สถานที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาความสมจริงของยุโรปตะวันตกเป็นของศิลปะฝรั่งเศส และนี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในชีวิตทางสังคมและการเมืองของยุโรป และการต่อสู้ทางชนชั้นระหว่างชนชั้นสูง ชนชั้นกระฎุมพี และชนชั้นกรรมาชีพก็มีรูปแบบคลาสสิกที่ชัดเจน ชนชั้นกระฎุมพีได้รับชัยชนะโดยซ่อนตัวอยู่หลังเสื้อคลุมของราชวงศ์และจักรวรรดิหรือแสดงอำนาจอย่างเปิดเผย “อุตสาหกรรมและการค้าขยายตัวเป็นสัดส่วนมหาศาล” เค. มาร์กซ์เขียนเกี่ยวกับฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 “การเก็งกำไรในตลาดหลักทรัพย์ถือเป็นการเฉลิมฉลองให้กับกลุ่มที่มีความเป็นสากล ความยากจนของมวลชนโดดเด่นอย่างมาก ถัดจากความฟุ่มเฟือยอันสุรุ่ยสุร่ายอันสุรุ่ยสุร่ายซึ่งได้มาจากการฉ้อฉลและอาชญากรรม”
ขบวนการประชาธิปไตยและชนชั้นกรรมาชีพในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ดำเนินไปอย่างกว้างขวางในฝรั่งเศส การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2373 ตามมาด้วยการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2391; ชนชั้นกรรมาชีพซึ่งเป็นผู้นำมวลชนอันกว้างใหญ่กำลังปรากฏตัวขึ้นอย่างเด็ดขาดในเวทีการเมืองมากขึ้นเรื่อยๆ. ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2391 เขาลุกขึ้นต่อต้านชนชั้นกระฎุมพีอย่างเปิดเผย และในปี พ.ศ. 2414 หลังจากประกาศสถาปนาประชาคมปารีส เขาได้พยายามอย่างกล้าหาญครั้งแรกในประวัติศาสตร์ที่จะยึดอำนาจทางการเมืองมาไว้ในมือของเขาเอง
การทำให้รุนแรงขึ้นของความขัดแย้งทางสังคม, การต่อสู้ทางชนชั้นที่ยิ่งใหญ่, ปัญหาสังคมใหม่, ประเด็นของการปรับโครงสร้างองค์กรตามระบอบประชาธิปไตยของสังคมไม่สามารถกระตุ้นจิตใจที่ก้าวหน้าได้, บังคับให้พวกเขาวิเคราะห์ปรากฏการณ์ของความเป็นจริงและมองหาเส้นทางใหม่ในงานศิลปะ ในฝรั่งเศสซึ่งให้ภาพที่ชัดเจนที่สุดเกี่ยวกับการก่อตัวและการพัฒนาของแนวโน้มหลักของศตวรรษที่ 19 การเพิ่มขึ้นของความสมจริงนั้นถูกสังเกตเร็วกว่าในประเทศอื่น ๆ ทิศทางที่สมจริงนั้นมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดที่สุดกับชีวิตทางสังคมและการเมือง นำเสนอตัวแทนศิลปะที่ใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19
การปฏิวัติเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1830 ถือเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนาศิลปะฝรั่งเศส ภายใต้อิทธิพลของมัน ภาพลวงตาโรแมนติกกำลังถูกกำจัด ความสนใจในประเด็นทางสังคมเพิ่มขึ้น และโปรแกรมทางทฤษฎีอิสระเกี่ยวกับความสมจริงกำลังได้รับการพัฒนา ข้อกำหนดพื้นฐานสำหรับงานศิลปะใหม่ถูกกำหนดโดย Laviron และ Galbaccio ใน Salon of 1833 พวกเขาได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในงานของนักทฤษฎีหลักและผู้ปกป้องความสมจริง: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari และอื่นๆ นักวิจารณ์ทั้งหมดนี้ - ตัวแทนของคนรุ่นปี 1848 - ทำให้เกิดคำถามเกี่ยวกับบทบาททางการศึกษาของศิลปะ พวกเขาแย้งว่าศิลปะควรมีส่วนช่วยในการพัฒนาสังคมตามเส้นทางความก้าวหน้า ควรเป็น "ครูแห่งชีวิต" และด้วยเหตุนี้ศิลปะจึงต้องมีความเกี่ยวข้อง มั่งคั่งในสังคม และเป็นที่เข้าใจของผู้คน ศิลปะควรช่วยให้ผู้คนเข้าใจโลกรอบตัวและเข้าใจความขัดแย้งของโลก มันจะสามารถทำได้โดยทิ้งความเพ้อฝันและการปรุงแต่งชีวิตทั้งหมดทิ้งไป ความสมจริงของภาพถือเป็นหนึ่งในเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการสร้างสรรค์ - ศิลปินวาดสิ่งที่เขารู้สิ่งที่เขาเห็นต่อหน้าเขา การเรียกร้องให้ปฏิเสธแบบจำลองที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปและการยืนยันความจริงของชีวิตในงานศิลปะช่วยให้ศิลปินขั้นสูงเชี่ยวชาญวิธีการและวิธีการใหม่ในการแสดงออกทางศิลปะ และเปิดโอกาสในวงกว้างสำหรับการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ ในเวลาเดียวกันนักวิจารณ์บางคนในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 บางครั้งก็ลดแนวคิดเรื่องความสมจริงลงเหลือเพียงความถูกต้องภายนอกของภาพซึ่งเป็นธรรมชาติที่ลวงตาของการถ่ายทอดโลกที่มองเห็นได้ซึ่งแน่นอนว่าทำให้ศิลปินสับสน
ฟิลิป ชานรอน. ในบรรดาศิลปินแนวสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อนๆ ปรมาจารย์ที่มีความสำคัญน้อยกว่าบางคนสมควรได้รับการกล่าวถึง พวกเขาขาดความสามารถของผู้ติดตาม พวกเขาจึงเตรียมทางให้พวกเขา หนึ่งในนั้นคือ Philippe Jeanron (1809-1877) เขามีส่วนร่วมในการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2373 และ พ.ศ. 2391 และมักปรากฏในสิ่งพิมพ์ที่ปกป้องหลักการที่สมจริง ในงานแรกของเขาเรื่อง "Children on the Barricade" (พ.ศ. 2374 พิพิธภัณฑ์ในก็อง) Genron หันมาใช้การพรรณนาถึงเหตุการณ์การปฏิวัติโดยตรง ในงานชิ้นต่อมาของเขา เขาได้ให้การวิเคราะห์ทางสังคมเกี่ยวกับความเป็นจริง โดยเปรียบเทียบตัวแทนของชนชั้นต่างๆ ในสังคมยุคใหม่ซึ่งได้แก่ ชนชั้นสูง ชนชั้นกระฎุมพี และชนชั้นกรรมาชีพ เมื่อวาดภาพคนงาน ศิลปินเน้นย้ำถึงความยากจนและความทุกข์ทรมานของพวกเขา โดยไม่หลีกเลี่ยงความรู้สึกนึกคิดบางอย่าง Zhanron ยังเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพบุคคล เขาทิ้งภาพที่แสดงออกถึงผู้นำในยุคของเขา - ตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนของพรรครีพับลิกัน
การเคลื่อนไหวที่สมจริงในงานศิลปะและวรรณกรรมของศตวรรษที่ 19
ในศตวรรษที่ 19 สังคมเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็ว เทคโนโลยีใหม่ๆ กำลังเกิดขึ้น ยา อุตสาหกรรมเคมี พลังงาน วิศวกรรมเครื่องกล และการขนส่งกำลังพัฒนา ประชากรเริ่มค่อยๆ ย้ายจากหมู่บ้านเก่าไปยังเมืองต่างๆ โดยมุ่งมั่นเพื่อความสะดวกสบายและชีวิตสมัยใหม่
ขอบเขตวัฒนธรรมอดไม่ได้ที่จะตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงทั้งหมดนี้ ท้ายที่สุดแล้ว การเปลี่ยนแปลงในสังคมทั้งทางเศรษฐกิจและสังคมเริ่มก่อให้เกิดรูปแบบและทิศทางทางศิลปะใหม่ๆ ดังนั้นแนวโรแมนติกจึงถูกแทนที่ด้วยเทรนด์โวหารที่สำคัญ - ความสมจริง สไตล์นี้แตกต่างจากรุ่นก่อน โดยถือเป็นภาพสะท้อนของชีวิตตามที่เป็นอยู่ โดยไม่มีการตกแต่งหรือการบิดเบือนใดๆ ความปรารถนานี้ไม่ใช่เรื่องใหม่ในงานศิลปะ พบได้ในสมัยโบราณ ในนิทานพื้นบ้านยุคกลาง และในยุคแห่งการตรัสรู้
ความสมจริงได้ค้นพบการแสดงออกที่สดใสยิ่งขึ้นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 การตระหนักรู้ที่เพิ่มขึ้นของผู้คนที่เบื่อหน่ายกับการใช้ชีวิตตามอุดมคติที่ไม่มีอยู่จริงทำให้เกิดการไตร่ตรองอย่างเป็นกลาง - ความสมจริง ซึ่งในภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "สำคัญ" แนวโน้มสัจนิยมบางประการปรากฏในภาพวาดของ Michelangelo Caravaggia และ Rembrandt แต่ความสมจริงกลายเป็นโครงสร้างมุมมองชีวิตแบบองค์รวมที่สุดในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น ในช่วงเวลานี้ ดินแดนดังกล่าวจะเติบโตเต็มที่และขยายอาณาเขตไปยังดินแดนยุโรปทั้งหมด และแน่นอนว่ารวมถึงรัสเซียด้วย
ฮีโร่ของการเคลื่อนไหวที่สมจริงคือบุคคลที่รวบรวมเหตุผลโดยพยายามตัดสินต่ออาการเชิงลบของชีวิตโดยรอบ งานวรรณกรรมสำรวจความขัดแย้งทางสังคมและพรรณนาถึงชีวิตของผู้ด้อยโอกาสมากขึ้น Daniel Defoe ถือเป็นผู้ก่อตั้งนวนิยายแนวสมจริงของยุโรป พื้นฐานของผลงานของเขาคือการเริ่มต้นที่ดีของมนุษย์ แต่สามารถเปลี่ยนแปลงได้ตามสถานการณ์โดยขึ้นอยู่กับปัจจัยภายนอก
ในฝรั่งเศส ผู้ก่อตั้งทิศทางใหม่คือเฟรเดริก สเตนดาล เขาว่ายทวนกระแสน้ำอย่างแท้จริง ท้ายที่สุดแล้วในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปะแนวโรแมนติกได้เข้ามาครอบงำ ตัวละครหลักคือ "ฮีโร่ที่ไม่ธรรมดา" และทันใดนั้น Stendhal ก็มีภาพลักษณ์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ตัวละครของเขาใช้ชีวิตจริงๆ ไม่ใช่แค่ในปารีส แต่ในต่างจังหวัดด้วย ผู้เขียนพิสูจน์ให้ผู้อ่านเห็นว่าคำอธิบายเกี่ยวกับชีวิตประจำวัน ประสบการณ์ที่แท้จริงของมนุษย์ โดยไม่ต้องพูดเกินจริงหรือปรุงแต่ง สามารถนำมาสู่ระดับศิลปะได้ G. Flaubert ก้าวไปไกลกว่านั้นอีก มันเผยให้เห็นถึงลักษณะทางจิตวิทยาของพระเอกแล้ว สิ่งนี้จำเป็นต้องมีคำอธิบายที่แม่นยำอย่างยิ่งเกี่ยวกับรายละเอียดที่เล็กที่สุด การแสดงด้านภายนอกของชีวิตเพื่อถ่ายทอดแก่นแท้ของชีวิตในรายละเอียดมากขึ้น ผู้ติดตามของเขาในทิศทางนี้คือ Guy de Maupassant
ต้นกำเนิดของการพัฒนาความสมจริงในงานศิลปะของศตวรรษที่ 19 ในรัสเซียคือผู้เขียนเช่น Ivan Krylov, Alexander Griboyedov, Alexander Pushkin องค์ประกอบที่โดดเด่นที่สุดประการแรกของความสมจริงปรากฏแล้วในปี 1809 ในคอลเลกชันนิทานเปิดตัวโดย I.A. ครีโลวา. สิ่งสำคัญที่เป็นหัวใจสำคัญของนิทานทั้งหมดของเขาคือข้อเท็จจริงที่เป็นรูปธรรม จากนั้นตัวละครก็ถูกสร้างขึ้นสถานการณ์ทางพฤติกรรมนี้หรือที่เกิดขึ้นซึ่งรุนแรงขึ้นโดยการใช้ความคิดที่จัดตั้งขึ้นเกี่ยวกับลักษณะของตัวละครสัตว์ ต้องขอบคุณประเภทที่เลือก Krylov แสดงให้เห็นถึงความขัดแย้งที่ชัดเจนในชีวิตสมัยใหม่ - การปะทะกันระหว่างผู้แข็งแกร่งและผู้อ่อนแอ คนรวยและคนจน เจ้าหน้าที่และขุนนางเยาะเย้ย
