Niektóre na całym świecie znane obiekty sztuka jest pełna tajemnic, których nawet współcześni naukowcy nie byli jeszcze w stanie rozwikłać. W naszym przeglądzie znalazło się dziesięć dzieł sztuki z tajemnicza historia, co jednak czyni je jeszcze bardziej atrakcyjnymi.
Dziewczyna z perłowym kolczykiem
Wbrew wszelkim teoriom nikt nie wie, kogo dokładnie Jan Vermeer przedstawił w 1665 roku na słynnym obrazie „Dziewczyna z perłą”. Wygląda, jakby nie miała najmniejszy pomysłże ją malują. Niektórzy twierdzili, że to córka Vermeera, inni, że to jego kochanka, a jeszcze inni, że to wymyślony obraz, a w prawdziwe życie nigdy nie istniała. Jedyne, co można powiedzieć na pewno, to to, że dziewczyna nosi bardzo drogą biżuterię. Tożsamość samego Vermeera pozostaje tajemnicą. Bardzo niewiele wiadomo o jego życiu. Być może jedyną rzeczą jest to, że Jan zawsze mieszkał w mieście Delft i miał 15 dzieci.
Dwa obrazy w jednym
Podczas renowacji arcydzieła Roberta Reeda, XX-wiecznego amerykańskiego impresjonisty, konserwator Barry Bauman ze zdumieniem odkrył, że pod warstwą farby odnawianego obrazu znajdował się inny obraz. Ten ukryty obraz, zatytułowany „W ogrodzie”, przedstawiał młodą kobietę. Siedziała przy stole dalej na dworze i poczytaj coś popijając herbatę. Wielu artystów zamalowuje część obrazu, ale Reed z zupełnie nieznanych powodów wykonał drugi obraz na całkowicie ukończonym pierwszym. Wszystko, co wiadomo o Reedzie, to to, że był zapalonym hazardzistą i zmarł przed Wielkim Kryzysem w Ameryce.
Miłość i zdrada Wally’ego Neusela
Na początku XX wieku Wally Neusel był tajemniczą muzą austriackiego artysty Egona Schiele. Pojawiła się na kilku jego obrazach (w tym erotycznych) i uważa się, że była jego kochanką. Neusel pochodził biedna rodzina w Tattendorf w Austrii i poznała Schiele, gdy miała zaledwie 16 lat. Z biegiem czasu ich związek przekształcił się w czysto zawodowy. Schiele nagle opuścił Neusel w 1915 roku, aby poślubić bardziej szanowaną kobietę.
Ukryta broń Davida
Nadal toczą się dyskusje, czy w posągu Dawida autorstwa Michała Anioła ukryta jest broń prawa ręka. Niektórzy sugerują, że Dawid trzyma w dłoni ukryty fustibal (broń do rzucania, będąca procą przyczepioną do kija, pozwalającą mu rzucać kamieniami na odległość do 180 metrów). Według Biblii Dawid miał przy sobie tylko procę i pięć kamieni, gdy wyruszał na walkę z Goliatem. Od chwili, gdy Michał Anioł stworzył rzeźbę, wszyscy myśleli, że Dawid trzymał w dłoni procę. Jednak niektórzy badacze twierdzą dzisiaj, że paski procy są przymocowane do czegoś, co trzyma David w dłoni, co równie dobrze mogłoby być rączką fustibalu.
Posąg Jezusa z prawdziwymi zębami
W małym meksykańskim miasteczku przypadkowo odkryto, że 300-letni posąg Jezusa ma prawdziwe ludzkie zęby z korzeniami. Nikt nie wie, skąd wzięły się te zęby, bo tradycje religijne W dawnych czasach zwyczajem było obcinanie włosów i zębów posągom wykonanym z kości zwierzęcych. Powstała w XVIII w. statua Chrystusa miała zostać odrestaurowana, przed czym została prześwietlona. Odkrycie to było zszokowane zdjęcia rentgenowskie doskonale zachowane ludzkie zęby.
Wizerunek mężczyzny pod portretem magla
Dzięki zastosowaniu podczas renowacji kamery termowizyjnej pod portretem „Prasowca” (Pablo Picasso, 1906) odkryto zupełnie inny obraz. Ten drugi obraz był odwróconym obrazem mężczyzny z wąsami. Naukowcy wciąż nie wiedzą, kim był ten człowiek i czy to Picasso go namalował. Zaproponowano różne wersje - od autoportretu po fakt, że jest to znajomy artysty.
