บาโรกในวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 17 ทิศทางหลักของวัฒนธรรมศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 17 (บาโรก, คลาสสิค, สมจริง)

ศตวรรษที่ 17 กลับกลายเป็นว่าเอื้ออำนวยต่อการพัฒนาอย่างน่าประหลาดใจ วัฒนธรรมทางศิลปะไม่เพียงแต่เป็นศตวรรษแห่งวิทยาศาสตร์ แต่ยังเป็นศตวรรษแห่งศิลปะอีกด้วย จริงอยู่ โดยคำนึงถึงข้อเท็จจริงที่ว่าวิทยาศาสตร์เพิ่งเริ่มต้นเท่านั้น ในขณะที่ศิลปะได้มาถึงจุดสุดยอดแล้ว อย่างไรก็ตาม ท้องฟ้าเบื้องบนยังคงสดใสไร้เมฆ บารมีในสังคมของเขาสูงผิดปกติ ตามจำนวนที่ยิ่งใหญ่ ศิลปินที่ 17เห็นได้ชัดว่ามีมากกว่าศตวรรษอื่นๆ ทั้งหมด รวมถึงยุคเรอเนซองส์ด้วย ยิ่งกว่านั้นหากในช่วงยุคเรอเนซองส์อิตาลีมีความไม่เท่าเทียมกันในสาขาศิลปะในศตวรรษที่ 17 ศิลปะกำลังเพิ่มขึ้นในทุกคน ประเทศในยุโรปโอ้ และฝรั่งเศสก็ดูดีกว่าตอนนี้

เช่นเดียวกับวัฒนธรรมด้านอื่นๆ ศิลปะได้รับผลกระทบจากความแตกต่าง ความโดดเดี่ยวของมันเริ่มโดดเด่นและแตกต่างมากขึ้นเรื่อยๆ แม้แต่ความเชื่อมโยงกับศาสนาก็อ่อนแอลงอย่างเห็นได้ชัด เป็นผลให้วิชาทางศาสนาและตำนานกำจัดสิ่งที่น่าสมเพชมากเกินไปและเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติอย่างลึกซึ้ง

ผลที่ตามมาอีกประการหนึ่งของความแตกต่างก็คือในหมู่ศิลปินลักษณะบุคลิกภาพสากลในยุคนั้นหายไป ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินที่เก่งกาจเท่านั้น แต่ยังเป็นนักวิทยาศาสตร์ นักคิด และนักประดิษฐ์ผู้ยิ่งใหญ่อีกด้วย แม้ว่าในระดับที่น้อยกว่า แต่ก็สามารถพูดได้เหมือนกันเกี่ยวกับ L. Alberti, F. Brunelleschi Piero della Francesche, F. Rabelais และคนอื่นๆ ขณะนี้บุคคลขนาดใหญ่ดังกล่าวเริ่มหายากแล้ว ในขณะเดียวกัน หลักการเชิงอัตวิสัยในงานศิลปะก็มีเพิ่มขึ้น มันแสดงออกมาให้เห็นในบุคคลที่มีความเฉลียวฉลาดจำนวนเพิ่มมากขึ้น ในเสรีภาพในการสร้างสรรค์และความกล้าหาญที่เพิ่มมากขึ้น และในมุมมองที่กว้างไกลของสิ่งต่างๆ

ภายในงานศิลปะยังมีกระบวนการสร้างความแตกต่าง แนวเพลงที่มีอยู่กำลังเปลี่ยนแปลง และแนวใหม่กำลังเกิดขึ้น ใน จิตรกรรมภูมิทัศน์และแนวตั้งกลายเป็นประเภทที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ซึ่งมีการปรับปรุงจิตวิทยา หุ่นนิ่งและภาพสัตว์ต่างๆ ปรากฏขึ้น ความสำคัญของการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบดั้งเดิม สี ความงดงาม และรสชาติกำลังเพิ่มมากขึ้น

ใน ดนตรีโอเปร่าถือกำเนิด ผู้สร้างแนวนี้คือ นักแต่งเพลงชาวอิตาลีค. มอนเตแวร์ดี (1567-1643)เขียนโอเปร่า "Orpheus" ซึ่งจัดแสดงใน 1607 และกลายเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะโอเปร่าอย่างแท้จริง เป็นครั้งแรกที่ดนตรีในนั้นไม่เพียงแต่เสริมบทกวีเท่านั้น แต่ยังเป็นตัวละครหลักที่แสดงความหมายของทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที นอกจากโอเปร่าแล้ว Cantatas และ oratorios ยังปรากฏในดนตรีด้วย

รูปแบบหลักในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 บาร็อคและคลาสสิคปรากฏขึ้น นักประวัติศาสตร์ศิลป์บางคนเชื่อว่าในขณะเดียวกันความสมจริงก็กลายเป็นรูปแบบพิเศษในงานศิลปะ แต่มุมมองนี้ยังเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ แม้ว่าจะยอมรับการมีอยู่ของแนวโน้มที่สมจริงก็ตาม

พิสดาร

พิสดารปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี. คำว่า "บาร็อค" นั้นหมายถึง "แปลก" "แปลกประหลาด" สไตล์บาร็อคโดดเด่นด้วยภาพที่มีชีวิตชีวา ความตึงเครียด ความสว่าง ความสง่างาม คอนทราสต์ ความปรารถนาในความยิ่งใหญ่ เอิกเกริกและเอิกเกริก การสังเคราะห์ศิลปะ การผสมผสานระหว่างความเป็นจริงและภาพลวงตา เพิ่มอารมณ์ความรู้สึกและความเย้ายวน บาโรกเป็นสไตล์ของชนชั้นสูงในสังคมศักดินาที่กำลังจะออกไป ซึ่งเป็นรูปแบบของวัฒนธรรมคาทอลิก

ตัวแทนที่โดดเด่นของยุคบาโรกของอิตาลีคือสถาปนิก ประติมากร และจิตรกรชาวโรมัน แอล. เบอร์นีนี (1598-1680)งานของเขารวบรวมคุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์ทั้งที่แข็งแกร่งและอ่อนแอ ผลงานของเขาหลายชิ้นมุ่งเน้นไปที่อนุสาวรีย์หลักของโรมคาทอลิก - มหาวิหารเซนต์. เภตรา ภายใต้โดมที่สร้างโดย Michelangelo ผู้ยิ่งใหญ่มีโครงสร้างการตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่ยิ่งใหญ่เพิ่มขึ้น - หลังคาสูงสามสิบเมตรและในแท่นบูชา - ธรรมาสน์หินอ่อนอันงดงามไม่แพ้กันของปีเตอร์ตกแต่งด้วยทองคำและรูปปั้นที่แสดงถึงเทวดาและกามเทพพ่อของคริสตจักรและ นักบุญ

สิ่งก่อสร้างอันงดงามยิ่งกว่านั้นของเบอร์นีนีคือเสาหินขนาดใหญ่ที่ประกอบด้วยเสา 284 เสา วางเรียงกันเป็นสี่แถวและล้อมกรอบจัตุรัสขนาดใหญ่หน้าอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เภตรา ผลงานประติมากรรมที่สำคัญที่สุดของ Bernini ถือเป็น "Apollo และ Daphne" และ "The Ecstasy of St. เทเรซา”

บุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดของยุคบาโรกแห่งยุโรปคือ ศิลปินชาวเฟลมิชพี. รูเบนส์ (1577-1640)เขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นบุคลิกภาพที่เป็นสากลได้อย่างถูกต้องไม่ด้อยไปกว่าขนาดยักษ์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาสนิทสนมกับนักมานุษยวิทยาและชื่นชอบหนังสือคลาสสิกแห่งยุคโบราณ - พลูทาร์ก เซเนกา ฮอเรซ รู้หกภาษา รวมทั้งภาษาลาตินด้วย รูเบนส์ไม่ใช่นักวิทยาศาสตร์หรือนักประดิษฐ์ แต่เขาเข้าใจปัญหาของดาราศาสตร์และโบราณคดี แสดงความสนใจในนาฬิกาที่ไม่มีกลไก ในแนวคิดเรื่องการเคลื่อนที่ตลอดกาล ติดตามการพัฒนาใหม่ในปรัชญา เข้าใจการเมืองมากมาย และมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันใน มัน. ที่สำคัญที่สุดพระองค์รักชีวิตมนุษย์ด้วยตัวมันเอง

รูเบนส์รวบรวมความมุ่งมั่นต่อมนุษยนิยมในงานของเขา เขากลายเป็นกวีผู้ยิ่งใหญ่แห่งชีวิตที่เต็มไปด้วยความสุข ความเพลิดเพลิน และการแต่งบทเพลง เขายังคงเป็นนักร้องที่ไม่มีใครเทียบได้ในเรื่องเนื้อมนุษย์ - ชายและหญิงโดยเฉพาะความงามอันตระการตาของร่างกายมนุษย์ ด้วยความกล้าหาญและความรัก มีเพียงรูเบนส์เท่านั้นที่สามารถถ่ายทอดความงามของเนื้อหนัง ความอบอุ่นอันอ่อนโยน และความยืดหยุ่นอันนุ่มนวลของมัน เขาแสดงให้เห็นแล้วว่าเนื้อหนังสามารถสวยงามได้โดยไม่ต้องมีรูปร่างที่สวยงาม

ธีมหลักประการหนึ่งของงานของเขาคือผู้หญิง ความรัก และเด็กในฐานะผลไม้แห่งความรักที่เป็นธรรมชาติและสวยงาม ผลงานด้านนี้ของเขาสามารถเห็นและสัมผัสได้ในภาพยนตร์เช่น "Venus and Adonis" "จูโนและอาร์กัส", "เซอุสและแอนโดรเมดา", "บัทเชบา"

ขณะที่อยู่ในอิตาลี รูเบนส์เข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะที่ดี อย่างไรก็ตาม นิสัยแบบเฟลมิชของเขาไม่ได้พรากทุกอย่างไปจากชาวอิตาเลียนผู้ยิ่งใหญ่ เป็นที่ทราบกันดีว่าปรมาจารย์ชาวอิตาลีต้องการความสมดุล ความสงบ และความสามัคคี ซึ่งทำให้พวกเขาสามารถสร้างความงามอันเป็นนิรันดร์ได้ รูเบนส์ทำลายทั้งหมดนี้เพื่อสนับสนุนการเคลื่อนไหว ร่างมนุษย์ที่เขาแสดงให้เห็นมักจะมีลักษณะคล้ายกับสปริงอัดที่พร้อมจะเผยออกทันที ในเรื่องนี้เขามีความใกล้ชิดกับ Michelangelo มากที่สุดซึ่งมีรูปปั้นที่เต็มไปด้วยความตึงเครียดและการเคลื่อนไหวภายใน ผลงานของเขายังเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวา โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งเหล่านี้คือภาพวาด "The Battle of the Amazons", "The Abduction of the Daughters of Leucippus", "Lion Hunt", "Boar Hunt"

ในงานของ Rubens สีและความงดงามมีชัยเหนือการวาดภาพ ทิเชียนเป็นตัวอย่างของเขาที่นี่ รูเบนส์ไม่ชอบรูปทรงที่ชัดเจนเกินไป ดูเหมือนว่าจะแยกสสารออกจากรูปแบบ ทำให้มันเป็นอิสระ มีชีวิต และเป็นเนื้อหนัง ในด้านสี ศิลปินชอบโทนสีที่สดใส สะอาดตา และเต็มไปด้วยพลังที่ดีต่อสุขภาพ เขาไม่ได้พยายามอย่างมากในเรื่องความสามัคคีเช่นเดียวกับการเรียบเรียงเพื่อสร้างซิมโฟนีสี รูเบนส์ถูกเรียกว่าเป็นนักประพันธ์เพลงสีผู้ยิ่งใหญ่

ลัทธิคลาสสิก

บ้านเกิด ลัทธิคลาสสิกกลายเป็นประเทศฝรั่งเศส หากบาโรกให้ความสำคัญกับความรู้สึก ความคลาสสิคก็ขึ้นอยู่กับเหตุผล บรรทัดฐานสูงสุดและตัวอย่างในอุดมคติสำหรับเขาคือศิลปะโบราณ หลักการสำคัญคือความชัดเจน ความเป็นระเบียบ ความสอดคล้องเชิงตรรกะ ความกลมกลืนและความกลมกลืน

ตามลัทธิคลาสสิก วิชาศิลปะควรมีความประเสริฐและสวยงาม กล้าหาญและมีเกียรติ ศิลปะควรจะแสดงถึงอุดมคติทางศีลธรรมอันสูงส่ง เชิดชูความงามและความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณของมนุษย์ เชิดชูชัยชนะแห่งหน้าที่ที่มีสติเหนือองค์ประกอบของความรู้สึก ผู้ตัดสินศิลปะไม่เพียงแต่รสชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเหตุผลด้วย

ลัทธิคลาสสิกแบ่งปันหลักการพื้นฐานของเหตุผลนิยมและเหนือสิ่งอื่นใดคือแนวคิดเกี่ยวกับโครงสร้างที่มีเหตุผลของโลก อย่างไรก็ตาม ในการทำความเข้าใจความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ เขาแตกต่างจากเขา โดยสานต่อแนวมนุษยนิยมยุคเรอเนซองส์ และเชื่อว่าความสัมพันธ์เหล่านี้ควรสร้างขึ้นบนหลักการแห่งความยินยอมและความสามัคคี ไม่ใช่การครอบงำและการยอมจำนน นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับงานศิลปะ ซึ่งหนึ่งในภารกิจคือการเชิดชูความกลมกลืนของมนุษย์กับธรรมชาติที่สวยงาม

ผู้ก่อตั้งและบุคคลสำคัญของลัทธิคลาสสิกมา จิตรกรรมเป็นศิลปินชาวฝรั่งเศส เอ็น. ปูสซิน (1594-1665)ในงานของเขา เขาอาศัยเหตุผลนิยมของ R. Descartes โดยเชื่อว่าความรู้สึกนั้นมักจะเป็นบางส่วนและเป็นด้านเดียวเสมอ และมีเพียงเหตุผลเท่านั้นที่สามารถเข้าใจเรื่องนี้ได้อย่างครอบคลุมและในความซับซ้อนทั้งหมด ดังนั้นเหตุผลจึงต้องตัดสินทุกสิ่ง

Poussin ใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในอิตาลี แต่สิ่งนี้ไม่ได้หยุดเขาจากการเป็นศิลปินชาวฝรั่งเศสอย่างแท้จริงซึ่งสร้างการเคลื่อนไหวทางดวงตาอย่างหนึ่งในงานศิลปะที่มีอยู่จนถึงทุกวันนี้ ในบรรดาปรมาจารย์ชาวอิตาลี ราฟาเอลมีอิทธิพลมากที่สุดต่อเขา ผลงานของเขาเป็นตัวอย่างในอุดมคติของความสมบูรณ์แบบที่สมบูรณ์ เช่นเดียวกับทิเชียนที่ศิลปินรุ่นต่อๆ มาได้เรียนบทเรียนเกี่ยวกับความงดงามที่บริสุทธิ์

แม้ว่าปูสซินจะให้ความสำคัญกับเหตุผลมากกว่า แต่งานศิลปะของเขาไม่สามารถเรียกได้ว่าแห้งแล้ง เย็นชา และมีเหตุผล ตัวเขาเองตั้งข้อสังเกตว่าจุดประสงค์ของศิลปะคือความสุข ความพยายามทั้งหมดของศิลปินมีจุดมุ่งหมายเพื่อมอบความพึงพอใจด้านสุนทรียภาพแก่ผู้ชม ผลงานของเขาประกอบด้วยองค์ประกอบหลักสองประการของศิลปะอยู่แล้ว เมื่อกลายเป็นปรากฏการณ์ที่เป็นอิสระและพึ่งพาตนเองได้อย่างสมบูรณ์

หนึ่งในนั้นเกี่ยวข้องกับความเป็นพลาสติกที่สร้างขึ้นโดยวิธีทางศิลปะและรูปภาพล้วนๆ การผสมผสานระหว่างเส้นและสี ซึ่งถือเป็นแหล่งที่มาของความสุขทางสุนทรีย์ที่พิเศษ ประการที่สองเกี่ยวข้องกับการแสดงออกการแสดงออกด้วยความช่วยเหลือซึ่งศิลปินมีอิทธิพลต่อผู้ชมและกระตุ้นให้เกิดสภาวะจิตใจที่เขาเองก็ประสบ

การมีอยู่ของหลักการทั้งสองนี้ทำให้ Poussin สามารถผสมผสานสติปัญญาและความรู้สึกเข้าด้วยกันได้ ความเป็นอันดับหนึ่งของเหตุผลผสมผสานกับความรักในเนื้อหนังและความราคะ สิ่งนี้เห็นได้จากภาพวาดของเขา "Venus and Adonis", "Sleeping Venus", "Bacchanalia" และอื่น ๆ ซึ่งเราเห็นบุคคลที่สมบูรณ์แบบทั้งร่างกายและจิตวิญญาณ

ในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ของ Poussin ผืนผ้าใบเกี่ยวกับธีมทางประวัติศาสตร์และศาสนาและตำนานมีอิทธิพลเหนือกว่า ผลงานเช่น "The Rape of the Sabine Women", "The Capture of"

กรุงเยรูซาเล็ม", "คนเลี้ยงแกะอาร์เคเดีย" จากนั้น ประเด็นเรื่องความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติก็ปรากฏขึ้น มีการนำเสนอในภาพวาด "The Triumph of Flora", "Landscape with Polyphemus", "Landscape with Orpheus and Eurydice" ฯลฯ ธรรมชาติไม่ได้เป็นเพียงสถานที่สำหรับคนอยู่เท่านั้น ข้อตกลงทางประสาทสัมผัสอันลึกซึ้งได้ถูกสร้างขึ้นระหว่างพวกเขา ซึ่งเป็นชุมชนแห่งจิตวิญญาณ พวกมันรวมเป็นหนึ่งเดียว ปูสซินสร้างซิมโฟนีที่แท้จริงของมนุษย์และธรรมชาติ

ใน ปีที่ผ่านมาในชีวิตของเขา ศิลปินทุ่มเทความสนใจทั้งหมดให้กับการยกย่องธรรมชาติ เขาสร้างชุดบทกวี "Seasons"

ความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมพบศูนย์รวมในอุดมคติในพระราชวังแวร์ซายส์ซึ่งสร้างขึ้นตามพระประสงค์ของกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่ 14 วงดนตรีอันยิ่งใหญ่นี้ประกอบด้วยพระราชวังอันงดงามสามหลัง และสวนสาธารณะขนาดใหญ่พร้อมสระน้ำ น้ำพุ และประติมากรรม วงดนตรีนี้โดดเด่นด้วยการจัดวางที่เข้มงวด ตรอกสวนสาธารณะทรงเรขาคณิต ประติมากรรมอันงดงาม ต้นไม้ที่ตัดแต่งและพุ่มไม้

ความสมจริง

แนวโน้มที่สมจริงในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 เป็นตัวแทนโดยศิลปินชาวดัตช์เป็นหลัก แรมแบรนดท์(1606-1669) ต้นกำเนิดของกระแสนี้อยู่ที่ผลงานของจิตรกรชาวอิตาลี คาราวัจโจ (ค.ศ. 1573-1610) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินหลายคน

ศิลปะของแรมแบรนดท์ครองตำแหน่งตรงกลางระหว่างบาโรกและลัทธิคลาสสิกในบางแง่ ในผลงานของเขา เราจะพบคุณลักษณะของทั้งสองสไตล์นี้ แต่ไม่มีความสุดขั้วอยู่ในแต่ละสไตล์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Danae" ที่โด่งดังของเขาดูเย้ายวนและเป็นเนื้อหนังมาก แต่ก็ไม่ได้มากเท่ากับที่ Rubens จะแสดง มันเหมือนกันกับความคลาสสิค คุณลักษณะบางอย่างมีอยู่ในผลงานของ Rembrandt แต่ไม่มีความงามในอุดมคติที่บริสุทธิ์ ไม่มีสิ่งใดที่สง่างามหรือกล้าหาญ ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพช ฯลฯ ในนั้นทุกอย่างดูเหมือนจะใกล้ชิดกับโลกมากขึ้น ทุกอย่างเรียบง่ายขึ้น เป็นธรรมชาติมากขึ้น สมจริงมากขึ้น และเหมือนจริงมากขึ้น

อย่างไรก็ตาม ความคิดริเริ่มหลักของงานศิลปะของ Rembrandt อยู่ที่อื่น มันอยู่ในความจริงที่ว่าต้องขอบคุณเขาที่ทิศทางใหม่เกิดขึ้นในการวาดภาพยุโรป - จิตวิทยาแรมแบรนดท์เป็นคนแรกที่ตอบสนองอย่างจริงจังต่อเสียงเรียกร้องอันโด่งดังของโสกราตีส: “รู้จักตัวเอง” เขาหันสายตาเข้าด้านใน และโลกภายในอันกว้างใหญ่และไม่มีใครรู้จักซึ่งสมส่วนกับจักรวาลอันไม่มีที่สิ้นสุดก็ถูกเปิดเผยแก่เขา วิชาศิลปะของเขาคือความมั่งคั่งที่ไม่สิ้นสุดของชีวิตฝ่ายวิญญาณของมนุษย์

ดูเหมือนว่าเรมแบรนดท์จะเพ่งดูและฟังสภาวะทางจิตวิทยาที่ไหลล้นอย่างไม่สิ้นสุด ซึ่งเป็นการแสดงออกที่ไม่สิ้นสุดของลักษณะนิสัยของมนุษย์แต่ละคน ด้วยเหตุนี้ ไม่เพียงแต่ภาพถ่ายบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพถ่ายตนเองที่เขาแสดงภาพตัวเองด้วย ช่วงเวลาที่แตกต่างกันชีวิตในวัยหนุ่มและวัยชรา ในสภาวะต่างๆ เต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาและหลังเจ็บป่วย ในผลงานของเขา ภาพเหมือนไม่เพียงแต่กลายเป็นเท่านั้น ประเภทอิสระแต่ยังถึงจุดสูงสุดอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน งานทั้งหมดของเขาเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะ ภาพเหมือน.

