Zalety:
Dużo wolnego czasu;
Możliwość obejrzenia wszystkich przedstawień w teatrze i wszystkich filmów w kinie.
Wady:
Mała pensja.
Wymagane umiejętności:
Oderwij papier;
Dobrze rozwinięte mięśnie nóg wytrzymujące cały dzień w pozycji stojącej;
Cierpliwość.
Spis:
Kieszeń lub woreczek do przechowywania wyrwanych z nich odcinków biletów.
Sprawdzanie biletów nie jest najbardziej prestiżową pracą, jaka istnieje na rynku pracy, ale nadal jest możliwa jako opcja. Dziś zawód ten jest dysonansowo nazywany „biletarzem”, wcześniej jednak kasjera w teatrze, sprawdzającego bilety wstępu i utrzymującego porządek na sali, nazywano bileterem. A był to, trzeba przyznać, dość prestiżowy zawód.
Ale czasy i moralność się zmieniają, ale zawody pozostają, niektóre tracą swoje dawne znaczenie, zmieniają się i zyskują nowe cechy. Dziś bileterzy pracują w cyrkach, teatrach, kinach i klubach.
Praca jako woźny w teatrze jest bardziej odpowiednia dla emerytów, którzy w zasadzie mają pieniądze, ale po prostu nie chcą siedzieć w domu, ale chcą komunikować się z ludźmi. I po prostu pracując jako odbiorcy biletów, w pełni realizują swoją potrzebę komunikacji.
Funkcje bileterów są bardzo proste: stoją przy wejściu na salę, sprawdzają bilety osób, które przyszły na spektakl, odrywają część biletu z napisem „kontrola” (w celu zgłoszenia) i nie pozwalają osoby bez biletów. Biletariuszy jest zazwyczaj kilku, o ich liczbie decyduje ilość drzwi wejściowych do sali. Z reguły przy każdych drzwiach stoi dwóch kasjerów. Jednak w tej pracy występują pewne trudności. Główna trudność polega na tym, że trzeba pracować na pełny etat (w teatrze zaczyna się o 10:00 i kończy o 22:00, a w kinie cały dzień), stojąc prawie w jednym miejscu . No i trzeba mieć bardzo wygodne buty, żeby stopy się nie męczyły.
Ponadto do obowiązków woźnych należy utrzymanie porządku na sali podczas sesji lub występu, tak aby nikt nie chodził po sali, nie wstawał z miejsc ani nie mówił głośno; pomóc odwiedzającym w znalezieniu miejsca; odpowiedzieć na ich pytania.
Wynagrodzenie pozostawia wiele do życzenia i wynosi średnio 1200 rubli miesięcznie.
Ostatnio pojawiła się nowa specjalność, tzw. bileterzy, którzy sprawdzają bilety do nocnych klubów. Ich zadaniem jest sprawdzenie biletów przy wejściu Klub nocny. Muszą także zachować porządek podczas dyskoteki i, jeśli to możliwe, pozwolić sytuacje konfliktowe z gośćmi. Pracować może każdy: zarówno chłopcy, jak i dziewczęta. Jednak kluby, aby mieć całkowitą pewność bezpieczeństwa klubu i jego gości, starają się zatrudniać młodych ludzi, którzy są atletycznie zbudowani i mają rozwinięte mięśnie. Niektóre kluby nocne mają tak zwaną kontrolę twarzy. Zadaniem ochroniarza jest niewpuszczanie do klubu podejrzanych osób, niezależnie od tego, czy posiadają one bilety. Prowadzi to często do sporów sądowych, które często są zaostrzone pijany gość. Zwłaszcza w takich przypadkach statut każdego klubu nocnego lub kompleksu rozrywkowego musi zawierać następujące postanowienia: „Administracja ma prawo odmówić wizyty bez podania przyczyny”, a także „Administracja ma prawo usunąć gościa z terenu klubu w dowolnym momencie bez podania przyczyny.”
Dzień pracy (a raczej noc) pracownika kontroli twarzy trwa od 20.00 do 4.00-6.00 rano. Ze względu na pewne niebezpieczeństwa związane z taką pracą płaca oczywiście wyższa niż babci, która sprawdza bilety w teatrze i porozumiewa się z inteligentną publicznością. Średnio wynosi 7 000–9 000 rubli.
Jeśli więc interesujesz się kinem, teatrem czy cyrkiem, możesz zostać tam woźnym. Powodzenia!
Nie możesz tego zrobić, jeśli...
Nie możesz długo stać na nogach.
Drodzy przyjaciele! Oczywiście wiesz, że aby produktywnie pracować, musisz mieć możliwość odpoczynku. Jeden z przyjemnych i sposoby kulturowe Wizyta w teatrze od dawna uważana jest za wakacje. Ale już za pierwszymi drzwiami, w lobby, znajdujemy się w świecie pełen tajemnic i zagadki. W dosłownym tego słowa znaczeniu. Często jesteśmy przytłoczeni napływem obcych osób niejasne słowa: foyer, administrator, stoiska, antresola... Co robić? Gdzie mogę znaleźć administratora? Gdzie lepiej kupić bilet: na stragany czy na antresolę? Gdzie mogę znaleźć lobby? Spróbujmy to rozgryźć.
Zacząć od nowa. Czym jest teatr?
Teatr(z gr. Θέατρον – znaczenie główne – miejsce na okulary, następnie – spektakl, od θεάομαι – patrzę, widzę) – forma sztuki performatywnej.
Teatr jest syntezą wszystkich sztuk, obejmuje muzykę, architekturę, malarstwo, kino, fotografię itp. Głównym środkiem wyrazu jest aktor, który poprzez działanie, wykorzystując różne techniki teatralne i formy egzystencji, przekazuje widzowi istotę tego, co dzieje się na scenie.
W tym przypadku aktor nie musi być żywą osobą. Może to być lalka lub jakiś przedmiot kontrolowany przez osobę. Teatr uważany jest za najpotężniejszy środek oddziaływania na ludzi, ponieważ widząc, co dzieje się na scenie, widz utożsamia się z tą czy inną postacią. Poprzez katharsis (oczyszczenie przez cierpienie) zachodzą w nim zmiany. Główni pracownicy teatru: reżyserzy, aktorzy, charakteryzatorzy, szatniarze, technicy oświetlenia, kasjerzy, choreografowie, artyści, pracownicy sceny. Ale o nich trochę później.
Po otwarciu pierwszych drzwi wejściowych znaleźliśmy się w holu.
I, m. Duże pomieszczenie oddzielające głównie wejście od wewnętrznych części budynku. publiczny W wielu teatrach kasa biletowa i okno administratora znajdują się w holu.
W kasa fiskalna Istnieje możliwość zakupu biletu na bieżący spektakl lub na przyszłe spektakle teatralne. Jeżeli spektakl zostanie odwołany, tutaj możesz zwrócić swój bilet lub dowiedzieć się, kiedy odbędzie się odwołany spektakl.Tam też znajduje się okno administratora.
Administrator– członek zespołu teatralnego, odpowiedzialny za stronę organizacyjną i codzienną pracę kasjerów, bileterów i pozostałego personelu teatru, często także za udostępnienie bezpłatnych lub ulgowych biletów na i w trakcie konkretnego spektaklu; odpowiada za przestrzeganie zasad bezpieczeństwa i przepisów podczas pobytu widzów na terenie teatru. Po przekroczeniu drugich drzwi znajdziesz się w foyer teatru.
Neskl., śr. Pomieszczenie w teatrze (kinie, cyrku), w którym widzowie mogą przebywać przed rozpoczęciem spektaklu, spektaklu, spektaklu, a także aby widzowie mogli odpocząć w przerwie. Z foyer na parterze można przejść do szatni.
