคือการผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิตตั้งแต่ลูกบาศก์จนถึงทรงกลม คำพูดอันโด่งดังของนักวิจารณ์ศิลปะ ลุดวิก เฮเวซี วางอยู่บนหน้าจั่ว: "เวลาคืองานศิลปะของคุณ ศิลปะคืออิสรภาพของคุณ”

การเปิดอาคารนิทรรศการ Vienna Secession ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2441 ถือเป็นการรอคอยอย่างใจจดใจจ่อ ที่นี่ Klimt นำเสนอองค์ประกอบ "เธซีอุสและมิโนทอร์" ซึ่งเต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์มากมาย ใบมะเดื่อหายไปโดยเจตนา และศิลปินถูกบังคับให้เอาใจความสุภาพเรียบร้อยของเซ็นเซอร์ด้วยการวาดภาพต้นไม้ เธเซอุสที่เปลือยเปล่าเกือบทั้งหมดเป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้เพื่อสิ่งใหม่ทางศิลปะ เขาอยู่ด้านที่สว่างไสว ในขณะที่มิโนทอร์ถูกแทงด้วยดาบของเธซีอุสและถอยกลับไปในเงามืดอย่างขี้อาย แสดงถึงพลังที่แตกสลาย เอเธน่าซึ่งโผล่ออกมาจากศีรษะของซุส คอยเฝ้าดูฉากนั้นเสมือนเป็นศูนย์รวมของวิญญาณที่เกิดจากจิตใจ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของภูมิปัญญาอันศักดิ์สิทธิ์

ชูเบิร์ตที่เปียโน พ.ศ. 2442

ผลงาน "สันติ" ของ Klimt ได้รับการชื่นชมในกรุงเวียนนา และเขาสร้างความพึงพอใจให้กับสาธารณชนด้วยการแสดงภาพนักแต่งเพลงคนโปรดของชนชั้นกลางที่มีอารมณ์อ่อนไหว

ไม่มีงานศิลปะใดที่ไม่ได้รับการอุปถัมภ์ และผู้อุปถัมภ์การแยกตัวออกส่วนใหญ่พบในหมู่ครอบครัวชาวยิวของชนชั้นกระฎุมพีเวียนนา: คาร์ล วิตเกนสไตน์ เจ้าสัวเหล็ก ฟริตซ์ เวิร์นดอร์เฟอร์ เจ้าสัวสิ่งทอ ตลอดจนตระกูล Knieps และ Lederer ที่สนับสนุนอย่างแม่นยำ ศิลปะสมัยใหม่. พวกเขาทั้งหมดเป็นหนึ่งในผู้ที่รับหน้าที่วาดภาพจาก Klimt และเขาเชี่ยวชาญด้านภาพเหมือนของภรรยาของพวกเขา

ภาพเหมือนของ Sonya Knips พ.ศ. 2441

ภาพหญิงสาวจากสังคมแสดงถึงความเฉยเมยและความห่างเหินของหญิงสาวที่เสียชีวิตทุกคนนับจากนี้เป็นต้นไป

ภาพเหมือนของ Sonya Knips เป็นภาพแรกใน "แกลเลอรีภรรยา" นี้ ครอบครัว Knieps มีส่วนร่วมในอุตสาหกรรมโลหะวิทยาและการธนาคาร Josef Hofmann ออกแบบบ้านของพวกเขา และ Klimt ได้วาดภาพเขียนจำนวนหนึ่ง รวมถึงในปี พ.ศ. 2441 ภาพเหมือนของ Sonja ตรงกลางห้องนั่งเล่น ภาพบุคคลผสมผสานหลายสไตล์ เป็นที่ทราบกันดีว่า Klimt ชื่นชมคำอติพจน์ของ Makart และท่าทางของ Sonia Knieps บ่งบอกถึงอิทธิพลของผู้สร้างภาพเหมือนของนักแสดง Burgtheater ผู้โด่งดัง Charlotte Voltaire ในรูปของ Messalina ซึ่งแสดงออกมาเช่นในตำแหน่งที่ไม่สมมาตรของ รูปร่างและการเน้นของภาพเงา ในทางกลับกัน การตีความเครื่องแต่งกายซึ่งไม่ปกติสำหรับ Klimt เลยนั้นชวนให้นึกถึงกรงแสงของวิสต์เลอร์ การแสดงออกอย่างภาคภูมิใจและสงวนท่าทีที่ Klimt มอบให้กับผู้หญิงในสังคมคนนี้เป็นเรื่องปกติของศิลปิน จากนั้นเป็นต้นมา มันก็ปรากฏตัวขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่าในหมู่หญิงสาวผู้เคราะห์ร้ายของเขา

นูดา เวอริทัส (ความจริงเปลือยเปล่า) พ.ศ. 2442

ผู้หญิงที่แท้จริง สูง 2 เมตร แสดงออกและยั่วยวนในภาพเปลือยของเธอ สร้างความสับสนและล้อเลียนชาวเวียนนา มีเพียงขนหัวหน่าวของเธอเท่านั้นที่เพียงพอที่จะประกาศสงครามกับอุดมคติแห่งความงามแบบคลาสสิก

แนวคิดที่ได้รับความนิยมมากที่สุดประการหนึ่งของ Fin de siècle (ปลายศตวรรษ) คือการครอบงำผู้หญิงมากกว่าผู้ชาย ธีมของ "การต่อสู้ของเพศ" แทรกซึมไปทั่วร้านเสริมสวย ศิลปินและปัญญาชนก็มีส่วนร่วมในการอภิปรายด้วย Pallas Athena ซึ่งวาดโดย Klimt ในปี พ.ศ. 2441 เป็นภาพแรกในแกลเลอรี "superwomen" ของเขา: ด้วยชุดเกราะและอาวุธของเธอ Athena มั่นใจในชัยชนะ เธอปราบผู้ชายและบางทีอาจเป็นเพศชายทั้งหมด องค์ประกอบบางอย่างที่ปรากฏในภาพวาดนี้จะเป็นพื้นฐานในงานต่อไปของ Klimt เช่น การใช้ทองคำและการเปลี่ยนแปลงร่างกายให้เป็นเครื่องประดับ และเครื่องประดับให้เป็นร่างกาย Klimt ยังคงทำงานกับรูปแบบภายนอก ตรงกันข้ามกับนักแสดงออกรุ่นเยาว์ที่แสวงหาการเจาะเข้าไปในจิตวิญญาณในทันที ภาษาภาพของคลิมท์นำสัญลักษณ์ทั้งชายและหญิงมาจากโลกแห่งความฝันของฟรอยด์ เครื่องประดับที่เย้ายวนและเร้าอารมณ์สะท้อนถึงด้านหนึ่งของแนวคิดของ Klimt เกี่ยวกับโลก

ความเร้าอารมณ์ของงานของ Klimt ก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างต่อเนื่อง เช่นเดียวกับในกรณีของการออกแบบแผงตกแต่งสามแบบสำหรับห้องโถงใหญ่ของมหาวิทยาลัย ซึ่งถูกมองว่าเป็นเรื่องอื้อฉาว ในปี พ.ศ. 2442 Klimt ได้นำเสนอ Philosophy ฉบับสุดท้ายซึ่งเป็นภาพวาดแรกจากทั้งสามภาพนี้ เมื่อถึงเวลานั้น เวอร์ชันดั้งเดิมได้ถูกนำไปจัดแสดงที่งาน World Exhibition ในกรุงปารีสแล้ว แม้ว่าเธอจะได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักวิจารณ์หลายคนและยังได้รับรางวัลจากนิทรรศการอีกด้วย แต่สาธารณชนที่ได้รับการศึกษาในกรุงเวียนนาก็ทำให้เธอตกเป็นเป้าหมายของเรื่องอื้อฉาวเช่นนี้ ราวกับว่าวัฒนธรรมเวียนนาทั้งหมดถูกเหยียบย่ำลงไปในโคลน แต่เห็นได้ชัดว่า Klimt เขียนด้วยความตั้งใจที่ดีที่สุดเท่านั้น

ปรัชญา. พ.ศ. 2442-2450

ชายและหญิงว่ายน้ำราวกับอยู่ในภวังค์โดยไม่ได้ควบคุมทิศทางที่เลือก สิ่งนี้ขัดแย้งกับแนวคิดเกี่ยวกับวิทยาศาสตร์และความรู้ที่มีอยู่ทั่วไปในหมู่นักวิทยาศาสตร์ในยุคนั้นซึ่งรู้สึกว่าตัวเองถูกดูถูกถึงตาย งานนี้ได้รับมอบหมายจากมหาวิทยาลัยเวียนนา

“แม้ว่าคุณจะไม่สามารถทำให้ทุกคนพอใจด้วยการกระทำและงานศิลปะของคุณ แต่คุณไม่ต้องการทำให้หลายคนพอใจ การทำให้ฝูงชนพอใจนั้นไม่ดี” เมื่อพิจารณาจากความขุ่นเคืองที่เกิดจาก Klimt's Medicine ดูเหมือนว่าเขาจะยึดหลักการของ Schiller มาเป็นของเขาเอง

เขามองว่า "ปรัชญา" เป็นการสังเคราะห์ความคิดของเขาเกี่ยวกับโลก และในขณะเดียวกันก็เป็นการค้นหาสไตล์ของเขาเอง ในแคตตาล็อก เขาอธิบายว่า: “ทางด้านซ้ายเป็นกลุ่มของบุคคล: จุดเริ่มต้นของชีวิต ความเป็นผู้ใหญ่ และการเหี่ยวเฉา ด้านขวาเป็นลูกบอลที่แสดงถึงความลึกลับ ร่างที่ส่องสว่างปรากฏด้านล่าง: ความรู้”

อย่างไรก็ตาม อาจารย์ชาวเวียนนาผู้มีเกียรติได้กบฏต่อสิ่งที่พวกเขาเห็นว่าเป็นการโจมตีประเพณี พวกเขาเสนอแนะให้ศิลปินวาดภาพที่สามารถแสดงถึงชัยชนะของแสงสว่างเหนือความมืด แต่ Klimt กลับนำเสนอภาพลักษณ์ของ "ชัยชนะแห่งความมืดเหนือทุกสิ่ง" แทน ได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของ Schopenhauer และ Nietzsche และพยายามค้นหาหนทางของตัวเองเพื่อไขปริศนาเลื่อนลอยเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ ศิลปินจึงหันเหความคิดเพื่อแสดงความสับสนของมนุษย์ยุคใหม่ เขาไม่ลังเลเลยที่จะทำลายข้อห้ามในหัวข้อต่างๆ เช่น ความเจ็บป่วย ความเสื่อมถอยทางร่างกาย ความยากจน - ในทุกความอัปลักษณ์ ก่อนหน้านี้ ความจริงมักจะถูกทำให้อ่อนลงโดยการนำเสนอแง่มุมที่ได้เปรียบที่สุด

ไหล. พ.ศ. 2441

สตรีแห่งสายน้ำของ Klimt ที่มีการแสดงออกทางอารมณ์ยอมจำนนต่อการโอบกอดของคลื่น ซึ่งเป็นองค์ประกอบตามธรรมชาติ

ชีวิตและความคิดเกี่ยวกับกามนั้นมุ่งเน้นไปที่การต่อสู้ระหว่างอีรอสและทานาทอสมาโดยตลอดและความคิดเหล่านี้ก็ยึดครองคลิมต์ได้อย่างสมบูรณ์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบเรื่องการแพทย์ซึ่งเป็นเรื่องที่สองในชุดการเรียบเรียงของมหาวิทยาลัยทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอีกครั้ง ร่างกายที่ถูกโชคชะตาลิขิตไว้ ถูกกระแสแห่งชีวิตพัดพาไป ซึ่งเมื่อคืนดีแล้ว ทุกระยะตั้งแต่เกิดจนตาย ย่อมประสบความยินดีหรือความเจ็บปวด วิสัยทัศน์ดังกล่าวเป็นการดูหมิ่นบทบาทของการแพทย์ มันเน้นย้ำถึงความไร้พลังของเธอเมื่อเทียบกับพลังที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของร็อค Hygieia เทพีแห่งสุขภาพที่ยืนหยัดเคียงข้างเธอในการกลับสู่เผ่าพันธุ์มนุษย์ด้วยความเฉยเมยของนักบวช ไม่ใช่หญิงสาวที่ลึกลับหรือมีเสน่ห์มากกว่าสัญลักษณ์ของการรู้แจ้งทางวิทยาศาสตร์ไม่ใช่หรือ? ร่างกายของผู้หญิงที่น่าหลงใหลผสมกับโครงกระดูกไม่ใช่ตัวอย่างโดยตรงของคำอุปมาเรื่อง "การกลับมาชั่วนิรันดร์" ของ Nietzsche ซึ่งความตายถูกมองว่าเป็นจุดสูงสุดของชีวิตไม่ใช่หรือ? ในปรัชญาและการแพทย์ Klimt แสดงออกถึงมุมมองของ Schopenhauerian ว่า "โลกที่เป็นความปรารถนา เป็นพลังที่ตาบอดในวัฏจักรนิรันดร์นั้นเกิด รัก และตาย"

ยา. พ.ศ. 2443-2450

คลิมท์ถูกประณามที่พรรณนาถึงความสิ้นหวังของยาและพลังของโรค สาธารณชนรู้สึกโกรธเคืองและตกตะลึงอย่างมาก และศิลปินถูกกล่าวหาว่าเป็น "สื่อลามก" และ "ประพฤติวิปริตมากเกินไป"

งานที่สามของมหาวิทยาลัย "นิติศาสตร์" ได้รับการตอบรับด้วยความเกลียดชังที่เท่าเทียมกัน ผู้ชมต่างตกใจกับความอัปลักษณ์และภาพเปลือยที่พวกเขาเชื่อว่าเห็น มีเพียง Franz von Wickhoff ศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์ศิลปะแห่งมหาวิทยาลัยเวียนนาเท่านั้นที่ปกป้อง Klimt ในการบรรยายในตำนานเรื่อง "อะไรน่าเกลียด" อย่างไรก็ตามเรื่องอื้อฉาวที่กระตุ้นโดย Klimt ได้ถูกพูดคุยกันแม้กระทั่งในรัฐสภา ศิลปินถูกกล่าวหาว่ามี "สื่อลามก" และ "วิปริตมากเกินไป"

นิติศาสตร์. พ.ศ. 2446-2450

แทนที่จะพรรณนาถึงชัยชนะของแสงสว่างเหนือความมืดตามที่คาดไว้ Klimt กลับสะท้อนถึงความรู้สึกไม่แน่นอนของมนุษย์ในโลกรอบตัวเรา

ดูเหมือนว่า Klimt จะตีความเรื่องเพศในแง่ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากการวิจัยของฟรอยด์ในด้านจิตวิทยาของจิตไร้สำนึก ความพยายามที่เสี่ยงของศิลปิน - โอ้น่าเสียดาย! - มุ่งเป้าไปที่การนำเสนอเรื่องเพศว่าเป็นพลังแห่งการปลดปล่อย ซึ่งตรงกันข้ามกับความรู้ทางวิทยาศาสตร์และระดับที่กำหนดอย่างจำกัด Klimt ได้รับการคาดหวังให้ยกย่องวิทยาศาสตร์ แต่กลับถูกดึงดูดด้วยคำพูดจาก Aeneid ของ Virgil ซึ่ง Freud ถอดความในการตีความความฝันของเขา: "ถ้าฉันควบคุมเทพเจ้าไม่ได้ ฉันจะเรียกลงนรก"

คลิมท์ไม่ยอมให้ตัวเองถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงและยังคงเดินตามเส้นทางของตัวเองต่อไป การตอบสนองเพียงอย่างเดียวของเขาต่อฝ่ายค้านที่เข้มแข็งคือภาพวาดที่เรียกว่า My Critics เป็นครั้งแรกและหลังนิทรรศการ - ปลาทอง ความโกรธของสาธารณชนมาถึงจุดสุดยอด: นางไม้แสนสวยที่อยู่เบื้องหน้าเผยให้เห็นก้นของเธอให้ทุกคนเห็น! ร่างของท้องทะเลล่อลวงผู้ชมเข้าสู่โลกแห่งจินตนาการทางเพศและการสมาคมซึ่งเทียบได้กับโลกแห่งสัญลักษณ์ของฟรอยด์ โลกนี้ได้เห็นแล้วใน The Current และ Nymphs (Silverfish) และจะถูกเปิดเผยอีกครั้งในอีกไม่กี่ปีต่อมาใน Water Snakes I และ Water Snakes II อาร์ตนูโวชอบที่จะพรรณนาถึงอาณาจักรใต้น้ำ ที่ซึ่งสาหร่ายสีเข้มและสว่างเติบโตบนหอยดาวศุกร์ หรือตัวปะการังเขตร้อนอันละเอียดอ่อนส่องแสงระยิบระยับอยู่ตรงกลางเปลือกหอยสองฝา ความหมายของสัญลักษณ์นำเรากลับไปสู่ต้นแบบที่ไม่ต้องสงสัยนั่นคือผู้หญิง ในความฝันใต้น้ำ สาหร่ายจะมีขนขึ้นบนศีรษะและบริเวณหัวหน่าว พวกเขาติดตามกระแสในการเคลื่อนไหวลูกคลื่นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสมัยใหม่ ด้วยการต้านทานที่อ่อนแรง พวกเขาจึงยอมจำนนต่ออ้อมกอดของธาตุแห่งท้องทะเล เช่นเดียวกับที่ Danae เปิดกว้างต่อ Zeus โดยเจาะเข้าไปในตัวเธอในรูปของฝนสีทอง

นางไม้ (ปลาเงิน) ตกลง. พ.ศ. 2442

ภาพท้องทะเลเหล่านี้ปูทางไปสู่เขาวงกตแห่งการพาดพิงถึงทางเพศซึ่งเป็นที่รู้จักในโลกแห่งสัญลักษณ์ของฟรอยด์

จูดิธ ไอ. 1901

ความเชื่อมโยงกับเรื่องเพศและความตาย อีรอสและธานาทอสไม่เพียงดึงดูดคลิมท์และฟรอยด์ในเวลานั้นเท่านั้น แต่ยังดึงดูดทั้งยุโรปด้วย ผู้ชมที่เคารพนับถือได้ฟังการแสดงแห่งความหลงใหลอันนองเลือดของ Clytemnestra ในโอเปร่าของ Richard Strauss

