Ilke Kutlay to turecki artysta. Urodzony w Izmirze w 1982 r. Studiował na wyższa szkoła Sztuk Pięknych w Izmirze. W 2001 roku zwyciężył w konkursie i otrzymał stypendium na studia na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mimar Sinan. Po ukończeniu studiów kontynuował naukę w warsztacie Devrima Erbila, prowadzonym przez sławnego Tureccy artyści Yalcin Karayagiz i Aydin Ayan.
Przez 2 lata uczył się podstaw malarstwa w pracowni w Erbil, ukończył je w 2007 roku, po czym podjął pracę w prywatnej pracowni. Swoje prace wystawiał na prowincji, w m.in Galeria Sztuki Casa Dell Arte, odbyła się dwie wystawy osobiste. Obecnie mieszka w mieście Kutluy i pracuje we własnym warsztacie.
Turecki artysta. I jak Kutlay
Portrety są celebracją ludzkiej postaci. Mertim Gokalp
Mertim Gokalp to współczesny artysta turecki, urodzony w 1981 roku w Stambule i tam mieszkający bardzo własne życie. Po ukończeniu (z wyróżnieniem) Akademii Sztuk Pięknych Mimar Sinan przeniósł się do Australii. Obecnie mieszka w Sydney i pracuje w OnePlus 2 Studios.
„Malarstwo jest dla mnie syntezą moich uczuć, spostrzeżeń, reakcji i wewnętrznych zmagań, jest sposobem na wdech i wydech... Moje obrazy najczęściej odzwierciedlają różne stany psychiczne ludzi. Malarstwo w ogóle i portret w jest jedną z moich pasji, ponieważ jest to świetny sposób na poznanie podstaw ludzkiej psychologii. Moje Portrety, celebracja ludzkiej formy. Jako artysta kształciłem się na Akademii Sztuk Pięknych i zawsze doceniam i staram się żyć do standardów naukowych wyznaczonych przez mistrzów malarstwa przeszłości.
Byłem w wielu głównych muzeów na całym świecie, takich jak Metropolitan w Stanach Zjednoczonych, Uffizi w Turcji i Luwr we Francji, i nigdzie nie przegapił okazji do szczegółowego studiowania wielkich arcydzieł. Od wielu lat mieszkam w Stambule, mieście zachodnim pomysły artystyczne poznaj Wschód, interesowałem się w równym stopniu sztukami pięknymi Wschodu i Zachodu, studiowałem wiele największe dzieła sztukę Wschodu, w takich krajach jak Egipt, Korea czy Singapur. Inspiracje czerpane z tych dzieł stały się, wraz z moimi obserwacjami, przyczyną narodzin mojego niepowtarzalnego stylu.
Portrety są celebracją ludzkiej postaci. Mertim Gokalp
Współcześni artyści Turcji. Mustafa Orkun Muftuoglu
„W moich obrazach jako formę główną posługuję się postać ludzka. Przede wszystkim interesuje mnie budowa człowieka, szczegóły jego ciała. Staram się widzieć realia życia i pokazywać je publiczności, wprowadzać ludzi w otaczający ich świat, opierając się na człowieku.
W moim malarstwie pojawia się czasami jako definicja, czasami jako standard, a czasami po prostu jako zewnętrzny obserwator.
Mustafa Orkun Muftuoglu urodził się w Turcji w 1973 roku. W 1995 roku uzyskał tytuł licencjata na Wydziale Malarstwa Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mimar Sinan. Następnie studiował na Wydziale Malarstwa Uniwersytetu Mimar Sinan, który ukończył w 1997 roku z tytułem magistra socjologii. Artysta obecnie mieszka i pracuje w Stambule w Turcji.
Współcześni artyści Turcji. Mustafa Orkun Muftuoglu
Obrazy fotorealistyczne. Komert Dogru
Mustafa Ozbakir, utalentowany Turecki artysta, urodzony w Adanie. W 2005 roku ukończyła pracownię Jebraila Otgana na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu w Mersin. W tym samym roku zdobył nagrodę na 66. Ogólnopolskim Konkursie Malarstwa i Rzeźby. W 2006 roku otrzymał pierwszą nagrodę w drugim Konkursie Malarskim Burmistrza Ümraniye. W 2008 roku otrzymał nagrodę na 69. Konkursie Malarstwa i Rzeźby. Obecnie Ozbakir kontynuuje malowanie w swojej pracowni w rodzinne miasto Adana.
Tuna urodził się w 1976 roku i obecnie mieszka w Kayseri w Turcji. Pracuje na Wydziale Projektowania Graficznego Uniwersytetu Erciyes w Kayseri jako instruktor, przekazując studentom swoją wiedzę z zakresu ilustracji. Przez ostatnie 5 lat pracowała także jako niezależna ilustratorka medyczna. Spójrz na jego niesamowite rysunki, ukończone ołówek.
Mahir Ates jest utalentowany Turecki artysta, który pracuje w sposób surrealistyczny, ale z dużą dozą realizmu odciśniętego na jego pracach. Trudno uwierzyć, że kiedyś studiował chemię i przez kilka lat pracował jako inżynier, zanim ostatecznie zdecydował się poświęcić swoje życie malarstwu.
Pierwsze księstwo tureckie powstało po najeździe Mongołów na ziemie Sułtanatu Rumowego, na którego czele stała dynastia Sel-Jukid. Nowo powstałe księstwo tureckie, wzmacniane z czasem, toczyło wiele wojen podbojów, w wyniku których podbiło rozległe terytoria Azji Mniejszej, Azji Zachodniej, krajów Afryki Północnej i Półwyspu Bałkańskiego, zamieniając się w ten sposób w potężne państwo, znane w historii jako Imperium Osmańskie.
kultura turecka i sztuka rozwinęły się w oparciu o różnorodne tradycje kulturowe kraje wschodnie, które obejmują kraje arabskie, Zakaukazie, Bizancjum i te tradycje, które odziedziczyli od Seldżuków. Przejmując tradycje i doświadczenia Hetytów, Arabów, Greków i Rzymian, Turcy byli w stanie wypracować swój własny, niesamowity, niepowtarzalny styl. Większość ludności tureckiej to muzułmanie, choć islam pojawił się na terytorium państwa stosunkowo późno, ale był w stanie wnieść znaczący wkład w kształtowanie się sztuki tego kraju.
Architektura Turcji
Architektura Turcji jest różnorodna. Budownictwo w kraju prowadzono głównie z kamienia. Robotnicy stworzyli czyste linie z masywnych bloków muru. Wśród obiektów architektonicznych w Turcji można znaleźć meczety, madrasy, cytadele, pałace, łaźnie, kryte targi i karawanseraje. Wszystkie budynki są bogato zdobione ażurowymi rzeźbami ozdobnymi, kolorową okładziną ceramiczną i artystycznymi płytkami, na których działce najczęściej wykorzystywano motywy roślinne, figury geometryczne i kaligraficzne napisy. Zewnętrzną część tureckich budynków zdobią reliefowe wzory wyryte w powierzchni kamienia. Jednocześnie rzemieślnicy umiejętnie wykorzystali grę światła i cienia, nadając wzorowi objętość i głębię. Wejście do pomieszczenia i arkady ujęto palmetami i rozetami z kompozycji roślinnych tworzących rodzaj fryzu.
W Turcji budowano meczety różne rodzaje. Te, które są dziedzictwem monumentalnej architektury seldżuckiej, reprezentują obszerną pojedynczą przestrzeń z dużą kopułą i wysokim portalem wejściowym. Często budynki te posiadają trójkątny żagiel, będący swego rodzaju interpretacją kopuły, a także ozdobione są cienkimi, skierowanymi ku górze minaretami, nadającymi masywnej budowli lekkości. Okres architektury osmańskiej charakteryzuje się wykorzystaniem tradycji Sztuka bizantyjska. Kopuła przykrywająca dużą salę modlitewną została umieszczona na masywnych filarach. Dziedzińce otaczały galerie z licznymi łukami, na których wsparte były eleganckie kolumny z białego lub różowego marmuru ze stalaktytowymi kapitelami. Galerie przykryte są na górze małymi kopułkami.