– pomieszczenie lub specjalnie wydzielone miejsce w holu wejściowym, w którym widzowie mogą zostawić odzież wierzchnią, czapki, parasole (itp.) do przechowania na czas spektaklu. Jeśli budynek teatru ma kilka pięter, wówczas foyer będzie na każdym z nich.
A teraz wchodzisz do sali. Przed tobą scena i rzędy krzeseł, które „odchodzą” od niej rzędami i poziomami. Jak dowiedzieć się, dokąd iść? Z jednej strony administratorzy hali zawsze Ci pomogą. Z drugiej strony, oto nasze wskazówki: rzędy siedzeń znajdujące się najbliżej sceny nazywane są straganami, za nimi znajduje się amfiteatr, wokół nich i nieco powyżej znajdują się loże i antresola, nad nimi znajduje się wielopoziomowy balkon .
Parter(franc. arterre - na parterze) - dolna kondygnacja widowni w teatrze z miejscami dla publiczności w przestrzeni od sceny lub orkiestry do przeciwległej ściany lub do amfiteatru. Przodkiem straganów była ławka senatorska w teatrach Starożytny Rzym. W XVII wieku, po pojawieniu się piętrowego budynku teatru, zmieniły się także stragany, nabierając nowych rozmiarów nowoczesny wygląd. Stragany przeznaczone były dla niższych klas, dlatego przez długi czas brakowało miejsc siedzących – widzowie musieli oglądać występy na stojąco. Pojawiły się miejsca siedzące na stoiskach początek XVII wieku w prywatnych teatrach krytych w Anglii. Następnie ustawiano siedzenia według potrzeb. Obecnie siedzenia najczęściej ustawia się w rzędach, które wznoszą się od sceny do amfiteatru i są równoległe do krawędzi sceny. Miejsca siedzące oddzielone są przejściami umożliwiającymi wyjście ze stoisk.
Amfiteatr– to miejsca dla widzów za trybunami, rozmieszczone w wyniosłym półkolu.
Wigwam- Jest to wydzielone pomieszczenie na widowni, w formie małego wewnętrznego balkonu, przeznaczone dla kilku widzów. Loże z reguły umieszczane są po bokach i za straganami, na poziomach, a także po bokach proscenium lub w sąsiedztwie orkiestronu (takie loże nazywane są „benouir”). Charakteryzuje się niedostateczną widocznością sceny; czasami używany do sprzętu oświetleniowego.
Półpiętro– siedzenia na widowni, zwykle rozmieszczone w półkolu lub po linii krzywej, za i nad kramami oraz amfiteatrem. Czasami uważany za balkon pierwszej kondygnacji teatru.
Balkon– są to miejsca dla widzów, umiejscowione nad stoiskami, na różnych poziomach widowni. Uwaga: często w literaturze anglojęzycznej słowo „balkon” oznacza balkon pierwszej kondygnacji. Zajęłaś swoje miejsce i zamarłaś w oczekiwaniu na występ...
Definicje prezentowanych terminów pochodzą ze stron internetowych.
Proscenium- przestrzeń sceny pomiędzy kurtyną a widownią.
Jako plac zabaw proscenium jest szeroko stosowane w operach i teatrach występy baletowe. W teatry dramatyczne proscenium stanowi główną scenerię dla małych scen przed zamkniętą kurtyną, łączących sceny spektaklu.
Niektórzy reżyserzy wysuwają na pierwszy plan akcję główną, poszerzając obszar sceny.
Aktor- żywy związek pomiędzy tekstem autora, reżyserią i percepcją widza. W historii teatru to trudne zadanie uczynił z aktora albo osobę uwielbianą i tajemniczą, albo istotę pogardzaną przez społeczeństwo, ogarniętą niemal instynktownym strachem. Przez długi czas termin „aktor” oznaczał charakter spektaklu; następnie - odgrywacz ról, rzemieślnik sceniczny, komik.
W Tradycja zachodnia aktor wciela się w postać, wcielając się w nią, reprezentując jej fizyczną obecność na scenie, utrzymując prawdziwie „fizyczny” kontakt z publicznością, który ma za zadanie odczuć bezpośrednio odczuwaną cielesność, a także ulotność i nieuchwytność jego wyglądu. Aktor, jak się często mówi, jest opętany przez inną istotę, która go przemienia. Stąd romantyczny mit aktora „od Boga”, dla którego nie ma różnicy między sceną a życiem.
Jednak aktor potrafi też pokazać dystans dzielący go od roli. Tutaj toczy się stara debata między zwolennikami „szczerego” aktora, który doświadcza wszystkich uczuć swojej postaci, a aktorem, który potrafi je uspokoić i przedstawić.
Na naszej stronie internetowej w zakładce „Księga gości” widzowie mają niepowtarzalną możliwość zadawania pytań aktorom teatru. JEST. Turgieniew, naucz się od nich wszystkich subtelności i tajemnic zawodu.
Przerwa- okres czasu pomiędzy akcjami, w którym gra zostaje przerwana, a możliwością opuszczenia sali przez publiczność. Ta „przerwa” oznacza powrót realnego czasu społecznego, zniszczenie iluzji, możliwość refleksji. Przerwa jest konieczna w przypadku zmiany scenerii, podczas długiej pauzy, zaciemnienia lub zmiany na oczach widza.
W renesansowym teatrze dworskim przerwa miała szczególne znaczenie. To właśnie w tym czasie widzowie mogli pokazać sobie nawzajem swoje luksusowe toalety.
Przerwa jest odpoczynkiem dla publiczności, ale wcale nie dla akcji. Oczekuje się, że bohaterowie będą kontynuować swoje życie pomiędzy aktami.
Przerwa jest także koniecznością psychologiczną dla widza, którego uwagę bez przerwy trudno utrzymać dłużej niż dwie godziny. Dodatkowo powrót do rzeczywistości zmusza widza do przemyślenia tego, co zobaczył, oceny dzieła teatralnego, uogólnienia i usystematyzowania wielu wrażeń. To moment przebudzenia krytyczności. Nic dziwnego, że epicka dramaturgia przyczynia się do wzrostu liczby takich przerw w przedstawieniu, zmuszając widza do „interweniowania” w momentach niszczenia iluzji. Z kolei performansy oparte na hipnotycznym wpływie i utrzymane w określonym rytmie często dziś całkowicie rezygnują z takich wytchnień.
Przerwa w OGAT imienia. JEST. Turgieniew trwa zwykle 15 minut. W tym czasie publiczność może odwiedzić bufet teatralny znajdujący się na drugim piętrze, a także Muzeum Historii Sceny Oryol.
Rola- rodzaj roli, jaką pełni aktor, odpowiadający jego wiekowi, wyglądowi i stylowi gry. W szczególności rozróżnia się role komiczne i tragiczne.
Brawa - szczere spotkanie widza i performera wykraczające poza granice fikcji. W ścisłym tego słowa znaczeniu oklaski (klaśnięcie w dłonie) są zjawiskiem dość uniwersalnym. Przede wszystkim świadczy o tzw. reakcji fizycznej widza, który po wymuszonym bezruchu uwalnia swoją energię.
Oklaski zawsze pełnią funkcję kontaktową, co oznacza: „Dostrzegam Cię i doceniam”.
Zwyczaj oklaskiwania aktorów sięga starożytności. Do tego rodzaju działalności starożytni Grecy wymyślili nawet małego uroczego boga - Krotosa.
W XVII wieku Zwyczaj klaskania w dłonie był powszechny w całej Europie. W niektórych kulturach społeczeństwo okazuje swoją aprobatę krzykiem lub gwizdkiem. Aktorzy OGAT-u imienia I.S. Turgieniewa proszą w tym sensie swoich widzów, aby nie odbiegali od rosyjskiej tradycji i zasad grzeczności.
