Teatr jest już pełny; pudełka świecą;
Stragany i krzesła, wszystko się gotuje;
W raju pluskają się niecierpliwie,
A podnosząc się, kurtyna hałasuje.
Genialny, półprzewiewny,
Jestem posłuszny magicznemu łukowi,
Otoczony tłumem nimf,
Warto Istomin; ona,
Jedna stopa dotyka podłogi,
Drugi powoli krąży,
I nagle skacze i nagle leci,
Leci jak pióra z ust Aeolusa;
Teraz obóz zasieje, potem się rozwinie,
I szybką stopą uderza w nogę.
Historia baletu w Rosji rozpoczyna się w latach 30. XVIII wieku. W 1731 r. w Petersburgu otwarto Korpus Szlachecki Ziemi. Od absolwentów korpusu oczekiwano w przyszłości zajmowania wysokich stanowisk stanowiska rządowe i potrzebował wiedzy o świeckich obyczajach, a następnie studiował sztuki piękne, w tym taniec towarzyski, w korpusie przydzielono znaczące miejsce. W 1734 roku mistrzem tańca korpusu został Jean Baptiste Lande, uważany za twórcę rosyjskiej sztuki baletowej. W 1738 roku Jean Baptiste Lande otworzył pierwszą w Rosji szkołę baletową - Szkołę Tańca Jej Cesarskiej Mości (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. A. Ya. Vaganovej).
Balet w Rosji stopniowo się rozwijał i w 1794 roku rozpoczął produkcję pierwszy urodzony w Rosji choreograf Iwan Walberch. Za Pawła I zostały one opublikowane specjalne zasady w przypadku baletu - nakazano, aby podczas przedstawienia na scenie nie znajdował się ani jeden mężczyzna, a role męskie wykonywały wówczas kobiety, na przykład Evgenia Ivanovna Kolosova (1780-1869). Kolosova jako jedna z pierwszych wykonała tańce rosyjskie na scenie baletowej. Kolejną jej innowacją było zastąpienie bujnego, stylizowanego kostiumu antycznym chitonem.
Tancerz i choreograf baletowy Adam Głuszkowski tak pisał o Kołosowej: „Śledzę sztukę tańca od ponad czterdziestu lat, widziałem wielu znanych artystów baletu przyjeżdżających do Rosji, ale u żadnego nie widziałem takiego talentu jak ten posiada Evgenia Ivanovna Kolosova, tancerka teatru petersburskiego. Każdy ruch, jej twarze i każdy gest były tak naturalne i zrozumiałe, że zdecydowanie zastąpiły dla widza mowę. Evgenia Kolosova występowała na scenie od 1794 do 1826 roku, po czym podjęła się nauczania. 
Jedną z uczennic Jewgieniji Kołosowej była Awdotya (Ewdokia) Ilyinichna Istomina (1799-1848), gloryfikowana przez Puszkina w „Eugeniuszu Onieginie”....Linie podane są na początku odpowiedzi....
Historycy do dziś spierają się, która rosyjska baletnica jako pierwsza tańczyła na pointach (opierając się jedynie na czubkach palców). Niektórzy uważają, że była to Maria Danilova, inni uważają, że była to Avdotya Istomina.
Kolejną uczennicą Jewgieniji Kołosowej była Ekaterina Aleksandrowna Teleszewa (1804–1857). Jeden z jej współczesnych napisał o niej: „Dzięki najbardziej uroczemu wyglądowi miała tyle uczuć i gier, że urzekła najbardziej beznamiętnego widza”. A właściwie patron i kochanek konkubinat Teleszowa była hrabią, generalnym gubernatorem Petersburga Michaiłem Miloradowiczem.
Balet rosyjski jest znany na całym świecie. Ta forma sztuki jest brana pod uwagę wizytówka nasz kraj. I trudno uwierzyć, że jakieś 300 lat temu nie istniało.
Za twórcę rosyjskiego baletu uważany jest Jean Baptiste Lande. Francuski choreograf otworzył pierwszą szkołę baletową w Rosji w 1738 roku. Absolwenci tej szkoły utworzyli pierwszą trupę baletową.
Nowy rodzaj sztuki został wysoko oceniony przez najbardziej dostojne osoby: Piotra I, Elżbietę Pietrowna, Katarzynę II. Za ich panowania sztuka baletowa stopniowo się rozwijała i osiągnęła swój pierwszy poważny szczyt na przełomie XVIII i XIX wieku.
W 1795 r. odbyła się premiera baletu pierwszego rosyjskiego choreografa Iwana Walbercha „Szczęśliwa pokuta”. To czas niesamowitej popularności prima teatru petersburskiego - Jewgienija Iwanowna Kołosowa. Była uczennicą Ivana Walberhaya i tańczyła tytułowe role w jego przedstawieniach. Kariera sceniczna Evgenii Kolosowej była dość długa (1794–1826), po czym poświęciła się nauczaniu.
