Najbardziej duży wpływ Starożytność wpłynęła na kulturę kolejnych pokoleń - sztuka starożytnej Grecji I Starożytny Rzym od IX do X wieku p.n.e mi. i do IV wieku Nowa era. Kolebka starożytna kultura była starożytna Grecja – kawałek ziemi na Morzu Śródziemnym. Tutaj narodził się i rozkwitł „grecki cud” - gigantyczny kult duchowy, który zachował swój wpływ i urok przez tysiąclecia. Kultura starożytnej Grecji wywarło decydujący wpływ na rozwój kultury starożytnego Rzymu, który był jego bezpośrednim następcą. Kultura rzymska stała się kolejnym etapem i specjalną wersją jednej kultury starożytnej. Spokojne i majestatyczne piękno starożytna sztuka posłużył za wzór dla późniejszych czasów w historii sztuki. W historii sztuki starożytnej Grecji były trzy okresy: a r x a i k a (VII - VI wiek p.n.e.); klassika (V-IV w. p.n.e.); e l l in i z m - (III - I wiek p.n.e.).
Świątynie były pięknymi starożytnymi greckimi budynkami. Starożytne ruinyŚwiątynie pochodzą z epoki archaicznej, kiedy zaczęto używać żółtawego wapienia i białego marmuru. Zwykle świątynia stała na schodkowej podstawie. Składał się z pomieszczenia bez okien, w którym znajdował się posąg bóstwa, budynek otoczony był jednym lub dwoma rzędami kolumn.
Kolumny były integralną częścią konstrukcji w starożytnej Grecji. W epoce archaicznej kolumny były potężne, ciężkie, lekko poszerzane ku dołowi – ten styl kolumn nazywano dorycki. W epoce klasycznej rozwinął się styl kolumnowy joński- kolumny są bardziej eleganckie, smukłe, ozdobione u góry lokami - objętościowo. W epoce hellenistycznej architektura zaczęła dążyć do świetności. Utworzony koryncki styl kolumnowy - stały się pełne wdzięku, smukłe, eleganckie, bogato zdobione ozdoba kwiatowa. Nazywano system kolumn i sufitów w starożytnej Grecji nakaz. Każdy styl ma swój własny porządek, który ma swoją własną charakterystykę i nosi nazwę podobnie jak styl - dorycki, joński i koryncki w sztuce starożytnej Grecji.
W tym czasie rozkwitła architektura grecka epoki klasycznej(V wiek p.n.e.) za panowania Peryklesa. Zaczęli imponująco Roboty budowlane w Atenach. Zachowaliśmy ruiny najważniejszej budowli starożytnej Grecji. Nawet z tych ruin można sobie wyobrazić, jak piękny był Akropol w swoich czasach.Na wzgórze prowadziły szerokie marmurowe schody.
Akropol otaczały liczne świątynie, z których centralną stanowił Partenon otoczony 46 kolumnami. Kolumny wykonane są z czerwonego i niebieskiego marmuru. Kolor kolumn i jasne złocenie nadawały świątyni świąteczny charakter. Wyczucie proporcji, dokładność obliczeń, piękno dekoracji – wszystko to sprawia, że Partenon jest nienagannym dziełem sztuki. Nawet dzisiaj, tysiące lat później, zniszczony Partenon robi niezatarte wrażenie. Ostatnią budowlą Akropolu była świątynia poświęcona Atenie, Posejdonowi i mitycznemu królowi Erechteuszowi, którą nazywano świątynią Erechtejonu.
Na jednym z trzech portyków świątyni Erechtejon zamiast kolumn strop budowli wspierają postacie kobiece – kariatydy. Ogólnie rzecz biorąc, istnieje wiele rzeźb i kompozycje rzeźbiarskie ozdobił Akropol. W epoce hellenistycznej zaczęto zwracać mniejszą uwagę na świątynie i je budować tereny otwarte na spacery, amfiteatry pod na wolnym powietrzu, pałace i obiekty sportowe. Budynki mieszkalne stały się dwu- i trzypiętrowe, z dużymi ogrodami i fontannami. Celem stał się luksus.
Greccy rzeźbiarze dali światu dzieła, które do dziś budzą podziw wśród ludzi. W epoce archaicznej rzeźby były nieco ograniczone, przedstawiały nagich młodych mężczyzn ubranych w powiewające fałdy odzieży.