Meczety muzułmańskie różnią się od tych budowanych według tradycji bizantyjskiej. Mają bardziej stromy profil kopuły, płynną sylwetkę i wdzięczne linie. Budynki budowano zwykle kilkukondygnacyjnie, zwężając się u góry i płynnie przechodząc w kopułę wspartą na dużych konchach. Wnętrze meczetu jest dobrze oświetlone dzięki dużej liczbie okien na każdej kondygnacji. Jego ściany zdobią kolorowe wzory witraży i inkrustowanych marmurem paneli.
Drzwi meczetów pokryte są pięknym rzeźbionym wzorem, składającym się z kilku symetrycznie ułożonych pasków, tworzących wstęgi z ozdoba geometryczna, kwiatowy wzór i pięcioramienne gwiazdy. Pałace w Turcji mają układ parkowy z wieloma pawilonami rozmieszczonymi wśród ogrodów. Fontanny znajdujące się w kopułowych pawilonach ozdobione są marmurowymi rzeźbami. Wewnątrz lokalu wszystkie ściany pokryte są ciągłym dywanem z wzorem łodyg roślin oraz jasnymi kwiatami tulipanów i goździków.
Rzeźba Turcji
Rzeźbiarskie postacie w Turcji zachowały się od czasów panowania Seldżuków. Ozdabiają monumentalne budowle. Zasadniczo są to wypukłe wizerunki postaci, które mocno wyróżniają się na płaszczyźnie w porównaniu z płaską ścianą, którą koniecznie pozostawiono gładką, aby podkreślić rzeźbiarski charakter projektu. Rzeźbiarskie rzeźby umieszczono także na narożach i frontonach nisz.
Malarstwo Turcji
Sztukę starożytnego malarstwa tureckiego można ocenić na podstawie nielicznych rękopisów ozdobionych miniaturami, które powstały pod wpływem irańskich i azerbejdżańskich szkół artystycznych. Później, gdy w końcu ukształtował się specjalny styl miniatury tureckiej, używano jej na dworze do wywyższania sułtana. Gama kolorystyczna, jaką tureccy artyści wykorzystali w swoich pracach, jest nieco szorstka i zbudowana na ostrych kontrastach. Ich postacie okazały się kanciaste i sztywne, w obrazach nie było romantyzmu ani liryzmu. Ale ogólnie ich prace wyróżniały się harmonią i barwnością obrazu. Nowoczesny malarstwo tureckie rozwija się pod wpływem europejskiej szkoły artystycznej.
Sztuka i rzemiosło Turcji
Sztuka stosowana Turcja jest reprezentowana przez różnorodne produkty ceramiczne, zarówno gospodarstwa domowego, jak i okładziny. Malowane są różnymi stylizowanymi motywami roślinnymi, a czasem także postaciami ludzkimi i zwierzęcymi. Często można było na nich znaleźć wizerunek łodzi z żaglem, bukiety kwiatów składające się z tulipanów, hiacyntów, goździków, irysów i winorośli. Malowanie odbywa się przy użyciu farb czerwono-brązowych, zielonych i niebieskich. Ponadto Turcy wytwarzają piękne tkaniny jedwabne i brokatowe, pokryte kolorowymi wzorami ozdobnymi z roślinami i wzór geometryczny. Za tradycyjne uważa się tureckie czerwone tkaniny ze srebrnymi lub złotymi wzorami. Turcy rozwinęli tkanie dywanów, które stało się dla nich rzemiosłem ludowym. Tureckie dywany i dywaniki modlitewne charakteryzują się powściągliwą kolorystyką i wyrazistą kompozycją. Również w Turcji produkuje się naczynia ceramiczne, przedmioty rzeźbione w drewnie, wyroby metalowe - naczynia i broń.
Literatura Turcji
Starożytna literatura turecka jest reprezentowana przez dzieła napisane za panowania Seldżuków, kiedy były one religijne i religijne prace naukowe napisał do arabski, a poeci dworscy pisali swoje wiersze w języku perskim. Z tego czasu do dziś przetrwały dzieła sztuki ludowej – mity, legendy, baśnie, przysłowia, przysłowia, pieśni, powiedzenia, zagadki, anegdoty i opowieści historyczne. Wszyscy tureccy dzieła literackie zostały następnie napisane wierszem, na przykład były to powieści rycerskie i działa chwaląc władcę. Kiedy rozpoczął się upadek Imperium Osmańskiego, poeci zaczęli tworzyć dzieła satyryczne opowiadające o okrutnym życiu i pijaństwie, przekupstwie i defraudacjach, które panowały wówczas na dworze. Prozą używano wówczas jedynie pisarstwa książek z zakresu medycyny, religii i historii. Autorzy piszący prozę w Turcji pojawili się znacznie później. Zaczęli tworzyć dzieła z różnych, nietypowych wcześniej gatunków Literatura turecka, takie jak opowiadanie, powieść przygodowa i społeczna, a także sztuka patriotyczna. W swoich dziełach pisarze znacznie uprościli język turecki język literacki i przybliżył je ludziom.
) odbył w Paryżu kurs portretu, oparty na klasycznym rozumieniu sylwetki, rysunku i anatomii. Ale był artystą, którego obrazy sugerują, że był malarzem preferującym pejzaż i martwą naturę.
Sheker Ahmet Pasha, martwa natura „Pigwa i granaty”, 1902
Artysta zamiast zagłębiać się w detale i eksponować realizm obiektów, wolał interpretować swoje rozumienie formy i światła, eksperymentował z kontrastującymi kolorami, stosował ostre przejścia światła i cienia dla oddania formy, urozmaicał różne pędzle. Obiekty umieszczone asymetrycznie na płótnie nabrały bajecznego, romantycznego i magicznego blasku.
Sheker Ahmet Pasza „Leśniczy w lesie”
Choć autoportret namalowany został zgodnie z kanonami francuskiej szkoły malarstwa, do dziś uważa się, że dzieło zostało wykonane w zgodzie z tradycjami malarzy Imperium Osmańskiego.
Osman Hamdi Bey (1842-1910) Dziewczyna o skośnych oczach, 1882
Osman Hamdi Bey, „Dziewczyna o skośnych oczach”
Namik Ismail „Mediha Khanim”, 1920
Ibrahim Challi „Portret Fatmy Jimjoz”, 1933
Avni Lifizh „Portret wspaniałej żony Sirel Lifizh”
Sheref Akdik „Portret ojca Kemala Akdika”
Umiejętności kaligrafii otrzymał od ojca, słynnego kaligrafa Kamila Akdika ( Kamila Akdika), w tym przypadku Sherefa ( Seref Akdik) nie tylko nauczył się pięknie rysować linie, ale nawet został mistrzem. Ale powołanie i talent zaprowadziły go do sztuki i wybrał zawód artysty, mimo że w tamtym czasie zawód kaligrafa był uważany za bardziej prestiżowy. Tworzył wielkoformatowe kompozycje składające się z portretów, martwych natur, pejzaży i różnorodnych postaci. Tematem jego obrazów było życie mieszkańców Anatolii; w portretach wyznawał akademickie realistyczne rozumienie sztuki. Jednak w swoich pejzażach różne zakątki Anatolia i Stambuł, wykonane techniką akwareli, wykazywały styl impresjonistyczny.
Feyhaman Duran (1886-1970) Portret jego żony Güzin Duran, 1921
Feyheman Duran „Portret Gyuzina Duran”, 1921
Portrety Feihamana Durana ( Feyhamana Durana) przyciąga ich osobliwość - mając efektowne wnętrze, wysuwają na pierwszy plan sylwetkę modela i sprawiają, że twarz na zdjęciu jest wyrazista.
Na obrazach wczesny okres Feyhaman Duran przywiązuje większą wagę do szczegółów: szczegółów ubioru, kształtu włosów, akcesoriów, wyrazu twarzy. W późniejszych widać, że wydobywa na pierwszy plan istotę portretu, stosując szczegółowe metody opisowe, aby to zrobić z dodatkowymi szczegółami.