W początek XIX XX wieku popularność przedstawień baletowych stale rosła. Ówczesna inteligencja kulturalna i arystokracja starała się nie przegapić występów. Wzmianki o słynnych baletach i baletnicach często można znaleźć w twórczości poetów i pisarzy: Derzhavina, Gribojedowa, Puszkina. Oto fragment powieści „Eugeniusz Oniegin”:
Genialny, półprzewiewny,
Jestem posłuszny magicznemu łukowi,
Otoczony tłumem nimf,
Warto Istomin; ona,
Jedna stopa dotyka podłogi,
Drugi powoli krąży,
I nagle skacze i nagle leci,
Leci jak pióra z ust Aeolusa;
Albo obóz zasieje, potem się rozwinie
I szybką stopą uderza w nogę.
Avdotya (Evdokia) Ilyinichna Istomina była uczennicą i „muzą” największego choreografa tamtych czasów, Charlesa Didelota. Stał się innowatorem baletu rosyjskiego, stworzył własną technikę baletową, opracował nowe techniki sceniczne i wprowadził motywy romantyczne i obrazy. Dzięki jego twórczości balet rosyjski zyskał uznanie w Europie.
Avdotya Istomina zadebiutowała na scenie w 1816 roku, a rok później z jej powodu odbył się słynny „pojedynek czterech”, w którym uczestniczyli hrabiowie W. Szeremietiew i A. Zawadski, przyszły dekabrysta A. Jakubowicz i JAK. Gribojedow.
Po rezygnacji Charlesa Didelota popularność Istominy zaczęła słabnąć. Kiedy w 1836 roku dekretem cesarza wyrzucono ją ze sceny, była już bardzo pulchna, niezdolna do dawnej lekkości i słodyczy, grając drobne, drobne role.
 |
| Avdotya Istomina |
Nowy rozkwit baletu nastąpił na początku XX wieku. W tym czasie występowali mistrzowie, których nazywano strażnikami tradycji akademickich: Olga Preobrażenska (1871–1962), Agrypina Waganowa (1879–1951), Matylda Kshesinskaya (1872–1971).
 |
| Agrypina Waganowa |
 |
Ale zwolennicy nowych form baletowych zaczęli z nimi poważnie konkurować. Choreograf Michaił Fokin opracował nowy styl baletu. W jego przedstawieniach błyszczały Anna Pavlova (jedna z najwybitniejszych baletnic XX wieku), Vera Fokina i Tamara Karsavina (uczestniczyły w rosyjskich sezonach Siergieja Dyagelewa).
 |
| Tamara Karsawina |
 |
| Tamara Karsawina |
 |
| Wera Fokina |
 |
| Anna Pawłowa |
8 wybranych
Jak piękny jest lot baletnicy w tańcu, jaki jest lekki i zwiewny i jak ciężka jest jej praca na drodze do tej pozornej lekkości. Tysiące dziewcząt rozpoczyna tę drogę w szkołach baletowych, ale tylko nieliczne zostają Wielkimi Balerinami. 23 kwietnia to ważna data w świecie baletu – 210 lat od narodzin Marii Taglioni, pierwszej baletnicy, która stanęła na pointach i pierwszej, która zaprezentowała baletową tutu w zwiewnej chmurce. Ale to nie są zapisane główne strony historii baletu świetna baletnica- najbardziej stał się jej taniec, zwiewny, mistyczny, porównywany do skrzypiec Paganiniego słynna legenda balet
Maria Taglioni (1804-1884)
Ojciec Marii był choreografem i choreografem, więc dostrzegł w swojej córce coś, czego nie widzieli inni. Jak inaczej? Przecież miała zostać baletnicą trzeciego pokolenia! A wśród innych uczniów wyglądała jak brzydkie, zgarbione kaczątko, przez które cierpiała z powodu wielu kpin. Ojciec był bezlitosny i surowy, czasem lekcja kończyła się omdleniem wyczerpanej Marii, ale to ciężka praca zamieniła ją w nimfę baletową. A przed nią był triumf - w 1827 r. „Karnawał w Wenecji” w Paryżu, po którym tańczyła w Wielkiej Operze i światowa sława w wieku 28 lat w przedstawieniu La La Sylphide swojego ojca. Rola Sylfidy stała się główną w jej życiu - przez ćwierć wieku była najlepszy wykonawca ta impreza. Po niej przyszły kolejne role w produkcjach Philippe'a Taglioniego, długi kontrakt z Wielką Operą i... tournée po Rosji. A Petersburg dosłownie „zachorował na balet” - co drugi dzień występowała za tę cenę, niezmiennie wywołując zachwyt i podziw, uwagę rodzina cesarska i uwielbienie publiczności. Ostatni występ baletnic w Petersburgu odbyło się 1 marca 1842 roku. Wołali ją osiemnaście razy - ona, Sylfida, lecąca nad sceną na czubkach pointów w chmurze gazu baletowej spódniczki tutu...