Dyskusyjne jest, czy można klaskać podczas występu i w ten sposób przełamać iluzję. Przecież oklaski to element dezaznajomienia, wtargnięcia rzeczywistości w sztukę.
Dziś widzowie chętnie oklaskują aktorów, ich dowcipy, scenografię na początku akcji, przerywają przebieg spektaklu. Widzowie bardziej intelektualni czy „awangardowi” swój entuzjazm okazują dopiero po zasunięciu kurtyny, by nie zachęcać do indywidualnych odkryć aktorskich czy reżyserskich, lecz by na koniec przedstawienia od razu podziękować wszystkim twórcom, nazywając reżysera, scenograf, a nawet autor na scenę.
Zdarza się, że oklaski są „inscenizowane” przez reżysera.
Przedsiębiorcy teatralni przez cały czas płacili za usługi zawodowych klik, aby wymusić na widzach przychylne przyjęcie spektaklu. W teatrze Turgieniewa nie ma takiej praktyki. Bądź więc pewien szczerości impulsów swoich sąsiadów na straganach lub amfiteatrze.
Ale wyjścia i wyjścia aktorów ze sceny „na końcu” można inscenizować: aktorzy wydają się nadal odgrywać rolę lub odgrywać scenę komiczną, aby rozśmieszyć publiczność.
Nie zapominaj, że artyści otrzymują OGAT. Dla I.S. Turgieniewa opinia widza jest bardzo ważna. Dlatego oklaski są dla nich najcenniejszą nagrodą!
za kulisami- przestrzeń za sceną główną. Tylna scena jest kontynuacją sceny głównej, służącą stworzeniu iluzji dużej głębi przestrzeni i służy jako pomieszczenie zapasowe do ustawiania scenografii. Na zapleczu znajdują się furki, czyli obracający się okrąg z zamontowanymi dekoracjami. Szczyt tylnej sceny wyposażony jest w kraty z ozdobnymi windami i sprzętem oświetleniowym. Pod podłogą tylnej sceny znajdują się magazyny do wieszania dekoracji.
Korzyść - przedstawienie wystawione na cześć jednego z aktorów lub pracowników teatru jako wyraz uznania dla umiejętności beneficjenta. Najczęściej odbywa się to w związku z różnego rodzaju niezapomniane wydarzenia, rocznice artystów.
Występy benefisowe w Teatrze Turgieniewa są zawsze bardzo ciepłe i obfite w niespodzianki, spotkania starych przyjaciół, wśród których publiczność ma szczególne miejsce honorowe.
Boczna kieszeń sceniczna- pomieszczenie do dynamicznej zmiany scenerii za pomocą specjalnych platform na kółkach. Kieszenie boczne znajdują się po obu stronach sceny. Ich wymiary pozwalają na całkowite dopasowanie dekoracji na furce, która zajmuje całą powierzchnię gry sceny. Zazwyczaj ozdobne obszary do przechowywania przylegają do kieszeni bocznych.
Rekwizyty - specjalnie wykonane przedmioty (rzeźba, meble, naczynia, biżuteria, broń itp.) wykorzystywane w przedstawieniach teatralnych zamiast prawdziwych rzeczy. Rekwizyty są niedrogie, trwałe i wyraziste forma zewnętrzna. Jednocześnie twórcy rekwizytów zazwyczaj rezygnują z reprodukcji szczegółów niewidocznych dla widza.
Produkcja rekwizytów to duża gałąź techniki teatralnej, obejmująca obróbkę mas papierniczych, tektury, metalu, materiałów syntetycznych i polimerów, tkanin, lakierów, farb, mastyksów itp. Nie mniej różnorodna jest oferta produktów rekwizytowych, wymagająca specjalistycznej wiedzy w zakresie prac formierskich, kartonowych, wykończeniowych i ślusarskich, malowania tkanin, bruzdowania metali...
Rekwizyty teatr akademicki nazwani na cześć I.S. Turgieniewa, tworzą prawdziwe cuda z prostych materiałów w swoim arsenale. Czasem nawet przewyższają umiejętnościami słynną wróżkę, która dla swojej równie słynnej chrześniaczki Kopciuszka zbudowała powóz z dyni. Jeśli mi nie wierzysz, przekonaj się sam. Nawiasem mówiąc, występy dzieci zawsze okazują się szczególnie jasne.
Wyższy poziom- część loży scenicznej zlokalizowana nad lustrem scenicznym i ograniczona od góry kratą. Wyposażona jest w galerie robocze i pomosty przejściowe, służy do umieszczania wiszących dekoracji, górnych urządzeń oświetleniowych i różnych mechanizmów scenicznych.
Wodewil - komedia z dwuwierszami i tańcami, będąca gatunkiem sztuki dramatycznej.
Nazwa ta powstała w XVII wieku jako mieszanina dwóch gatunków pieśni.
Pod koniec XV wieku zaczęto śpiewać pieśni tzw Val de Vire- dosłownie „dolina Vir” (Vir to rzeka w Normandii). W XVI wieku Paryż się rozwinął voix de ville(„głosy miasta”) - utwory stroficzne z przewagą treści miłosnych.
W XVII wieku pojawiły się miejskie, ludowe pieśni satyryczne, wykonywane z lub bez prostego akompaniamentu instrumentalnego. Dostali to imię wodewil.
W drugiej połowie XVII wiek we Francji pieśni te zaczęto włączać do małych przedstawień teatralnych, które wówczas zaczęto nazywać „wodewilami”.
Makijaż- sztuka nadawania aktorowi wyglądu niezbędnego do roli.
Makijaż kosmetyczny był stosowany w teatrze od XVI wieku. Do jego głównych funkcji należy „poprawianie natury”. To nawykowe stosowanie makijażu jest szczególnie mile widziane na scenie, ponieważ sztuka ta polega nie tyle na postarzaniu postaci, ile na odmłodzeniu jej.
Niektóre tradycje makijażu teatralnego, na przykład w Chiński teatr, opierają się na czysto symbolicznym systemie korespondencji różne kolory cechy społeczne: biały - dla inteligencji, czerwony - dla nieprzekupnych bohaterów, niebieski - dla dumnych, srebrny - dla bogów.
Ponadto makijaż jest rodzajem żywego kostiumu aktora, który konkuruje z maską ze względu na ruchliwość twarzy. Makijaż wykorzystuje charakterystyczną dla spektaklu teatralnego niejednoznaczność: jest mieszanką naturalności i sztuczności, rzeczy i znaku.
Nie charakteryzując postaci psychologicznie, współtworzy kreację formy teatralne wraz z innymi elementami spektaklu staje się równorzędnym elementem estetycznym spektaklu.
Dekoracja- kreacja na scenie scenicznej scenicznej, figuratywnej, środkami architektonicznymi wizualny obraz działania.
Już samo pochodzenie terminu (malarstwo, zdobnictwo, dekoracja) wskazuje na mimetyczną i obrazową funkcję infrastruktury dekoracyjnej.
Dekoracja powinna być użyteczna, efektowna, funkcjonalna.
Do głównych funkcji scenerii należy ilustracja i reprezentacja elementów, które powinny istnieć w dramatycznym uniwersum, swobodna konstrukcja i modyfikacja sceny, traktowana jako mechanizm zabawy.
Dramat- gatunek literacki (dramatyczny), sceniczny i filmowy. Stało się szczególnie rozpowszechnione w literaturze XVIII-XXI wieku, stopniowo wypierając inny gatunek dramatu - tragedię, przeciwstawiając go przeważnie codziennym fabułom i stylowi bliższemu codziennej rzeczywistości. Wraz z pojawieniem się kina przeniosło się ono również na tę formę sztuki, stając się jednym z najbardziej rozpowszechnionych gatunków.