W epoce klasycznej głównym zajęciem rzeźbiarzy było tworzenie posągów bogów i bohaterów oraz ozdabianie świątyń płaskorzeźbami. Bogowie byli przedstawiani jako zwykli ludzie, ale silny, rozwinięty fizycznie, piękny. Często przedstawiano je nago, aby pokazać piękno ciała. W starożytnej Grecji dużą wagę przywiązywano do rozwoju fizycznego, sportu, a uroda była integralną częścią tej kultury. Ludzkie ciało. W epoce klasycznej żyli tak wspaniali rzeźbiarze jak Miron, Fidiy i Poliklet.Działa tych rzeźbiarzy wyróżniały się bardziej złożonymi pozami, wyrazistymi gestami i ruchami. Pierwszy mistrz kompleksu rzeźba z brązu Miron został twórcą rzeźby „Diskobol”. Należy jednak zauważyć, że rzeźby z tej epoki wyglądają trochę chłodno, ich twarze są obojętne, podobny przyjaciel na przyjacielu. Rzeźbiarze nie starali się wyrazić żadnych uczuć i emocji. Ich celem było pokazanie jedynie doskonałego piękna ciała. Ale w IV wieku p.n.e. mi. rzeźbiarskie obrazy stały się bardziej miękkie i delikatne. Rzeźbiarze Praxitel i Lisip w swoich rzeźbach bogów nadawali gładkiej marmurowej powierzchni ciepło i podziw. A rzeźbiarz Skopas przekazał w rzeźbach mocne uczucia i doświadczenia.
Później, w epoce hellenistycznej, rzeźba staje się wspanialsza, z przesadnymi namiętnościami.
Atena jest jednym z najwyższych bóstw olimpijskich. Jest rozsądna i rozsądna. Jest boginią nieba, panią chmur i błyskawic, boginią płodności. Jest ucieleśnieniem mężów stanu, wielkości i niewyczerpanej siły. To posąg Dziewicy Ateny, najsłynniejsze dzieło Fidiasza. Atena wstępuje pełna wysokość(wysokość posągu wynosi około 12 m), na głowie bogini znajduje się złoty hełm wojskowy z wysokim grzebieniem, jej ramiona i pierś przykrywa złota egida (mityczna tarcza strasząca wrogów) z głową Meduza. Lewa ręka opiera się o tarczę, po prawej stronie Atena trzyma postać bogini Nike. Surowe draperie długich ubrań podkreślają majestat i spokój sylwetki.
Nasz kraj nie zginie na zawsze, bo opiekunka jest jak dobra Pallas Atena,
Dumna ze swojego potężnego ojca, wyciągnęła nad nią ręce.
(Elegia Solona)
Zeus podzielił się władzą nad światem ze swoimi braćmi: Posejdonowi przydzielono niebo, Hadesowi - królestwo umarłych, a Zeus opuścił niebo dla siebie. Zeus kontrolował wszystkie zjawiska niebieskie, a przede wszystkim grzmoty i błyskawice.
Niestety jest to rekonstrukcja zaginionej rzeźby Zeusa. Posąg zajmował niemal całą wewnętrzną przestrzeń świątyni. Zeus siedzi na tronie, jego głowa prawie dotyka sufitu, jego wzrost wynosił około 17 metrów. Jeden z greckich poetów, podziwiając wygląd Fidiewa Zeusa, napisał dwuwiersz. znane w całej Helladzie:
„Czy Bóg zstąpił na ziemię i pokazał ci, Fidiaszu, swój obraz?
A może sam wstąpiłeś do nieba, aby zobaczyć Boga?”
Posąg Zeusa imponował nie tylko wielkością, jaką Fidiasz nadał bóstwu, ale także poczuciem spokoju, majestatyczną mądrością i nieskończoną dobrocią. „Król bogów i ludzi” zasiadał na wspaniałym, bogato zdobionym tronie. Górna część jego tors był nagi, dolna część była owinięta luksusowym płaszczem. W jednej ręce bóg trzymał posąg Nike Zwycięskiej, w drugiej laskę zwieńczoną wizerunkiem orła – świętego ptaka Zeusa. Na głowie miał wieniec z gałązek oliwnych.
Posąg powstał w najbardziej złożona technologia. Podstawa dla tych części ciała została wyrzeźbiona z drewna. które pozostały nagie, cienkie płytki polerowane kość słoniowa płaszcz pokryty był cienką warstwą kutego złota, jakby utkaną z wizerunków lilii, gwiazd i zwierząt.
Olimpia była jednym z głównych sanktuariów Grecji; według legendy to właśnie tutaj Zeus odniósł ku pamięci zwycięstwo pod Kronosem wielkie zwycięstwo Ustanowiono Zeusa i igrzyska olimpijskie, a według jednej z legend bohater Herkules zrobił to na cześć swojego ojca.
Herkules – syn Zeusa, jeden z najsłynniejszych greccy bogowie. Słynie jego 12 prac, o których opowiada wiele legend i które często były przedstawiane w swoich dziełach przez artystów i rzeźbiarzy. Lysippos w tym grupa rzeźbiarska przedstawia decydujący moment walki: Herkules swą potężną ręką ściska szyję lwa, wszystkie mięśnie bohatera są niezwykle napięte, a bestia z trudem łapiąc oddech wbija się w jego ciało. Ale chociaż przeciwnicy są sobie warci, lew, którego głowa jest uszczypnięta pod ramieniem Herkulesa, wygląda wręcz śmiesznie. Legenda głosi, że Herkules był ulubioną postacią Lysipposa, a Lysippos był nadwornym mistrzem Aleksandra Wielkiego.