Anna Pawłowa (1881-1931)
Przyszła gwiazda rosyjskiego baletu marzyła o białej sali prób z portretem Marii Taglioni na ścianie. Córka wykonawcy kolei i praczki miała doskonałe wrodzone zdolności baletowe i wielką wytrwałość, dzięki czemu mogła zostać studentką szkoła teatralna, bo nie została przyjęta od razu! Dopiero druga próba zakończyła się sukcesem, dzięki Mariusowi Petipie, który dostrzegł w dziewczynce „piórko na wietrze”. Po ukończeniu studiów Anna wstąpiła do Teatru Maryjskiego, gdzie 6 lat później po pierwszym występie na scenie została dyrektorką. „Bajadera”, „Giselle”, „Dziadek do orzechów” w swoim znakomitym wykonaniu zachwyciła teatralną publiczność i wybrednych „baletmanów”. Prawdziwa chwała przyszedł do niej w 1907 roku po wykonaniu miniatury „Umierający łabędź” do muzyki Saint-Saënsa, którą Michaił Fokin wystawił dla niej dosłownie w jeden wieczór na występie w koncert charytatywny. Miniatura na zawsze stała się symbolem rosyjskiego baletu XX wieku. Od 1910 roku rozpoczyna się seria wycieczek „Rosyjskim Łabędziem” i historia jego światowej sławy. „Pory Rosyjskie” w Paryżu stały się jedną ze „złotych stron” w historii baletu rosyjskiego i światowego. Anna Pavlova tworzy własną trupę, własną rodzinę baletową, z którą otwiera świat na klasyczny balet Czajkowskiego i Głazunowa. W 1913 roku przeniosła się do Londynu i nigdy nie wróciła do Rosji. Ameryka, Europa, Indie, Kuba i Australia oklaskiwały Pavlovą, która stała się żywą legendą. Anna Pavlova zmarła podczas tournee po Hadze 23 stycznia 1931 roku na zapalenie płuc.
Olga Spesiwcewa (1895-1991)
Co najbardziej złamało duszę baletnicy – wstrząsy rewolucji, oskarżenia o emigrację, które prześladowały ją jako „szpiegostwo”, dramat duchowy lub całkowite zanurzenie się w obrazie Giselle, dla której odwiedzała domy dla psychicznie chorych chora i z kim podzieliła się swoim szaleństwem? Nie mogła już występować na scenie i załamana w 1931 roku wyjechała do USA, gdzie wkrótce z całkowitą utratą pamięci znalazła się w szpitalu, gdzie przebywała do 1963 roku. Stał się cud, pamięć wróciła do niej i aż do śmierci Olga Spesivtseva mieszkała w pensjonacie Fundacji Lwa Tołstoja, udało jej się zagrać w filmie dokumentalnym...
Agrypina Waganowa (1879-1951)
Nie za wszelką cenę została wielką baletnicą, ale jej nazwisko znane jest na całym świecie jako imię wielkiego nauczyciela baletu, którego nosi Akademia Tańca….
Na scenie była przeznaczona tylko do ról trzeciorzędnych - nie była atrakcyjna z wyglądu i pierwsze role ją ominęły, a krytycy nie postrzegali jej jako „eterycznej piękności”. Ciężka praca, talent, doskonała technika wykonania okazały się ważniejsze niż piękno powłoka zewnętrzna. Agrypina Waganowa „rzeźbiła” siebie, początkowo pełniąc role drugoplanowe, których wizerunki odkryła na nowo dla publiczności. Tworząc coraz to nowe wariacje na pozornie już zużytych obrazów, otrzymała od krytyków miano „królowej wariacji”. Nie zrobiła tego słynna baletnica, już w wieku 36 lat została wysłana na „emeryturę”, ale poświęcając się choreografii, stała się najsłynniejszą nauczycielką, wpisując swoje imię złotymi literami w historii baletu. Choreografii poświęciła się w tych latach, kiedy dość poważnie dyskutowano nad kwestią... wyeliminowania baletu jako obcej formy sztuki. Szkoła Waganowa słusznie stała się jedną z najlepszych na świecie, produkując baletnice, których nazwiska słusznie zasługują na przedrostek „świetne”: Marina Semenova, Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya. Reżyseria: Agrypina Waganowa Teatr akademicki operę i balet w latach 1931-1937, wystawiając „Jezioro łabędzie” i „Esmeraldę” w nowym wydaniu, na swój szczególny sposób, zatytułowanym „Waganova”. Jej Doświadczenie nauczycielskie stała się światową własnością w dużej mierze dzięki napisanej przez nią książce „Podstawy taniec klasyczny”, przetłumaczony na niemal wszystkie języki świata i doczekał się 7 przedruków.
Alicja Alonso (1920)
Twórczyni Kubańskiego Baletu Narodowego, Alicia Martinez del Hoyo, w wieku 9 lat wstąpiła do jedynej wówczas na Kubie szkoły baletowej rosyjskiego choreografa Nikołaja Jaworskiego. I od pierwszego dnia balet stał się celem całego jej życia. Alicja krok po kroku zmierzała do swoich celów: zostać profesjonalną baletnicą, a następnie stworzyć narodową szkołę baletową na Kubie. Kiedy polityka pokrzyżowała jej plany i samo istnienie zespołu baletowego na Kubie stało się niemożliwe, za cel postawiła sobie wspieranie najzdolniejszych tancerzy do lepszych czasów. Po zwycięstwie rewolucji kubańskiej w 1959 roku wybiera i wystawia najzdolniejszych uczniów nowy cel- wynieść balet kubański na światowy poziom. Ale w jej życiu były nie tylko wielkie plany, w jej życiu był Balet, którego Alicja nazywała siebie „robotnicą”. nigdy nie była z siebie zadowolona. W wieku 19 lat przeszła pierwszą operację oka, z roku na rok jej wzrok się pogarszał, ale tańczyła. „Dancing in the Dark” – tak mówiono o wielkiej kubańskiej baletnicy. Specjalnie dla niej środek sceny rozświetlił najjaśniejszy reflektor – nie widziała kulis, scenerii, tańczyła duszą… Mnóstwo występów, obrazów - tańczyła, tańczyła, tańczyła zawsze, nie dając sobie żadnych ustępstw i zniżek ze względu na wiek i utratę wzroku. Ostatni występ Alicii Alonso w wystawionym przez nią balecie „Motyl” miał miejsce w 1995 roku, kiedy baletnica skończyła 75 lat! Nadal tańczy, siedząc na wózku inwalidzkim, całkowicie straciła wzrok - nadal tańczy rękami i sercem. Alicia Alonso – Prima Ballerina Assoluta.
