Holandia to region historyczny zajmujący część rozległych nizin na północnym wybrzeżu Europy, od Zatoki Fińskiej po kanał La Manche. Obecnie terytorium to obejmuje stany Niderlandy (Holandia), Belgię i Luksemburg.
Po upadku Cesarstwa Rzymskiego Holandia stała się pstrokatym zbiorem dużych i małych półniepodległych państw. Do najważniejszych z nich należało Księstwo Brabancji, hrabstwa Flandrii i Holandii oraz biskupstwo Utrechtu. Na północy kraju ludność stanowili głównie Niemcy – Fryzyjczycy i Holendrzy, na południu dominowali potomkowie Galów i Rzymian – Flamandowie i Walonowie.
Holendrzy pracowali bezinteresownie, wykorzystując swój szczególny talent do „robienia najnudniejszych rzeczy bez nudy”, jak to ujął francuski historyk Hippolyte Taine o tych ludziach, całkowicie oddanych życiu codziennemu. Nie znali wzniosłej poezji, ale z tym większą czcią szanowali to, co najprostsze: czysty, wygodny dom, ciepłe palenisko, skromne, ale smaczne jedzenie. Holender jest przyzwyczajony do patrzenia na świat jak na ogromny dom, w którym jego zadaniem jest utrzymanie porządku i komfortu.

Główne cechy sztuki holenderskiego renesansu

Wspólne dla sztuki renesansu we Włoszech i krajach Europy Środkowej jest dążenie do realistycznego przedstawienia człowieka i otaczającego go świata. Ale problemy te zostały rozwiązane inaczej ze względu na różnice w naturze kultur.
Dla włoskich artystów renesansu ważne było uogólnienie i stworzenie idealnego, z humanistycznego punktu widzenia, obrazu osoby. Ważną rolę odegrała dla nich nauka - artyści rozwinęli teorie perspektywy i doktrynę proporcji.
Holenderskich mistrzów pociągała różnorodność indywidualnego wyglądu ludzi i bogactwo natury. Nie dążą do stworzenia uogólnionego obrazu, ale przekazują to, co charakterystyczne i wyjątkowe. Artyści nie posługują się teoriami perspektywy i innymi, lecz poprzez uważną obserwację przekazują wrażenie głębi i przestrzeni, efektów optycznych oraz złożoności relacji światła i cienia.
Charakteryzuje ich miłość do swojej ziemi i niesamowita dbałość o wszystkie najmniejsze rzeczy: ojczystą, północną przyrodę, specyfikę życia codziennego, szczegóły wnętrz, stroje, różnicę w materiałach i fakturach...
Holenderscy artyści z najwyższą starannością odtwarzają najdrobniejsze szczegóły i odtwarzają olśniewające bogactwo kolorów. Te nowe problemy malarskie można było rozwiązać jedynie za pomocą nowej techniki malarstwa olejnego.
Odkrycie malarstwa olejnego przypisuje się Janowi van Eyckowi. Od połowy XV wieku ten nowy „flamandzki styl” zastąpił we Włoszech starą technikę temperową. To nie przypadek, że na holenderskich ołtarzach, które są odbiciem całego Wszechświata, widać wszystko, z czego się składa – każde źdźbło trawy i drzewa w krajobrazie, detale architektoniczne katedr i kamienic, ściegi haftowanych ozdób na szatach świętych, a także mnóstwo innych, bardzo drobnych szczegółów.

Sztuka XV wieku to złoty wiek malarstwa holenderskiego.
Jego najjaśniejszy przedstawiciel Jana Van Eycka. OK. 1400-1441.
Największy mistrz malarstwa europejskiego:
Swoją twórczością otworzył nową erę wczesnego renesansu w sztuce holenderskiej.
Był nadwornym artystą księcia burgundzkiego Filipa Dobrego.
Jako jeden z pierwszych opanował plastyczne i wyraziste możliwości malarstwa olejnego, stosując cienkie przezroczyste warstwy farby nakładane jedna na drugą (tzw. flamandzki styl wielowarstwowego malarstwa transparentnego).