Przyjaźń między Güzinem Hanımem i Feyhamanem Duranem podczas studiów zakończyła się małżeństwem w 1922 roku. Obrazy z wizerunkiem żony, stworzone z Wielka miłość, były symbolem malarza jako portrecisty. Feyhaman Duran w swoich portretach starał się wyrazić wizerunek jednostki i przekazać stan wewnętrzny świat modele. Powiedział: „W portrecie jest forma, ale jest znaczenie. Jeden z nich to za mało. Na tym polega siła portretu.”
Jeśli mówimy o współczesnym malarstwie tureckim, to Feyhaman Duran jest jednym z najpotężniejszych mistrzów tego kierunku. Sztukę posługiwania się pędzlem, wyostrzoną wrażliwość na dobro i zło, wyczucie koloru, umiejętność pełnego oddania emocji ludzkiej twarzy można opisać jego słowami: „Moim zdaniem kolor jest słodkawy jak cukierek. Słodycz bije z oczu!”
Nuri Iyem (1915-2005) Portret kobiety, 1975
Nuri Yem „Portret kobiety”, 1975
Fakhrelnisa Zeid „Portret Madame Caron”
Sabri Berkel „Autoportret”, 1931
Turecka artystka Sabri Berkel ( Sabri Berkel) zwolennik nurtu modernistycznego w malarstwie, przez pewien czas interesował się kubizmem, był mistrzem ryciny.
W obrazach Sabri Berkel przedmioty, nawet bez ukazywania życia i emocji w drodze do doskonałości, z całym realizmem konfrontują swoją naturę, a jeśli zajdzie taka potrzeba, zamieniają się w indywidualne przedmioty. Należy do tych artystów, których autoportrety wykazują tę umiejętność abstrakcji od rzeczywistości, a ta właściwość oddaje stan wewnętrznego świata autora. Na tym autoportrecie widzimy w lustrze mężczyznę o szalonym spojrzeniu. Uchwycił siebie zamrożonego w jednej pozie, wstrzymującego oddech i skupiającego się na jednym punkcie, jakby rysunek był po prostu działaniem fotografa, który kliknął ramką i natychmiast stworzył obraz. Autoportret ten może przypominać autoportret Waga Gogha. Nie należy jednak kojarzyć Berkela z innymi artystami. W tym obrazie nie ma elementu emocjonalnego, nie ma w nim żadnego osobistego przesłania, nie przekazuje on przeżyć, smutków i radości. Według zamysłu autora – nie ludzkie emocje nie powinna przewyższać siły piękna.
Sabri Berkel „Rybacy”
Hasan Vecihi Bereketoglu (1835-1971) Portret jego żony Leyli Bereketoglu
Hasan Vecihi Bereketoglu
Naci Kalmukoglu „Portret kobiety”
W tym też czasie zaczął podpisywać swoje obrazy pod pseudonimem Naci Kalmukoglu. Nikola zaprzyjaźniła się z innymi zagranicznymi artystami, którzy zrządzeniem losu trafili do Turcji.
Wystawa Naji wybuchła jak fajerwerki. Kiedy jest w Ankarze na bulwarze Ataturka w dawnej cukierni Kutlu” Kutlu Pastanesi„12 lutego 1942 r. wystawił 80 swoich prac, a całe miasto wstrzymało oddech. Do tego czasu Ankara po prostu nigdy nie widziała tak ogromnej galerii.
Naji był trzykrotnie żonaty. Wszystkie trzy żony były Grekami. Ma jednego syna z drugiego małżeństwa. Erol w ogóle nie ma nic wspólnego ze sztuką. Przeniósł się i zamieszkał w Ameryce.
Krążą różne pogłoski o śmierci Naci Kalmukoglu. Rozbił się 2 lutego 1951 roku, spadając z piątego piętra budynku przy Isteklal Caddesi, zlokalizowanego w centrum Stambułu.
Istnieje kilka wersji jego absurdalnej śmierci:
- Naji został zabity przez rosyjski wywiad.
- Został wyrzucony z balkonu przez członków nieznanej rosyjskiej grupy mafijnej.
- Rzucił się, gdy zobaczył osobę, której bardzo się przestraszył.
- Popełnił samobójstwo.
- Wyrzucił go człowiek należący do tureckiego wywiadu.
- Spadł, gdy wychodził przez balkon do sąsiadki, z którą się potajemnie spotykał i wkradł się rzekomo w celu namalowania jej portretu. Padało wtedy i mówią, że poślizgnął się i upadł.
- Nikt nigdy nie odkrył prawdziwej przyczyny śmierci.
Eshref pozostawił kilka portretów. Odnalazł się bardziej w gatunku pejzażu, oddając swoje serce głównie Ankarze. Przedstawiał miasto i jego okolice, zachody słońca, motywy śniegu, bulwary i ulice, parki, błyszczący widok na farmę niedaleko Ankary.
Jemal Tollu (1899-1968) – Kobieta w czarnej sukni, 1930
Jemal Tollu „Portret kobiety w czerni”
Cemal Tollu () na samym początku swojej drogi twórczej pracował bardziej nad wykonaniem figury (1932-33). Realizując swoje obrazy Cemal Tollu, analizując modele portretów, stworzył własny styl, oparty na zrozumieniu deformacji sylwetki. Widać, że mistrz, który dobrze włada paletą szarości, wyznacza wyraźne kontury oraz światło i cień dla sylwetki.
W 1937 roku, pracując jako asystent w Akademii Sztuk Pięknych pod kierunkiem profesora sztuki Leopolda Levy'ego, artysta skupił się bardziej na pejzażu.
Fikret Otyam (1926 -2015) Portret kobiety, 2014
Portret Fikreta Otyama, 2014
Fikret Otyam ( Fikreta Otyama) jeden z najbardziej wszechstronnych ludzi swoich czasów. Pracował jako dziennikarz, lubił fotografię i opublikował kilka książek. Jego obrazy, fotografie i książki są serdeczne historie o mieszkańcach południowo-wschodniej Anatolii.
Fikreta Otyama
Ze wspomnień Fikreta Otyama:
„Moje dzieciństwo spędziłem w Anatolii. Dlatego dobrze wiem, kim są wieśniacy. Nawiasem mówiąc, kiedy wstąpiłem do Akademii, zacząłem rysować wiejskie kobiety. Nawet kiedyś Halikarnas Balıkçı sławny Turecki pisarz), widząc kobiety na obrazach, wykrzyknął: „Co to jest?!!! Jak cholera!" Oczywiście Bałychki z Bodrum. Nie zna Azji Mniejszej. „Nasze kobiety z Anatolii noszą majtki wykonane z 8 metrów materiału. Nie możesz ich znać – powiedziałem. Potem zostaliśmy przyjaciółmi. Na pierwszym zdjęciu skupiłam się szczególnie na oczach. Oczy orientalne kobiety tak piękne jak oczy małych osłów, jak oczy pięknej antylopy. Znam ich wystarczająco dobrze, więc, przyjacielu, nie mogę ich odmienić.
Wielu Europejczyków zachłannie malowało Wschód. Ale ich Wschód to nagie kobiety w haremach i łaźniach. Zupełnie inną wizję tematu ma Włoch Fausto Zonaro. To bazar, zasłony, ulice miast i twarze ludzi. Dzonaro mieszkał w Turcji i malował dla swojego ostatniego sułtana.
Chłopiec, który chciał zostać artystą
Fausto urodził się w rodzinie masonów. Z pokolenia na pokolenie jego przodkowie pracowali na budowie, a Zonaro senior miał zapewnić swojemu synowi taką samą karierę. Ale chłopiec chciał rysować bardziej niż cokolwiek innego. I... bez skandalu. Jego ojciec, który bardzo go kochał, zgodził się. Fausto zaczął codziennie chodzić do szkoły w szkole znajdującej się w sąsiedniej miejscowości – 12 kilometrów dalej. Aby nauka była mniej kosztowna dla rodziny, chodził, zawieszając buty na szyi, aby się nie zużyły. Więc mój ojciec musiał wydawać pieniądze tylko na farby i papier.