XIX wiek był okresem wielkich przemian społecznych, co znalazło odzwierciedlenie w balecie, wraz z odejściem od dominujących wcześniej arystokratycznych sił percepcji w stronę baletu romantycznego.
Romantyzm był reakcją na formalne ograniczenia i mechanikę industrializacji. Mądrość epoki skłoniła choreografów do tworzenia romantycznych baletów, lekkich, zwiewnych i swobodnych, co miało kontrastować z redukcjonistyczną nauką, która, jak powiedział Poe, „wyprowadziła driady z lasu”. Te pozornie nierealne balety przedstawiały kobiety jako delikatne, eteryczne, zwiewne stworzenia, które można bez trudu unieść i sprawiają wrażenie, jakby unosiły się w powietrzu. Baleriny zaczęły nosić kostiumy w pastelowych kolorach, ze spódnicami powiewającymi wokół nóg. Scenariusze poruszały temat strasznych duchów ludowych.
Baleriny Geneviève Gosselin, Maria Taglioni i Fanny Elssler eksperymentowały z nowymi technikami, takimi jak taniec palców, który zapewniał większy wzrost jako idealnej sylwetki scenicznej. Zawodowi libreciści pisali opowiadania dla baletów. Nauczyciele tacy jak Carlo Blasis opisali technikę baletową w podstawowej formie, która jest używana do dziś. Pointe zostały wynalezione, aby wspierać taniec palców.
W 1832 roku Filippo Taglioni (1777-1871), ojciec Marii Taglioni, przygotował dla niej choreografię do baletu La Sylphide. Maria Taglioni tańczyła w roli Sylfidy, nadprzyrodzonej istoty, którą kochał cielesny człowiek i która została przez niego nieumyślnie zniszczona. W choreografii wykorzystano taniec palców, aby podkreślić nadprzyrodzoną jasność i nieistotność. La Sylphide spowodowała wiele zmian w baletach tamtej epoki pod względem tematu, stylu, techniki i kostiumów. W La Sylphide Maria Taglioni miała na sobie garnitur w kształcie dzwonu z gorsetem z fiszbinami. Na tej podstawie 50 lat później zaprojektowano romantyczną spódnicę baletową.
La Sylphide zapoczątkowała okres romantyzmu, jest on jednym z najbardziej charakterystycznych ważne balety i jest jednym ze starych baletów, który nadal jest wykonywany.
Era romantyzmu rozpoczęła się mniej więcej od wystawienia Giselle, ou Les Wilis (lub po prostu Giselle - Giselle) w Operze Paryskiej w 1841 roku w choreografii Jeana Coralli i Julesa Perrota (1810-1892). Muzykę skomponował Adolphe Adam. W rolę Giselle wcieliła się Carlotta Grisi (1819-1899), nowa baletnica z Włoch. W Giselle kontrastował świat ludzki i nadprzyrodzony, a w drugim akcie upiorne duchy, zwane wilita, ubrane były w białe spódnice spopularyzowane w La Sylphide. Balet romantyczny nie ograniczał się jednak do istot nadprzyrodzonych.
W 1845 roku Jules Perrot wystawił Pas de Quatre w Her Majesty's Theatre w Londynie.
Wraz z poprawą stosunkowo nowej umiejętności tańca palców, w epoce romantyzmu tancerki stawały się coraz bardziej widoczne. W tamtym czasie tylko kilku mężczyzn wyróżniało się w balecie. Niektórzy z nich to Jules Perrot, choreograf Pas de Quatre, Lucien Petipa (1815-1898), który wiedział, jak być wirtuozowskim partnerem, Arthur Saint Léon (1821-1870), który był nie tylko znakomitym tancerzem, ale także znakomitym wiolonczelista.
Jednak w Rosji i Danii mężczyźni kształcili się obok kobiet, podczas gdy balet w tych krajach był wspierany przez sądy monarchiczne. Duńczykiem, który pozostawił najbardziej znaczący ślad w balecie, był Auguste Bournonville. Po studiach w Danii i Paryżu, po tańcach w Operze Paryskiej, August Bournonville wrócił do Danii. Tam w 1836 roku wystawił swoją wersję Sylfidy z nową choreografią i Nowa Muzyka; W rolę Sylfidy wcieliła się 16-letnia Lucille Grahn.