ใน Griboyedov ความสมจริงปรากฏให้เห็นในการใช้ตัวละครทั่วไปที่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์ทั่วไปซึ่งเป็นหลักการสำคัญของทิศทางนี้ ด้วยเทคนิคนี้ ภาพยนตร์ตลกของเขาเรื่อง "Woe from Wit" จึงยังคงมีความเกี่ยวข้องมาจนถึงทุกวันนี้ ตัวละครที่เขาใช้ในผลงานของเขาสามารถพบได้เสมอ
พุชกินผู้สมจริงนำเสนอแนวคิดทางศิลปะที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย ตัวละครของเขามองหารูปแบบในชีวิตโดยอาศัยทฤษฎีการรู้แจ้งและคุณค่าของมนุษย์ที่เป็นสากล ประวัติศาสตร์และศาสนามีบทบาทสำคัญในผลงานของเขา สิ่งนี้ทำให้งานของเขาใกล้ชิดกับผู้คนและตัวละครของพวกเขามากขึ้น สัญชาติที่เฉียบแหลมและลึกซึ้งยิ่งกว่านั้นปรากฏอยู่ในผลงานของ Lermontov และ Gogol และต่อมาในผลงานของตัวแทนของ "โรงเรียนธรรมชาติ"
หากเราพูดถึงการวาดภาพ คำขวัญหลักของศิลปินแนวสัจนิยมแห่งศตวรรษที่ 19 คือการพรรณนาถึงความเป็นจริงอย่างเป็นกลาง ดังนั้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวฝรั่งเศสซึ่งนำโดย Theodore Rousseau จึงเริ่มวาดภาพทิวทัศน์ในชนบท ปรากฎว่าธรรมชาติที่ธรรมดาที่สุดหากปราศจากการตกแต่งสามารถกลายเป็นวัสดุเฉพาะสำหรับการสร้างสรรค์ได้ ไม่ว่าจะเป็นวันที่มืดมน ท้องฟ้ามืดมิดก่อนเกิดพายุฝนฟ้าคะนอง คนไถนาที่เหนื่อยล้า ทั้งหมดนี้ล้วนเป็นภาพเหมือนของชีวิตจริง
Gustave Courbet จิตรกรชาวฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กระตุ้นความโกรธในแวดวงชนชั้นกลางด้วยภาพวาดของเขา ท้ายที่สุดแล้ว เขาได้พรรณนาถึงชีวิตที่แท้จริง สิ่งที่เขาเห็นรอบตัวเขา สิ่งเหล่านี้อาจเป็นฉากประเภท ภาพบุคคล และสิ่งมีชีวิต ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ "Funeral at Ornans", "Fire", "Deer by the Water" และภาพวาดอื้อฉาว "The Origin of the World" และ "Sleepers"
ในรัสเซีย ผู้ก่อตั้งความสมจริงในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 คือ P.A. Fedotov (“ การจับคู่ของผู้พัน”) เขาประณามศีลธรรมอันเลวร้ายและเห็นอกเห็นใจคนยากจนโดยใช้วิธีเสียดสีในงานของเขา มรดกของเขาประกอบด้วยภาพล้อเลียนและภาพบุคคลมากมาย
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 I.E. เรปิน ภาพยนตร์ชื่อดังของเขาเรื่อง "Refusal of Confession" และ "Barge Haulers on the Volga" เผยให้เห็นการแสวงหาผลประโยชน์อย่างโหดร้ายจากประชาชนและการประท้วงที่ก่อตัวขึ้นในหมู่มวลชน
แนวโน้มที่สมจริงยังคงมีอยู่ในศตวรรษที่ 20 ในผลงานของนักเขียนและศิลปิน แต่ภายใต้อิทธิพลของยุคใหม่ พวกเขาเริ่มได้รับคุณสมบัติอื่นที่ทันสมัยกว่า
ความสมจริงกลายเป็นขบวนการทางศิลปะที่ทรงพลังในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แน่นอนว่า Homer และ Shakespeare, Cervantes และ Goethe, Michelangelo, Rembrandt หรือ Rubens เป็นนักสัจนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เมื่อพูดถึงความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 พวกเขาหมายถึงระบบศิลปะบางอย่าง ในฝรั่งเศส ความสมจริงมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของกูร์เบต์เป็นหลัก ซึ่งปฏิเสธที่จะถูกเรียกว่านักสัจนิยม ความสมจริงในงานศิลปะมีความเกี่ยวข้องอย่างไม่ต้องสงสัยกับชัยชนะของลัทธิปฏิบัตินิยมในจิตสำนึกสาธารณะ ความเหนือกว่าของมุมมองวัตถุนิยม และบทบาทที่โดดเด่นของวิทยาศาสตร์ การดึงดูดความทันสมัยในทุกรูปแบบด้วยการพึ่งพา ดังที่ Emile Zola ประกาศ ในด้านวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนกลายเป็นข้อกำหนดหลักของขบวนการทางศิลปะนี้ นักสัจนิยมพูดด้วยภาษาที่ชัดเจนและชัดเจนซึ่งเข้ามาแทนที่ "ดนตรี" แต่เป็นภาษาโรแมนติกที่ไม่มั่นคงและคลุมเครือ
การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2391 ได้ขจัดภาพลวงตาอันโรแมนติกของกลุ่มปัญญาชนชาวฝรั่งเศสออกไปและในแง่นี้เป็นขั้นตอนที่สำคัญมากในการพัฒนาไม่เพียง แต่ฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั้งยุโรปด้วย เหตุการณ์ในปี 1848 มีผลกระทบโดยตรงต่องานศิลปะ ประการแรก ศิลปะถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายมากขึ้นเพื่อเป็นเครื่องมือในการก่อกวนและการโฆษณาชวนเชื่อ ดังนั้นการพัฒนารูปแบบงานศิลปะที่เคลื่อนที่ได้มากที่สุด - กราฟิกขาตั้งและภาพประกอบนิตยสาร กราฟิกเป็นองค์ประกอบหลักของสื่อเสียดสี ศิลปินมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในวิถีชีวิตทางสังคมที่วุ่นวาย
ชีวิตนำเสนอฮีโร่คนใหม่ซึ่งในไม่ช้าจะกลายเป็นฮีโร่หลักของงานศิลปะ - คนทำงาน ในงานศิลปะ การค้นหาจะเริ่มต้นจากรูปภาพที่มีลักษณะทั่วไปและยิ่งใหญ่ ไม่ใช่รูปภาพประเภทเล็กๆ น้อยๆ ดังที่เคยเป็นมาจนถึงปัจจุบัน ชีวิต ชีวิต และผลงานของฮีโร่ตัวใหม่นี้จะกลายเป็นธีมใหม่ในงานศิลปะ ฮีโร่ใหม่และธีมใหม่จะก่อให้เกิดทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อคำสั่งที่มีอยู่ ในงานศิลปะ จุดเริ่มต้นจะกล่าวถึงสิ่งที่ก่อตัวขึ้นในวรรณคดีแล้วว่าเป็นความสมจริงเชิงวิพากษ์ ในฝรั่งเศส ความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 40 และ 50 ในรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 60 ในที่สุด ด้วยความสมจริงในงานศิลปะ แนวคิดการปลดปล่อยแห่งชาติที่สร้างความตื่นเต้นให้กับคนทั้งโลก ซึ่งแสดงความสนใจโดยกลุ่มโรแมนติกที่นำโดยเดลาครัวซ์ ก็สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะเช่นกัน
ในภาพวาดฝรั่งเศส ความสมจริงประกาศตัวเองเป็นอันดับแรกในแนวนอน เมื่อมองแวบแรกจะเป็นสิ่งที่ห่างไกลจากพายุทางสังคมและการวางแนวแนวเพลงที่มีแนวโน้มมากที่สุด ความสมจริงในภูมิทัศน์เริ่มต้นด้วยสิ่งที่เรียกว่าโรงเรียน Barbizon โดยศิลปินที่ได้รับชื่อนี้ในประวัติศาสตร์ศิลปะตามหมู่บ้าน Barbizon ใกล้กรุงปารีส ที่จริงแล้ว Barbizonians ไม่ใช่แนวคิดทางภูมิศาสตร์มากนักเท่ากับแนวคิดทางประวัติศาสตร์และศิลปะ จิตรกรบางคน เช่น โดบิญญี ไม่ได้มาที่บาร์บิซงเลย แต่มาเป็นกลุ่มเพราะสนใจภูมิทัศน์ประจำชาติของฝรั่งเศส นี่คือกลุ่มจิตรกรรุ่นเยาว์ - Theodore Rousseau, Diaz della Pena, Jules Dupre, Constant Troyon และคนอื่น ๆ ที่มาที่ Barbizon เพื่อวาดภาพร่างจากชีวิต พวกเขาวาดภาพเสร็จในสตูดิโอโดยใช้ภาพร่าง ดังนั้นความสมบูรณ์และลักษณะทั่วไปขององค์ประกอบและสี แต่ความรู้สึกที่มีชีวิตของธรรมชาติยังคงอยู่ในนั้นเสมอ พวกเขาทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบและพรรณนาถึงความเป็นจริง แต่สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางพวกเขาแต่ละคนจากการรักษาบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของพวกเขา Theodore Rousseau (1812-1867) มีแนวโน้มที่จะเน้นย้ำถึงความเป็นนิรันดร์ในธรรมชาติ ในการวาดภาพต้นไม้ ทุ่งหญ้า และที่ราบ เราเห็นวัตถุของโลก วัตถุ ปริมาณ ซึ่งทำให้ผลงานของรุสโซคล้ายกับภูมิทัศน์ของปรมาจารย์ชาวดัตช์รุยส์เดล แต่ในภาพวาดของ Rousseau ("Oaks", 1852) มีรายละเอียดมากเกินไป เป็นสีที่ค่อนข้างซ้ำซากจำเจ ตรงกันข้ามกับ Jules Dupre (1811-1889) ผู้ที่วาดภาพอย่างกว้างๆ และกล้าหาญ ชอบความแตกต่างระหว่างสีดำและสีขาวและด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา สร้างความตึงเครียด ถ่ายทอดความรู้สึกวิตกกังวลและเอฟเฟกต์แสง หรือดิอาซ เดลลา เปญา (พ.ศ. 2350-2419) ชาวสเปนโดยกำเนิดซึ่งมีแสงแดดส่องผ่านภูมิทัศน์อย่างชำนาญ แสงของดวงอาทิตย์ส่องผ่านใบไม้และบดขยี้บนพื้นหญ้า Constant Troyon (1810--1865) ชอบนำเสนอลวดลายของสัตว์ในการพรรณนาถึงธรรมชาติของเขา จึงเป็นการผสมผสานระหว่างภูมิทัศน์และแนวสัตว์ (“Departure to Market,” 1859) ในบรรดาศิลปินรุ่นเยาว์ของโรงเรียน Barbizon Charles Francois Daubigny (1817-1878) สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ภาพวาดของเขาได้รับการออกแบบในจานสีสว่างเสมอซึ่งทำให้เขาใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์มากขึ้น: หุบเขาอันเงียบสงบ แม่น้ำอันเงียบสงบ หญ้าสูง ภูมิทัศน์ของเขาเต็มไปด้วยความรู้สึกโคลงสั้น ๆ (“ Village on the bank of the Oise”, 1868)
ตั๋ว 1. ลักษณะทั่วไปของกระบวนการวรรณกรรมในช่วงกลางศตวรรษที่ 19ตั๋ว 2. ต้นกำเนิดของความสมจริงในฐานะขบวนการวรรณกรรม
ตั๋ว 4. วรรณกรรมฝรั่งเศส 30-40 ปีของศตวรรษที่ 19
ตั๋ว 5. ความสมจริงแบบฝรั่งเศส