Chłopak okazał się utalentowany. Stało się jasne, że malowanie jest jego powołaniem. Po studiach wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Weronie. Pomogła mu filantropka, szlachcianka Stefania Omboni, która wsparła wiele młodych talentów z buszu. Kierunek, który studiował Fausto, można nazwać złotym – wielu uczniów zostało później sławnymi artystami.
Artysta Zonaro: jeden z setek
Zdobywają wykształcenie, żeby móc pracować. Oferty pracy świetne lub wybitny artysta nie było w gazetach, a Zonaro otworzył własną szkołę rysując, wyjeżdżając z Werony do Wenecji. Sam dużo pisał, próbując znaleźć swoje własny styl na skrzyżowaniu gładkie linie Włoski realizm i „niechlujny” francuski impresjonizm.
Narysowałem wszystko, co widziałem. Sceny rodzajowe z ulic, warsztatów i sklepów; dzieci, dziewczęta, chłopcy, mężczyźni, kobiety, starcy; domy, mury, kanały, chodniki. Takie obrazy sprzedawały się turystom jak świeże bułeczki, a wszyscy weneccy artyści malowali je niemal metodą taśmową. Zonaro przewyższał klasą większość swoich kolegów, dużo wystawiał w kraju i za granicą, zbierał przychylne recenzje od krytyków, ale turyści i tak nie odróżniliby jego obrazów od dziesiątek innych wystawionych na sprzedaż obrazów przedstawiających tych samych chłopców, kwiaciarnie, sklepikarze i bezczynne młode damy.
W swojej szkole poznał dziewczynę o imieniu Elisabetta Pante. Młodzi ludzie zakochali się, pobrali i wyjechali do Paryża – tam Fausto zapoznał się z twórczością impresjonistów. Eliza nie okazała się artystką, ale została dobrym fotografem.
Zonaro bardzo wspierał księcia Paolo Cameriniego, zarówno kupując jego obrazy, jak i wykonując duże zamówienia, na przykład kilka pastelowych pejzaży do dekoracji salonu. Ogólnie rzecz biorąc, umiejętność Zonaro do malowania wyrazistych krajobrazów służyła jego potomkom. Udało mu się namalować kilka obrazów przedstawiających Pendino, jeden z najstarszych i najbardziej zaniedbanych obszarów Neapolu, kilka lat przed jego zburzeniem. Ogólnie wszystko zmierzało w stronę tego, że Zonaro przejdzie do historii jako jeden z wielu piosenkarzy we Włoszech. Ale incydent z udziałem ambasadora Rosji w Turcji zmienił wszystko.
Ulice Stambułu i Pałac Sułtana
W 1892 roku Fausto i jego rodzina przenieśli się do Stambułu, czując, że Włochy stają się kwaśne. Nowe miejsce spodobało się mojej żonie i dzieciom, a sam artysta ożywił się. Jak zwykle od razu zakochał się w ulicach nowego miasta. Płótno za płótnem wypełniały postacie ludzi tworzących życie tych ulic. W Turcji nie było ich zbyt wiele Artyści europejscy, więc kiedy ambasador Rosji Nielidow musiał zamówić obraz, zwrócił się do Zonaro.
Obraz miał być prezentem dla sułtana Abdula Hamida. Na nim, na prośbę klienta, Zonaro przedstawił tureckich kawalerzystów przechodzących przez most pod pełnym podziwu spojrzeniami mieszczan. Sułtanowi bardzo spodobało się płótno i w 1896 roku Zonaro został zaproszony na stanowisko malarza nadwornego.
Później, po zamachu stanu, Fausto zostanie zapamiętany jako artysta ostatniego sułtana Turcji. Ale potem wydawało się, że nic nie przepowiada sułtanowi smutny los, a Zonaro namalował Abdula Hamida i jego rodzinę, uwieczniając szczęśliwe, rozkwitające twarze. I oczywiście jednocześnie malował ulice, ulice, ulice - pełne brodatych mężczyzn i kobiet w chustach. Nikt nie zrobił tyle, aby pozostawić po sobie portret samej Turcji na przełomie wieków, jak ten Włoch. Nic dziwnego, że Turcy nadal go uwielbiają.
B.Weimarn
Turcy seldżuccy ( Seldżukowie to jedna z gałęzi środkowoazjatyckich nomadów Oghuz, nazwana na cześć dynastii Seldżuków, która jej przewodziła. W XI wieku Seldżukowie podbili Iran, Zakaukazie, Irak i Azja Miniejsza. Ogromne feudalne państwo Seldżuków istniało od 1038 do 1157)), po podbiciu w XI wieku. znaczna część Azji Mniejszej, utworzyła na swoim terytorium niepodległe państwo. Sułtanat Rum (inaczej Konya), na którego czele stała dynastia Sel-Jukid, był państwem feudalnym zajmującym wyżyny Azji Mniejszej, a w czasach swojej największej potęgi (w XIII w.) posiadał część wybrzeża Morza Śródziemnego i Morza Czarne.
Duże miasta były stolicami Włóczni, Śiwy itp. Okresowi władzy politycznej i dobrobytu gospodarczego Sułtanatu Rumowego Seldżunidów (koniec XII-XIII w.) towarzyszył znaczny rozkwit architektury i sztuki. Nastąpił ożywiony rozwój miast. Wraz z architekturą rozwijały się powiązane gałęzie sztuki zdobniczej i rzemiosła artystycznego: rzeźba w kamieniu, rzeźba w drewnie, ceramika licowa, tkanie dywanów, artystyczne wyroby metalowe itp. Rozkwit sztuki w Sułtanacie Rumowym nastąpił w kontekście rozwoju międzynarodowego ekonomiczne i stosunki kulturalne. Sztuka seldżucka XII-XIII w. dorastał na glebie lokalnych starożytnych tradycji mniejszości azjatyckich i pochłonął większość doświadczeń związanych z rozwojem kultura artystyczna kraje sąsiadujące z Azją Mniejszą, zwłaszcza Zakaukazie, Iran i Irak. We wczesnych zabytkach, które do nas dotarły, często przeplatają się różnorodne elementy artystyczne, ale dość szybko architektura seldżucka i sztuka Azji Mniejszej rozwinęły własne cechy artystyczne i pewne techniki stylistyczne, charakteryzujące się dużą oryginalnością i wysokimi umiejętnościami.
W architekturze Azji Mniejszej stosowano głównie mury kamienne. Budowniczowie seldżuccy osiągnęli wyraźną harmonię masywnej bryły ścian zewnętrznych i pokryć kopuł, stereometrycznie przejrzystą w swoich formach. W architekturze ważną rolę odgrywały portale ozdobione bogatymi zdobniczymi rzeźbami oraz wysokie, cienkie minarety. Profile łuków i ozdobnych wnęk, skomplikowany wzór stalaktytów wypełniających sklepienia wyróżniają się wdziękiem, czasem o nieco wyszukanych liniach. Wystrój architektoniczny zbudowany jest na kontrastach światła i cienia, na zestawieniu gładkiej, pozbawionej ozdób płaszczyzny ściany i detali gęsto nasyconych reliefowymi zdobieniami. Seldżucki wzór architektoniczny, na który składają się geometryczne sploty, stylizowane motywy roślinne i napisy, ma charakter dekoracyjnego reliefu, nasyconego ozdobnym rytmem i obdarzonego szczególną plastycznością. Sztuka seldżucka Azji Mniejszej zna także rzeźbę figuratywną. Szczególnie znana jest płaskorzeźba przedstawiająca postacie skrzydlatych geniuszy, ukazane mocnym ruchem. Rzeźba ta znajdowała się na ścianie jednej z wież miejskich Konyi.