Posejdon - główny bóg morza i nawigacja. Mieszka w salach w głębokie morze, nie jest posłuszny nikomu, nawet wszechpotężnemu bratu Zeusowi. Powoduje trzęsienia ziemi, wywołuje i ucisza burze, pomaga żeglarzom, wysyłając szybkie prądy i wyprowadzając statki ze skał i płycizn za pomocą trójzębu. Wszystkie wyspy, wybrzeża i porty znajdowały się pod panowaniem Posejdona, któremu wzniesiono świątynie, ołtarze i posągi.
Perseusz, syn Zeusa i Danae, znajduje na brzegu oceanu straszliwe potwory – Gorgony. Zamiast włosów mieli wokół siebie węże, zamiast zębów kły sterczały jak u dzika, ich ramiona były z brązu, a skrzydła ze złota. Jedna z gorgon, Meduza, jednym spojrzeniem zamieniała każdego w kamień. Nauczony przez bogów Perseusz walczył z Meduzą, patrząc na jej odbicie w miedzianej tarczy. Odciął jej głowę. Tradycyjnie rzeźbiarz oddaje piękno nagiego ciała, dumny wyraz twarzy Perseusza, który pokonał potwora, oraz rozpacz na twarzy gorogona.
Hermes to posłaniec bogów, patron oszustw, gimnastyki, podróżników i dróg, syn Zeusa i Maji. Później został patronem hodowców bydła i pasterzy. Swoją magiczną różdżką mógł każdego uśpić lub obudzić. Z biegiem czasu Hermes stał się posłańcem bogów olimpijskich, zwiastunem Zeusa, patronem ambasadorów, bogiem handlu i zysku. Na Olimpie Hermes cieszył się powszechną miłością, chociaż uwielbiał wymyślać różne psikusy bogom: ukradł miecz Aresowi, ukrył trójząb Posejdona, podczas porannej toalety Afrodyta nie mogła znaleźć swojego paska i garnka przaśnego ciasta został przewrócony na głowę lśniącego Apolla.Ale te figle zostały odkupione przez to pożyteczne, niż Hermes służył bogom i ludziom.
Do najsłynniejszych dzieł starożytności hellenistycznej należał wspaniały posąg bogini Afrodyty (powszechnie zwanej Wenus z Milo) znaleziony na początku XX wieku na wyspie Melos. Ten posąg starożytna bogini miłość i piękno są znacznie wyższe od wzrostu człowieka, jej wysokość wynosi 207 cm, znaleziono ją bez ramion, wśród gruzów znaleziono jedynie dłoń trzymającą jabłko. Piękno Wenus wciąż fascynuje i przyciąga tak samo jak niesłabnący urok Mony Lisy. Jest półnaga, zasłona zawiązana na biodrach, opadająca w potężnych fałdach do nóg, dodaje jej jeszcze większej elegancji i wdzięku. Kobieta nosi swoją nagość z tą samą niezwykłą prostotą, z jaką nosi się śmiertelniczka elegancka sukienka. Jej twarz jest majestatycznie spokojna i pogodna. Naukowcy ustalili, że posąg powstał na przełomie II – I wieku p.n.e.
Wspaniałość uchwycona w tym marmurowym posągu odzwierciedla pragnienie ludzi burzliwej epoki za harmonią i miłością. Wenus wzbudziła podziw wielu poetów i zmusiła ich do poświęcania jej entuzjastycznych wierszy.
Ile dumnej błogości rozlało się na niebiańskie oblicze!
A więc wszyscy oddychający patosową pasją, wszyscy zachwyceni morską pianą
I z wszechzwycięską mocą patrzysz w wieczność przed sobą.
Rzeźbę odnaleziono pod koniec XV wieku w ogrodach Belwederu. Jest to marmurowa kopia oryginału. Jego wysokość wynosi 2,24 m. Odkąd pomnik ten stał się znany, do dziś nie przestaje budzić zachwytu i podziwu artystów i koneserów sztuki. Apollo jest bogiem harmonii i sztuki, zabił smoka Pytona i tak go przedstawił rzeźbiarz. Wysokość posągu jest wyższa niż wzrost człowieka, a cała poza wyraża wielkość, która go wypełnia. Wieczna wiosna przyodziewa go czarującą męskością połączoną z pięknem młodości. Niebiańska duchowość wypełnia wszystkie zarysy postaci. Ścigał Pythona, po raz pierwszy użył przeciwko niemu łuku, a swoim potężnym krokiem dogonił go i powalił. Jego wzrok skierowany jest jakby w nieskończoność, na ustach pogarda dla wroga. Posąg uważany jest za najwyższy ideał sztuki spośród wszystkich dzieł zachowanych od starożytności. Apollo był uważany za wzór klasyczne piękno, od wieków był kopiowany przez rzeźbiarzy i śpiewany przez poetów.