Dramaty zazwyczaj przedstawiają konkretnie Prywatność Człowiek i jego konflikt ze społeczeństwem. Jednocześnie często kładzie się nacisk na uniwersalne ludzkie sprzeczności, ucieleśnione w zachowaniach i działaniach konkretnych postaci.
Intryga- główna sytuacja dramatu, wokół której rozwija się akcja.
Bileter- pracownik teatru, który sprawdza bilety, odprowadza widzów na miejsca i pilnuje porządku na sali.
Kraty kratowe- podłoga kratowa (drewniana) zlokalizowana nad powierzchnią sceny. Służy do montażu bloków mechanizmów scenicznych oraz służy do prac związanych z zawieszeniem elementów scenografii. Krata połączona jest z galeriami roboczymi i sceną za pomocą schodów stacjonarnych.
Komedia- z greckiego komedia - pieśń rytualna towarzysząca procesji ku czci boga Dionizosa. Wcześniej słowo to oznaczało dowolną zabawę, niezależnie od gatunku.
Zgodnie z tradycją komedię wyznaczają trzy kryteria, które są przeciwieństwem tragedii: bohaterami komedii są ludzie o skromnym statusie, rozwiązanie musi być szczęśliwe, ostatecznym celem spektaklu jest śmiech publiczności. Stąd łatwość adaptacji w każdym społeczeństwie, nieskończona różnorodność przejawów i trudność w skonstruowaniu spójnej teorii komedii.
Komedia prawie zawsze kończy się optymistycznie (małżeństwo, pojednanie, uznanie). Śmiech widza jest w nim czasem śmiechem wspólnika, czasem śmiechem wyższości: chroni widza przed tragicznym niepokojem.
Każdy zabawa komiksowa jest podwójną i antypodą mechanizmu tragicznego. Tragedia gra na naszych najgłębszych niepokojach, komedia gra dalej mechanizmy obronne przeciwko tym zmartwieniom.
Obydwa gatunki odpowiadają zatem na to samo ludzkie pytanie. Przejście od tragicznego do komicznego zapewnia stopień emocjonalnego zaangażowania widzów. Ostatecznie w komedii wszystkie sprzeczności rozwiązywane są w humorystycznym lub sarkastycznym tonie, a świat odnajduje równowagę.
Jednak przywrócenie porządku i szczęśliwe zakończenie musi być poprzedzone okresem niestabilności, po którym nastąpi optymistyczne zakończenie i ostateczne pojednanie.
Za kulisami- pionowe pasy tkaniny okalające scenę.
Wigwam- w tradycyjnym wnętrzu teatralnym zespół siedzeń oddzielony od sąsiadujących ze sobą bocznymi przegrodami lub barierkami.
Historycznie rzecz biorąc, loża była małym pomieszczeniem z osobnym wejściem, w niektórych przypadkach prowadzącym przez mały korytarz, w którym można było zostawić swoje ubrania lub nawet spędzić czas w przerwie. Pomieszczenie to nazywano lożą zewnętrzną. Loże umieszczano zarówno na poziomie kramów (skrzynie benoira), jak i na wyższych kondygnacjach (z których pierwsza, najbardziej prestiżowa, nazywana była antresolą).
Wiele teatrów posiadało loże uprzywilejowane – królewskie (królewskie, prezydenckie), gubernatorskie, reżyserskie, którymi dysponowało dyrekcja teatru. Pozostałe boxy były najczęściej subskrybowane przez bogatych i zacnych koneserów na cały sezon.
Zaletą loży było nie tylko osobne wejście, ale także możliwość oglądania akcja sceniczna, ujawniając się w mniejszym stopniu.
Melodramat- pierwotnie spektakl, w którym najostrzejszym momentom dramatycznym towarzyszyła muzyka wyrażająca emocje niemej postaci.
Z biegiem czasu melodramat staje się nowym niezależnym gatunkiem. Ukazując dobrych i złych ludzi w sytuacjach tragicznych lub wzruszających, melodramat stara się ekscytować widza nie tyle wymową tekstu, ile efektami scenicznymi.
Maksymalnie eksponuje strony bohaterskie, sentymentalne i tragiczne, mnoży niespodziewane zakończenia, uznania i tragiczne komentarze bohaterów. Struktura narracji jest niezachwiana: miłość, zdrada niosąca nieszczęście, triumf cnoty, kara i nagroda, prześladowanie jako „sedno intrygi”.
Forma ta rozwija się w momencie, gdy produkcja zaczyna narzucać spektakularne efekty i zastępować harmonijny tekst nieoczekiwanymi zakończeniami.
Bohaterowie melodramatu, wyraźnie podzieleni na pozytywów i negatywów, pozbawieni są możliwości tragicznego wyboru. Przepełnieni są dobrymi lub złymi uczuciami, nie dręczą ich wątpliwości, nie rozdzierają ich sprzeczności.
Sytuacje melodramatu są często nieprawdopodobne, ale jasno określone: całkowita rozpacz lub niewypowiedziane szczęście; okrutny los bohatera, zakończony happy endem (w optymistycznym melodramacie) lub ponury i pełen napięcia los, jak w horrorze; społeczna niesprawiedliwość lub nagroda za cnotę i męstwo obywatelskie.
Mise-en-scene - w szerokim, ogólnie przyjętym znaczeniu tego słowa - zespół środków interpretacji scenicznej: scenografia, oświetlenie, muzyka i gra aktorska.
W w wąskim znaczeniu termin ten oznacza czynność polegającą na łączeniu różnych elementów interpretacji scenicznej w określone ramy czasowo-przestrzenne dramatyczna praca. Początkowo mise-en-scène wyraża koncepcję klasyczną twórczość teatralna jako pojedynczą harmonijną całość, która nie sprowadza się do prostej sumy materiałów lub sztuk performatywnych, ale stanowi jakościowo nową całość więcej wysoki poziom. Mise-en-scena deklaruje podporządkowanie wszystkich osobna sztuka lub po prostu jakikolwiek znak pojedynczej harmonijnej zasady, jednoczącej idei.
Od samego początku koncepcji mise-en-scène wymogowi jednoczącej idei towarzyszyła świadomość historyczności tekstów i inscenizacji oraz zrozumienie, że istnieje cały ciąg „konkretyzacji” tego samego dzieła .
Jednym słowem jest to transformacja, a raczej konkretyzacja tekstu poprzez aktora, poprzez przestrzeń sceniczną, osadzoną w czasie przeżywanym przez widza.
Przestrzeń, że tak powiem, przekładana jest na słowa: tekst zostaje zapamiętany i zapisany w przestrzeni gestów aktora. Artystka poszukuje takich ruchów, takich póz, które najlepiej korespondowałyby z przestrzennym zapisem tekstu. Zebrane w tekście słowa dialogu istnieją teraz osobno, są wpisane w przestrzeń i czas sceniczny, można je zobaczyć i usłyszeć.
Mise-en-scène obejmuje zarówno środowisko, w którym egzystują aktorzy, jak i psychologiczne, gestowe rozwiązanie roli. Każde mise-en-scène jest interpretacją tekstu poprzez „akcję”; dostęp do spektaklu możliwy jest dla nas jedynie poprzez taką reżyserską lekturę.
Mise-en-scene zawsze wiąże się z fazą pracy z aktorami. Reżyser kieruje aktorami, wyjaśniając, jak powinni wyglądać na scenie zgodnie z jego wyobrażeniem o roli. Dokonuje korekt w zależności od zgodności ich występu z grą innych aktorów. Dba o to, aby gesty, intonacja i rytm odpowiadały w najdrobniejszych szczegółach całemu dyskursowi mise-en-scène, tak aby pasowały do fragmentu, sceny czy całego przedstawienia.
Dolny etap- część skrzynki scenicznej pod tabletem, w której znajdują się mechanizmy sceniczne, kabiny suflerów i świateł, urządzenia podnoszące i opuszczające oraz urządzenia do efektów scenicznych.