การเปลี่ยนแปลงนี้ส่วนใหญ่อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่า Rembrandt ต่างจากชาวคาทอลิก Rubens และ Poussin เป็นโปรเตสแตนต์ ก่อนการถือกำเนิดของนิกายโปรเตสแตนต์ มนุษย์ไม่ได้พยายามแยกตนเองออกจากผู้อื่นโดยไม่รู้ตัว ตรงกันข้ามเขาไม่ได้คิดถึงตัวเองนอกชุมชนส่วนรวม ในสมัยโบราณ ชุมชนดังกล่าวได้รับการสนับสนุนจากบรรทัดฐานทางการเมืองและศีลธรรม ในยุคกลาง คริสต์ศาสนาได้เสริมสร้างรากฐานก่อนหน้านี้ด้วยชุมชนแห่งศรัทธา

ลัทธิโปรเตสแตนต์ละเมิดประเพณีนี้ โดยวางความรับผิดชอบหลักต่อชะตากรรมของบุคคลไว้กับตัวเขาเอง บัดนี้เรื่องแห่งความรอดกลายเป็นเรื่องส่วนตัวของแต่ละคนเป็นประการแรก การเปลี่ยนแปลงอันลึกซึ้งเกิดขึ้นในจิตสำนึกของมนุษย์ตะวันตก และเรมแบรนดท์เป็นคนแรกที่รู้สึกอย่างลึกซึ้งถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นและแสดงออกมาในงานศิลปะของเขา

เกี่ยวกับการใส่ใจความลับของคุณอย่างใกล้ชิด ชีวิตภายในผลงานหลายชิ้นจากยุคแรก ๆ ของงานของ Rembrandt และเหนือสิ่งอื่นใดคือภาพเหมือนตนเองของเขา พูดถึงการค้นหาความจริงส่วนตัวของตนเอง สิ่งนี้เห็นได้จากภาพวาดของเขาเช่น "อัครสาวกเปาโลในคุก" "พระคริสต์ในเอมมาอูส" ฯลฯ ซึ่งประสบการณ์ทางจิตวิทยาและการไตร่ตรองเกี่ยวกับความหมายของชีวิตและการดำรงอยู่มาถึงเบื้องหน้า ในยุคที่สุกงอมและโดยเฉพาะหลังช่วงที่โด่งดัง "ยามกลางคืน"แนวโน้มเหล่านี้กำลังแข็งแกร่งยิ่งขึ้น ปรากฏเด่นชัดเป็นพิเศษในภาพวาด "Portrait of an Old Man in Red" และ "Portrait of an Old Lady" ภาพวาด "The Syndics" กลายเป็นจุดสุดยอดของศิลปะการวาดภาพบุคคลเป็นกลุ่ม

ในช่วงสุดท้ายของการทำงาน Rembrandt กระโจนเข้าสู่ส่วนลึกของจิตสำนึกของมนุษย์มากขึ้นเรื่อยๆ เขาบุกรุกปัญหาใหม่สำหรับงานศิลปะยุโรป - ปัญหาความเหงาของมนุษย์ ตัวอย่างนี้คือภาพวาดของเขา "ปราชญ์", "การกลับมา" ลูกชายฟุ่มเฟือย».

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 สไตล์บาร็อค

เปลี่ยนจากยุคเรอเนซองส์สู่ศตวรรษที่ 17 ในโลกทัศน์และจิตวิทยาของผู้คน - นี่คือการเปลี่ยนจากศรัทธาอันไร้ขอบเขตในมนุษย์ในความแข็งแกร่งพลังงานของเขาจากความคิดเกี่ยวกับโลกที่มีการจัดระเบียบอย่างกลมกลืนโดยมีฮีโร่ที่เป็นมนุษย์เป็นศูนย์กลางก่อนอื่นสู่ความผิดหวังความสิ้นหวังหรือความสงสัย ความไม่ลงรอยกันอันน่าเศร้าของมนุษย์กับโลก และจากนั้นก็ไปสู่การยืนยันใหม่ของมนุษย์ในฐานะอนุภาคของโลกอันกว้างใหญ่ที่มีความหลากหลายและไร้ขีดจำกัด ดูเหมือนว่ามนุษย์จะฟื้นคืนตำแหน่งของตน แต่ไม่ได้เป็นศูนย์กลางของจักรวาลอีกต่อไป แต่มีความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนกับธรรมชาติ สังคม รัฐ และสิ่งแวดล้อม การกระทำของบุคคลจะไม่ถูกมองว่าเป็นการแสดงออกโดยตรงถึงเจตจำนงของเขาอีกต่อไป แต่เป็นผลสุดท้ายของการกระทำที่หลากหลายของกองกำลัง

ในเวลานี้ มีการเขียนโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ นวนิยายของเซอร์บันเตส ยูโทเปียสังคมนิยมครั้งแรกของโธมัส มอร์ และคำสอนของจิออร์ดาโน บรูโน ความคลั่งไคล้อันป่าเถื่อนของ Ignaci Laiola ผู้ก่อตั้งคณะเยซูอิตได้แสดงออกมาแล้ว ในศตวรรษที่ XVI-XVII มีการค้นพบดินแดนใหม่ตั้งแต่อลาสก้าไปจนถึงอเมริกา มีการประดิษฐ์กล้องโทรทรรศน์และกล้องจุลทรรศน์

ศิลปะศตวรรษที่ 17 เกี่ยวข้องกับสามสไตล์หลัก: บาโรก คลาสสิค และความสมจริง

โลกทัศน์ของศตวรรษที่ 17 เต็มไปด้วยความรู้สึกถึงความขัดแย้งอันน่าสลดใจระหว่างมนุษย์กับโลก ซึ่งมนุษย์ไม่ได้ครอบครองเป็นที่แรก แต่จะสลายไปในความหลากหลายของมัน อิตาลีกลายเป็นเมืองหลวงของรูปแบบใหม่ - พิสดารสไตล์บาโรกที่ปกคลุมตรรกะ พิสดารผสมผสานคุณสมบัติของเวทย์มนต์, แฟนตาซี, ความไร้เหตุผล, เพิ่มการแสดงออกด้วยความสุขุมและมีเหตุผล, ประสิทธิภาพของเบอร์เกอร์ ในประเด็นทางศาสนา มีเรื่องราวเกี่ยวกับปาฏิหาริย์และการพลีชีพเป็นส่วนใหญ่ ความสง่างาม ความยับยั้งชั่งใจ และธรรมชาติของยุคเรอเนซองส์ถูกแทนที่ด้วยความรักในพลวัต ศิลปะถูกสร้างขึ้นจากความแตกต่างและมีแนวโน้มที่จะเต็มไปด้วยลวดลายตกแต่ง สไตล์บาโรกถูกครอบงำด้วยรูปแบบเส้นโค้งที่ซับซ้อน มีการใช้ภาพลวงตา ในทางสถาปัตยกรรม หลักการพลาสติกยืนอยู่เหนือเปลือกโลก การจัดองค์กรที่ซับซ้อนและพื้นที่ด้านสิ่งแวดล้อมขนาดใหญ่มีความเกี่ยวข้องกับสมัยบาโรก: จัตุรัสกลางเมือง, พระราชวัง, สวนสาธารณะ, ที่พักอาศัยในชนบท

คุณสมบัติของสถาปัตยกรรม XVII-XVIIฉันศตวรรษ.

สไตล์บาโรกเริ่มมีรูปแบบที่มองเห็นได้ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 (โบสถ์ Il Gesu Vignola ภาพวาดโดมโดย D.-B. Gauli ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17) ได้รับการพัฒนาในประเทศแถบยุโรปตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 แต่ในประเทศออสเตรียและเยอรมนีในศตวรรษที่ 17 แทบจะไม่มีการก่อสร้างที่ยิ่งใหญ่เลย ในอังกฤษ สัญญาณบางอย่างของสไตล์นี้สังเกตได้ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในสถาปัตยกรรมอิตาลี สไตล์บาร็อคขยายไปถึงรูปลักษณ์ภายนอกและภายในของอาคาร ในฝรั่งเศสมีการสังเกตลักษณะของความคลาสสิคที่ภายนอกและสไตล์บาโรกในการตกแต่งภายใน ในอังกฤษ พิสดารปรากฏค่อนข้างเป็นเงาของความคลาสสิก - ลัทธิคลาสสิก "บาโรก"

อิตาลี.สถาปัตยกรรมของพระราชวัง วิลล่า และโบสถ์สไตล์บาโรกในอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Lorenzo Bernini, Guarino Guardi, Francesco Borromini, C. Rainaldi (โบสถ์ซานตามาเรียใน Campitelli ในกรุงโรม), Baldassare Longhen, Carmo Maderna

หนึ่งในอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมแห่งแรกๆ ที่สร้างขึ้นในสไตล์บาโรกคือโบสถ์อิลเกซู ซึ่งสร้างขึ้นโดยนิกายเยซูอิตที่เพิ่งก่อตั้ง ด้านหน้าอาคารดูแข็งแกร่ง กลมกลืน และดูคล่องตัวมากขึ้น ก่อนหน้านี้ส่วนหน้าอาคารถูกแบ่งออกเป็นส่วนเท่าๆ กันด้วยเสาที่เหมือนกัน ตอนนี้แบบฟอร์มหนาขึ้นและบวมไปทางตรงกลาง ก้นหอยขนาดใหญ่เชื่อมต่อชั้นบนกับชั้นล่าง บัวที่คลายออก (มีหิ้งอยู่เหนือกลุ่มเสา) ถือเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ของสไตล์บาโรก อาคารได้รับการออกแบบให้มองเห็นได้ในมุมหนึ่ง การไหล ความเป็นคลื่น และความหนาแน่นของแบบฟอร์มจึงได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

Carmo Maderna ดูแลการสร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในกรุงโรมให้แล้วเสร็จ ลอเรนโซกลายเป็นผู้สืบทอดของเขาในการก่อสร้างอาสนวิหาร เบอร์นีนี่- ทำให้เกิดจัตุรัสขนาดใหญ่หน้าอาสนวิหาร เสาระเบียงกั้นอาคารที่ไม่เป็นระเบียบออก และสร้าง "ฉากหลัง" ที่ยิ่งใหญ่สำหรับขบวนแห่ทางศาสนา เบอร์นีนีจัดจัตุรัสสองแห่งโดย "พัน" บนแกนเดียวกับอาสนวิหาร: ทรงวงรีและทรงสี่เหลี่ยมคางหมู Bernini เป็นประติมากรที่โดดเด่น (ผลงาน "The Ecstasy of Saint Teresa" ในโบสถ์ Santa Maria della Vittorio) Lorenzo Bernini เป็นปรมาจารย์ที่มีพรสวรรค์และมีการศึกษา เขาออกแบบวัด พระราชวัง น้ำพุ กลุ่มสถาปัตยกรรม รูปปั้น รูปแกะสลัก ภาพละคร ศิลาหลุมศพของพระสันตะปาปา (เขามีอายุยืนกว่าพระสันตะปาปา 9 พระองค์) เบอร์นีนีภูมิใจที่สามารถเปรียบประติมากรรมกับภาพวาดได้

สไตล์บาโรกถูกนำมาใช้เพื่อแสดงออกถึงรูปแบบสูงสุดโดยฟรานเชสโก โบโรมินิ- เขาชอบที่จะโค้งงอและบิดพื้นผิวผนังไปในทิศทางต่างๆ บางครั้งโค้งเหล่านี้ก็เฉื่อยชาและบางครั้งก็มีพลังมากกว่า โบสถ์เซนต์ชาร์ลส์ที่น้ำพุทั้งสี่ได้ตัดมุมแล้ว

การตกแต่งภายในของอาคารสไตล์บาโรกนั้นงดงามยิ่งกว่าเดิม Borromini ในโบสถ์ Sant'Iva ได้สร้างแผนผังภายในในรูปทรงที่ชวนให้นึกถึงโครงร่างของผึ้ง มีภาพผึ้งอยู่บนแขนเสื้อของตระกูลบาร์เบรินี ซึ่งเป็นที่ซึ่งพระสันตะปาปาองค์ต่อไปซึ่งรับหน้าที่ดูแลโบสถ์แห่งนี้ เสด็จมา ความประณีตของโครงสร้างเชิงพื้นที่ทำให้เกิดเอฟเฟกต์แสงและเงามากมาย ที่นี่ใช้หินอ่อน ปูนปั้น และประติมากรรม

สถาปัตยกรรมบาโรกแบบเวนิสโดยทั่วไปคือ Palazzo Pesaro (สถาปนิก B. Longen) ซึ่งโดดเด่นด้วยการตกแต่งภายนอกที่หรูหรา ตัวอาคารมี 3 ชั้น ชั้น 1 มีขนาดใหญ่ เรียงรายไปด้วยแบบชนบท ที่ชั้นบนมีการใช้คำสั่ง หน้าต่างโค้ง และประติมากรรม

ในศตวรรษที่ XVII-XVIII สวนขนาดใหญ่และสวนสาธารณะตระการตาเกิดขึ้น รูปแบบของสวนสาธารณะอิตาลีกำลังเกิดขึ้น Villa Aldobrandini ถูกสร้างขึ้นเป็นสวนสาธารณะแบบขั้นบันไดซึ่งมีองค์ประกอบที่พัฒนาไปตามแกนหลัก ที่นี่ใช้น้ำตก

ใน สเปนมองเห็นประเพณีแบบโกธิกและลักษณะแบบมัวร์ในสถาปัตยกรรมได้ ความสำเร็จสูงสุดของยุคบาโรกแบบสเปนนั้นเกี่ยวข้องกับผลงานของสถาปนิก José Churriguera และลูกศิษย์ของเขา เขาไม่เพียง แต่เป็นสถาปนิกเท่านั้น แต่ยังทำงานด้านการตกแต่งด้วย (ตกแต่งพระราชวังพิธีของวิทยาลัย Isuit) สไตล์ churrigueresque ตามที่เรียกกันในสเปนนั้นโดดเด่นด้วยความซับซ้อนของรูปแบบการตกแต่งที่ผสมผสานกันอย่างน่าอัศจรรย์และซับซ้อนและพลวัตขององค์ประกอบ ลวดลายบางอย่างเน้นไปที่อนุสาวรีย์โบราณของเม็กซิโกและเปรูโบราณ (อาราม Certosa ในกรานาดา) แท่นบูชาของ El Transportente ในมหาวิหารแห่งเมืองโตเลโด (ศตวรรษที่ 18) เป็นสไตล์บาโรก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในสเปนโดดเด่นด้วยการเสริมสร้างความเข้มแข็งของลัทธิคลาสสิก

ฝรั่งเศส- สถาปนิก หลุยส์ เลโว ในกลางศตวรรษที่ 17 ดำเนินการก่อสร้างพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ต่อไป สร้างปราสาท Vaux le Vicomte ร่วมกับจิตรกรตกแต่ง Lebrun และสถาปนิก Le Nôtre สำหรับรัฐมนตรีกระทรวงการคลัง Fouquet พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 เริ่มก่อสร้างพระราชวังแวร์ซายส์ (ค.ศ. 1661-1708) เมื่อพระชนมายุ 22 พรรษา โดยทรงปฏิเสธคำแนะนำของรัฐมนตรีฌ็องอย่างเด็ดขาดในการสร้างที่อยู่อาศัยของบรรพบุรุษของเขา - พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส ในช่วงยุคบาโรก สีกลายเป็นเครื่องมือที่เป็นนามธรรมในการกำหนดจังหวะของพื้นที่และเพิ่มการรับรู้ความลึก งานตกแต่งในแวร์ซายส์ดำเนินการโดย Charles Lebrun ฝรั่งเศสโดดเด่นด้วยการตกแต่งสไตล์บาโรกของห้องโถงและประติมากรรมภายนอก ด้านหน้าของอาคารถูกควบคุมอย่างคลาสสิก

ชื่อของสถาปนิก Hardouin Mansart มีความเกี่ยวข้องกับขั้นตอนที่สามของการก่อสร้างพระราชวังแวร์ซายส์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 เขาสร้างอาสนวิหารแซ็งวาลิด ซึ่งเป็นอาคารที่ใหญ่ที่สุดในเมืองหลวงของฝรั่งเศส เขาสร้างหนึ่งในจัตุรัสหลักของปารีส - Vendôme

ในศตวรรษที่ 18 สไตล์โรโคโคมีอำนาจเหนือกว่า มีการสร้างอาคารใหม่เพียงไม่กี่แห่ง นี่คือการปรับปรุงภายในเป็นหลัก การตกแต่งกลายเป็นขนาดเล็กและบางครั้งก็ไม่สมมาตร (การตกแต่งของ Soubise Hotel, สถาปนิก Delamere, 1730)

โบสถ์ซานลอเรนโซในตูริน (ค.ศ. 1668-1687) น่าสนใจ ที่นี่สถาปนิก Guardi ใช้ความเป็นไปได้ของการออกแบบในยุคนั้น

เยอรมนีโดดเด่นด้วยความหลากหลายของโวหารและการมีอิทธิพลจากต่างประเทศในภูมิภาคต่าง ๆ ของประเทศเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 ทางตะวันตกรู้สึกถึงอิทธิพลของฝรั่งเศสทางตอนเหนือ - เนเธอร์แลนด์ทางตอนใต้ - อิตาลี ในฐานะตัวแทนของยุคบาโรกตอนปลายในเยอรมนี สถาปนิก Balthasar Neumann (1687-1753) ได้เริ่มก่อสร้างโบสถ์ Church of the Fourteen Saints บนยอดเขาเหนือแม่น้ำ Main ในปี 1743 ในโบสถ์อิตาลีสไตล์บาโรกตอนปลาย โดมมักจะจมอยู่ในความมืดมิด แต่ในโบสถ์สิบสี่นักบุญ แสงส่องเข้ามาทางหน้าต่างบานใหญ่ทุกด้าน อาคารสไตล์บาโรก ได้แก่ โบสถ์เซนต์โยฮันน์ เนโปมุก ในมิวนิก (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 สถาปนิก อี.-เค. อาซัม) สวีงเงอร์ในเดรสเดิน (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 สถาปนิกเปปเปลมาน)

ในศตวรรษที่ 18 สไตล์โรโคโคปรากฏในการตกแต่งภายในของเยอรมนีและออสเตรีย ชาวฝรั่งเศส François Cuvillier มีส่วนสนับสนุนการพัฒนา Rococo ในเยอรมนี (ศาลา Amalionburg ใน Nymferburg ใกล้มิวนิก)

เบลเยียมแสดงสไตล์บาโรกได้ชัดเจนกว่าฮอลแลนด์

อังกฤษ.ปรมาจารย์ชั้นนำในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 คือคริสโตเฟอร์ เร็น งานที่ใหญ่ที่สุดของเขาคือมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในลอนดอน โครงการนี้เป็นการผสมผสานระหว่างมหาวิหารและวิหารแบบโดมกลาง ด้านหน้าอาคารขนาบข้างด้วยระเบียง 2 หลัง ชวนให้นึกถึงสไตล์โกธิกแบบอังกฤษ แต่ตกแต่งด้วยคำสั่ง สถาปัตยกรรมโดยรวมเป็นแบบคลาสสิก ส่วนบาโรกนั้นแสดงออกมาในความยิ่งใหญ่ที่เน้นย้ำและความงดงามของหอคอย ความยับยั้งชั่งใจแบบคลาสสิกยังปรากฏชัดในผลงานอีกชิ้นหนึ่งของนกกระจิบ นั่นคือโรงพยาบาลกรีนิชบนฝั่งแม่น้ำเทมส์

ผู้ร่วมสมัยของนกกระจิบคือ John Vanbrough ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญสไตล์บาโรกที่สุดในบรรดาปรมาจารย์ชาวอังกฤษทั้งหมด ปราสาทเบลนไฮม์ (1705) มีองค์ประกอบที่ชวนให้นึกถึงแวร์ซายส์

ภายในสไตล์บาโรกศตวรรษที่ 17 – ศตวรรษแห่งเฟอร์นิเจอร์ที่มีความลับ ที่นี่ใช้ก้นสองเท่าหรือสามเท่า ตู้เยอรมันชวนให้นึกถึงสถาปัตยกรรม ตัวอย่างเช่น การคลิกที่ดอกกุหลาบ ตู้ก็จะดึงออกมา ในเวลานี้ กล่องดนตรีและผ้าทอก็ปรากฏขึ้น โรมประดิษฐ์ตู้เสื้อผ้าพร้อมไม้แขวนเสื้อ (ก่อนจะมีหีบ) สถาปนิก Charles Boulle เป็นผู้คิดค้นตู้ลิ้นชัก Meissen Porcelain ในประเทศเยอรมนี บริจาคตุ๊กตากระเบื้อง

“ Style Bull” เป็นรูปแบบของเฟอร์นิเจอร์ในพระราชวังที่ตั้งชื่อตามหัวหน้าศาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14, Andre Charles Bull (1642-1732) คุณสมบัติลักษณะของสไตล์: การใช้ไม้มะเกลือเป็นหลัก, การตกแต่งจากกรอบทองสัมฤทธิ์ที่เต็มไปด้วยเม็ดมีดกระดอง, หอยมุกและวัสดุอื่น ๆ , แท่ง, โบ พื้นฐานการเรียบเรียงคือแผงที่มีการแนะนำร่างมนุษย์ล้อมรอบด้วยเครื่องประดับที่บิดเบี้ยว

ในองค์ประกอบสถาปัตยกรรมบาโรกที่โดดเด่นที่สุด พื้นที่คงที่ได้รับการแก้ไขเป็นพื้นที่ที่มีจังหวะไดนามิก สีถูกใช้เพื่อจุดประสงค์เดียวกัน มันถูกแยกออกจากความหมายวัตถุประสงค์และกลายเป็นวิธีนามธรรมในการเชื่อมโยงพื้นที่ ใช้เพื่อเพิ่มความลึก (ผลงานของศิลปินชาวเวียนนา Maulbertia (1724-1796))