Ucz się przy świecach
Wokół obrazu „Studium przy świecach” wciąż trwają kontrowersje – czy należy on do pędzla Vincenta van Gogha, czy też jest podróbką, jak twierdzi jego siostrzeniec. Obraz wygląda na autoportret Van Gogha, ale jego dolna jedna trzecia jest niedokończona i zawiera również dziwny obraz czegoś, co wygląda na japońskiego aktora kabuki. Ten obraz na dole autoportretu został uzupełniony tuszem, a nie farbą. Film został po raz pierwszy nabyty przez Williama Goetza, szefa Universal Pictures, w 1948 roku. Potwierdzono wówczas autentyczność dzieła. Jednak bratanek Van Gogha uznał później „Study by Candlelight” za podróbkę.
Zaginiona baletnica
Nikt nie wie, jak obraz Edgara Degasa przedstawiający baletnicę „Dancer Making Points” zniknął z mieszkania swojej byłej właścicielki, samotnej milionerki Huguette Clarke. Kiedy jednak obraz pojawił się w domu Henry'ego Blocha, kolekcjonera dzieł sztuki i współzałożyciela H&R Block, Clark złożyła oświadczenie w FBI, twierdząc, że obraz należy do niej. Chociaż Clark nigdy nie zgłosił zaginięcia obrazu, a Bloch twierdził, że nabył go legalnie, obraz został zwrócony Huguette Clark. Następnie prawnik milionera natychmiast przeniósł obraz do Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa. Clark otrzymał wysokie odszkodowanie, a Blochowi pozwolono powiesić obraz w swoim domu aż do śmierci, po czym obraz miał zostać zwrócony muzeum.
Napad na muzeum Isabelli Stewart Gardner
W 1990 roku w Muzeum Isabelli Stewart Gardner w Bostonie miał miejsce największy na świecie napad. Dwóch przestępców przebranych za policjantów ukradło obrazy Edgara Degasa, Rembrandta i Johannesa Vermeera o łącznej wartości prawie 500 milionów dolarów. Przez 25 lat śledczy współpracowali z kilkudziesięciu osobami, które rzekomo przekazywały informacje na temat porwania. Za każdym razem jednak sprawa utknęła w ślepym zaułku. Teraz nagroda za informacje prowadzące do zwrotu obrazów wynosi już aż 5 milionów dolarów. Ale żadnego z obrazów nigdy nie odnaleziono.
Kolejna Mona Lisa
Wiele osób wierzy, że jest tylko jedna Mona Lisa – sławny obraz w Luwrze. W Muzeum Prado w Madrycie znajduje się inny portret, który namalował sam da Vinci lub jeden z jego uczniów. Co więcej, obraz nie jest kopią obrazu znajdującego się w Luwrze. Co ciekawe, drugi obraz ma nieco inną perspektywę, co pozwala uzyskać efekt trójwymiarowości. Mało kto wie, że istnieje inny obraz tej samej kobiety autorstwa Leonarda da Vinci - obraz „Isleworth Mona Lisa”, który niektórzy eksperci uznają za najwcześniejszą wersję obrazu.
Życiowe historie 10 wielkich dzieł sztuki z sekretne znaczenie10 wielkich dzieł sztuki o sekretnych znaczeniach
Ale nie wszystkie teorie na temat znaczenia dzieł są oczywiście tak szalone. Niektóre z nich potrafią być zarówno bardzo przekonujące, jak i całkowicie oszałamiające.
1. Satyr opłakujący nimfę faktycznie ukazuje brutalne morderstwo
Obraz został namalowany przez Piero di Cosimo w 1495 roku i rzekomo przedstawia scenę z Metamorfoz Owidiusza. W tej historii Procris została przypadkowo zabita w lesie przez swojego męża, myśliwego Cefalusa, który omyłkowo wziął swoją żonę za dzika bestia i przebił ją włócznią.
To typowy wybór sceny dla artysty renesans, ale jest jeden problem. Dokładne badania pokazują, że Procris przedstawiony na obrazie Cosimo nie mógł zostać zabity przez przypadek.
Według brytyjskiego profesora Michaela Bauma wszystko wskazuje na obraz przedstawiający brutalne morderstwo. Procris ma głębokie skaleczenia na dłoni, jakby próbowała odeprzeć ataki nożem. Na końcu jest też rana na szyi.
Zamiast przedstawiać scenę z powieści, obraz Cosimo ukazuje nam następstwa gwałtownego ataku nożem. Prawdopodobnie nie zrobiono tego celowo. Profesor Baum podejrzewa, że Cosimo poprosił miejscową kostnicę o pożyczenie mu zwłok w celu naszkicowania ofiary morderstwa.
2. Diego Rivera zeznał, że J.D. Rockefeller Jr. miał kiłę
Dzieło Diego Rivery „Człowiek, który kontroluje wszechświat” jest jednym z godnych uwagi dzieł malarstwa meksykańskiego. Mural został pierwotnie zamówiony w Rockefeller Center, ale później został zrekonstruowany w Meksyku po zniszczeniu muralu przez Nelsona Rockefellera.