Opera - gatunek sztuki muzyczno-dramatycznej, w którym treść urzeczywistnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, głównie poprzez muzyka wokalna. Podstawa literacka opera – libretto.
Słowo „orega” przetłumaczone z języka włoskiego dosłownie oznacza dzieło, kompozycję. W tym gatunek muzyczny poezja i sztuka dramatyczna, muzyka wokalna i instrumentalna, mimika, taniec, malarstwo, scenografia i kostiumy łączą się w jedną całość.
Niemal każda opera rozpoczyna się uwerturą – wstępem symfonicznym, który Ogólny zarys wprowadza słuchacza w treść całej akcji.
Parter(fr. parter- na parterze) - dolna kondygnacja widowni w teatrze z miejscami dla publiczności w przestrzeni od sceny lub orkiestry do przeciwległej ściany lub do amfiteatru.
Przodkiem straganów była ława senatorska w teatrach starożytnego Rzymu. W XVII wieku, po pojawieniu się piętrowego budynku teatru, zmieniły się także stragany, nabierając bardziej nowoczesnego wyglądu. Stragany przeznaczone były dla niższych klas, dlatego przez długi czas brakowało miejsc siedzących – widzowie musieli oglądać występy na stojąco. Miejsca siedzące na kramach pojawiły się na początku XVII wieku w prywatnych teatrach krytej w Anglii. Następnie ustawiano siedzenia według potrzeb.
Obecnie siedzenia najczęściej ustawia się w rzędach, które wznoszą się od sceny do amfiteatru i są równoległe do krawędzi sceny. Miejsca siedzące oddzielone są przejściami umożliwiającymi wyjście ze stoisk.
Rampa- system opraw oświetleniowych o świetle rozproszonym, zainstalowanych na tablecie wzdłuż przedniej krawędzi proscenium i przeznaczonych do oświetlania przestrzeni scenicznej od przodu i od dołu. Ukryty przed widzami przez niski bok.
Dyrektor- osoba, do której obowiązków należy wystawienie spektaklu. Reżyser bierze odpowiedzialność za estetyczną stronę spektaklu i jego organizację, dobór wykonawców, interpretację tekstu i wykorzystanie narzędzi scenicznych, którymi dysponuje. Pojawienie się tego terminu przypisuje się zwykle pierwszej połowie XIX wieku.
W historii teatru jest wielu mniej lub bardziej prawowitych poprzedników reżysera.
W starożytnym teatrze greckim rolę didaskala (od didiskalos – „nauczyciel”) często pełnił sam autor przedstawienia, pełniąc rolę organizatora.
W średniowieczu za stronę ideologiczną i estetyczną inscenizacji misteriów odpowiadał dyrektor trupy teatralnej. W epoce renesansu i baroku przedstawienia często organizowali architekt i dekorator, według własnych planów.
W XVIII wieku pałeczkę przejmują znakomici aktorzy. I dopiero wraz z rozkwitem teatru realistycznego funkcja reżysera przechodzi w ręce profesjonalistów i staje się sztuką niezależną.
Rekwizyty- przedmioty wyposażenia sceny (z wyłączeniem scenografii i kostiumów), którymi aktorzy posługują się lub którymi manipulują w trakcie przedstawienia.
Repertuar- zespół sztuk wystawianych przez jeden teatr w ciągu jednego sezonu lub jakiegoś okresu; wybór sztuk utrzymanych w tym samym stylu lub tej samej epoce; ogół ról, jakie jeden aktor jest w stanie odegrać, zakres jego możliwości aktorskich, jego rola.
Próba- praca nad nauką tekstu i aktorstwa scenicznego, wykonywana przez aktorów pod kierunkiem reżysera.
Ta czynność przygotowania spektaklu zajmuje cały zespół i zajmuje najwięcej różne kształty.
Za każdym razem próby odbywają się w nowy i kreatywny sposób.
Rola - połączenie tekstu i występu tego samego aktora. Podziału ról dokonuje z reguły reżyser, w zależności od charakterystyki wykonawców i możliwości ich wykorzystania w przedstawieniu.
Rolą staje się wówczas sam aktor (rola złoczyńcy, zdrajcy itp.), stworzony przez aktora. Kiedy rola nie odpowiada roli artysty, mówi się o roli mieszanej.
W każdej grze istnieją tak zwane główne i drobne role. Stosunek do roli kształtuje się albo według zasady naśladownictwa i identyfikacji (ucieleśnienie postaci przez aktora), albo odwrotnie, zgodnie z zasadą odmienności i zaznajomienia.
Scena- z greckiego skene - budka, scena. W epoce pochodzenia Teatr grecki Skene to klatka lub namiot zbudowany za orkiestrą.
Skene, orchectra, theatron to trzy podstawowe elementy scenograficzne starożytnego greckiego wykonawstwa. Orkiestra lub plac zabaw łączył scenę i publiczność. Skene rozwinął się na wysokość, obejmując teologeon, czyli plac zabaw bogów i bohaterów, a na powierzchni wraz z proscenium fasadą architektoniczną, prekursorem dekoru ściennego, który później stworzył przestrzeń proscenium.
Na przestrzeni dziejów znaczenie terminu „scena” stale się rozszerzało: scenografia, plac zabaw, miejsce akcji, okres trwania aktu i wreszcie, w sensie metaforycznym, nagłe i jasne spektakularne wydarzenie („ zrobić komuś scenę”).
Teatr Turgieniewa ma szczególny, pełen szacunku stosunek do sceny. To miejsce, gdzie droga do niewtajemniczonych jest zamknięta. Nadepnąwszy na nią, słudzy Domu Turgieniewa zdają się przysięgać, że zagrają prosto z serca, aby udostępnić publiczności wszystkie aspekty swojego talentu.
Ale widzowie mają także niepowtarzalną okazję odwiedzić scenę, kupując bilet na spektakl „Piękna gwiazda miłości”: miejsca dla publiczności są wyposażone bezpośrednio na scenie, co nadaje spektaklowi szczególną intymność i intymność.
Scenografia- wśród starożytnych Greków - sztuka projektowania teatralnego i wywodząca się z tej techniki dekoracja malownicza.
W okresie renesansu scenografia jest techniką polegającą na malowaniu tła na płótnie.
W nowoczesny sens słowa są nauką i sztuką organizacji sceny i przestrzeni teatralnej. Metonimicznie: sama sceneria, efekt pracy scenografa.
Termin ten coraz częściej zastępuje słowo „dekoracja”, jeśli istnieje potrzeba wyjścia poza pojęcie dekoracji. Scenografia wyraża zatem chęć pisania w przestrzeni trójpłaszczyznowej (do której należy dodać także wymiar czasowy), a nie tylko sztukę malowania płótna, którą teatr zadowalał się aż do naturalizmu.
W czasach Twojej świetności współczesna scenografia artyści dekoratorzy potrafili tchnąć życie w przestrzeń, ożywić czas i grę aktorską w totalnym akcie twórczym, kiedy trudno wyodrębnić reżysera, projektanta oświetlenia, aktora czy muzyka.
Teatr(z gr. θέατρον – znaczenie główne – miejsce na okulary, następnie – spektakl, od θεάομαι – patrzę, widzę) – forma sztuki performatywnej.
Teatr jest syntezą wszystkich sztuk, obejmuje muzykę, architekturę, malarstwo, kino, fotografię itp. Głównym środkiem wyrazu jest aktor, który poprzez działanie, wykorzystując różne techniki teatralne i formy istnienia, przekazuje widzowi istotę tego, co dzieje się na scenie.
W tym przypadku aktor nie musi być żywą osobą. Może to być lalka lub jakiś przedmiot kontrolowany przez osobę.