การเกิดขึ้นของความสมจริงเป็นวิธีการหนึ่งเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่โรแมนติกมีบทบาทสำคัญในกระบวนการวรรณกรรม ถัดจากพวกเขา ในกระแสหลักของแนวโรแมนติก Merimee, Stendhal และ Balzac เริ่มการเดินทางเขียนของพวกเขา พวกเขาทั้งหมดอยู่ใกล้กับสมาคมสร้างสรรค์ของโรแมนติกและมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการต่อสู้กับนักคลาสสิก มันเป็นผลงานคลาสสิกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากรัฐบาลบูร์บองซึ่งเป็นกษัตริย์ซึ่งเป็นคู่ต่อสู้หลักของศิลปะสมจริงที่เกิดขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เกือบจะตีพิมพ์พร้อมกันแถลงการณ์ของโรแมนติกฝรั่งเศส - "คำนำ" สำหรับละครเรื่อง "Cromwell" โดย V. Hugo และบทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ Stendhal "Racine and Shakespeare" มีจุดสนใจที่สำคัญร่วมกันซึ่งเป็นการโจมตีครั้งสำคัญสองครั้งต่อชุดกฎหมายที่ล้าสมัยไปแล้ว ของศิลปะคลาสสิก ในเอกสารทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรมที่สำคัญที่สุดเหล่านี้ ทั้ง Hugo และ Stendhal ปฏิเสธสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก สนับสนุนให้ขยายหัวข้อของการพรรณนาในงานศิลปะ ยกเลิกหัวข้อและหัวข้อต้องห้าม เพื่อนำเสนอชีวิตในความสมบูรณ์และความขัดแย้งทั้งหมด ยิ่งไปกว่านั้น สำหรับทั้งสอง ตัวอย่างสูงสุดที่ควรมุ่งเน้นเมื่อสร้างสรรค์ผลงานศิลปะใหม่ๆ คือปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการอย่างเชกสเปียร์ (อย่างไรก็ตาม ทั้ง Hugo และ Stendhal รับรู้ในรูปแบบที่แตกต่างกัน) ในที่สุด นักสัจนิยมกลุ่มแรกของฝรั่งเศสและความโรแมนติกของทศวรรษที่ 20 ถูกนำมารวมกันโดยการวางแนวทางสังคมและการเมืองร่วมกัน ซึ่งเผยให้เห็นไม่เพียงแต่ในการต่อต้านสถาบันกษัตริย์บูร์บงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการรับรู้เชิงวิพากษ์วิจารณ์เกี่ยวกับความสัมพันธ์ชนชั้นกระฎุมพีที่เคยสถาปนาตัวเองมาก่อน ดวงตาของพวกเขา
หลังจากการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2373 ซึ่งเป็นเหตุการณ์สำคัญในการพัฒนาฝรั่งเศส เส้นทางของสัจนิยมและโรแมนติกก็แยกออกไป ซึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งสะท้อนให้เห็นในการโต้เถียงในยุค 30 (ตัวอย่างเช่น บทวิจารณ์เชิงวิพากษ์วิจารณ์ของ Balzac เกี่ยวกับละครของ Hugo เรื่อง Ernani ” และบทความของเขา “ Romantic Akathists” ) อย่างไรก็ตามหลังจากปี 1830 การติดต่อระหว่างพันธมิตรเมื่อวานนี้ในการต่อสู้กับนักคลาสสิกยังคงอยู่ ด้วยความที่ยังคงยึดมั่นในวิธีการพื้นฐานของสุนทรียภาพของพวกเขา พวกโรแมนติกจะประสบความสำเร็จในการควบคุมประสบการณ์ของนักสัจนิยม (โดยเฉพาะบัลซัค) โดยสนับสนุนพวกเขาในความพยายามที่สำคัญที่สุดเกือบทั้งหมด ในทางกลับกันนักสัจนิยมก็จะสนใจที่จะติดตามผลงานของคู่รักโดยทักทายชัยชนะแต่ละครั้งด้วยความพึงพอใจอย่างต่อเนื่อง (โดยเฉพาะนี่คือความสัมพันธ์ระหว่าง J. Sand และ Hugo กับ Balzac)
นักสัจนิยมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จะตำหนิคนรุ่นก่อนในเรื่อง "ลัทธิโรแมนติกที่หลงเหลืออยู่" ที่พบในเมรีเม เช่น ในลัทธิลัทธินอกรีตของเขา (หรือที่เรียกว่าโนเวลลาที่แปลกใหม่) และในสเตนดาห์ลสำหรับความสมัครใจของเขาในการวาดภาพบุคคลที่สดใส และความหลงใหลเป็นพิเศษ ("Italian Chronicles") ความปรารถนาของบัลซัคในการวางแผนการผจญภัยและการใช้เทคนิคอันน่าอัศจรรย์ในเรื่องราวเชิงปรัชญา ("Shagreen Skin") การตำหนิเหล่านี้ไม่ได้ไม่มีรากฐานและนี่คือหนึ่งในคุณสมบัติเฉพาะ - มีความเชื่อมโยงที่ละเอียดอ่อนระหว่างความสมจริงและแนวโรแมนติกซึ่งถูกเปิดเผยโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการสืบทอดเทคนิคหรือแม้แต่ธีมและลวดลายที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะโรแมนติก (ธีม ของภาพลวงตาที่หายไป แนวคิดของความผิดหวัง)
ความสำคัญของแนวโรแมนติกในฐานะผู้บุกเบิกงานศิลปะที่สมจริงในฝรั่งเศสนั้นแทบจะประเมินค่าไม่ได้สูงเกินไป พวกโรแมนติกเป็นคนแรกที่วิพากษ์วิจารณ์สังคมกระฎุมพีในสมัยนั้น และการวิพากษ์วิจารณ์ความสัมพันธ์กระฎุมพีจากตำแหน่งสูงของลัทธิมนุษยนิยมอย่างต่อเนื่องและไม่ประนีประนอมนั้น ถือเป็นด้านที่แข็งแกร่งที่สุดของสุนทรียศาสตร์ของนักสัจนิยม ซึ่งขยายและเพิ่มพูนประสบการณ์ของ รุ่นก่อนของพวกเขา
สิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่เกี่ยวข้องกับปัญหาความต่อเนื่องทางวรรณกรรมคือหลักการที่สำคัญที่สุดของสุนทรียศาสตร์โรแมนติกที่ศึกษาโดยนักสัจนิยม - หลักการของลัทธิประวัติศาสตร์นิยม เป็นที่ทราบกันดีว่าหลักการนี้สันนิษฐานว่าการพิจารณาชีวิตมนุษย์เป็นกระบวนการต่อเนื่องซึ่งทุกขั้นตอนเชื่อมโยงกันแบบวิภาษวิธี ซึ่งแต่ละขั้นตอนมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง นี่คือการเปลี่ยนชื่อการระบายสีทางประวัติศาสตร์ตามประเพณีที่สมจริงซึ่งผู้เขียนถูกเรียกร้องให้เปิดเผย อย่างไรก็ตามในการโต้เถียงกันระหว่าง 20-30 กับนักคลาสสิกที่เกิดขึ้นแล้วหลักการนี้มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง จากการค้นพบของสำนักนักประวัติศาสตร์สมัยใหม่ (เธียร์รี, มิเชล, กิโซต์) ผู้พิสูจน์ว่ากลไกหลักของประวัติศาสตร์คือการต่อสู้ทางชนชั้น และพลังที่ตัดสินผลลัพธ์คือประชาชน มวลชน บรรดานักสัจนิยมเสนอแนวคิด วิธีการใหม่ในการอ่านประวัติศาสตร์
นักสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่มองว่างานของพวกเขาเป็นการทำซ้ำความเป็นจริงตามที่เป็นอยู่ โดยอาศัยความรู้เกี่ยวกับกฎภายในของมันซึ่งกำหนดวิภาษวิธีและความหลากหลายของรูปแบบ “นักประวัติศาสตร์ควรจะเป็นสังคมฝรั่งเศส ฉันทำได้เพียงเป็นเลขานุการเท่านั้น” บัลซัคเขียนในคำนำ แต่ภาพที่เป็นรูปธรรมไม่ใช่ภาพสะท้อนในกระจกของโลกนี้ ในบางครั้ง ดังที่สเตนดาห์ลตั้งข้อสังเกตไว้ว่า "ธรรมชาติเผยให้เห็นปรากฏการณ์ที่ไม่ธรรมดา ความแตกต่างอันประเสริฐ" และอาจยังคงไม่สามารถเข้าใจได้ในกระจกที่หมดสติ จากความคิดของ Stndahl บัลซัคให้เหตุผลว่างานไม่ใช่การลอกเลียนแบบธรรมชาติ แต่เป็นการแสดงออก นั่นคือเหตุผลว่าทำไมทัศนคติที่สำคัญที่สุด - การสร้างความเป็นจริงขึ้นใหม่ - สำหรับ Balzac, Stendhal, Mérimée ไม่ได้ยกเว้นเทคนิคเช่นสัญลักษณ์เปรียบเทียบ, แฟนตาซี, พิสดาร, สัญลักษณ์นิยม
ความสมจริงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งแสดงโดยผลงานของ Flaubert แตกต่างจากความสมจริงของขั้นตอนแรก การเลิกราครั้งสุดท้ายกับประเพณีโรแมนติกเกิดขึ้น ได้รับการประกาศอย่างเป็นทางการแล้วใน Madame Bovary (1856) และแม้ว่าวัตถุหลักของการพรรณนาในงานศิลปะยังคงเป็นความเป็นจริงของชนชั้นกลาง แต่ขนาดและหลักการของการพรรณนาก็เปลี่ยนไป บุคลิกลักษณะที่สดใสของวีรบุรุษในนวนิยายยุค 30 และ 40 ถูกแทนที่ด้วยคนธรรมดาซึ่งไม่น่าทึ่งมากนัก โลกหลากสีแห่งความหลงใหลของเช็คสเปียร์ การต่อสู้ที่โหดร้าย ละครที่สะเทือนใจ ซึ่งถ่ายทำใน "Human Comedy" ของบัลซัค ผลงานของสเตนดาลและเมริเม เปิดทางไปสู่ "โลกที่เต็มไปด้วยเชื้อรา" ซึ่งเป็นเหตุการณ์ที่น่าทึ่งที่สุดซึ่งก็คือการล่วงประเวณี
การเปลี่ยนแปลงพื้นฐานถูกสังเกตเมื่อเปรียบเทียบกับความสมจริงของขั้นตอนแรกในความสัมพันธ์ของศิลปินกับโลกที่เขาเลือกภาพเป็นวัตถุ หาก Balzac, Merimee, Stendhal แสดงความสนใจอย่างกระตือรือร้นต่อชะตากรรมของโลกนี้และตามที่ Balzac กล่าวอย่างต่อเนื่องว่า "รู้สึกถึงชีพจรของยุคของพวกเขาเห็นความเจ็บป่วยของมัน" Flaubert ก็ประกาศการแยกตัวขั้นพื้นฐานจากความเป็นจริงที่ยอมรับไม่ได้สำหรับเขาซึ่ง เขาวาดภาพในผลงานของเขา นักเขียนหลงใหลในความคิดเรื่องความสันโดษในปราสาทงาช้างและถูกล่ามโซ่ไว้กับความทันสมัยกลายเป็นนักวิเคราะห์ที่เข้มงวดและผู้ตัดสินที่เป็นกลาง อย่างไรก็ตาม แม้ว่าการวิเคราะห์เชิงวิพากษ์จะมีความสำคัญอย่างยิ่งยวด แต่ปัญหาที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของปรมาจารย์ด้านสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่ยังคงเป็นปัญหาของฮีโร่เชิงบวก เพราะ "ความชั่วร้ายมีประสิทธิผลมากกว่า... ในทางกลับกัน คุณธรรมกลับเผยให้เห็นอย่างผิดปกติเท่านั้น เส้นบางๆ บนพู่กันของศิลปิน” คุณธรรมนั้นแบ่งแยกไม่ได้ แต่ความชั่วร้ายนั้นมีมากมาย
ตั๋ว 6. บทกวีของ Beranger วิเคราะห์บทกวี 2 บท
ฌอง-ปิแอร์ เบอรังเงอร์พ.ศ. 2323-2400] - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส อาร์ในปารีส ในครอบครัวเสมียน ในวัยเยาว์ เขาเปลี่ยนอาชีพหลายอย่าง: เขาเป็นช่างซ่อมนาฬิกาฝึกหัด คนรับใช้ในโรงเตี๊ยม บรรณารักษ์ ศึกษาการทำเครื่องประดับ ฯลฯ และในที่สุดก็ได้สร้างความเชื่อมโยงระหว่างโบฮีเมียทางวรรณกรรมและศิลปะแห่งปารีส ประชาธิปไตยของ B. ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยต้นกำเนิดของเขาจากลัทธิปรัชญานิยมที่ทำงานและความจริงที่ว่าเขาเติบโตมาในเงื่อนไขของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ซึ่งเป็นหลักการที่เขาตื้นตันใจอย่างลึกซึ้งได้กำกับงานวรรณกรรมของเขาในความหมายที่เป็นทางการตามแนว แนวต่อต้านวรรณกรรมคลาสสิกที่ครองตำแหน่งแสตมป์ด้านบน อย่างไรก็ตามในการต่อสู้กับคนหลังกวีพ่อค้าไม่ได้ติดตามเส้นทางของชนชั้นเหล่านั้นที่สร้างความโรแมนติก แต่อาศัยประเพณีวรรณกรรม "ต่ำ" ของกลอนเพลงข้างถนนซึ่งกลอนสดในร้านเหล้าและร้านเหล้าในปารีส B. อันดับแรกติดตามตัวอย่างของแนวเพลงนี้ที่สร้างขึ้นในแวดวงนักแต่งเพลง "Cellar" (ประเพณีของมันย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 18) ซึ่งเขาเข้าร่วมโดยได้รับแรงผลักดันจากอารมณ์ทางสังคมที่ลึกซึ้งของเขา และในไม่ช้าก็จะอัปเดตธีมของพวกเขาอย่างรวดเร็ว จากการยกย่องเชิดชูอย่างแรงกล้าของความรักและความสนุกสนานอย่างเสรีในช่วงแรกๆ ของ B. ("The Bacchae", "The Great Orgy") ในไม่ช้า B. ก็ได้สร้างจุลสารทางการเมืองที่เฉียบคม ความงดงามทางสังคม และการทำสมาธิเชิงโคลงสั้น ๆ ในเชิงลึก .
ผลงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของ B. คือจุลสารของเขาเกี่ยวกับนโปเลียนที่ 1: "King Yveto", "บทความทางการเมือง" แต่ความรุ่งเรืองของการเสียดสีของ B. ตกอยู่ที่ยุคแห่งการฟื้นฟู การกลับคืนสู่อำนาจของ Bourbons และบรรดาขุนนางผู้อพยพซึ่งไม่ได้เรียนรู้อะไรและไม่ลืมอะไรเลยในช่วงหลายปีของการปฏิวัติทำให้เกิดเพลงและแผ่นพับชุดยาวจาก B. ซึ่งระบบสังคมและการเมืองทั้งหมดของ ยุคสมัยพบภาพสะท้อนเสียดสีที่ยอดเยี่ยม เพลงเหล่านี้ต่อด้วยแผ่นพับเพลงที่มุ่งต่อต้านหลุยส์ ฟิลิปป์ในฐานะตัวแทนของชนชั้นกระฎุมพีทางการเงินบนบัลลังก์ ในเพลงเหล่านี้ซึ่ง B. เรียกตัวเองว่าคริสตจักร ระบบราชการ และชนชั้นกระฎุมพีในฐานะลูกศรที่ยิงใส่บัลลังก์ กวีปรากฏเป็นทริบูนทางการเมืองผ่านความคิดสร้างสรรค์ทางบทกวีที่ปกป้องผลประโยชน์ของลัทธิปรัชญาที่ทำงานซึ่งมีบทบาทปฏิวัติใน B. ยุคของ. แรงจูงใจของ B. คือการเชิดชูแรงงาน ความยากจน และความเหนือกว่าทางศีลธรรมเหนือการแสวงหาผลประโยชน์และความมั่งคั่ง ตลอดงานของ B. มีการทำสมาธิเพลงโคลงสั้น ๆ ล้วนๆ ซึ่งเต็มไปด้วยแรงจูงใจในการยกระดับงานและชีวิตของชนชั้นแรงงาน (“ เทพเจ้าแห่งความดี”, “ เสื้อท้ายเก่าของฉัน”, “ ห้องใต้หลังคา”, “ ไม่ไม่ใช่ Lisette”, “ช่างตัดเสื้อและนางฟ้า”) ", "Rhyme Fairy" ฯลฯ ) บียังปรากฏเป็นกวีนักปรัชญานิยมปฏิวัติในวงจรของเพลงที่อุทิศให้กับตำนานของนโปเลียน ในการต่อต้านนโปเลียนในรัชสมัยของเขา บี. ยืนยันลัทธิความทรงจำของเขาในช่วงบูร์บงและหลุยส์ ฟิลิปป์ ในบทเพลงของวัฏจักรนี้ นโปเลียนมีอุดมคติในฐานะตัวแทนของอำนาจการปฏิวัติที่เกี่ยวข้องกับมวลชน บทกวีของ B. ต่างจากจิตสำนึกของชนชั้นกรรมาชีพที่แท้จริงซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ของลัทธิปรัชญาที่ทำงานอย่างละเอียดอ่อนซึ่งตอบสนองอย่างเจ็บปวดต่อการกลับคืนสู่อำนาจของคนชั้นสูงและคริสตจักรภายใต้ Bourbons และต่อการครอบงำทางการเงิน ชนชั้นกระฎุมพีภายใต้หลุยส์ ฟิลิปป์ ในความหมายอันจำกัดนี้ ธรรมชาติของการปฏิวัติของแรงจูงใจนี้ไม่อาจปฏิเสธได้ ในที่สุด อุดมคติเชิงบวกของ B. ซึ่งเปิดเผยในเพลงยูโทเปียหลายเพลง ได้แสดงให้เห็นลักษณะของกวีคนนี้อีกครั้งในฐานะตัวแทนของชนชั้นกระฎุมพีน้อยที่ปฏิวัติวงการ แรงจูงใจหลักของวัฏจักรนี้: ศรัทธาในพลังแห่งความคิด อิสรภาพในฐานะความดีเชิงนามธรรม และไม่ใช่ผลลัพธ์ที่แท้จริงของการต่อสู้ทางชนชั้น ซึ่งจำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับความรุนแรง (“ความคิด”, “ความคิด”) หนึ่งในเพลงในรอบนี้ B. ตั้งชื่อครูของเขาว่า: Owen, La Fontaine, Fourier ดังนั้นเราจึงมีผู้ติดตามลัทธิสังคมนิยมยุคก่อนมาร์กเซียนยูโทเปียอยู่เบื้องหน้าเรา
ในบรรยากาศของการเสริมสร้างความเข้มแข็งของการต่อต้านการปฏิวัติอย่างค่อยเป็นค่อยไป ซึ่งถูกขัดขวางเป็นครั้งคราวด้วยการระเบิดของการปฏิวัติ ซึ่งบี. อาศัยและทำงานอยู่ ชนชั้นปกครองที่เป็นตัวแทนโดยรัฐบาลของพวกเขาต่างพยายามสลับกัน (ไม่ประสบผลสำเร็จเสมอ) เพื่อเอาชนะเขาให้อยู่เคียงข้างพวกเขา ในฐานะพลังทางสังคมที่โดดเด่น จากนั้นกวีก็ถูกกดขี่อย่างรุนแรง บทกวีชุดแรกทำให้เขาไม่ได้รับความโปรดปรานจากผู้บังคับบัญชาในมหาวิทยาลัยที่เขารับใช้ในขณะนั้น คอลเลกชันที่สอง ข. ถูกดำเนินคดีซึ่งสิ้นสุดในโทษจำคุกสามเดือน ฐานดูหมิ่นศีลธรรม คริสตจักร และอำนาจของกษัตริย์ คอลเลกชันที่สี่ส่งผลให้ผู้เขียนได้รับโทษจำคุกครั้งที่สอง คราวนี้เป็นเวลา 9 เดือน กระบวนการทั้งสองเกิดขึ้นภายใต้รัฐบาลต่อต้านการปฏิวัติของ Bourbons และให้บริการเฉพาะกับความนิยมที่เพิ่มขึ้นอย่างมากของ B. ซึ่งห้องขังในแต่ละครั้งกลายเป็นสถานที่แสวงบุญสำหรับตัวแทนที่ดีที่สุดของทุกสิ่งที่ก้าวหน้าในฝรั่งเศสในยุคนั้น ความนิยมของ B. ในหมู่คนทำงานในฝรั่งเศสอย่างกว้างขวาง นอกเหนือจากเพลงของเขาที่ร้องในกระท่อมชาวนา ตู้เสื้อผ้าของช่างฝีมือ ค่ายทหารและห้องใต้หลังคาแล้ว วิถีชีวิตของกวีผู้นี้ซึ่งมีพรมแดนติดกับความยากจนก็ไม่ได้รับการอำนวยความสะดวกไปมากกว่านี้อีกแล้ว มีโอกาสอย่างเต็มที่ที่จะครองตำแหน่งที่โดดเด่นภายใต้รัฐบาลของพระเจ้าหลุยส์ ฟิลิปป์หรือนโปเลียนที่ 3 ซึ่งไม่รังเกียจที่จะเล่นในลัทธิเสรีนิยมและลงทะเบียนกวีนักปฏิวัติให้อยู่ในกลุ่มผู้ติดตาม โดยไม่คำนึงถึงพฤติกรรมสาธารณะของเขา ด้วยเหตุนี้การมีส่วนร่วมของ B. ในชีวิตทางการเมืองในความหมายที่เหมาะสมของคำ (หากเราไม่เกี่ยวข้องกับผลของการปฏิวัติของเพลง) ส่งผลให้เกิดรูปแบบที่ค่อนข้างปานกลางเป็นต้น ในรูปแบบของการสนับสนุนพวกเสรีนิยมในการปฏิวัติปี 1830 ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา B. ถอนตัวจากชีวิตสาธารณะโดยตั้งรกรากใกล้ปารีสย้ายงานของเขาจากแรงจูงใจทางการเมืองไปสู่สังคมพัฒนาพวกเขาด้วยจิตวิญญาณของประชานิยม ("ผมแดง Jeanne", "The Tramp", "Jacques" และอื่นๆ)
การเลือกตั้งรัฐสภาของบี. ในปี พ.ศ. 2391 ไม่มีความสำคัญอย่างแท้จริง เนื่องจากเขาไม่ได้มีส่วนร่วมในงานของรัฐสภา และเป็นเพียงการแสดงความเคารพต่อบี. จากประชากรชาวปารีสในวงกว้างเท่านั้น ความรุ่งโรจน์ของ B. ในช่วงเวลานี้ยิ่งใหญ่มากจนหลังจากการสิ้นพระชนม์รัฐบาลของนโปเลียนที่ 3 ถูกบังคับให้จัดงานศพของเขาด้วยค่าใช้จ่ายของตัวเองและให้ความสำคัญกับการกระทำระดับชาติอย่างเป็นทางการ
คุณให้ดอกไม้ฤดูใบไม้ผลิมากมาย
ลูกสาวของประชาชน นักร้องเพื่อสิทธิประชาชน
คุณเป็นหนี้เขามาตั้งแต่เด็ก
ที่เขาร้องเพลงเพื่อระงับการร้องไห้ครั้งแรกของคุณ
คุณเป็นท่านบารอนเนสหรือมาร์ควิส
ฉันไม่เปลี่ยนมันเพื่อการตกแต่ง
อย่ากลัวเลย เพราะเรายึดมั่นในคติประจำใจ:
เมื่อครั้งยังเป็นเด็กไม่มีชื่อเสียง
ฉันเจอปราสาทโบราณ
ฉันไม่ได้เร่งรีบหมอผีคาร์ล่า
เพื่อเปิดประตูมิติที่ปิดให้ฉัน
ฉันคิดว่า: ไม่ ไม่ร้องเพลงหรือรัก
เราจะไม่ได้รับการต้อนรับที่นี่เหมือนคนเร่ร่อน
ไปจากที่นี่ไปยังฐานันดรที่สาม:
รสนิยมของฉันและฉันมาจากมวลชน
ลงกับลูกบอลที่ซึ่งความเบื่อหน่ายของผู้เชื่อเก่าอยู่
ที่ที่พลุดอกไม้ไฟจางหายไป
ที่ซึ่งเสียงหัวเราะเงียบก่อนที่จะได้ยิน!