ภาพเหมือนของสตรีในสังคมทำให้คลิมท์มีอิสระทางการเงิน ดัง​นั้น เขา​จึง​ไม่​จำเป็น​ต้อง​ตอบรับ​รสนิยม​ของ​คน​ทั่ว​ไป หรือ​เห็น​ผลงาน​ที่​คิด​มา​อย่าง​รอบคอบ​และ​ผลงาน​ที่​ทำ​อย่าง​ยอด​เยี่ยม​ถูก​เหยียบย่ำ​ลง​ไป​ใน​ดิน เขาเชื่อว่าภาพวาดของเขาสามารถซื้อคืนได้ในราคาเดียวกับที่ซื้อมา เขาอธิบายให้ Bertha Zuckerkandl นักข่าวชาวเวียนนาฟังว่า “สาเหตุหลักที่ฉันตัดสินใจขอภาพวาดคืนให้ฉัน ... ไม่ได้เกิดจากการระคายเคืองจากการโจมตีต่างๆ ... สิ่งเหล่านี้อาจเกิดขึ้นในตัวฉันเอง การโจมตีทั้งหมดจากการวิพากษ์วิจารณ์แทบจะไม่กระทบใจฉันเลยในเวลานั้นและยิ่งไปกว่านั้นเป็นไปไม่ได้ที่จะพรากความสุขที่ฉันได้รับขณะทำงานเหล่านี้ไป โดยทั่วไปแล้ว ฉันไม่รู้สึกไวต่อการโจมตีมากนัก แต่ฉันจะอ่อนไหวมากขึ้นหากฉันเข้าใจว่าคนที่รับหน้าที่ของฉันไม่พอใจ เช่นเดียวกับในกรณีที่ภาพวาดถูกปกคลุม”5. ในที่สุด รัฐบาลก็ตกลงที่จะให้นักอุตสาหกรรม August Lederer ซื้อ Philosophy ในราคาเพียงเศษเสี้ยวของราคาเดิม ในปี 1907 Koloman Moser ได้รับปริญญาแพทยศาสตร์และกฎหมาย ในความพยายามที่จะรักษาภาพวาดไว้ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ภาพเหล่านี้จึงถูกย้ายไปที่ปราสาทอิมเมนดอร์ฟทางตอนใต้ของออสเตรีย เมื่อวันที่ 5 พฤษภาคม พ.ศ. 2488 ปราสาทและทุกสิ่งที่เก็บไว้ในนั้นถูกทำลายด้วยไฟระหว่างการล่าถอยของกองทหาร SS ทุกวันนี้ความคิดบางอย่างเกี่ยวกับงานที่เคยก่อให้เกิดความไม่พอใจในที่สาธารณะเช่นนี้สามารถรับได้จากคนผิวดำและ -รูปถ่ายสีขาวและสำเนาสีอย่างดีของเทพธิดา Hygieia บุคคลสำคัญของการแพทย์ นอกจากนี้ยังมีความคิดเห็นที่ "มีสีสัน" โดยลุดวิก เฮเวซี: "ให้คุณเพ่งมองไปที่ภาพวาดสองด้าน ปรัชญาและการแพทย์: ซิมโฟนีมหัศจรรย์ในสีเขียว การทาบทามที่สร้างแรงบันดาลใจด้วยสีแดง การเล่นสีที่ตกแต่งอย่างหมดจดบนทั้งสองภาพ ในนิติศาสตร์ สีดำและสีทอง สีที่ไม่เป็นจริงมีอิทธิพลเหนือ; และในขณะเดียวกัน เส้นก็มีความสำคัญ และรูปแบบก็กลายเป็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่”

งานของ Klimt เกิดขึ้นในการต่อสู้ระหว่าง Eros และ Thanatos โดยปฏิเสธกฎพื้นฐานของสังคมชนชั้นกลาง ในปรัชญา เขาพรรณนาถึงชัยชนะของความมืดเหนือแสงสว่าง ซึ่งตรงกันข้ามกับแนวคิดที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ในด้านการแพทย์ เขาได้เปิดเผยว่าโรคนี้ไม่สามารถรักษาโรคได้ ในที่สุด ในนิติศาสตร์ เขาเขียนถึงชายผู้ถูกประณามซึ่งมีอำนาจแห่งความโกรธทั้งสาม: ความจริง ความยุติธรรม และกฎหมาย พวกมันปรากฏเป็นเอรินเยส ล้อมรอบด้วยงู เพื่อเป็นการลงโทษ ปลาหมึกยักษ์จึงบีบผู้ถูกประณามด้วยอ้อมกอดอันอันตราย ด้วยภาพลักษณ์ต้นแบบทางเพศของเขา Klimt ต้องการสร้างความตื่นตระหนกให้กับสังคมยุคดึกดำบรรพ์และ "ทำลายเสาหลัก" แห่งศีลธรรม

ไม่มีสิ่งใดรอดจากกลุ่มที่คิดขึ้นมาเป็นพิเศษนี้ ยกเว้นหลักฐานทางวัตถุบางประการ: ภาพถ่ายและสำเนาชิ้นส่วนของผลงานชิ้นเอกที่หายไป และยังรับรู้อย่างขมขื่นถึงความไร้อำนาจของศิลปินซึ่งถูกเซ็นเซอร์เยาะเย้ย Klimt ไม่เคยเป็นศาสตราจารย์ของ Academy; แต่ต่อหน้าผู้ที่เยาะเย้ยเขา เขาได้ชูกระจกแห่ง "ความจริงที่เปลือยเปล่า" - นูดา เวอริทัส

จูดิธที่ 2 (ซาโลเม) 2452

จูดิธหรือซาโลเม? เห็นได้ชัดว่าคลิมต์มีแนวโน้มที่จะวาดภาพ "จุดสุดยอดถึงตาย" ของหญิงร้ายมากกว่าภาพเหมือนของหญิงม่ายชาวยิวที่มีคุณธรรม

“เวลาคือศิลปะของคุณ ศิลปะคืออิสรภาพของคุณ” Hevesy เขียนบนหน้าจั่วของอาคารนิทรรศการ Vienna Secession Klimt ต้องการเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ เขาต้องการคิดและเขียนโดยอิสระจากคำสั่งอย่างเป็นทางการ และด้วยเหตุนี้เขาจึงได้รับการสนับสนุนจากผู้อุปถัมภ์ที่ภักดีหลายราย ก่อนเกิดเรื่องอื้อฉาวกับมหาวิทยาลัยเวียนนา เขาได้พบกับนิโคลัส ดัมบา บุตรชายของผู้ประกอบการชาวกรีกจากมาซิโดเนีย ซึ่งมีสายสัมพันธ์ทางตะวันออกและประสบความสำเร็จในด้านธนาคารและอุตสาหกรรมสิ่งทอ การตกแต่งภายในห้องทำงานของ Dumba ทำโดย Hans Makart; หลังจากการเสียชีวิตของ Makart Klimt ก็กลายเป็นศิลปินคนโปรดของเขา เขาคือคนที่ดัมบาไว้วางใจเมื่อเขาตกแต่งเฟอร์นิเจอร์และตกแต่งห้องดนตรีในวังของเขา คลิมท์วาดภาพเขียนสองภาพเหนือพอร์ทัล ภาพแรกเป็นภาพชูเบิร์ตเล่นเปียโน ในขณะที่ภาพที่สองเป็นภาพ Music II แสดงภาพนักบวชหญิงชาวกรีกถือซิทาราของอพอลโล ประการแรกโดดเด่นด้วยการหวนคิดถึงสวรรค์ที่สาบสูญ ซึ่งพบได้ในกลุ่มผู้ไม่มีความกังวลและเพลิดเพลินกับดนตรีประจำบ้าน ส่วนที่สองเขียนในรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและชี้ไปที่โลกแห่งสัญลักษณ์ทางดนตรีของ Dionysian “ในภาพวาดทั้งสองนี้” Karl E. Schorske เขียน “ความสงบสุขของชนชั้นกลางและความตื่นเต้นของ Dionysian ปะทะกันในห้องเดียวกัน ภาพวาดร่วมกับชูเบิร์ตแสดงให้เห็นนักแต่งเพลงที่บ้าน ล้อมรอบด้วยเสียงดนตรี ซึ่งเป็นจุดสุนทรีย์สูงสุดด้านความปลอดภัยและวิถีชีวิตที่ถูกต้อง เวทีสว่างไสวด้วยแสงอันอบอุ่นของเชิงเทียน ซึ่งทำให้โครงร่างของตัวเลขดูอ่อนลงจนละลายไปในความกลมกลืนของเทศกาล... Klimt ใช้เทคนิคอิมเพรสชั่นนิสต์เพื่อวางการฟื้นฟูประวัติศาสตร์ของเขาในบรรยากาศแห่งความทรงจำที่หวนคิดถึง เขานำเสนอเราด้วยความฝันอันแสนหวาน สดใสแต่ไร้ตัวตน ความฝันของงานศิลปะที่ไร้เดียงสาและน่าพึงพอใจในการรับใช้สังคมที่ไร้กังวล"

ภาพเหมือนของ Geta Felshvani 2445

นี่คือ Klimt ที่เวียนนาชื่นชอบ Klimt ผู้ที่ดึงดูดแม้กระทั่งผู้ชมที่อนุรักษ์นิยมที่สุด โดยให้รางวัลพวกเขามากกว่าเสียงปรบมือ เขาให้มากกว่าที่คาดไว้แก่สาธารณชน - นักแต่งเพลงชูเบิร์ตซึ่งเป็นวัตถุศักดิ์สิทธิ์แห่งความเคารพซาบซึ้ง Klimt อนุรักษ์รูปแบบที่น่าดึงดูดนี้ไว้สำหรับผู้อุปถัมภ์จากสังคมชั้นสูงของเวียนนา เห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้ชัดเจนในภาพเหมือนของ Sonia Knieps ของเขา และในความอ่อนโยนของภาพบุคคล "ภรรยา" ของเขาในเวลาต่อมา: Herta Felyivani, Serena Lederer และ Emilia Flöge อย่างไรก็ตาม ผู้หญิงในภาพบุคคลเหล่านี้มักจะมีสีหน้าที่สงบและชวนฝันเหมือนกันเสมอ: พวกเขามองโลกและมองผู้ชายด้วยความเศร้าโศกและโดดเดี่ยว "ความกลัวพื้นที่ว่าง" ของ Klimt ปรากฏที่นี่พร้อมกับท่าทางอันงดงามของนางเอก การผสมผสานของเขาทำให้เขาสามารถสร้างสรรค์ผลงานในสไตล์ของ Diego Velazquez หรือ Fernand Knopf ได้ จากที่หนึ่งเขาใช้วิธีวาดภาพโครงร่างของคางและทรงผมที่ใหญ่โต จากที่อื่น - ลักษณะสำคัญของหญิงร้าย มีบางสิ่งที่ท่วมท้นอยู่เสมอเกี่ยวกับความเฉื่อยชาที่ชัดเจนของนางแบบของเขา

ภาพเหมือนของเซเรน่า เลเดอเรอร์ พ.ศ. 2442

คลิมท์รู้วิธีที่จะทำให้พลเมืองชาวยิวที่เจริญรุ่งเรืองของเวียนนาที่สนับสนุนการแยกตัวออกพอใจ เขาวาดภาพภรรยาของพวกเขา ทำให้พวกเขามีเสน่ห์ไร้ขอบเขตและความเย่อหยิ่ง

ภาพเหมือนของเอมิเลีย ฟลอเก 2445

Emilia Flöge เป็นความรักอันยิ่งใหญ่ของ Klimt และเป็นเพื่อนของเขาจนถึงวาระสุดท้ายของเขา เธอดูแลธุรกิจแฟชั่นเฮาส์ และเขาก็คิดภาพร่างผ้าและชุดให้เธอ ลวดลายของเขาดูราวกับว่าถูกตัดออกจากลวดลายของภาพวาดของเขา

อย่างไรก็ตาม Klimt ไม่เพียงแต่ปฏิบัติตามความต้องการของลูกค้าเท่านั้น แต่ดูเหมือนว่าเขาจะขจัดข้อจำกัดทั้งหมดและทาสีในแบบที่เขาต้องการ ผู้หญิงประเภทที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงปรากฏในภาพวาด อันตรายและขับเคลื่อนด้วยสัญชาตญาณ ดังเช่นใน Pallas Athena และ Nuda Veritas (Naked Truth) ปรากฏตัวครั้งแรกในการวาดภาพให้กับนิตยสาร Ver Sacrum ตัวละครนี้กลายเป็นที่รู้จักในนาม "ปีศาจแห่งการแยกตัว" ภาพเวอร์ชันที่สอง - ภาพวาดสีน้ำมัน (สูง 2.6 เมตร) - แสดงถึงความก้าวหน้าของสไตล์ "เป็นธรรมชาติ" ใหม่ของ Klimt สาธารณชนตกตะลึงและอับอายกับหญิงสาวผมแดงที่เปลือยเปล่าคนนี้ ไม่ใช่ดาวศุกร์ แต่เป็นภาพขนาดเท่าจริงของ cocotte Nini สิ่งมีชีวิตที่มีเนื้อและเลือด ตัดสัมพันธ์กับอุดมคติดั้งเดิมของหญิงสาวเปลือยใน ศิลปะ. คำพูดของชิลเลอร์ทำหน้าที่เป็นคำอธิบายที่ช่วยเพิ่มความเร้าใจและรับรองว่าจะมีการปฏิเสธจากสาธารณชนในภายหลัง: “แม้ว่าคุณจะไม่สามารถทำให้ทุกคนพอใจด้วยการกระทำและงานศิลปะของคุณ แต่คุณต้องการทำให้คนบางคนพอใจ การทำให้ฝูงชนพอใจนั้นไม่ดี” เวอร์ชันแรกนี้ซึ่งตีพิมพ์ใน Ver Sacrum มีคำพูดจาก L. Schaeffer ด้วยเช่นกัน: “งานศิลปะที่แท้จริงถูกสร้างขึ้นโดยคนเพียงไม่กี่คนและคนไม่กี่คนชื่นชม”

จูดิธที่ 1 และแปดปีต่อมา จูดิธที่ 2 คืออวตารคนต่อไปของต้นแบบหญิงร้ายของคลิมท์ จูดิธของเขาไม่ใช่วีรสตรีในพระคัมภีร์ไบเบิล แต่เป็นชาวเวียนนา ผู้ร่วมสมัยของเขา ซึ่งเห็นได้จากสร้อยคอที่ทันสมัยของเธอซึ่งอาจมีราคาแพง ตามสิ่งพิมพ์ของ Bertha Zuckerkandl Klimt ได้สร้างผู้หญิงประเภทแวมไพร์มานานก่อนที่ Greta Garbo และ Marlene Dietrich ซึ่งเป็นตัวเป็นตนจะปรากฏตัวบนจอเงิน ภูมิใจและเป็นอิสระ แต่ในขณะเดียวกันก็ลึกลับและน่าหลงใหล หญิงสาวที่เสียชีวิตก็ให้ความสำคัญกับตัวเองสูงกว่าผู้ชมชาย

ป่าบีช. ตกลง. 2445

Klimt ได้นำเอาความเย้ายวนแบบเดียวกับที่พบในภาพวาดของเขามาสู่ภูมิประเทศของเขา ที่นี่เขาหันไปหาเอฟเฟกต์อันซับซ้อนของผ้าม่านต้นไม้ของ Van Gogh ฟังดูเหมือนเสียงประโคมในภาพวาดสมัยใหม่ ในขณะที่ต้นไม้ของ Klimt ปลุกเร้าความรู้สึกสั่นสะท้านของผู้หญิง

ไม่สามารถดูภาพเขียนแยกจากกรอบอันหรูหราได้ เฟรมเวอร์ชันแรกถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญโดย Georg Klimt ซึ่งเป็นน้องชายของศิลปิน ซึ่งเป็นช่างอัญมณี เครื่องประดับในภาพวาดก็ถูกถ่ายโอนไปยังกรอบในลักษณะที่ได้รับความนิยมอย่างมากในเวลานั้นซึ่งเสนอโดยกลุ่มพรีราฟาเอล ภาพวาดถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะไบแซนไทน์ซึ่ง Klimt ศึกษาระหว่างการเดินทางไปราเวนนา ความแตกต่างที่ตั้งใจไว้ระหว่างความเป็นพลาสติกเชิงปริมาตรของใบหน้าที่ได้รับการถ่ายทอดอย่างประณีตและสีอ่อนๆ กับพื้นผิวสองมิติของเครื่องประดับเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นของภาพวาดเหล่านี้ “เอฟเฟกต์ภาพตัดต่อ” ช่วยเพิ่มเสน่ห์

ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Klimt พบสัญลักษณ์ทั่วไปของความยุติธรรมในตัว Judith ที่ผู้หญิงทำเพื่อผู้ชายที่ชดใช้ความผิดของเขาด้วยความตาย เพื่อช่วยชีวิตผู้คนของเธอ จูดิธได้ล่อลวงผู้บัญชาการศัตรู โฮโลเฟิร์นเนส และตัดศีรษะของเขาออก นางเอกในพันธสัญญาเดิมซึ่งเป็นตัวอย่างที่ดีของความกล้าหาญและความมุ่งมั่นซึ่งทำหน้าที่เป็นอุดมคติ กลายเป็นผู้หญิง "ตอน" ของคลิมท์... ในบุคคลตามพระคัมภีร์นี้ อีรอสและความตายได้รวมกันเป็นหนึ่งเดียวที่คุ้นเคยซึ่ง fin de siècle (ส่วนท้ายของ ศตวรรษ) พบว่ามีความน่าสนใจมาก อีกตัวอย่างหนึ่งของผู้หญิงที่ "ตอน" ซึ่งรวบรวมจินตนาการที่เลวร้ายที่สุดอย่างไร้ยางอายคือนางเอกของโอเปร่า "Electra" โดย Richard Strauss Clytemnestra ที่กระหายเลือด

จูดิธของคลิมต์คงทำให้ส่วนหนึ่งของสังคมเวียนนาหงุดหงิด (ไม่เช่นนั้นก็พร้อมที่จะยอมรับการละเมิดข้อห้ามของเขา) ที่เรียกว่าชนชั้นกระฎุมพีชาวยิว คลิมต์ฝ่าฝืนข้อห้ามทางศาสนา และผู้ชมแทบไม่เชื่อสายตาตัวเอง นักวิจารณ์เชื่อว่า Klimt ต้องเข้าใจผิดในการยืนยันว่าผู้หญิงที่บ้าคลั่งและเกือบจะถึงจุดสุดยอดผู้นี้มีตาปิดครึ่งและริมฝีปากที่แยกออกเล็กน้อยเป็นหญิงม่ายชาวยิวผู้เคร่งครัดและเป็นวีรสตรีผู้กล้าหาญ จูดิธในพระคัมภีร์ไบเบิลก็ทำภารกิจอันเลวร้ายที่สวรรค์มอบหมายให้เธอสำเร็จและตัดศีรษะของโฮโลเฟอร์เนสผู้นำกองทัพอัสซีเรียโดยปราศจากความสุขแม้แต่น้อย ผู้คนต่างมั่นใจว่าคลิมต์คงนึกถึงซาโลเม่ หญิงสาวประหารที่เก่งกาจซึ่งดึงดูดศิลปินและนักคิดมามากมาย ตั้งแต่ Gustave Moreau ไปจนถึง Oscar Wilde, Aubrey Beardsley, Franz von Stuck และ Max Klinger และภาพวาด "จูดิธ" ด้วยความตั้งใจดีที่สุดจึงถูกเรียกว่า "ซาโลเม" อย่างต่อเนื่องในแคตตาล็อกและนิตยสาร ยังไม่ทราบว่า Klimt ถือว่าคุณลักษณะของ Salome เป็นของ Judith ของเขาหรือไม่ แต่ไม่ว่าเขาจะตั้งใจอะไรก็ตาม ผลที่ได้ก็คือการนำเสนอภาพของอีรอสและจินตนาการของศิลปินหญิงร้ายยุคใหม่ได้ไพเราะที่สุด