Nie podobał mu się fakt, że był na nim przedstawiony Lenin. Przywrócenie wizerunku było także monumentalnym aktem zemsty. Mural głosi, że ojciec Nelsona Rockefellera miał syfilis.
Jednym z kluczowych elementów obrazu były epizody ostatnie odkrycia naukowe. Galaktyki, eksplodujące gwiazdy, mnóstwo bakterii unoszących się nad głowami mężczyzn i kobiet...
Po zniszczeniu Nelsona Rockefellera orginalna wersja Rivera namalował swojego ojca, J.D. Rockefellera Jr., w otoczeniu bakterii wywołujących kiłę.
To nie wszystko. Pomimo tego, że J.D. Rockefeller Jr. przez całe życie był abstynentem, Rivera namalował go z martini w dłoni i kobietami wyglądającymi jak prostytutki. Dla wzmocnienia efektu na pierwszym planie umieścił Lenina.
3. Na obrazie „Izabela” mężczyzna ukrywa swoją erekcję
Jeden z luminarzy ruchu prerafaelitów, John Everett Millais, jest dziś prawdopodobnie najbardziej znany ze swojego obrazu Ofelia. Przynajmniej tak było do 2012 roku, kiedy badacze odkryli coś nieoczekiwanego w jego obrazie Isabella. Przedstawia scenę z „Dekameronu” Boccaccia, a na stole bankietowym wyraźnie widać cień penisa we wzwodzie.
„Dekameron” to jedna z najbardziej erotycznych książek kiedykolwiek namalowany, a obraz jest pełen odniesień do seksualności. Wyciągnięta noga postaci przedstawia symbol falliczny, a sterta rozsypanej soli w pobliżu cienia penisa prawdopodobnie symbolizuje nasienie. Wygląda nieprzyzwoicie, ale jednocześnie wcale nie przypomina zwykłej pornografii.
4. La Primavera wyraża miłość do ogrodnictwa
To jest jeden z najbardziej znane prace Botticelli w Galerii Uffizi we Florencji. La Primavera jest również jedną z najbardziej tajemnicze obrazy Botticellego. Ponieważ przedstawia grupę kobiet spacerujących po niebie niczym po łące, eksperci nadal twierdzą, że obraz ma znaczenie alegoryczne.
Ale jest jedna teoria, która wyróżnia się spośród wszystkich innych swoimi dowodami i dziwnością: który twierdzi, że zdjęcie dotyczy ogrodnictwa.
Ta wersja wydaje się wiarygodna ze względu na zapierającą dech w piersiach skrupulatność, z jaką autor zapisuje każdą roślinę. Według oficjalnych szacunków obraz przedstawia co najmniej 500 starannie odwzorowanych różnych roślin z prawie 200 różnych gatunków.
Niektórzy uważają, że były to wszystkie rośliny, które rosły w XV-wiecznej Florencji i kwitły od marca do maja. Inni twierdzą, że Botticelli sam wynalazł te rośliny, specjalnie na potrzeby tego obrazu.
5. „Lekcja muzyki” przepełniona jest seksualnością.
Lekcja muzyki, stworzona przez Johannesa Vermeera w latach sześćdziesiątych XVII wieku, jest uważana za jedną z nich największe obrazy, przedstawiający Holenderskie życie XVII wiek. Młoda dziewczyna uczy się gry na klawesynie pod okiem przystojnego nauczyciela.
To fotorealistyczne przedstawienie typowego dnia. Wyższe sfery w czasach Vermeera. Przynajmniej takie jest standardowe wyjaśnienie. Niektórzy uważają, że obraz jest przesiąknięty seksem i ukrytą pasją.
Zgodnie z tą teorią obraz jest wypełniony drobnymi wskazówkami pozwalającymi zrozumieć napięcie seksualne między dziewczyną a jej mentorem. Nic dziwnego, że wizerunek dziewczynki kojarzy się z dziewictwem, jednak lustro nad klawesynem pokazuje, że dziewczyna tak naprawdę patrzy na nauczyciela podczas zabawy.
Dzban na wino jest afrodyzjakiem, natomiast instrument na podłodze interpretowany jest jako ogromny falliczny symbol. Jeśli spojrzymy na zdjęcie z tej perspektywy, można nawet założyć, że odbiorca jest podglądaczem.
I nie dotyczy to tylko tego zdjęcia. Niektórzy historycy sztuki twierdzą, że obecność muzyki w obrazach Vermeera zawsze symbolizuje seksualność, co czyni jego twórczość bardzo dziwną.
6. „Cafe Terrace at Night” przypomina „Ostatnią wieczerzę”
Namalowany w 1888 roku” Nocny taras kawiarnia” to jedno z najważniejszych dzieł Van Gogha, w pełni ukazujące wyjątkowy styl artysty. Jest także jedną z jego ulubienic. Niektórzy jednak twierdzą, że ma to o wiele głębsze znaczenie. Najnowsza teoria głosi, że „Taras kawiarni nocą” nawiązuje do Ostatniej Wieczerzy.