„Nie dotykaj sztuki” to prosta zasada, która obowiązuje niemal w każdej galerii i muzeum na świecie. Jednak z jakiegoś powodu niektórzy ignorują tę zasadę: niektórzy z ciekawości, inni z chęci zrobienia „fajnego” selfie. Bez względu na motywy, w końcu cierpią bezcenne dzieła sztuka.
1. Pomnik króla Sebastiana
3 maja 24-letni turysta odwiedzający stolicę Portugalii, Lizbonę, wspiął się 3 maja na 125-letni pomnik znajdujący się na fasadzie stacji Rossio, aby zrobić sobie selfie. Pomnik przedstawiający „dziecko-króla” Sebastiana, który rządził Portugalią w XVI wieku, upadł na ziemię i pękł. Turysta, który próbował uciec, został złapany przez policję i ostatecznie stanie przed sądem. Plany renowacji pomnika nie są obecnie znane.
2. Posąg Herkulesa
Herkules mógł posiadać moc bogów, ale niestety ta właściwość nie została przeniesiona na rzeźby, które wzniesiono na jego cześć. Rok temu dwóch turystów odwiedzających pałac Loggia dei Militi w Cremonie we Włoszech uszkodziło 300-letni Statua dei due Ercole (posąg dwóch Herkulesów), kiedy wspięli się na niego, aby zrobić sobie selfie. Turyści zdołali odłamać kawałek korony z jednej z dwóch marmurowych figur, po czym postawiono im zarzuty wandalizmu.
3. Wazony z dynastii Qing
Zasada numer jeden podczas odwiedzania miejsca, w którym znajdują się bezcenne dzieła sztuki, to zawsze zawiązać sznurowadła. W lutym 2006 roku Nick Flynn wspinał się po schodach w Muzeum Fitzwilliam w Cambridge w Anglii, kiedy nagle nadepnął na rozwiązane sznurowadło i stracił równowagę. Mimowolnie wymachując rękami i próbując się czegoś chwycić (a na schodach nie było poręczy), złapał trzy wazony z czasów dynastii Qing z lat 1600-1700.
Flynn wyszedł bez szwanku, ale wazony o wartości około 500 000 funtów zostały rozbite na małe kawałki. Flynn, który ma dożywotni zakaz wstępu do muzeum, nazwał to wydarzenie zwykłym wypadkiem. Dzięki temu w sierpniu 2006 roku wazony udało się skleić ze 113 części, na które zostały rozbite.
4. Ten mężczyzna
Być może najsłynniejszą i najzabawniejszą próbą „restauracji” przedmiotu sztuki w historii była próba renowacji przez 80-letnią parafiankę Cecilię Jimenez fresku z początku XX wieku przedstawiającego ewangelicki temat „Ecce Homo” („Oto człowiek” ), która znajdowała się w Świątyni Miłosierdzia w hiszpańskim mieście Borja. W rezultacie jej dzieło zostało uznane za najgorszą renowację w historii i zasłynęło w całym Internecie pod nazwą „ Puszysty Jezu".
Nie jest to zaskakujące, ponieważ obraz na fresku zaczął wyglądać nie jak oryginał, ale jak jakaś puszysta małpa. Choć początkowo kościół planował zatrudnić do naprawy muralu profesjonalnych konserwatorów dzieł sztuki, w 2014 roku zmienił zdanie. Dzieło Jimeneza stało się główną atrakcją turystyczną, dzięki czemu 150 000 gości z całego świata przybyło do Borja za 1,25 dolara, aby obejrzeć niezwykły mural.
5. Pomnik Dziewicy Maryi
W 2013 roku amerykański turysta z Missouri odwiedził Muzeum Opera del Duomo we Florencji we Włoszech. Tam podszedł do 600-letniej figury Matki Boskiej autorstwa Giovanniego d'Ambrogio i z jakiegoś powodu próbował porównać jej mały palec ze swoim. W efekcie odłamał się palec rzeźby, ale na szczęście okazał się gipsem.
6. Pijany Satyr
Dobra wiadomość jest taka, że ten pomnik w Mediolanie, który w 2014 roku stracił lewą nogę z rąk nieznanych entuzjastów selfie, był po prostu repliką innego pomnika, którego początki sięgają 220 roku p.n.e. Zła wiadomość jest taka, że replika była bardzo cenna i dość zabytkowa (dzieło z XIX wieku).
Kamery CCTV w tej części Akademii Mediolańskiej sztuki piękne Brera nie została zidentyfikowana, ale świadkowie widzieli, jak student-turysta wspiął się na posąg i usiadł na kolanie, aby zrobić zdjęcie. Student najwyraźniej nie zdawał sobie sprawy, że replika posągu została wykonana z terakoty i gipsu i została złożona z kawałków, w związku z czym noga odpadła i złamała się.