Największym dziełem Van Eycka był Ołtarz Gandawski, który wykonał wspólnie ze swoim bratem.
Ołtarz Gandawski to okazały, wielopoziomowy poliptyk. Jego wysokość w części środkowej wynosi 3,5 m, szerokość po otwarciu wynosi 5 m.
Na zewnątrz ołtarza (gdy jest zamknięty) znajduje się cykl dzienny:
- w dolnym rzędzie przedstawieni są darczyńcy - mieszczanin Jodok Veidt z żoną modlący się przed figurami świętych Jana Chrzciciela i Jana Ewangelisty, patronów kościoła i kaplicy.
- powyżej scena Zwiastowania, z postaciami Matki Bożej i Archanioła Gabriela oddzielonymi obrazem okna, z którego wyłania się pejzaż miasta.

Cykl świąteczny przedstawiony jest po wewnętrznej stronie ołtarza.
Kiedy drzwi ołtarza się otwierają, na oczach widza zachodzi naprawdę oszałamiająca przemiana:
- podwojono wielkość poliptyku,
- obraz codzienności zostaje natychmiast zastąpiony spektaklem ziemskiego raju.
- znikają ciasne i ponure szafy, a świat wydaje się otwierać: przestronny krajobraz rozświetla się wszystkimi kolorami palety, jasnymi i świeżymi.
Malarstwo cyklu świątecznego poświęcone jest rzadkiemu w sztuce chrześcijańskiej motywowi triumfu przemienionego świata, który powinien nastąpić po Sądzie Ostatecznym, kiedy zło zostanie ostatecznie pokonane, a na ziemi zapanuje prawda i harmonia.

W górnym rzędzie:
- w centralnej części ołtarza przedstawiony jest Bóg Ojciec siedzący na tronie,
- Matka Boża i Jan Chrzciciel zasiadają po lewej i prawej stronie tronu,
- wówczas po obu stronach śpiewają i grają muzyczne anioły,
- nagie postacie Adama i Ewy zamykają rząd.
Dolny rząd obrazów przedstawia scenę kultu Boskiego Baranka.
- na środku łąki wznosi się ołtarz, na nim stoi biały Baranek, z jego przebitej piersi krew spływa do kielicha
- bliżej widza znajduje się studnia, z której wypływa żywa woda.

Hieronim Bosch (1450 - 1516)
Związek jego twórczości z tradycjami ludowymi i folklorem.
W swoich utworach misternie łączył cechy średniowiecznej fikcji, folkloru, przypowieści filozoficznych i satyry.
Tworzył wielopostaciowe kompozycje religijno-alegoryczne, obrazy o tematyce przysłów ludowych, powiedzeń i przypowieści.
Dzieła Boscha pełne są licznych scen i epizodów, żywych i dziwacznie fantastycznych obrazów i szczegółów, pełnych ironii i alegorii.

Twórczość Boscha wywarła ogromny wpływ na rozwój nurtów realistycznych w malarstwie niderlandzkim XVI wieku.
Kompozycja „Kuszenie św. Antoni” to jedno z najbardziej znanych i tajemniczych dzieł artysty. Arcydziełem mistrza był tryptyk „Ogród rozkoszy”, zawiła alegoria, która doczekała się wielu różnych interpretacji. W tym samym okresie powstały tryptyki „Sąd Ostateczny”, „Adoracja Trzech Króli”, kompozycje „Św. Jana na Patmos”, „Jan Chrzciciel na pustyni”.
Późny okres twórczości Boscha obejmuje tryptyk „Niebo i piekło”, kompozycje „Włóczęga”, „Niesienie krzyża”.

Większość obrazów Boscha z okresu dojrzałego i późnego to dziwaczne groteski o głębokim wydźwięku filozoficznym.

Wielki tryptyk „Wóz z sianem”, wysoko ceniony przez króla hiszpańskiego Filipa II, sięga dojrzałego okresu twórczości artysty. Kompozycja ołtarza wzorowana jest prawdopodobnie na starym holenderskim przysłowiu: „Świat jest stogiem siana i każdy stara się wyciągnąć z niego jak najwięcej”.