ในอิตาลีของศตวรรษที่ 17 ล็อบบี้ได้รับการออกแบบให้เป็นห้องโถงหลัก ซึ่งคุณสามารถขึ้นบันไดขนาดใหญ่ไปยังห้องใต้หลังคา และต่อไปยังห้องโถงหลักได้ จนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 17 เพดานมีรูปร่างแบนเป็นส่วนใหญ่ ต่อมาถูกแทนที่ด้วยห้องใต้ดินที่เรียกว่ากระจก (ไม้) บนเส้นรอบวงที่พัฒนาแล้วซึ่งปูด้วยปูนปลาสเตอร์ทาสี ระนาบของผนังตกแต่งด้วยองค์ประกอบของคำสั่งและปูนปั้น เพดานถูกคั่นด้วยแท่งและกรอบซึ่งมีภาพวาดอยู่ ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ทะลุอวกาศเนื่องจากภาพเปอร์สเปคทีฟและมุมของร่าง ในห้องเล็กๆ ผนังปูด้วยผ้าและภาพวาด การตกแต่งสไตล์บาโรกของอิตาลีมีพื้นฐานมาจากธีมเรอเนซองส์ ศิลปะประยุกต์กำลังบรรลุการพัฒนาที่โดดเด่น โดยลักษณะส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยศิลปินในราชสำนัก Charles Lebrun

ซิกทัสวีและเค้าโครงของโรมแบบบาโรก Sixtus V ได้วางถนนโดยไม่คำนึงถึงอาคารที่มีอยู่ แต่ขึ้นอยู่กับข้อกำหนดของโครงสร้างภูมิประเทศของกรุงโรม

สถาปนิก Barromini มาจากภาคเหนือของอิตาลี อาชีพของเขาเริ่มต้นด้วยการทำงานเป็นช่างก่ออิฐในการก่อสร้างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เภตรา โบสถ์ซานคาร์โม (ค.ศ. 1167) สร้างขึ้นด้วยเงินทุนจากคณะสงฆ์ชาวสเปนแห่งคณะฟรานซิสกัน โบสถ์ Sant'Ivo ในโรมใช้เวลาก่อสร้าง 25 ปี (ค.ศ. 1642-1667) โดยเสียค่าใช้จ่ายตามคำสั่งของนิกายเยซูอิต ดาวหกแฉกซึ่งเป็นแนวคิดยอดนิยมของ Barromini แสดงถึงแกนกลางที่มองไม่เห็นซึ่งเป็นรากฐานของแผนของ Sant'Ivo ด้วยการตีความผนังและแผนการก่อสร้าง Barromini ได้นำเสนอแนวคิดใหม่เกี่ยวกับความเป็นพลาสติกของรูปแบบในสถาปัตยกรรม เขา. มันเพิ่มความมีชีวิตชีวาให้กับรูปลักษณ์ทางสถาปัตยกรรมทั้งหมดของอาคาร ผนังหยักส่วนที่เน้นของโดมของโบสถ์ Sant Ivo ความสมบูรณ์ของโดมในรูปแบบของเกลียวพุ่งขึ้นไปบนท้องฟ้า - ทั้งหมดนี้เป็นเส้นทางสู่เป้าหมายเดียว อิทธิพลของบาร์โรมีนีแพร่กระจายไปทั่วยุโรปและยังส่งผลกระทบต่อการวางผังเมือง แม้ว่าจะถูกประณามจากสถาปนิกเชิงวิชาการชาวฝรั่งเศสและอังกฤษตลอดศตวรรษที่ 18 และส่วนใหญ่ของศตวรรษที่ 19

การแนะนำ

คำภาษาอิตาลี "บาโรก" แปลว่า "แปลก" "แปลกประหลาด" อย่างแท้จริง ชื่อนี้สอดคล้องกับลักษณะเฉพาะของทิศทางโวหารมาก ศิลปะยุโรปตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ถึงกลางศตวรรษที่ 18 ในประวัติศาสตร์ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 20 คำว่า "บาโรก" เริ่มหมายถึงศิลปะยุโรปทั้งหมดในศตวรรษที่ 17 และ 18 (พจนานุกรมสารานุกรมของศิลปินรุ่นเยาว์)

นักทฤษฎีศิลปะสมัยใหม่มักจะแยกการแสดงออกที่เป็นทางการในศิลปะบาโรกออกจากความน่าสมเพชที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิต จากนั้น ประวัติศาสตร์โดยทั่วไปของรูปแบบทางศิลปะในงานศิลปะก็อาจปรากฏเป็นความแตกต่างระหว่างบาโรกและลัทธิคลาสสิก (Germaine Bazin "บาร็อค" และ "โรโคโค")

ลัทธิคลาสสิกหมายถึงรูปแบบและทิศทางในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 - 19 พื้นฐานทางปรัชญาของลัทธิคลาสสิกคือแนวคิดเกี่ยวกับรูปแบบที่สมเหตุสมผลของโลก ความเป็นอันดับหนึ่งของเหตุผลและหน้าที่ทางสังคมในชีวิตของผู้คน และวัฒนธรรมที่สวยงามและสูงส่ง ศิลปะแห่งความคลาสสิกโดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะแสดงเนื้อหาทางสังคมที่ยอดเยี่ยมและอุดมคติอันกล้าหาญและศีลธรรมอันสูงส่ง (พจนานุกรมสารานุกรมของศิลปินรุ่นเยาว์)

นักทฤษฎีชาวเยอรมัน โวล์ฟฟลิน บรรยายลักษณะที่เป็นทางการของแต่ละทิศทางทั้งสองนี้ เขาเชื่อว่าศิลปะคลาสสิกจ่าหน้าถึงธรรมชาติ - มันเป็นศิลปะแห่งการสังเกตเป้าหมายของมันคือการค้นหาเบื้องหลังการสำแดงภายนอกถึงความจริงอันลึกซึ้งที่กำหนดลำดับสากลของสิ่งต่าง ๆ ลัทธิคลาสสิกมีความโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและชัดเจน ส่วนที่ประกอบขึ้นเป็นความสมบูรณ์นั้นมีความพอเพียง มีความคงที่และปิดอยู่ภายในขอบเขต ในทางตรงกันข้าม ศิลปินบาโรกมุ่งมั่นที่จะแสดงความหลากหลายของปรากฏการณ์ เพื่อทำความเข้าใจกระแสในการต่ออายุอย่างต่อเนื่อง การแต่งเพลงของเขามีความไดนามิก เปิดกว้าง และมีแนวโน้มที่จะแตกออกจากขอบเขต องค์ประกอบที่พวกมันประกอบขึ้นใหม่เชื่อมโยงกันด้วย การกระทำแบบออร์แกนิกเดียวและไม่สามารถลบออกจากกันได้

ความหลงใหลในความน่าสมเพชของสไตล์บาโรกทำให้ปรมาจารย์ของขบวนการนี้เลือกหัวข้อที่น่าทึ่ง เพื่อพรรณนาความทุกข์ทรมานและอารมณ์ที่สดใส ชีวิตและความตายในรูปแบบที่น่าทึ่งที่สุด ในขณะที่ศิลปินแนวคลาสสิกพยายามที่จะแสดงให้บุคคลที่ควบคุมตัวเองได้อย่างสมบูรณ์

ลัทธิคลาสสิกกลายเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิก ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินหลายคน แม้แต่ในช่วงที่ยุคบาโรกบานสะพรั่งสูงสุด ซึ่งเป็นแนวความคิดเหล่านั้น ซึ่งเป็นรากฐานของสุนทรียศาสตร์แบบฝรั่งเศสและรสนิยมทางศิลปะที่เป็นตัวกำหนดในอังกฤษ (Germain Bazin "บาร็อค" และ "โรโคโค")

พิสดาร

ศิลปะของ "บาโรก" เป็นรูปเป็นร่างและเจริญรุ่งเรืองในอิตาลี โดยที่สถาปนิกและประติมากรที่ใหญ่ที่สุด แอล. เบอร์นีนี ทำงาน จิตรกร หัวหน้าฝ่ายสัจนิยมประชาธิปไตย คาราวัจโจ ผู้ติดตามลัทธิวิชาการของพี่น้องคาร์รัคชี ฯลฯ สไตล์นี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อเชิดชู และส่งเสริมพลังของขุนนางและคริสตจักร แสดงความคิดที่ก้าวหน้าเกี่ยวกับความสามัคคี ความไร้ขอบเขต และความหลากหลายของโลก เกี่ยวกับความซับซ้อนและความแปรปรวนของมัน ลักษณะพื้นฐานของ “บาโรก” ถือได้ว่าเป็นความปรารถนาที่จะผสมผสานศิลปะ การผสมผสานสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม และ ศิลปะการตกแต่ง- การสังเคราะห์ศิลปะคลาสสิก ได้แก่ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ลักษณะเฉพาะของสไตล์บาโรก โรโกโก และศิลปะคลาสสิกของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

วิจิตรศิลป์สไตล์บาโรกถูกครอบงำด้วยองค์ประกอบการตกแต่งอย่างเชี่ยวชาญที่มีลักษณะทางศาสนา ตำนาน หรือเชิงเปรียบเทียบ ภาพบุคคลในพิธีการที่เน้นย้ำสถานะทางสังคมที่มีสิทธิพิเศษของบุคคล

ลักษณะเฉพาะของ "บาร็อค" ไม่ใช่การปฏิบัติตามความกลมกลืนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเพื่อประโยชน์ในการติดต่อทางอารมณ์กับผู้ชมมากขึ้น เอฟเฟ็กต์การจัดองค์ประกอบภาพซึ่งแสดงออกมาด้วยขนาด สี แสง และเงาที่ตัดกันอย่างชัดเจน กลายเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง แต่ในขณะเดียวกันศิลปินบาโรกก็มุ่งมั่นที่จะบรรลุความสามัคคีของจังหวะและสีซึ่งเป็นความงดงามของภาพรวม

"บาร็อค" แพร่หลายในแฟลนเดอร์ส (ตัวแทนที่มีชื่อเสียงของ "บาร็อค" ในแฟลนเดอร์ส - P. P. Rubens, F. Sneijdars, J. Jordaens, A. Van Dyck) ในสเปน, โปรตุเกส, เยอรมนีตอนใต้, ออสเตรีย, สาธารณรัฐเช็ก, สโลวาเกีย , โครเอเชีย, ยูเครนตะวันตก, ลิทัวเนีย ในฝรั่งเศส "บาโรก" ผสมผสานกับความคลาสสิคเป็นสไตล์อันเขียวชอุ่ม

ในรัสเซียการปฏิรูปของเปโตร 1 การเติบโตและความเข้มแข็งของสถาบันกษัตริย์ผู้สูงศักดิ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 มีส่วนทำให้ศิลปะบาโรกเจริญรุ่งเรืองซึ่งไม่เพียงสะท้อนถึงความปรารถนาของคนชั้นสูงในวิถีชีวิตใหม่เท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงความปรารถนาของคนชั้นสูงในวิถีชีวิตใหม่ด้วย ความรู้สึกของสาธารณชนในวงกว้าง ความรู้สึกภาคภูมิใจในความสำเร็จของรัฐและประชาชน สถาปัตยกรรมบาโรกของรัสเซียมาถึงขอบเขตที่สง่างามความสมบูรณ์ที่ยอดเยี่ยมและพลวัตในกลุ่มเมืองและชานเมืองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, Peterhof (Petrodvorets), Tsarskoe Selo (Pushkin), มอสโก - สถาปนิก V. Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevokinsky วิจิตรศิลป์หันไปใช้ประเด็นทางสังคมทางโลกเป็นภาพลักษณ์ของรัฐบุรุษ ในการถ่ายภาพบุคคล ความเอิกเกริกขององค์ประกอบถูกรวมเข้ากับความถูกต้องของคุณลักษณะของตัวละคร (ประติมากรรมโดย K.B. Rastrelli ภาพวาดโดย I.N. Nikitin, A.P. Antropov)

"บาโรก" เป็นหนึ่งในรูปแบบที่โดดเด่นในสถาปัตยกรรมและศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - กลางศตวรรษที่ 18 ซึ่งสถาปนาตัวเองขึ้นในยุคของการก่อตั้งประเทศและรัฐชาติอย่างเข้มข้น (ส่วนใหญ่เป็นระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์) บาโรกรวบรวมแนวคิดใหม่เกี่ยวกับความสามัคคี ความไร้ขอบเขต และความหลากหลายของโลก เกี่ยวกับความซับซ้อนอันน่าทึ่งและความแปรปรวนชั่วนิรันดร์ ความสนใจในสภาพแวดล้อมที่แท้จริงในองค์ประกอบทางธรรมชาติที่อยู่รอบตัวมนุษย์ “บาโรก” เข้ามาแทนที่วัฒนธรรมศิลปะมนุษยนิยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและความซับซ้อน อัตนัยของศิลปะแห่งกิริยานิยม ละทิ้งแนวคิดที่มีอยู่ในวัฒนธรรมเรอเนซองส์คลาสสิกเกี่ยวกับความสามัคคีและกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดของการดำรงอยู่ เกี่ยวกับความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดของมนุษย์ ความตั้งใจและเหตุผลของเขา สุนทรียภาพสไตล์บาโรกถูกสร้างขึ้นจากการปะทะกันของมนุษย์กับโลก หลักการในอุดมคติและทางความรู้สึก เหตุผล และ พลังแห่งพลังไร้เหตุผล มนุษย์ในศิลปะบาโรกปรากฏเป็นบุคลิกที่หลากหลาย มีโลกภายในที่ซับซ้อน เกี่ยวข้องกับวงจรและความขัดแย้งของสิ่งแวดล้อม

ศิลปะบาโรกโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ เอิกเกริกและไดนามิก ความอิ่มเอมใจที่น่าสมเพช ความรุนแรงของความรู้สึก ความหลงใหลในการแสดงอันตระการตา การผสมผสานระหว่างภาพลวงตาและของจริง ความแตกต่างอย่างมากของขนาดและจังหวะ วัสดุและพื้นผิว แสงและเงา

การสังเคราะห์ศิลปะบาโรกซึ่งครอบคลุมในธรรมชาติและส่งผลกระทบต่อสังคมเกือบทุกชั้น (ตั้งแต่รัฐและชนชั้นสูงไปจนถึงชนชั้นล่างในเมืองและชาวนาบางส่วน) มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสามัคคีในการตกแต่งที่เคร่งขรึมและยิ่งใหญ่ซึ่งทำให้จินตนาการประหลาดใจด้วย ขอบเขตของมัน วงดนตรีในเมือง, ถนน, จัตุรัส, สวนสาธารณะ, ที่ดิน - เริ่มเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นงานศิลปะที่กำลังพัฒนาในอวกาศโดยเปิดเผยต่อผู้ชมในรูปแบบต่างๆ พระราชวังและโบสถ์สไตล์บาโรกต้องขอบคุณส่วนหน้าอาคารที่หรูหราและแปลกประหลาด การเล่นไคอาโรสคูโรอย่างไม่หยุดยั้ง แผนผังโค้งที่ซับซ้อน และโครงร่างที่ได้มาซึ่งความงดงามและไดนามิก และดูเหมือนจะกลมกลืนกับพื้นที่โดยรอบ การตกแต่งภายในอาคารสไตล์บาโรกตามพิธีการตกแต่งด้วยประติมากรรม แบบจำลอง และการแกะสลักหลากสี กระจกและภาพวาดขยายพื้นที่อย่างลวงตา และการทาสีบนเพดานสร้างภาพลวงตาของห้องใต้ดินแบบเปิด การทำให้ภาพในอุดมคตินั้นผสมผสานกับไดนามิกที่รุนแรง องค์ประกอบภาพและเอฟเฟกต์แสงที่ไม่คาดคิด ความเป็นจริงกับจินตนาการ ความเสน่หาทางศาสนาด้วยความอ่อนไหวที่เน้นย้ำ และบ่อยครั้งมีความเป็นธรรมชาติเฉียบพลันและเป็นรูปธรรมของรูปแบบ ซึ่งอยู่ติดกับภาพลวงตา ในงานศิลปะสไตล์บาโรก วัตถุและวัสดุจริงจะรวมอยู่ในคู่กัน (รูปปั้นที่มีผมและฟันจริง โบสถ์ที่สร้างจากกระดูก ฯลฯ)

ในการวาดภาพ ความสำคัญอย่างยิ่งได้รับความสามัคคีทางอารมณ์จังหวะและสีสันของทั้งหมดซึ่งมักจะเป็นเสรีภาพในจังหวะที่ผ่อนคลาย ในประติมากรรมความลื่นไหลของรูปแบบที่งดงามความรู้สึกของความแปรปรวนในการก่อตัวของภาพความมั่งคั่งของแง่มุมและความประทับใจ

ในอิตาลี - แหล่งกำเนิดของบาโรก - สถานที่และเทคนิคบางอย่างปรากฏในศตวรรษที่ 16 ในขาตั้งและ ภาพวาดตกแต่งคอร์เรกจิโอ, ผลงานของคาราวัจโจอาคารโดย G. Vignola (ประเภทของโบสถ์บาโรกยุคแรก) ประติมากรรมโดย Giambologna สไตล์บาโรกพบว่ามีรูปลักษณ์ที่สมบูรณ์แบบและสดใสที่สุดในผลงานของสถาปนิกและประติมากรแอล. เบอร์นีนี สถาปนิกเอฟ. บอร์โรมินิ และจิตรกรปิเอโตร ดา คอร์โตนา ซึ่งเต็มไปด้วยอารมณ์ทางศาสนาและเย้ายวน ต่อมายุคบาโรกของอิตาลีได้พัฒนาไปสู่อาคารอันน่าอัศจรรย์ของ G. Guarini ภาพวาดอันกล้าหาญของ S. Rosa และ A. Magnasco ความสดใสที่ทำให้เวียนหัวของภาพวาดของ G.B. ติโปโป. ในแฟลนเดอร์ส โลกทัศน์ที่เกิดจากการปฏิวัติชนชั้นกลางชาวดัตช์ในปี ค.ศ. 1566-1602 ได้นำหลักการอันทรงพลังที่เห็นพ้องต้องกันถึงชีวิตมาสู่ศิลปะบาโรก (ภาพวาดของ P. P. Rubens, Van Dyck, J. Jordaens) ในสเปนศตวรรษที่ 17 ลักษณะแบบบาโรกบางอย่างปรากฏในสถาปัตยกรรมนักพรตของสำนัก H.B. de Herrera ในภาพวาดเหมือนจริงของ J. de Ribera และ F. Zurbaran ประติมากรรมของ J. Montanez ในศตวรรษที่ 18 ในอาคารของ H.B. de Churreguers รูปแบบบาโรกถึงความซับซ้อนที่ผิดปกติและความซับซ้อนในการตกแต่ง (ยิ่งมีมากเกินไปในประเทศ "อัลตร้าบาโรก" ละตินอเมริกา- สไตล์บาโรกได้รับการตีความที่เป็นเอกลักษณ์ในออสเตรีย โดยผสมผสานกับแนวโน้มของโรโคโค (สถาปนิก I.B. Fischer von Erlach และ I.L. Hildebran จิตรกร F.A. Maulberich) และรัฐสัมบูรณ์ของเยอรมนี (สถาปนิกและประติมากร B. Neumann , A. Schlüter, M.D. Peppeman พี่น้อง Azam ครอบครัว Dinzehofer ซึ่งทำงานในสาธารณรัฐเช็กด้วย) ในโปแลนด์ สโลวาเกีย ฮังการี สโลวีเนีย โครเอเชีย และตะวันตก ยูเครน,ลิทัวเนีย ในฝรั่งเศส ซึ่งลัทธิคลาสสิกกลายเป็นสไตล์ชั้นนำในศตวรรษที่ 17 บาโรกยังคงเป็นกระแสด้านข้างจนถึงกลางศตวรรษ แต่ด้วยชัยชนะอย่างสมบูรณ์ของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ทั้งสองทิศทางได้รวมเข้าด้วยกันเป็นสไตล์ขนาดใหญ่โอ่อ่าเดียว (การตกแต่งห้องโถงของ แวร์ซายส์ จิตรกร ซี. เลอเบิร์น) แนวคิดของ "บาโรก" บางครั้งอาจขยายไปสู่วัฒนธรรมศิลปะทั้งหมดอย่างไม่ถูกต้อง รวมถึงปรากฏการณ์ที่ห่างไกลจากบาโรกในเนื้อหาและสไตล์ (เช่น "Naryshensky baroque" หรือ "Moscow baroque" ในสถาปัตยกรรมรัสเซีย) ในหลายประเทศในยุโรป โรงเรียนแนวสมจริงระดับชาติที่มีชีวิตชีวาได้พัฒนาขึ้น โดยมีพื้นฐานมาจากเทคนิคของคาราวัจกิสม์และตามประเพณีศิลปะท้องถิ่นแห่งความสมจริง พวกเขาแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานต้นฉบับที่เป็นเอกลักษณ์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ (D. Velazquez ในสเปน, F. Hals, J. Wermeer แห่ง Delfot, Rembrandt ในฮอลแลนด์ ฯลฯ ) โดยพื้นฐานแล้วแตกต่างและบางครั้งก็จงใจต่อต้าน แนวคิดทางศิลปะพิสดาร

ยุคบาโรกถูกทำเครื่องหมายไว้ทุกหนทุกแห่งด้วยการเพิ่มขึ้นของศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ซึ่งเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดกับสถาปัตยกรรม ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บาโรกได้พัฒนาไปสู่ความเบาสบายของสไตล์โรโคโค ซึ่งสอดคล้องและเกี่ยวพันกับสไตล์นี้ และตั้งแต่ทศวรรษที่ 1770 ทุกที่ถูกแทนที่ด้วยความคลาสสิก

ลัทธิคลาสสิก

เมื่อเข้าสู่ยุคตกต่ำในปลายศตวรรษที่ 17 ลัทธิคลาสสิกก็ฟื้นขึ้นมาในช่วงการตรัสรู้ในศตวรรษที่ 18

ลัทธิคลาสสิกของการตรัสรู้ใหม่ดำรงอยู่ตลอดศตวรรษที่ 18 โดยมีความสมจริงของการตรัสรู้ และเมื่อถึงปลายศตวรรษ มันก็กลายเป็นขบวนการทางศิลปะที่โดดเด่นอีกครั้ง