7. Obraz „Aktor” Picassa
Prawie 2-metrowy obraz „Aktor” Picassa trudno przeoczyć. Jednak jeden z gości Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w styczniu 2010 roku potraktował to stwierdzenie zbyt dosłownie. Podczas wycieczki straciła równowagę i upadła na obraz, tworząc w dziele sztuki z 1904 roku 15-centymetrową dziurę. Proces renowacji trwał trzy miesiące.
Rezerwat Muzealny Owgorod ma w swoich zbiorach ponad 150 dzieł starożytna sztuka rosyjska, poświęcony Najświętszej Maryi Pannie. Rzućmy okiem na 5 najciekawszych „Dziewic”.
Ranna Dziewica Maryja
Fresk z fragmentem twarzy to jeden z najstarszych rosyjskich wizerunków Matki Bożej, powstały około 1130 roku. Rzadki eksponat jest prezentowany po raz pierwszy, gdyż fresk odkryto całkiem niedawno – w latach wykopaliska archeologiczne 2014.
Co ciekawe, wykopaliska nie zostały przeprowadzone w otwarte pole i nie w gruzach, ale w doskonale zachowanym do dziś budynku - katedrze św. Jerzego klasztoru Yuryev. Fragment odnaleziono w części ołtarzowej świątyni (ołtarz). Faktem jest, że w latach trzydziestych XIX wieku starożytne obrazy z XII wieku na rozkaz Archimandryty Focjusza zostały zburzone ze ścian, a ich okruchy w barbarzyński sposób wykorzystano do wypełnienia podłogi. Fakt, że te przetrwały smutne oczy, to prawdziwy cud.
Sprzedana Dziewica Maryja
Jednym z niesamowitych skarbów Nowogrodzkiego Rezerwatu Muzealnego jest kompleks dwustronnych „tabletek”. Te małe święte ikony na cienkich tabliczkach, które w święta umieszczano na mównicy, zostały namalowane pod koniec XV wieku. Przez wieki trzymano je w sobie Katedra św. Zofii, jednak po rewolucji zespół został podzielony i częściowo sprzedany za granicę. W Muzeum Nowogród„tabletek” było tylko 18.
Ponieważ ikony są reprezentowane kalendarz kościelny wielki krytyk sztuki Wiktor Łazariew stwierdził w latach 70., że niektóre święta to za mało, to znaczy powinno być więcej ikon. Osiem tabliczek odnaleziono w Galerii Trietiakowskiej, kilka w kolekcji artysty Korina, jedna w Muzeum Rosyjskim. Ale najbardziej ciekawe odkrycie powstał w Londynie: antykwariusz Richard Temple przesłał Lazarevowi fotografię dwustronnej ikony ze swojej kolekcji - z „Trójcą” i „Matką Bożą Hodegetrią” na odwrocie. Pasuje dokładnie pod względem rozmiaru i stylu do innych. W 1987 roku Blanchett Rockefeller, wdowa po Johnie D. Rockefellerze III, kupiła tę ikonę od Temple i podarowała ją Muzeum Nowogrodu.
Obejrzyj i posłuchaj wycieczki wideo po salach malarstwa ikonowego z XV–XVI w. Nowogrodzkiego Rezerwatu Muzealnego
Matka Boża Niewrażliwa na strzały
Dostrzeżenie Matki Bożej w tej dużej ikonie wymaga pewnego wysiłku, ale tak naprawdę to Ona główny bohater. W fabule „Cud ikony „Matka Boża Znaku” (Bitwa Nowogrodu z Suzdalami) jest przedstawiona dwukrotnie - w górnym i środkowym rejestrze.
Widzimy, jak mała kwadratowa ikona „Matki Bożej Znaku”, na której Dziewica Maryja jest przedstawiona z otwartymi ramionami w geście ochronnym, unosi się nad murami i tłumem niczym sztandar. Ratuje Nowogród przed wojskami księcia Suzdal Mścisława Andriejewicza. Cud ten wydarzył się w 1170 r.
Przedstawiona tu XII-wieczna ikona Matki Bożej Znakowej przechowywana jest obecnie w katedrze św. Zofii (nie trafiła na wystawę). A ta duża ikona narracyjna, namalowana w 1460 roku, jest pełna szczegółów, postaci historycznych i brakujących budynków.
Jedwabna Dziewica
Na wystawie zaginęła wspomniana powyżej cudowna ikona „Matki Bożej Znakowej” z XII w., gdyż została zwrócona w 1991 r. Sobór. Przez wiele stuleci dla Nowogródów był to symbol miasta, jego amulet, jego pallad. Ikonę przechowywano najpierw w kościele Przemienienia Pańskiego przy ulicy Iljina, a następnie w katedrze klasztoru Znamensky. Kapliczka była oczywiście bogato zdobiona: przykryta była złoconą srebrną ramą, a u jej dolnej krawędzi zawieszony był haftowany całun.