Balet w Rosji
Podczas gdy Francja odniosła sukces we wczesnym balecie, inne kraje i kultury wkrótce przystosowały tę formę sztuki dla siebie, w szczególności Rosja. Rosja ma uznaną tradycję baletu, a balet rosyjski odgrywa znaczącą rolę w historii tego kraju.
Po 1850 roku balet w Paryżu zaczął zanikać. Balet był nadal popularny, ale postrzegany był głównie jako spektakl piękne kobiety. W Londynie balet praktycznie zniknął ze sceny opery i przeniósł się na scenę.
Ale balet rozkwitł w Rosji i Danii za sprawą mistrzów Augusta Bournonville'a, Julesa Perrota, Arthura Saint-Léona, Enrico Cecchettiego i Mariusa Petipy (1818-1910) (brata Luciena Petipy). Pod koniec XIX wieku w modzie panował orientalizm. Polityka kolonialna zapewniła wiedzę o Azji i Azji Kultury afrykańskie, ale zostały zniekształcone na skutek błędów i wyobraźni. Wschód często postrzegany jest jako odległe miejsce, gdzie wszystko jest możliwe, jakby było wystawne, egzotyczne i dekadenckie.
Wcześniej Francja przez kilka stuleci importowała wiele talentów z Włoch. Podobnie Rosja importowała tancerzy z Francji. Wcześniej i własne Rosyjscy tancerze wystąpił przed publicznością w Petersburgu. Jedną z najbardziej znanych tancerek była Maria Danilova, która była doskonałą tancerką palców i została zapamiętana jako „rosyjska taglioni”. Zmarła w wieku 17 lat w 1810 roku.
W 1842 roku Christian Johansson (1817-1903) towarzyszył Marii Taglioni w podróży do Rosji i tam przebywał, stając się później jednym z najwybitniejszych nauczycieli w Rosji.
Giselle została po raz pierwszy wystawiona w Rosji rok po premierze w Paryżu, z Eleną Andreyanovą (1819-1857) w roli Giselle. Tańczyła z Christianem Johanssonem i Mariusem Petipą, dwiema najważniejszymi postaciami rosyjskiego baletu.
W 1848 roku do Rosji przybyli Fanny Elssler i Jules Perrot. Perrot pozostał tam przez 10 lat jako dyrektor Cesarskiego Baletu Rosyjskiego w Petersburgu (obecnie Zespół baletowy Teatr Maryjski).
W 1852 roku Lew Iwanow (1834-1901), pierwszy innowator urodzony w Rosji, ukończył Cesarską Szkołę Baletową (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. Waganowej).
W 1859 roku zamiast Julesa Perrota dyrektorem Petersburskiego Cesarskiego Baletu Rosyjskiego (obecnie Maryjskiego Baletu) został Arthur Saint-Leon.
Marius Petipa był nadal czołową tancerką baletu petersburskiego w 1862 roku, kiedy stworzył swój pierwszy wieloaktowy balet „Córka faraona” dla carskiego teatru cesarskiego. To była niesamowita fantazja Motywy egipskie, z ożywającymi mumiami i jadowitymi wężami. Ten balet doprowadził do innych baletów i być może do tego, co obecnie uważa się za balet klasyczny.
W 1869 roku zamiast Arthura Saint-Leona głównym dyrektorem Petersburskiego Cesarskiego Baletu Rosyjskiego (obecnie Maryjskiego Baletu) został Marius Petipa i był jego dyktatorem przez następne 30 lat. Petipa stworzył wiele baletów jednoaktowych i kilku aktowych do produkcji na cesarskich scenach Rosji. W 1869 wyjechał do Moskwy i tam wystawił balet Don Kichot dla Teatru Bolszoj w Moskwie.
Następnie Arthur Saint-Leon wrócił do Paryża i wystawił Coppelię, ostatnią duży balet Opera Paryska. Wojna francusko-pruska i oblężenie Paryża doprowadziły do śmierci baletu w Europie Zachodniej.
W 1877 roku Petipa stworzył balet Bajadera dla Teatru Bolszoj w Petersburgu.
W 1877 roku odbyła się pierwsza inscenizacja Jeziora łabędziego, baletu tak popularnego, że jego tytuł jest przedstawieniem balet klasyczny. Jezioro Łabędzie, z pierwszą muzyką Piotra Iljicza Czajkowskiego, było pierwszym z wielkiej trójki rosyjskiego baletu. Pierwotnie stworzone przez Austriaka Wenzela Reisingera (1827-1892), Jezioro Łabędzie zostało przerobione przez wielu, między innymi Josepha Hansena (1842-1907) i Petipę w 1895 roku.
XIX wieku Petipa wystawił w Rosji dwa balety, które odniosły duży sukces w Paryżu. Pierwszą była Giselle, drugą Coppélia wystawiona przez Saint-Léona (pierwotne przedstawienie miało miejsce w 1870 r.).
W 1889 roku Petipa stworzył balet Amulet.
W 1890 roku Enrico Cecchetti (1850-1928) został tancerzem i dyrektorem Cesarskiej Szkoły Baletowej. Urodził się w Rzymie, oboje jego rodzice byli tancerzami i uczył się u nich. Studiował także u Giovanniego Lepriego, ucznia Carla Blasisa.