หัวข้อหลักศิลปะแห่งความคลาสสิคคือชัยชนะของหลักการทางสังคมเหนือหลักการส่วนบุคคล หน้าที่เหนือความรู้สึก ลัทธิคลาสสิกมีลักษณะเฉพาะด้วยการจัดระเบียบที่เข้มงวดของภาพที่มีเหตุผลชัดเจนและกลมกลืนกัน อย่างไรก็ตาม เขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยคุณลักษณะของลัทธิยูโทเปียนิยม ความเพ้อฝัน และความชัดเจนของภาพต่างๆ ซึ่งเพิ่มขึ้นในช่วงวิกฤตของเขา เมื่อลัทธิคลาสสิกเกี่ยวข้องกับพลังทางสังคมที่เป็นปฏิกิริยา สถาปัตยกรรมแห่งความคลาสสิกโดดเด่นด้วยความชัดเจนและความถูกต้องทางเรขาคณิตของปริมาณและความสม่ำเสมอของเค้าโครง ระเบียง แนวเสา รูปปั้น และภาพนูนต่ำนูนสูงโดดเด่นบนพื้นผิวผนัง

พัฒนาการของลัทธิคลาสสิกส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสถาบันศิลปะในปารีส เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฯลฯ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ลัทธิคลาสสิกได้รับการฟื้นฟูในฝรั่งเศส เยอรมนี และรัสเซีย ในเวลานี้เขามีความเกี่ยวข้องกับอุดมคติของการตรัสรู้และในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 กับแนวคิดเรื่องการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่

นักตรัสรู้ยังคงรักษาประเพณีของลัทธิคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 ไว้ในหลายวิธี พวกเขาพบว่าใกล้เคียงกับตำแหน่งของบุคคลที่แสดงออกในลัทธิคลาสสิก เกี่ยวข้องกับโลกอย่างมีสติกับตัวเขาเอง สามารถอยู่ใต้บังคับแรงบันดาลใจและความหลงใหลของเขาต่อหน้าที่ทางสังคมและศีลธรรม ความน่าสมเพชของอารยธรรม และแนวคิดเชิงเหตุผลของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

อย่างไรก็ตาม การวางแนวทางสังคมและการเมืองของลัทธิคลาสสิกทางการศึกษากำลังเปลี่ยนแปลงไป ในประเพณีของลัทธิคลาสสิก วอลแตร์สร้างโศกนาฏกรรมที่เต็มไปด้วยการต่อสู้กับความคลั่งไคล้ทางศาสนา การกดขี่สมบูรณาญาสิทธิราชย์ และความน่าสมเพชแห่งเสรีภาพ การอุทธรณ์ต่อสมัยโบราณเช่นเดียวกับโลกแห่งต้นแบบในอุดมคติซึ่งประกอบขึ้นเป็นแก่นแท้ของลัทธิคลาสสิกรวมถึงการตรัสรู้มีรากฐานที่หยั่งรากลึกในอุดมการณ์ของการตรัสรู้ เมื่อผู้รู้แจ้งพยายามเจาะอาณาจักรภายนอกของชีวิต เพื่อก้าวข้ามขอบเขตของชีวิตส่วนตัว ตามกฎแล้วพวกเขาพบว่าตัวเองอยู่ในโลกแห่งนามธรรมในอุดมคติ เพราะตลอดอายุของพวกเขา พวกเขาดำเนินไปจากบุคคลที่โดดเดี่ยวและไม่ได้มองดู เพื่อแก่นแท้ของมนุษย์ใน สภาพสังคมการดำรงอยู่ของเขาไม่ใช่ในประวัติศาสตร์ แต่ในธรรมชาติของมนุษย์ที่เข้าใจเชิงนามธรรม

วรรณกรรมเกี่ยวกับการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ซึ่งสวมชุดแรงบันดาลใจที่กล้าหาญในตำนานและตำนานโบราณ (ผลงานของ M. J. Chenier และคนอื่น ๆ ) มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับลัทธิคลาสสิกทางการศึกษา ภายในขอบเขตของสมัยโบราณ ผู้นำการปฏิวัติตามความรุ่งโรจน์ของเค. มาร์กซ์ "ค้นพบอุดมคติและรูปแบบทางศิลปะ ภาพลวงตาที่พวกเขาต้องการเพื่อที่จะซ่อนตัวจากพวกเขาเอง

ตัวเองอยู่ในเนื้อหาที่จำกัดโดยชนชั้นกระฎุมพีในการต่อสู้เพื่อรักษาแรงบันดาลใจของเขาไว้ ณ จุดสูงสุดของโศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ครั้งใหญ่”

ได้รับอิทธิพล วรรณคดีฝรั่งเศสลัทธิคลาสสิกกำลังพัฒนาในประเทศยุโรปอื่น ๆ : ในอังกฤษ (A. Pop, J. Addison), อิตาลี (V. Alfieri, Ugo Fosoklo บางส่วน) ในเยอรมนี (I.K. Gottsched) ผลงานคลาสสิกของ Gottsched ซึ่งเป็นตัวอย่างที่เน้นภาษาฝรั่งเศสทั้งหมดไม่ได้ทิ้งร่องรอยสำคัญไว้ในวรรณคดีเยอรมัน และเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นที่ลัทธิคลาสสิกของเยอรมันใหม่ปรากฏเป็นต้นฉบับ ปรากฏการณ์ทางศิลปะ(ลัทธิคลาสสิกของไวมาร์)

ต่างจากภาษาฝรั่งเศสตรงที่นำมาซึ่งปัญหาทางศีลธรรมและสุนทรียภาพเบื้องต้น รากฐานของมันถูกวางโดย I.I. Winkelman แต่เขาไปถึงจุดสูงสุดด้วย I.V. เกอเธ่และเอฟ. ชิลเลอร์ในช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์ “ ความเรียบง่ายอันสูงส่ง” ความกลมกลืนและความสมบูรณ์แบบทางศิลปะของกรีกคลาสสิกซึ่งเกิดขึ้นในเงื่อนไขของระบอบประชาธิปไตยโปลิส กวีชาวเยอรมันต่อต้านความสกปรกของความเป็นจริงของเยอรมันและอารยธรรมสมัยใหม่ทั้งหมดซึ่งทำให้ผู้คนพิการ ชิลเลอร์และเกอเธ่บางส่วนแสวงหางานศิลปะในวิธีการหลักในการให้ความรู้แก่บุคลิกภาพที่กลมกลืนกันและเมื่อหันไปสู่สมัยโบราณพยายามสร้างวรรณกรรมสมัยใหม่สมัยใหม่ที่มีสไตล์สูงที่สามารถตอบสนองภารกิจนี้ได้

ในยุคของจักรวรรดินโปเลียน ลัทธิคลาสสิกได้สูญเสียเนื้อหาที่ก้าวหน้าที่มีชีวิตไป เขาโดดเด่นด้วยเอิกเกริกและการแสดงอย่างเป็นทางการจากภายนอก นักวิชาการที่เย็นชาและตาย อย่างไรก็ตาม ในฐานะขบวนการ epigonian มันมีอยู่ในฝรั่งเศสจนถึงช่วงทศวรรษที่ 30-40 ศตวรรษที่ 19.

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ทิศทางใหม่เกิดขึ้น ซึ่งสอดคล้องกับลัทธิคลาสสิกของการตรัสรู้ในวรรณคดี และพัฒนาการเริ่มแรกด้วยการโต้เถียงกับโรโกโก ในด้านสถาปัตยกรรม พวกเขากำลังละทิ้งแผนการวางแผนที่เข้มงวดมากขึ้นเรื่อยๆ และมุ่งมั่นที่จะเน้นย้ำความหมายเชิงสร้างสรรค์ของคำสั่งดังกล่าว ความสนใจเป็นพิเศษมอบให้กับการตกแต่งภายในและรูปแบบที่ยืดหยุ่นของอาคารพักอาศัยที่สะดวกสบาย การตั้งค่าที่เหมาะสำหรับอาคารสไตล์คลาสสิกรูปแบบใหม่คือสภาพแวดล้อมภูมิทัศน์ของสวนสาธารณะ "อังกฤษ"

ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพัฒนาความรู้ทางโบราณคดีเกี่ยวกับสมัยโบราณของกรีกและโรมัน (โดยเฉพาะการขุดค้น Herculaneum และ Pompeii) รวมถึงงานทางทฤษฎีของ I.I. วิงเคิลแมน, I.V. เกอเธ่, เอฟ. ชิลเลอร์. ในสถาปัตยกรรมฝรั่งเศสในยุคนี้ ประเภทสถาปัตยกรรมเกิดขึ้น: คฤหาสน์ที่มีความใกล้ชิดอย่างประณีต อาคารสาธารณะที่มีอนุสรณ์สถานและจัตุรัสกลางเมืองแบบเปิด (สถาปนิก J.A. Gabriel, J.J. Souflot) ความน่าสมเพชและความเพ้อฝันถูกนำมารวมกันในรูปแบบที่แตกต่างกันในศิลปะพลาสติกของ J.B. ปีกัลยา, E.M. ฟัลคอน, เจ.เอ. Houdon ภาพวาดประวัติศาสตร์และตำนานโดย J.M. เวียนนา ภูมิทัศน์ตกแต่งโดย Yu. Robber ก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ในสถาปัตยกรรมมีความปรารถนาที่จะมีรูปแบบเจียระไนที่รุนแรงสำหรับภาพการสอนที่น่าประทับใจ สถาปนิกหันมาใช้ลวดลายของศิลปะโบราณกรีกมากขึ้น อียิปต์โบราณบางครั้งก็เป็นระบบที่ไม่มีรูท (อาคารและโครงการโดย K.N. Ledoux, E.L. Bulle, J.J. Lequet) การค้นหาเหล่านี้ (ยังได้รับอิทธิพลจากการแกะสลักทางสถาปัตยกรรมของ Piranesi ด้วย) ถือเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับ ลัทธิคลาสสิกตอนปลายหรือสไตล์จักรวรรดิ

ในทัศนศิลป์ การพัฒนาเชิงตรรกะของโครงเรื่อง องค์ประกอบที่สมดุลที่ชัดเจน โครงร่างทั่วไปที่วางแผนไว้ และการสร้างแบบจำลองปริมาตรที่ชัดเจน มีความสำคัญหลัก สีมีบทบาทรองและทำหน้าที่เน้นสำเนียงความหมาย โดยเน้นที่บทบาทนำของการสร้างปริมาตรเชิงเส้น

ในภาพวาดของลัทธิคลาสสิกตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของขบวนการปฏิวัติคือเจ. เดวิดซึ่งผลงานเต็มไปด้วยละครที่กล้าหาญและความเคร่งขรึมของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง ในช่วงยุคนโปเลียนที่ 1 คุณลักษณะของความเป็นตัวแทนอันเขียวชอุ่มทวีความรุนแรงมากขึ้นในสถาปัตยกรรมของจักรวรรดิฝรั่งเศส ซึ่งมักนำไปสู่การปรับแต่งรายละเอียดมากเกินไป ซึ่งส่งผลต่อการตกแต่งด้วย ศิลปะประยุกต์- ภาพวาดของลัทธิคลาสสิกตอนปลายแม้จะมีการปรากฏตัวของปรมาจารย์หลักแต่ละคน (Ingres) ก็ตามก็แสดงออกมาในทิศทางขอโทษอย่างเป็นทางการ

ในงานประติมากรรม (J.B. Pigalle, E.M. Falconet, J.A. Houdon ในฝรั่งเศส, Gottfried Schadow ในเยอรมนี, B. Thorvaldsen ในเดนมาร์ก, A. Canova ในอิตาลี, M.I. Kozlovsky, I.P. Martos, F.F. Shchedrin ในรัสเซีย), การวาดภาพ, การแกะสลัก - แนวคิดของ วีรกรรมของพลเมือง หน้าที่สาธารณะ อุดมคติทางการศึกษาแห่งความเรียบง่ายอันสูงส่ง และความยิ่งใหญ่อันสงบ ถูกแสดงออกมาในรูปแบบที่เข้มงวดและชัดเจน โดยได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะโบราณและเรอเนซองส์ ซึ่งมักปรากฏในผลงานในวิชาโบราณ การตกแต่งทางสถาปัตยกรรมและศิลปะการตกแต่งมีพื้นฐานมาจากแบบจำลองโบราณ

ลัทธิคลาสสิกซึ่งก่อตั้งขึ้นในสถาปัตยกรรมรัสเซียมีบทบาทเป็นกระแสหลักในรัสเซียมานานกว่าครึ่งศตวรรษ พื้นฐานของมันคือสุนทรียศาสตร์แห่งการตรัสรู้ของลัทธิเหตุผลนิยมซึ่งกำหนดอำนาจเหนือเหตุผลใน ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ, - ตรงกันข้ามกับการแสดงออกและธรรมชาติที่เย้ายวนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะบาโรกเป็นหลัก

อย่างไรก็ตาม ลัทธิคลาสสิกไม่ได้กลายเป็นรูปแบบที่ครอบคลุมทั้งหมดในศตวรรษที่ 18 ในช่วงกลางศตวรรษนี้ ทิศทางที่โรแมนติกได้ก่อตัวขึ้นและเริ่มพัฒนาตามกฎของมันเอง ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์แห่งอารมณ์อ่อนไหวและลัทธิของ บุคคล “ธรรมชาติ” อยู่ร่วมกับธรรมชาติเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน ปราศจากการกดขี่ทุกรูปแบบ

ในสถาปัตยกรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17 และ 18 สองสไตล์ - บาโรกและคลาสสิก - ได้รับการพัฒนาควบคู่กัน ลัทธิคลาสสิกเรียกว่าสไตล์ "นีโอกรีก" หรือ "ปอมเปี้ยน" ความปรารถนาที่จะยึดมั่นในสถาปัตยกรรมคลาสสิกเรียกอีกอย่างว่า "ลัทธิพาลาเดียน"

ในฝรั่งเศส ลัทธิคลาสสิกคือสไตล์ของ "Louis 16" ในสเปน ลัทธิคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของสถาปนิก Herrera Juan Batista De และถูกเรียกว่า "Erresco"

วิวัฒนาการของรูปแบบสถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 นำไปสู่การเสื่อมถอยของสถาปัตยกรรมจักรวรรดิ รูปแบบการนำส่งคือ "สไตล์ของสารบบภาษาฝรั่งเศส"

ใน รัฐรัสเซียรูปแบบสถาปัตยกรรม ลัทธิคลาสสิกเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18-19 และได้รับตำแหน่งที่แข็งแกร่งโดยแทนที่รัสเซียบาโรก ลัทธิคลาสสิกซึ่งได้รับการสนับสนุนให้เป็นสไตล์อย่างเป็นทางการของราชวงศ์อิมพีเรียลได้แพร่กระจายไปอย่างรวดเร็ว เมืองหลวงของรัสเซียและศูนย์ประจำจังหวัด

พระราชวังใหม่สำหรับสมาชิกราชวงศ์ได้รับการออกแบบและสร้างขึ้นในรูปแบบสถาปัตยกรรมใหม่ สไตล์เดียวกันนี้ได้รับการจำลองในจังหวัดต่างๆ ในอาคารอสังหาริมทรัพย์ขนาดใหญ่และขนาดเล็กของขุนนางรัสเซีย

เช่นเดียวกับในประเทศยุโรปอื่น ๆ ในจักรวรรดิรัสเซียรูปแบบสถาปัตยกรรมใหม่ - ลัทธิคลาสสิก - ได้รับตัวละครบางอย่างซึ่งต่อมาทำให้เป็นไปได้ที่จะแนะนำแนวคิดทางวิทยาศาสตร์เช่นลัทธิคลาสสิกของรัสเซียในสถาปัตยกรรมเชิงทฤษฎี

ลัทธิคลาสสิกของรัสเซียโดดเด่นด้วยคุณสมบัติดังต่อไปนี้:

การประยุกต์ใช้ในการพัฒนาองค์ประกอบโดยรวมของการสร้างแผนการสั่งกรีกคลาสสิกในรูปแบบของเสาระเบียงระเบียงด้านหน้า

การยอมรับป้ายสมมาตรเป็นพื้นฐานในการพัฒนาองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมของวัด พระราชวัง และอาคารประเภทอื่น ๆ

การใช้โครงร่างสี่เหลี่ยมที่เข้มงวดของแผนและด้านหน้าของอาคารทุกประเภท

การใช้รูปแบบประติมากรรมคลาสสิกในสถาปัตยกรรมภายนอกและภายใน

เช่นเดียวกับในสถาปัตยกรรมยุโรป ในรัสเซีย รูปแบบสถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกได้พัฒนาไปสู่สไตล์จักรวรรดิ ซึ่งเป็นอนุพันธ์ของรัสเซียจาก "จักรวรรดิ" ของฝรั่งเศส

ศิลปะบาโรก (ศตวรรษที่ 17)

คุณสมบัติหลักของบาร็อค:

· คุณสมบัติหลักของบาร็อค:

· ความแตกต่างในทุกสิ่งไม่สอดคล้องกัน

· การโอ้อวด การเสแสร้ง การแสดงละคร ความปรารถนาที่จะเซอร์ไพรส์ การสะสมรายละเอียด

· พลวัต (ลัทธิการเคลื่อนไหว)

· น่าสงสาร (อารมณ์เกินจริง)

·ลำดับความสำคัญของส่วนบุคคล

· การเปลี่ยนแปลงสัดส่วน การสูญเสียความสามัคคีและความสมมาตร

ที่มาของคำว่า "บาร็อค" ที่พบมากที่สุดนั้นมาจากคำภาษาสเปนที่แปลว่าไข่มุกที่มีรูปร่างไม่สม่ำเสมอ ลักษณะสำคัญของบาโรกคือความเอิกเกริก ความเคร่งขรึม ความสง่างาม ความมีชีวิตชีวา และลักษณะนิสัยที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิต ศิลปะบาโรกโดดเด่นด้วยความแตกต่างที่ชัดเจนของขนาด แสงและเงา สี และการผสมผสานระหว่างความเป็นจริงและจินตนาการ จำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องสังเกตในสไตล์บาโรกถึงการผสมผสานของศิลปะต่าง ๆ ในชุดเดียว - การสังเคราะห์สถาปัตยกรรมประติมากรรมจิตรกรรมและมัณฑนศิลป์ ความปรารถนาที่จะผสมผสานศิลปะนี้เป็นลักษณะพื้นฐานของยุคบาโรก สไตล์บาร็อคมีจุดมุ่งหมายเพื่อเชิดชูและเผยแพร่อำนาจของรัฐบาล ขุนนาง และคริสตจักร แต่ในขณะเดียวกันก็แสดงความคิดที่ก้าวหน้าเกี่ยวกับความซับซ้อนของจักรวาล ความไร้ขอบเขตและความหลากหลายของโลก และความแปรปรวนของมัน มนุษย์ในศิลปะบาโรกถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของโลก เนื่องจากมีบุคลิกที่ซับซ้อนซึ่งกำลังประสบกับความขัดแย้งอันน่าทึ่ง

ในงานบาโรกนั้นมีจังหวะแห่งจังหวะชีวิตที่ปั่นป่วนและรวดเร็วการระเบิดทางอารมณ์การแสดงออกที่เกินจริง หากในศิลปะของยุคเรอเนซองส์มีการผสมผสานหลักการทางโลกทางกายภาพและทางจิตวิญญาณเข้าด้วยกันแล้วในบาโรกเราจะเห็นความขัดแย้งของพวกเขา องค์ประกอบของธรรมชาติและองค์ประกอบของจิตวิญญาณมีความขัดแย้งกันตลอดเวลา ศิลปะบาโรกเป็นศิลปะที่น่าสมเพช ภาพบาโรกมีความเคลื่อนไหวอยู่เสมอโดยสัมพันธ์กับผู้ชม มันจับความรู้สึกของเขาและดึงดูดอารมณ์ของเขา

ในช่วงศตวรรษที่ 17 มีน้อยคนที่เชื่อในคำประกาศของ Pico della Mipandolda: มนุษย์สร้างตัวเองและโชคชะตาของตัวเอง และมีอิสระที่จะก้าวขึ้นไปสู่ระดับของความเป็นพระเจ้า มนุษยชาติเริ่มเชื่อมั่นว่าบุคคลนั้นอยู่ในความเมตตาแห่งกาลเวลา ความรู้สึกของเวลา ความเคลื่อนไหว การเปลี่ยนแปลงได้นี้เป็นลักษณะเฉพาะของโลกทัศน์ในยุคที่กำลังจะมาถึง มนุษย์ไม่ได้คิดถึงตัวเองในแง่ของความมั่นคง เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุคกลาง “โลกทั้งโลกแกว่งไปมาชั่วนิรันดร์” มิเชล มงเตญกล่าว - ฉันไม่สามารถแก้ไขวัตถุที่ฉันวาดภาพได้ เขาเดินไปเดินโซเซและวุ่นวาย เพราะธรรมชาติสร้างมาเช่นนี้ ฉันพาเขาไปในขณะที่เขาอยู่ตรงหน้าฉันในขณะที่เขาครอบครองฉัน และฉันจะไม่วาดภาพเขานิ่ง ๆ”

บุคลิกภาพนั้นอยู่ภายใต้กฎแห่งความแปรปรวน เธออยู่ห่างไกลจากผู้มีอำนาจทุกอย่างและไม่ได้เป็นศูนย์กลางของจักรวาลและจุดสุดยอดของจักรวาล ไม่ใช่ผู้มีอำนาจทุกอย่าง แต่น่าสนใจในการเปลี่ยนแปลงของเธอ ลักษณะชั่วคราวเหล่านี้คือสิ่งที่ศิลปินยุคบาโรกพยายามจะจับภาพ

หลังจากละทิ้งแนวคิดที่มีอยู่ในวัฒนธรรมเรอเนซองส์คลาสสิกเกี่ยวกับความสามัคคีและกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดของการดำรงอยู่ เกี่ยวกับความเป็นไปได้อันไร้ขีดจำกัดของมนุษย์ ความตั้งใจและเหตุผลของเขา สุนทรียศาสตร์แบบบาโรกถูกสร้างขึ้นบนสิ่งที่ตรงกันข้ามของมนุษย์กับโลก หลักการในอุดมคติและทางความรู้สึก เหตุผล และ พลังแห่งพลังที่ไร้เหตุผล มนุษย์ในศิลปะบาโรกไม่ปรากฏเป็นศูนย์กลางของจักรวาลอีกต่อไป แต่ปรากฏในฐานะบุคลิกภาพที่หลากหลายด้วย โลกที่ซับซ้อนประสบการณ์ที่เกี่ยวข้องกับวงจรของเหตุการณ์ ศิลปะบาโรกยังได้รับอิทธิพลจากขบวนการชาวนาต่อต้านศักดินาและกลุ่มคนธรรมดา การปฏิวัติชนชั้นกลาง ซึ่งนำกระแสแห่งแรงบันดาลใจกบฏในระบอบประชาธิปไตยเข้ามา

สถาปัตยกรรม.