Teatr uważany jest za najpotężniejszy środek oddziaływania na ludzi, ponieważ widząc, co dzieje się na scenie, widz utożsamia się z tą czy inną postacią. Poprzez katharsis (oczyszczenie przez cierpienie) zachodzą w nim zmiany.
Główni pracownicy teatru: reżyserzy, aktorzy, charakteryzatorzy, szatniarze, technicy oświetlenia, kasjerzy, choreografowie, artyści, pracownicy sceny.
Sztuki teatralne- kombinacja słów zawierająca wszystkie sprzeczności teatru: czy jest to sztuka autonomiczna, ze swoimi prawami i specyfiką estetyczną, czy też jest jedynie skumulowanym rezultatem (syntezą, konglomeratem lub połączeniem) kilku sztuk (malarstwa, poezji, architektury, muzyka, taniec i gest)? W historii estetyki istnieją oba punkty widzenia.
1. Geneza teatru
Nieskończone bogactwo form i tradycji teatralnych, które rozwinęły się na przestrzeni dziejów, możliwość jednej, nawet najbardziej ogólnej definicji sztuki teatralne. Etymologia greckie słowo teatrron, czyli miejsce, w którym gromadzili się widzowie, aby obejrzeć spektakl, tylko częściowo oddaje jeden z elementów tej sztuki. Rzeczywiście, teatr, będący sztuką służącą przede wszystkim percepcji wizualnej, rodzajowi zinstytucjonalizowanej kontemplacji, często jednak był redukowany do sztuki dramaturgicznej, gatunek literacki, którego spektakularna strona od czasów Arystotelesa była uważana za dodatek, nieuchronnie zależny od tekstu. Różnorodność form teatralnych i gatunków dramatycznych odpowiada różnorodności warunków materialnych, społecznych i estetycznych biznes teatralny: co ma wspólnego np. prymitywny rytuał, sztuka bulwarowa, średniowieczne misterium czy przedstawienie stworzone w tradycji indyjskiej czy chińskiej?
Socjologom i antropologom trudno jest zidentyfikować ogół przyczyn determinujących potrzebę teatru. Jednak niezależnie od siebie, a czasem jednomyślnie, wskazywali na chęć naśladowania; zamiłowanie do zabawy, zarówno wśród dzieci, jak i dorosłych, pierwotna funkcja ceremonialna; potrzeba opowiadania historii i bezkarnego śmiechu z tego czy innego stanu społeczeństwa; przyjemność, jakiej doświadcza aktor podczas transformacji. Wydaje się, że początki teatru mają podłoże rytualne lub religijne, a jednostka, jako grupa osób, sama uczestniczy w ceremonii, zanim powierzy zadanie aktorowi lub księdzu. Teatr dopiero stopniowo odchodził od swojej magicznej czy religijnej istoty i aby rzucić wyzwanie społeczeństwu, musiał stać się wystarczająco silny i niezależny: stąd pojawiły się w jego historii trudności, które charakteryzują stosunek do władzy i prawa. U nowoczesny teatr z kultowym źródłem nie ma nic wspólnego, za wyjątkiem pewnych eksperymentów z powrotem do mitu czy ceremonii, które w ślad za eksperymentami Artauda prowadzą do poszukiwania pierwotnej czystości akcja teatralna, a jego formy są na tyle różnorodne, że w pełni spełnia wiele nowych funkcji estetycznych i społecznych. Rozwój teatru jest ściśle powiązany z ewolucją świadomości społecznej i technologicznej: czy dlatego od czasu do czasu przepowiada się jego nieuniknioną śmierć na skutek dominacji funduszy? środki masowego przekazu i sztuka masowa.
2. Tradycja zachodnia
Jeżeli pytanie o istotę i specyfikę sztuki teatralnej zawierało zawsze coś idealistycznego i metafizycznego, bardzo odległego od rzeczywistej praktyki teatralnej, to możemy przynajmniej wymienić pewne cechy tej sztuki, które są charakterystyczne dla naszej zachodniej tradycji ze starożytnej Grecji do chwili obecnej. Pojęcie „sztuka” różni się od pojęć „rzemiosło”, „technika” czy „rytuał”: teatr, choć dysponuje różnorodnymi środkami technicznymi (aktorstwo, scenografia itp.) i pewną liczbą tradycyjnych i niezmiennych działań, wykracza poza ramy każdej z tych części składowych. Za każdym razem reprezentuje akcję (lub mimetyczne przedstawienie akcji) dzięki aktorom wcielającym się w postacie lub ukazującym ich publiczności zgromadzonej jednocześnie w jednym miejscu, mniej lub bardziej wyposażonej. Tekst (lub akcja), ciało aktora, scena, widz – to niezbędny łańcuch każdej komunikacji teatralnej. Każde ogniwo tego łańcucha przybiera bardzo różne formy. Czasem tekst nie jest szanowany i zastępowany nieliterackim stylem zabawy, nawet jeśli jest to tekst konkretny, zamierzony; ciało aktora traci swoją funkcję ludzkiej obecności, gdy reżyser zamienia je w marionetkę-surmarionetkę lub zastępuje je przedmiotem lub mechanizmem scenicznym przewidzianym w scenografii; scena nie musi być koniecznie wyposażona w budynek specjalnie zbudowany na potrzeby przedstawień teatralnych: plac miejski, hangar itp. idealny do zajęć teatralnych; nie można całkowicie wykluczyć widza bez przekształcenia sztuki teatru w dramatyczną grę, w której wszyscy uczestniczą, jak w rytuale, który do swego wykonania nie potrzebuje spojrzenia z zewnątrz, lub w „działalność sekciarską” całkowicie izolowaną i pozbawioną krytycznego ujścia dla społeczeństwa...
Spektakl teatralny obejmuje cały kompleks dyrektywy, porady, instrukcje zawarte w partyturze teatralnej, tekst i wskazówki sceniczne.
Nie ma nic sztywnego ani ostatecznego w rozróżnieniu między gatunkami i ich hierarchią. Tym samym współczesna sztuka teatralna kategorycznie zaprzecza podziałowi na trzy części: dramat/liryka/epopeja. Biegunem jest tragedia-komedia, co odnotowuje się w podwójnej tradycji gatunków - „szlachetnej” (tragedia, wysoka komedia) i „wulgarny” (farsa, spektakl) - również traci swoje znaczenie w miarę rozwoju relacji społecznych.
3. Teatr w systemie artystycznym
Większość teoretyków jest zgodna, że sztuka teatralna dysponuje wszelkimi dostępnymi w danej epoce środkami artystycznymi i technologicznymi. Craig podaje na przykład następującą (niemal tautologiczną) definicję: „Sztuka teatru nie jest ani sztuką aktorską, ani Sztuka teatralna ani obraz sceniczny, ani taniec... To jest ogół elementów, które je tworzą różne obszary. Składa się z ruchu, który jest znaczeniem gry aktorskiej, słów, które tworzą korpus spektaklu, linii i koloru, z których rodzi się dusza dekoracji scenicznej, rytmu, który stanowi o istocie tańca.
Nie ma jednomyślności w kwestii relacji pomiędzy tymi różnymi sztukami.
Dla innych teoretyków połączenie różnych sztuk jest niemożliwe; V najlepszy scenariusz możesz zbudować nieustrukturyzowany konglomerat; Ważne jest ustalenie hierarchii środków i łączenie ich tak, aby osiągnąć zamierzony efekt i zgodnie z gustem reżysera. Hierarchia zaproponowana przez Appiaha – aktor, przestrzeń, światło, malarstwo – to tylko jedna z niezliczonych możliwości estetyki.