ปลาทอง. 2444 - 2445

ภาพวาดนี้เป็นการตอบสนองของ Klimt ต่อการวิพากษ์วิจารณ์ภาพวาดของคณะของเขาอย่างเฉียบแหลม ภาพนี้มีชื่อว่า "Mime for the Critics" ภาพแรกแสดงให้เห็นเบื้องหน้าของ naiad ที่ขี้เล่นอย่างน่าอัศจรรย์ ซึ่งเผยให้เห็นก้นอันสวยงามของเธออย่างเปิดเผยเพื่อให้รับชมได้

แต่ Klimt ไม่เพียงแต่เป็นนักเลงของผู้หญิงที่เสียชีวิตเท่านั้น ในขณะที่ผลงานของเขาในห้องโถงใหญ่ของมหาวิทยาลัยยังคงได้รับเสียงสะท้อนอย่างกว้างขวาง เขาก็เริ่ม "ปลูกฝังสวนของเขา" เช่นเดียวกับ Candide Klimt หันมาสนใจการวาดภาพทิวทัศน์ โดยนำทิวทัศน์ของอิมเพรสชั่นนิสต์และโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นจุดเริ่มต้น มีหลักฐานมากมายที่บ่งชี้ว่าภูมิทัศน์ในยุคแรกๆ ของคลิมท์ เช่น Swamp (1900) หรือ Tall Poplars II (1903) มีพื้นฐานมาจากงานของ Monet อย่างไรก็ตาม ในฐานะจิตรกรภูมิทัศน์ Klimt นำเสนอการสังเคราะห์อิมเพรสชันนิสม์และสัญลักษณ์อย่างมั่นคง โครงร่างของลายเส้นถูกทำลาย (ซึ่งชวนให้นึกถึงอิมเพรสชันนิสต์) แต่การตีความแผนผังของพื้นผิวมักบ่งบอกถึงอิทธิพลของตะวันออกตามแบบฉบับของอาร์ตนูโว ต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ Klimt ไม่สนใจการวาดภาพเกี่ยวกับน้ำหรือการเล่นไคอาสคูโร เช่นเดียวกับในภาพบุคคลของเขา ในทิวทัศน์เขาดูเหมือนจะสร้างภาพโมเสกที่ผสมผสานความเป็นธรรมชาติเข้ากับแผนผัง สิ่งนี้จะชัดเจนถ้าเราเปรียบเทียบภาพวาดเช่น After the Rain, Nymphs หรือ Portrait of Emilia Flöge กับป่าบีช ในทิวทัศน์ เช่นเดียวกับในภาพวาดบุคคลและสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ตัวเลขและรูปแบบต่างๆ จะปรากฏราวกับตัดกับพื้นหลังของการตกแต่งแนวระนาบ

ฉากป่าไม้ เช่น ป่าบีชเป็นเหมือนพรมที่ Klimt นำเสนอความรู้สึกของจังหวะโดยการสร้างรูปแบบซ้ำๆ โดยจัดกลุ่มเส้นแนวตั้งและแนวนอน Van Gogh ต่อสู้อย่างสิ้นหวังเพื่อชัยชนะของการวาดภาพสมัยใหม่ ในขณะที่ Klimt นั้นเป็นยมทูตที่เงียบงันมากกว่า ความเร่าร้อนอันเย้ายวนของภูมิประเทศของเขาเสริมด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์และประดับประดา ชิ้นส่วนโมเสกหลายชิ้นที่เต็มขอบฟ้าและทำลายพื้นที่ว่างช่วยให้เขากำจัด "ความกลัวพื้นที่ว่าง"

ความจริงที่ว่าไม่มีแม้แต่ร่องรอยของการมีอยู่ของมนุษย์ในภูมิประเทศของเขาช่วยให้เราเข้าใจว่า Klimt รับรู้ภูมิทัศน์ว่าเป็นสิ่งมีชีวิตอย่างแท้จริง ทัศนคติของศิลปินที่มีต่อทิวทัศน์นั้นมีความพิเศษไม่แพ้กับทัศนคติของเขาที่มีต่อผู้หญิงซึ่งเป็นตัวละครหลักของงานของเขา ชุดเดรสที่ Emilia Flöge สวมใส่ในภาพแรกของเธอ (1902) ดูราวกับว่าผ้าถูกตัดจากภูมิทัศน์ป่าไม้เพื่อให้พอดีกับร่างกายของผู้หญิงเหมือนผิวหนังที่สองใช่ไหม Klimt เลือกชุดนี้เพื่อเน้นข้อดีทั้งหมดของรูปทรงเพรียวบาง เป็นเรื่องแปลกเล็กน้อยที่ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหม่ในกรุงเวียนนา แม้แต่แม่ของศิลปินก็แสดงความไม่พอใจกับชุดเดรสแบบใหม่ซึ่งในความคิดของเธอก็เกินขอบเขตของความเหมาะสมด้วยความน่าระทึกใจและจีบที่ยังไม่ได้รับการยอมรับในเวลานั้น

ในการถ่ายภาพบุคคลของ Klimt ชุดเดรสมีบทบาทไม่น้อยไปกว่าตัวนางแบบเอง พวกเขาทำหน้าที่อย่างเชี่ยวชาญเพื่อเปิดเผยความเป็นตัวตนของผู้หญิง เสริมสร้างการรับรู้ของใบหน้า ลำคอ และมือ ตัวอย่างคลาสสิกคือ Ingres ซึ่งภาพบุคคลของเขาเต็มไปด้วยความงามอันตระการตา สำหรับศิลปินทั้งสองคน เสื้อผ้าทำหน้าที่ที่จำเป็นเช่นเดียวกับร่างกาย คำกล่าวของ Gaetan Picot เกี่ยวกับ Ingres สามารถนำไปใช้กับ Klimt ได้อย่างเท่าเทียมกัน: “ในงานของ Ingres ไม่มีอะไรที่เชี่ยวชาญและประณีตไปกว่าความกลมกลืนของคอและสร้อยคอ กำมะหยี่และเนื้อหนัง เสื้อคลุมและทรงผม หรือรอยต่อระหว่างหน้าอกกับชุดคอต่ำ มือ และถุงมือยาว หากในภาพบุคคลเหล่านี้ผู้หญิงแต่งกายด้วยชุดพิเศษ นั่นเป็นเพราะแสงแห่งความปรารถนาเล็ดลอดออกมาจากพวกเขา พวกเขามาหาเราอย่างเปลือยเปล่าปกคลุม...”

จิลส์ เนเร็ต. ทาเชน / ศิลปะ ฤดูใบไม้ผลิ, 2543

งานอื่นๆ

01 - โกลเด้นอเดล 2450

02 - ผ้าสักหลาดของเบโธเฟน (รายละเอียด: กองกำลังที่ไม่เป็นมิตร) 2445

03 - ไอดีล. พ.ศ. 2427

04 - นิทาน พ.ศ. 2441

05 - จูบ. พ.ศ. 2450-2451

06 - ดาเน่. พ.ศ. 2450-2451

07 - ผ้าสักหลาดของเบโธเฟน, วันเจม. 2445

08 - ผู้หญิงสามวัย 2448

09 - งูน้ำ 1. พ.ศ. 2447-2550

10 - แฟนสาว. พ.ศ. 2459-2460

11 - งูน้ำ 2. พ.ศ. 2447-2550

12 - พรหมจารี พ.ศ. 2456

13 - ชีวิตและความตาย พ.ศ. 2451-2454

14 - ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer พ.ศ. 2455

15 - ภาพเหมือนของบารอนเนส Elisabeth Bachoffen-Ekt พ.ศ. 2457-2459

16 - ภาพเหมือนของยูจีเนีย พรีมาเวอร์ซี พ.ศ. 2455

17 - ภาพเหมือนของเฟรเดอริกา มาเรีย พ.ศ. 2459

18 - ภาพเหมือนของมาเรีย มันช์ พ.ศ. 2460-2461

19 - ภาพเหมือนของมาร์กาเร็ต สโตนโบโรห์-วิตเกนสไตน์ 2448

20 - ภาพเหมือนของ Johanna Staude พ.ศ. 2460-2461

21 - อาดัมและเอวา พ.ศ. 2441

22 - ความหวัง 2446

23 - กำลังรอ. พ.ศ. 2448-2452

24 - กอด พ.ศ. 2448-2452

25 - ต้นไม้แห่งชีวิต พ.ศ. 2448-2452

27 - ดอกทานตะวันในสวนของหมู่บ้าน พ.ศ. 2448-2449

28 - ทุ่งดอกป๊อปปี้. 2450

29 - เบิร์ชโกรฟ 2446

ฉากทิวทัศน์ เช่น ทุ่งดอกป๊อปปี้ ดอกทานตะวัน ป่าบีช และต้นเบิร์ชเป็นเหมือนพรมที่ Klimt นำเสนอความรู้สึกของจังหวะ สร้างรูปแบบที่ซ้ำกัน โดยจัดกลุ่มเส้นแนวตั้งและแนวนอนและจุดสี ชิ้นส่วนโมเสกหลายชิ้นที่เต็มขอบฟ้าและทำลายพื้นที่ว่างช่วยให้เขากำจัด "ความกลัวพื้นที่ว่าง" ความจริงที่ว่าไม่มีแม้แต่ร่องรอยของการมีอยู่ของมนุษย์ในภูมิประเทศของเขาช่วยให้เราเข้าใจว่า Klimt รับรู้ภูมิทัศน์ว่าเป็นสิ่งมีชีวิตอย่างแท้จริง

30 - บ้านชาวนาที่มีต้นเบิร์ช 1900

31 - ทุ่งนาที่กำลังเบ่งบาน 2452

32 - ปราสาท Malcesine บนทะเลสาบการ์ดา พ.ศ. 2456

33 - ปราสาท Kammer บน Attersee พ.ศ. 2453

34 - ปาร์ค. พ.ศ. 2453

35 - ต้นป็อปลาร์ยักษ์ หรือพายุฝนฟ้าคะนองที่กำลังจะเกิดขึ้น 2446

36 - บ่อน้ำในสวนสาธารณะปราสาท Kammer พ.ศ. 2442

37 - โบสถ์ในคาสสัน พ.ศ. 2456

38 - ถนนในสวนสาธารณะของปราสาท Kammer พ.ศ. 2455

39 - บ้านกวาร์ดาโบสกี้. พ.ศ. 2455

40 - บ้านชาวนาในอัปเปอร์ออสเตรีย พ.ศ. 2455

41 - ต้นแอปเปิ้ล. พ.ศ. 2459

42 - สวนดอกไม้. พ.ศ. 2448-2449

43 - ปราสาท Kammer บนทะเลสาบ Attersee พ.ศ. 2455

44 - นักเต้น. 2449

45 - จูบ. พ.ศ. 2450-2451

46 - ความรัก. พ.ศ. 2438

กุสตาฟ คลิมท์. ภาพถ่ายจากปี 1914

กุสตาฟ คลิมท์: “ภาพเหมือนของผมไม่มีอยู่จริง ฉันไม่สนใจตัวตนของตัวเองเป็นวัตถุสำหรับการพรรณนา ฉันชอบคนอื่น โดยเฉพาะผู้หญิง และยิ่งไปกว่านั้น การดำรงอยู่ในรูปแบบอื่น...”

ผลงานในยุคแรก

ชูเบิร์ตที่คลาเวียร์ พ.ศ. 2439 สีน้ำมัน, ผ้าใบ. 150200 ซม. สูญหายในปี 1945

ใบหน้าของนักดนตรีถ่ายทอดออกมาได้อย่างแม่นยำในการถ่ายภาพ ด้านหลังเป็นคำจารึก Anno Domini และวันที่สร้างผลงานซึ่งเขียนด้วยเลขโรมัน - MDCCCLXXXX อาจารย์ยืมเทคนิคนี้มาจากศิลปินในยุคกลาง
ภาพวาดนี้วางอยู่ในกรอบทองแดงกว้างซึ่งสร้างโดยพี่ชายของกุสตาฟ เมื่อใช้วิธีการพิมพ์ลายนูนการออกแบบโบราณที่มีสไตล์จะถูกนำไปใช้กับมันซึ่งมีรูปพิณด้วย - ด้วยความช่วยเหลืออาจารย์จึงบอกใบ้ถึงอาชีพของบุคคลที่ปรากฎ
"การแยกตัวของเวียนนา"

ช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2434 ถึง พ.ศ. 2441 เป็นช่วงเปลี่ยนผ่านในชีวิตของคลิมท์ พ่อและน้องชายของเออร์เนสต์เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2435 เมื่อเวลาผ่านไปจิตรกรก็มาถึงการตีความภาพเชิงสัญลักษณ์และเร้าอารมณ์และการเลือกวิชาเชิงเปรียบเทียบโดยการเปลี่ยนจานสี
คำขวัญของพวกเขาคือคำพูดของ Ludwig Hevesy ซึ่งวางไว้เหนือทางเข้า Secession House: "เวลามีศิลปะ ศิลปะมีอิสระ"
คลิมท์ทดลองอย่างกล้าหาญ ค้นหาสไตล์ของตัวเอง โดยไม่ต้องกลัวคำวิจารณ์และการจ้องมองจากคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ในผลงานของเขาในช่วงเวลานี้เราสามารถเห็นลักษณะของทั้งสัญลักษณ์และอิมเพรสชั่นนิสต์
ในปี พ.ศ. 2441 มีการจัดนิทรรศการครั้งแรกของการแยกตัวออกโดยที่ Klimt นำเสนอต่อสาธารณชน "Pallas Athena" ซึ่งเป็นภาพวาดที่ได้รับฉายาว่า "ปีศาจแห่งการแยกตัวออก" และต่อมากลายเป็นสัญลักษณ์ของการรวมตัวใหม่ ในการสร้างผลงานชิ้นนี้ ศิลปินใช้ทองคำเป็นครั้งแรก

เอเธน่าเป็นเทพีแห่งปัญญา ความยุติธรรม และศิลปะของกรีกโบราณ ใน Klimt เธอเป็นยอดหญิง มีความมั่นใจในตัวเองและในชัยชนะ ในชุดเกราะและมีอาวุธอยู่ในมือ บนทับทรวงของ Athena คือศีรษะของ Gorgon ซึ่งยื่นลิ้นออกมาให้นักวิจารณ์ทุกคนเกี่ยวกับการแยกตัวออก ด้านหลังเธอเป็นภาพการต่อสู้ของ Hercules กับ Lernaean Hydra
สำหรับเทคนิคและลวดลายในการดำเนินการ งานนี้สะท้อนให้เห็นถึงความชอบในอนาคตของปรมาจารย์ในฐานะศิลปินภาพเหมือน

ห้องโถงของโรงละครวังเก่าในกรุงเวียนนา พ.ศ. 2431 Gouache กระดาษ 91.2103 ซม. พิพิธภัณฑ์เวียนนาบน Karlsplatz (เวียนนา ออสเตรีย)

"ศิลปะคณะนักร้องประสานเสียงเทวดาแห่งสวรรค์" ตัวเลขในส่วนนี้ของจิตรกรรมฝาผนังหมายถึงความยินดีและประกายไฟของพระเจ้า
คลิมท์สร้างผ้าสักหลาดในลักษณะที่ทำให้งานกลายเป็นสมบัติของรัฐ ในช่วงทศวรรษที่ 1950 อีริช ลูกชายของเดือนสิงหาคม ซึ่งอพยพไปสวิตเซอร์แลนด์ ได้รับส่วนหนึ่งของคอลเลกชันคืน รวมทั้ง Beethoven Frieze ด้วย แต่ไม่สามารถนำออกจากออสเตรียได้ การขนส่งบ่อยครั้งและการจัดเก็บที่ไม่เหมาะสมส่งผลให้ต้องซ่อมแซมงานอย่างเร่งด่วน หลังจากการเจรจาที่ยาวนาน รัฐบาลออสเตรียก็ได้ซื้อผลงานชิ้นเอกนี้

จนกระทั่งปี 1985 ไม่มีการจัดแสดงผ้าสักหลาดที่ใดเลย ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2529 เป็นต้นมา สถานที่แห่งนี้ได้ตั้งอยู่ใน Secession House เพียงเกือบ 20 ปีต่อมา งานนี้ก็ได้รับการบูรณะและจัดแสดงต่อสาธารณะใน British Tate Gallery (Liverpool)
มาถึงตอนนี้เพื่อน ๆ ไม่เห็นด้วยกับเรื่องงานเลยคู่ของพวกเขาจึงเลิกกัน อย่างไรก็ตาม ในปีนี้เองที่กลายเป็นจุดเปลี่ยน ซึ่งเป็นจุดสังเกตในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของ Klimt ในการตกแต่งมหาวิทยาลัยเขาได้สร้างแผงอนุสาวรีย์สามแผง: "ปรัชญา" "การแพทย์" และ "นิติศาสตร์" ซึ่งกลายเป็นสาเหตุของเรื่องอื้อฉาวที่ปะทุขึ้นรอบ ๆ ศิลปินและผลงานของเขา
คลิมท์เลือกเส้นทางของเขาเอง แตกต่างจากแนววิชาการทั่วไป แทนที่จะพรรณนาถึงชัยชนะของวิทยาศาสตร์ในลักษณะดั้งเดิม ปรมาจารย์ได้แสดงให้ชาวเวียนนาผู้มีเกียรติเห็นใบหน้า "ที่แท้จริง" ของแต่ละสาขาวิชา:
“ ปรัชญา” - เด็กสาวเปลือยที่พาผู้คนไปที่ไหนสักแห่ง (เขียนด้วยสีน้ำเงินเข้ม);
“ ยา” หันเหไปจากฝูงชนของผู้ป่วยและกำลังจะตายอย่างไร้วิญญาณ เธอดูเหมือนนักบวชที่พร้อมจะสังเวยบุคคลมากกว่าที่จะรักษาเขา (ทำเป็นสีแดงซึ่งมีรูปแห่งความตายถักทอด้วยรถไฟสีน้ำเงิน) ;
“นิติศาสตร์” ในบุคคลทั้งสามโจมตีเหยื่อมนุษย์อย่างไร้ความปราณี (สำหรับแผงนี้อาจารย์เลือกสีดำหนา)
ต่อมาคลิมท์ได้กำหนดความหมายของ "นิติศาสตร์" ไว้ดังนี้ "กลุ่มรูปทางด้านซ้ายคือความตื่นรู้แห่งชีวิต การมีผล การหายตัวไป"
องค์ประกอบของงานทั้งสามชิ้นนั้นไม่สมมาตร: ร่างกายมนุษย์ในนั้นตรงกันข้ามกับช่องว่างของพื้นหลัง
แผงดังกล่าวทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์เชิงลบ: อาจารย์ที่เคารพนับถือมองว่าพวกเขาเป็นสื่อลามก ในงานเหล่านี้เป็นครั้งแรกที่ลักษณะทางกามารมณ์ของงานของศิลปินปรากฏชัดเจนมาก