Kuszenie św. Antonia. Tryptyk. Część środkowa Drewno, olej. 131,5 x 119 cm (część środkowa), 131,5 x 53 cm (liść) Narodowe Muzeum Sztuki Starożytnej, Lizbona
Ogród rozkoszy. Tryptyk. Około 1485 r. Część środkowa
Drewno, olej. 220 x 195 cm (część środkowa), 220 x 97 cm (liść) Muzeum Prado, Madryt

Sztuka holenderska XVI wieku. naznaczony pojawieniem się zainteresowania starożytnością i działalnością mistrzów włoskiego renesansu. Na początku stulecia wyłonił się ruch oparty na naśladowaniu wzorów włoskich, zwany „romanizmem” (od Roma, łac. nazwa Rzymu).
Szczytem malarstwa holenderskiego drugiej połowy stulecia była twórczość Pietera Bruegla Starszego. 1525/30-1569. Nazywany Mużyckim.
Stworzył sztukę głęboko narodową opartą na tradycjach holenderskich i lokalnym folklorze.
Odegrał ogromną rolę w kształtowaniu się gatunku chłopskiego i krajobrazu narodowego.W twórczości Bruegla szorstki humor ludowy, liryzm i tragedia, realistyczne detale i fantastyczna groteska, zainteresowanie szczegółowym opowiadaniem historii i chęć szerokich uogólnień są misternie splecione.

W twórczości Bruegla widać bliskość moralizatorskich przedstawień średniowiecznego teatru ludowego.
Pojedynek błazna pomiędzy Maslenicą a Wielkim Postem jest częstą sceną podczas jarmarkowych przedstawień odbywających się w Holandii podczas zimowych dni pożegnalnych.
Wszędzie życie tętni życiem: jest okrągły taniec, tu myją okna, jedni grają w kości, inni handlują, ktoś żebrze o jałmużnę, kogoś zabierają na pochówek...

Przysłowia. 1559. Obraz jest swego rodzaju encyklopedią folkloru holenderskiego.
Bohaterowie Bruegla prowadzą się nawzajem za nos, siedzą między dwoma krzesłami, walą głowami w ścianę, wiszą między niebem a ziemią… Holenderskie przysłowie „A na dachu są pęknięcia” jest bliskie znaczeniu rosyjskiemu „I ściany mają uszy.” Holenderskie „wrzucanie pieniędzy do wody” oznacza to samo, co rosyjskie „marnowanie pieniędzy”, „wyrzucanie pieniędzy w błoto”. Cały obraz poświęcony jest marnowaniu pieniędzy, energii i całego życia - tutaj przykryją dach naleśnikami, strzelają w pustkę, strzygą świnie, ogrzewają się płomieniami płonącego domu i spowiadają się diabłu.

Cała ziemia miała jeden język i jeden dialekt. Poruszając się ze wschodu, znaleźli równinę w ziemi Szinear i tam osiedlili się. I mówili między sobą: „Wyróbmy cegły i spalmy je ogniem”. I używali cegieł zamiast kamieni i smoły glinianej zamiast wapna. I rzekli: „Zbudujmy sobie miasto i wieżę, której wysokość sięgałaby nieba, i zyskajmy sobie sławę, zanim rozproszymy się po powierzchni ziemi. I zstąpił Pan, aby zobaczyć miasto i wieżę, którą budowali synowie człowieczy. I Pan powiedział: „Oto jeden lud i wszyscy mają jeden język i to właśnie zaczęli robić i nie zrezygnują z tego, co zaplanowali. Zejdźmy i pomieszajmy tam ich język, tak aby jeden nie rozumiał mowy drugiego”. I Pan rozproszył ich stamtąd po całej ziemi; i zaprzestali budowy miasta i wieży. Dlatego nadano mu nazwę: Babilon, gdyż tam Pan pomieszał język całej ziemi i stamtąd Pan rozproszył ich po całej ziemi (Księga Rodzaju, rozdział 11). W przeciwieństwie do kolorowej gwary wczesnych dzieł Bruegla, obraz ten zadziwia spokojem. Wieża przedstawiona na zdjęciu przypomina rzymski amfiteatr Koloseum, który artysta widział we Włoszech, a jednocześnie – mrowisko. Na wszystkich piętrach ogromnej budowli toczy się niestrudzoną praca: obracają się bloki, rzucane są drabiny, krzątają się postacie robotników. Widać, że więź między budowniczymi została już utracona, prawdopodobnie na skutek rozpoczętego „mieszania języków”: gdzieś budowa trwa pełną parą, a gdzieś wieża zamieniła się już w ruinę.