คุณสมบัติ: รูปร่างที่ซับซ้อน, ความไม่สมมาตร, ความโค้ง, การปั้นปูนปั้นมากมาย, การใช้คำสั่งเพื่อการตกแต่ง

รูปแบบศิลปะหลักคือสถาปัตยกรรม ในยุคเรอเนซองส์มีความเท่าเทียมกันระหว่างศิลปะ ในยุคบาโรก ความโดดเด่นถูกกำหนดโดยสถาปัตยกรรม

รูปแบบสถาปัตยกรรมบาโรกเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวด ศูนย์กลางจะถูกแทนที่ด้วยอันที่ค้างอยู่, วงกลมจะถูกแทนที่ด้วยวงรี, สี่เหลี่ยมจะถูกแทนที่ด้วยสี่เหลี่ยม, ความชัดเจนของสัดส่วนที่ชัดเจนจะถูกแทนที่ด้วยปริมาตรทางสถาปัตยกรรมที่หลากหลาย ตัวอาคารได้รับการตกแต่งอย่างวิจิตรงดงามด้วยประติมากรรมและปูนปั้น มีการใช้แบบฟอร์มคำสั่งซื้อแบบดั้งเดิม แต่มีการเปลี่ยนแปลงในลักษณะที่สร้างความรู้สึกสัดส่วนที่แตกสลาย บาร็อคมีต้นกำเนิดในอิตาลี ที่นี่เป็นที่ที่มีการสร้างคุณสมบัติหลักของสไตล์ อาสนวิหารคาทอลิกมีความโดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลายและการตกแต่งอันวิจิตรงดงาม แต่นวัตกรรมนั้นมองเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในสวนสาธารณะ จัตุรัส และถนนต่างๆ สถาปนิกสร้างระบบการวางแผนใหม่ โดยให้ถนนเป็นเส้นตรงและปิดท้ายด้วยสี่เหลี่ยม ในกรุงโรมได้มีการนำระบบถนนสามสาย - รังสีที่แยกออกจากจัตุรัสมาใช้เป็นครั้งแรก ทางแยกถนนมีเสาโอเบลิสก์กำกับไว้ และจัตุรัสก็ตกแต่งด้วยน้ำพุ การสร้างสถาปัตยกรรมตระการตาถือเป็นข้อดีหลักของยุคบาโรก

มีเกลันเจโล บูโอนารอตติ (1475 - 1564) เป็นครั้งแรกที่มีการค้นพบองค์ประกอบของสไตล์บาโรกในไมเคิลแองเจโลในห้องสมุดลอเรนเซียโนของเขาและมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม การใช้เส้นโค้ง การเปลี่ยนความหมายของกำแพง การใช้รายละเอียดทางสถาปัตยกรรม เทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของ Michelangelo จะเป็นพื้นฐานของหลักการของสไตล์บาโรก Michelangelo เรียกได้ว่าเป็นสถาปนิกคนสุดท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและเป็นสถาปนิกคนแรกของยุคบาโรก

ลอเรนโซ แบร์นีนี (1598 - 1680) สถาปนิก ประติมากร จิตรกร มัณฑนากร ถือเป็นผู้สร้างบาโรก ผลงานสร้างความประหลาดใจด้วยขอบเขตเชิงพื้นที่ การตกแต่งที่หรูหราและเอิกเกริก เอฟเฟ็กต์มุมมองที่โดดเด่น และการสังเคราะห์ศิลปะแบบองค์รวม เขาผสมผสานสถาปัตยกรรมและประติมากรรมเข้าด้วยกัน โดยใช้การปิดทอง วัสดุต่างๆ และเอฟเฟกต์แสง (ชุดของจัตุรัสมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม ภายในในโบสถ์โรมัน)

จาโคโม เดลลา ปอร์ต้า. โบสถ์อิลเกซูในโรม

ฟรานเชสโก โบโรมิน. โบสถ์ซานคาร์โลในกรุงโรม

ประติมากรรม.

คุณสมบัติ: พลวัต, Chiaroscuro, การสร้างกลุ่มประติมากรรม, น่าสงสาร

สถาปัตยกรรมบาโรกไม่สามารถจินตนาการได้หากไม่มีประติมากรรม ตามวัตถุประสงค์ ประติมากรรมบาโรกแบ่งออกเป็นลัทธิและฆราวาส ประติมากรรมลัทธิถูกสร้างขึ้นในหัวข้อพระคัมภีร์ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นฉากแห่งปาฏิหาริย์และการพลีชีพ (รูปปั้นส่วนบุคคล กลุ่มประติมากรรม องค์ประกอบบรรเทาทุกข์ ศิลาจารึกหลุมศพ) พลวัต ท่าทางที่น่าตื่นตาตื่นใจ และความหลงใหลในประติมากรรมเหล่านี้ไม่ได้ชวนให้นึกถึงนักพรตในยุคกลางและ วีรบุรุษผู้สูงศักดิ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ประติมากรรมทางโลกแสดงด้วยภาพพระราชพิธีของพระมหากษัตริย์และขุนนาง ประติมากรรมสำหรับน้ำพุในเมืองและสวน ประติมากรรมสวนสาธารณะ- ลักษณะทั่วไปของประติมากรรมสไตล์บาโรกคือการมีปฏิสัมพันธ์กับสิ่งแวดล้อม เช่น น้ำ อากาศ แสงสว่าง ผนัง และสวน ผลงานเหล่านี้สูญหายไปในสภาพแวดล้อมของพิพิธภัณฑ์ซึ่งจำเป็นต้องมีกรอบทางสถาปัตยกรรม นอกจากนี้ ช่างฝีมือยังพยายามที่จะเอาชนะความนิ่งเฉยของวัสดุ เพื่อสร้างจิตวิญญาณและประดับหินและทองสัมฤทธิ์ด้วยอารมณ์

วัสดุขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมทางศิลปะ

Bernini: ความปีติยินดีของนักบุญเทเรซา, ภายในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์, เดวิด, หลุยส์ที่ 24, น้ำพุเทรวี

จิตรกรรม.

คุณสมบัติ: ฮีโร่ที่ละเอียดอ่อน, น่าสงสาร, ไม่สมมาตร, ความซับซ้อนขององค์ประกอบ, สีที่หลากหลาย, คอนทราสต์ของแสงและเงา, มุมที่ซับซ้อน, องค์ประกอบในแนวทแยง

ลูกค้าหลักคือคริสตจักรคาทอลิก (กลุ่มต่อต้านการปฏิรูปผลักดันให้ค้นหาวิธีใหม่ๆ เพื่อดึงดูดผู้ศรัทธาและสถาปนาความเป็นอันดับหนึ่งของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกในยุโรป) และราชสำนัก (สถาบันกษัตริย์สมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่พัฒนาในประเทศยุโรปส่วนใหญ่เรียกร้องการยกย่อง) บาโรกซึ่งมีองค์ประกอบของการพูดเกินจริง การแสดงออก และความน่าสมเพช ตอบสนองวัตถุประสงค์เหล่านี้ได้อย่างสมบูรณ์แบบ คุณสมบัติของการวาดภาพสไตล์บาโรกนั้นมีรูปแบบและองค์ประกอบที่ซับซ้อน (ส่วนใหญ่มักจะเป็นแนวทแยง) ความหลากหลายของมุมที่แตกต่างกันลัทธิการเคลื่อนไหวความสมบูรณ์ของสีและความคมชัดของสีและเงา สีจะมีความโดดเด่น ดังนั้นฟอร์มสามมิติที่ชัดเจนจึงเบลอ เมื่อเปรียบเทียบกับยุคเรอเนซองส์ ประเภทใหม่ๆ ปรากฏขึ้น: ฉากทางประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ฉากล่าสัตว์ ชัยชนะ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ ทิวทัศน์ และสิ่งมีชีวิต ในบรรดาภาพบุคคลที่นิยมมากที่สุดคือภาพเหมือนในพิธีการ

จิตรกรรมปูนเปียกไปจนถึงโคมไฟเพดานของโบสถ์และพระราชวัง ในนั้นเทคนิคการวาดภาพใหม่ๆ สามารถนำไปใช้ได้ชัดเจนที่สุด สำหรับโป๊ะโคมมักเลือกประเภทของชัยชนะหรือสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่มีตัวละครมากมาย

ปีเตอร์ พอล รูเบนส์ (1577 - 1640) จิตรกร-นักอนุสาวรีย์ชาวเฟลมิช ศิลปินกราฟิก สถาปนิก-มัณฑนากร ผู้ออกแบบการแสดงละคร นักวิทยาศาสตร์-นักมนุษยนิยม รูเบนส์เป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแบบบาโรก ที่รักของความสุขและเป็นที่ชื่นชอบของโชคลาภ ในงานของเขาเขาได้ปลูกฝังเสรีภาพของประชาชน ความชื่นชมต่อร่างกายที่แข็งแรง และความแข็งแกร่งของมนุษย์ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยราคะ อุทิศตนเพื่อเชิดชูความงดงามของชีวิต ความสุขของการเป็น เขาทำงานในประเภทของการวาดภาพบุคคลในตำนานและเชิงเปรียบเทียบ เขาเขียนเรื่องพระคัมภีร์มากมาย ในฐานะศิลปินสไตล์บาโรกที่แท้จริง รูเบนส์วาดภาพร่างกายที่เปลือยเปล่าด้วยการเคลื่อนไหวอันทรงพลังและตื่นเต้น และหากเป็นไปได้ เขาจะนำเสนอลวดลายของการต่อสู้ การดิ้นรน การไล่ตาม และความพยายามทางกายที่เข้มข้น

“ฉากล่าสัตว์”, “เซอุสและแอนโดรเมดา”, “การรวมตัวกันของดินและน้ำ”, “การยกไม้กางเขน” และ “การสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน”, “การลักพาตัวธิดาแห่งลิวซิปปุส”, “ภาพเหมือนของ แชมเบอร์เมด”

แรมแบรนดท์ ฮาร์เมน ฟาน ไรน์ (1606 - 1669) ศิลปินและช่างแกะสลักชาวดัตช์ ตัวแทนของการเคลื่อนไหวที่สมจริงในยุคบาโรก ในฮอลแลนด์ ในฐานะประเทศโปรเตสแตนต์ ภาพวาดประเภทของตนเองได้พัฒนาขึ้น:

ไม่มีการพัฒนางานศิลปะที่ยิ่งใหญ่และมัณฑนศิลป์

ประเภทของภาพวาดขนาดเล็กที่พัฒนาขึ้น (เรียกว่า "ชาวดัตช์ตัวเล็ก")

ประเภทยอดนิยม ได้แก่ แนวตั้ง แนวนอน ภาพหุ่นนิ่ง รวมถึงประเภทในชีวิตประจำวัน

ภาพวาดทางศาสนาไม่มีต้นกำเนิดที่ลึกลับ และถูกตีความว่าเป็นเรื่องราวในชีวิตประจำวันที่สมจริง

กำลังพัฒนาภาพเหมือนที่ไม่ใช่พิธีการ

แก่นหลักของงานศิลปะของ Rembrandt คือชีวิตมนุษย์ในช่วงเวลาชี้ขาด ในงานของเขาเขาได้หยิบยกปัญหาความหมายทางศีลธรรมของชีวิตมนุษย์ขึ้นมา แตกต่างจากผลงานหลายชิ้นในยุคบาโรก ในภาพวาดและงานแกะสลักของแรมแบรนดท์ เราสามารถพบแนวคิดเชิงปรัชญาเชิงลึกที่แสดงออกผ่านภาพที่เรียบง่ายและชัดเจน ผลงานของเขาทั้งหมดมีความจริงของชีวิตไม่ได้สวยงามเสมอไป เขาทำงานในประเภทต่างๆ ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือภาพวาดฉากและภาพบุคคลในพระคัมภีร์ไบเบิล ในเรื่องราวในพระคัมภีร์ เขามองหาภาพทั่วไปที่เป็นนิรันดร์ โดยเลือกแผนการที่วีรบุรุษสามารถแสดงแรงกระตุ้นทางจิตวิญญาณสูงสุดได้ ภาพของเขามีหลายแง่มุมทางจิตวิทยาเขาสามารถถ่ายทอดแรงกระตุ้นทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด - ในแรมแบรนดท์นี้ยังคงเป็นจุดสูงสุดในการวาดภาพโลกที่ไม่สามารถบรรลุได้ ในบรรดาวิธีการแสดงภาพ เราสามารถเน้นย้ำ Chiaroscuro ของ Rembrandt อันโด่งดัง และการโต้ตอบที่ซับซ้อนของสีและแสงได้ ภาพวาดของแรมแบรนดท์แทบไม่มีการกระทำภายนอกเลย โดยเน้นที่เนื้อหาภายในของภาพหรือเหตุการณ์ แม้แต่ในการถ่ายภาพบุคคล เขาก็ยังสร้างลักษณะทางจิตวิทยาที่สามารถแทนที่ชีวประวัติของฮีโร่ได้

“ การกลับมาของลูกชายผู้หลงหาย”, “ภาพเหมือนตนเองโดยมี Saskia คุกเข่า”, “Night Watch”, “Danae”, “ภาพเหมือนของชายชราในชุดแดง”

©2015-2019 เว็บไซต์
สิทธิ์ทั้งหมดเป็นของผู้เขียน ไซต์นี้ไม่ได้อ้างสิทธิ์ในการประพันธ์ แต่ให้ใช้งานฟรี
วันที่สร้างเพจ: 15-04-2016

พิสดาร(สมมุติ: จากภาษาโปรตุเกส perola barroca - ไข่มุกที่มีรูปร่างแปลกประหลาด) รูปแบบของอารมณ์ไดนามิกภาพสะท้อนของโลกทัศน์ความรู้สึกมีชัยเหนือจิตใจเพราะคน ๆ หนึ่งรู้สึกเหมือนเป็นส่วนหนึ่งของโลกและเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจอะไร เวลา พื้นที่ - การเคลื่อนไหวอันทรงพลัง - เป็นโลกทัศน์ของศตวรรษที่ 17 เหล่านี้คือบทกวีแห่งการเคลื่อนไหว ความรู้สึก ประสบการณ์: ฉากของการพลีชีพอันลึกลับ อารมณ์ความรู้สึก ความเป็นอนุสรณ์สถาน รูปแบบที่โดดเด่นในศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - กลางศตวรรษที่ 18 ความเข้าใจที่กว้างขึ้นเกี่ยวกับ B. รวมถึงรูปแบบภายนอกของชีวิต งานรื่นเริง ขบวนแห่ และลักษณะของการนำเสนอทางปรัชญาและวิทยาศาสตร์ โดยถือว่า B. เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมทั่วไป (เช่น โกธิคและเรอเนซองส์) ข. สะท้อนถึงวิกฤตของระบบศักดินาในยุคของการสะสมดั้งเดิมและการขยายอาณานิคม และความขัดแย้งที่เพิ่มขึ้นในจิตสำนึกทางศาสนาและสังคม รูปแบบบาโรกถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายโดยกลุ่มต่อต้านการปฏิรูปในสถาปัตยกรรมวัด ซึ่งโดดเด่นด้วยความงดงามเป็นพิเศษ (อาคารของคณะเยสุอิต; สถาปัตยกรรม "อุลตร้าบาโรก" ในละตินอเมริกา) การจำกัดขอบเขตของข. ให้อยู่ในกรอบของปฏิปักษ์ปฏิรูปและปฏิกิริยาศักดินานั้นไม่มีมูล. เช่นเดียวกับชนชั้นกระฎุมพีในศาลและคริสตจักร รูปแบบของ "ชนชั้นกระฎุมพีรากหญ้า" กำลังพัฒนา ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแสดงออกของการประท้วงต่อต้านระบบศักดินา เช่นเดียวกับขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติของชนชาติสลาฟที่ต่อต้านฮับส์บูร์กและแอกของออตโตมัน B. มีความโดดเด่นด้วยการต่อต้านการรับรู้และการสะท้อนของโลกความตึงเครียดทางประสาทสัมผัสและสติปัญญา ความน่าดึงดูดใจของนักพรตนั้นผสมผสานกับความนับถือตนเอง ความสลับซับซ้อนและความหยาบคาย สัญลักษณ์เชิงนามธรรมพร้อมการตีความรายละเอียดที่เป็นธรรมชาติ B. เป็นสไตล์ที่มีชีวิตชีวาและได้รับผลกระทบ ซึ่งโดดเด่นด้วยการแสดงละคร ความลุ่มหลง และภาพลวงตา บี ซึมซับและประมวลผลประเพณีทางศิลปะต่างๆ ผสมผสานเข้ากับการพัฒนารูปแบบประจำชาติ B. มีคุณลักษณะพิเศษคือความปรารถนาที่จะมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างศิลปะประเภทต่างๆ (โอเปร่า) ความเข้าใจบทกวีในฐานะภาพวาดที่พูดได้ และการวาดภาพในฐานะบทกวีเงียบๆ และความหลงใหลในสัญลักษณ์และสัญลักษณ์เปรียบเทียบ B. มีพื้นฐานอยู่บนตรรกะทางวิชาการและวาทศาสตร์ พัฒนาคำอุปมาอุปมัยและอุปมาที่ซับซ้อน สืบทอดรูปแบบทางศิลปะที่แสดงออกมากที่สุดของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา และผสมผสาน ภาพโบราณกับคริสเตียน เหตุผลนิยมเชิงวาทศิลป์ของ B. ทำให้ง่ายต่อการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการตรัสรู้ในยุคแรกผ่านวิธีการของเขา การต้อนรับของ B. ในแนวโรแมนติกและในขบวนการสมัยใหม่ล่าสุดนั้นถูกบันทึกไว้

ในด้านสถาปัตยกรรม วิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์ B. เป็นหนึ่งในเทรนด์โวหารหลักตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ถึงกลางศตวรรษที่ 18 ข. ก่อตั้งขึ้นในยุคของการก่อตั้งชาติและรัฐชาติอย่างเข้มข้น (ส่วนใหญ่เป็นระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์) ความเจริญรุ่งเรืองของการผลิตภาคอุตสาหกรรม และการเสริมสร้างความเข้มแข็งของปฏิกิริยาศักดินา-คาทอลิกไปพร้อมๆ กัน ศิลปะของ B. มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสถาบันกษัตริย์ ขุนนาง และคริสตจักร ได้รับการออกแบบมาเพื่อเชิดชูและเผยแพร่อำนาจของพวกเขา ในเวลาเดียวกัน มันสะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดใหม่ๆ เกี่ยวกับความสามัคคี ความไร้ขอบเขต และความหลากหลายของโลก เกี่ยวกับความซับซ้อนที่น่าทึ่งและความแปรปรวนชั่วนิรันดร์ ความสนใจต่อสิ่งแวดล้อม ในสภาพแวดล้อมของมนุษย์ และในองค์ประกอบทางธรรมชาติ B. มาแทนที่ทั้งวัฒนธรรมทางศิลปะของยุคเรอเนซองส์และศิลปะเชิงอัตวิสัยนิยมอันซับซ้อนของกิริยานิยม หลังจากละทิ้งแนวคิดที่มีอยู่ในวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคลาสสิกเกี่ยวกับความสามัคคีและกฎการดำรงอยู่ที่เข้มงวดเกี่ยวกับความเป็นไปได้ที่ไร้ขีด จำกัด ของมนุษย์เจตจำนงและเหตุผลของเขา B. สุนทรียภาพถูกสร้างขึ้นบนสิ่งที่ตรงกันข้ามของมนุษย์และโลกหลักการในอุดมคติและราคะเหตุผล และพลังแห่งพลังอันไร้เหตุผล ในงานศิลปะของ B. มนุษย์ไม่ได้ปรากฏเป็นศูนย์กลางของจักรวาลอีกต่อไป แต่ในฐานะบุคลิกภาพที่หลากหลาย พร้อมโลกแห่งประสบการณ์ที่ซับซ้อน เกี่ยวข้องกับวงจรและความขัดแย้งของสิ่งแวดล้อม ศิลปะเบลเยียมยังได้รับอิทธิพลจากขบวนการชาวนาต่อต้านศักดินาและกลุ่มคนธรรมดาและการปฏิวัติชนชั้นกลาง ซึ่งอบอวลไปด้วยแรงบันดาลใจกบฏในระบอบประชาธิปไตย

ศิลปะของ B. โดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ ความเอิกเกริกและไดนามิก ความอิ่มเอมใจที่น่าสมเพช ความรุนแรงของความรู้สึก ความหลงใหลในแว่นตาอันตระการตา การผสมผสานระหว่างภาพลวงตาและความเป็นจริง ความแตกต่างของขนาดและจังหวะ วัสดุและพื้นผิว แสงและเงา . ศิลปะประเภทต่างๆ ก่อให้เกิดความสามัคคีที่ยิ่งใหญ่และการตกแต่งที่เคร่งขรึม โดดเด่นด้วยขอบเขตของจินตนาการ วงดนตรีในเมือง ถนน จัตุรัส สวนสาธารณะ อสังหาริมทรัพย์ เริ่มเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นกลุ่มที่มีการพัฒนาทั้งหมดในอวกาศ โดยเผยให้เห็นตัวเองในหลากหลายรูปแบบให้ผู้ชมเห็นในขณะที่เขาเคลื่อนไหว ด้วยความหรูหราของพลาสติกที่แปลกประหลาดของส่วนหน้าการเล่นที่ไม่หยุดยั้งของ Chiaroscuro ความสามัคคีของรูปแบบที่ดูเหมือนลื่นไหลและแผนและโครงร่างโค้งที่ซับซ้อนพระราชวังและโบสถ์ของเบลารุสได้รับภาพที่งดงามและไดนามิกราวกับผสานเข้ากับพื้นที่โดยรอบ ในการตกแต่งภายในพิธีการ สถาปัตยกรรมผสมผสานกับประติมากรรม การสร้างแบบจำลอง และการแกะสลักหลากสี กระจกและภาพวาดขยายพื้นที่อย่างลวงตา และภาพวาดบนเพดานสร้างภาพลวงตาของห้องใต้ดินแบบเปิด