To właśnie ten XVII-wieczny całun można oglądać na wystawie. Jest dokładnie tego samego rozmiaru cudowna ikona. Na płótnie i jedwabiu przy użyciu złota i srebrne nici Starannie odwzorowano także wizerunek sanktuarium. Na marginesach można zobaczyć świętych i przeczytać ich imiona – i to na oryginale starożytna ikona Części te są tak zużyte, że prawie nie ma już warstwy farby.
Dziewica Maryja ze szczegółową biografią
O większości starożytnych ikon rosyjskich niewiele wiadomo – zwykle nie poznajemy nazwiska autora, daty powstania ani okoliczności powstania zamówienia. Im jednak bliżej czasów współczesnych, tym bardziej ta sytuacja się zmienia. Na przykład dzięki szczegółowemu napisowi wzdłuż dolnej krawędzi wiele jest jasne na temat tej ikony Matki Bożej Iveron.
Choć stylem nawiązuje do XVII wieku, okazuje się, że ikona powstała znacznie później – w 1827 roku. Napisał go „kupiec z Wyszniewołocka” Ignatij Jeremiewicz Czistyakow. Stworzona przez niego ikona jest kopią obrazu zamówionego przez słynnego patriarchę Nikona dla założonego przez niego klasztoru Iveron Valdai. Ikona ta faktycznie pochodzi z XVII wieku, została namalowana w 1655 roku. Nie sposób go jednak zobaczyć: kiedy w 1927 roku zamknięto klasztor, zaginął.
Z kolei patriarcha Nikon poszedł w ślady cara Aleksieja Michajłowicza, który siedem lat wcześniej, w 1648 r., zamówił dokładną kopię pierwszej ikony Iveron z klasztoru Iveron na Athos dla katedry Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim. Zachował się wizerunek królewski, obecnie znajduje się w katedrze smoleńskiej
Arcydzieła powstają czasami miesiącami, a nawet latami. Artyści inwestują wiedzę w swoje projekty, kreatywne pomysły i emocje.
Gotowe obrazy są nasycone znaczeniem, a co za tym idzie, subiektywną wagą, której wartości nie da się zmierzyć, przynajmniej dopóki nie zostaną wystawione na aukcji temu, kto zaoferuje najwyższą cenę.
Dzieła, o których dzisiaj będziemy mówić, kosztowały mnóstwo pieniędzy, miały ogromne znaczenie dla krytyków i miłośników sztuki, niestety uległy niestety zniszczeniu na skutek nieostrożności lub nieuwagi, wandalizmu lub po prostu braku odpowiednich warunków przechowywania.
Gdyby twórcy tych dzieł sztuki żyli, z pewnością byliby przerażeni.
1. „Pieta” (1498-99) Michał Anioł
(Michał Anioł – Pieta)
Główną atrakcją katedry św. Marii jest marmurowa rzeźba przedstawiająca pogrążoną w żałobie Dziewicę Maryję z ciałem Jezusa Chrystusa zdjętym z krzyża. Piotra w Watykanie i jedno z najbardziej szanowanych dzieł sztuki religijni ludzie i tylko dla tych, którzy kochają i cenią rzeźba klasyczna. W całej 500-letniej historii Piety największe zniszczenia rzeźby nastąpiły w 1972 r., kiedy posąg został zaatakowany młotkiem przez geologa krzyczącego „Jestem Jezus Chrystus!” Wiele fragmentów posągu, w tym kawałek nosa Marii, zostało zebranych przez naocznych świadków zdarzenia, ale później nie zwrócono ich katedrze. Podczas długotrwałej renowacji oblicze Matki Bożej zostało odtworzone przy użyciu materiałów pobranych z innych części posągu. Po renowacji Pieta Michelangelo Buanarrotiego została umieszczona pod kuloodporną szybą.
2. " Nocna Straż» (1642) Rembrandta van Rijna
(Rembrandt van Rijn – Straż nocna)
Niestety, z biegiem czasu sama Nocna Straż potrzebowała ochrony. Kiedy obraz był wystawiany w państwie Muzeum Narodowe w Amsterdamie dokonano kilku zamachów na jego życie. W 1911 roku bezrobotny kucharz okrętowy bezskutecznie próbował przeciąć obraz nożem. W 1975 r nauczyciel szkoły odniósł większy sukces, przecinając płótno zygzakowatymi liniami (później ustalono, że człowiek ten cierpiał na zaburzenia psychiczne, a on sam wkrótce popełnił samobójstwo). I choć obraz został odrestaurowany, nadal można znaleźć ślady wandalizmu. W 1990 roku jeden ze zwiedzających spryskał obraz kwasem, ale strażnicy szybko zareagowali i uratowali obraz przed zniszczeniem.