Z młodym wieku Van Gogh był niezwykle religijny. Jego ojciec był protestanckim pastorem, a wpływowi krytycy sztuki twierdzą, że obrazy artysty przepełnione są wizerunkami chrześcijańskimi.
W przypadku „Café Terrace at Night” obraz ten pojawia się w postaci Jezusa przychodzącego na posiłek ze swoimi uczniami. Jeśli przyjrzysz się bliżej gościom, zobaczysz, że jest ich dwunastu i siedzą Centralna figura z długimi włosami.
Co ciekawe, na obrazie ukrytych jest nawet kilka krzyży, w tym jeden umieszczony bezpośrednio nad postacią Chrystusa. Istnieją inne dowody potwierdzające tę teorię.
Kiedy Van Gogh pisał do brata o malarstwie, argumentował, że świat ma „wielką potrzebę” religii. Był także głęboko zafascynowany Rembrandtem i wyrażał chęć ożywienia swojego stylu subtelną symboliką chrześcijańską. „Cafe Terrace at Night” może być dowodem na to, że ostatecznie mu się udało.
7. „Alegoria z Wenus i Kupidynem” ostrzega przed kiłą
Zdjęcie przedstawiające Wenus i Kupidyna przygotowujące się do seksu na oczach łysego mężczyzny zawsze pobudza wyobraźnię. Nawet jak na ówczesne standardy Alegoria z Wenus i Kupidynem Agnolo Bronzino jest nieco mroczna.
Pomimo entuzjastycznych recenzji o pracy jako erotyczny obrazek„szczególne piękno”, istnieje wiele dowodów na to, że jest to naprawdę ostrzeżenie przed kiłą. Świadczy o tym krzycząca postać po lewej stronie obrazu.
Chociaż w klasyczny opis Mówi się, że obraz jest metaforą zazdrości lub rozpaczy, dokładne badania pokazują, że w rzeczywistości jest ona bardzo zła. Palce postaci są spuchnięte niczym u chorych na kiłę, brakuje im paznokci, a na włosach widać oznaki łysienia syfilitycznego. Bezzębne dziąsła sugerują zatrucie rtęcią, którą w renesansowych Włoszech stosowano w leczeniu kiły.
Jeden z bohaterów ma w nodze wbity kolec róży, ale tego nie zauważa. Ten brak czucia będzie bezpośrednim skutkiem mielopatii syfilitycznej. Inaczej mówiąc, obraz przedstawia cierpienie, jakie czeka w przyszłości tych, którzy podążają za swoimi namiętnościami.
8. El Autobus opowiada o strasznym wypadku
Obraz Meksykański artysta Obraz Fridy Kahlo „El Autobus” namalowany w 1929 roku przedstawia życie społeczności meksykańskiej. Gospodyni domowa, pracownica, matka Hinduska i zamożny biznesmen gringo, mimo różnic społecznych, czekają na autobus obok dziewczyny, która prawdopodobnie ma na myśli samą Fridę. Wszyscy bohaterowie tego obrazu nie wiedzą, że czeka ich straszny wypadek.
W 1925 roku Kahlo jechała autobusem, który zderzył się z tramwajem. Uderzenie było tak silne, że ciało Kahlo zostało przebite przez metalową poręcz.
To więcej późne prace Często wspomina się o tym wypadku, sugerując, że to cud, że przeżyła katastrofę. El Autobus również nie jest wyjątkiem. Zakłada się, że pracownik na zdjęciu to dokładnie ten sam mężczyzna, który uratował życie Kahlo, wyciągając z jej ciała złamaną poręcz.
9. Malarstwo holenderskiej szkoły malarstwa - obrazy w obrazach
Holenderski złoty wiek malarstwa jest być może drugim co do wielkości Włoski renesans. Podobnie jak inne epoki, także i tym razem towarzyszyły mody w modzie i malarstwie, a jedną z nich było malowanie „obrazów w obrazach”.
Te „obrazy w obrazach” malowali pędzlem nie tylko Vermeer i jego towarzysze. Niektórzy uważają, że takie obrazy zawierają specjalny kod symboliczny. Jednym z przykładów tego stylu jest obraz „Kapcie” Samuela van Hoogstratena.
Na pierwszy rzut oka obraz przedstawia pustą salę, na której środku leżą dwie pary pantofli. Na ścianie holu wisi obraz Kaspara Netschera „Ojciec beszta swoją córkę”.