Miasto Konya, które osiągnęło swój wspaniały rozkwit w XIII wieku, otoczone było potężnymi murami twierdzy i podzielone na dzielnice rzemieślnicze, często też odgradzane od siebie. W centrum miasta znajdują się ruiny cytadeli oraz budynki sułtana Alaaddina Kay-Kubada I (1219-1236), na które składały się pałac, meczet i medresa. Meczet, wzniesiony jeszcze w latach 1209/10, to budynek z dużą salą kolumnową. Jednak nie tylko ten typ projektowania architektoniczno-przestrzennego obiektów sakralnych stał się charakterystyczny dla monumentalnej architektury seldżuckiej. W Azji Mniejszej powszechnie stosowano unikalną wersję kompozycji iwana z kwadratowym dziedzińcem pośrodku. Taką architekturę charakteryzują liczne medresy w Konyi, w których skład wchodzą zazwyczaj także pomieszczenia meczetu.
O wyglądzie tych budynków decyduje połączenie zamkniętej bryły głównej części budowli z wysokim, monumentalnym portalem wejściowym, ozdobionym bogatymi rzeźbieniami ozdobnymi. W zależności od charakteru wewnętrznej przestrzeni budynków medresy dzielą się na dwa główne typy. W pierwszym centrum kompozycji stanowi otwarty dziedziniec w kształcie prostokąta lub kwadratu. Wzdłuż głównych osi znajdują się dwa lub cztery iwany – otwarte, sklepione pomieszczenia zwrócone w stronę dziedzińca ostrołukiem. Taka jest medresa Sirchali w Konyi (1242), Chiefte Minar w Erzurum itp. Cecha charakterystyczna Wiele budynków typu iwan seldżucki posiada galerię obejściową biegnącą wzdłuż obwodu dziedzińca; kolumny galerii zwykle podtrzymują łuki. Przykładem bardzo eleganckiego opracowania tego motywu jest dwukondygnacyjny pasaż na dziedzińcu Chiefte Minar w Erzurum. Cechą architektury tego pomnika jest także duży i bardzo głęboki iwan, umieszczony naprzeciwko wejścia, za którym znajduje się okrągłe mauzoleum.
W drugim typie budynków zamienia się otwarty dziedziniec hol centralny, nakryty kopułą. Do takich budowli zaliczają się medresy Karatay i İnce Minar w Konyi (oba budynki powstały w połowie XIII wieku). Tendencję do tworzenia niepodzielnej przestrzeni wewnętrznej, która staje się podstawą całej kompozycji, obserwuje się także w architekturze meczetów tego czasu.
Cechą niektórych budynków seldżuckich jest trójkątny żagiel – rodzaj realizacji bizantyjskiej konstrukcji kopułowej.
We wnętrzach wielu budynków poziom żagli nie jest wyodrębniony jako specjalny podział architektoniczny. W związku z tym zewnętrzna półkula kopuły opiera się bezpośrednio na sześcianie głównej części budynku. W kompozycji brył architektonicznych ważną rolę odgrywa minaret, który ma kształt wysokiej dwu- lub trójkondygnacyjnej wieży. Z masywną, ciężką i nieco przysadzistą bryłą budowli kontrastuje cienki, skierowany ku górze minaret ze spiczastym stożkowym zwieńczeniem.
Dekoracyjne dekoracje ścienne odgrywają ważną rolę w wyglądzie architektonicznym budynków seldżuckich. Kolorowe płytki znalazły zastosowanie w ozdabianiu iwanów na dziedzińcu (na przykład w medresie Syrcali). W ich kolorystyce dominują odcienie ciemnego błękitu i zieleni. Do ozdabiania budynków na zewnątrz używano głównie kamienia, rzeźbiąc na jego powierzchni relief, tworząc bogatą grę światła i cienia. Uwypuklają szerokie wstęgi ozdoby, w której dominują stylizowane kształty roślinne i geometryczne Pionowe linie portale, a naprzemienność wysokiego i niskiego reliefu nadaje wzorowi objętość i głębokość. Wystrój portali wielkiego meczetu w Divrigi (1229) i Ince Minar w Konyi (il. 32) wyróżnia się bogactwem zdobnictwa. W płaskorzeźbach portalu Ince Minar duże miejsce zajmuje ornament epigraficzny. Wstęgi napisów, okalające niski łuk wejścia, przeplatają się u jego szczytu w węzeł i idą ku górze; wzdłuż krawędzi portalu wznoszą się dwa kolejne pionowe pasy napisów. W przeciwieństwie do ich płaskiej interpretacji, wiązki kolumn u podstawy łuku i lina otaczająca środkową część portalu wykonane są jako wysoki płaskorzeźba rzeźbiarska. Duże motywy rzeźbiarskie akcentują także narożniki łuku niszowego i jego tympanony. Choć wzór jest pogrupowany w paski i w osobne panele, to generalnie tworzy jedną kompozycję „dywanową”, w ramach której ozdoba swobodnie przemieszcza się z płaszczyzny ściany na drugą.
Wystrój portalu meczetu w Divrigi jest bardzo oryginalny. Stylizowane motywy roślinne, ułożone w rozety i palmety, wypełniają powierzchnię ściany wokół wejścia i tworzą fryz nad łukiem. Profil łuku ma złożony, dziwaczny kształt i jest wypełniony geometrycznymi wzorami i napisami. Nasycając powierzchnię architektoniczną wzorami, architekci seldżuccy zawsze jednak pozostawiali część ściany gładką. Technika ta dodatkowo podkreśliła rzeźbiarski charakter dekoracji. Najczęściej tympanony łuku portalowego pozostawiano niewypełnione wzorami lub dekorowano dwoma symetrycznie rozmieszczonymi rozetami.
Portale seldżuckie Azji Mniejszej charakteryzują się także niszami w ścianach bocznych i stalaktytowymi wypełnieniami sklepienia łukowego. Przykładem jest portal meczetu Sahib-ata w Konyi (il. 33). Wiele mauzoleów w Azji Mniejszej Seldżuków ma bardzo elegancką formę. Na planie kwadratowym lub wielopłaszczyznowym, zwieńczone są zwykle kamiennym namiotem. Są one podobne w typie do niektórych budynków pamięci w Azerbejdżanie i północnym Iranie, ale wyróżniają się rzeźbiarskim charakterem wystroju.
Wśród zabytków architektury świeckiej zachowały się karawanseraje; Wśród nich wyróżnia się potężna budowla sułtana chana w Konyi, zbudowana w 1229 r. Podobnie jak budowle sakralne, karawanseraje często posiadały portale wejściowe, bogato zdobione kamiennymi rzeźbami.
Rozkwitowi architektury towarzyszył rozwój wielu gałęzi sztuki zdobniczej. Rzeźba w drewnie osiągnęła wysokie umiejętności. Dotarł do nas piękny rzeźbiony minbar z połowy XII wieku. z meczetu Alaaddin i rzeźbione drzwi drewniane 13 wiek z Konyi. Wystrój minbaru wyróżnia się przejrzystością, prostotą i surowymi geometrycznymi motywami zdobniczymi. Wysokość płaskorzeźby podkreśla kontrastowa gra światła i cienia na krawędziach i fazach ozdobnych figur. Rzeźbiony wzór drzwi z XIII wieku ma inny, bardziej płaski charakter. Splot taśmy, składający się z kilku pasków, tworzy się symetrycznie motywy geometryczne i pięcioramienne gwiazdy wypełnione drobnymi kwiatowymi wzorami. Ozdobę drzwi Konya wyróżnia przejrzystość konstrukcji i bogactwo interpretacji każdego motywu.
Sztuka seldżucka Azji Mniejszej nieobce była także malarstwu, które rozwinęło się pod wpływem ówczesnych miniatur bizantyjskich, ormiańskich i częściowo irańskich.