Po wydaniu Jezusa na ukrzyżowanie żołnierze włożyli na Niego ciężki krzyż i poprowadzili Go na miejsce kaźni zwane Golgotą. Po drodze pojmali Szymona z Cyreny, który wracał z pola do domu, i zmusili go do niesienia krzyża dla Jezusa. Wiele osób poszło za Jezusem, a wśród nich były kobiety, które płakały i lamentowały nad Nim. „Niesienie krzyża” jest obrazem religijnym, chrześcijańskim, ale nie jest już obrazem kościelnym. Bruegel powiązał prawdy Pisma Świętego z osobistym doświadczeniem, odzwierciedlonym w tekstach biblijnych, nadał im własną interpretację, tj. otwarcie naruszył obowiązujący wówczas dekret cesarski z 1550 r., który pod groźbą śmierci zabraniał samodzielnego studiowania Biblii.

Bruegel tworzy cykl pejzaży „Miesiące”. „Łowcy na śniegu” to grudzień-styczeń.
Dla mistrza każda pora roku to przede wszystkim wyjątkowy stan ziemi i nieba.

Tłum chłopów urzeczony szybkim rytmem tańca.

Malarstwo flamandzkie jest jedną z klasycznych szkół w historii sztuk pięknych. Każdy, kto interesuje się rysunkiem klasycznym, słyszał to zdanie, ale co kryje się za tak szlachetną nazwą? Czy mógłbyś bez wahania zidentyfikować kilka cech tego stylu i wymienić główne nazwy? Aby pewniej poruszać się po salach dużych muzeów i choć trochę mniej zawstydzić się odległym XVII wiekiem, trzeba poznać tę szkołę.

Historia szkoły flamandzkiej

Wiek XVII rozpoczął się od wewnętrznego rozłamu w Holandii na skutek walk religijnych i politycznych o wewnętrzną wolność państwa. Doprowadziło to do rozłamu w sferze kulturalnej. Kraj dzieli się na dwie części, południową i północną, których malarstwo zaczyna rozwijać się w różnych kierunkach. Przedstawicielami stają się południowcy, którzy pozostali przy wierze katolickiej pod panowaniem hiszpańskim szkoła flamandzka, podczas gdy artyści z północy są uważani przez krytyków sztuki za Szkoła holenderska.

Przedstawiciele flamandzkiej szkoły malarstwa kontynuowali tradycje swoich starszych włoskich kolegów-artystów renesansu: Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti który przywiązywał dużą wagę do tematów religijnych i mitologicznych. Poruszając się znaną drogą, uzupełnioną nieorganicznymi, szorstkimi elementami realizmu, holenderscy artyści nie potrafili tworzyć dzieł wybitnych. Zastój trwał, dopóki nie stanął przy sztaludze Petera Paula Rubensa(1577-1640). Co takiego niesamowitego mógł wnieść do sztuki ten Holender?

Znany mistrz

Talent Rubensa był w stanie tchnąć życie w malarstwo południowców, co przed nim nie było zbyt niezwykłe. Artysta doskonale zaznajomiony z dziedzictwem włoskich mistrzów kontynuował tradycję sięgania po tematykę religijną. Jednak w przeciwieństwie do swoich kolegów Rubens potrafił harmonijnie wplecić w klasyczne tematy cechy własnego stylu, który skłaniał się w stronę bogatej kolorystyki i przedstawień natury pełnej życia.