อาทิตย์หน้า! คุณมาในชุดสีขาว
คุณโทรไปที่ทุ่งนาเพื่อเริ่มเต้นรำวันอาทิตย์
ฉันอยากจะไล่ตามส้นเท้าของคุณ คันธนูของคุณ...
รสนิยมของฉันและฉันมาจากมวลชน!
เด็ก! ไม่ใช่แค่กับผู้หญิงคนไหนเท่านั้น -
คุณสามารถโต้เถียงกับเจ้าหญิงได้
มีใครเทียบความสวยของคุณได้มั้ยคะ?
สายตาใครอ่อนโยนกว่ากัน? คุณสมบัติของใครถูกต้องกว่ากัน?
ทุกคนรู้ - มีสองหลาติดต่อกัน
ฉันต่อสู้และรักษาเกียรติของประชาชน
นักร้องของเขาจะได้รับรางวัล:
รสนิยมของฉันและฉันมาจากมวลชน
ลูกสาวของประชาชน
เลอบรุน คุณกำลังยั่วยวนฉัน!
สุดท้ายแล้ว ฉันก็แค่นักร้องธรรมดาๆ
และในจดหมายของคุณคุณเสนอให้ฉัน
มงกุฎวิชาการ!..
แต่เดี๋ยวก่อนอดทนไว้!
ใช้ชีวิตมาทั้งชีวิตราวกับเป็นเด็ก
ฉันรักความสันโดษ
และฉันจะไม่รับสายของคุณ
เสียงทางสังคมของคุณทำให้ฉันกลัว
ฉันเสพติดความเงียบ
“โลกคิดถึงคุณมานานแล้ว...”
โลกแทบจะจำฉันไม่ได้!
ให้เกียรติเขาน้อยลง
และเงินมากขึ้น - แสงสว่างเป็นเช่นนั้น
ตัวตลกพอแล้ว!..
“เข้าไปเกี่ยวข้องกับการเมือง!” - ถึงกวี
พวกเขายืนกรานอยู่คนเดียวอย่างไม่ลดละ
จริงๆนะเพื่อน ๆ ในหัวข้อนี้
สมัยก่อนไม่ได้ร้องเพลงเยอะนะ?!
คนอื่นๆ ตะโกนบอกฉันว่า “ศาสดาพยากรณ์
จากนี้ไปคุณจะเรียกตัวเองว่า
และอยู่ในตำแหน่งที่สูงนี้
คุณจะได้ธูปจากเรา”
ให้เป็นที่รู้จักในฐานะมหาบุรุษ
ฉันไม่เคยปรารถนา:
วัยที่ไม่ประหยัดของเรา
อนิจจา แท่นนั้นดูหยาบคาย!
แต่ละนิกายมีผู้เผยพระวจนะของตัวเอง
และในทุกสโมสรก็มีอัจฉริยะ:
พวกเขารีบเลือกเขาเป็นนายอำเภอ
พวกเขารีบสร้างแท่นบูชาให้เขา...
ฉันกลัวอะไร?
ตั๋ว 6. ผลงานของสเตนดาห์ล
ผลงานของ Stendhal (ชื่อย่อทางวรรณกรรมของ Henri Marie Bayle) เปิดยุคใหม่ในการพัฒนาไม่เพียงแต่ภาษาฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวรรณกรรมยุโรปตะวันตกด้วย สเตนดาห์ลเป็นผู้เป็นผู้นำในการพิสูจน์หลักการสำคัญและโปรแกรมสำหรับการก่อตัวของศิลปะสมัยใหม่ ตามที่กล่าวไว้ในทางทฤษฎีในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงที่ลัทธิคลาสสิกยังคงครอบงำอยู่ และในไม่ช้าก็รวบรวมไว้อย่างชาญฉลาดในผลงานศิลปะชิ้นเอกของนักประพันธ์ที่โดดเด่นของ ศตวรรษที่ 19.
ในช่วง "ปีแห่งการศึกษา" โลกทัศน์ของ Stendhal พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของนักการศึกษาวัตถุนิยม เช่น Helvetius, Montesquet และ de Trusti ผู้ก่อตั้ง "การแพทย์เชิงปรัชญา" Cabanis ในปี ค.ศ. 1822 สเตนดาลได้ทำการศึกษาทางวิทยาศาสตร์เหล่านี้ เขียนไว้ว่า “ศิลปะขึ้นอยู่กับวิทยาศาสตร์เสมอ โดยใช้วิธีการที่วิทยาศาสตร์ค้นพบ” การค้นพบที่แท้จริงสำหรับเขาคือแนวคิดที่เป็นประโยชน์เกี่ยวกับ "ผลประโยชน์ส่วนตัว" ซึ่งได้รับการยืนยันโดย Helvetius ซึ่งเป็นพื้นฐานตามธรรมชาติของมนุษย์ซึ่ง "การแสวงหาความสุข" เป็นแรงจูงใจหลักสำหรับการกระทำทั้งหมด คนที่อาศัยอยู่ในสังคมแบบของตัวเองไม่เพียงแต่ช่วยไม่ได้ที่จะคำนึงถึงพวกเขา แต่ยังต้องทำความดีให้กับพวกเขาด้วย “การตามล่าหาความสุข” เชื่อมโยงกับคุณธรรมของพลเมืองในเชิงวิภาษวิธี จึงเป็นหลักประกันความเป็นอยู่ที่ดีของสังคมทั้งหมด “วิญญาณผู้สูงศักดิ์กระทำเพื่อความสุขของตนเอง แต่ความสุขที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวิญญาณคือการนำความสุขมาสู่ผู้อื่น” “การตามล่าหาความสุข” ซึ่งเป็นตัวขับเคลื่อนหลักของการกระทำของมนุษย์จะกลายเป็นหัวข้อที่สเตนดาห์ลบรรยายไว้อย่างต่อเนื่อง
สเตนดาห์ลยกตัวอย่างการวิเคราะห์ที่แม่นยำทางคณิตศาสตร์ในปี 1822 ในบทความเรื่อง "On Love" ของเขา โดยติดตาม "กระบวนการตกผลึก" ของหนึ่งในความรู้สึกที่ใกล้ชิดที่สุด นั่นคือ ความรัก ความหลงใหล
ภารกิจช่วงแรกๆ ของนักเขียนโดดเด่นด้วยวิวัฒนาการของความชอบด้านสุนทรียะของเขา ความชื่นชมในโรงละครคลาสสิกของ Racine ถูกแทนที่ด้วยความหลงใหลในนีโอคลาสซิซิสซึ่มของอิตาลีของ Alfieri ซึ่งในที่สุดเชคสเปียร์ก็เป็นที่ต้องการมากกว่า การเปลี่ยนแปลงหลักเกณฑ์ด้านสุนทรียภาพนี้ไม่เพียงสะท้อนถึงแนวโน้มลักษณะของวิวัฒนาการของรสนิยมเชิงสุนทรีย์ของสังคมฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังได้สรุปแนวทางบางประการสำหรับแถลงการณ์ทางวรรณกรรมของ Stendhal เรื่อง "Racine and Shakespeare" ซึ่งสรุปการต่อสู้ของนักโรแมนติกคลาสสิกและยัง สรุปข้อสรุปทางโปรแกรมหลักสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของผู้เขียน สเตนดาห์ลพิสูจน์ความไม่สอดคล้องกันของแนวความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของฝ่ายตรงข้ามทางวรรณกรรมของเขา โดยโต้แย้งว่าศิลปะมีวิวัฒนาการไปพร้อมกับสังคมและการเปลี่ยนแปลงในความต้องการด้านสุนทรียภาพของมัน
ต่อมาในบทความ "Walter Scott และ "The Princess of Cleves" ซึ่งเสริมและแก้ไขบทบัญญัติหลักของ Racine และ Shakespeare สเตนดาลจะตั้งข้อสังเกตว่า: "ศตวรรษที่ 19 จะแตกต่างจากทุกสิ่งที่นำหน้ามาด้วยการนำเสนอภาพที่แม่นยำและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของ หัวใจของมนุษย์” สเตนดาห์ลมองเห็นงานหลักของวรรณกรรมสมัยใหม่ในการพรรณนาถึงบุคคล โลกภายในของเขา ตามความเป็นจริงและถูกต้อง วิภาษวิธีของความรู้สึกที่กำหนดโดยการแต่งหน้าทางจิตวิญญาณและทางกายภาพของแต่ละบุคคล เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของสิ่งแวดล้อม การเลี้ยงดู และสังคม สภาพความเป็นอยู่
ในเวลาเดียวกัน แนวเพลงที่สเตนดาห์ลค้นพบทางศิลปะหลักของเขาได้ถูกกำหนดขึ้น โดยรวบรวมหลักการของสุนทรียศาสตร์ที่สมจริง ความคิดริเริ่มของความเป็นปัจเจกบุคคลเชิงสร้างสรรค์ของเขาจะถูกเปิดเผยอย่างสมบูรณ์ในประเภทของนวนิยายทางสังคมและจิตวิทยาที่เขาสร้างขึ้น ประสบการณ์ครั้งแรกของนักเขียนในประเภทนี้คือนวนิยายเรื่อง Armans ซึ่งเขียนในปี พ.ศ. 2370 ในปี ค.ศ. 1830 สเตนดาห์ลได้สร้างผลงานเรื่อง “Red and Black” ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของวุฒิภาวะของนักเขียน เนื้อเรื่องของนวนิยายอิงจากเหตุการณ์จริงที่เกี่ยวข้องกับกรณีของ Antoine Berthe ชายหนุ่มจากครอบครัวชาวนาที่ตัดสินใจประกอบอาชีพโดยเข้ารับราชการเป็นครูสอนพิเศษในครอบครัวของเศรษฐีในท้องถิ่น Misha . อย่างไรก็ตาม ไม่นานหลังจากถูกจับได้ว่ามีสัมพันธ์ชู้สาวกับแม่ของลูกศิษย์ เขาจึงเสียตำแหน่ง ถูกไล่ออกจากวิทยาลัยเทววิทยา และจากการรับราชการในคฤหาสน์ชนชั้นสูงของปารีส ซึ่งเขาก็ต้องประนีประนอมด้วยความสัมพันธ์ของเขากับลูกสาวของเจ้าของ ไม่ได้รับความช่วยเหลือจากมาดามมิชู ด้วยความสิ้นหวัง Berthe กลับไปที่ Grenoble และยิง Madame Misha จากนั้นพยายามฆ่าตัวตาย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พงศาวดารของศาลนี้ดึงดูดความสนใจของ Stendhal ผู้สร้างนวนิยายเกี่ยวกับชะตากรรมอันน่าสลดใจของผู้มีความสามารถใน Restoration France
พงศาวดารภาษาอิตาลีฉบับแรกของสเตนดาห์ล Vanina Vanini (1829) มีการเชื่อมโยงวิภาษวิธีกับสีแดงและสีดำ พระเอกของนวนิยายเรื่องนี้อยู่ใกล้กับ Julien Sorel แต่ในชีวิตเขาเลือกเส้นทางตรงกันข้าม
ในปีพ.ศ. 2373 เหตุการณ์การปฏิวัติได้กวาดล้างระบอบการฟื้นฟูซึ่งสเตนดาลเกลียดชังไป อย่างไรก็ตาม ชนชั้นกระฎุมพีที่ขึ้นสู่อำนาจมีความเหนือกว่าขุนนางและนักบวชในอำนาจกดขี่ของคนทำงาน ปีนี้ไม่ได้นำการเปลี่ยนแปลงที่น่ายินดีมาสู่ผู้สร้าง "แดงและดำ" ผลงานชิ้นเอกของสเตนดาห์ลไม่ได้รับการวิจารณ์อย่างเป็นทางการ ชะตากรรมเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับนวนิยายเรื่องใหม่ของเขา "Lucien Leuven" ("Red and White") นวนิยายเรื่องนี้เป็นหลักฐานที่เถียงไม่ได้ถึงความสมบูรณ์ของศิลปะของนักประพันธ์สเตนดาห์ล นวนิยายเรื่องนี้สร้างขึ้นในช่วงปีแรกๆ ของระบอบกษัตริย์ในเดือนกรกฎาคม สร้างความประหลาดใจด้วยความลึกและความแม่นยำของการวิเคราะห์ระบอบการปกครองทางสังคมและการเมืองที่เพิ่งก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส สเตนดาห์ลคำนึงถึงข้อบกพร่องของนวนิยายเรื่องก่อนๆ ด้วยความซื่อสัตย์ต่อตนเอง โดยเน้นเฉพาะตัวละครหลักไว้อย่างชัดเจน และสร้างแกลเลอรีตัวละครรองที่โดดเด่นและน่าประทับใจทั้งหมด