W 1890 roku włoska baletnica Carlotta Brianza (1867-1930) została wybrana przez Petipę do roli w nowym balecie Śpiąca królewna. Balet ten jest drugim w wielkiej trójce i jednym z głównych baletów klasycznych.
W 1892 r. (chociaż pozostał rok pytanie otwarte dla historyków) Petipa wraz z projektantem Iwanem Wsiewołżskim i drugim reżyserem Lwem Iwanowem stworzyli balet „Dziadek do orzechów”. To trzeci balet Wielkiej Trójki. Opiera się na słodzonej francuskiej opowieści autorstwa E. T. A. Hoffmanna. Dziadek do orzechów cieszy się ogromną popularnością w setkach różnych wersji jako balet bożonarodzeniowy. Premiera „Dziadka do orzechów” odbyła się w Teatrze Maryjskim 18 grudnia (6 grudnia według obowiązującego wówczas w Rosji Kalendarz juliański) 1892.
Petipa jest najbardziej znana ze swojego wspólna praca z Piotrem Iljiczem Czajkowskim. Petipa wykorzystał muzykę Czajkowskiego w swoich tańcach w Dziadku do orzechów (1892), Śpiącej królewnie (1890) i ostatecznej adaptacji Jeziora łabędziego (1895, z Lwem Iwanowem). Wszystkie te dzieła oparte są na folklorze europejskim.
W latach 90. XIX wieku balet przestał istnieć wielka sztuka w Europie Zachodniej i nie istniał w Ameryce. Trzej mężczyźni, wszyscy z Rosji, ale nie wszyscy Rosjanie, pojawili się na scenie mniej więcej w tym samym czasie i wywołali nowe zainteresowanie baletem w Europie i Ameryce: Enrico Cecchetti, Siergiej Diagilew (1872-1929) i Agrypina Waganowa (1879-1951) .
W tym czasie zaczęły pojawiać się klasyczne tutu. Składał się z krótkiej spódnicy podpartej warstwami krynoliny lub tiulu i pozwalał nogom wykonywać akrobacje.
W 1895 roku Petipa przebudował Jezioro Łabędzie, dodając ważne dodatki choreograficzne. Jednym z dodatków były 32 tury fouette'a.
W 1898 roku Petipa wystawił swój ostatni balet, wykorzystując wszystkie pozostałe możliwości. Raymonda był baletem w trzech aktach z muzyką Aleksandra Głazunowa. Podobny stylem do baletów Czajkowskiego, Raymonda była bardzo trudna do wykonania, tak jak wcześniej duża różnorodność tańczyć, więcej niż widać z linii graficznej spektaklu.
Na początku XX wieku ludzie zaczęli się męczyć pomysłami i zasadami baletów Petipy i szukali świeżych pomysłów. Balet rosyjski był już bardziej znany niż francuski, a wielu rosyjskich tancerzy zyskało międzynarodową sławę. Prawdopodobnie najwybitniejszą baletnicą tamtych czasów była Anna Pavlova (1881-1931), słynna z przedstawienia Umierający łabędź (1907).
W 1907 roku Michaił Fokin rozpoczął próby zmiany zasad dotyczących kostiumów w Teatrze Cesarskim. Uważał, że wygląd otwartej parasolki i sposób, w jaki ubierały się wówczas kobiety, był nudny i nieprzyzwoity. W moim balecie Styl grecki Eunice, sprawił, że tancerze wyglądali boso. Noszenie bosych stóp było wówczas niezgodne z regulaminem Teatru Cesarskiego, dlatego na butach tancerzy malowano palce u nóg. Ponadto zamiast muzyki tanecznej używał muzyki poważnej.
W 1909 roku Siergiej Diagilew sprowadził balet z powrotem do Paryża, otwierając swój zespół Ballets Russes. Wśród tancerzy Baletów Rosyjskich znaleźli się najlepsi młodzi tancerze rosyjscy - Anna Pavlova, Tamara Krasavina, Adolf Bolm (1884-1951), Wacław Niżyński (1889-1950), Vera Caralli. Balet Rosyjski został otwarty w Paryżu 19 maja 1909 roku i odniósł natychmiastowy sukces. Na szczególny podziw zasługują bowiem tancerze płci męskiej, a wśród nich Wacław Niżyński dobrzy tancerze Mężczyźni Togla praktycznie zniknęli w Paryżu. Po rewolucji rosyjskiej 1917 roku w skład firmy wchodzili emigranci z Rosji. Rewolucja pozbawiła Diagilewa możliwości powrotu do Rosji.
Wystąpiły Balety Rosyjskie przez większą część w Europie Zachodniej, ale czasami w Ameryce Północnej i Południowej. Przez 20 lat Siergiej Diagilew był dyrektorem wszystkich baletów w Europie Zachodniej i Ameryce.
Po jednym sezonie w Ballets Russes Anna Pavlova założyła własną firmę z siedzibą w Londynie i dużo podróżowała po całym świecie, odwiedzając miejsca, do których Ballets Russes nie przyjeżdżali. Anna Pavlova odwiedziła wiele miast w USA, także te małe. W Stanach Zjednoczonych nie założyła szkoły ani zespołu baletowego, ale swoimi występami zachęciła wiele dziewcząt do zajęcia się tańcem.