Inna grupa teoretyków widzi dwie strony tego samego medalu w koncepcjach Wagnera i Appiaha, krytykując jednocześnie koncepcje sztuki teatralnej jako Gesamtkunstwerk czy teatru totalnego i zastępując je praca teatralna(Brechta). Sztuki performatywne istnieją i mają sens jedynie w swojej różnorodności i sprzecznościach. Inscenizacja sprawia, że scena opiera się tekstowi, muzyka przeciwstawia się językowemu znaczeniu, mowa ciała opiera się muzyce lub tekstowi i tak dalej.
4. Specyfika i granice sztuki teatralnej
Krótki przegląd prac teoretycznych na temat teatru dowodzi, że żadna teoria nie jest w stanie sprowadzić sztuki teatralnej do niezbędnych i satysfakcjonujących elementów. Nie da się ograniczyć tej sztuki do arsenału środki techniczne. Praktyka ma na celu nieskończone poszerzanie horyzontu sceny: wyświetlanie przezroczy lub filmów, przekształcanie teatru w rzeźbę, taniec lub sztukę pantomimy, propagandę polityczną lub wydarzenie. Tym samym program studiowania sztuk teatralnych rozciąga się na czas nieokreślony.
PaviP. Słownik teatru. Wydawca: Postęp, 1991.
kurtyna teatralna- płótno zakrywające scenę od strony widowni. Zasłony wykonane są z grubej, barwionej tkaniny z grubą podszewką, ozdobione emblematem teatru lub szeroką frędzlą obszytą u dołu zasłony. Kurtyna pozwala uczynić proces zmiany otoczenia niewidocznym, tworząc poczucie czasu pomiędzy działaniami.
Tragedia(starożytna grecka tragōdía, dosłownie „pieśń kozła”) - gatunek dzieło sztuki, oparty na rozwoju wydarzeń, który z reguły jest nieunikniony i nieuchronnie prowadzi do katastrofalnego dla bohaterów skutku, często przepełnionego patosem; rodzaj dramatu będący przeciwieństwem komedii.
Tragedia naznaczona jest surową powagą, ukazuje rzeczywistość w najbardziej dosadny sposób, jako zlepek wewnętrznych sprzeczności, odsłania najgłębsze konflikty rzeczywistości w niezwykle intensywnej i bogatej formie, która nabiera sensu symbol artystyczny. To nie przypadek, że większość tragedii jest pisana wierszem.
Pojęcie „tragedii” wiąże się ze śpiewem satyrów (w mitologia grecka stworzenia o kozich nogach), których wizerunki używano w obrzędach religijnych starożytna Grecja na cześć boga Dionizosa.
Farsa- komedia o lekkiej treści z czysto zewnętrznymi technikami komiksowymi.
W średniowieczu farsę nazywano także rodzajem teatru i literatury ludowej, rozpowszechnioną w XIV-XVI wieku w krajach Europy Zachodniej. Dojrzewając w obrębie misterium, farsa w XV wieku uzyskała samodzielność, a w następnym stuleciu stała się gatunkiem dominującym w teatrze i literaturze. Techniki farsowego błaznania zachowały się w klowningu cyrkowym. We współczesnym języku rosyjskim farsę nazywa się zwykle profanacją, imitacją procesu, na przykład procesu.
Głównym elementem farsy nie była świadoma satyra polityczna, ale swobodne i beztroskie przedstawienie miejskiego życia ze wszystkimi jego skandalicznymi incydentami, wulgaryzmami, chamstwem i zabawą. Francuska farsa często zmieniała temat skandalu między małżonkami.
Foyer- pomieszczenie w teatrze, kinie, cyrku, przeznaczone do przebywania widzów w oczekiwaniu na spektakl, spektakl, występ, a także do odpoczynku publiczności w przerwach.
Foyer Państwowego Teatru Akademickiego im. I.S. Turgieniewa przyciąga nie tylko ogród zimowy, różnorodne fotografie opowiadające o najbardziej zapadających w pamięć produkcjach, ale także unikalny projekt„Teatr w holu”, w którym odbywają się spektakle dla młodych widzów.
Furka- część wyposażenia scenicznego; mobilna platforma na rolkach, służąca do przesuwania elementów dekoracji na scenie. Ruch pieca odbywa się za pomocą silnika elektrycznego, ręcznie lub za pomocą kabla, którego jeden koniec znajduje się za kulisami, a drugi jest przymocowany do bocznej ściany furki.
W przygotowaniu « Słownik teatralny» wykorzystano materiały z zasobów Internetu oraz „Słownik teatralny” P. Paviego (Wydawnictwo: Progress, 1991)
Przed pierwszym dzwonkiem kasjerzy pełnią dyżur w foyer i ich zadaniem jest wyjaśnienie, gdzie znajdują się stoiska, antresola czy balkon i od której strony lepiej wejść do holu. A potem przejdź do swojego Miejsce pracy, wskaż żądany rząd, sprzedaj program, posadź publiczność na swoich miejscach. W przypadku rozbieżności i zdublowania biletów, bileter ma obowiązek zaprosić dyżurującego dyspozytora, który przeniesie osoby na wolne, ale równoważne miejsca.
Konduktor powinien być także przygotowany na odpowiadanie na pytania widzów dotyczące repertuaru teatru.
„Ludzie często przychodzą do nas i mówią, że podobało im się jakieś przedstawienie, pytając, co jeszcze mogą zobaczyć w RAMT, na przykład w tym samym gatunku” – mówi Yana. – Jeśli komuś podobał się „Erast Fandorin”, polecamy „Yin i Yang” – także kryminał na podstawie Borisa Akunina. A jeśli widz jest zachwycony „ Szkarłatne Żagle”, polecamy kolejny spektakl o charakterze melodramatycznym - „Tanya”. Dziewczyny naprawdę go lubią. Wiele osób podchodzi do nas i mówi: „Pamiętamy o Was! Doradziłeś nam i przyjechaliśmy. Z niektórymi widzami komunikujemy się już tak, jakby byli przyjaciółmi.
Woźny utrzymuje także dyscyplinę na sali: pilnuje, aby widzowie nie robili zdjęć i nie nagrywali spektaklu na wideo, nie jedli, nie rozmawiali i nie zakłócali ciszy, nie psuli i nie brudzili siedzeń (są tacy „widzowie teatru” ”, którzy idą na swoje miejsca w złym kierunku). przejścia, ale przechodząc przez rzędy i stąpając stopami po siedzeniach).
Przed zamknięciem sali po spektaklu bileterzy sprawdzają jej stan. Jednym z głównych problemów, z jakim musimy się borykać, jest guma do żucia.
„Jeśli do krzeseł przykleiła się guma do żucia, uzbroimy się w pacę budowlaną i zeskrobujemy ją” – mówi Nadya. – Mamy też szmaty, którymi wycieramy kurz z krzeseł. Jeśli znajdziemy jakieś awarie, informujemy administratora, a on z kolei powiadamia producentów mebli i inne warsztaty. Bezpieczeństwo posiada dziennik problemów, w którym zapisywane są wszystkie usterki. Następnego dnia dyżurni fachowcy przeglądają go i naprawiają problemy.
Kontrolowanie zachowań widzów to osobny temat. Dziewczyny mówią, że zdarzają się też przypadki, gdy ludzie są wnoszeni na salę napoje alkoholowe, są niegrzeczni i zachowują się lekceważąco nawet podczas występu. A mimo to wierzą, że teatr ma ogromną siłę reedukacyjną.
„Pewnego razu uczniowie przyszli na sztukę „Książę i żebrak” – mówi Yana. Patrzę na tę trójkę i myślę: z tymi na pewno będą problemy – siedzieli osobno, pewnie będą rozmawiać i jeść. W rezultacie cała klasa zaszeleściła czekoladkami, a cała trójka z entuzjazmem obserwowała występ, a ich oczy były ogromne z podziwu.