Po niszczycielskiej inwazji mongolskiej Sułtanat Rumowy rozpadł się na kilka małych posiadłości feudalnych, którym brakowało niepodległości. Jednak już na początku XIV w. Powstało małe księstwo tureckie, które w wyniku zwycięskich wojen szybko rozszerzyło swoje terytorium w XV wieku. spowodowany miażdżący cios Bizancjum, a w XVI wieku stało się ogromnym potężnym państwem, które oprócz Azji Mniejszej posiadało kraje Azji Zachodniej, Afryki Północnej i Półwyspu Bałkańskiego. Państwo to, od imienia władcy księstwa, zaczęto nazywać osmańskim, a Turcy z Azji Mniejszej, którzy weszli w jego skład, stali się Osmanami. Imperium Osmańskie było despotyzmem wojskowo-feudalnym z rozwiniętym systemem stosunków feudalnych. Kultura państwa osmańskiego wyrosła na ziemi starożytnej lokalne tradycje, po wchłonięciu i przetworzeniu tego, co duże i złożone dziedzictwo artystyczne Seldżucka Azja Mniejsza, a także Bizancjum.
Architektura osmańska przeszła dwa główne etapy swojego rozwoju. Pierwsza, obejmująca XIV i pierwszą połowę XV wieku, związana jest z budownictwem w stolicy Brusa (Bursa) oraz w szeregu innych miastach Azji Mniejszej. W tym okresie tureccy architekci, zachowując techniki budowlane z czasów seldżuckich, dążyli do prostej geometrii poprawne formularze budynek. Do najważniejszych zabytków odzwierciedlających tendencje pierwszego etapu należą budowle sakralne: Ulu-Jami (XIV w.) i Yeshil-Jami (Zielony Meczet, 1423 r.) w Brus, Nilüfer Khatun Imaret i Yeshil-Jami (oba XIV w.) w Izniku i inne budynki. Ulu-Jami przedstawia Duża sala, przedzielona rzędami filarów podtrzymujących sklepienia. Yeshil Jami w Brus składa się z dwóch dużych kopułowych sal rozmieszczonych wzdłuż głównej osi budynku. Do pierwszej, pośrodku której znajduje się marmurowa misa do ablucji, przylegają po prawej i lewej stronie małe kopułowe przestrzenie. Wnętrze wyłożone jest malowanymi kaflami (z przewagą zieleni) i charakteryzuje się bardzo osobliwym przejściem od ścian do koła kopuły, wykonanym w formie fasetowanego fryzu. Portal wejściowy również jest bogato zdobiony reliefowymi płytkami. Technika kompozycyjna umieszczania małych kopułowych pomieszczeń po bokach głównej sali modlitewnej jest typowa także dla innych obiektów sakralnych w Brusa, a także dla wczesnych meczetów w Stambule.
W drugiej połowie XV w. Wkrótce po podboju Konstantynopola, który otrzymał nazwę Stambuł, rozpoczął się kolejny etap rozwoju architektury tureckiej, naznaczony rozkwitem architektury końca XV, a zwłaszcza XVI wieku. Ważna rola W tym okresie ważną rolę odegrały wielkie tradycje sztuki bizantyjskiej.
Natomiast architekci tureccy XV-XVI w., choć wywodzili się z technik architektonicznych i konstrukcyjnych kościołów bizantyjskich, nadali swoim budowlom inny charakter wolumetryczny i przestrzenny oraz wnosili w swój wizerunek nowe treści artystyczne.
W ówczesnych tureckich budynkach sakralnych w różne opcje Opracowano motyw dużego budynku kopułowego. W układzie meczetu sułtana Bajazyda II w Stambule, zbudowanego w latach 1500-1506, architekt Heyreddin nadal nawiązuje do tradycji architektury tureckiej z poprzednich czasów. Kopuła nad salą modlitewną nie opiera się jednak bezpośrednio na ścianach, lecz na czterech masywnych filarach, do których przylegają dwie duże muszle. Nadaje to szczególnego majestatu głównej sali meczetu. Dodatkowo, w odróżnieniu od Brus Yeshil-Jami, basen do ablucji został przeniesiony ze ścian budynku na zewnątrz, na dziedziniec. Takie dziedzińce, które służyły jako wejście do meczetu i otoczone galerią z łukami na kolumnach, stały się obowiązkowe w czasach osmańskich ikoniczna architektura Okres stambulski. Już w meczecie Bayazid dużą wagę przywiązywano do dekoracji architektonicznej dziedzińca. Galeria obejściowa nakryta jest niewielkimi kopułkami. Pełen wdzięku kolumny z białego i różowego marmuru mają stalaktytowe kapitele i noszą ostrołukowe łuki.
Następny ważny krok w rozwoju architektury tureckiej, kiedy osiągnęła ona wysoką doskonałość, wiąże się z nazwiskiem wybitnego tureckiego architekta Hodji Sinana (1489 -1578 lub 1588). Przypisuje się mu budowę setek budynków, w tym wielu meczetów, madras, mauzoleów, pałaców, mostów i innych budowli. Sam Sinan szczególnie podkreślił trzy swoje dzieła: meczety Shehzade (1543-1548) i Sulejmana (1549-1557) w Stambule oraz meczet Selimiye (między 1566-1574) w Edirne (Adrianopol). W jednym ze swoich pism Sinan podaje, że meczet Shehzade był dziełem jego ucznia, Suleymapie był dziełem ucznia, a Selimiye w EdiRne było dziełem mistrza.
Problem przestrzeni wewnętrznej miał w twórczości Sinana ogromne znaczenie. Rozwiązując go, stał się bezpośrednim spadkobiercą tradycji bizantyjskich, ale podszedł do tego problemu inaczej niż oni genialni twórcy Zofia z Konstantynopola. Architekt Sinan zastosował bizantyjską konstrukcję kopułową, rezygnując jednocześnie z jasnego podziału przestrzeni wnętrza na środkową część kopuły głównej i podporządkowane jej części boczne, oddzielone kolumnadami. Kopuły budynków muzułmańskich wznoszą się z czterech stron na dużych konchach, poniżej których znajdują się mniejsze sklepienia łuku PI. Turecki architekt w swoich najlepszych dziełach architektonicznych stworzył ogromne, niepodzielne, jednolite przestrzenie pod kopułami, które odpowiadały celom kultu muzułmańskiego i ucieleśniały ideę wielkości potężnego Imperium Osmańskiego. Jednocześnie w twórczości osmańskiego architekta ujawniła się także charakterystyczna dla sztuki jego czasów chęć dekoracyjnego rozwiązania problemów artystycznych. Zasada dekoracyjna w budynkach Sinana organicznie wpłynęła na tkaninę obraz artystyczny. Znalazło to odzwierciedlenie w malowniczym rozczłonkowaniu formy architektonicznej z licznymi sklepieniami, wnękami i oknami, a także w nasyceniu wnętrz elementami zdobniczymi. malowidła ścienne, bogato inkrustowane marmurowymi panelami, kolorowymi wzorami witraży. W meczecie Szekzadeh masywne fasetowane filary podtrzymujące kopułę są nadal bardzo wyraźnie narysowane, a konstrukcję sklepień wyraźnie podkreślają naprzemienne jasne i ciemne mury łuków w kształcie klina (il. 35 a). W Sulaymaniyah architekt osiągnął większą jedność elementów wolumetryczno-przestrzennych i dekoracyjnych (il. 36). Ważną rolę odgrywa tu kształt filarów podtrzymujących żagle oraz kopuła. Synaj nadał im złożony profil, sprawiając, że ich linie zdają się zlewać z bogatym i ułamkowym podziałem powierzchni ścian.
Kolejne bardzo doskonałe rozwiązanie kompozycyjne i przestrzenne architekt znalazł przy tworzeniu Selimiye w Edirne. Kopuła opiera się na ośmiu filarach; utworzona przez nich gigantyczna rotunda została „wpisana” w kwadrat ścian, tak że cała przestrzeń zlała się w jedną całość. Bogata plastyczność powierzchni ścian i filarów podtrzymujących kopułę nadaje wnętrzu malowniczy charakter. Jasne oświetlenie całej ogromnej przestrzeni poprzez dużą liczbę okien rozmieszczonych na kilku poziomach potęguje wrażenie świątecznej powagi i przepychu.