พิสดารตอนต้น: สานต่อประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

1) โบสถ์ Il Gesu (1545) - ลักษณะรูปแบบต่างๆ เริ่มก่อตัวขึ้นที่นี่ มาตรฐานการก่อสร้างวัดตลอดคริสต์ศตวรรษที่ 17 การก่อสร้างเริ่มโดยสถาปนิก Vignola และสร้างเสร็จโดย Giacoma della Porta โบสถ์เดี่ยว มีแผนมีไม้กางเขน ซุ้มจะได้รับ ความสนใจอย่างมาก- เส้นแนวตั้งและแนวนอนแบ่งเป็น 2 ชั้นชัดเจน ทำให้เกิดความสมดุลแก่ตัวโบสถ์ ที่ด้านหน้าอาคารจุดศูนย์กลางขององค์ประกอบถูกเน้นเนื่องจากคอลัมน์ (คำสั่งโครินเธียนให้ความเคร่งขรึมการเพิ่มความยิ่งใหญ่หน้าจั่วสามเหลี่ยมองค์ประกอบบาโรก: สกุลเงิน, ซุ้มโค้งโค้ง โดมบนไม้กางเขนตรงกลาง

2) โบสถ์เซนต์. ซูซานนาในกรุงโรม Carlo Moderna (1596-1603) มีการแบ่งแยกที่ชัดเจน แต่ส่วนหน้าอาคารนั้นยาวขึ้นแล้ว แบ่งตามคำสั่ง ประดับด้วยรูปปั้น

3) อาสนวิหารเซนต์. ปีเตอร์ในโรม แนวคิดแผนผังส่วนกลางที่มีโดมตั้งอยู่ตรงกลาง (มิเกลโล) การฟื้นฟูอาสนวิหารเริ่มต้นขึ้น ช. คาร์โล โมเดิร์น กลายเป็นโค้งสุดท้าย ขยายอาสนวิหารโดยเพิ่มส่วนทางเข้าด้านหน้า ไม้กางเขนแบบละตินชนิดหนึ่ง ไม่ใช่แบบกรีก มีส่วนขยายทึบ อาร์ตนูโวผลักด้านหน้าอาคารไปข้างหน้าและปิดด้านข้างจากผู้ชมด้วยส่วนขยาย

พิสดารผู้ใหญ่:

ก. ลอเรนโซ เบอร์นีนี

1) มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม - สร้างขึ้นในมหาวิหารใต้โดมหลักโดยมีหลังคาสีบรอนซ์ขนาดใหญ่ (ซีโบเรียม) - 30 ม. รองรับ 4 คอลัมน์

2) จัตุรัสหน้าอาสนวิหารเซนต์. ปีเตอร์ (1656-1667) - 2 สี่เหลี่ยม: ทรงวงรีขนาดใหญ่ล้อมรอบด้วยเสาและสี่เหลี่ยมคางหมูที่อยู่ติดกัน ปิดโดย Ch. ด้านหน้าของมหาวิหาร มีเสาโอเบลิสก์อยู่ตรงกลางจัตุรัสและมีน้ำพุตั้งอยู่ด้านข้างอย่างสมมาตรที่จุดโฟกัสของวงรี และเสาหินจะป้องกันไม่ให้คุณเข้าใกล้อาสนวิหารจากด้านข้าง

ฟรานเชสโก โบโรมินิ(ค.ศ. 1599-1667) ผู้ออกแบบ วาด และสร้างอย่างน่าอัศจรรย์ ความซับซ้อนและไดนามิกพิเศษของรูปแบบทำให้เกิดความตึงเครียดสูงสุด

บอร์โรมินีเป็นผู้ที่แยกตัวออกจากหลักการคลาสสิกอย่างกล้าหาญ การตัดสินใจที่เชื่อถือได้ กฎเกณฑ์ก่อนหน้านี้ สามารถ (และออกแบบ) ห้องที่มีความซับซ้อนอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน และสร้าง (และสร้าง) อาคารที่ซับซ้อนแห่งนี้ได้ Borromini นี้เป็นทายาทที่แท้จริงของสถาปัตยกรรมที่เต็มไปด้วยความกังวลและอารมณ์ของ Michelangelo Buonarroti มากกว่า Lorenzo Bernini หรือ Pietro da Cortona

1) โบสถ์ซานคาร์โล อัลเล กวอตโตร ฟอนตาเน ในกรุงโรม (ค.ศ. 1634-67) ด้านหน้าอาคารดูเป็นอิสระ สถาปัตยกรรมที่ซับซ้อน- ส่วนหลักมีลักษณะเหมือนงานปะติดที่สัมพันธ์กับผนังโบสถ์ เนื่องจากมีลักษณะโค้งคล้ายคลื่น พวกเขาฉีกบัวโค้งและคาร์ทัชรูปไข่ แผนผังของโบสถ์มีลักษณะคล้ายระฆัง 2 ใบโดยมีฐานตั้งซ้อนกัน ปกคลุมด้วยโดมรูปไข่ ความแตกต่างของปริมาณภายนอกและภายใน

2) Sant Ivo ในโรม - โครงร่างที่ซับซ้อนผนังลูกฟูก

3) โบโรมินิ. แผนผังของโบสถ์เซนต์ชาร์ลส์ที่น้ำพุทั้งสี่

4) โบโรมินิ. Oratorio ของนักบวชชาวฟิลิปปินส์ กรุงโรม

ปิเอโตร ดา คอร์โตนา

1) โบสถ์เซนต์. มาเรีย - เส้นโค้งและระนาบ จุดเริ่มต้นพลาสติก แกนสมมาตรที่ชัดเจน องค์ประกอบลำดับเริ่มเติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดของผนังด้านนอก เส้นของบัวถูกขัดจังหวะด้วยการตกแต่ง หน้าจั่ว 2 หลัง (โค้งเล็ก) มีปูนปั้นประติมากรรม - ลักษณะแบบไดนามิกของสถาปัตยกรรมโดยรวม

บี. ลอนเกน่า

1) C. Santa Maria della Salute ในเมืองเวนิส (1631-87) - ฐานของเล่มอยู่บนแผนแปดเหลี่ยม ด้านบนมีโดมขนาดใหญ่ มีเล่มที่ 2 บรรจุแท่นบูชา (กอปรด้วยโดมแต่มีขนาดเล็กกว่า ทางเข้าเป็นรูปประตูชัย โดมประกอบกับผนังหลักของโบสถ์มีเกลียว 16 เกลียว . รูปก้นหอยที่มีรูปปั้นติดตั้งอยู่ (ภาพเงาของอาคารได้รับการเสริมแต่งให้มีลักษณะเฉพาะ) การตกแต่งภายนอกการกระจายตัวของรูปแบบสถาปัตยกรรม

คาร์โล ไรนัลดี (1611-1691)

1) C. Santa Maria ใน Compitelli - ด้านหน้าอาคาร 2 ชั้นตามระบบของโบสถ์ Il Gesu ด้านในเป็นหินอ่อนสีขาว

2) C. Sant Andrea della Valle - เหมือนใน Il Gesu

3) Sant'Agnese ใน Piazza Avona (1652-72) กับ Barromini จัตุรัสตกแต่งด้วยน้ำพุเบอร์นีนี ซุ้มโค้งเว้ามีหอระฆังกั้นอยู่ 2 ด้าน โดมไม่ได้ถูกซ่อนไว้โดยระนาบของส่วนหน้าอาคาร

ยูวารามีเส้นทางที่น่าสนใจในฐานะสถาปนิกสไตล์บาโรก เขาเริ่มต้นจากการเป็นผู้ออกแบบฉากและผู้ช่วยในการสร้างอาคารโรงละครขึ้นใหม่ โครงการของเขาไม่ได้ถูกนำมาใช้ทั้งหมด แต่จากอาคารหนึ่งไปอีกอาคารหนึ่งเขาได้รับประสบการณ์ ถ้า Domenico Fontana (1543-1607) หรือ Francesco Caratti (? −1675) ใช้รูปแบบของพระราชวังทรงบล็อกที่มีความยาวโดยไม่มีการเล่นบท ยูวาราก็เพิ่มความแสดงออกของพระราชวังของเขาด้วยโครงสร้างแนวทแยง การพลิกผัน และการเล่นในเล่มต่างๆ การตกแต่งมีความยับยั้งชั่งใจมากขึ้นเรื่อย ๆ และไม่ได้หลีกเลี่ยงการเกิดสนิมเสาและเสาซึ่งคุ้นเคยกับความคลาสสิก แต่อาคารเหล่านี้ไม่ได้กลายเป็นตัวอย่างของความคลาสสิก โดยยังคงรักษาความยิ่งใหญ่ ความหลากหลาย และความงดงามของสไตล์บาโรกไว้ ลักษณะสำคัญของรูปแบบสถาปัตยกรรมของยูวาราคือเงาของอาคารที่แสดงออกอย่างมาก (ปราสาท Stupinigi ในกรุงมาดริด พระราชวังโดยเฉพาะมหาวิหารซูเปอร์กา)

คำถามที่ 48.ลักษณะเฉพาะของภาพวาดเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 ปรากฏชัดเจนที่สุดเมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของศิลปินชาวดัตช์ในยุคนี้ ลักษณะทั่วไปของโรงเรียนศิลปะทั้งสองแห่งคือความรักในชีวิตและความสุขทางโลก แต่ในขณะที่ศิลปินชาวดัตช์วาดภาพชีวิตประจำวัน ความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน จิตรกรชาวเฟลมิชมักเกี่ยวข้องกับคำสั่ง คริสตจักรคาทอลิกและขุนนางผู้สูงศักดิ์หันไปสนใจเรื่องศาสนาและตำนาน ในฮอลแลนด์ ประเภทของภาพสารคดีที่เรียบง่ายและแม่นยำได้รับการพัฒนา และในแฟลนเดอร์ส ภาพเหมือนในพิธีการก็แพร่หลายมากขึ้น ชาวดัตช์ยังมีชีวิตอยู่มีการจัดองค์ประกอบที่เรียบง่ายและรวมเอาวัตถุบางอย่างไว้ด้วย และศิลปินชาวเฟลมิชก็พยายามที่จะเปลี่ยนหุ่นนิ่งแต่ละตัวให้กลายเป็นเพลงสรรเสริญความมั่งคั่งและความอุดมสมบูรณ์ของของขวัญจากธรรมชาติ ศิลปะเฟลมิชโดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะสร้างภาพที่กล้าหาญ ฉากหลายร่างขนาดใหญ่ เนื้อหาและตัวละครที่หลากหลาย

ในงานของ Peter Paul Rubens (1577 - 1640) คุณลักษณะทั้งหมดของการวาดภาพเฟลมิชแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนเป็นพิเศษ รูเบนส์ทำงานอย่างหนักและกระตือรือร้นกับงานชิ้นใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ นี่คือภาพแท่นบูชา “The Exaltation of the Cross” ที่เขาสร้างเสร็จในปี 1611 สำหรับอาสนวิหารแอนต์เวิร์ป ภาพวาดขนาดใหญ่แสดงถึงพระคริสต์ผู้ถูกตรึงที่ไม้กางเขน นี่คือชายผู้แข็งแกร่งและกล้าหาญที่พ่ายแพ้ต่อคู่ต่อสู้ของเขา รูปร่างกำยำของผู้ประหารชีวิตและการเคลื่อนไหวที่มีพลังของพวกเขาทำให้ฉากทั้งหมดมีลักษณะของการต่อสู้ที่ดุเดือด ไม่ใช่การเล่าเรื่องพระกิตติคุณ แต่เป็นลมหายใจอันทรงพลังแห่งชีวิตที่ดึงดูดผู้ชมเมื่อดูภาพนี้ ในภาพการล่าสัตว์นักล่าจำนวนมาก (สิงโต เสือ หมูป่า) รูเบนส์สื่อถึงความตึงเครียดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจากพลังของคนและสัตว์ รูเบนส์รักธรรมชาติพอๆ กับที่เขารักผู้คน เขาวาดภาพทิวทัศน์อันงดงามด้วยภูเขาที่ห่างไกล หินสูงตระหง่าน และเมฆที่พุ่งอย่างรวดเร็ว ศิลปินรู้สึกได้ถึงการต่อสู้ของพลังแห่งธรรมชาติและความยิ่งใหญ่ของจักรวาล รูเบนส์ยังมีภาพวาดประวัติศาสตร์มากมาย ของเขา ซีรีส์ชื่อดัง"ชีวิตของ Marie de' Medici" ประกอบด้วยผืนผ้าใบตกแต่งขนาดใหญ่ 21 ชิ้น ที่นี่เขาแนะนำภาพเชิงเปรียบเทียบและตัวละครในตำนานและในขณะเดียวกันก็พรรณนาถึงบุคคลในประวัติศาสตร์ที่แท้จริงที่อยู่ถัดจากภาพเหล่านั้น ดังนั้นในภาพวาด “พิธีบรมราชาภิเษกของ Marie de’ Medici” พิธีศักดิ์สิทธิ์จึงถูกสร้างขึ้นใหม่ด้วยความแม่นยำอย่างยิ่ง ใบหน้าถูกพรรณนาด้วยภาพบุคคลที่แม่นยำ เครื่องแต่งกายมีความถูกต้องตามประวัติศาสตร์ ศิลปินยังแสดงให้เห็นลักษณะทางสถาปัตยกรรมของอาสนวิหารกอทิกแห่งแซงต์เดนีส์ซึ่งเป็นสถานที่ประกอบพิธีราชาภิเษก แต่เพื่อเน้นย้ำถึงความสำคัญพิเศษของช่วงเวลานั้น เขาได้แนะนำบุคคลเชิงเปรียบเทียบของอัจฉริยะแห่งความรุ่งโรจน์ที่ทะยานขึ้นไปในอากาศ

รูเบนส์ยังวาดภาพบุคคลด้วย “ ภาพเหมือนของสาวใช้” น่าสนใจมากโดยถ่ายทอดรูปลักษณ์ของหญิงสาวที่ถ่อมตัวด้วยจิตวิญญาณอันละเอียดอ่อน - ราชสำนัก Infanta Isabella ในภาพวาดของรูเบนส์หลายร้อยภาพด้วยความร่าเริงและ สีสว่างความงามและความแข็งแกร่งของมนุษย์ได้รับเกียรติ ความหลากหลายที่ไม่มีที่สิ้นสุดและความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติ ด้วยการใช้สีกึ่งโปร่งใสบาง ๆ ส่องผ่านสีหนึ่งจากอีกสีหนึ่ง Rubens จึงได้รับความสดชื่นและความน่าเชื่อถือที่น่าทึ่งในภาพ

ร่างกายของมนุษย์ ผมเส้นไหม สิ่งทออันล้ำค่า ลักษณะเด่นที่สุดของงานของ Rubens ซึ่งส่วนใหญ่ต้องเผชิญกับงานที่ไม่ใช่การพรรณนาความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน แต่ในการสร้างสรรค์ผลงานขนาดใหญ่และสง่างามก็คือเขามักจะนำความตื่นเต้นของชีวิตมาสู่พวกเขาเสมอ

Anthony Van Dyck (1599-1641) สร้างสรรค์ผลงานทางศาสนาและตำนานที่ใกล้เคียงกับสไตล์ของ Rubens มาก แต่เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษจากการถ่ายภาพบุคคลของเขา Van Dyck วาดภาพชาวเมืองผู้มั่งคั่งในเมือง Antwerp พร้อมด้วยภรรยาและลูกๆ ศิลปิน แพทย์ นักการทูต ขุนนาง และสมาชิกชาวอังกฤษ ราชวงศ์- ศิลปินเน้นย้ำถึงคุณลักษณะเฉพาะของแต่ละคนอย่างเชี่ยวชาญและพยายามเปิดเผยโลกภายในของเขาผ่านการวาดภาพ เขามองหาท่าทางและท่าทางมือที่แสดงออกมากที่สุด และเลือกพื้นหลังและการตกแต่งที่เหมาะสม แม้แต่ภาพบุคคลในพิธีการอย่างเป็นทางการซึ่งวาดโดยเขาตามคำสั่งของขุนนาง ยังคงประหลาดใจกับความมีชีวิตชีวาของคุณลักษณะของพวกเขา

เพื่อนสนิทและผู้ช่วยของรูเบนส์คือฟรานส์ สไนเดอร์ส (ค.ศ. 1579-1657) ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งเฟลมิชยังมีชีวิตอยู่ ผลไม้และสัตว์ในผลงานของ Rubens มักถูกวาดโดย Snyders ภาพวาดของสไนเดอร์สเฉลิมฉลองความสมบูรณ์และความหลากหลายของธรรมชาติที่ล้อมรอบมนุษย์ โทนสีพีชที่นุ่มนวล ความแวววาวขององุ่นและลูกพลัม ความโปร่งใสของผลเบอร์รี่เรดเคอร์แรนท์ประสบความสำเร็จไม่แพ้กันสำหรับศิลปิน เช่นเดียวกับเกล็ดปลาสีเงิน ขนปุยของสุนัขและหมี และขนนกที่สดใสอย่างน่าพิศวง

หลังจากการเสียชีวิตของ Rubens และ Van Dyck Jacob Jordan (1593-1678) ก็กลายเป็นหัวหน้าโรงเรียนภาษาเฟลมิช เขาวาดภาพเขียนมากที่สุด หัวข้อต่างๆแต่แนวเพลงและการเรียบเรียงประจำวันของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด นี่คือภาพ “ราชาเครื่องดื่ม” นี่เป็นฉากงานเลี้ยงอันร่าเริงในบ้านของชาวเฟลมิชที่ร่ำรวย ท่ามกลางใบหน้าที่มีชีวิตชีวาและเต็มไปด้วยไวน์ มีชายชราสวมมงกุฎปลอมโดดเด่น พร้อมประกาศตนเป็น "ราชา" ในค่ำคืนนี้ มีคนรู้สึกว่าตัวศิลปินเองก็ถูกดึงดูดด้วยความสนุกสนานในงานเลี้ยง ตัวละครของเขามีเสียงดังและหยาบคาย แต่มีเสน่ห์ด้วยความจริงใจและผ่อนคลาย

หากจอร์แดนวาดภาพเหมือนของชาวเมืองที่ร่ำรวยเป็นหลักแล้ว Adrian Brouwer (1606-1638) จิตรกรประเภทอื่นซึ่งศึกษาในฮอลแลนด์ก็อุทิศงานของเขาเพื่อชีวิตของชาวนาและคนจนในเมือง เขาชอบวาดภาพการผ่าตัดง่ายๆ ของแพทย์ประจำหมู่บ้าน ฉากในโรงเตี๊ยม และภูมิทัศน์ที่เรียบง่ายของบ้านเกิดของเขา Brouwer สังเกตท่าทางและการเคลื่อนไหวของผู้คนเป็นอย่างดี การแสดงออกทางสีหน้าที่มีชีวิตชีวา ภาพวาดของเขาทำให้ผู้ชมเชื่อว่าโลกแห่งชีวิตประจำวันมีค่าควรแก่การเป็นวัตถุทางศิลปะ

David Teniers (1610-1690) ลูกศิษย์ของ Brouwer ถอยห่างจากคำสอนของอาจารย์ เขาสนใจด้านเทศกาลของชีวิตมากขึ้น ชาวนา Teniersian ที่แต่งตัวอย่างชาญฉลาดซึ่งแสดงในช่วงเวลาแห่งการพักผ่อนและสนุกสนานนั้นยังห่างไกลจากวีรบุรุษที่ปรากฎตามความเป็นจริงของ Brouwer ความปรารถนาด้านความบันเทิงที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปินสะท้อนให้เห็นในโครงเรื่องตลกของภาพวาดของเขาชื่อ "Monkeys in the Kitchen" ในห้องครัวกว้างขวาง แทนที่จะเป็นคน กลับมีลิงที่ชอบเลียนแบบพวกมัน พวกเขาทำอาหาร กิน ดื่มไวน์ เล่นไพ่ ความหลากหลายในเนื้อหาและทักษะที่สำคัญ งานศิลปะของ Teniers เติมเต็มความสุกใสของภาพวาดเฟลมิชแห่งศตวรรษที่ 17

คำถามที่ 49. Little Dutchmen ชื่อทั่วไปของศิลปินชาวดัตช์แห่งศตวรรษที่ 17 ปรมาจารย์ด้านชีวิตประจำวัน ภูมิทัศน์ และหุ่นนิ่ง ซึ่งแสดงเอกลักษณ์ประจำชาติของตนอย่างชัดเจน ภาพวาดประจำชาติเวลานี้.