ธีมหลักในงานของ Stendhal ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 30 มีความเกี่ยวข้องกับอิตาลีซึ่งเขาใช้เวลาหลายปี มีการตีพิมพ์สี่เรื่อง - "Vittoria Accoramboni", "Duchess di Palliano", "Cenci", "Abbess of Castro" ผลงานเหล่านี้ร่วมกับ "Vanina Vanini" โดยอิงจากการปฏิบัติทางศิลปะจากต้นฉบับจริงที่พบโดยนักเขียนในหอจดหมายเหตุของอิตาลี แสดงถึงวัฏจักรของ "Italian Chronicles" ของ Stendhal
เนื้อหาของต้นฉบับโบราณฉบับหนึ่งที่เล่าเกี่ยวกับการผจญภัยอันอื้อฉาวของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 ฟาร์เนเซใช้เป็นพื้นฐานในการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกชิ้นสุดท้ายของสเตนดาห์ล - นวนิยายเรื่อง The Monastery of Parma (1839) ถือเป็นขั้นตอนสูงสุดและผลลัพธ์ที่สร้างสรรค์จากวิวัฒนาการของ Stendhal "Abode of Parma" แสดงถึงแนวเพลงที่ซับซ้อนและความสามัคคีด้านโวหาร สะท้อนให้เห็นถึงความคิดริเริ่มของการพัฒนาวิธีทางศิลปะของนักเขียน
ศิลปินผู้ปูทางไปสู่อนาคตของวรรณคดีไม่เป็นที่เข้าใจของคนรุ่นเดียวกันและสิ่งนี้ทำให้สเตนดาห์ลเจ็บปวดอย่างเจ็บปวด ถึงกระนั้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขายังสามารถได้ยินคำสารภาพดัง ๆ ของเขาซึ่งเป็นของบัลซัคซึ่งตอบสนองต่อการปรากฏตัวของ "อารามปาร์มา" ด้วย "Etude about Bayle"
ตั๋ว 7. Stendhal “Racine and Shakespeare”, “Walter Scott และ “The Princess of Cleves”
Stendhal (ชื่อจริง Henri-Marie Bayle) เกิดที่ Grenoble ในปี 1783 ในปี 1800-1802 ดำรงตำแหน่งร้อยโทในกองทัพอิตาลีของโบนาปาร์ต ในปี 1805-1812 - เรือนจำ; ร่วมกับกองทหารจักรวรรดิในระหว่างการเข้าสู่กรุงเบอร์ลิน เวียนนา และในการรณรงค์ต่อต้านมอสโก หลังจากการล่มสลายของนโปเลียน เขาได้เดินทางไปยังอิตาลี ซึ่งเขาได้ติดต่อกับขบวนการคาร์โบนารี พบกับไบรอน และเดินทางกลับฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2364 และในปี พ.ศ. 2374 ได้รับการแต่งตั้งเป็นกงสุลฝรั่งเศสในเมืองซิวิตาเวคเคียของอิตาลี
สเตนดาห์ลอาศัยอยู่ในยุคแห่งการหยุดชะงักและการต่ออายุครั้งใหญ่ ต่อหน้าต่อตาเขา (และบางส่วนจากการมีส่วนร่วมของเขา) โลกกำลังเปลี่ยนแปลง โครงสร้างชนชั้นของสังคมไม่ได้ถูกเปิดเผยแก่เขาในสถิติก่อนการปฏิวัติ แต่ในการต่อสู้ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง การกระจายอำนาจอีกครั้ง เขาตระหนักว่าจิตสำนึกของบุคคลนั้นขึ้นอยู่กับความเป็นอยู่ของเขา ดังนั้นในทัศนะของเขา วรรณกรรมและศิลปะจึงขึ้นอยู่กับสังคม พวกเขาไม่สามารถดำเนินไปจากอุดมคติแห่งความงามที่สมบูรณ์และไม่เปลี่ยนแปลงได้ มุมมองดังกล่าวของ Stendhal (โดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของ Balzac และ Mérimée) เป็นตัวกำหนดวิธีการทำงานของเขา
ต่อมาสำหรับบัลซัค สกอตต์เป็นบรรพบุรุษของเขา แม้กระทั่งอาจารย์ของเขาด้วยซ้ำ “นักประพันธ์ชื่อดัง” เขาเขียน “ปฏิวัติวรรณกรรมฝรั่งเศส” “ฉันสารภาพว่าฉันเป็นหนี้ผลงานของวอลเตอร์ สก็อตต์มากมาย” แต่ในปี 1830 ในบทความ "Walter Scott and the Princess of Cleves" Stendhal ตอบคำถาม: "... เราควรอธิบายเสื้อผ้าของฮีโร่ภูมิทัศน์ที่พวกเขาอยู่ลักษณะใบหน้าของพวกเขาหรือไม่? หรือจะบรรยายถึงความหลงใหลและความรู้สึกต่างๆ ที่ปลุกเร้าจิตวิญญาณของตนจะดีกว่า?” เขาชอบอย่างที่สองอย่างชัดเจน แต่เราไม่ควรคิดว่าความขัดแย้งทั้งหมดกับสก็อตต์และ "ผู้ลอกเลียนแบบของเขา" มาจากสิ่งนี้: ลักษณะการเขียน ความอุดมสมบูรณ์หรือการยับยั้งชั่งใจของคำอธิบาย ความแตกต่างนั้นฝังลึกและมีลักษณะพื้นฐาน สเตนดาห์ลตำหนิวอลเตอร์ สก็อตต์ในความจริงที่ว่า เนื่องจากแนวคิดอนุรักษ์นิยมทางการเมืองของเขา เขาไม่ได้ให้ความยุติธรรมแก่วีรบุรุษที่กบฏของเขา และไม่ได้แสดงท่าทีน่าสมเพชของพลเมืองระดับสูงให้เขา “ตัวละครของนักประพันธ์ชาวสก็อต” เขาเขียนในบทความ “VSiPK” “ยิ่งพวกเขาต้องแสดงความรู้สึกประเสริฐมากเท่าไร พวกเขาก็ยิ่งขาดความกล้าหาญและความมั่นใจมากขึ้นเท่านั้น ฉันสารภาพว่าสิ่งนี้ทำให้ฉันไม่พอใจมากที่สุดเกี่ยวกับเซอร์วอลเตอร์ สก็อตต์” คำถามเกี่ยวกับความจริงของศิลปะมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับปัญหาของความงามกับความเข้าใจในความงาม S. ฉันเชื่อว่าอุดมคติของความงามนั้นมีเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ พัฒนาไปพร้อมกับการพัฒนาของสังคม เขาแย้ง โดยตีความอุดมคติทางวัตถุและวิภาษวิธีว่า “ความงามคือสัญญาแห่งความสุข” และทรงถอดรหัสจุดยืนของตนเกี่ยวกับศิลปะว่า “ความงามในศิลปะคือการแสดงออกถึงคุณธรรมของ สังคมที่กำหนด” สิ่งสวยงามและประโยชน์รวมเป็นหนึ่งเดียวกัน ความงามไม่มีอยู่นอกศีลธรรม และหากคุณธรรมข้อหนึ่งคือ “เหตุผลเชื่อว่าความงามไม่มีอยู่นอกเหตุผล เช่นเดียวกับความงามไม่มีอยู่โดยปราศจากเหตุผล” จิตวิญญาณ แนวคิดของความงามทางจิตวิญญาณยังรวมถึงพลังงานความทะเยอทะยานหน้าที่ความตั้งใจและแน่นอนว่าความสามารถในการสัมผัสกับตัณหาด้วยความเชื่อว่าตัณหาควบคุมบุคคล S. ด้วยความเอาใจใส่เป็นพิเศษได้ค้นคว้าสิ่งที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่ง - ความรัก (ดู " เกี่ยวกับความรัก")
ศูนย์กลางของสุนทรียศาสตร์ของ S. คือความเป็นมนุษย์และคุณลักษณะของมนุษย์ การตัดสินของเขาเกี่ยวกับตัวละครในจดหมายถึงบัลซัคมีความเฉพาะเจาะจง: “ ฉันพาคนคนหนึ่งที่ฉันรู้จักและพูดกับตัวเองว่า คน ๆ นี้ได้รับนิสัยบางอย่างโดยไปตามล่าหาความสุขทุกเช้า จากนั้นฉันก็ให้เงินเขาเพิ่มอีกเล็กน้อย ปัญญา." งานศิลปะของเขาขึ้นอยู่กับประสบการณ์ เอส. ฉันเชื่อว่าไม่มี “คนดีอย่างสมบูรณ์และไม่ดีโดยสิ้นเชิง” บุคคลถูกกำหนดโดยสิ่งที่เขาเข้าใจด้วย "ความสุข" เช่น วัตถุประสงค์ของชีวิตของคุณและหนทางในการบรรลุเป้าหมาย เขาเปรียบเทียบวิธีการแสดงความเป็นจริงของเขากับกระจก ซึ่งแสดงให้เห็นความหลากหลายของโลกทั้งด้านดีและไม่ดี ผู้เขียนประณามนักเขียนร่วมสมัยในสมุดบันทึกของเขาที่ "ไม่กล้าเรียกห้องนอนว่าห้องนอน" และ "พูดอะไรเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับสิ่งที่อยู่รอบตัวพวกเขา" ในจุลสาร "Racine and Shakespeare" S. แสดงออกอย่างชัดเจนถึงทัศนคติของเขาต่อศิลปะสมัยใหม่สองประเภทโดยมีส่วนร่วมในการโต้เถียงอย่างดุเดือดระหว่าง "คลาสสิก" และ "โรแมนติก" วิทยานิพนธ์เรื่องแรกของเขา: “จากนี้ไปเราต้องเขียนโศกนาฏกรรมให้กับเรา การใช้เหตุผล ผู้คนที่จริงจังและอิจฉา” คนสมัยใหม่เหล่านี้ “ดูไม่เหมือนมาร์ควิสที่สวมเสื้อชั้นในปักของปี 1670” "ลัทธิคลาสสิก...นำเสนอวรรณกรรมที่ให้ความยินดีอย่างยิ่ง...แก่ปู่ทวดของเรา" “ยวนใจเป็นศิลปะในการมอบงานวรรณกรรมแก่ผู้คน เมื่อพิจารณาจากสถานะปัจจุบันของประเพณีและความเชื่อของพวกเขา สามารถมอบความสุขที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแก่พวกเขาได้” Sophocles และ Euripides ต่างก็มีความโรแมนติก เช่นเดียวกับ Racine และ Shakespeare ในเรื่องของพวกเขา เพราะพวกเขาเขียนในช่วงเวลาของพวกเขา . “โดยพื้นฐานแล้ว นักเขียนผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนเป็นคนโรแมนติก และความคลาสสิกก็คือผู้ที่เลียนแบบพวกเขา แทนที่จะลืมตาและเลียนแบบธรรมชาติหนึ่งศตวรรษหลังจากการตายของพวกเขา” ดังนั้น เมื่อมองแวบแรก วิทยานิพนธ์ที่ขัดแย้งกันซึ่งรวมเรซีนและเช็คสเปียร์เข้าด้วยกัน S. อ้างถึงเช็คสเปียร์ว่าคนรุ่นเดียวกันของเขาให้ความสำคัญกับ W. Scott อย่างไร - การผสมผสานระหว่างสถานการณ์ทางการเมืองและประวัติศาสตร์เข้ากับประวัติศาสตร์ของตัวละคร แต่ S. ในเวลาเดียวกันก็สามารถเจาะเข้าไปในจิตวิญญาณของฮีโร่ของเขาได้