ผลงาน “Goldfish” (ชื่อเดิมคือ “To My Critics”) เขียนขึ้นเพื่อตอบสนองต่อการประเมินเชิงลบเฉียบพลันของภาพวาดของคณะ มุมที่ตรงไปตรงมาของสัตว์ร้ายผมสีแดงที่อยู่เบื้องหน้าบ่งบอกความเป็นตัวมันเอง ความกล้าหาญและเสรีภาพในการตัดสินดังกล่าวจำเป็นต้องมีความเป็นอิสระทางการเงินอย่างสมบูรณ์ และคลิมท์ค้นพบวิธีที่ดีเยี่ยมในการขอความช่วยเหลือจากผู้มีอิทธิพลในกรุงเวียนนา เขาเริ่มวาดภาพภรรยาของเขา!
ภาพผู้หญิง

ตอนนี้ Klimt ไม่สนใจความคิดเห็นสาธารณะหรือแฟชั่น เขาสามารถเขียนสิ่งที่เขาชอบและในแบบที่เขาต้องการได้ หลังจากกลายเป็นผู้นำของการแยกตัวของกรุงเวียนนาแล้วศิลปินก็เริ่มทำการทดลองอย่างกล้าหาญ
ในยุคแรกๆ มีรูปถ่ายของ Clara น้องสาวของ Klimt และ Helena หลานสาว

ห้องรับประทานอาหารที่ Stoclet Palace (บรัสเซลส์) มุมมองทั่วไปของโมเสก

ภาพบุคคลในยุคแรก

Helena Klimt เป็นหลานสาววัย 6 ขวบของศิลปิน ซึ่งกลายมาเป็นผู้ปกครองของเธอหลังจากเออร์เนสต์น้องชายของเธอเสียชีวิต เมื่อเติบโตขึ้น เฮเลนาเริ่มทำงานที่บ้านแฟชั่นของน้องสาว Flöge และในที่สุด (หลังจากแม่ของเธอเสียชีวิต) ก็กลายเป็นเจ้าของร่วม
ตัดผมหน้าม้า หน้าม้ายาว แถบหน้าแคบ ชุดเดรสสีอ่อนและพื้นหลังตัดกับผมสีน้ำตาลเข้ม เช่นเดียวกับผลงานในยุคแรกอื่นๆ ของ Klimt ภาพเหมือนนี้มีความยาวเพียงครึ่งเดียว
ภาพบุคคลบางภาพในช่วงเวลานี้ทำให้ชื่อของนางแบบที่โพสต์ให้ศิลปินเป็นความลับ ตัวอย่างเช่น คนแปลกหน้าที่ปรากฎในภาพวาด “Lady in a Hat Made of a Boa and Feathers”

สำหรับศิลปิน สิ่งที่มักสำคัญไม่ได้สำคัญมากนักว่าเขาวาดภาพใครบนผืนผ้าใบ แต่เป็นโอกาสที่จะได้ชื่นชมภาพผู้หญิงที่แสนวิเศษ ทั้งหมดเขียนขึ้นในสไตล์ Klimtian อันเป็นเอกลักษณ์ โดยมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปะประดับ และสัญลักษณ์ ภาพต่อมาแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในสวน ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับภาพบุคคลอื่นๆ ที่มีการวาดภาพภายใน
ในปี ค.ศ. 1899 Klimt วาดภาพเหมือนของภรรยาของเขา Serena โดยได้รับมอบหมายจาก August Lederer รูปแบบผืนผ้าใบถูกยืดออกในแนวตั้งและรูปยืนนั้นใช้พื้นที่ว่างเกือบทั้งหมด พื้นหลังไม่รู้ว่านางแบบอยู่ที่ไหน ดูเหมือนว่าเธอจะอยู่นอกเหนือกาลเวลาและสถานที่

การแยกตัวของกรุงเวียนนาสามารถดำเนินกิจกรรมต่างๆ ได้ก็ต่อเมื่อมีการสนับสนุนที่ดีเท่านั้น
ผลงานที่สร้างขึ้นโดยศิลปินระหว่างปี พ.ศ. 2441 ถึง พ.ศ. 2446 มีลักษณะทั้งสัญลักษณ์และอิมเพรสชั่นนิสม์
นี่เป็นผลงานชิ้นแรกที่ Klimt วาดในรูปแบบใหม่: ภาพเหมือนของผู้หญิงคลาสสิกทั่วไปมากกว่าเชิงจิตวิทยา (ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงความลึกของโลกภายในของนางแบบ ประสบการณ์ของเธอ)
ศิลปินทำให้ Sonya มีสีหน้าเหมือนฝัน แต่ในขณะเดียวกันเธอก็โดดเด่นด้วยความเย่อหยิ่ง ความเฉยเมย และความห่างเหิน ในเชิงองค์ประกอบ ภาพวาดสามารถแบ่งออกตามแนวทแยงมุมได้เป็นสองส่วน: คลิมต์ตัดกันความมืดและแสงสว่าง พื้นหลังและเบื้องหน้า ความว่างเปล่าและความสมบูรณ์ ในอีกด้านหนึ่ง Frau Knieps มีความสมจริงและมีชีวิตชีวา ในทางกลับกัน เธอไม่สามารถเข้าถึงได้และอยู่ห่างไกล เธอใช้มือซ้ายจับที่วางแขนราวกับว่าเธอต้องการยืนขึ้น รุ่นที่แสดง
ใบหน้าที่แสดงออกซึ่งล้อมรอบด้วยผมสีเข้มและคิ้วสีดำหนาโดดเด่นตัดกับพื้นหลังสีพาสเทล ความสมจริงในการพรรณนาใบหน้าและมือผสมผสานกับความโปร่งสบายของเสื้อผ้า: การแต่งกายพลิ้วไหวไปตามขาของนางเอก - ดูเหมือนว่าเธอจะ "เกิด" จากฟองทะเล เอฟเฟกต์ได้รับการปรับปรุงโดยข้อเท็จจริงที่ว่าไม่มีพื้นที่ว่างในเบื้องหน้าของภาพ: เซเรน่าดูเหมือนจะไม่ได้ยืนอยู่บนพื้น
เออร์มิเน กัลเลีย, née แฮมเบอร์เกอร์ (1870-1936) ในปีพ.ศ. 2436 เธอแต่งงานกับลุงของเธอ มอริตซ์ กัลเลีย ซึ่งเป็นที่ปรึกษาของรัฐบาลซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ใจบุญที่มีน้ำใจมากที่สุดในยุคนั้น
เป็นที่น่าสังเกตว่าผู้หญิงคนนี้สวมชุดที่ Gustav Klimt ออกแบบเอง น่าเสียดายที่เป็นไปไม่ได้ที่จะเห็นสีที่แท้จริงที่ปรมาจารย์ใช้ เนื่องจากเม็ดสี (หนึ่งในส่วนประกอบของสี) ของภาพวาดนี้มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเมื่อเวลาผ่านไป
นี่เป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของการถ่ายภาพบุคคลในช่วงเวลานี้: Klimt ตัดขอบล่างของร่างออก: ชุดของนางแบบอยู่เลยกรอบไปมองไม่เห็นขาซึ่งสร้างความประทับใจให้กับนางเอกที่ลอยอยู่ เอฟเฟกต์นี้ได้รับการปรับปรุงตามคอนทราสต์: ในภาพเหมือนของ Serena มีชุดสีขาวและผมสีเข้ม ในภาพเหมือนของ Maria Henneberg มีชุดสีอ่อน ผมสีเข้ม และช่อดอกไม้สีม่วง
ในปี 1905 Klimt วาดภาพเหมือนของ Margaret Stonborough-Wittgenstein ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพผู้หญิงที่น่าสนใจที่สุด เด็กผู้หญิงสมัยใหม่และมีการศึกษาคนนี้เป็นของชนชั้นสูงชาวเวียนนา พ่อของฉันสั่งรูปนี้ให้เป็นของขวัญวันแต่งงาน เจ้าสาวของแพทย์ชื่อดังชาวอเมริกัน โธมัส สโตนโบโรห์ ในชุดสีขาวตัดกับพื้นหลังสีอ่อน มองไปไกลราวกับฝัน เป็นที่ทราบกันดีว่าเธอไม่พอใจผลงานของศิลปินมากนัก

ศิลปินรู้วิธีทำให้สามีพอใจ: เขาวาดภาพภรรยาของพวกเขาด้วยสีหน้าสงบและชวนฝันบนใบหน้าของพวกเขา ทำให้พวกเขาแสร้งทำเป็นไม่แยแส ความเย่อหยิ่ง และแยกตัวออกจากโลก
เวียนนารักคลิมท์เช่นนี้ ในตอนท้ายของศตวรรษ จิตใจของกลุ่มปัญญาชนถูกครอบงำโดยหัวข้อการต่อสู้ของเพศ ซึ่งก็คือการครอบงำของผู้หญิงเหนือผู้ชาย การอภิปรายเกี่ยวกับปัญหานี้ยังคงดำเนินต่อไปในร้านเสริมสวยและแสดงความคิดเห็นต่างๆ ประชาชนที่ร่ำรวยและจุกจิกพอใจกับผลงานของศิลปินผู้อุปถัมภ์จากสังคมชั้นสูงไม่ปฏิเสธการสนับสนุนการแยกตัวออก
ความสัมพันธ์ระหว่างเออร์เนสต์และเฮเลนาพัฒนาอย่างรวดเร็วและจบลงในงานแต่งงาน แต่กุสตาฟและเอมิเลียไม่เคยแต่งงานกันแม้ว่าพวกเขาจะยังสนิทสนมกันตลอดชีวิตก็ตาม

เด็กหญิงวัย 13 ปีผู้น่ารักถูกพ่อของเธอ ซึ่งเป็นช่างทำตู้ Hermann Flöge พาเด็กหญิงวัย 13 ปีมาที่ Klimt (ซึ่งในที่สุดก็ร่ำรวยและกลายเป็นผู้ผลิตไปป์รายแรกในจักรวรรดิทั้งหมด) เมื่อเห็นความสามารถในการวาดภาพของลูกสาว เขาจึงตัดสินใจส่งเธอไปเรียนกับศิลปิน เอมิเลียไม่ได้วาดภาพอย่างมืออาชีพ แต่บทเรียนก็ไม่ไร้ประโยชน์ พี่น้องสตรีฟลอเกทุกคนเป็นนักระบายน้ำที่ดีเยี่ยม Polina คนโตเปิดโรงเรียนสำหรับช่างเย็บ เอมิเลียก็ศึกษาที่นั่นมาระยะหนึ่งแล้ว

ในเวลาเดียวกัน อาจารย์ได้วาดภาพหญิงสาวงามสองภาพ ต่อมา คุณลักษณะที่คุ้นเคยจะปรากฏในผลงานอื่นๆ ของปรมาจารย์ แต่ตอนนี้...
ไม่มีผู้ชายคนอื่นนอกจาก Klimt ในชีวิตของเอมิเลีย เมื่อหญิงสาวตระหนักว่าการหวังว่าจะได้มีชีวิตครอบครัวร่วมกับคนที่เธอรักนั้นไร้จุดหมาย เธอก็หันไปขอคำแนะนำจากซิกมันด์ ฟรอยด์ นักจิตวิเคราะห์มืออาชีพชื่อดังในขณะนั้น
ตามคำแนะนำเอมิเลียร่วมกับเฮเลนาได้เปิดบ้านแฟชั่นซึ่งดึงดูดรสนิยมของชนชั้นกลาง หญิงสาวเริ่มเป็นอิสระ มีความมั่นคงทางการเงิน และสามารถ "รักษา" จากความรักทางพยาธิวิทยาของเธอที่มีต่อเกจิได้ อย่างไรก็ตามความสัมพันธ์ไม่ได้จางหายไป แต่กลับแตกต่างออกไป: สงบขึ้นและเป็นมิตรมากขึ้น ศิลปินเรียกเอมิเลียว่าเป็นเพื่อนที่ดีที่สุดของเขา ชื่นชมคำแนะนำของเธอ และสนุกกับการใช้เวลาร่วมกับเธอ บางครั้งพวกเขาก็ปรากฏตัวพร้อมกันในงานสังคม

ภาพเหมือนของ Emilia Flöge เมื่ออายุ 17 ปี พ.ศ. 2434

คลิมท์เลือกรูปแบบแนวตั้งที่แคบและวาดภาพเอมิเลียด้วยความสูงเต็มตัว ท่าทางของนางเอกยังสื่อถึงความมุ่งมั่นและความมั่นใจ มือซ้ายวางบนสะโพก เงยหน้าขึ้นอย่างภาคภูมิใจ จ้องมองที่เปิดกว้างจับจ้องไปที่ผู้ชม
ศิลปิน "แต่งตัว" เด็กผู้หญิงในชุดที่ไม่ธรรมดาในเวลานั้นซึ่งเขาประดิษฐ์ขึ้น: ป่าและทุ่งนาดูเหมือนจะทอพรมและห่อร่างเพรียวบางด้วยรถไฟประดับ
ประชาชนมองว่าภาพนี้เป็นสิ่งที่ท้าทาย ในเวลานั้นเดรสที่มีระบายและจีบมากมายกำลังเป็นที่นิยม แต่นี่มัน! แม้แต่แม่ของศิลปินก็แสดงความไม่พอใจกับคอเสื้อที่ลึกเกินไปซึ่งในความเห็นของเธอนั้นเกินขอบเขตของความเหมาะสม
Klimt และ Flöge อยู่ด้วยกันมา 27 ปีแล้ว แม้จะมีผู้หญิงจำนวนมาก แต่ในช่วงเวลาที่ยากลำบากที่สุดของชีวิตของนายท่าน (การเสียชีวิตของพ่อ พี่ชาย แม่ของเขา) มีเพียงเอมิเลียเท่านั้นที่อยู่ใกล้ๆ เธออยู่กับเขาจนวาระสุดท้าย
ภาพถ่ายในปี 1907 แสดงให้เห็น Adele วัย 26 ปีกำลังนั่งอยู่บนเก้าอี้ ร่างนี้กินพื้นที่ทางด้านขวาทั้งหมดของผืนผ้าใบและดูเหมือนจะถูกตัดออกที่ด้านบน
ผ้าใบส่วนล่างที่สามทั้งหมดถูกครอบครองโดยชายกระโปรงของชุดของนางแบบ อเดลก็เหมือนกับเอมิเลียที่มองดูผู้ชม มือประสานกันที่หน้าอก โทนสีเย็นและภาพที่สมจริงของใบหน้าและมือตัดกันกับองค์ประกอบสีทองอบอุ่นขององค์ประกอบภาพ และโดดเด่นเหนือพื้นหลังของเครื่องประดับ ผมสีดำและริมฝีปากสีแดงขนาดใหญ่ที่ไม่สมส่วนยังดึงดูดสายตาไปยังใบหน้าของผู้หญิงที่ปรากฎในลักษณะที่ผิดปกติเช่นนี้
Adele สวมชุดรัดรูปและผ้าคลุมไหล่ ทุกสิ่งเต็มไปด้วยลวดลายที่ชื่นชอบของ Klimt: เกลียว ซึ่งเป็น "ดวงตาที่มองเห็นทุกสิ่ง" ที่จารึกไว้ในรูปสามเหลี่ยม สี่เหลี่ยมจัตุรัส และสี่เหลี่ยม ยากที่จะเดาได้ว่าเก้าอี้อยู่ที่ไหนในลวดลายลานตานี้ ไม่มีเงา ไม่มีความลึกของพื้นที่ ภาพมีความเรียบ สวยงาม
ออสเตรียสูญเสียบัตรโทรศัพท์ในปี 2549 ทายาท (ลูกสาวของพี่ชายของ Ferdinand Bloch-Bauer) Maria Altman ขาย Golden Adele ให้กับ Ronald Lauder ในราคา 135 ล้านเหรียญสหรัฐ อย่างไรก็ตาม การดำเนินการนี้นำหน้าด้วยการพิจารณาคดีอันยืดเยื้อเป็นเวลาเจ็ดปีเพื่อคืนสิ่งของมีค่าของครอบครัวของเธอ (รวมถึงภาพวาดของโบลช-บาวเออร์) ที่สูญหายระหว่างสงคราม

รัฐบาลออสเตรียพยายามรักษาสมบัติของชาติ: มีการเจรจากับธนาคารเกี่ยวกับการกู้ยืมเงินเพื่อซื้อภาพวาดจากอัลท์แมน และประชากรก็รับเงินบริจาค อย่างไรก็ตาม ความพยายามทั้งหมดไร้ประโยชน์: จำนวนเงิน 300 ล้านดอลลาร์ (ซึ่งเป็นมูลค่าภาพวาดของ Klimt ทั้งห้าภาพ) กลายเป็นมากเกินไป

สิ่งนี้ทำให้เกิดหายนะ "ทางศิลปะ" อย่างแท้จริงในบ้านเกิดของ Klimt เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึง Belvedere ที่ไม่มี "Golden Adele" เนื่องจากเป็นการทำซ้ำภาพวาดนี้ที่ประดับปกหนังสือนำเที่ยวของออสเตรียทั้งหมด เฮอร์เบิร์ต โฟรดี (ผู้อำนวยการแกลเลอรี) เรียกเหตุการณ์นี้ว่า “เป็นการสูญเสียอย่างมหาศาลสำหรับคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์และพื้นที่วัฒนธรรมของออสเตรียโดยรวม” ชาวออสเตรียหลายล้านคนสูญเสียสัญลักษณ์ของตน ตอนนี้ภาพวาดอยู่ใน New Gallery ในนิวยอร์ก (เจ้าของคือ Ronald Lauder ผู้ประกอบการชาวอเมริกัน)
อย่างไรก็ตาม ภาพเหมือนของ Adele นี้ไม่ใช่เพียงภาพเดียวเท่านั้น
ความงามที่มีผมสีดำสวมหมวกใบใหญ่ปรากฏอยู่ตรงกลางจากด้านหน้า เธอมองไปยังผู้ชมที่ไหนสักแห่งในระยะไกล พื้นหลังถูกแบ่งออกเป็นระนาบขนาดใหญ่ ซึ่งจัดอย่างประณีตตามจิตวิญญาณของ Klimt โดยใช้ผ้าแบบตะวันออก สีมีความละเอียดอ่อนและเข้มข้น