Na pierwszy rzut oka nic niezwykłego. Ale dla współczesnych koneserów Sztuka holenderska wiadomo, że obraz Netschera powstał w burdelu. Najwyraźniej te kapcie należą do mężczyzny i kobiety, ale ponieważ pokój jest pusty, być może poszli na seks.
W innych przypadkach kod był bardziej subtelny. Na obrazach „Mężczyzna piszący list” i „Kobieta czytająca list” (na zdjęciu) przedstawiono Gabriela Metsu młody człowiek, pisać list jego ukochana i jego lektura.
Na drugim obrazie obraz statku na wzburzonym morzu symbolizuje burzliwy charakter ich późniejszego związku. Na obrazie " List miłosny„Statek Vermeera pod złowieszczymi chmurami sugeruje możliwość otrzymania złych wiadomości.
Takich przykładów można znaleźć setki Obrazy holenderskie„wewnątrz obrazu”, które subtelnie zmieniają znaczenie głównego obrazu.
10. Dzieła L. S. Lowry'ego są pełne ukrytego cierpienia
Ten artysta z połowy XX wieku znany jest ze swoich obrazów przedstawiających północno-zachodnią Anglię. L. Lowry często malował ogromne sceny miejskie z tłumami „oszustów”. Choć cieszył się popularnością, świat sztuki przez długi czas nie rozpoznawał jego obrazów, uznając je za banalne. Tak naprawdę obrazy Lowry’ego przepełnione są ukrytym ludzkim cierpieniem.
Dantego Gabriela Rossettiego. "Joanna d'Arc". 1882 Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Wielka Brytania
Joanna d'Arc
Historia Joanny d'Arc, prostej wieśniaczki, która chwyciła za broń i prowadzona głosami świętych wyruszyła na ratunek ojczyźnie podczas wojny stuletniej, zafascynowała prerafaelitów. Jednak o jej wyczynach i tragiczna śmierć wszyscy wiedzą. Kolejną ciekawostką jest to, że do tego zdjęcia pozowała Jane Morris, córka pana młodego. Rossetti wraz ze swoim przyjacielem, artystą Burne-Jonesem, przypadkowo spotkali ją w teatrze i podziwiając urodę dziewczyny, zaprosili ją do roli modelki. Później Jane wyszła za mąż za artystę Williama Morrisa, nauczyła się włoskiego i francuskiego, opanowała grę na pianinie, zaczęła pisać dobrą poezję i tłumaczyć. Dzięki tej przemianie uważana jest za jeden z prototypów Elizy Dolittle ze sztuki Shawa „Pigmalion”. Na obrazie Joanna d'Arc jest przedstawiona jakby całowała miecz - symbol wyzwolenia kraju. Jej luksusowe rude włosy są rozpuszczone – Rossetti z przyjemnością malował loki Jane Morris, która pomimo tego, że była żoną jego przyjaciela, została jednocześnie jego kochanką.
Leona Baksta. Projekt kostiumów dla Kleopatry dla Idy Rubinstein do baletu A.S. Areńskiego „Kleopatra”. Kolekcja 1909 N.D. Łobanow-Rostowski, Londyn
Kleopatra
Egipska królowa Kleopatra VII zasłynęła inteligencją i urokiem osobistym, dzięki czemu zdobyła serca takich wrogów swojego kraju jak wielcy wodzowie Marek Antoniusz i Juliusz Cezar. Sądząc po zachowanych rzeźbach i monetach, Kleopatra nie była pięknością - jednak w sztuce zwyczajowo przedstawia się tę kobietę jako nieodpartą. Legenda głosi, że królowa czasami pozwalała mężczyźnie zostać jej kochankiem na jedną noc – ale pod warunkiem, że następnego ranka zostanie on stracony. Znamy tę fabułę z „Nocy egipskich” Puszkina, ale opowiadanie Théophile’a Gautiera „Noc Kleopatry” jest poświęcone tej samej historii. To właśnie to opowiadanie stało się podstawą baletu, do którego muzykę skomponował w 1900 roku kompozytor Anton Arensky. Premiera baletu odbyła się w 1908 roku podczas „Poronu Rosyjskiego” Diagilewa. W roli Kleopatry tańczyła Ida Rubinstein. Sukces był oszałamiający – w dużej mierze dzięki wspaniałym kostiumom i scenografii autorstwa Leona Baksta. Jeden z zachowanych rysunków to szkic stroju królowej dla głównej aktorki. Tutaj oczywiście nie jest to już prawdziwa Kleopatra, ale Ida Rubinstein. Choć baletnicy nie uważano za wybitną tancerkę, to dzięki swojemu charakterowi i temperamentowi weszła do historii sztuki (w tym malarstwa rosyjskiego – przypomnijmy jej portret autorstwa Sierowa), otrzymała wspaniałe role i została gwiazdą. Nie zniknęła na wygnaniu, zebrała własną trupę.