สเตนดาลเชื่อว่าอนาคตเป็นของสไตล์การเขียนของเขา และในขณะเดียวกันเขาก็พบแบบจำลองของเขา - "เจ้าหญิงแห่งคลีฟส์" - ในศตวรรษที่ 17 และงานของเขาเป็นเหมือนสะพานเชื่อมระหว่างอดีตและอนาคต สเตนดาห์ลทำหน้าที่เป็นนักสัจนิยมในขณะเดียวกันก็เป็นคนดั้งเดิมโดยมองหาเส้นทางของตัวเองที่ไม่มีใครขัดขวาง
ความสมจริง(จากภาษาลาตินปลาย realis - วัสดุ, ของจริง) ในงานศิลปะการสะท้อนความเป็นจริงตามความเป็นจริงโดยวิธีเฉพาะที่มีอยู่ในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง ในความหมายเฉพาะทางประวัติศาสตร์ คำว่า "ความสมจริง" หมายถึงทิศทางในวรรณคดีและศิลปะที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 และได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่และเบ่งบานในความสมจริงเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของศตวรรษที่ 19 และพัฒนาอย่างต่อเนื่องในการต่อสู้และการปฏิสัมพันธ์กับทิศทางอื่นในศตวรรษที่ 20 (จนถึงปัจจุบัน) เมื่อพูดถึงความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เราหมายถึงระบบศิลปะบางอย่างที่พบว่าการให้เหตุผลทางทฤษฎีเป็นวิธีการที่มีจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์
ในฝรั่งเศส ความสมจริงมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Courbet เป็นหลัก การดึงดูดความทันสมัยในทุกรูปแบบด้วยการพึ่งพา ดังที่ Emile Zola ประกาศ ในด้านวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนกลายเป็นข้อกำหนดหลักของขบวนการทางศิลปะนี้ Gustave Courbet เกิดในปี 1819 ในเมือง Ornans ซึ่งเป็นเมืองที่มีประชากรประมาณสามพันคน ตั้งอยู่ใน Franche-Comté ห่างจาก Besançon 25 กม. ใกล้ชายแดนสวิส Regis Courbet พ่อของเขาเป็นเจ้าของไร่องุ่นใกล้กับ Ornans ในปี พ.ศ. 2374 ศิลปินในอนาคตเริ่มเข้าร่วมเซมินารีใน Ornans มันถูกกล่าวหาว่าพฤติกรรมของเขาขัดกับสิ่งที่คาดหวังจากสามเณรจนไม่มีใครสามารถดำเนินการเพื่ออภัยบาปของเขาได้ (ดูเพิ่มเติม) ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งในปี 1837 ด้วยการยืนกรานของพ่อของเขา Courbet จึงเข้าเรียนที่ Collège Royal ใน Besançon ซึ่งพ่อของเขาหวังว่าจะเตรียมเขาให้พร้อมสำหรับการศึกษาด้านกฎหมายเพิ่มเติม พร้อมกับการเรียนที่วิทยาลัย Courbet ได้เข้าเรียนที่ Academy ซึ่งอาจารย์ของเขาคือ Charles-Antoine Flajoulot นักเรียนของ Jacques-Louis David ศิลปินคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดชาวฝรั่งเศส ในปีพ.ศ. 2382 เขาได้ไปปารีส โดยสัญญากับบิดาว่าเขาจะเรียนกฎหมายที่นั่น ในปารีส Courbet คุ้นเคยกับคอลเลคชันงานศิลปะของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ผลงานของเขา โดยเฉพาะผลงานในช่วงแรกๆ ของเขา ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปินชาวดัตช์และสเปนกลุ่มเล็กๆ ในเวลาต่อมา โดยเฉพาะเวลาซเกซ ซึ่งเขายืมโทนสีเข้มของภาพเขียนมา Courbet ไม่ได้เรียนกฎหมาย แต่เริ่มเรียนในเวิร์คช็อปศิลปะแทน โดยหลักๆ กับ Charles de Steuben จากนั้นเขาก็ละทิ้งการศึกษาศิลปะอย่างเป็นทางการและเริ่มทำงานในสตูดิโอของสวิสและลาแปง ในเวิร์คช็อปของสวิสไม่มีชั้นเรียนพิเศษ นักเรียนต้องวาดภาพเปลือย และการค้นหาทางศิลปะก็ไม่จำกัด รูปแบบการสอนนี้เหมาะกับ Courbet เป็นอย่างดี
ในปี พ.ศ. 2387 Courbet ได้จัดแสดงภาพวาด Self-Portrait with a Dog เป็นครั้งแรกที่ Paris Salon (ภาพวาดอื่นๆ ทั้งหมดถูกปฏิเสธโดยคณะลูกขุน) จากจุดเริ่มต้นศิลปินแสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นนักสัจนิยมขั้นสูงสุดและยิ่งเขาปฏิบัติตามทิศทางนี้อย่างเข้มแข็งและต่อเนื่องมากขึ้นโดยคำนึงถึงเป้าหมายสูงสุดของศิลปะคือการถ่ายทอดความเป็นจริงที่เปลือยเปล่าและร้อยแก้วแห่งชีวิตและในขณะเดียวกัน เวลาที่ละเลยแม้แต่ความสง่างามของเทคโนโลยี ในช่วงทศวรรษที่ 1840 เขาวาดภาพเหมือนตนเองจำนวนมาก
ระหว่างปี พ.ศ. 2387 ถึง พ.ศ. 2390 Courbet ไปเยี่ยม Ornans หลายครั้งและเดินทางไปยังเบลเยียมและเนเธอร์แลนด์ซึ่งเขาสามารถติดต่อกับตัวแทนจำหน่ายภาพวาดได้ ผู้ซื้อผลงานของเขารายหนึ่งคือศิลปินและนักสะสมชาวดัตช์ ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนวาดภาพแห่งกรุงเฮก Hendrik Willem Mesdag ต่อจากนั้น สิ่งนี้ได้วางรากฐานสำหรับความนิยมอย่างกว้างขวางของภาพวาดของกุสตาฟ กูร์เบต์นอกประเทศฝรั่งเศส ในช่วงเวลาเดียวกัน ศิลปินได้สร้างความเชื่อมโยงในแวดวงศิลปะของชาวปารีส ดังนั้น เขาจึงไปเยี่ยมชมคาเฟ่ Brasserie Andler (ตั้งอยู่ติดกับเวิร์กช็อปของเขา) ซึ่งเป็นที่ซึ่งตัวแทนของการเคลื่อนไหวที่สมจริงในงานศิลปะและวรรณกรรม โดยเฉพาะ Charles Baudelaire และ Honoré Daumier มารวมตัวกัน
แม้จะมีความฉลาดและความสามารถอย่างมากของศิลปิน แต่ความเป็นธรรมชาติของเขาที่ช่ำชองในภาพวาดประเภทที่มีแนวโน้มสังคมนิยมทำให้เกิดเสียงรบกวนมากมายในแวดวงศิลปะและวรรณกรรมและทำให้เขาได้รับศัตรูมากมาย (ในหมู่พวกเขาคืออเล็กซานเดอร์ดูมาส์ลูกชาย) แม้ว่า สมัครพรรคพวกจำนวนมากรวมถึงที่เป็นของนักเขียนชื่อดังและนักทฤษฎีอนาธิปไตย Proudhon
ในที่สุด Courbet ก็กลายเป็นหัวหน้าของโรงเรียนที่สมจริงซึ่งมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและแพร่กระจายจากที่นั่นไปยังประเทศอื่น ๆ โดยเฉพาะเบลเยียม ระดับความเกลียดชังของเขาต่อศิลปินคนอื่นถึงจุดที่เขาไม่ได้เข้าร่วมในร้านทำผมในปารีสเป็นเวลาหลายปี แต่ในนิทรรศการระดับโลกเขาได้จัดนิทรรศการพิเศษผลงานของเขาในห้องแยก ในปี พ.ศ. 2414 Courbet เข้าร่วม Paris Commune บริหารจัดการพิพิธภัณฑ์สาธารณะ และเป็นผู้นำการโค่นล้มเสา Vendôme
หลังจากการล่มสลายของคอมมูน เขารับโทษจำคุกหกเดือนตามคำพิพากษาของศาล ต่อมาถูกตัดสินให้ร่วมค่าใช้จ่ายในการซ่อมแซมเสาที่เขาทำลายไปใหม่ สิ่งนี้ทำให้เขาต้องเกษียณอายุไปยังสวิตเซอร์แลนด์ ซึ่งเขาเสียชีวิตด้วยความยากจนในปี พ.ศ. 2420 ความคิดสร้างสรรค์ Courbet อธิบายซ้ำ ๆ ว่าเขาเป็นนักสัจนิยมตลอดชีวิต: “การวาดภาพประกอบด้วยการนำเสนอสิ่งต่าง ๆ ที่ศิลปินสามารถมองเห็นและสัมผัสได้... ฉันยึดมั่นในมุมมองที่ว่าการวาดภาพนั้น - ศิลปะที่เป็นรูปธรรมอย่างยิ่งและสามารถประกอบด้วยการวาดภาพของจริงที่มอบให้เราเท่านั้น... นี่เป็นภาษากายที่สมบูรณ์” ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของ Courbet: "งานศพใน Ornans" ภาพเหมือนของเขาเอง "กวาง Roe ริมลำธาร" , "การต่อสู้ของกวาง", " คลื่น" (ทั้งห้า - ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส), "กาแฟยามบ่ายใน Ornans" (ในพิพิธภัณฑ์ลีล), "Road Stone Breakers" (เก็บไว้ในแกลเลอรีเดรสเดนและเสียชีวิตในปี 2488 ), "ไฟ" (ภาพวาดที่เกี่ยวข้องกับธีมต่อต้านรัฐบาลที่ถูกทำลายโดยตำรวจ), "นักบวชในหมู่บ้านที่กลับมาจาก Fellowship Revel" (ถ้อยคำเสียดสีนักบวช), "นักอาบน้ำ", "ผู้หญิงกับนกแก้ว ", "ทางเข้าสู่หุบเขา Puy Noire", "The Rock of Oragnon", "The Deer by the water" (ในพิพิธภัณฑ์ Marseille) และภูมิประเทศหลายแห่งที่แสดงความสามารถของศิลปินอย่างชัดเจนและครบถ้วนที่สุด Courbet เป็นผู้เขียนภาพวาดกามเรื่องอื้อฉาวหลายภาพที่ยังไม่ได้จัดแสดง แต่เป็นที่รู้จักของคนรุ่นเดียวกัน ("The Origin of the World", "Sleepers" ฯลฯ ); แต่ยังสอดคล้องกับแนวคิดเรื่องธรรมชาตินิยมของเขาอีกด้วย "งานศพที่ Ornans" Courbet เริ่มวาดภาพในปี พ.ศ. 2392 ในห้องใต้หลังคาที่คับแคบใน Ornans ผลงานของศิลปินทำให้เกิดความปั่นป่วนในชุมชนท้องถิ่นซึ่งรวมถึงวีรบุรุษด้วย - ผู้อยู่อาศัยในสถานที่เหล่านี้จำนวนมากอาศัยอยู่ตั้งแต่นายกเทศมนตรีและความยุติธรรมแห่งสันติภาพไปจนถึงญาติและเพื่อนของ Courbet แต่ความปั่นป่วนนี้ไม่สามารถเทียบได้กับความขัดแย้งที่ปะทุขึ้นหลังจากการจัดแสดงผ้าใบที่ Salon