รัก. พ.ศ.2438 สีน้ำมัน ผ้าใบ พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches 62.546.5 ซม. (เวียนนา ออสเตรีย)

ในเวลานี้ศิลปินเริ่มเบี่ยงเบนไปจากทองคำที่มีอยู่มากมายตามปกติเล็กน้อย ในภาพบุคคลนี้ เช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ ในยุคนั้น ร่างนั้นยืนอย่างมั่นใจบนเท้าของเขา ไม่มีภาพลวงตาของการบินและการทะยานที่สร้างขึ้นโดยชุดเดรสที่ครอบตัดซึ่งยื่นออกไปนอกกรอบอีกต่อไป รู้สึกถึงอิทธิพลของมาติสเซ่
ภาพที่สองของ Adele ยังออกจากประเทศออสเตรียบ้านเกิดของเธอด้วย: ในปี 2549 ขายให้กับคอลเลกชันส่วนตัวในราคา 88 ล้านดอลลาร์
มีผลงานอื่นๆ ก่อนหน้านี้ซึ่งมี Adele Bloch-Bauer เป็นนางแบบ เธอสามารถจดจำได้ง่ายใน Judith I และใน Judith II

"ยุคทอง"
ตั้งแต่ปี 1903 Klimt เดินทางบ่อยมาก: เขาไปเยี่ยมชมเวนิส, ราเวนนา, ฟลอเรนซ์, มาดริด, โรม, บรัสเซลส์ หลังจากนี้ "ยุคทอง" ของงานของเขาเริ่มต้นขึ้น: ศิลปินยืมเทคนิคใหม่จากปรมาจารย์ชาวอิตาลี การปิดทอง, ภาพนูนของเครื่องประดับ, ของตกแต่ง - นี่คือคุณสมบัติเฉพาะของผลงานในยุคนี้
ภาพบุคคลของ Fritz Ridler ในปี 1906 แสดงพื้นผิวพื้นหลังสีทองซึ่งอาจเป็นได้ทั้งผนังหรือพื้น ศิลปินผสมผสานภาพแผนผังภาพร่างและรายละเอียดอย่างละเอียดได้อย่างง่ายดาย ฟริตซ์กำลังนั่งอยู่บนเก้าอี้ เครื่องประดับที่ทำมาจากตานกยูง เช่นเดียวกับภาพบุคคลผู้หญิงอื่นๆ ภาพลักษณ์ของเธอผสมผสานความอ่อนโยนและความอ่อนน้อมถ่อมตนเข้ากับความเร้าอารมณ์และความหลงใหลที่ซ่อนอยู่
ภาพเหมือนของ Ridler ชวนให้นึกถึงภาพวาด Infanta Maria Teresa ของ Diego Velazquez ด้านหลังศีรษะของฟริตซ์มีองค์ประกอบประดับรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าเป็นรูปครึ่งวงกลม คล้ายกับทรงผมที่สวมใส่ในสมัยอินฟานตามาก
งานนี้มีความสำคัญไม่น้อยในงานต่อไปของ Klimt ที่นี่เป็นที่ซึ่งพบพื้นที่ปิดของพื้นหลังที่ปกคลุมไปด้วยทองคำเป็นครั้งแรก และมีแนวโน้มที่จะเกิดรูปทรงเรขาคณิตซึ่งแสดงออกมาอย่างเต็มกำลังในภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer (1907)
ภาพเหมือนของผู้หญิงใน "ยุคทอง" ซึ่งวาดตั้งแต่ปี 1903 ถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยโวหารเดียว ดูเหมือนว่านางแบบทั้งหมดจะหายไปในเครื่องประดับสีทอง ร่างนั้นสูญเสียโครงร่างไป - ดูเหมือนว่าพวกมันจะ "ลอย" อยู่ในโลกสมมติของ Klimt
หนึ่งในภาพวาดที่โดดเด่นในยุคนี้คือเพลงสรรเสริญความรัก - "The Kiss"

Klimt อ้างว่าเขาไม่เคยวาดภาพเหมือนตนเอง แต่ Gilles Néréมั่นใจว่าในภาพวาด "The Kiss" เขายังคงวาดภาพตัวเองและ Emilia Flöge ในรูปของนางเอกมีลักษณะคล้ายกันของ Emilia, Adele Bloch-Bauer และนางแบบผมสีแดง Hilda Roth ถูกจับ ต่อหน้าหญิงสาวบนผืนผ้าใบนี้ ศิลปินได้สร้างภาพลักษณ์โดยรวมของผู้หญิงคนหนึ่ง
เขาเป็นผู้ใหญ่แล้ว เธอยังเด็กและกำลังเบ่งบาน ความปรารถนา ความหลงใหล ความตึงเครียด พวกเขาอยู่ริมขอบหน้าผา คนเดียวในจักรวาล ชายและหญิงหลอมรวมกันเป็นหนึ่งพร้อมที่จะสลายไปความสุขอันท่วมท้นเข้าครอบครองทั้งกายและใจ
ออร่าของผืนผ้าใบชวนให้หลงใหล ไม่อาจละสายตาจากมันไปได้ ทุกคนเห็นสิ่งที่แตกต่างในภาพ: ความหลงใหล ความอ่อนโยน ความอ่อนน้อมถ่อมตน หรือแม้แต่การบังคับและการยอมจำนน
ความอุดมสมบูรณ์ของทองคำก็น่าประทับใจเช่นกัน พื้นผิวส่วนใหญ่ของผืนผ้าใบมีความแวววาว: เสื้อผ้าของตัวละคร ลำต้นของพืช และหยดน้ำในพื้นหลัง สิ่งนี้อาจส่งผลกระทบต่อความชื่นชมอย่างสูงของงานด้วยเนื่องจากโลหะมีค่ามีความเกี่ยวข้องกับเวทย์มนต์มาโดยตลอดและถือเป็นสัญญาณของความมั่งคั่งทางวัตถุและความสำคัญ
ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพวาดนี้ถูกเรียกว่า "ไอคอนสีทองของอาร์ตนูโว"
แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่า "The Kiss" จะเขียนช้ากว่า "The Golden Adele เพียงหนึ่งปี" แต่การเปลี่ยนแปลงบางอย่างในเทคนิคการวาดภาพตัวเลขก็มองเห็นได้ชัดเจน เพียงเห็นแวบแรกภาพก็คล้ายกันมาก ตัวอย่างเช่น Adele ถูกวางไว้ทางด้านขวาของผืนผ้าใบและรวมอยู่ในรูปแบบพื้นหลังโดยธรรมชาติ เสื้อผ้าของเธอซึ่งแบ่งออกเป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัส วงกลม และสามเหลี่ยมจำนวนอนันต์กลายเป็นส่วนสำคัญของมัน
แต่ใน "The Kiss" ปรมาจารย์ทำตัวแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ร่างชายและหญิงตั้งอยู่ตรงกลางผืนผ้าใบและแยกออกจากพื้นหลังที่เป็นกลางโดยทั่วไป นอกจากนี้ ขอบเขตของทุ่งดอกไม้ที่ศิลปินวางคู่รักโอบกอดไว้อย่างชัดเจนอย่างยิ่ง ความแตกต่างที่สำคัญอีกประการหนึ่งในภาพวาดคือลักษณะการแสดงใบหน้าของผู้หญิง
หลังจากที่ชาวเวียนนาแสดงความชื่นชมต่อ "The Kiss" Klimt ก็ยอมให้ตัวเองมีแผนการที่ตรงไปตรงมามากขึ้น: ใน "Danae" เพศหญิงก็มาถึงจุดสุดยอด ตามตำนาน กษัตริย์แห่ง Argos Acrisius เมื่อรู้ว่าเขาจะถูกหลานชายของเขาฆ่าตาย จึงกักขัง Danae ลูกสาวของเขาไว้ในหอคอยทองแดงและมอบหมายสาวใช้ให้กับเธอ เขาหวังว่าด้วยวิธีนี้เขาจะซ่อนเธอไว้จากผู้ชายได้อย่างน่าเชื่อถือ อย่างไรก็ตามแม้จะมีข้อควรระวังดังกล่าว Danae ก็ยังคงถูกกำหนดให้เป็นแม่ของ Perseus: ด้วยความหลงใหลในความงามของหญิงสาว Zeus จึงทะลุผ่านเธอในรูปของฝนสีทอง
โดยไม่ลังเลใจ Klimt วาดภาพนางเอกในช่วงเวลาแห่งความรักปีติยินดี หัวข้อนี้ถูกใช้โดยปรมาจารย์หลายคน เช่น Mabuse (1527), Titian (1545-1546, 1553-1554), Tintoretto (1580) และ Rembrandt (1636-1647) อย่างไรก็ตาม ไม่มีใครวาดภาพ Danae ในท่าทางที่เปิดเผยเช่นนี้ได้
และอีกครั้งไม่มีรายละเอียดที่ทำให้เสียสมาธิในภาพ มุมมองที่บิดเบี้ยว การเลือกมุมที่ไม่ธรรมดา เครื่องประดับสีทองอลังการ ทั้งหมดนี้ออกแบบมาเพื่อแสดงความงามตามธรรมชาติของผู้หญิง ร่างกายของ Danae เป็นรหัสประดับชนิดหนึ่ง ดูเหมือนว่าผู้ชมจะปรากฏตัวในการแสดงที่ใกล้ชิดมาก แต่ในขณะเดียวกันก็อยู่ห่างจากกัน

Gustav Klimt กับ Emilie Flöge ในสวนของ Villa Oleander ใกล้กับ Attersee

เป็นเวลานานแล้วที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะไม่ได้ให้ความสนใจกับภาพของวงกลมที่ประดับผ้าคลุมเตียงทางด้านขวาของผืนผ้าใบ เพียงหลายทศวรรษต่อมานักชีววิทยาก็ระบุว่าพวกมันเป็นถุงบลาสโตซิสต์ (ระยะแรกของการพัฒนาตัวอ่อนของสัตว์เลี้ยงลูกด้วยนม) อาจเป็นไปได้ว่า Klimt ได้รับความรู้ดังกล่าวจากการบรรยายทางวิทยาศาสตร์ที่สามีของ Bertha Zuckerkandl มอบให้ในบ้านของเขา (เขาเป็นนักกายวิภาคศาสตร์ชาวฮังการี - ออสเตรียที่มีชื่อเสียง)

เป็นที่น่าสนใจว่า "Danae" เป็นภาพวาดเชิงเปรียบเทียบชิ้นแรกที่ศิลปินละทิ้งรูปแบบแนวตั้งที่ยาวออกไปโดยเลือกใช้สี่เหลี่ยมจัตุรัส ที่ด้านล่างซ้ายของผืนผ้าใบคุณจะพบสี่เหลี่ยมสีดำเล็ก ๆ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นชาย (ภาพนี้ยังพบได้ในผลงานอื่น ๆ ของปรมาจารย์เช่นใน "The Kiss" ซึ่งมีสี่เหลี่ยมสีดำและสีขาวบนเสื้อคลุมของผู้ชาย แตกต่างอย่างมากกับวงกลมบนเสื้อผ้าที่เขารักและตรงกันข้ามกับพวกเขา) .
ในปี 1909 Klimt ไปปารีสซึ่งเขาค้นพบ Henri de Toulouse-Lautrec เริ่มคุ้นเคยกับผลงานของ Vincent Van Gogh, Paul Gauguin และ Pablo Picasso รวมถึงผู้นำขบวนการ Fauvism อย่าง Henri Matisse ต่อมาผลงานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่องานของ "ปรมาจารย์พู่กันทองคำ" ชาวออสเตรีย (ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนในภาพวาด "Virgin" ซึ่งสีเหลือง, สีเขียว, สีแดง, สีฟ้าและสีม่วงกลายเป็นสัญลักษณ์ของชีวิต พิชิตความสงบแห่งการนอนหลับ)

ทายาทของ Stoclet ยังไม่ได้ตัดสินใจว่าจะทำอย่างไรกับอาคารดังนั้นน่าเสียดายที่ทางเข้าด้านในปิดไม่ให้นักท่องเที่ยวเข้ามา ไม่มีใครอาศัยอยู่ในวังมาหลายปีแล้ว

ผลงานชิ้นสำคัญชิ้นสุดท้ายของ Klimt คือผ้าสักหลาดสำหรับห้องอาหารในพระราชวังบรัสเซลส์ ศิลปินสร้างภาพร่างของแผงโมเสกและ Leopold Forstner ทำงานในวัสดุนี้
กระเบื้องโมเสคตั้งอยู่บนผนังทั้งสามด้าน: มีการติดตั้งส่วนที่คิดขนาดใหญ่สองส่วนตรงข้ามกันโดยมีเม็ดมีดตกแต่งเล็ก ๆ อยู่ระหว่างนั้น พวกเขาทำจากวัสดุต่างๆ: หินอ่อน, เซรามิก, กระเบื้องปิดทองและเคลือบฟัน, ตกแต่งด้วยไข่มุกและหินกึ่งมีค่า

เพื่อดำเนินการตามแผน Hoffman ดึงดูดทีมงานมืออาชีพ รวมทั้ง Klimt ด้วย ด้วยความหลงใหลในแนวคิด "งานศิลปะโดยรวม" และไม่ จำกัด ด้วยเงินทุนสถาปนิกจึงสร้างสิ่งใหม่ที่สมบูรณ์แบบซึ่งไม่มีอะนาล็อก แต่ต่อมาทำให้เกิดการเลียนแบบมากมาย
ทิวทัศน์
ส่วนหนึ่งของมรดกของ Klimt คือทิวทัศน์ เขาถูกดึงดูดอย่างไม่อาจต้านทานได้ด้วยทะเลสาบคริสตัล ภูเขาสูง และป่าทึบ เขาชอบบริเวณรอบๆ ทะเลสาบ Attersee ทางตอนเหนือของภูมิภาคเป็นพิเศษ ซึ่งเขามักจะไปพักผ่อนร่วมกับ Emilia Flöge บ่อยครั้ง ที่นั่นเขาวาดภาพทิวทัศน์มากมาย
งานเหล่านี้ไม่ใช่งานสั่งทำ: อาจารย์สร้างขึ้นในช่วงเวลาแห่งการพักผ่อน ซึ่งแตกต่างจากภาพบุคคลและภาพวาดตกแต่งส่วนใหญ่ที่ดำเนินการบนผืนผ้าใบแนวตั้งที่มีความยาว มีการเลือกรูปแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัสสำหรับทิวทัศน์เกือบทั้งหมด จากข้อมูลของ Klimt สี่เหลี่ยมจัตุรัสเป็นรูปทรงที่มั่นคงที่สุด คงที่ และสมบูรณ์
ลักษณะพิเศษของงานเหล่านี้คือเมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูเหมือนว่างานเหล่านี้จะแตกออกเป็นชิ้นกระเบื้องโมเสคนับร้อยนับพันชิ้น นักวิจัยบางคนเกี่ยวกับผลงานของศิลปินรายนี้แนะนำว่าก่อนอื่นเขามองผ่านกล้องโทรทรรศน์ในสิ่งที่เขาจะวาด
ในลักษณะของการวาดภาพน้ำ อิทธิพลเชิงสร้างสรรค์ของอิมเพรสชั่นนิสต์สามารถติดตามได้: การถ่ายโอนของการสะท้อนบนน้ำ ไคอาโรสคูโรและการกะพริบของแสง เช่นเดียวกับการแยกเส้นลายเส้นที่ชัดเจนและการใช้เฉดสีอ่อนของสี สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพยนตร์เรื่อง "Swamp" และ "Island on Attersee"

ในผลงานเหล่านี้ ศิลปินไม่เพียงให้ความสนใจในการวาดภาพผิวน้ำอย่างระมัดระวังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรายละเอียดทางสถาปัตยกรรมของปราสาทโบราณที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 13 ด้วย
อย่างไรก็ตามอาจารย์ได้บรรยายภาพ Kammer และสภาพแวดล้อมที่งดงามของมันมากกว่าหนึ่งครั้ง ผลงานชิ้นแรกๆ มีอายุย้อนไปถึงปี 1908
ตามที่นักวิจัยผลงานของ Klimt อิทธิพลของ Van Gogh นั้นมองเห็นได้ชัดเจนในงานนี้: นี่คือตัวเลือกของจานสีและลายเส้นนูน กิ่งก้านที่เกือบจะตั้งขึ้นในแนวตั้งเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นระเบียบเรียบร้อยภายนอกและความกลมกลืนของธรรมชาติ
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งถือเป็น "ปราสาท Malcesine บนเกาะการ์ดา" (ศิลปินไปพักผ่อนที่นั่นกับเอมิเลียในปี 2456) สถานที่กลางบนผืนผ้าใบถูกครอบครองโดยปราสาทยุคกลางของ Scaligers ซึ่งเป็นโครงสร้างการป้องกันที่ทรงพลังซึ่งเมือง Malcesine เติบโตขึ้นตามกาลเวลา น่าเสียดายที่ภาพวาดนี้สูญหายไปในปี พ.ศ. 2488
ผลงานเดียวที่ยังมีชีวิตอยู่ที่แสดงภาพการ์ดาคือ “Church in Kassone” (อีกชื่อหนึ่งคือ “Landscape with Cypress Trees”) เมืองตากอากาศถูกทาสีจากเรือ ไม่มีท้องฟ้าบนผืนผ้าใบ อาคารต่างๆ กลายเป็นศูนย์กลางของการจัดองค์ประกอบภาพ ภาพส่วนใหญ่ถูกครอบครองโดยโบสถ์เก่าแก่

มงกุฎเขียวชอุ่มของต้นไม้ทรงกลมและต้นไซเปรสสีเข้มสร้างความสมดุลให้กับอาคารที่สว่างไสว
ชะตากรรมของภาพไม่ใช่เรื่องง่าย เดิมทีเป็นของ Victor และ Paula Zuckerkandl
เป็นเวลาหลายทศวรรษที่ไม่ทราบชะตากรรมของภาพวาด แต่ในปี 1962 มีการจัดแสดงในออสเตรียโดยมีเครื่องหมาย "จากคอลเลกชันส่วนตัว" หลังจากข้อตกลงระหว่างเจ้าของภูมิทัศน์นิรนามกับเจ้าของโดยชอบธรรม ซึ่งเป็นบุตรชายของมาทิลเด เรดลิช คริสตจักรที่คาสโซเนจึงถูกขายที่ร้าน Sotheby's ในปี 2010 ในราคามากกว่า 43 ล้านดอลลาร์ นี่เป็นหนึ่งในภูมิประเทศที่แพงที่สุดของ Klimt

กลุ่มศิลปินผู้ก่อตั้ง Vienna Secession (Klimt ประทับบนบัลลังก์)