Giorgione. „Judyta”. Około 1504 r Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg
Judyta
Znana jest historia dzielnej Żydówki, wdowy po Judycie Stary Testament. Kiedy Asyryjczycy go oblegli rodzinne miasto Judyta ubrała się w bogate stroje i udając zdradziecką prorokini udała się do obozu wroga. Obiecała Asyryjczykom, że wskaże drogę do twierdzy, a wódz Holofernes tak ją polubił, że zaprosił ją na obiad i próbował uwieść. Judyta jednak dała mu do picia wino, a gdy Holofernes zasnął, odcięła mu głowę i triumfalnie wróciła do rodzinnego miasta. Zdezorientowani wrogowie zakończyli oblężenie. Fabuła śmierci Holofernesa stała się jedną z najpopularniejszych w epoce baroku, ale wówczas malarze lubili scenę przemocy, przedstawiającą bezpośrednie morderstwo i strumienie krwi. Obraz Giorgione powstał wcześniej, w epoce Wysoki renesans kiedy ideałem był spokój i harmonia. To właśnie te uczucia wypełniają płótno. Judith nie przypomina wściekłego mściciela i patrioty, ale pogodną starożytna bogini. Na pierwszy rzut oka odcięta głowa Holofernesa, którą depcze pod stopą, może nie zostać zauważona.
Paolo Veronese. „Wizja Świętej Heleny”. Około 1580 roku Pinakoteka Watykańska
Święta Helena
Elena, której pełne imię i nazwisko brzmi jak Flavia Julia Helena Augusta, jedna z najbardziej wybitne kobiety Imperium Bizantyjskie. Właściwie imperium to stworzył jej syn Konstantyn Wielki. Ponadto Elena należy do sześciu kobiet czczonych jako równe apostołom, czyli na równi z apostołami. lubię to wielkie przeznaczenie nic nie zapowiadało: Elena urodziła się w prostej rodzinie i najwyraźniej pracowała jako służąca w tawernie swojego ojca. Tam spotkał ją wódz Konstancjusz I Chlorus, przyszły cesarz rzymski, któremu urodziła syna Konstantyna. Jednak Konstancjusz porzucił Helenę, aby poślubić córkę swojego współwładcy. Elena czekała na zemstę, gdy jej syn został cesarzem - ogłosił swoją matkę „Augustą” (królową). Podobnie jak Konstantyn, który uczynił chrześcijaństwo religią państwową imperium, Helena przyjęła tę wiarę. Według życia, pewnego razu we śnie miała wizję - królowej nakazano udać się do Ziemi Świętej i znaleźć krzyż, na którym ukrzyżowano Chrystusa. Veronese właśnie przedstawił ten sen. Helena faktycznie udała się do Jerozolimy i odkopała Golgotę. Relikwie, które znalazła cztery wieki po egzekucji (krzyż, gwoździe i tablica INRI), są przez chrześcijan czczone jako autentyczne.
Nieznany artysta. Portret Elżbiety I (portret Armady). lata 90. XVI w., Muzea Królewskie w Greenwich, Wielka Brytania
Elżbieta Tudor
Królowa Anglii Elżbieta I przeszła do historii jako jedna z najwspanialszych władczyń. Udało jej się utrzymać na tronie pomimo wątpliwości co do jej prawa do dziedzictwa, licznych katolickich spisków i wojen. A to wszystko bez mocy męskie ramię: Królowa głośno ogłosiła się „Dziewicą” i stanowczo odmówiła wyjścia za mąż. Do kluczowych wydarzeń jej panowania należała porażka hiszpańskiej flotylli, Niezwyciężonej Armady, która w 1588 roku zmierzała do wybrzeży Anglii. Ponad sto hiszpańskich okrętów walczyło na kanale La Manche z okrętami angielskimi i holenderskimi przez dwa tygodnie. Alegoryczny portret Elżbiety, zwany „portretem Armady”, poświęcony jest właśnie temu zwycięstwu. Obraz jest pełen wielu szczegółów, które są interesujące dla oka. W tle okien widoczne są dwie morskie sceny bitwy. Jeden przedstawia angielskie statki przygotowujące się właśnie do bitwy, drugi przedstawia statki hiszpańskie rozbite u wybrzeży Irlandii. Dłoń królowej spoczywa na kuli ziemskiej, a jej palce „zakrywają” Amerykę, symbolizując panowanie Anglii nad Nowym Światem. Na sukni wyhaftowano symbole słońca, czyli mocy, a liczne naszyjniki z pereł przedstawiają księżyc, czyli dziewictwo królowej. Podłokietnik w kształcie syreny morskiej to kolejne przypomnienie o zniszczeniu wrogich statków.