Ballets Russes zaczęli od mocnych rosyjskich dzieł ikonicznych. Jednak pierwszym pokazanym baletem był Le Pavillon d'Armide, który miał silne wpływy francuskie. Le Pavillon d'Armide odbył się zarówno w Petersburgu, jak i w Paryżu, a udział w nim wziął Wacław Niżyński, znany jako jeden z najlepszych skoczków wszechczasów. Balety Rosyjskie zaprezentowały także w Paryżu balet znany dawniej jako Chopiniana, gdyż cała muzyka należała do Chopina. Ale dla francuskiej publiczności przemianowano go na Les Sylphides. Nie był tym samym co La Sylphide, ale był dany podobne imię ponieważ paryska publiczność widziała niedawno La Sylphide.
Diagilew i kompozytor Igor Strawiński połączyli swoje talenty, tworząc balety Ognisty ptak i Pietruszka oparte na rosyjskim folklorze. W ciągu następnych kilku lat Balety Rosyjskie wykonały kilka baletów, które w ten sposób zyskały sławę, między innymi Szeherezada (1910), Ognisty ptak (1910), Pietruszka (Petrooucha) (1911).
Michaił Fokin rozpoczął karierę w Petersburgu, następnie przeniósł się do Paryża i współpracował z Diagilewem w Baletach Rosyjskich.
Enrico Cecchetti był jednym z wykonawców Pietruszki, grając pantomimę, ponieważ nie był już w zbyt dobrej kondycji fizycznej. Enrico Cecchetti zasłynął rolami ognistej wróżki Carbosse i niebieskiego ptaka w przedstawieniu Śpiącej królewny Petipy z 1890 roku. Później dał się poznać jako twórca sposobu nauczania baletu Cecchettiego.
W 1913 roku Niżyński stworzył nowy balet Le Sacre du Printemps ( Imię rosyjskieŚwięta Wiosna, chociaż dosłowne tłumaczenie z francuskiego to „Poświęcenie wiosny”). Było to najbardziej kontrowersyjne dzieło Baletów Rosyjskich. Balet ten został wystawiony z muzyką zwaną także Strawińskim. Nowoczesna muzyka baletowa i motyw ofiar z ludzi robią ogromne wrażenie na widzach. Wielu mieszkańców USA kojarzy Zaklęcie wiosny z sekwencją dinozaurów z Fantazji Walta Disneya.
Ostatnia ważna produkcja Baletów Rosyjskich w Paryżu miała miejsce w latach 1921 i 1922, kiedy Diagilew odtworzył wersję Śpiącej królewny Petipy z 1890 roku. Jego czteromiesięczny występ nie zwrócił inwestycji finansowej i właściwie okazał się porażką. Jednak Śpiąca Królewna przywróciła zainteresowanie publiczności wieczornym baletem.
W 1933 roku, po śmierci Diagilewa, René Blum i inni założyli Ballet Russe w Monte Carlo i kontynuowali tradycję baletową. Blum został później zabity w Auschwitz przez nazistów.
Po rewolucji rosyjskiej balet w Rosji zachował się jako pierwszy Anatolij Łunaczarski komisarz ludowy Edukacja. Po Łunaczarskim komisarze zezwolili na balet, jeśli był jasny i wzniosły.
Balet rosyjski kontynuował rozwój w Epoka radziecka. Po rewolucji w kraju pozostała niewielka liczba utalentowani ludzie, ale to wystarczyło, aby stworzyć nowe pokolenie. Po stagnacji lat dwudziestych, w połowie lat trzydziestych na scenie pojawiło się nowe pokolenie tancerzy i choreografów.
W latach trzydziestych w Petersburgu (wówczas Leningradzie) Agrypina Waganowa dyrektor artystyczny tak zwanego wcześniej Cesarskiego Baletu Rosyjskiego i zaczął pozostawiać ślady swojej działalności. W 1935 roku zespół baletowy został przemianowany na Balet Kirowa (obecnie Balet Maryjski). Jako dyrektor artystyczny wystąpiła Vaganova regulacje rządowe i zmienił zakończenie Jeziora Łabędziego z tragicznego na wzniosłe.
Vaganova wymagała technicznej perfekcji i precyzji tańca, była uczennicą Petipy i Cecchettiego, a wcześniej reżyserowała Imperialną Szkoła baletowa, przemianowany na Leningradzki Państwowy Instytut Choreograficzny, który kształcił tancerzy dla Zespołu Baletowego Teatru Maryjskiego. W 1957 roku, sześć lat po śmierci Waganowej, rząd zmienił nazwę Leningradzkiego Państwowego Instytutu Choreograficznego na Akademię Baletu Rosyjskiego. A. Tak, Vaganova. Kiedy Zespół Baletu Teatru Maryjskiego zaczął podróżować do Zachodnia Europa, Waganowa już umarła. Metodę nauczania baletu Vaganovej znamy z jej książki „Podstawy tańca klasycznego”, która została przetłumaczona na różne języki.
Balet cieszył się dużym zainteresowaniem publiczności. I moskiewski zespół baletowy Teatr Bolszoj oraz St. Petersburg Ballet Company Teatru Maryjskiego. Naciski ideologiczne doprowadziły do powstania baletów socrealizm, z których większość nie zrobiła wrażenia na publiczności i została później usunięta z repertuaru obu zespołów.