3. „Danae” (1636) Rembrandta van Rijna
(Rembrandt van Rijn – Danae)
Jeden z ulubionych obrazów Rembrandta przedstawia bohaterów mitologia grecka: Matka Perseusza, Danae, która spotyka Zeusa, jego ojca. Płótno o wymiarach 2,4 x 3 metry uległo zniszczeniu w 1985 roku, kiedy szalony gość Ermitażu w Petersburgu (gdzie obraz przechowywany był od XVIII w.) machając nożem, próbował przeciąć Danae podbrzusze i udo. Cały dramat sytuacji polega jednak na tym, że następnie otworzył naczynie z kwasem siarkowym i wylał go na obraz, w wyniku czego oryginalna farba zaczęła bulgotać i odpadać od płótna. Zajęło dwanaście przez długie lata, odnowić obraz i na szczęście znów można go oglądać.
4. „Wenus z lustrem” (1647-51) Diego Velazqueza
(Diego Velazquez – Rokeby Venus)
Velazquez był mistrzem w realistyczny obraz ludzi – widać to doskonale, oglądając „Wenus z lustrem”, w którym bogini Wenus, leżąc na łóżku w uwodzicielskiej pozie, spogląda w lustro trzymane przez jej syna Kupidyna. W 1914 roku Wenus została dosłownie pocięta na kawałki przez sufrażystkę wojskową Mary Richardson (która później została szefową oddziału kobiecego Brytyjskiego Związku Faszystów) po aresztowaniu jej towarzyszki Emmeline Panccrust. Kobieta weszła do londyńskiej Galerii Narodowej pomimo ostrzeżeń o możliwym ataku i wykonała siedem nacięć na prawie całym grzbiecie Wenus. Richardson otrzymała za swoje przestępstwo sześciomiesięczny wyrok więzienia.
5. „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus” (1499-1500) Leonardo da Vinci
(Leonardo da Vinci - Matka Boska z Dzieciątkiem i św. Anną i św. Janem Chrzcicielem)
W Londynie znajduje się także czarno-biały szkic węglem i kredą napisany przez da Vinci 500 lat temu Galeria Narodowa. W 1987 roku wyceniono go na 35 milionów dolarów. Następnie mężczyzna próbował strzelić do obrazu z obciętej strzelby, chcąc zademonstrować swoje niezadowolenie z „warunków politycznych, społecznych i gospodarczych w Wielkiej Brytanii”. Strzał uszkodził szybę ochronną i spowodował 6-calową dziurę w szacie Matki Bożej. W trakcie renowacji usunięto liczne odłamki szkła i skrawki papieru, która, jak to prawie zawsze w takich przypadkach bywa, nie była w stanie przywrócić dziełu pierwotnego wyglądu.
6. „Aktor”, (1904) Pablo Picasso
(Pablo Picasso – aktor)
Spróbuj pomyśleć o wypadku w swoim życiu, który kosztował Cię dużo pieniędzy. Pamiętasz? A teraz porównaj swoje szkody ze stratami, jakie poniosło Metropolitan Museum of Art w 2010 roku, kiedy jeden z zwiedzających przypadkowo upadł na obraz Picassa warty 130 milionów dolarów. W wyniku zdarzenia na płótnie powstała szczelina o długości 15 cm i wymiarach 1,8 x 2,4 m. Ze względu na to, że był to wypadek, sprawca zdarzenia nie został ukarany.
7. „Sen” (1923) Pablo Picasso
(Pablo Picasso – Le Reve)
Cztery lata przed incydentem z obrazem „Aktor” podobny los spotkał „Sen” Picassa, przedstawiający kochankę artysty Marie-Therese Walter. W tym czasie obraz był już gotowy prywatna kolekcja właściciel jednego z amerykańskich kasyn, Steve Wynn, który planował sprzedać „Dream” menadżerowi funduszu hedgingowego Stevenowi Cohenowi. Jednak nie było to przeznaczone. Pokazując obraz gościom, cierpiący na wadę wzroku Winn przypadkowo potknął się i upadł na płótno, wyrywając w nim 5-centymetrową dziurę, po czym zdecydował się nie sprzedawać obrazu. Przywrócenie „Snu” kosztowało miliardera 90 000 dolarów.
8. „Fontanna” (1917), Marcel Duchamp
(Marcel Duchamp - Fontanna)
Ten utalentowany mistrz zdołał zainwestować wewnętrzne znaczenie do prawie każdego obiektu. Wzorem Fontanny Duchampa był biały pisuar z Bedfordshire, który kupił w 1917 roku w Nowym Jorku. Początkowo toczyły się spory, czy dzieło należy do dzieł sztuki, gdyż zostało przez twórcę wpisane na wystawę Towarzystwa Artystów Niezależnych, które z kolei odmówiło wystawienia tej eksponatu. Jednak w 2006 roku wyceniono go już na 3,6 miliona dolarów. W tym samym roku dzieło ucierpiało z rąk 76-letniego artysty, który postanowił rozbić je młotkiem, jednak strącił jedynie krawędzie. Trzynaście lat wcześniej, kiedy wystawę wystawiano w Nîmes we Francji, ten sam mężczyzna oddał na nią mocz podczas ekspozycji. Do dziś dzieło niezmiennie cieszy się zainteresowaniem.