Johna Williama Waterhouse’a. „Circe Invidiosa”. 1892 Galeria Sztuki Australia Południowa, Adelajda
Kirka
Ta czarodziejka z starożytne mity greckie otrzymała dar magii od swojego ojca, boga słońca Heliosa. Czarodziejka Medea była jej siostrzenicą - i obie były księżniczkami Kolchidy, czyli dorastały na wybrzeżu współczesnej Gruzji. W młodości Circe wyszła za mąż za króla Sarmatów, ludu zamieszkującego tereny dzisiejszego regionu Morza Czarnego, ale wkrótce go otruła, przejęła władzę nad krajem i zaczęła samodzielnie rządzić. Kiedy Circe została obalona, uciekła na krańce ziemi i osiedliła się na własnej wyspie na Morzu Śródziemnym. Circe zamieniła wszystkich mężczyzn, którzy przybyli na wyspę, w zwierzęta - niektórzy w świnie, a niektórzy w lwy. Tylko przebiegłemu Odyseuszowi udało się umknąć temu losowi i zdobyć serce czarodziejki. Do autora obrazu należał malarz Waterhouse Klub Artystyczny Prerafaelici, którzy podziwiali silnych i tajemnicze kobiety, Piękne damy i Belle Dame sans Merci („bezwzględne piękności”). Ubrana w szmaragd, Circe na tym płótnie jest jednocześnie piękna i bezlitosna: wlewa magiczny eliksir w fale, gdzie piękna Scylla, jej zakochana rywalka, przywykła do pływania do boga morza Glavka. Zaczarowana Skylla zamieni się w potwora (w falach widać już macki) i osiądzie na skale naprzeciwko Charybdy.
O najbardziej ciekawe wystawy, koncerty, aukcje i inne znaczące wydarzenia ze świata sztuki, czytaj dalej.
Tekst: Sofya Bagdasarova
Sztuka pojawiła się niemal natychmiast po pojawieniu się ludzkości, a na przestrzeni wieków było ich wiele największe dzieła w malarstwie, rzeźbie i innych dziedzinach sztuki. Które z nich są uważane za najlepsze, jest bardzo kontrowersyjnym pytaniem, ponieważ nawet eksperci nie są zgodni w tej kwestii. Dziś postaramy się stworzyć listę dziesięciu najsłynniejszych dzieł sztuki wszechczasów.
10 ZDJĘĆ
1. " Noc Gwiazd", Van Gogh.
Obraz namalowany Holenderski artysta Vincenta van Gogha w 1889 r. Inspiracją do powstania tego dzieła było nocne niebo, które obserwował z okna swojego pokoju w Domu Dziecka św. Pawła.
2. Rysunki w jaskini Chauvet. Prehistoryczny rysunki jaskini zwierzęta powstały około 30 tysięcy lat temu. Jaskinia Chauvet znajduje się na południu Francji.
3. Posągi Moai. Kamienne monolityczne posągi znajdujące się na Wyspie Wielkanocnej w Pacyfik. Uważa się, że posągi zostały stworzone przez Aborygenów zamieszkujących wyspę między 1250 a 1500 rokiem naszej ery.
4. „Myśliciel”, Rodin. Najbardziej słynne dzieło Rzeźbiarz francuski Auguste'a Rodina, stworzony w 1880 roku.
5. " Ostatnia Wieczerza", da Vinci. Obraz ten, namalowany przez Leonarda da Vinci w latach 1494-1498, przedstawia scenę ostatniego posiłku Jezusa z uczniami, opisaną w biblijnej Ewangelii Jana.
6. „Stworzenie Adama” Michała Anioła. Jeden z najbardziej słynne freski Michała Anioła, mieszczącego się w Kaplica Sykstyńska Pałac Apostolski w Watykanie. Fresk ilustruje relację o stworzeniu Adama z biblijnej Księgi Rodzaju.
7. „Wenus z Milo”, autor nieznany. Jedna z najsłynniejszych starożytnych rzeźb greckich, powstała między 130 a 100 rokiem p.n.e. Rzeźba marmurowa odkryto w 1820 roku na wyspie Milos.
8. „Narodziny Wenus” Botticellego. Na zdjęciu napisane Włoski artysta Sandro Botticelli przedstawia scenę pojawienia się bogini Wenus z morza. Obraz jest w środku Galeria Uffizi we Florencji we Włoszech. 
10. „Mona Lisa”, da Vinci.
Arcydzieło Leonarda da Vinci, powstałe około 1503-1506 roku. Obraz znajduje się w Muzeum Luwru w Paryżu.
Czasami tak się dzieje bezcenne dzieła sztuka jest niszczona przez głupota ludzka. Dlatego w muzeach i innych miejscach, w których znajdują się te zabytki, zabrania się ich dotykać. Następnie przypomnijmy sobie 7 wielkich dzieł sztuki, które zostały zniszczone przez człowieka.