ความสนใจของศิลปินในหัวข้อเล็ก ๆ น้อย ๆ ในชีวิตประจำวันและตรงกันข้ามกับศิลปะสไตล์ใหญ่ในวิชาประวัติศาสตร์และตำนานชั้นสูงตลอดจนรูปแบบตู้เล็กของภาพวาด หันมาวาดภาพโลกแห่งความจริงและผู้คนในภาพโดยไม่ต้องรวมเอาไว้ภายใต้อุดมคติที่แน่นอน รวบรวมระบบแนวเพลงที่พัฒนาแล้ว พัฒนาระบบการวาดภาพโทนสี

แนวเพลงในชีวิตประจำวันเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสร้างสรรค์ที่สุดของโรงเรียนภาษาดัตช์ Ostade, Bega และ Dusart เป็นกลุ่มแรกที่พัฒนา ผลงานในช่วงแรกๆ ของ Ostade มีความโดดเด่นด้วยลักษณะที่มีชีวิตชีวา: ชาวนาพูดคุยผ่านไปป์และแก้วเบียร์ในโรงเตี๊ยม ที่บ้าน กับครอบครัวที่งานแสดงสินค้า ภายใต้อิทธิพลของแรมแบรนดท์ Chiaroscuro สีทองอ่อนๆ กลายเป็นวิธีหลักในการแสดงออก

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 Dow, Miris the Elder ตัวแทนของโรงเรียนเทคนิคการวาดภาพขนาดย่อของ Leiden โดดเด่นด้วยความอุดมสมบูรณ์และความละเอียดอ่อนของรายละเอียดและพื้นผิวเคลือบฟันที่เรียบ บรรยายถึงการมาของแพทย์ นักวิทยาศาสตร์ที่ทำงาน การเยี่ยมชม สตูดิโอของศิลปิน งานบ้าน หรือความบันเทิงทางสังคมของชาวเมือง มุ่งสู่เรื่องราวที่สนุกสนาน

ทิวทัศน์. ปรากฏในผลงานของปรมาจารย์ Goyen, Moleyn และ Ruisdael ภาพวาดของศิลปินเหล่านี้แสดงให้เห็นมุมเล็กๆ ของภูมิทัศน์ชนบทภายใต้สภาพอากาศและแสงที่แน่นอน ซีสเคปหรือท่าจอดเรือได้รับการอนุมัติให้เป็นพันธุ์อิสระ จิตรกรทางทะเลหลงใหลในการถ่ายโอนธาตุน้ำ การเล่นแสงในก้อนเมฆและน้ำ การพัฒนาภูมิทัศน์ในช่วงกลางครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 นั้นโดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ ๆ เนื้อหาทางอารมณ์ที่ลึกซึ้งและหลากหลายของงานมีขนาดใหญ่ขึ้น มุมมองเชิงปรัชญาไปทั่วโลก. พลังเล็ดลอดออกมาจากภูมิทัศน์ป่าไม้ของ Ruisdael ผู้ก่อตั้งภูมิทัศน์ประเภทนี้ ผู้สืบทอดที่มีความสามารถมากที่สุดในพื้นที่นี้คือ Hobbema แต่ธรรมชาติในงานของเขามีลักษณะที่อบอุ่นและสดใสไม่เหมือนกับภาพวาดมหากาพย์ของอาจารย์ และในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาเขาชอบวาดภาพทิวทัศน์ที่ได้รับการปลูกฝัง ศิลปินหลายคน Cape, Wauwerman, Mae ฯลฯ ทำงานในประเภทผสมของการวาดภาพทิวทัศน์-สัตว์ โดยธรรมชาติรวมถึงฝูงปศุสัตว์ การจากไปอย่างไม่เต็มใจ การขี่ม้า และฉากการต่อสู้ของทหารม้าในภูมิประเทศ ยังมีชีวิตอยู่. หุ่นนิ่งของชาวดัตช์ที่มีลักษณะเฉพาะที่สุด - อาหารเช้า - เกิดขึ้นในผลงานของจิตรกร Claes และ Heda โดยวาดภาพโต๊ะวางพร้อมจานชาม ความผิดปกติที่งดงามในการจัดสิ่งต่าง ๆ และบรรยากาศของการตกแต่งภายในที่อยู่อาศัยที่สะดวกสบายซึ่งทำได้โดยการถ่ายทอดสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศช่วยรักษาร่องรอยของการมีอยู่ของมนุษย์ พัตเตอร์และเบเยเรนสร้างสรรค์ภาพปลาและสัตว์ทะเลอื่นๆ ให้สมบูรณ์แบบ ในภาพวาดของ Hem และ Steenwijk ถัดจากวัตถุที่รวบรวมความรุ่งโรจน์และความมั่งคั่งทางโลก (ชุดเกราะ หนังสือ คุณลักษณะทางศิลปะ เครื่องใช้อันล้ำค่า) หรือความสุขทางราคะ (ดอกไม้ ผลไม้) มีกะโหลกศีรษะและ นาฬิกาทรายเป็นเครื่องเตือนใจถึงความไม่ยั่งยืนของชีวิต ยังมีชีวิตอยู่ในครัวที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้นปรากฏในผลงานของ Schoten และ Reickhals ในช่วงกลางศตวรรษ ธีมของอาหารเช้าแบบเรียบง่ายได้ถูกเปลี่ยนจากผลงานของ Streck, Kalf และ Beyeren ให้เป็นงานเลี้ยงและของหวานที่หรูหรา แก้วน้ำปิดทอง เครื่องลายครามจีน และเครื่องปั้นดินเผาเดลฟต์ ผ้าปูโต๊ะพรม ผลไม้ภาคใต้ เน้นย้ำถึงรสนิยมแห่งความสง่างามและความมั่งคั่งที่เป็นที่ยอมรับในสังคมดัตช์ Venicke และ Hondekoeter เป็นผู้เชี่ยวชาญในการวาดภาพถ้วยรางวัลการล่าสัตว์และลานเลี้ยงสัตว์ปีก หุ่นนิ่งประเภทนี้เริ่มแพร่หลายโดยเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตั้งที่ดินและความบันเทิงในการล่าสัตว์

คำถามที่ 50ผลงานของ Rembrandt อันยอดเยี่ยม (1606-1669) เป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของการวาดภาพระดับโลก แรมแบรนดท์วาดภาพประวัติศาสตร์ พระคัมภีร์ไบเบิล ตำนานและในชีวิตประจำวัน ภาพบุคคลและทิวทัศน์ เขาเป็นหนึ่งในนั้น ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดการแกะสลักและการวาดภาพ แต่ไม่ว่าแรมแบรนดท์จะใช้เทคนิคใด ศูนย์กลางของความสนใจของเขามักจะอยู่ที่ตัวบุคคล กับโลกภายในของเขา และประสบการณ์ของเขาเสมอ

Rembrandt Harmens van Rijn เกิดที่เมืองไลเดน บุตรชายของเจ้าของโรงสี ในปี 1632 แรมแบรนดท์ย้ายไปอัมสเตอร์ดัมและได้รับชื่อเสียงทันทีจากภาพวาดของเขาเรื่อง "The Anatomy Lesson of Dr. Tulp" (1632, The Hague, Mauritshuis) โดยพื้นฐานแล้ว นี่คือภาพกลุ่มแพทย์จำนวนมากที่อยู่รอบๆ ดร. ทัลปา และตั้งใจฟังคำอธิบายของเขาเกี่ยวกับศพที่ผ่าออก การสร้างองค์ประกอบนี้ทำให้ศิลปินสามารถถ่ายทอดได้ ลักษณะบุคลิกภาพแต่ละคนถูกนำเสนอและเชื่อมโยงพวกเขาเป็นกลุ่มหลวมๆ ที่มีความสนใจร่วมกันอย่างลึกซึ้ง โดยเน้นถึงความมีชีวิตชีวาของสถานการณ์

ความสำเร็จของการวาดภาพชิ้นแรกทำให้ศิลปินได้รับคำสั่งซื้อมากมาย และความมั่งคั่งเพิ่มขึ้นด้วยการแต่งงานของเขากับขุนนาง Saskia van Uylenburgh แรมแบรนดท์วาดภาพเรียงความทางศาสนาขนาดใหญ่ทีละภาพเช่น "การเสียสละของอับราฮัม" (1635, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, อาศรม) ที่เต็มไปด้วยพลวัตและความน่าสมเพชและภาพเหมือนในพิธี เขาหลงใหลในภาพที่กล้าหาญและน่าทึ่ง โครงสร้างภายนอกที่งดงาม เครื่องแต่งกายที่เขียวชอุ่มและหรูหรา แสงและเงาที่ตัดกัน และมุมที่คมชัด แรมแบรนดท์มักพรรณนาถึงซัสเกียและตัวเขาเอง ที่ยังเยาว์วัย มีความสุข เต็มไปด้วยพลัง สิ่งเหล่านี้คือ "ภาพเหมือนของ Saskia" (ประมาณปี 1634, คัสเซิล, ห้องแสดงภาพ), "ภาพเหมือนตนเอง" (1634, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), "ภาพเหมือนตนเองของ Saskia บนเข่าของเธอ" (ประมาณปี 1636, เดรสเดน, ห้องภาพ) แรมแบรนดท์ทำงานอย่างมากในด้านการแกะสลักหลงใหลในลวดลายประเภทภาพบุคคลทิวทัศน์และสร้างชุดรูปภาพของตัวแทนของชนชั้นทางสังคมระดับล่าง

เมื่อถึงปลายทศวรรษที่ 1630 ความสนใจของศิลปินต่อภาพที่เหมือนจริงในภาพวาดขนาดใหญ่ก็ถูกเปิดเผย ธีมในตำนานในภาพวาด "Danae" (1636 ภาพวาดส่วนใหญ่เขียนใหม่ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1640 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาศรม) ได้รับวิธีแก้ปัญหาที่สำคัญและน่าเชื่ออย่างผิดปกติ แรมแบรนดท์พยายามที่จะแสดงออกทางจิตวิทยาโดยปฏิเสธความน่าสมเพชที่รุนแรงและผลกระทบภายนอก

เขาเขียนในปี 1642 โดยได้รับมอบหมายจากกองทหารปืนไรเฟิล ภาพใหญ่(3.87 X 5.02 ม.) เนื่องจากสีที่เข้มขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป ต่อมาจึงได้รับชื่อ “Night Watch” (อัมสเตอร์ดัม, Rijksmuseum) แทนที่จะเป็นงานฉลองแบบดั้งเดิมที่มีรูปถ่ายของผู้เข้าร่วม ซึ่งแต่ละคนจะถูกจับภาพด้วยความระมัดระวังตามลักษณะเฉพาะของตนเอง ดังที่เคยทำมาก่อนหน้านี้ ศิลปินได้บรรยายถึงการแสดงของทหารปืนไรเฟิลในการรณรงค์ ชูธงนำโดยกัปตันแล้วเดินไปตามเสียงกลองไปตามสะพานกว้างใกล้อาคารกิลด์ ลำแสงที่สว่างผิดปกติทำให้แต่ละบุคคลส่องสว่าง ใบหน้าของผู้เข้าร่วมขบวน และเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ ที่มีไก่อยู่ที่เข็มขัด ราวกับกำลังเดินผ่านกลุ่มนักกีฬา เน้นย้ำถึงความประหลาดใจ พลวัต และความตื่นเต้นของ ภาพ; ภาพเหมือนกลุ่มใช้ลักษณะของภาพวาดประวัติศาสตร์อันเป็นเอกลักษณ์ที่ศิลปินพยายามประเมินความทันสมัย

ตลอดช่วงทศวรรษที่ 1640 ความแตกต่างของศิลปินกับสังคมชนชั้นกลางเพิ่มมากขึ้น สิ่งนี้อำนวยความสะดวกด้วยเหตุการณ์ยาก ๆ ในชีวิตส่วนตัวของเขานั่นคือการตายของซัสเกีย แต่ในเวลานี้เองที่งานของเรมแบรนดท์เริ่มต้นขึ้น ฉากที่น่าทึ่งของภาพวาดยุคแรกของเขาถูกแทนที่ด้วยบทกวีในชีวิตประจำวัน: หัวข้อโคลงสั้น ๆ กลายเป็นเรื่องเด่นเช่น "การอำลาของเดวิดต่อโจนาธาน" (1642), "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" (1645 ภาพวาดทั้งสอง - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, Hermitage) ซึ่งความรู้สึกอันล้ำลึกของมนุษย์ดึงดูดใจด้วยรูปลักษณ์ที่ละเอียดอ่อนและแข็งแกร่งอย่างน่าประหลาดใจ เขาย้ายฉากของภาพวาด "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" ไปยังบ้านชาวนายากจนที่พ่อทำงานเป็นช่างไม้ และแม่ยังสาวคอยดูแลการนอนหลับของทารกอย่างระมัดระวัง ทุกสิ่งที่นี่เต็มไปด้วยลมหายใจแห่งบทกวี เน้นอารมณ์แห่งความเงียบ ความสงบ และความเงียบสงบ เสริมด้วยแสงนุ่มนวลที่ส่องสว่างบนใบหน้าของแม่และเด็ก ซึ่งเป็นเฉดสีทองอันอบอุ่นที่ละเอียดอ่อนที่สุด

ทศวรรษที่ผ่านมา- ช่วงเวลาที่น่าเศร้าที่สุดในชีวิตของเรมแบรนดท์ เขาถูกประกาศว่าเป็นลูกหนี้ที่ล้มละลาย เขาตั้งรกรากในย่านที่ยากจนที่สุดของอัมสเตอร์ดัม โดยสูญเสียเพื่อนที่ดีที่สุดและคนที่รักไป Hendrickje และลูกชาย Titus เสียชีวิต แต่ความโชคร้ายที่เกิดขึ้นกับเขาไม่สามารถหยุดการพัฒนาอัจฉริยภาพเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินได้ ลึกที่สุดและ ผลงานที่ยอดเยี่ยมมีเขียนถึงเขาในเวลานี้เอง ภาพกลุ่มของ "Sindiki" (ผู้อาวุโสของเวิร์กช็อปช่างตัดผ้า, 1662, อัมสเตอร์ดัม, Rijksmuseum) ช่วยเติมเต็มความสำเร็จของศิลปินในประเภทนี้ ความมีชีวิตชีวาของมันอยู่ที่ความลึกและลักษณะของแต่ละภาพที่แสดงให้เห็น ในองค์ประกอบที่เป็นธรรมชาติ ชัดเจนและสมดุล ในความรอบคอบและความแม่นยำในการเลือกรายละเอียด ในความกลมกลืนของการควบคุม โทนสีและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพลักษณ์ที่สอดคล้องกันของกลุ่มคนที่รวมตัวกันโดยชุมชนที่พวกเขาปกป้องผลประโยชน์ มุมที่ไม่ธรรมดาเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ของภาพ ความสำคัญ และความเคร่งขรึมของสิ่งที่เกิดขึ้น

เนื้อเรื่องของคำอุปมาในพระคัมภีร์เกี่ยวกับบุตรสุรุ่ยสุร่ายเคยดึงดูดศิลปินมาก่อน ปรากฏอยู่ในภาพแกะสลักของเขา แต่ในช่วงบั้นปลายชีวิตเท่านั้นที่เรมแบรนดท์มาถึงการเปิดเผยที่ลึกที่สุดของเขา ภาพลักษณ์ของชายผู้เหนื่อยล้าและกลับใจที่คุกเข่าลงต่อหน้าบิดาเผยให้เห็นเส้นทางการเรียนรู้ชีวิตอันน่าเศร้า และภาพลักษณ์ของบิดาผู้ให้อภัยบุตรสุรุ่ยสุร่ายรวบรวมความสุขสูงสุดที่มนุษย์มี ขีดจำกัดของความรู้สึกที่เติมเต็ม หัวใจ. วิธีแก้ปัญหาสำหรับการจัดองค์ประกอบภาพขนาดใหญ่นี้ทำได้ง่ายมาก โดยที่ตัวละครหลักดูเหมือนจะสว่างไสวด้วยแสงจากภายใน โดยที่ท่าทางมือของพ่อที่ได้พบลูกชายของเขาอีกครั้ง แสดงออกถึงความมีน้ำใจอันไม่มีสิ้นสุดของเขา และรูปร่างที่หลบตาของ คนพเนจรในชุดผ้าขี้ริ้วสกปรกเกาะติดกับพ่อของเขาแสดงพลังแห่งการกลับใจโศกนาฏกรรมของการแสวงหาและความสูญเสีย ตัวละครอื่นๆ ถูกผลักไสให้อยู่ด้านหลังในเงามัว ความเห็นอกเห็นใจและความรอบคอบของพวกเขายิ่งตอกย้ำถึงความรักและการให้อภัยของพ่อที่ศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ได้ฝากไว้ให้ผู้คนเป็นเครื่องพิสูจน์ ราวกับเปล่งประกายด้วยแสงอันอบอุ่น

การขยายตัวของรูปแบบการสะท้อนความเป็นจริงทางศิลปะและความหลากหลายของรูปแบบเหล่านี้เริ่มรุนแรงเป็นพิเศษในศตวรรษที่ 17 ปัญหาสไตล์ คุณภาพที่สำคัญของสไตล์นี้คือการสังเคราะห์ในงานศิลปะพลาสติกทุกประเภทที่เป็นรูปเป็นร่างเพียงชิ้นเดียว ซึ่งสถาปัตยกรรมมีบทบาทนำและสร้างสรรค์ สไตล์เป็นระบบศิลปะที่โดดเด่นด้วยความสามัคคีของหลักการและเทคนิคทางอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างของภาษาศิลปะ

ในศตวรรษที่ 17 มีสองระบบสไตล์เกิดขึ้น: บาโรกและคลาสสิก แต่นอกเหนือจากนี้ ทิศทางที่สามของฝ่ายซ้ายพิเศษ (สมจริง) ในงานศิลปะก็กำลังเกิดขึ้น

ศิลปะบาโรกพัฒนาขึ้นในรัฐศักดินา-สมบูรณาญาสิทธิราชย์ภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของนิกายโรมันคาทอลิก (อิตาลี สเปน แฟลนเดอร์ส) วิจิตรศิลป์สไตล์บาโรกไม่สามารถเข้าใจได้หากปราศจากความเกี่ยวข้องกับสถาปัตยกรรม สถาปัตยกรรมซึ่งผสมผสานปัจจัยด้านประโยชน์ใช้สอยและศิลปะเข้าด้วยกันในระดับที่มากกว่างานศิลปะประเภทอื่นๆ มีความเกี่ยวข้องกับความก้าวหน้าทางวัตถุและขึ้นอยู่กับอุดมการณ์ที่โดดเด่นอย่างมาก (สถาปัตยกรรมวัดและการวางผังเมืองดำเนินการด้วยเงินจากคริสตจักรและคนร่ำรวย แต่ ในขณะเดียวกันก็รับใช้สังคมโดยรวม) ในอาคารทางศาสนาสไตล์บาโรก ความเป็นไปได้ที่สมบูรณ์ที่สุดในการสังเคราะห์สถาปัตยกรรม ประติมากรรม ศิลปะการตกแต่ง และภาพวาด ได้รับการออกแบบมาเพื่อทำให้จินตนาการของผู้ชมประหลาดใจ และ "เติมเต็ม" เขาด้วยความรู้สึกทางศาสนา ในอิตาลีก็มีการสร้างอาคารฆราวาสขึ้นเช่นกัน ถือเป็นเวทีสำคัญในการพัฒนาสถาปัตยกรรมโลก กำลังพัฒนาวิธีการวางผังเมืองและการรวมกลุ่มเมืองที่สำคัญ กำลังสร้างพระราชวังและสวนสาธารณะ โดยมีการค้นพบหลักการใหม่ของการเชื่อมโยงระหว่างสถาปัตยกรรมและสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ

พิสดารโดดเด่นด้วยความอิ่มเอิบทางอารมณ์และลักษณะที่น่าสมเพชของภาพที่ทำได้เนื่องจากขนาดของอาคาร การสร้างรูปแบบที่เกินจริง พลวัตของการก่อสร้างเชิงพื้นที่ และการแสดงออกของปริมาณพลาสติกที่เพิ่มขึ้น ดังนั้นความโค้งของแผน ส่วนโค้งของผนังซึ่งบัว หน้าจั่ว และเสาดูเหมือนจะเติบโตขึ้น การตกแต่งสถาปัตยกรรมรูปแบบเล็ก ๆ มีอยู่มากมาย: หน้าต่างตกแต่งด้วยแผ่นแบนต่าง ๆ ช่องตกแต่งด้วยรูปปั้น ความประทับใจทั่วไปเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วและความมั่งคั่งเสริมด้วยประติมากรรม ภาพวาด ปูนปั้น ตกแต่งด้วยหินอ่อนสีและทองสัมฤทธิ์ ควรเพิ่มความแตกต่างที่งดงามของ Chiaroscuro มุมมองและเอฟเฟกต์ลวงตา

อาคารทางศาสนา พระราชวัง ประติมากรรม น้ำพุ (โรม) ถูกรวมเข้าด้วยกันเป็นภาพลักษณ์ทางศิลปะแบบองค์รวม สิ่งเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับพระราชวังและสวนสาธารณะของภูมิภาคอื่น ๆ ของอิตาลีในยุคบาโรกที่โดดเด่นด้วยการใช้ภูมิประเทศที่ซับซ้อนอย่างเชี่ยวชาญเป็นพิเศษพืชพรรณทางตอนใต้ที่อุดมสมบูรณ์น้ำตกน้ำรวมกับรูปแบบขนาดเล็ก - ศาลารั้วน้ำพุรูปปั้น และกลุ่มประติมากรรม

คุณลักษณะของบาโรกได้รับการรวบรวมไว้อย่างชัดเจนที่สุดในงานประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ในงานของ Lorenzo Bernini (แนวคิดเกี่ยวกับชัยชนะของเวทย์มนต์เหนือความเป็นจริง การแสดงออกถึงความปีติยินดีของภาพ การเปลี่ยนแปลงของรูปแบบที่รุนแรง)

ในการวาดภาพ นักวิชาการชาวโบโลญญา พี่น้อง Carracci, Guido, Reni และ Guercino มีส่วนร่วมในงานศิลปะสไตล์บาโรก แนวคิดบาโรกได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่ใน Pietro da Norton, Baciccio และศิลปินอื่นๆ ในการจัดองค์ประกอบภาพหลายรูปแบบและเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่แข็งแกร่ง ตัวละครเหล่านี้ดูเหมือนจะถูกพัดพาไปโดยพลังบางอย่างที่ไม่รู้จัก ภาพวาดสไตล์บาโรกถูกครอบงำด้วยภาพวาดที่ยิ่งใหญ่และตกแต่งโดยส่วนใหญ่เป็นโป๊ะโคมภาพวาดแท่นบูชาพร้อมรูปของนักบุญผู้ล่วงลับฉากแห่งปาฏิหาริย์การพลีชีพองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์และเชิงเปรียบเทียบขนาดใหญ่ (รูปแบบที่ยิ่งใหญ่)

ศิลปะบาโรกของแฟลนเดอร์สมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ใน Rubens, Jordaens และปรมาจารย์คนอื่น ๆ การต่อต้านลักษณะทางโลกและลึกลับจริงและลวงตาซึ่งเป็นลักษณะของแนวคิดบาโรกนั้นแสดงออกภายนอกมากขึ้นโดยไม่กลายเป็นความไม่ลงรอยกันที่น่าเศร้า รูเบนส์ในองค์ประกอบแท่นบูชามากมายรวมถึงภาพวาดในหัวข้อต่างๆ ตำนานโบราณมนุษย์และสิ่งมีชีวิตที่แท้จริงได้รับเกียรติ

ในฝรั่งเศสสไตล์บาโรกไม่ได้ครองตำแหน่งผู้นำ ฝรั่งเศสศตวรรษที่ 17 - นี่คือเวทีประวัติศาสตร์สำหรับการพัฒนาลัทธิคลาสสิค