เป็นเรื่องปกติที่ทิวทัศน์ในยุคแรกๆ ของ Klimt จะใช้สีเข้ม แต่งานต่อมาเขียนด้วยสีที่อิ่มตัวมากขึ้นซึ่งทำให้เกิดความลึกลับ
“ Lake Shore with Birches” มีอายุย้อนไปถึงปี 1901: พื้นผิวน้ำเป็นประกาย ทางด้านขวาของผืนผ้าใบถูกขวางด้วยลำต้นที่ยืดหยุ่นสองอัน ภาพนี้โดดเด่นด้วยมุมที่ไม่คาดคิด ความแตกต่างของรูปแบบ และในขณะเดียวกันก็ความสามัคคีและความซับซ้อนขององค์ประกอบภาพ ดังนั้นต้นไม้ทางด้านขวาจึงถูกทาสีจากระยะใกล้มากและฝั่งตรงข้ามทางด้านซ้ายจะแสดงในมุมมองที่กลับกัน ต้นเบิร์ชที่ทอดยาวตัดผ่านผืนสามเหลี่ยมของทะเลสาบ ซึ่งสะท้อนรูปร่างของพุ่มไม้ซ้ำ ลำต้นสีขาวเงินในเบื้องหน้าตัดกับต้นไม้สีเข้มในระยะไกล หญ้าเขียวชอุ่ม และดอกไม้สีเหลืองกระจัดกระจายตัดกับพื้นผิวสีน้ำเงินของทะเลสาบ
เป็นที่น่าสนใจที่ภาพวาดของชาวออสเตรียผู้โด่งดังนี้กลายเป็นที่รู้จักเมื่อไม่นานมานี้ ในปี 1902 สามีภรรยาคู่หนึ่งจากเนเธอร์แลนด์ซื้อมันในงานนิทรรศการที่เมืองดุสเซลดอร์ฟ

Klimt (แม้ว่าตามกฎแล้วศิลปินไม่ได้วาดภาพทิวทัศน์) นอกจากนี้ ยังมีการค้นพบภาพถ่ายที่ไม่ทราบมาก่อนจากนิทรรศการที่จัดขึ้นในปี 1902 ที่ Secession House บนผนังด้านหนึ่งมองเห็น "ริมทะเลสาบที่มีต้นเบิร์ช" ได้ชัดเจน

ลำต้นสีขาวเทามีจุดดำโดดเด่นชัดเจน ด้วยวิธีที่น่าทึ่งอย่างยิ่ง ด้วยการใช้สีเพียงไม่กี่สี Klimt จึงสามารถบรรลุความสมจริงอันน่าทึ่งในการวาดภาพทิวทัศน์
ขอบด้านบนของผืนผ้าใบป่าทั้งหมดถูกตัดออกดังนั้นจึงถูกคลุมด้วยลำต้นของต้นไม้ซ้ำ แนวดิ่งนี้ทำให้ดูเหมือนพรมทอ (“ป่าสน”, “ป่าบีช”, “ป่าเบิร์ช”)
ใน "Beech Grove" ผืนผ้าใบส่วนใหญ่อุทิศให้กับพื้นหลังหลากสี - พรมใบไม้ร่วงไม่มีพื้นที่ว่างซึ่งศิลปินไม่ชอบมากนัก (ยกเว้น "Beech Grove" ซึ่งมองเห็นท้องฟ้าได้ ตรงนี้และตรงนั้นระหว่างลำต้นด้านบน) ในงานเหล่านี้ไม่มีแม้แต่ร่องรอยของการมีอยู่ของมนุษย์หรือสัตว์ แต่การพรรณนาถึงธรรมชาติไม่ได้ไร้ซึ่งชีวิต ภูมิทัศน์ทุกแห่งหายใจ เศร้า และชื่นชมยินดี ฤดูใบไม้ร่วงไม่เพียงแต่เติมเต็มพวกเขาด้วยสีสันเท่านั้น แต่ยังเต็มไปด้วยเสียงกรอบแกรบของใบไม้ที่ร่วงหล่นและกลิ่นหอมที่เน่าเปื่อยอีกด้วย
แม้ว่าศิลปินจะทำซ้ำสิ่งที่เขาเห็น "ที่นี่และเดี๋ยวนี้" (ตามกฎแล้วเขาไม่ได้วาดภาพทิวทัศน์เมื่อทำงานเกี่ยวกับทิวทัศน์ด้วยซ้ำด้วยดินสอ) แต่ภาพวาดเหล่านี้ไม่สามารถจัดว่าเป็นอิมเพรสชั่นนิสม์ได้ ต่างจากตัวแทนของการเคลื่อนไหวนี้ "ปรมาจารย์พู่กันทองคำ" ไม่สนใจที่จะใคร่ครวญทิวทัศน์ที่เรียบง่ายและการทำสำเนาบนผืนผ้าใบ
ภูมิทัศน์ที่มีต้นป็อปลาร์โดดเด่นซึ่งศิลปินถ่ายทอดสภาวะทางธรรมชาติที่ไม่ธรรมดา: พายุฝนฟ้าคะนองที่กำลังใกล้เข้ามาในเวลาพลบค่ำ ภาพนี้แสดงถึงความวิตกกังวลและความลึกลับ ตามองค์ประกอบแล้ว ผืนผ้าใบส่วนใหญ่มอบให้กับท้องฟ้า:
เมฆรูปร่างแปลกประหลาดรวมตัวกันอยู่เหนือต้นป็อปลาร์ขนาดยักษ์ เงาของต้นไม้ที่อยู่ด้านหลังโบสถ์เล็ก ๆ ดูเหมือนพายุทอร์นาโดที่กำลังจะกลืนกินทุกสิ่งที่ขวางหน้า ในการวาดภาพมงกุฎ Klimt ใช้เทคนิค pointillist: เขาวาดด้วยลายเส้นเล็ก ๆ เกือบเป็นจุด
ลักษณะการวาดภาพแบบเดียวกันนี้เป็นลักษณะของงานในภายหลังซึ่งนอกจากนี้ยังมีความไม่สมมาตรการแบ่งระนาบและโทนสีที่เข้มข้นอีกด้วย คุณสมบัติที่โดดเด่นของพวกเขาคือจานสีที่ค่อนข้างสมบูรณ์และลายเส้นเศษส่วนขนาดเล็ก ต้องขอบคุณเทคนิคเหล่านี้ที่ทำให้อาจารย์สามารถจัดโครงสร้างองค์ประกอบได้อย่างชัดเจน ข้อยกเว้นคืองานของปี พ.ศ. 2441 - "ออร์ชาร์ด" ซึ่งใช้เพียงไม่กี่สีเท่านั้น

ทำงานร่วมกับภาพดอกไม้ (เช่น "สวนดอกไม้", "ทุ่งดอกป๊อปปี้", "ทุ่งดอกไม้บาน") มีลักษณะคล้ายลวดลายหลากสีบนผ้าลายผ้า: ดูเหมือนว่าพวกมันจะประกอบด้วยชิ้นกระเบื้องโมเสคซ้ำแล้วซ้ำอีก
ปรมาจารย์ไม่เหมือนกับอิมเพรสชั่นนิสต์ตรงที่ไม่ค่อยกระตือรือร้นในการถ่ายทอดแสงและเงา: ภูมิทัศน์ดอกไม้ของเขาค่อนข้างเป็นแผนผัง ตกแต่งอย่างประณีตและมีรายละเอียดมาก (ซึ่งแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลโดยทั่วไปของตะวันออกในอาร์ตนูโว)
"Field of Poppies" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่หลอกลวงที่สุดของ Klimt เป็นที่น่าสังเกตว่าในงานนี้ (แต่สิ่งนี้ใช้ได้กับ "ทุ่งดอกไม้บาน" ที่เขียนในอีกสองปีต่อมาด้วย) มีมุมมองบางอย่าง: ขนาดของดอกป๊อปปี้และต้นไม้จะเล็กลงเมื่อเข้าใกล้ขอบฟ้า
กราฟิกที่เร้าอารมณ์และเป็นธรรมชาติ

Gustav Klimt เป็นนักเขียนแบบร่างที่โดดเด่น ก่อนที่จะเริ่มวาดภาพ เขาได้วาดภาพร่างและภาพร่างมากมาย
ภาพวาดหลายชิ้นของ Klimt เป็นงานศิลปะอิสระที่เปิดเผยความลับของสไตล์การสร้างสรรค์ของศิลปินและวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับโลก ในภาพวาดทางเพศที่ไร้การควบคุมของนางแบบถูกซ่อนไว้บางส่วนด้วยเสื้อผ้าที่ตกแต่งอย่างสดใสและเครื่องประดับพื้นหลัง แต่ภาพวาดเผยให้เห็น Klimt ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
มรดกอีกส่วนหนึ่งที่ปรมาจารย์ทิ้งไว้คือผลงานที่เร้าอารมณ์อย่างเปิดเผย (บางชิ้นได้รับการยกย่องจากนักวิจารณ์ว่าเป็นผลงานที่ดีที่สุดของ Klimt) ในนั้นเขาแสดงให้เห็นผู้หญิงในช่วงเวลาที่ใกล้ชิดที่สุด: ที่จุดสูงสุดของความสุขสูงสุดในช่วงเวลาแห่งความหลงใหลที่ไร้การควบคุมหรือการนอนหลับอันเงียบสงบหลังจากการเกี้ยวพาราสี (ตัวอย่างเช่นสิ่งเหล่านี้รวมถึง "นอนหงายท้อง", "นอนเปลือย" เช่น รวมถึงภาพร่างเตรียมการสำหรับ "Danae" ") ศิลปินชื่นชมพวกเขาและชื่นชมพวกเขาแบ่งปันอารมณ์ของเขากับผู้ชม ผู้หญิงในภาพวาดของเขามีอิสระทางเพศและมีความรู้สึกไวเกินปกติ
งานกราฟิกบางชิ้นมีความสมจริงอย่างเหลือเชื่อ ซึ่งรวมถึง "Nude II": ด้วยความแม่นยำที่น่าทึ่งโดยใช้เพียงชอล์กสีดำและดินสอสีขาวเท่านั้น Master พรรณนาถึงร่างของผู้หญิงที่เปลือยเปล่า

สวนในชนบทที่มีดอกทานตะวัน 2449 สีน้ำมัน, ผ้าใบ. 110110 ซม. Belvedere Gallery (เวียนนา ออสเตรีย)

ปีสุดท้ายของชีวิต ผลงานต่อมา
ผลงานที่สร้างโดย Klimt ในช่วงปี 1910-1911 ถึง 1917-1918 สามารถจำแนกได้ว่าเป็นงานสาย พวกเขาแสดงคุณลักษณะที่แตกต่างจากขั้น "ทอง" ของความคิดสร้างสรรค์ก่อนหน้านี้: การปิดทองจำนวนมากหายไป และการแสดงออกปรากฏในภาพ เป็นการสังเกตการผสมผสานระหว่างสัญลักษณ์และการแสดงออก
สาวยั่วยวนลึกลับและร้ายกาจหายตัวไปจากผืนผ้าใบ พวกเขาถูกแทนที่ด้วยผู้หญิงที่น่ารักและอ่อนโยน (“The Lady in the Black Hat”) ร่างถูกยืดออก รูปทรงของมันดูโค้งมนมากขึ้น ศิลปินใช้จานสีที่สว่างกว่า ลายเส้นพู่กันมีอิสระมากขึ้น และลวดลายเรขาคณิตเล็กๆ เข้ามาแทนที่ลวดลายดอกไม้ในสไตล์ตะวันออก
“ Mother with Children” เป็นหนึ่งในผลงานช่วงปลายไม่กี่ชิ้นของปรมาจารย์ที่มีคุณสมบัติการแสดงออก
ทั้งแม่ เด็ก และทารกต่างก็หลับตา ดูเหมือนพวกเขาจะนอนหลับอย่างสงบ อย่างไรก็ตาม ในความเป็นจริงแล้ว ภาพการนอนหลับของ Klimt นั้นใกล้จะตายอยู่เสมอ โทนสีที่ค่อนข้างเข้มของภาพก็บ่งบอกถึงสิ่งนี้เช่นกัน แม้ว่าการเลือกสีดังกล่าวยังสามารถเป็นสัญลักษณ์ของชะตากรรมของครอบครัวได้: ความยากจน การเร่ร่อน การกีดกัน

ภาพวาด “เด็กผู้หญิง” เป็นเรื่องราวที่เป็นเอกลักษณ์ของการเปลี่ยนแปลงของสาวงามให้กลายเป็นผู้หญิง ตัวละครหลักเป็นเด็กสาว เธอนอนหลับตาราวกับฝันและกางแขนออก - ไร้เดียงสาและในขณะเดียวกันก็เซ็กซี่อย่างเปิดเผย เธอถูกรายล้อมไปด้วยผู้หญิงครึ่งเปลือย มีประสบการณ์และมีความซับซ้อนมากกว่า

ผู้ชมกลายเป็นพยานถึงความรู้สึกที่เพิ่งตื่นขึ้นโดยไม่รู้ตัว Klimt พรรณนาถึงฝูงชนน้ำตกหลากสีสันของร่างกายและเสื้อผ้าที่สดใส พวกเขารวมกันเป็นท่าที่แปลกประหลาด ผสมกับองค์ประกอบตกแต่งของพื้นหลัง เช่นเคย ร่างกายได้รับการทาสีอย่างสมจริงด้วยเฉดสีชมพูอ่อน และเนื้อผ้าก็ทาสีหยาบ มีสไตล์ และสดใส
ครอบครัวนี้อาศัยอยู่ในโมราเวีย ดังนั้นอาจารย์จึงวาดภาพร่างแรกในระยะไกล เมื่อเซสชั่นเริ่มต้นในสตูดิโอในกรุงเวียนนา เด็กหญิงได้รับอนุญาตให้เดินไปรอบๆ เวิร์คช็อป เล่นกับผ้าจีนซึ่งมีอยู่มากมายรอบๆ และโยนลูกบอลกระดาษออกไปนอกหน้าต่างบนหัวของผู้คนที่เดินผ่านไปมา เธอเป็น อายุเพียงเก้าขวบ ดังนั้นเธอจึงไม่สามารถนิ่งเฉยได้เป็นเวลานาน

ศิลปินต้องสร้างการศึกษามากมายก่อนที่จะเลือกท่าสุดท้าย: Meda ยืนตัวตรง มือขวาวางบนสะโพก จ้องมองไปที่ผู้ชมโดยตรง รูปร่างของเธอในชุดเดรสสีอ่อนโดดเด่นสะดุดตากับพื้นหลังของผนังสีม่วงเรียบๆ
ในปี 1913 Klimt วาดภาพแม่ของ Meda ซึ่งเป็นนักแสดงหญิง Eugenia Primavesi บนพื้นหลังลายดอกไม้สีเหลืองสดใส

ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ศิลปินได้สร้างชุดภาพวาดบุคคลที่ยอดเยี่ยม (ท่านบารอนเนส Elisabeth Bachofen Echt, Frederica Maria Beer) ซึ่งสามารถสืบย้อนถึงอิทธิพลของศิลปะญี่ปุ่นได้ ดูเหมือนว่าผู้หญิงจะถูกวาดบนพื้นหลังของผนังที่แขวนไว้โดยมีผ้าม่านเป็นรูปมนุษย์ ชุดเดรสยังสะท้อนถึงประเพณีตะวันออกอีกด้วย
Elisabeth Bachofen Echt เป็นลูกสาวของ August Lederer นักอุตสาหกรรมชาวยิวผู้มั่งคั่ง ความเปราะบางของหญิงสาวสมดุลด้วยเครื่องประดับรูปสามเหลี่ยมบนผนัง ซึ่งปกป้องเธอราวกับเสื้อคลุมวิเศษ
เฟรเดริกา มาเรีย เบียร์เป็นทายาทผู้มั่งคั่งและเป็นนักเลงศิลปะผู้กระตือรือร้น เป็นที่น่าสังเกตว่าเธอเป็นผู้หญิงคนเดียวที่วาดโดยศิลปินชาวออสเตรียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองคนในยุคนั้น: Gustav Klimt และ Egon Schiele นักเรียนของเขาซึ่งโดยวิธีการนั้นอยู่ข้างหน้าครูของเขาสองปี
เมื่อมองแวบแรก ภาพของ Elisabeth Bachofen Echt และ Frederica Maria Beer ค่อนข้างคล้ายกันทั้งในด้านเทคนิคและลักษณะการประหารชีวิต แต่ในภาพเหมือนของสตรีสังคมและผู้อุปถัมภ์เฟรเดริกามาเรียเบียร์ผู้ใจดีพวกเขาใหญ่กว่ามากแล้วดาบและหอกของพวกเขาไขว้ไปทางด้านหลังของเธอ เนื่องจากความแตกต่างระหว่างการต่อสู้แบบไดนามิกและความสงบอันเลือดเย็นของตัวแบบ จึงรู้สึกถึงความตึงเครียดบางอย่างในภาพ นักวิจัยผลงานของอาจารย์บางคนมีแนวโน้มที่จะเชื่อว่าสาเหตุหนึ่งในการสร้างพื้นหลังดังกล่าวคือช่วงเวลาของการวาดภาพซึ่งเกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง
จุดสุดยอดของยุคนี้คือ "นักเต้น" - เด็กผู้หญิงที่มีดอกลิลลี่สีเหลืองอยู่ในมือ ตามเวอร์ชันหนึ่งนี่เป็นภาพเหมือนของ Riya Munch II ที่ได้รับการแก้ไข (หรือค่อนข้างทำใหม่) ซึ่งแม่ของเด็กผู้หญิงไม่ชอบ ลักษณะเฉพาะของภาพนี้อยู่ที่ดอกไม้จำนวนมากอย่างไม่น่าเชื่อ: พวกมันครอบครองส่วนสำคัญของพื้นหลังและอัดแน่นอยู่ในช่อดอกไม้อันเขียวชอุ่มบนโต๊ะ นอกจากนี้ภาพที่เก๋ไก๋ของพวกเขายังปรากฏบนเสื้อคลุมของนางเอกด้วยซ้ำ: ดูเหมือนว่ามันถูกโรยด้วยดอกไม้ที่บานสะพรั่ง
อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ รูปร่างของนักเต้นก็ไม่ได้ละลายไปกับสีสันที่สดใสมากมายขนาดนี้
ในปี 1916 Klimt วาดภาพ Girlfriends เสร็จ น่าเสียดายที่มันไม่รอด (หายไประหว่างเกิดเพลิงไหม้ในปี 2488) ศิลปินพูดถึงความรักเลสเบี้ยนโดยไม่มีความลำบากใจอย่างแน่นอน นางเอกได้รับการถ่ายทอดด้วยความอบอุ่นอย่างไม่น่าเชื่อ ซึ่งเน้นด้วยโทนสีอ่อน ผ้าที่ละเอียดอ่อน และนกในเทพนิยาย ตัดกับพื้นหลังสีเดียวอันเงียบสงบ คอยาวของหญิงสาวที่อยู่เบื้องหน้าและศีรษะที่โพกศีรษะของเธอทำให้ผลงานนี้ดูยิ่งใหญ่อลังการแบบคลาสสิก