Wazony z dynastii Qing
Zasada numer jeden podczas odwiedzania miejsca, w którym znajdują się bezcenne dzieła sztuki, to zawsze zawiązać sznurowadła. W lutym 2006 roku Nick Flynn wspinał się po schodach w Muzeum Fitzwilliam w Cambridge w Anglii, kiedy nagle nadepnął na rozwiązane sznurowadło i stracił równowagę. Mimowolnie wymachując rękami i próbując się czegoś chwycić (a na schodach nie było poręczy), złapał trzy wazony z czasów dynastii Qing z lat 1600-1700. Flynn wyszedł bez szwanku, ale wazony o wartości około 500 000 funtów zostały rozbite na kawałki. Flynn, który ma dożywotni zakaz wstępu do muzeum, nazwał to wydarzenie zwykłym wypadkiem. Dzięki temu w sierpniu 2006 roku wazony udało się skleić ze 113 części, na które zostały rozbite.
Posąg Herkulesa
Herkules mógł posiadać moc bogów, ale niestety ta właściwość nie została przeniesiona na rzeźby, które wzniesiono na jego cześć. Rok temu dwóch turystów odwiedzających pałac Loggia dei Militi w Cremonie we Włoszech uszkodziło 300-letni Statua dei due Ercole (posąg dwóch Herkulesów), kiedy wspięli się na niego, aby zrobić sobie selfie. Turyści zdołali odłamać kawałek korony z jednej z dwóch marmurowych figur, po czym postawiono im zarzuty wandalizmu.
Pomnik króla Sebastiana
3 maja 24-letni turysta odwiedzający stolicę Portugalii, Lizbonę, wspiął się 3 maja na 125-letni pomnik znajdujący się na fasadzie stacji Rossio, aby zrobić sobie selfie. Pomnik przedstawiający „dziecko-króla” Sebastiana, który rządził Portugalią w XVI wieku, upadł na ziemię i pękł. Turysta, który próbował uciec, został złapany przez policję i ostatecznie stanie przed sądem. Plany renowacji pomnika nie są obecnie znane.
Ten mężczyzna
Być może najsłynniejszą i najzabawniejszą próbą „restauracji” przedmiotu sztuki w historii była próba renowacji przez 80-letnią parafiankę Cecilię Jimenez fresku z początku XX wieku przedstawiającego ewangelicki temat „Ecce Homo” („Oto człowiek” ), która znajdowała się w Świątyni Miłosierdzia w hiszpańskim mieście Borja. W rezultacie jej dzieło zostało uznane za najgorszą renowację w historii i zasłynęło w całym Internecie pod pseudonimem „Furry Jesus”.
Nie jest to zaskakujące, ponieważ obraz na fresku zaczął wyglądać nie jak oryginał, ale jak jakaś puszysta małpa. Choć początkowo kościół planował zatrudnić do naprawy muralu profesjonalnych konserwatorów dzieł sztuki, w 2014 roku zmienił zdanie. Dzieło Jimeneza stało się główną atrakcją turystyczną, dzięki czemu 150 000 gości z całego świata przybyło do Borja za 1,25 dolara, aby obejrzeć niezwykły mural.
Pomnik Dziewicy Maryi
W 2013 roku amerykański turysta z Missouri odwiedził Muzeum Opera del Duomo we Florencji we Włoszech. Tam podszedł do 600-letniej figury Matki Boskiej autorstwa Giovanniego d'Ambrogio i z jakiegoś powodu próbował porównać jej mały palec ze swoim. W efekcie odłamał się palec rzeźby, ale na szczęście okazał się gipsem.
Pijany satyr
Dobra wiadomość jest taka, że ten pomnik w Mediolanie, który w 2014 roku stracił lewą nogę z rąk nieznanych entuzjastów selfie, został dopiero dokładna kopia kolejny posąg, którego początki sięgają 220 roku p.n.e. Zła wiadomość jest taka, że replika była bardzo cenna i dość zabytkowa (dzieło z XIX wieku). Kamery CCTV w tej części Akademii Mediolańskiej sztuki piękne Brera nie została zidentyfikowana, ale świadkowie widzieli, jak student-turysta wspiął się na posąg i usiadł na kolanie, aby zrobić zdjęcie. Student najwyraźniej nie zdawał sobie sprawy, że replika posągu została wykonana z terakoty i gipsu i została złożona z kawałków, w związku z czym noga odpadła i złamała się.
Obraz „Aktor” Picassa
Prawie 2-metrowy obraz „Aktor” Picassa trudno przeoczyć. Jednak jeden z gości Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w styczniu 2010 roku potraktował to stwierdzenie zbyt dosłownie. Podczas wycieczki straciła równowagę i upadła na obraz, tworząc w dziele sztuki z 1904 roku 15-centymetrową dziurę. Proces renowacji trwał trzy miesiące.