ขนาดที่ใหญ่โตของมันทำให้เกิดความสับสนและเข้าใจผิด พวกเขาเห็นพ้องกันว่างานศพธรรมดาๆ ในชนบทไม่ควรเป็นเรื่องของงานขนาดใหญ่เช่นนี้ นักวิจารณ์คนหนึ่งเขียนว่า: “งานศพของชาวนาสามารถทำให้เราประทับใจได้... แต่เหตุการณ์นี้ไม่ควรเป็นภาษาท้องถิ่นมากนัก” อย่างไรก็ตาม สำหรับนักสัจนิยมแล้ว “การแปลเป็นภาษาท้องถิ่น” นี้เองที่สำคัญอย่างยิ่ง Courbet สร้างภาพสมัยใหม่ที่จดจำได้ง่าย โดยจับภาพผู้คนและความเป็นจริงในยุคนั้นบนผืนผ้าใบ นอกจากนี้ เขายังมุ่งเน้นไปที่กระบวนการฝังศพบุคคล ไม่ใช่ในการกระทำของเขาหรือเกี่ยวกับชะตากรรมมรณกรรมของจิตวิญญาณของเขา (เหมือนที่เคยทำมาก่อน) ในเวลาเดียวกัน ตัวตนของผู้เสียชีวิตยังคงไม่เปิดเผยตัวตนที่นี่ กลายเป็นภาพรวมแห่งความตาย ทำให้ภาพนี้เป็นเวอร์ชันที่ทันสมัยของโครงเรื่องที่ได้รับความนิยมอย่างมากในยุคกลางหรือที่เรียกว่าการเต้นรำแห่งความตาย
ฌ็อง บัปติสต์ คามิลล์ โกโรต์(French Jean-Baptiste Camille Corot, 17 กรกฎาคม พ.ศ. 2339, ปารีส - 22 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2418 อ้างแล้ว) - ศิลปินชาวฝรั่งเศส จิตรกรภูมิทัศน์ ในตอนแรกเขาศึกษาภาพร่างจากชีวิตภายใต้การแนะนำของ Michallon (French Achille-Etna Michallon, 1796--1822) จากนั้นเมื่อเรียนกับ Bertin (French Jean Victor Bertin, 1775--1842) เขาเสียเวลาไปมากใน ตามแนวทางวิชาการของศิลปินท่านนี้จนกระทั่งเสด็จไปอิตาลีเมื่อปี พ.ศ. 2369 และเริ่มต้นที่นี่อีกครั้งเพื่อศึกษาธรรมชาติโดยตรง เมื่อวาดภาพร่างในบริเวณใกล้เคียงกรุงโรม เขาได้รับความเข้าใจอย่างรวดเร็วโดยส่วนใหญ่เป็นธรรมชาติโดยทั่วไปของภูมิทัศน์ แม้ว่าเขาจะเจาะลึกรายละเอียดอย่างระมัดระวังและคัดลอกหิน หิน ต้นไม้ พุ่มไม้ มอส ฯลฯ อย่างขยันขันแข็ง อย่างไรก็ตาม ในภาษาอิตาลีครั้งแรกของเขา ความปรารถนาในการจัดเรียงชิ้นส่วนและรูปแบบที่มีสไตล์เป็นจังหวะก็เห็นได้ชัดเช่นกัน
ต่อมาเขาทำงานในโพรวองซ์ นอร์ม็องดี ลีมูแซง โดฟีน ชานเมืองปารีสและฟงแตนโบล และมุมมองของเขาเกี่ยวกับธรรมชาติและการประหารชีวิตก็มีอิสระและเป็นอิสระมากขึ้น ในภาพวาดที่วาดหลังจากที่เขากลับมาจากอิตาลี เขาไม่ได้พยายามสร้างซ้ำพื้นที่ที่กำหนด แต่พยายามถ่ายทอดความประทับใจเพียงอย่างเดียวโดยใช้รูปแบบและน้ำเสียงเพื่อแสดงอารมณ์บทกวีของเขาด้วยความช่วยเหลือเท่านั้น
เป้าหมายเดียวกันนี้ได้รับการส่งเสริมด้วยตัวเลขที่เขาวางไว้ในภูมิประเทศของเขา โดยประกอบเป็นฉากที่งดงาม ตามพระคัมภีร์ และน่าอัศจรรย์ แม้ว่าเขาจะถูกตำหนิในเรื่องความเห็นอกเห็นใจที่มากเกินไป แต่ผลงานหลายชิ้นของเขาก็ให้ความรู้สึกที่สดใสและร่าเริงอย่างแท้จริง โดยพื้นฐานแล้วเขาเป็นจิตรกรแห่งผืนน้ำที่เงียบสงบ ท้องฟ้าอันกว้างไกลที่น่าสงสาร ท้องฟ้าที่ถูกบดบังด้วยหมอก ป่าที่สงบเงียบ และสวนผลไม้ - Theocritus ที่แท้จริงของการวาดภาพทิวทัศน์ นอกจากเธอแล้วเขายังมีส่วนร่วมในการแกะสลักด้วยเข็มและ "วอดก้าที่แข็งแกร่ง" ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาคือ "View of Riva" (1835; ในพิพิธภัณฑ์ Marseilles), Italian Morning" (1842; ในพิพิธภัณฑ์ Avignon)
- · “ความทรงจำของทะเลสาบเนมิ” (พ.ศ. 2408)
- “ไอดีล”
- · “พระอาทิตย์ขึ้นที่ Ville d'Avray” (พ.ศ. 2411 ในพิพิธภัณฑ์รูอ็อง)
- · “นางไม้และเทพารักษ์เต้นรำต้อนรับพระอาทิตย์ขึ้น” (1851; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์)
- · “ยามเช้า” และ “ทิวทัศน์รอบๆ อัลบาโน” (อ้างแล้ว)
- · คอลเลกชันของแกลเลอรี Kushelevskaya ในอดีตมีตัวอย่างภาพวาดของ Caro สองตัวอย่าง: "เช้า" และ "เย็น" ฌอง ฟรองซัวส์ มิลเลม(French Jean-François Millet, 4 ตุลาคม พ.ศ. 2357 - 20 มกราคม พ.ศ. 2418) - ศิลปินชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียน Barbizon
- · ข้าวฟ่างเกิดในครอบครัวของชาวนาผู้มั่งคั่งจากหมู่บ้านเล็กๆ ชื่อ Grushi บนชายฝั่งช่องแคบอังกฤษใกล้กับแชร์บูร์ก ครอบครัวของเขามองว่าความสามารถทางศิลปะของเขาเป็นของขวัญจากเบื้องบน พ่อแม่ของเขาให้เงินเขาและอนุญาตให้เขาเรียนวาดภาพ ในปี พ.ศ. 2380 เขามาถึงปารีสและใช้เวลาสองปีศึกษาในสตูดิโอของจิตรกร Paul Delaroche (พ.ศ. 2340-2399) ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2383 ศิลปินหนุ่มเริ่มแสดงผลงานของเขาที่ Salon ในปีพ.ศ. 2392 ศิลปินตั้งรกรากที่บาร์บิซอนและอาศัยอยู่ที่นั่นจนสิ้นอายุขัย แก่นเรื่องของชีวิตชาวนาและธรรมชาติกลายเป็นประเด็นหลักสำหรับข้าวฟ่าง “ ฉันเป็นชาวนาและไม่มีอะไรมากไปกว่าชาวนา” เขากล่าวเกี่ยวกับตัวเขาเอง “The Ear Pickers” การทำงานหนักของชาวนา ความยากจน และความอ่อนน้อมถ่อมตนของพวกเขา สะท้อนให้เห็นในภาพวาด “The Ear Pickers” (1857) ร่างของผู้หญิงที่อยู่ด้านหลังทุ่งนาก้มโค้งต่ำ - นี่เป็นวิธีเดียวที่พวกเขาจะสามารถเก็บรวงข้าวโพดที่เหลืออยู่หลังการเก็บเกี่ยวได้ ภาพรวมเต็มไปด้วยแสงแดดและอากาศ งานนี้กระตุ้นการประเมินที่แตกต่างจากสาธารณชนและนักวิจารณ์ ซึ่งบังคับให้อาจารย์หันไปใช้แง่มุมบทกวีของชีวิตชาวนาเป็นการชั่วคราว
- · ภาพวาด “แองเจลัส” (พ.ศ. 2402) แสดงให้เห็นว่าข้าวฟ่างสามารถถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์อันละเอียดอ่อนในผลงานของเขาได้ ร่างที่โดดเดี่ยวสองคนแข็งตัวอยู่ในสนาม - สามีและภรรยาเมื่อได้ยินเสียงระฆังยามเย็นดังขึ้นและสวดภาวนาเพื่อผู้ตายอย่างเงียบ ๆ โทนสีน้ำตาลอ่อนของทิวทัศน์ สว่างไสวด้วยแสงตะวันที่กำลังตกดิน ทำให้เกิดความรู้สึกสงบ “แองเจลัส” ในปี ค.ศ. 1859 ข้าวฟ่างได้รับมอบหมายจากรัฐบาลฝรั่งเศสให้วาดภาพบนผืนผ้าใบ “หญิงชาวนาต้อนวัว” เช้าที่หนาวจัด น้ำค้างแข็งเป็นสีเงินบนพื้น ผู้หญิงคนหนึ่งเดินช้าๆ อยู่หลังวัว ร่างของเธอแทบจะละลายไปกับหมอกยามเช้า นักวิจารณ์เรียกภาพนี้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความยากจน
- · ในช่วงบั้นปลายชีวิต ศิลปินภายใต้อิทธิพลของบาร์บิซอน เริ่มสนใจเรื่องภูมิทัศน์ ใน “ทิวทัศน์ฤดูหนาวกับกา” (พ.ศ. 2409) ไม่มีชาวนา พวกเขาจากไปนานแล้ว โดยละทิ้งพื้นที่เพาะปลูกที่มีกาเดินเตร่ โลกนี้สวยงาม เศร้า และโดดเดี่ยว "Spring" (พ.ศ. 2411-2416) เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายของ Millet เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและความรักต่อธรรมชาติที่ส่องประกายด้วยสีสันที่สดใสหลังฝนตกเสร็จไม่นานก่อนที่ศิลปินจะเสียชีวิต เมื่อวันที่ 20 มกราคม พ.ศ. 2418 ศิลปินในวัย 60 ปี ได้เสียชีวิตที่บาร์บิซอนและถูกฝังไว้ใกล้หมู่บ้าน Chally ถัดจากเพื่อนของเขา Theodore Rousseau ข้าวฟ่างไม่เคยทาสีจากชีวิต เขาชอบที่จะเดินผ่านป่าและวาดภาพร่างเล็กๆ จากนั้นจึงจำลองลวดลายที่เขาชอบจากความทรงจำ ศิลปินเลือกสีสำหรับภาพวาดของเขา โดยไม่เพียงแต่มุ่งมั่นที่จะสร้างภูมิทัศน์ที่น่าเชื่อถือเท่านั้น แต่ยังเพื่อให้ได้สีที่กลมกลืนกันอีกด้วย
ทักษะทางจิตรกรและความปรารถนาที่จะแสดงชีวิตในหมู่บ้านโดยไม่ต้องปรุงแต่งทำให้ Jean François Millet ทัดเทียมกับ Barbizonis และศิลปินที่สมจริงซึ่งทำงานในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
Francois Millet ในวรรณคดี: Mark Twain เขียนเรื่อง "Is He Alive or Dead?" ซึ่งเขาบรรยายอย่างตลกขบขันถึงเรื่องราวของศิลปินกลุ่มหนึ่งที่เบื่อหน่ายกับความยากจนตัดสินใจโฆษณาและแกล้งทำเป็นการตายของหนึ่งในนั้นเพื่อขึ้นราคาภาพวาดของเขา ศิลปินได้รับคำแนะนำจากคำกล่าวที่ว่าเงินที่ใช้ไปกับงานศพและคำจารึกของปรมาจารย์ที่เสียชีวิตจากความอดอยากจะมากเกินพอสำหรับพวกเขาที่จะใช้ชีวิตอย่างสุขสบาย ทางเลือกตกอยู่ที่ Francois Millet หลังจากวาดภาพเขียนหลายภาพและภาพร่างหลายถุง เขา "เสียชีวิตหลังจากเจ็บป่วยหนักและยาวนาน" เป็นที่น่าสังเกตว่าในเรื่องราวของ Francois Millet เขาเองก็ถือโลงศพ "ของเขา" ราคาภาพวาดพุ่งสูงขึ้นทันทีและศิลปินก็สามารถบรรลุเป้าหมายได้ - เพื่อให้ได้ราคาจริงสำหรับภาพวาดตลอดช่วงชีวิตของพวกเขา