Amalia Zuckerkandl เป็นนางเอก Klimt อีกคนหนึ่งซึ่งเป็นญาติสนิทของนักข่าวและนักวิจารณ์ศิลปะชื่อดัง Bertha Zuckerkandl ซึ่งศิลปินมีความสัมพันธ์ฉันมิตรด้วย Bertha อุทิศผลงานสิ่งพิมพ์หลายชิ้นของเธอในสื่อให้กับผลงานของปรมาจารย์ด้านนวัตกรรม
ภาพเหมือนของ Amalia ยังสร้างไม่เสร็จ: มีเพียงส่วนหัวและไหล่เท่านั้นที่เสร็จสมบูรณ์ แต่ชุดบอลหรูหราที่เธอโพสท่านั้นยังไม่พร้อมเลย ความยิ่งใหญ่ของมันสามารถคาดเดาได้จากการวาดถ่านเบื้องต้นเท่านั้น
ในภาพวาด “อาดัมกับเอวา” หญิงสาวเย้ายวนใจที่มีผิวขาวกระจ่างใสปรากฏขึ้นอีกครั้ง ผิวหนังของสัตว์นักล่าที่เท้าของเธอสื่อถึงแก่นแท้ที่แท้จริงของเธอในเชิงสัญลักษณ์ ด้านหลังเอวาเป็นผู้ชาย ร่างของเขาเข้มกว่ามากและเขาหลับตาลง คลิมต์ใช้เทคนิคที่คล้ายกันมาก ซึ่งยืมมาจากภาพวาดโบราณใน “The Kiss” มีการนำเสนอร่างชายเกือบเป็นพื้นหลังเพื่อแสดงเสน่ห์ของนางเอกที่แท้จริง - ผู้หญิง

เมื่อมองแวบแรก “ The Baby” มีลักษณะเป็นเพียงเศษเสี้ยวของภาพวาด ไม่ใช่งานอิสระ Klimt วาดภาพนี้โดยเฉพาะสำหรับนิทรรศการในสตอกโฮล์มในปี 1917 ทารกที่ปรากฎบนนั้นก็เหมือนกษัตริย์ ไม่สำคัญว่าตอนนี้เขาจะตัวเล็กมาก (มองเห็นเพียงหัวเท่านั้น พื้นที่ที่เหลือก็เต็มไปด้วยผ้าห่มเย็บปะติดปะต่อกันขนาดใหญ่) เขาเป็นราชาโลกทั้งโลกอยู่ใกล้แค่เอื้อม - Klimt จงใจไม่วางทารกไว้ตรงกลางภาพ แต่ "ยก" เขาขึ้นไปจนเกือบถึงขอบสุด

ทุ่งนากำลังบาน. 2452 สีน้ำมัน, ผ้าใบ. 110110 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะคาร์เนกี้ (พิตส์เบิร์ก สหรัฐอเมริกา)

ภาพวาดสามภาพในเวลาต่อมาของศิลปินเป็นภาพเด็กผู้หญิงชื่อ Riya Munch ลูกสาวของนักอุตสาหกรรมชาวยิวผู้มั่งคั่ง ในปีพ.ศ. 2454 เมื่ออายุ 24 ปี เธอฆ่าตัวตายเนื่องจากความรักที่ไม่มีความสุข คุณแม่ Aranka Munch มอบหมายให้ Klimt วาดภาพเหมือนของเด็กผู้หญิง จากสามตัวเลือกนี้เธอชอบเพียงอันสุดท้ายซึ่งอนิจจายังสร้างไม่เสร็จ เธอถือว่าอีกสองคนไม่ประสบความสำเร็จ อย่างไรก็ตาม ยังไม่ทราบแน่ชัดว่าผืนผ้าใบรุ่นที่สองจะเป็นอย่างไร
เวอร์ชันสุดท้ายก็น่าสนใจในลักษณะของการวาดภาพเช่นกัน: ศิลปินวาดภาพหญิงสาวที่หันไปครึ่งทางพร้อมรอยยิ้มอันลึกลับและเงียบสงบบนริมฝีปากของเธอ เขาโอบล้อมนางเอกด้วยพื้นหลังตกแต่งสไตล์ตะวันออก ใบหน้าและรายละเอียดโดยรอบครบถ้วนซึ่งไม่สามารถพูดถึงชุดได้
Aranka Munch เสียชีวิตอย่างอนาถในค่ายกักกัน ภาพเหมือนเวอร์ชันที่สามอยู่ในบ้านพักของเธอ ซึ่งเจ้าหน้าที่นาซีค้นพบ ในปี 1950 ภาพวาดดังกล่าวถูกย้ายไปที่พิพิธภัณฑ์ลินซ์ และในปี 2009 ภาพวาดก็ถูกส่งคืนไปยังการครอบครองของพวก Munches ซึ่งในไม่ช้าก็ขายได้ในราคาประมาณ 253 ล้านดอลลาร์
ภาพวาดชิ้นสุดท้ายของ Klimt เรื่อง "The Bride" ยังคงสร้างไม่เสร็จ เธอเต็มไปด้วยความลับและความลึกลับ และมีอะไรเหมือนกันหลายอย่างกับ "เวอร์จิน" เจ้าสาวในชุดสีน้ำเงินที่วางอยู่ตรงกลางผืนผ้าใบ ถูกรายล้อมไปด้วยจินตนาการของเธอ บางทีอาจเป็นความกลัวและลางสังหรณ์ ในบรรดาร่างทางด้านซ้ายของผืนผ้าใบ เราสามารถมองเห็นใบหน้าของเจ้าบ่าวที่รายล้อมไปด้วยผู้หญิง (อาจเป็นคนที่เขาเคยมีความสัมพันธ์ด้วยมาก่อน)
การพูดเกินจริงของโครงเรื่องทำให้เกิดความตึงเครียดและความคลุมเครือในการตีความสิ่งที่เกิดขึ้น - นี่คือจุดแข็งของภาพนี้อย่างแม่นยำ เป็นที่น่าสังเกตว่าความไม่สมบูรณ์ของมันทำให้มีเหตุผลทุกประการที่เชื่อได้ว่าในตอนแรก Klimt วาดภาพวีรสตรีของเขาเปลือยเปล่าแล้วจึง "แต่งตัว" พวกเขาเท่านั้น
ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2461 Klimt เป็นโรคหลอดเลือดสมองและตกอยู่ในอาการโคม่าซึ่งเขาไม่เคยโผล่ออกมาอีกเลย ชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิตเมื่อวันที่ 6 กุมภาพันธ์ด้วยวัย 55 ปีจากโรคปอดบวม ภาพวาดหลายชิ้นยังคงสร้างไม่เสร็จในขณะที่เขาทำงานหลายชิ้นในเวลาเดียวกัน
จักรวรรดิออสโตร - ฮังการีอันยิ่งใหญ่ล่มสลายและด้วยชั้นวัฒนธรรมอันใหญ่โต สัญลักษณ์ของสิ่งนี้คือกุสตาฟ คลิมท์ ผู้มีความสามารถพิเศษและไม่เข้าใจอย่างถ่องแท้
นวัตกรรมของศิลปินอาร์ตนูโวผู้เก่งกาจได้รับการยอมรับในช่วงชีวิตของเขา: ในปี 1917 ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาได้เข้าร่วมเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ของสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งเวียนนาและมิวนิก คลิมท์ได้รับการยกย่องให้เป็น "ฟรอยด์แห่งการวาดภาพ" "ปรมาจารย์แห่งพู่กันทองคำ" ซึ่งเป็นศิลปินที่มีความสามารถ สร้างสรรค์ มีชีวิตชีวาและน่าหลงใหลในยุคของเขาอย่างปฏิเสธไม่ได้ ซึ่งงานศิลปะของเขาไม่เคยจางหายไปตามกาลเวลาเหมือนทองคำบนผืนผ้าใบของเขา

กุสตาฟ คลิมท์ ศิลปินชาวออสเตรีย ผู้ก่อตั้งอาร์ตนูโว

พัลลัส อาเธน่า. พ.ศ. 2441 สีน้ำมัน, ผ้าใบ. 7575 ซม. พิพิธภัณฑ์เวียนนาบน Karlsplatz (เวียนนา ออสเตรีย) หนองน้ำ 1900 สีน้ำมัน, ผ้าใบ. 8080 ซม. คอลเลกชันส่วนตัว กลุ่มศิลปินผู้ก่อตั้ง “Vienna Secession” (Klimt นั่งบนบัลลังก์)

ชื่อของศิลปินชาวออสเตรียชื่อดัง ศิลปินกราฟิก และนักวาดภาพประกอบหนังสือ Gustav Klimt (พ.ศ. 2405-2461) มีความเชื่อมโยงกับสไตล์อาร์ตนูโวอย่างแยกไม่ออก และภาพวาดของเขาเป็นสิ่งที่โดดเด่นที่สุด Klimt เป็นหนึ่งในตัวแทนวิจิตรศิลป์โลกที่น่าสนใจและเป็นที่ต้องการมากที่สุด เขาไม่เคยพยายามที่จะแสดงให้เห็นถึงความพิเศษของเขาต่อสาธารณะ เขาทำงานเงียบๆ สงบ ทำเฉพาะสิ่งที่คิดว่าจำเป็นเท่านั้น และในขณะเดียวกัน มีปรมาจารย์ไม่กี่คนในโลกที่ได้รับการต้อนรับจากสาธารณชนอย่างกรุณา อาบน้ำตามคำสั่ง และไม่ประสบปัญหาทางการเงิน นี่คือหนึ่งในความลึกลับของคลิมท์ Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและช่างอัญมณีใกล้กรุงเวียนนา พ่อไม่สามารถหารายได้จากงานฝีมือของเขาได้ ครอบครัวจะหลุดพ้นจากความยากจนหลังจากที่กุสตาฟสำเร็จการศึกษาจาก School of Decorative Arts ร่วมกับ Ernst น้องชายของเขาและ Franz Match เพื่อนของเขาได้ก่อตั้ง บริษัท เพื่อดำเนินงานด้านศิลปะและการตกแต่ง เป็นเวลาหลายปีในขณะที่บริษัทยังดำรงอยู่ Klimt ได้รับชื่อเสียงในฐานะจิตรกรตกแต่งที่ดีที่สุดในออสเตรีย อย่างไรก็ตามศิลปินไม่พอใจกับตัวเองและสไตล์ของเขา ยังมีอีกมากที่จะมา ลักษณะแรกของสไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาปรากฏตัวครั้งแรกในภาพวาดบันไดใหญ่ของพิพิธภัณฑ์ Vienna Kunsthistorisches ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2433-2434 ในปี พ.ศ. 2440 Klimt เป็นหัวหน้ากลุ่ม Secession ซึ่งเป็นสมาคมของศิลปินที่ก่อตั้งขึ้นเพื่อต่อต้านงานศิลปะอย่างเป็นทางการ ในปี 1900 เขาเริ่มทำงานที่มหาวิทยาลัยเวียนนาเสนอและนำเสนอภาพวาดของโคมไฟชิ้นหนึ่ง - "ปรัชญา" ตอนนั้นเองที่เกิดเรื่องอื้อฉาวขึ้น บนโป๊ะนี้และอันถัดไป - "ยา" และ "นิติศาสตร์" - ศิลปินละเมิดกฎของสีและองค์ประกอบทั้งหมดโดยรวมสิ่งที่ไม่เข้ากันเข้าด้วยกัน ในผลงานของเขา ผู้ชายดูเหมือนเป็นทาสของธรรมชาติ หมกมุ่นอยู่กับความเจ็บปวด เซ็กส์ และความตาย คลิมท์คนนี้ทั้งตกใจและหลงใหล แต่เรื่องอื้อฉาวจบลงด้วยการที่ศิลปินยืมเงินคืนเงินล่วงหน้าให้กับมหาวิทยาลัยและเก็บผลงานไว้เอง มีคำสั่งมากมายจนทำให้เขาสามารถชำระหนี้ได้อย่างรวดเร็วและไม่ต้องคิดถึงเรื่องเงินเลยในอนาคต ช่วงเวลา "ทอง" ในงานของ Klimt เริ่มต้นขึ้น เขาวาดภาพเขียนจำนวนมาก ซึ่งเมื่อคุณมองดูแล้วคุณจะไม่มีวันลืม เขาวาดภาพร่างกายที่เปลือยเปล่าและเย้ายวนอย่างเปิดเผย (“ แฟน”, “อดัมและเอวา”) หรือความตึงเครียดของความรู้สึกระหว่างคู่รักสองคน (“ความรัก”, “จูบ”, “ความมึนเมา”) หรือรับหน้าที่วาดภาพผู้หญิง (ภาพเหมือนของ Sonya Knieps, Fritz Ridler, Adele Bloch-Bauer, Eugenia และ Meda Primavesi, Frederica Maria Bier) - ไม่ว่าในกรณีใดวิสัยทัศน์ส่วนตัวของโลกรอบตัวเราและบุคคลที่อยู่ในนั้นก็ปรากฏให้เห็น และมันก็น่าหลงใหล ในที่นี้ เช่น . บนแท่นยกสูง (แท่น? เนินเขา?) เต็มไปด้วยดอกไม้บนพื้นหลังสีทองเข้ม มีคู่รักหนุ่มสาวสองคนจูบกัน ในภาพวาด มีเพียงใบหน้าของหญิงสาวและศีรษะของเด็กชาย มือของคนหนุ่มสาวกอดกัน และขาของหญิงสาวที่แขวนอยู่ราวกับอยู่เหนือเหว แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดคือร่างทั้งสองถูกซ่อนไว้ด้วยเสื้อผ้าตกแต่งที่ตกแต่งด้วยเกลียววงรีวงกลมและรูปทรงเรขาคณิตอื่น ๆ ดังนั้นคุณจะไม่สามารถแยกแยะร่างที่ซ่อนอยู่ข้างใต้ได้ทันที ลักษณะเดียวกันนี้เป็นเรื่องปกติสำหรับการถ่ายภาพบุคคลของผู้หญิงจริงๆ มีหลายคนที่เป็นผู้หญิงของคลิมท์ ใบหน้า ทรงผม มือ เครื่องประดับที่มีเสน่ห์ แต่เสื้อผ้าและพื้นหลัง เหมือนกับในกล้องคาไลโดสโคปที่มีมนต์ขลัง กลับกลายมาเป็นการตกแต่งในเทพนิยายที่มีเอกลักษณ์ นี่คือวิธีที่เขาเห็นมนุษย์ ความงาม ความอ่อนแอ ความกลัว และความหลงใหลของเขา และเมื่อไม่เป็นเช่นนั้น ธรรมชาติก็ยังคงอยู่ ศิลปินวาดภาพทิวทัศน์เพื่อตัวเขาเอง เขาจึงพักผ่อน บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมนักวิจารณ์จึงเพิกเฉยต่อพวกเขามาเป็นเวลานาน ปัจจุบันการวาดภาพทิวทัศน์ของเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นส่วนที่ดีที่สุดในงานของเขา “สวนดอกไม้บาน”, “สวนหมู่บ้านพร้อมดอกทานตะวัน”, “หลังฝนตก”, “ทุ่งดอกป๊อปปี้”, “ต้นเบิร์ชโกรฟ” เกือบจะเหมือนจริง เกือบจะเพราะว่ายังมีการตกแต่งอยู่ด้วย ทำให้ทิวทัศน์ดูสว่าง ดูน่ากลัว และโปร่งสบาย บางทีนี่อาจเป็นอีกด้านหนึ่งของบุคลิกภาพของศิลปิน: ความเรียบง่าย ความสงบ และความเบา ซึ่งผู้ที่มีความหลงใหลในตนเองยังขาดอยู่

Gustav Klimt เป็นศิลปินชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ เขาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งออสเตรียนอาร์ตนูโว เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2405 ในเมืองบาวม์การ์เทิน พ่อของเขา Ernest Klimt เป็นช่างแกะสลักและช่างอัญมณี กิจกรรมของเขาเองที่ทำให้กุสตาฟตั้งแต่อายุยังน้อยต้องอุทิศชีวิตให้กับงานศิลปะ สถานการณ์ในประเทศในเวลานั้นเป็นหายนะผู้คนมักไม่มีงานทำดังนั้นครอบครัวของศิลปินในอนาคตจึงใช้เวลาอยู่ในความยากจน กุสตาฟเป็นหนึ่งในเด็กเจ็ดคนในครอบครัวคลิมท์ เป็นที่น่าสังเกตว่าลูกชายทั้งสามของเออร์เนสต์กลายเป็นศิลปิน

ดังที่ได้กล่าวไปแล้วกุสตาฟได้รับบทเรียนการวาดภาพครั้งแรกจากพ่อของเขา จากนั้นก็มีโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ผลงานชิ้นแรกของเขาคือจิตรกรรมฝาผนังสำหรับโรงละครออสเตรีย นอกจากนี้เขายังออกแบบอาคารของ Burgtheater และพิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches ในเวลานี้เองที่สไตล์พิเศษของเขา รูปแบบพิเศษของการวาดภาพที่มีความโดดเด่นของราคะ ประดับประดา ฯลฯ ถือกำเนิดขึ้น ผลงานของเขาเต็มไปด้วยองค์ประกอบตกแต่งมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งทำให้งานแต่ละชิ้นมีความหมาย สัญลักษณ์ และข้อความที่เข้ารหัสเป็นพิเศษ

การเล่นเครื่องประดับและการพรรณนาถึงธรรมชาติภูมิทัศน์การผสมผสานของสไตล์ที่แตกต่างกันทั้งหมดนี้ทำให้ Gustav Klimt เป็นหนึ่งในศิลปินแนวหน้าที่สำคัญที่สุดและนักสมัยใหม่ที่มีความสำคัญระดับโลก ชื่อเสียงมาสู่เขาในช่วงชีวิตของเขาซึ่งเกิดขึ้นน้อยมากกับศิลปินซึ่งมักจะได้รับการยอมรับสูงสุดหลังความตายเท่านั้น ในปี พ.ศ. 2440 เขาได้เป็นศาสตราจารย์กิตติมศักดิ์ที่ Vienna และ Munich Academy of Fine Arts บางทีภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ G. Klimt ก็คือภาพวาด” จูบ". ภาพเงาของคู่รักที่กำลังจูบกันซึ่งละลายอยู่ในโมเสกสี จุดและลวดลายประดับ หลอกหลอนนักวิจารณ์ศิลปะทุกคนมานานหลายทศวรรษ ที่มีชื่อเสียงไม่น้อยคือภาพวาด” จูดิธ«.