Z obrazów artysty, jak z otwartego okna, zdaje się wpadać światło słoneczne („Sąd Ostateczny”, 1617). Niezwykłe rozwiązania w zakresie konstruowania kompozycji klasycznych epizodów z Pisma Świętego lub mitologii pogańskiej przyciągały i przyciągają uwagę na nowy talent wśród współczesnych. Taka innowacja wyglądała świeżo w porównaniu z ponurymi, stonowanymi odcieniami obrazów jego holenderskich współczesnych.

Cechą charakterystyczną stały się także modele flamandzkiego artysty. Pulchne, jasnowłose panie, pomalowane z zainteresowaniem i bez zbędnych ozdób, często stawały się głównymi bohaterkami obrazów Rubensa. Przykłady można znaleźć w obrazach „Sąd Paryża” (1625), „Zuzanna i starsi” (1608), „Wenus przed lustrem”(1615) itd.

Ponadto Rubens przyczynił się wpływ na kształtowanie się gatunku krajobrazu. Zaczął rozwijać się w malarstwie artystów flamandzkich aż do głównego przedstawiciela szkoły, jednak to twórczość Rubensa wyznaczyła główne cechy narodowego malarstwa pejzażowego, oddającego lokalny koloryt Holandii.

Obserwujący

Rubens, który szybko zyskał sławę, wkrótce znalazł się w otoczeniu naśladowców i uczniów. Mistrz nauczył ich wykorzystywać ludowe cechy tego obszaru, kolor i gloryfikować być może niezwykłe ludzkie piękno. Przyciągnęło to widzów i artystów. Zwolennicy próbowali się w różnych gatunkach - od portretów ( Gaspare De Caine, Abraham Janssens) po martwe natury (Frans Snyders) i pejzaże (Jan Wildens). Malarstwo domowe szkoły flamandzkiej wykonane jest w oryginalny sposób Adriana Brouwera I David Teniers Jr.

Jednym z odnoszących największe sukcesy i wybitnych uczniów Rubensa był Anthony'ego Van Dycka(1599 - 1641). Styl jego autora rozwijał się stopniowo, początkowo całkowicie podporządkowany naśladowaniu swojego mentora, z czasem jednak zaczął ostrożniej posługiwać się farbami. W przeciwieństwie do nauczyciela uczeń miał upodobanie do delikatnych, stonowanych odcieni.

W obrazach Van Dycka widać wyraźnie, że nie miał on silnej skłonności do budowania skomplikowanych kompozycji, wolumetrycznych przestrzeni z ciężkimi figurami, co wyróżniało obrazy jego nauczyciela. Galerię prac artysty wypełniają portrety pojedyncze lub pary, ceremonialne lub intymne, co wskazuje na odmienne od Rubensa priorytety gatunkowe autora.

Wczesne malarstwo niderlandzkie(rzadko Stary niderlandzki obraz) - jeden z etapów renesansu północnego, epoki w malarstwie niderlandzkim, a zwłaszcza flamandzkim, obejmującej około stulecie w historii sztuki europejskiej, począwszy od drugiej ćwierci XV wieku. Sztukę późnogotycką zastąpiono w tym czasie wczesnym renesansem. Jeśli późny gotyk, pojawiając się we Francji, stworzył uniwersalny język formy artystycznej, do którego przyczyniło się wielu holenderskich mistrzów malarstwa, to w okresie opisanym w Holandii ukształtowała się wyraźnie rozpoznawalna niezależna szkoła malarstwa, która charakteryzowała się stylem realistycznym malarstwa, które znalazło swój wyraz przede wszystkim w gatunku portretu.

Encyklopedyczny YouTube

• 1 / 5

  Od XIV wieku tereny te przeszły przemiany kulturowe i socjologiczne: świeccy mecenasi zastąpili kościół jako głównego odbiorcę dzieł sztuki. Holandia jako ośrodek sztuki zaczęła przyćmiewać sztukę późnogotycką na dworze francuskim.