Jednak niektóre dzieła z tej epoki były godne uwagi. Wśród nich są Romeo i Julia Siergieja Prokofiewa i Leonida Ławrowskiego. Ballet Flames of Paris, chociaż ma wszystko cechy charakteru sztuka socrealizmu, jako pierwsza aktywnie wykorzystała w przedstawieniu corps de ballet. Sukcesem okazała się także baletowa wersja Fontanny Bachczysaraj według poematu Aleksandra Puszkina z muzyką Borysa Asafiewa i choreografią Rostisława Zacharowa.
Słynny balet Kopciuszek z muzyką Prokofiewa to także wytwór radzieckiego baletu. W czasach sowieckich produkcje te były w dużej mierze nieznane na zewnątrz związek Radziecki a później blok wschodni. Po upadku Związku Radzieckiego stali się bardziej znani.
Po pojawieniu się Baletów Rosyjskich we Francji balet zyskał większy wpływ, zwłaszcza w USA.
W 1910 roku powstał pierwszy zespół baletowy w Ameryce, Chicago Opera Ballet.
W 1929 roku powstała Grupa Koncertowa Aleksandra Doroty, która później przekształciła się w Atlanta Civic Ballet.
W 1933 roku Adolph Bolm założył San Francisco Ballet.
Z Paryża, po nieporozumieniach z Diagilewem, Fokin przeniósł się do Szwecji, a następnie do USA i ostatecznie osiadł w Nowym Jorku. Uważał, że tradycyjny balet to niewiele więcej niż ładny występ sportowy. Fokinowi to nie wystarczyło. Z wyjątkiem sztuka techniczna domagał się dramatyzmu, wyrazistości i historyczności. Jego zdaniem choreograf powinien zbadać epokę, w której wystawiany jest balet i jego kulturę, a porzucić tradycyjne tutu na rzecz kostiumu odpowiedniego dla epoki.
Fokin wyreżyserował Szeherezade i Kleopatrę. Przeprojektował także Parsley i Firebird. Jeden z jego najbardziej znane prace Był tam Umierający Łabędź w wykonaniu Anny Pavlovej. Oprócz talentów baletnicy Pavlova miała zdolności teatralne pasować do koncepcji Fokine’a o balecie jako dramacie.
Młodym tancerzem i choreografem Ballets Russes był Georgy Melitonovich Balanchivadze (1904-1983), którego nazwisko zostało później zmienione na francuskie i brzmiało George Balanchine. Wystawił kilka dzieł w Ballets Russes, najsłynniejszy Apollon Musagète (później Apollon) (1928), klasyczne dzieło neoklasycyzmu. Był to jednoaktowy balet w stylu greckim. Po śmierci Diagilewa Balanchivadze opuścił Ballets Russes, przez krótki czas podróżował samotnie, ostatecznie stając się szefem zespołu Balets 1933, który jednak wkrótce został zamknięty. Lincoln Kirstein (1907-1995) zaprosił Balanchivadze do Ameryki. Kirstein nie wiedział prawie nic o baletach, a Balanchivadze prawie nic nie wiedział o Ameryce poza tym, że pojawiają się tam kobiety wyglądające jak Ginger Rogers. Balanchivadze zdecydował się przyjąć ofertę i znalazł balet w Ameryce. Następnie Kirstein zaczął wymieniać balety, które chciałby zobaczyć w Ameryce, pierwszą pozycją na liście była Pocahontas.
W 1933 lub 1934 roku Kirstein i Balanchivadze założyli Szkołę Balet Amerykański w Hartford w stanie Conneticut, który dał swój pierwszy występ, nowa produkcja zatytułowana Serenada, w tym samym roku. Wzorową technikę Balanchivadze rozwinął w USA, zakładając szkołę w Chicago. W 1934 roku School of American Ballet przeniosła się do Nowego Jorku, co było ważniejsze. Balanchivadze zaadaptował balet do nowych mediów, filmu i telewizji. Produktywny pracownik, Balanchivadze w nowej odsłonie klasyki jezioro łabędzie i Śpiąca królewna, a także stworzył nowe balety. Tworzył oryginalne interpretacje dramatów Szekspira – Romea i Julii, Radosnego wdowca, Sen o letnia noc. W balecie Klejnoty Balanchivadze złamał tradycję opowieści i zamiast graficznego przedstawienia udramatyzował temat.
Barbara Karińska, emigrantka z Rosji, była zdolną krawcową i współpracowała z Bałancziwadze. Podniosła rolę projektowania kostiumów z drugoplanowej do ważnej części przedstawienia baletowego. Wprowadziła skośny dół i uprościła klasyczną spódnicę baletową, zapewniając tancerkom dodatkową swobodę ruchów. Z niezwykłą dbałością o szczegóły zdobiła spódnice koralikami, haftami i aplikacjami.
Dzięki Balanchivadze balet przybył do Ameryki. Teraz, częściowo dzięki Balanchivadze, balet stał się jednym z najlepiej zachowanych tańców na świecie. W Ameryce panuje błędne przekonanie, że balet pochodzi z Rosji.
Powiązana informacja.