Budynki Sinana różnią się wyglądem od bizantyjskiej Sofii; zwiększono ich proporcje, kopuły mają bardziej stromy profil. Kopuła Sulejmana wznosi się o 6 metrów wyżej niż kopuła Zofii. Budynki Sinana również różnią się od siebie. Architektura meczetu Szekzadeha jest dość ciężka. W Meczecie Sulejmana (il. 35 6) wszystkie proporcje są harmonijne, sylwetkę wyróżnia gładkość i wdzięk linii. Cała bryła budynku mieści się w regularnym trójkącie. Odpowiednio zdecydowano o kompozycji minaretów, rozmieszczonych w narożach dziedzińca otoczonego kolumnadą: pierwsza para minaretów jest niższa od dwóch pozostałych, sąsiadujących z budynkiem meczetu. Sulejmana wzniesiono na szczycie wzgórza nad Złotym Rogiem; Budynek z wyraźnym rytmem form architektonicznych jest dobrze widoczny z daleka.
Architektura Selimiye w Edirne również wyróżnia się niezwykłą integralnością (ryc. 34). Kompozycję budynku zbudowano z kondygnacji zwężających się ku górze, płynnie przechodzących w półkulę kopuły. Rytm linii pionowych i poziomych przenika całą architekturę meczetu. Płaszczyzny ścian podzielone są poziomo łukami, z których każdy zawiera rzędy okien. Osobliwe występy wznoszące się schodkowo, umieszczone pomiędzy łukami i
uzupełnione ośmioma wieżyczkami z małymi namiotami, dzielą w pionie masę budynków. Wieże te nawiązują do czterech cienkich i smukłych minaretów, które tworzą wrażenie środowisko, podkreślają znaczenie skali budowli. W architekturze tureckiej, nawet z okresu przed Stambułem, obecnie ugruntowana tradycyjny kształt cienki, smukły minaret, którego fasetowany lub karbowany pień podzielony jest balkonami na dwie lub trzy kondygnacje i zwieńczony ostrą iglicą.
Majestatyczne wrażenie, jakie wywołują tureckie monumentalne budowle sakralne, w dużej mierze zależy od kontrastowego zestawienia pionów minaretów, przypominających igły skierowane w niebo, z sylwetką budowli tworzącą spokojnie i płynnie zakrzywioną linię, rytmicznie powtarzaną przez łuki na ścianach budynku.
Dzieło Sinana było szczytem rozwoju tureckiej architektury epoki feudalnej. Jednak już w XVII w. umiał wznosić majestatyczne budowle, których architektura nawiązywała do tradycji poprzedniego stulecia. Wśród dzieł monumentalnej architektury XVII wieku. Na szczególną uwagę zasługuje meczet Ahmediye (1609-1614), wzniesiony przez architekta Mehmeda Aghę (1540-1620). Budowla ma monumentalne proporcje, piękną sylwetkę i jest otoczona sześcioma smukłymi minaretami (ryc. 37). Zalane światłem rozległe wnętrze meczetu jest pełne blasku i koloru dzięki niebieskim, zielonym i białym kafelkom, które pokrywają ściany od podłogi aż po łuki niczym ciągły dywan (meczet nazywany jest czasem Zielonym Meczetem).
Turecką architekturę pałacową charakteryzuje układ parkowy i konstrukcja budynków typu pawilon w ogrodzie. W pałacu Topkapu w Stambule zachował się XV-wieczny Çinili Köşk (pawilon fajansowy). i Bagdad Keshk - XVII wiek. Za kolumnadą tarasu Chinili Keshka – surową i przejrzystą w swojej formie – kryje się bogactwo dekoracja wnętrz, w którym główne miejsce zajmuje kolorowa okładzina ceramiczna z różnorodnymi motywami roślinnymi i kaligraficznymi napisami dekoracyjnymi. Ściany pokoi niczym dywan pokryto kwiatowym wzorem z zielonych lub niebieskich łodyg przeplatających się na białym tle z czerwonymi kwiatami goździków i tulipanów. Inną, równie powszechną techniką dekoracji, były kaflowe panele z wizerunkami stylizowanych drzew, głównie cyprysów, lub wazonów, z których wyrastały fantazyjnie zakrzywione, kwitnące gałęzie i pędy. Sibilas (fontanny) w formie pawilonów kopułowych, wznoszone masowo w Stambule i innych miastach Turcji, ozdobione były pięknymi zdobionymi kratami i marmurowymi rzeźbami.
Z czasów świetności architektury osmańskiej, oprócz dużej liczby budynków sakralnych i pałacowych, zachowały się fortyfikacje, budynki handlowe (zadaszone targi, karawanseraje) i budynki mieszkalne. W XVIII i XIX wieku. Monumentalna architektura Turcji doświadczyła upadku.
Malarstwo tureckie znane jest głównie z miniatur, które rozwinęły się pod silnym wpływem azerbejdżańskich i irańskich szkół artystycznych epoki Safawidów. Już w XV i na początku XVI wieku. Istnieje kilka ilustrowanych rękopisów, wśród których dwie miniatury z rękopisu wykonanego dla Bayazida II (1481 -1512) stanowią interesujący przykład sztuki tureckiej. Charakterystyczne kompozycje budowane są w formie fryzów oddzielonych od siebie złotymi pasami, a także wielobarwnych, ale generalnie ciemnych barw: gęstego błękitu i zielony kolor w tle, figury szarobrązowe.
O zainteresowaniu kręgów dworskich Stambułu sztukami pięknymi świadczy zaproszenie na dwór sułtański w 1480 r. Włoski artysta Gentle Belliniego. Sinan Bey uważany jest za pierwszego malarza tureckiego, którego pędzle przypisuje się portretowi Mahmuda II, wykonanemu pod wpływem europejskiej sztuki realistycznej.
Okres świetności miniatur tureckich datuje się na XVI wiek. Największymi artystami tamtych czasów byli Haydar i Vali-jan z Tabriz. W drugiej połowie XVI wieku ostatecznie rozwinął się styl miniatur tureckich. To był dworzanin sztuka, który w warunkach feudalno-despotycznego systemu osmańskiej Turcji gloryfikował i wywyższał sułtana. W porównaniu ze współczesną miniaturą Safavidów miniatura osmańska jest bardziej prozaiczna w treści figuratywnej, brakuje jej liryzmu i romantyzmu charakterystycznego dla dzieł mistrzów z Tabriz z XVI wieku. Miniatura turecka przyciąga narracją i przejrzystością opowieści. Tureccy artyści opracowali także własny, specjalny dekoracyjny i kolorowy system miniatur. Kompozycja w ich pracach zbudowana jest na wyraźnym rytmie liniowym i kolorystycznym; figury ułożone są zwykle w rzędach fryzowych; przestrzenność podkreśla się poprzez podzielenie planów, czasem artysta sięga po określone techniki konstrukcja perspektywiczna. Rozumienie linii jest wyjątkowe: kontury przedstawionych postaci są kanciaste i sztywne. Wyrafinowanie graficzne i melodyjność miniatur Tabriz są obce tureckim artystom. Kolorystyka jest również ciężka i szorstka, często zbudowana na ostrym zestawieniu kontrastujących kolorów. Jednak ogólnie rzecz biorąc, miniatury tureckie, z ich nieodłączną harmonią jasnych „otwartych” kolorów i osobliwościami rytmicznej struktury kompozycji, tworzą holistyczny, kolorowy, optymistyczny i świąteczny obraz artystyczny.
Styl malarstwa tureckiego drugiej połowy XVI wieku. znalazł swój najjaśniejszy i najpełniejszy wyraz w miniaturach rękopisu „Historia sułtana Sulejmana”, przechowywanych w kolekcji Chestera Beatty'ego (Londyn). Rękopis zawiera ponad dwadzieścia dużych miniatur przedstawiających wyprawy sułtana, uroczyste przyjęcia, wizyty w miejscach świętych, forty i twierdze zdobyte przez Sulejmana oraz majestatyczne meczety wznoszone na jego rozkaz. Autor ilustracji doskonale władał zasadami średniowiecznego malarstwa orientalnego w miniaturze. Obrócił kompozycje w górę, jakby obserwując każdą scenę z lotu ptaka. Postacie ludzi są statyczne, ich ruchy są kanciaste, a twarze pozbawione wyrazu. Jednak nie tylko te techniki, przejęte z arsenału tradycji, przesądziły o oryginalności miniatur rękopisowych. Przyciągają dźwięczny, kolorowy rytm i specjalne techniki ujawniania treści figuratywnych.