  Niderlandy łączyła z Francją także wspólna dynastia burgundzkia, dlatego artyści flamandzcy, walońscy i holenderscy z łatwością znajdowali pracę we Francji na dworach Anjou, Orleanu, Berry i samego króla francuskiego. Wybitni mistrzowie międzynarodowego gotyku, bracia Limburgowie z Geldern, byli w zasadzie artystami francuskimi. Z nielicznymi wyjątkami w osobie Melchiora Bruderlama, w ojczyźnie, w Holandii, pozostali jedynie malarze niższej rangi.

  U początków wczesnego malarstwa niderlandzkiego, rozumianego w wąskim znaczeniu, leży Jan van Eyck, który w 1432 roku ukończył prace nad swoim głównym arcydziełem, Ołtarzem Gandawskim. Już współcześni uważali twórczość Jana van Eycka i innych flamandzkich artystów za „nową sztukę”, coś zupełnie nowego. Chronologicznie malarstwo staroniderlandzkie rozwijało się mniej więcej w tym samym czasie, co włoski renesans.

  Wraz z pojawieniem się portretu świecki, zindywidualizowany temat stał się po raz pierwszy głównym motywem malarstwa. Malarstwo rodzajowe i martwe natury dokonały przełomu w sztuce dopiero w okresie holenderskiego baroku w XVII wieku. Burżuazyjny charakter wczesnego malarstwa niderlandzkiego mówi o nadejściu Nowego Czasu. Coraz częściej klientami, oprócz szlachty i duchowieństwa, była bogata szlachta i kupcy. Człowiek na obrazach nie był już idealizowany. Przed widzem ukazują się prawdziwi ludzie, ze wszystkimi swoimi ludzkimi wadami. Zmarszczki, worki pod oczami – na zdjęciu wszystko zostało ukazane naturalnie, bez upiększeń. Święci nie mieszkali już wyłącznie w kościołach, lecz pojawiali się także w domach mieszczan.

  Artyści

  Za mistrza Flemala, obecnie identyfikowanego jako Robert Campin, uważa się jednego z pierwszych przedstawicieli nowych poglądów artystycznych, obok Jana van Eycka. Jego głównym dziełem jest ołtarz (lub tryptyk) Zwiastowania (inna nazwa: ołtarz rodziny Merode; ok. 1425), obecnie przechowywany w Cloisters Museum w Nowym Jorku.

  Już od dawna kwestionowano fakt, że Jan van Eyck miał brata Huberta. Najnowsze badania wykazały, że Hubert van Eyck, o którym mowa zaledwie w kilku źródłach, był zaledwie miernym artystą szkoły gandawskiej, nie mającym rodziny ani żadnych innych powiązań z Janem van Eyckiem.

  Za ucznia Kampena uważa się Rogiera van der Weydena, który prawdopodobnie brał udział w pracach nad tryptykiem Merode. Z kolei wywarł wpływ na Dirka Boutsa i Hansa Memlinga. Współczesnym Memlingowi był Hugo van der Hus, o którym pierwsza wzmianka pochodzi z 1465 roku.

  Z tego cyklu wyróżnia się najbardziej tajemniczy artysta tamtych czasów, Hieronymus Bosch, którego twórczość nie doczekała się jeszcze jednoznacznej interpretacji.

  Obok tych wielkich mistrzów na uwagę zasługują wczesni artyści niderlandzcy, jak Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden i Quentin Massys.

  Uderzającym zjawiskiem była twórczość artystów z Lejdy: Cornelisa Engelbrechtsena i jego uczniów Artgena van Leydena i Lucasa van Leydena.

  Do dziś przetrwała jedynie niewielka część dzieł wczesnych artystów niderlandzkich. Niezliczone obrazy i rysunki padły ofiarą ikonoklazmu w czasie reformacji i wojen. Ponadto wiele dzieł zostało poważnie uszkodzonych i wymaga kosztownej renowacji. Część dzieł przetrwała jedynie w kopiach, większość zaś zaginęła bezpowrotnie.