I zdarzały się przypadki, gdy na inscenizację „A świt jest cicho…” przychodziła młodzież, która przed spektaklem zachowywała się prowokacyjnie, a wychodziła ze łzami w oczach. A po „Tej, która uczyniła cud” wiele osób płacze — dzieci w wieku szkolnym, kobiety, a nawet mężczyźni.
Przy „bramce”, „przyspieszeniu” i na hali dyżurują na zmianę – zgodnie z rozkładem jazdy. Oznacza to, że stanowiska stałe nie są nikomu przypisane. Ale faceci czasami się między sobą zmieniają. Na przykład, jeśli ktoś kocha konkretny występ, ma możliwość pracy na sali. I ktoś na przykład musi się przygotować do jutrzejszego egzaminu (wielu woźnych RAMT to studenci). Wtedy lepiej, żeby pełnił służbę przy „bramie” - tutaj może prowadzić wykłady podczas przedstawienia.
Kasjer to praca tymczasowa...
Dzień pracy biletera rozpoczyna się półtorej godziny przed spektaklem. Asystenci sprawdzają swoją pracę, w razie potrzeby umieszczają numery na siedzeniach (jeśli spektakl odbywa się w małym formacie, a publiczność siedzi na ławkach lub krzesłach), zapisują w programach dzisiejszy skład i przebierają się w strój roboczy – biały góra, ciemny dół i zielona kamizelka z naszywką na piersi. Na pół godziny przed rozpoczęciem spektaklu w teatrze zapalają się żyrandole, wszyscy zajmują miejsca, a publiczność zaczyna wchodzić.
Harmonogram pracy kasjerów może być bardzo napięty. Na przykład w trakcie wakacje Przychodzą do teatru o godzinie 10:00 i wychodzą o wpół do dziesiątej wieczorem. Niemożliwym jest także wyjazd całej służby na urlop – nawet latem, kiedy trupa RAMT przebywa na urlopie. W tym czasie na naszej scenie odbywają się przedstawienia teatrów objazdowych oraz trwają sezony baletowe.
Usługa parkingowego to miejsce, w którym problem rotacji personelu jest najbardziej dotkliwy. I nie dlatego, że praca jest trudna - wszyscy chłopaki kochają teatr i przywiązują się do niego. Faktem jest, że większość osób kupujących bilety RAMT to studenci. A dla nich ta praca jest tymczasowa. Nadieżda kończy studia na Moskiewskiej Akademii Medycznej. Sechenov i planuje pracować w swojej specjalności – jako farmaceuta. Yana studiowała, aby zostać prawnikiem, ale zdała sobie sprawę, że to nie dla niej, a teraz chce spróbować swoich sił w innej dziedzinie. Dlatego prędzej czy później eleganckie kamizelki biletowe dziewcząt i młodych ludzi zmienią swoich właścicieli. Może, Drodzy Czytelnicy, czy są przeznaczone dla Ciebie?
...ale bycie woźnym nie jest takie proste
Ale czy tak łatwo jest dostać się do usługi woźnych RAMT? Jakie wymagania stawiane są kandydatom na stanowisko kontrolera biletów? Z tymi pytaniami kierowaliśmy się do naczelnej administratorki teatru, Anny Kraśnik:
„Sprzedawca biletów musi być uprzejmy, tolerancyjny, niekonfliktowy, odporny na stres i mieć schludny wygląd” – powiedziała nam Anna. – Kiedy go zatrudniam, przeprowadzam krótką rozmowę – zadaję najprostsze pytania o życie. Z reguły od razu widać, jaka jest dana osoba. Jeśli zachowa się bezczelnie w moim biurze, publiczność będzie otwarcie niegrzeczna. Z drugiej strony, jeśli dana osoba jest zahamowana, jest to również złe. Bardzo boimy się fanów teatru. Często zatrudniamy na podstawie rekomendacji – wtedy jest większe prawdopodobieństwo, że dana osoba będzie godna zaufania.
Zanim zostanie woźnym w pełnym tego słowa znaczeniu, kandydat musi przejść dwumiesięczny okres próbny. Z reguły większość odnosi sukces. Dla niektórych – nawet bardzo. Był na przykład przypadek, gdy młody woźny nie wpuścił na salę dyrektora RAMT, który nie pokazał mu ani biletu, ani zaproszenia.
Ale jeśli dana osoba regularnie opuszcza godziny pracy, ciągle się spóźnia i dopuszcza się innych rażących naruszeń harmonogramu pracy, jest mało prawdopodobne, że pozostanie w szeregach osób przyjmujących bilety RAMT.
Na zakończenie wróćmy do słynnego „Teatru zaczyna się od wieszaka” i opowiedzmy jeszcze jedno interesujący fakt. Garderobowcy RAMT również należą do służby woźnych. I dlatego nasze początkowe stwierdzenie okazuje się podwójnie prawdziwe. Bilety to ludzie, którzy jako pierwsi witają widza. Sprawdzają bilety, proszą o rozebranie się, biorą lornetkę, a nawet wrzucają przyniesione kwiaty do wody, aby nie zwiędły w trakcie przedstawienia. Pomagają w odnalezieniu się w teatrze, znalezieniu wolnego miejsca i... jako ostatni odprowadzą Państwa do domu. Ich służba jest jedną z najbardziej odpowiedzialnych i niezbędnych; są twarzą RAMT. I dlatego nie tylko teatr, ale także każdy, kto przychodzi do pracy jako woźny, musi zrozumieć całą odpowiedzialność, jaką bierze na siebie, zakładając elegancką zieloną kamizelkę z naszywką na piersi.
Obecnie asystent częściej wspominany jest w książkach niż w rzeczywistości. Pierwsi woźnicy pojawili się w kinach w epoce kina niemego, które pozycjonowane było jako luksusowa rozrywka dla elity. A teraz to słowo można usłyszeć tylko w środowisku teatralnym.
Kim jest ten asystent?
Słowo to przeszło na język rosyjski z języka niemieckiego od kapeldiner. Dosłownie oznacza: kaplica jest pracownikiem kaplicy. Po raz pierwszy taka pozycja pojawiła się w teatrach i kinach. Stewardessy przeprowadzały kontrolę biletów, odprowadzały widzów na miejsca, sprzątały siedzenia, a czasami sprzątały sale. To dyrygentowi zadano pytania zarówno dotyczące programu wieczoru, jak i aktorów; Ludzie przychodzili do niego, aby rozwiązać nieoczekiwane drobne problemy. Zawód ten uznano za najbardziej poszukiwany w amerykańskich kinach lat 20. ubiegłego wieku. Nawiasem mówiąc, uznano za ich obowiązek oddzielenie ludzi od sal, aby nie doszło do mieszania się widzów białoskórych i kolorowych. Następnie fala zwolnień związana z początkiem Wielkiego Kryzysu doprowadziła do tego, że pracownicy ci praktycznie zniknęli z kin.
Po co Ci woźny w teatrze?
Co robi woźny w teatrze? Ta kategoria pracowników również miała swoje specyficzne obawy. Do ich obowiązków należało dbanie o teatralne instrumenty muzyczne. Uważa się, że szafarz to osoba, która osiągnęła perfekcję cała linia elementy konstrukcyjne instrumenty muzyczne. Mówią, że właśnie w tym leży pierwotna przyczyna tego zjawiska.
Generalnie woźny teatralny to osoba, która tworzy szczególną atmosferę. Zagorzali widzowie teatru znali go z widzenia i witali jak dobrego przyjaciela.
Teraz funkcja asystenta prawie straciła swoje prawdziwe znaczenie. W niektórych teatrach, ale jest ich bardzo, bardzo mało, są jeszcze woźnicy, ale pełnią oni zupełnie inne obowiązki. Monitorują na przykład przestrzeganie zakazu używania telefony komórkowe podczas występu.