Miniatura „Suleiman wśród swojej armii” przedstawia armię sułtana podczas kampanii. W centrum kompozycji, na czarnym koniu, Sulejman ze swoją świtą; wokół, wypełniając całą płaszczyznę prześcieradła, znajdują się jednostki jego armii: wojownicy piesi i konni, których głowy zdobią turbany, hełmy lub specjalne wysokie nakrycia głowy. Niektóre jednostki piechoty są uzbrojone w karabiny, inne w łuki i strzały; jeźdźcy mają długie piki; w tle muzycy, za którymi widać transparenty. Faliste linie wzgórz, czasem pomalowane na jasnozieloną, czasem bladofioletową, zza której widać oddziały wojowników, a także układ postaci w fryzowych rzędach, wprowadzają do kompozycji rytm spokoju , uroczysty, wyraźnie ukierunkowany ruch.
Kolor miniatury stwarza barwne widowisko. W strojach wojowników preferowany przez tureckich artystów soczysty karmazynowo-czerwony kolor przeplata się z błękitem, pomarańczą, fioletem i rzadziej zielenią. Turbany i wysokie nakrycia głowy tworzą smukłe, rytmiczne rzędy białych plam. Ponadto miniatura mieni się złotem, które mieni się na hełmach, na broni żołnierzy, na siodłach i uprzęży koni, a także na białych ubraniach sułtana i niektórych jego szlachciców.
Początek narracyjny pojawia się bardzo wyraźnie w innej miniaturze przedstawiającej przeprawę przez rzekę Drawę (il. 39). Na pierwszym planie oddział kawalerii przechodzący przez most; torując mu drogę, dwóch woźniców ciągnie walczące muły obciążone dużymi ciężarami. Za mostem widać jeźdźca szybko płynącego przez rzekę. Po obu brzegach rzeki stały oddziały wojowników, towarzyszył mu sułtan i jego świta. Charakterystyczne jest, że w tej miniaturze, podobnie jak w wielu innych, artysta, przedstawiając most i rzekę, posługuje się techniką redukcji perspektywy, a także oddaje przepływ wody.
Artyści X wieku Oprócz miniatur typowo tureckich wykonali dzieła nawiązujące do tych z Tabriz, ale oryginalne w fabule i kolorystyce. Są to na przykład ilustracje „Divan” Bacy (Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art) i rękopisu „Antologia” (Londyn, kolekcja Chestera Beatty’ego).
W XVII wieku Tureccy miniaturzyści nie stworzyli dzieł szczególnie znaczących; Pewne ożywienie w malarstwie nastąpiło na początku XVIII wieku i wiązało się ze wzrostem wpływów sztuki europejskiej.
Sztuka użytkowa Turcji, zwłaszcza w XVI i XVII wieku, słynęła z ceramiki, tkanin, dywanów, wyrobów metalowych - naczyń, broni. Turecka ceramika artystyczna – licowa i użytkowa – rozwinęła się już w XV wieku w wielu miastach Azji Mniejszej. Ozdobę ceramiki tureckiej charakteryzują duże motywy roślinne, wykonane w sposób dekoracyjny, raczej swobodny malarsko. Na podstawie rodzaju malarstwa w ceramice tureckiej z XVI-XVII wieku. Istnieją dwie grupy. W kolorystyce jednej grupy naczyń, której centrum stanowiło miasto Iznik, dominuje kolor koralowo-czerwony, który w połączeniu z zielenią i błękitem tworzy intensywną gamę kolorystyczną. Lekko wypukły wzór uwydatnia grę refleksów na powierzchni szkliwa. W zdobnictwie ceramiki iznickiej, obok wzorów roślinnych, czasem podawanych w formie bujnych bukietów, pojawiają się postacie zwierząt i ludzi. Wyjątkowym motywem w wystroju tej ceramiki jest stylizowany, ale bardzo dynamicznie wyrazisty wizerunek żaglówki z charakterystycznym ukośnym żaglem.
Druga grupa ceramiki malowanej, pochodzącej z Damaszku, charakteryzuje się niebieską gamą tonów, lekko stylizowanymi wizerunkami tulipanów, goździków, irysów i winogron, ułożonymi w eleganckie bukiety na dnie naczyń (il. 38) i na dnie. powierzchnia dzbanków o kulistym korpusie.
Tureckie tkaniny jedwabne i brokatowe są bardzo kolorowe. Charakterystyczną cechą ich zdobnictwa są wielkoformatowe wizerunki tulipanów, goździków i hiacyntów. Motywy roślinne, interpretowane w sposób uogólniony i zdobniczy, tworzą kompozycje dekoracyjne o dźwięcznym kolorze. Ulubiony kolor tkanin to głębokie czerwone tło, na którym mienią się złote i srebrne wzory.
Tkanie dywanów było w Turcji bardzo rozwinięte. Najstarsze przykłady dywanów tureckich pochodzą z XIII wieku, ale większość dywanów, które do nas dotarły, pochodzi z XVI i XVII wieku. Tematem były dywany rzemiosło ludowe; Produkowano je także w warsztatach dworskich. Ozdoba tureckich dywanów składa się z bardzo stylizowanych motywów roślinnych; Popularne są także kształty geometryczne. Kolorystyka dywanów jest powściągliwa, kompozycja jasna i wyrazista. Niektóre dywany tureckie charakteryzują się centralnym polem wypełnionym wzorem, otoczonym kilkoma paskami bordiury; Powszechnie stosowane są dywaniki modlitewne – tzw. namazliki, których centrum kompozycji stanowi wizerunek mihrabu. Ze względu na miejsce produkcji dywany tureckie dzieli się na kilka rodzajów, z których najważniejsze to dywany Gerdes i Ushak.
Szczególnie znane są ogromne uszy, których kolor opiera się na odważnym połączeniu plam karminowej czerwieni i granatu. Na pospolitym czerwonym tle, oprawionym, w odróżnieniu od większości tureckich dywanów, jedynie cienką ramką, rytmicznie naprzemiennie różne kształty niebieskie medaliony wypełnione drobnymi literami z białymi i kolorowymi motywami roślinnymi. Internet kwiatowy wzór obejmuje również pole czerwonego dywanu. W przeciwieństwie do niektórych dywanów azerbejdżańskich i irańskich, uszaki nie mają centrycznego układu wzoru medalionu, a ich zdobnictwo nie posiada wyrafinowanej linii charakterystycznej dla kompozycji „ogrodowych” i „wazonowych”. Jednak ze względu na oryginalność kolorowego rytmu zdobniczego, a zwłaszcza siłę i dźwięczność kolorystyki, ushaki, podobnie jak wiele innych tureckich dywanów, są wspaniałymi dziełami sztuki dekoracyjnej.
Turecka sztuka średniowieczna zajęła szczególne miejsce w historii kultury artystycznej Bliskiego Wschodu. Głęboko różni się od sztuki swoich sąsiadów Narody arabskie jest ściśle związana z lokalną, wielowiekową azjatycką tradycją artystyczną. Rozwinąwszy się stosunkowo późno, rozwiązał jednak w sposób jasny i oryginalny szereg ważnych problemów artystycznych średniowiecza, zwłaszcza w dziedzinie architektury oraz sztuk zdobniczych i użytkowych. W okresie seldżuckim istniała aktywna interakcja twórcza między sztuką a kulturą turecką. sąsiadujące narody. W XVI-XVII wieku, w czasach potęgi politycznej Imperium Osmańskiego, pałace i meczety budowano według wzorców stambulskich w krajach arabskich, na Półwyspie Bałkańskim i na Krymie. Turecki fajans, tkaniny, dywany i inne przedmioty sztuki użytkowej stały się powszechne.