  Twórczość wczesnych Holendrów i Flamandów prezentowana jest w największych muzeach sztuki na świecie. Jednak niektóre ołtarze i obrazy nadal znajdują się na swoich dawnych miejscach – w kościołach, katedrach i zamkach, jak np. Ołtarz Gandawski w katedrze św. Bawona w Gandawie. Można go jednak teraz oglądać jedynie przez grube pancerne szkło.

  Wpływ

  Włochy

  W kolebce renesansu we Włoszech Jan van Eyck był bardzo szanowany. Kilka lat po śmierci artysty humanista Bartolomeo Fazio zadzwonił nawet do van Eycka „książę wśród malarzy stulecia”.

  O ile włoscy mistrzowie posługiwali się skomplikowanymi środkami matematycznymi i geometrycznymi, w szczególności systemem perspektywy, o tyle Flamandowie potrafili poprawnie oddać „rzeczywistość” bez, jak się wydaje, większych trudności. Akcja na obrazach nie toczyła się już, jak w gotyku, jednocześnie na jednej scenie. Lokale ukazane są zgodnie z prawami perspektywy, a krajobrazy nie są już schematycznym tłem. Szerokie, szczegółowe tło prowadzi wzrok w nieskończoność. Ubrania, meble i wyposażenie zostały pokazane z fotograficzną precyzją.

  Hiszpania

  Pierwsze dowody na rozprzestrzenianie się północnych technik malarskich w Hiszpanii znaleziono w królestwie Aragonii, które obejmowało Walencję, Katalonię i Baleary. W 1431 roku król Alfons V wysłał do Flandrii swojego nadwornego artystę Louisa Dalmau. W 1439 roku artysta z Brugii Louis Alimbrot przeniósł się ze swoim warsztatem do Walencji ( Luis Alimbrot i Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck odwiedził Walencję prawdopodobnie już w 1427 roku w ramach delegacji burgundzkiej.

  Walencja, będąca wówczas jednym z najważniejszych ośrodków basenu Morza Śródziemnego, przyciągała artystów z całej Europy. Oprócz tradycyjnych szkół artystycznych „stylu międzynarodowego” istniały warsztaty pracujące zarówno w stylu flamandzkim, jak i włoskim. Rozwinął się tu tzw. kierunek artystyczny „hiszpańsko-flamandzki”, którego głównymi przedstawicielami są Bartolome Bermejo.

  Królowie kastylijscy byli właścicielami kilku słynnych dzieł Rogiera van der Weydena, Hansa Memlinga i Jana van Eycka. Ponadto gościnny artysta Juan de Flandes („Jan z Flandrii”, nazwisko nieznane) został nadwornym portrecistą królowej Izabeli, która położyła podwaliny pod realistyczną szkołę hiszpańskiego portretu dworskiego.

  Portugalia

  Samodzielna szkoła malarstwa powstała w Portugalii w drugiej połowie XV wieku w lizbońskiej pracowni nadwornego artysty Nuno Gonçalvesa. Twórczość tego artysty jest w całkowitej izolacji: zdaje się, że nie miał on ani poprzedników, ani naśladowców. Wpływy flamandzkie są szczególnie odczuwalne w jego poliptyku „Saint Vincent” Jan van Eyck i seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedlander: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlina 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt i hrsg. von Jochena Sandera i Stephana Kemperdicka. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Oryginał: Wczesne malarstwo niderlandzkie. 2 Bd. Cambridge (Massachusa) 1953)
• Otto Pächt: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. Monachium 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. godz. von Moniki Rosenauer. Monachium 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander i Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norbert Wilk: Trecento i Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.



Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)



Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy."



Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest mnóstwo, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.



Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)



Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborkh był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.



Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.



Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)



Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.



Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.



Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie weryfikowane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)



Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.



Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.



Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.



6. Jan Steen (1626-1679)



Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.



Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.



Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1682)



Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.