ลัทธิคลาสสิก

รูปแบบของความคลาสสิคเกิดขึ้นคู่ขนานกับสไตล์บาโรกซึ่งเป็นสไตล์ในยุคเดียวกันการแก้ปัญหาจากตำแหน่งอื่นและภาพอื่น ๆ หมายถึงงานในยุคนั้น - เชิดชูพลังของพระมหากษัตริย์ที่สมบูรณ์

ลัทธิคลาสสิกเข้ารับตำแหน่งที่โดดเด่นในฝรั่งเศสในสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นจุดสูงสุดของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์

แทนที่จะใช้เอฟเฟกต์อันน่าทึ่งของสถาปัตยกรรมบาโรก เขาหยิบยกหลักการของการผสมผสานความยิ่งใหญ่ตระหง่านของภาพสถาปัตยกรรมเข้ากับความชัดเจนที่สมเหตุสมผล แม้ว่าช่วงศตวรรษที่ 17 แสดงถึงขั้นตอนแรกของความคลาสสิกเมื่อคุณลักษณะของสไตล์นี้ไม่เข้าถึงการแสดงออกที่เข้มงวดและบริสุทธิ์ที่สุด อาคารสาธารณะและพระราชวัง วงดนตรีในเมือง พระราชวังและสวนสาธารณะล้วนเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความเอิกเกริก การแก้ปัญหาเชิงพื้นที่โดดเด่นด้วยตรรกะที่ชัดเจน ส่วนด้านหน้าอาคารโดดเด่นด้วยความกลมกลืนของการก่อสร้างแบบผสมผสานกับสัดส่วนของชิ้นส่วน และรูปแบบสถาปัตยกรรมโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและเข้มงวด ความเป็นระเบียบเรียบร้อยที่เข้มงวดยังถูกนำมาสู่ธรรมชาติด้วยซ้ำ: ปรมาจารย์แห่งลัทธิคลาสสิคได้สร้างระบบของสวนสาธารณะที่เรียกว่าปกติ สถาปนิกแนวคลาสสิกหันมาสนใจมรดกโบราณอย่างกว้างขวาง โดยศึกษาหลักการทั่วไปของสถาปัตยกรรมโบราณ และเหนือสิ่งอื่นใดคือระบบการสั่งการ การปรับปรุงลวดลายและรูปแบบของแต่ละบุคคล จิตวิญญาณของลัทธิคลาสสิกไม่เอื้อต่อการแสดงออกของความคิดทางศาสนาและลึกลับดังนั้น อาคารทางศาสนาไม่มีความสำคัญอย่างมากในสถาปัตยกรรมแบบคลาสสิกเช่นเดียวกับในสมัยบาโรก ลัทธิคลาสสิกทิ้งอนุสรณ์สถานอันน่าอัศจรรย์ของการสังเคราะห์ทางศิลปะไว้เช่นเดียวกับชุดแวร์ซายส์

ในวิจิตรศิลป์ของลัทธิคลาสสิกหนึ่งในหัวข้อหลักคือหัวข้อของหน้าที่ชัยชนะของประชาชนเหนือส่วนบุคคลหัวข้อของการยืนยันหลักการทางจริยธรรมสูงสุด: ความกล้าหาญความกล้าหาญความบริสุทธิ์ทางศีลธรรมซึ่งพบว่าการดำเนินการทางศิลปะของพวกเขา ในภาพที่เต็มไปด้วยความงดงามและความยิ่งใหญ่ ลัทธิคลาสสิกเปรียบเทียบความขัดแย้งและความไม่สมบูรณ์ของความเป็นจริงกับหลักการของเหตุผลและระเบียบวินัยที่เข้มงวดด้วยความช่วยเหลือที่บุคคลจะต้องเอาชนะอุปสรรคของชีวิต ตามสุนทรียภาพแห่งศิลปะคลาสสิก เหตุผลคือเกณฑ์หลักของความงาม ศิลปินในผลงานของเขาจะต้องดำเนินการจากตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบซึ่งถือเป็นงานศิลปะโบราณและ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง- ตรงกันข้ามกับบาโรก ลัทธิคลาสสิกไม่อนุญาตให้มีการแสดงออกทางอารมณ์ที่เกินจริง ดังนั้นวีรบุรุษของศิลปินชาวฝรั่งเศส ปูสซิน จึงโดดเด่นด้วยความสงบเอาแต่ใจอย่างแรงกล้าและการควบคุมตนเอง ผืนผ้าใบมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความชัดเจนและความสมดุลขององค์ประกอบของภาพใน ของเขา ภาพวาดโดดเด่นด้วยความเข้มงวดและความสมบูรณ์แบบคลาสสิก ในความหมาย ภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างทฤษฎีคลาสสิกนิยมให้ความสำคัญกับการวาดภาพและการระบายสีมีบทบาทรองลงมา ด้วยความตระหนักถึงความงามของชีวิตจริง ความงามของธรรมชาติ ศิลปินแนวคลาสสิกจึงให้ความสำคัญกับการพรรณนาถึงธรรมชาติ ซึ่งไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นพื้นหลังที่กระตือรือร้นใน องค์ประกอบพล็อตแต่มักจะเป็นพื้นฐานที่กำหนดในโครงสร้างโดยรวมของภาพ ในภาพวาดแนวคลาสสิก (Nicolas Poussin และ Claude Lorrain) ภูมิทัศน์ไม่เพียงกลายเป็นแนวเพลงเท่านั้น แต่ยังมีความเจริญรุ่งเรืองอีกด้วย

ลัทธิคลาสสิกกลายเป็นสไตล์ของสถาบันกษัตริย์ฝรั่งเศสโดยหลักในด้านสถาปัตยกรรม ภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง และในภาพเหมือนในพิธี คุณลักษณะที่เป็นตัวแทนของยุคบาโรกมีความสอดคล้องกับข้อกำหนดของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์มากกว่า Charles Lebrun มีชื่อเสียงจากภาพวาดของเขา Rigaud เป็นหัวหน้าศาลในการถ่ายภาพบุคคลในพิธีการ

ควบคู่ไปกับบาโรกและคลาสสิกในการวาดภาพของศตวรรษที่ 17 รูปแบบการสะท้อนความเป็นจริงของฝ่ายซ้ายพิเศษโดยพื้นฐานแบบใหม่กำลังอุบัติขึ้น รูปลักษณ์ภายนอกถือเป็นหนึ่งในเหตุการณ์สำคัญที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก สาระสำคัญของมันคือภาพศิลปะไม่ได้เกิดขึ้นภายในกรอบของสไตล์ แต่อยู่บนพื้นฐานของการดึงดูดปรากฏการณ์โดยตรงของศิลปิน โลกแห่งความจริงเพื่อความสมบูรณ์ของธรรมชาติ มันเป็นเรื่องของเกี่ยวกับการเชื่อมโยงโดยตรงของภาพกับความเป็นจริง การนำเสนอเชิงศิลปะทำได้โดยการเลือกภาพที่ธรรมดาที่สุด ปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง และเปิดเผยคุณลักษณะที่สำคัญของภาพเหล่านั้น ความหลากหลายของโลกแห่งความเป็นจริงเป็นเหตุผลว่าทำไมทั้งการเคลื่อนไหวสร้างสรรค์ที่หลากหลายและปรมาจารย์แต่ละคนที่เป็นตัวแทนของระบบศิลปะใหม่นี้จึงโดดเด่นด้วยความหลากหลายทางความคิดและภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างเป็นพิเศษ ในบรรดาศิลปินที่เก่งกาจซึ่งเปิดเผยแง่มุมที่สำคัญของยุคในผลงานของพวกเขา เราจะตั้งชื่อ Velazquez และ Rembrandt จิตรกรภาพเหมือน Frans Hals และจิตรกรภูมิทัศน์ Van Ruisdael

วิธีการสัจนิยมซ้ายพิเศษแบบใหม่มีส่วนช่วยขยายความเป็นไปได้อย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน ทัศนศิลป์- มีแนวเพลงใหม่เกิดขึ้น: ชีวิตประจำวัน, สิ่งมีชีวิต; ภูมิทัศน์เป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบที่ได้รับการพัฒนามากที่สุด การเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดเกิดขึ้นในประเภทที่มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษ (องค์ประกอบในพระคัมภีร์และตำนาน ภาพวาดประวัติศาสตร์ ภาพบุคคล) นี่คืองานศิลปะของฝ่ายซ้ายพิเศษแห่งศตวรรษที่ 17 ในวรรณคดีทางวิทยาศาสตร์มักเรียกกันว่า "ความสมจริง" ด้วยระดับความแพร่หลายที่แตกต่างกัน ระบบศิลปะแบบใหม่จึงได้รับการพัฒนาในเกือบทุกประเทศของยุโรปตะวันตก ดังนั้นในอิตาลีคือคาราวัจโจและผู้ติดตามของเขา ในแฟลนเดอร์สคือบรูเวอร์ ในฝรั่งเศส - Louis Le Nain ในสเปน - Velazquez

แนวโน้มที่เป็นจริงเหล่านี้พบการแสดงออกที่สมบูรณ์และสม่ำเสมอที่สุดในศิลปะดัตช์ โดยที่ระบบรีพับลิกัน-กระฎุมพี การไม่มีลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ และการครอบงำอุดมการณ์ของคริสตจักร ทำให้เกิดเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยเป็นพิเศษสำหรับการพัฒนาขบวนการทางศิลปะที่ก้าวหน้า ผลงานของศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่นำหน้าการพัฒนาทางสังคมและประวัติศาสตร์ของสังคม ก้าวข้ามขอบเขตและขัดแย้งกับมัน

แต่ก็อดไม่ได้ที่จะยอมรับว่าการได้รับทิศทางที่สมจริง (ไม่ใช่สไตล์) อย่างไม่มีเงื่อนไขนั้นมาพร้อมกับการสูญเสียความสมบูรณ์ของโวหารความเป็นไปได้ของการผสมผสานจินตนาการของศิลปะพลาสติกทุกประเภทเข้าเป็นชุดเดียว ในที่สุด การวาดภาพก็มีความแตกต่างจากสถาปัตยกรรมและประติมากรรม และกระบวนการของการวาดภาพด้วยขาตั้ง เช่น การสร้างการวาดภาพด้วยขาตั้งก็มีความเข้มข้นมากขึ้น

ความสมจริงจำเป็นต้องมีการสรุปอย่างกว้างๆ ซึ่งเป็นเรื่องปกติในภาพจริง นั่นคือเหตุผลที่ปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงหันมาสนใจวิชาในพระคัมภีร์และเทพนิยาย ทำให้พวกเขาสามารถนำภาพรวมไปสู่ระดับตำนานด้วยการตีความภาพที่ลึกซึ้ง สมจริง และเป็นจริง (Caravaggio, Rembrandt)

ความสามัคคีระดับหนึ่งที่ทำให้ศิลปะของศตวรรษที่ 17 แตกต่าง ประเทศต่างๆ ในยุโรปไม่ได้อธิบายเฉพาะจากการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ร่วมกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแลกเปลี่ยนทางวัฒนธรรมด้วย อิตาลีและโรมโดยเฉพาะยังคงเป็นเมืองเมกกะสำหรับศิลปิน และกำลังกลายเป็นศูนย์กลางศิลปะระดับนานาชาติ

บุคลิกภาพ

ในบรรดาดอกไม้ไฟของชื่อที่เปล่งประกายข้ามขอบฟ้าของวัฒนธรรมทางศิลปะในศตวรรษที่ 17 เราควรเน้นย้ำตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของบาโรก คลาสสิก และความสมจริง - Bernini, Rubens, Poussin, Rembrandt, Caravaggio และ Velazquez

Lorenzo Bernini เป็นสถาปนิกและประติมากรชาวอิตาลี งานหลัก:

Apollo และ Daphne (1622-1625) - หินอ่อน 243 ซม. หอศิลป์ Borghese โรม

เก้าอี้ของนักบุญเปโตร (1624) - บรอนซ์, วาติกัน

น้ำพุ Triton (1624-1643) - Piazza Barberini, โรม

ความปีติยินดีของนักบุญเทเรซา (ค.ศ. 1647-1652) - หินอ่อน, Santa Maria della Vittoria, โรม

น้ำพุแห่งแม่น้ำทั้งสี่ (ค.ศ. 1648-1651) - หินอ่อนและหินอ่อน, Piazza Navona, โรม

ความปีติยินดีของบุญราศี Ludovica Albertoni (1671-1674) - หินอ่อน, San Francesco a Ripa, โรม

ดาวเนปจูนและไทรทัน

Pieter Powel Rubens (1577-1640) - จิตรกรชาวเฟลมิช งานศิลปะของเขาเหมือนกับศิลปะเฟลมิชอื่นๆ ในศตวรรษที่ 17 ที่พัฒนาขึ้นตามสไตล์บาโรก แต่มีพลังในการพิสูจน์ชีวิตมากกว่าและมีอิทธิพลทางศาสนาน้อยกว่าศิลปะบาโรกของอิตาลี รูเบนส์เป็นหัวหน้าโรงเรียนแห่งชาติเฟลมิช ศิลปะของเขาสื่อถึงจิตวิญญาณแห่งยุคนั้นได้อย่างสมบูรณ์แบบ เขาทำงานในแอนต์เวิร์ปและในปี 1600-1606 อาศัยอยู่ในอิตาลี เขามีบุคลิกที่เป็นสากล ไม่เพียงแต่เป็นจิตรกร ช่างแกะสลัก แต่ยังเป็นนักการทูตด้วย ต้องขอบคุณเหตุการณ์หลังนี้ที่ทำให้เขากลายเป็น "ราชาแห่งจิตรกร" จึงเป็นศิลปินของราชินีและทำงานในราชสำนักของฝรั่งเศส อิตาลี และสเปน

ความอิ่มเอิบ ความน่าสมเพช การเคลื่อนไหวที่รุนแรง และลักษณะการตกแต่งแบบบาโรกผสมผสานกันในงานศิลปะของรูเบนส์ เข้ากับความงดงามตระการตาของภาพและการสังเกตที่สมจริงอย่างกล้าหาญ ภาพวาดบาโรกของรูเบนส์โดดเด่นด้วยหัวข้อทางศาสนาและตำนาน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดเหล่านี้ ได้แก่ "The Descent from the Cross", "Perseus and Andromeda", "Drunken Bacchus" ในปี 1635 งานจิตรกรเริ่มต้นขึ้นเมื่อรูเบนส์ซื้อปราสาทในชนบทของสเตนและตั้งรกรากอยู่กับเอเลนา โฟร์แมน ภรรยาสาวของเขา ในเวลานี้รูเบนส์ได้สร้างทิวทัศน์และฉากจาก ชีวิตชาวนา("การกลับมาของผู้เก็บเกี่ยว", "นาฏศิลป์") ทักษะการวาดภาพของรูเบนส์แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในประเภทของการถ่ายภาพบุคคล เช่น การถ่ายภาพบุคคลที่เต็มไปด้วยเสน่ห์ที่มีชีวิต “Elena Fourment with Children” “เสื้อคลุมขนสัตว์” และ “The Chambermaid” ภาพวาดของรูเบนส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยท่าทางอิสระที่ไม่ถูกจำกัด ความเป็นพลาสติกที่แสดงออก และความละเอียดอ่อนของการไล่เฉดสี Van Dyck, Jordans และ Snyders ทำงานในเวิร์คช็อปของ Rubens

Nicolas Poussin (1594-1665) - ผู้ก่อตั้งจิตรกรรมคลาสสิกซึ่งเป็นหลัก ทิศทางสไตล์ฝรั่งเศส; ภาพวาดของเขาเกี่ยวกับศาสนา ตำนาน และประวัติศาสตร์ยืนยันถึงพลังของเหตุผลในบรรทัดฐานทางสังคมและจริยธรรม ภาพวาดของปูสซินมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างอันประณีต เป็นการผสมผสานแนวคิดเชิงปรัชญาอันลึกซึ้งเข้ากับความชัดเจนขององค์ประกอบและการออกแบบ: "Tancred and Erminia", "The Death of Germanicus" ภูมิทัศน์ที่กล้าหาญอันยิ่งใหญ่ของ Poussin นั้นสวยงาม: "ภูมิทัศน์ที่มี Polyphemus", "Arcadian Shepherds" มวลในนั้นมีความสมดุลอย่างเคร่งครัด อากาศโปร่งใส สีบริสุทธิ์

Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) - จิตรกรชาวดัตช์ ช่างเขียนแบบ ช่างแกะสลัก ตัวแทนของขบวนการสมจริงของฝ่ายซ้าย ศิลปะเชิงนวัตกรรมของ Rembrandt โดดเด่นด้วยประชาธิปไตยและความมีชีวิตชีวาของภาพ ขอบเขตการสร้างสรรค์ที่กว้างขวางเป็นพิเศษของเขา การค้นหาอย่างต่อเนื่องสำหรับวิธีการทางศิลปะที่แสดงออกใหม่ ๆ และความเป็นมืออาชีพสูงสุดทำให้เราถือว่าผลงานของศิลปินเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของการวาดภาพของโลก โดยผสมผสานความลึกของลักษณะทางจิตวิทยาเข้ากับทักษะการวาดภาพที่ยอดเยี่ยมโดยยึดตาม ผลของไคอารอสคูโร เขาวาดภาพบุคคล รวมถึงคู่และกลุ่ม (“ภาพเหมือนตนเองโดยมี Saskia คุกเข่า,” “Night Watch”), ฉากทางศาสนาและตำนาน (“The Holy Family,” “Danae”)

ในช่วงทศวรรษที่ 1660 ซึ่งรวมถึงโครงสร้างทางจิตวิทยาที่ซับซ้อนที่สุด องค์ประกอบทางศาสนา ประวัติศาสตร์ และภาพบุคคลโดย Rembrandt (“The Return of the Prodigal Son”, “Syndics”) ภาพวาดที่กว้างขวางและอิสระของเขาได้รับความลึกเชิงพื้นที่และจิตวิญญาณที่พิเศษ ระยิบระยับบอบบาง ช่วงสีการเล่น chiaroscuro ทำหน้าที่เป็นเครื่องมือในการเปิดเผยการชนกันของโครงเรื่องและสภาพจิตใจของภาพ งานของแรมแบรนดท์มีมนุษยธรรมอย่างลึกซึ้ง ศิลปินให้ความสำคัญกับมนุษย์มาโดยตลอด โลกฝ่ายวิญญาณและความมั่งคั่งภายใน มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาภาพวาดเหมือนจริงของยุโรปในเวลาต่อมา

มีเกลันเจโล ดา คาราวัจโจ (ค.ศ. 1573-1610) นี้ จิตรกรชาวอิตาลีซึ่งมีชีวิตอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษถือเป็นผู้ก่อตั้งความสมจริงซึ่งก่อตัวเป็น ทิศทางศิลปะภาพวาดของยุโรปในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเขานำเสนอประชาธิปไตย ความเป็นรูปธรรมที่ไม่ธรรมดาและสาระสำคัญของรูปแบบ ความตึงเครียดทางอารมณ์ที่ถ่ายทอดผ่านแสงและเงาที่ตัดกัน คุณสมบัติเหล่านี้เป็นที่ทราบกันดีถึงขนาดเรียกว่าคาราวัจโจซึ่งแทบทุกคนต้องทนทุกข์ทรมานจาก ศิลปินหลักทิศทางที่สมจริงโคตรของเขา

ภาพวาดของคาราวัจโจมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความเรียบง่ายและกระชับขององค์ประกอบและความเป็นพลาสติกที่แสดงออก เขาสร้างองค์ประกอบทางศาสนาและตำนานที่มีพลังที่น่าทึ่งและการแสดงออกทางอารมณ์ นอกจากนี้เขายังเป็นที่รู้จักในฐานะผู้เขียนภาพวาดประเภทต่างๆ ซึ่งสร้างความเป็นจริงได้อย่างแม่นยำและตรงอย่างน่าประหลาดใจ

ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขาบางชิ้น ได้แก่ "Entombment", "Bacchus", "Girl with a Lute", "Lute Player"

ชะตากรรมของคาราวัจโจเป็นเรื่องน่าเศร้า เขาเสียชีวิตเมื่ออายุได้ 36 ปี โดยใช้ชีวิตเร่ร่อนในช่วงปีสุดท้าย ความสมจริงที่รุนแรงของศิลปินไม่เป็นที่เข้าใจโดยสมัครพรรคพวกของศิลปะชั้นสูงนักวิชาการของ Bologna Academy ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับขบวนการทางวิชาการในการวาดภาพในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17

ดิเอโก เวลาซเกซ (1599-1660) สิ้นสุดที่ 16และช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงรุ่งเรืองของวัฒนธรรมสเปน และโดยเฉพาะการวาดภาพ สถานที่สำคัญในความคิดสร้างสรรค์ จิตรกรชาวสเปนครอบครองโดยบุคคล ศิลปะการวาดภาพของสเปนถึงจุดสูงสุดในผลงานของ Velazquez หนึ่งในปรมาจารย์ที่โดดเด่นด้านการเคลื่อนไหวที่สมจริงในศิลปะของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17

ภาพวาดของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความลึกของลักษณะทางจิตวิทยาและบุคลิกลักษณะที่สดใสของแบบจำลองของเขา เวลาซเกซมีพรสวรรค์พิเศษในการเปิดเผยลักษณะนิสัยที่ซ่อนเร้นอยู่ภายในและการแต่งหน้าทางจิตของบุคคล ความสามารถของจิตรกรนี้แสดงออกมาอย่างชัดเจนเป็นพิเศษ ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงสมเด็จพระสันตะปาปาอินโนเซนต์ที่ 10 (ค.ศ. 1650) ภาพวาดประเภทของเขายังมีความลึกของลักษณะภาพเหมือน ภาพกลุ่มวิชาในตำนานและประวัติศาสตร์ พวกเขายังโดดเด่นด้วยความกลมกลืนขององค์ประกอบและความรู้สึกของสัดส่วน เวลาซเกซเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ใช้ภาพวาดของวาเลรี เพื่อให้ได้เฉดสีที่ดีที่สุดของโทนสีเดียว ผลงานที่โด่งดังที่สุดคือ "The Surrender of Breda", "Las Meninas", "Spinners"