Gustav Klimt ไม่เคยแต่งงาน แต่แหล่งข้อมูลต่าง ๆ ระบุว่าเขาเป็นลูกนอกสมรสมากถึงสี่สิบคน ศิลปินเปรี้ยวจี๊ดผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิตเมื่อวันที่ 6 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2461 ในกรุงเวียนนา

บีโธเฟน ฟรีซ ความทุกข์ทรมานของมนุษยชาติ

ต้นไม้แห่งชีวิต

โจเซฟ เพมบาวเออร์ ซีเนียร์

ยา

โปสเตอร์สำหรับนิทรรศการแยกตัวครั้งแรก

แกลเลอรี่ภาพวาดโดย Gustav Klimt

(เยอรมัน กุสตาฟ คลิมท์, 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2405 Baumgarten - 6 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2461 เวียนนา) - ศิลปินชาวออสเตรีย Gustav Klimt เป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์อาร์ตนูโว

Gustav Klimt วาดภาพองค์ประกอบเชิงสัญลักษณ์ ภาพบุคคล และทิวทัศน์ในสไตล์อาร์ตนูโว โดยใช้ภาพแบนรองลงมาเป็นจังหวะประดับที่ซับซ้อน ซึ่งเป็นรูปแบบเศษส่วนของจุดสีเล็กๆ Klimt เป็นผู้นำของกลุ่มเปรี้ยวจี๊ดชาวเวียนนาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เขาเป็นสมาชิกที่กระตือรือร้นของชุมชน Secession ของศิลปินเชิงนวัตกรรม ผลงานที่ดีที่สุดของกุสตาฟ คลิมท์คือภาพบุคคลในเวลาต่อมา ซึ่งมีพื้นผิวเรียบและไม่มีเงา สีและรูปร่างที่โปร่งใสเหมือนโมเสก ตลอดจนเส้นและลวดลายที่คดเคี้ยวหรูหรา ภาพวาดของ Klimt ผสมผสานพลังที่ขัดแย้งกันสองอย่างเข้าด้วยกัน ในด้านหนึ่งมีความกระหายในอิสรภาพอย่างแท้จริงในการพรรณนาถึงวัตถุซึ่งนำไปสู่การเล่นรูปแบบประดับ ผลงานเหล่านี้ในความเป็นจริงแล้วเป็นสัญลักษณ์และต้องถูกมองในบริบทของสัญลักษณ์ว่าเป็นการแสดงออกถึงโลกที่ไม่สามารถบรรลุได้เหนือกาลเวลาและความเป็นจริง ในทางกลับกันนี่คือพลังแห่งการรับรู้ของธรรมชาติซึ่งอิทธิพลที่ทำให้การตกแต่งในภาพวาดของเขานุ่มนวลขึ้น

จูบ

ดนตรี

ภาพเหมือนของนักเปียโน Josef Pembauer

ผู้หญิงสวมหมวกและงูเหลือมขนนก

หอประชุมของ Burgtheater เก่าในกรุงเวียนนา

"บีโธเฟน ฟรีซ". แฟรกเมนต์

รัก

พัลลัส อาเธน่า

จูดิธ

เด็กผู้หญิงสองคนกับยี่โถ

ดนตรี

ไหล

นูดา เวอริทัส

ผู้หญิงสามวัย

บทความโดย K. Bogemskaya ในหนังสือ "ปฏิทินศิลปะ 100 วันที่น่าจดจำ", M. , 1987 .

Gustav Klimt เป็นศิลปินชาวออสเตรีย ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่กำหนดบรรยากาศทางศิลปะของเวียนนาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ

เขาเป็นบุตรชายของช่างแกะสลัก Ernst Klimt และเข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะประยุกต์ในวัยหนุ่ม ในวัยเยาว์เขาได้รับอิทธิพลจากการวาดภาพประวัติศาสตร์สไตล์โอ่อ่าของฮันส์ มาการ์ต แต่คลิมต์เองก็มีความโดดเด่นด้วยความชอบในการตกแต่งเป็นหลัก ในงานยุคแรกๆ ของเขา มีการใช้สีสันสดใสที่ยืมมาจากมากาตมาผสมผสานกับการตกแต่ง เขายังสนใจในการถ่ายภาพบุคคลด้วย ในปี พ.ศ. 2431

เขาสร้างสีน้ำ “มุมมองภายในโรงละครเก่าจากเวที” โดยเขาได้วางภาพบุคคลขนาดเล็กจำนวน 131 ภาพ Klimt วาดภาพฉากละคร สร้างภาพประกอบสำหรับหนังสือ และร่วมกับน้องชายของเขาและศิลปินคนอื่นๆ ได้สร้างชุดจิตรกรรมฝาผนังสำหรับพิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches ในกรุงเวียนนา

เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียงเมื่อต้นทศวรรษที่ 90 สไตล์ของเขาเปลี่ยนไปและได้รับสัญลักษณ์หวือหวาที่เด่นชัด การเผยแพร่สไตล์อาร์ตนูโวในยุโรปหรือ Jugendstil ตามที่เรียกกันในออสเตรีย ไม่เพียงส่งผลกระทบต่อ Klimt เท่านั้น แต่ยังกลายเป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาของเขาในฐานะศิลปิน

รสนิยมของสัญลักษณ์ที่แสดงในอังกฤษในผลงานของ Pre-Raphaelites ตอนปลายในกราฟิกของ O. Beardsley ในฝรั่งเศสในผลงานของ G. Moru ดึงดูด Klimt ซึ่งผลงานมีความคล้ายคลึงกันมากมายกับผลงานของเหล่านี้ ศิลปิน

ในปี พ.ศ. 2440 สมาคมศิลปะ Secession ได้ก่อตั้งขึ้นในกรุงเวียนนา โดยกุสตาฟ คลิมท์ เป็นประธานคนแรกซึ่งดำรงตำแหน่งถาวรมาหลายปี สังคมประเภทนี้เกิดขึ้นในเมืองหลวงหลายแห่งของยุโรป พวกเขามีส่วนในการแลกเปลี่ยนนิทรรศการระหว่างศิลปินจากประเทศต่างๆ และการฟื้นฟูภาษาศิลปะ พวกเขาต่อต้านนโยบายศิลปะอย่างเป็นทางการและรสนิยมส่วนตัวของผู้อุปถัมภ์ และโดยทั่วไปมีส่วนทำให้วัฒนธรรมศิลปะเป็นประชาธิปไตย

การแยกตัวของเวียนนาจัดนิทรรศการหลายครั้งต่อปีโดยเชิญศิลปินและตัวแทนของขบวนการศิลปะใหม่มาให้พวกเขา: ในปี 1900 ผลงานของสถาปนิกชาวสก็อต C.R. Mackintosh และโรงเรียนกลาสโกว์ถูกแสดงที่นี่ในปี 1902 - ประติมากรรมของ Beethoven แม็กซ์ คลิงเกอร์สำหรับบริเวณโดยรอบที่ Klimt ทำผ้าสักหลาดแบบพิเศษในปีเดียวกัน - ศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์และนักอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ผลงานของ O. Beardsley และ D. Whistler ก็จัดแสดงที่นี่เช่นกัน

Gustav Klimt สร้างสรรค์ภาพวาดที่ใกล้เคียงกับวัตถุที่เป็นศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ตามแนวคิดทางศิลปะ ความประทับใจในความเป็นจริงนั้นเป็นเพียงเหตุผลของภาพเท่านั้น แต่ไม่ใช่ในฐานะเนื้อหา ตัวเลขและวัตถุต่างๆ ได้รับการตกแต่งอย่างมีสไตล์ตามจิตวิญญาณของอาร์ตนูโว พื้นหลังของ Klimt มักจะเรียบเสมอกันและทอด้วยลวดลายเล็กๆ ตรงกันข้ามกับพื้นหลังนี้เป็นภาพลวงตา ซึ่งตีความเป็นสามมิติของส่วนต่าง ๆ ของภาพ - โดยปกติจะเป็นใบหน้า

Klimt พรรณนาถึงรูปร่างที่ยาวขึ้น โดยมักจะใช้ภาพเงาที่มีลักษณะคล้ายเกาะและแสดงออกถึงอารมณ์ การตั้งค่าร่างของคลิมต์นั้นเป็นเพียงรูปปั้นธรรมดาๆ เท่านั้น ถ้าเขาพรรณนาถึงคนสองคนนี่มักจะเป็นเรื่องของการกอดหรือการจูบหากมีหลายร่างในองค์ประกอบพวกเขาก็รวมเข้าด้วยกันเป็นกลุ่มเดียวและพื้นหลังประดับแบบเดียวกันก็กระจายอยู่รอบตัวพวกเขา

โมเดลที่ปรากฎโดย Klimt นั้นมีลักษณะทางอารมณ์ที่เพิ่มขึ้นอยู่เสมอ: พวกเขามีความกังวลใจ, ตึงเครียด, เย้ายวน, ก้าวร้าว นี่คือน้ำเสียงของการรับรู้ถึงความเป็นจริงของแต่ละคน มันถูกเปิดเผยในงานเตรียมการของ Klimt ซึ่งเป็นภาพวาดของเขา แม้ว่าในช่วงชีวิตของศิลปินภาพวาดของเขาจะไม่ค่อยมีใครรู้จักและไม่ได้ให้ความสำคัญมากนัก แต่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา มรดกทางกราฟิกของ Klimt ได้รับความสนใจอย่างมากจากสาธารณชนและนักสะสม นิทรรศการหลายรายการที่อุทิศให้กับภาพวาดของ Klimt โดยเฉพาะนั้นประสบความสำเร็จในยุโรป

หากในภาพวาดและภาพวาดฝาผนังของ Klimt เราสามารถพบ "คำพูด* มากมายจากผลงานของศิลปินคนอื่น ๆ การผสมผสานของต้นกำเนิดของสไตล์ของเขาภาษาศิลปะที่โอ้อวดและมีสไตล์ที่มากเกินไปนั้นน่าทึ่งดังนั้นในภาพวาดที่ศิลปินบันทึกได้อย่างคล่องแคล่ว ความประทับใจของ? ธรรมชาติและแผนการสำหรับภาพวาดในอนาคต ความเข้าใจของเขาถูกเปิดเผย ความสามารถในการแสดงแก่นแท้ลักษณะของแบบจำลองและสร้างภาพศิลปะที่แสดงออกโดยใช้วิธีพูดน้อย

ความเป็นธรรมชาติและความตรงไปตรงมาของ Klimt ในฐานะนักเขียนแบบอธิบายให้นักประวัติศาสตร์ฟังว่าทำไมเขาในฐานะผู้มีบุคลิกทางศิลปะจึงมีอิทธิพลมหาศาลในกรุงเวียนนาเมื่อถึงคราวเปลี่ยนตัวนักโทษ Klimt เป็นศิลปินที่มีพรสวรรค์มาก แต่เขาถือว่าเป้าหมายของงานของเขาไม่เปิดเผยมุมมองส่วนบุคคลของโลก แต่เพื่อสร้างสไตล์บางอย่างที่เหมือนกันกับวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์ ดังนั้นเขาจึงยืมและตัวเขาเองสร้าง "ภาพโบราณ" บางอย่างของภาพและเครื่องประดับซึ่งเขาใช้อย่างต่อเนื่องในการทำงานของเขาและทำให้พวกมันคล้ายกันมาก เขาพยายามที่จะให้ผลงานของเขาหวือหวาทางปรัชญาและจิตวิทยาอย่างลึกซึ้ง ความคลุมเครือของภาพและการเชื่อมโยงที่รวบรวมโดย Klimt ดูเหมือนว่าจะสะท้อนโครงสร้างทางจิตวิเคราะห์ของแพทย์ร่วมสมัยของเขาซิกมันด์ ฟรอยด์ ชาวเวียนนา

ความสับสนของสัญลักษณ์ที่ศิลปินใช้การเน้นความคลุมเครือในการอ่านเรียงความทั้งหมดของเขาทำหน้าที่เพื่อให้แน่ใจว่าพวกเขาไม่ได้ให้ยืมตัวถอดรหัสหนึ่งเดียวที่สร้างขึ้นอย่างแม่นยำ แต่ทุกคนสามารถตีความได้ขึ้นอยู่กับประสบการณ์ทางศิลปะของเขา ดังนั้น อาจมีการตีความหลายครั้งเกี่ยวกับองค์ประกอบ "ความหวัง" ของเขาซึ่งสร้างขึ้นในปี 1903 และพรรณนาถึงหญิงสาวที่เปลือยเปล่าในครรภ์ที่เปิดอยู่ ซึ่งมีเด็กอยู่ในครรภ์ ข้างหลังเธอมีโครงกระดูกและสัตว์ประหลาดบางตัวซึ่งชวนให้นึกถึงความจริงที่ว่าความต่อเนื่องของชีวิตมนุษย์ผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์แห่งความตาย

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Klimt คือผ้าสักหลาดที่เขาทำในห้องอาหารของพระราชวัง Stoclet ในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่งสร้างโดย J. Hofmann พระราชวัง Stoklet นั้นเป็นผลงานสถาปัตยกรรมแบบอาร์ตนูโวโดยทั่วไป และผ้าสักหลาดของ Klimt ก็เข้ากับสไตล์ของอาคาร Klimt รู้สึกประทับใจอย่างมากกับกระเบื้องโมเสกแบบไบเซนไทน์ ซึ่งสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษในการตกแต่งพระราชวังแห่งนี้ ในความเป็นจริงโมเสคก็มีอยู่ในสไตล์การวาดภาพของเขาเช่นกัน - เขาเรียบเรียงพื้นผิวทั้งหมดในภาพวาดของเขาจากสีแต่ละชิ้น ลอนทุกชนิดและชิ้นส่วนประดับ ในงานผ้าสักหลาดของพระราชวัง Stoclet เขาทำงานโดยตรงโดยใช้เทคนิคโมเสก: องค์ประกอบหลากสีที่ประกอบด้วยสีเคลือบ แก้ว เซรามิก โลหะ เคลือบทองบางส่วน งาช้าง และหอยมุก

การใช้วัสดุที่มีราคาแพงและแปลกใหม่ในผ้าสักหลาดนี้ก็ค่อนข้างมีรสนิยมแบบอาร์ตนูโวเช่นกัน ด้านหลังผ้าสักหลาดมีต้นไม้ที่มีกิ่งก้านเป็นเกลียวขดเป็นเกลียว พร้อมด้วยใบไม้และนก นอกจากนี้ยังมีรูปมนุษย์ในผ้าสักหลาด - "กำลังรอ" ในรูปแบบของร่างผู้หญิงซึ่งชุดตกแต่งด้วยเครื่องประดับหยิกและสามเหลี่ยมที่มีรูปตา ใบหน้ามีลักษณะคล้ายกับใบหน้าของญี่ปุ่นมากจนใครๆ ก็คิดว่าลอกเลียนแบบมาจากการแกะสลักของฮิโรอิเกะที่โด่งดังในขณะนั้น อีกสองร่างถูกหลอมรวมเข้าด้วยกันในอ้อมกอด ชวนให้นึกถึงองค์ประกอบของลวดลายที่ปรากฏซ้ำหลายครั้งในภาพวาดของคลิมท์

หากผ้าสักหลาดในพระราชวัง Stoklet มีความเหมาะสมและผสมผสานกับสถาปัตยกรรมและรสนิยมของลูกค้าแผงตกแต่งที่ Klimt ทำสำหรับห้องประชุมของมหาวิทยาลัยเวียนนาทำให้เกิดความไม่พอใจและไม่เคยถูกวางไว้ในตำแหน่งที่ตั้งใจไว้ . หัวข้อเสวนา ได้แก่ “นิติศาสตร์” “ปรัชญา” และ “การแพทย์” แผง "ยา" บรรยายถึงช่วงต่างๆ ของชีวิตมนุษย์ มีร่างของแม่กับลูก และหญิงตั้งครรภ์ ซึ่งชวนให้นึกถึงภาพวาด "ความหวัง" และหญิงชราคัดลอกมาจากรูปปั้นของโรแดง การผสมผสานระหว่างความเป็นธรรมชาติของภาพกับแผนการเก็งกำไรที่ซับซ้อนได้กำหนดความโดดเด่นของโครงเรื่องและแนวคิดเหนือศิลปะของงาน นี่คือสาเหตุที่ทำให้แผนของ Klimt ล้มเหลว

โดยทั่วไปในปีแรกของศตวรรษของเรา Klimt ขัดแย้งกับสาธารณชนซ้ำแล้วซ้ำเล่าซึ่งไม่ยอมรับผลงานของเขา ในปี 1903 Secession ได้จัดนิทรรศการส่วนตัวของ Klimt แต่หลังจากนั้นศิลปินก็เลิกกับสมาคมซึ่งบ่งบอกถึงความไม่เห็นด้วยกับเพื่อนร่วมงาน

อย่างไรก็ตาม แม้ว่า Klimt จะไม่ใช่ศิลปินที่ราบรื่นและคนรุ่นราวคราวเดียวกันไม่เข้าใจเสมอไป แต่เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะออสเตรียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 Klimt ได้นำแนวคิดของสไตล์อันยิ่งใหญ่มาสู่การวาดภาพของชาวออสเตรียเป็นครั้งแรก สไตล์การวาดภาพที่มีความเฉพาะตัวสูงของเขากลายเป็นพื้นฐานสำหรับการค้นหาศิลปินรุ่นเยาว์ซึ่งเป็นตัวแทนของลัทธิการแสดงออกในอนาคต - Oskar Kokoschka และ Egon Schiele

สไตล์อาร์ตนูโว(จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่ชื่ออื่น: อาร์ตนูโว (French art nouveau, สว่าง. "ศิลปะใหม่"), อาร์ตนูโว (German Jugendstil - "สไตล์หนุ่ม") - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในช่วงครึ่งหลัง XIX - ต้นศตวรรษที่ XX คุณสมบัติที่โดดเด่นของสไตล์อาร์ตนูโวคือการปฏิเสธเส้นตรงและมุมเพื่อสนับสนุนเส้นที่ "เป็นธรรมชาติ" ที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นความสนใจในเทคโนโลยีใหม่ (เช่นในสถาปัตยกรรม) และความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะประยุกต์

ลัทธิสมัยใหม่พยายามผสมผสานฟังก์ชันทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้นเพื่อให้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของมนุษย์ทั้งหมดในขอบเขตแห่งความงาม ในประเทศอื่น ๆ มันถูกเรียกว่า: "Tiffany" (ตั้งชื่อตาม L. K. Tiffany) ในสหรัฐอเมริกา, "Art Nouveau" และ "fin de siècle" (แปลว่า "ปลายศตวรรษ") ในฝรั่งเศส, "Jugendstil" (แม่นยำยิ่งขึ้น , “ "Jugendstil" - German Jugendstil ตามชื่อของนิตยสารภาพประกอบ Die Jugend ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2439) ในประเทศเยอรมนี "สไตล์การแยกตัว" (Secessionsstil) ในออสเตรีย "สไตล์สมัยใหม่" (ตัวอักษร "สไตล์สมัยใหม่") ในอังกฤษ " สไตล์ลิเบอร์ตี้ในอิตาลี ความทันสมัยในสเปน Nieuwe Kunst ในเนเธอร์แลนด์ สไตล์สปรูซ (สไตล์ซาปิน) ในสวิตเซอร์แลนด์