9. „Wazon Portlandzki” (30-20 p.n.e.) autorstwa nieznanego artysty
To wspaniałe naczynie ze szkła i kamei, przedstawiające postacie bogów i śmiertelników, odkryto w pobliżu Rzymu w XVI wieku, po czym wazon przekazano do konserwacji w 1810 roku Brytyjskie Muzeum. Trudno uwierzyć, że tak delikatny przedmiot mógł pozostać nienaruszony i nienaruszony przez tyle stuleci, a jednak tak jest. Wazon Portland przetrwał inne naczynia Epoka hellenistyczna przetrwał lata 1865-1875 i pozostałby nienaruszony, gdyby nie smutny incydent w 1845 r., kiedy to naczynie zostało rozbite na kawałki przez pijanego gościa muzeum. Niektóre fragmenty wazonu zaginęły i odnaleziono je dopiero po kilku latach, po czym naczynie zostało kilkakrotnie rozebrane i sklejone. Najnowszy prace renowacyjne przeprowadzono w latach 1988 i 1989, dzięki czemu udało się przywrócić wazonowi portlandzkiemu niemal jego pierwotny wygląd.
10. Mała Syrenka (1913) Edwarda Eriksena
(Edvard Eriksen – Mała Syrenka)
W związku z tym, że pomnik Małej Syrenki jest jedną z głównych atrakcji Kopenhagi, był on wielokrotnie prezentowany różne powody(najczęściej polityczne) ucierpiały z rąk wandali. W 1964 roku głowa posągu została ścięta i skradziona, po czym wykonano i zamontowano nową głowę, ponownie skradzioną jakiś czas później. Przez kolejne lata Mała Syrenka była pozbawiona tego prawa prawa ręka, wysadzili go dynamitem i pokryli farbami najróżniejszych kolorów i odcieni. Być może „Małą Syrenkę” Edwarda Eriksena można nazwać najbardziej „cierpliwym” dziełem sztuki na świecie.
Opowieści Katarzyny II
Katarzyny II trudno nazwać dobrą matką: ona trudne relacje ze swoim jedynym synem Pawłem (przyszłym Pawłem I) - sławnym fakt historyczny. Chłopiec dorastał z dala od matki i rzadko ją widywał. Katarzyna II arbitralnie odsunęła syna od władzy, gdy jego ojciec, Piotr III, zginął podczas zamachu stanu. Przez całe życie Paweł podejrzewał matkę o udział w śmierci ojca i nie mógł jej tego wybaczyć. Ale Katarzyna II była troskliwą i wrażliwą babcią.
Spodziewała się, że bezpośrednio przekaże stery władzy swojemu wnukowi Aleksandrowi, dlatego sama zaangażowała się w jego wychowanie i edukację. Dla podbudowania wnuka cesarzowa napisała „Opowieść o księciu Chlorusie” (historia młodego mężczyzny, który pokonywał wszelkie przeszkody w poszukiwaniu magicznej róży bez kolców) oraz „Opowieść o księciu Tebach” dedykowaną zasady postępowania następcy tronu.
Literaturoznawcy uważają dzieła Katarzyny II za pierwsze baśnie literackie w historii kultury narodowej.
„Książę odpowiedział:
Szukamy róży bez kolców, która nie kłuje.
„Usłyszałem” – powiedział młody człowiek – „od naszego nauczyciela o róży bez kolców, która nie kłuje”. Ten kwiat to nic innego jak cnota. Inni myślą, że można do niego dotrzeć krętymi ścieżkami, lecz prowadzi do niego tylko prosta droga. Oto góra, o której myślisz, na której rośnie róża bez kolców, która nie kłuje; ale droga jest stroma i kamienista.
Katarzyna II, „Opowieść o księciu Chlorusie”
PORTRETY ILII REPINA
Życie rodzinne Ilyi Repin z jego pierwszą żoną Verą było bardzo trudne. Ale problemy w relacjach z żoną w żaden sposób nie wpłynęły na uczucia artysty do dzieci - Repin bardzo je kochał. Jego najstarsza córka Vera często stawała się bohaterką jego obrazów, na przykład dzieł „Portret Very Repina” (1878), „Ważka” (1884), „ Jesienny bukiet„(1892). Nie mniej często Repin malował także swoją drugą córkę Nadię - jest ona również przedstawiana na obrazach „Portret Nadii Repiny” (1881), „W słońcu” (1900). Jedyny syn Repina, Jurij, który później sam został artystą, pozował swojemu ojcu portret dziecka w 1882.
PORTRETY KONSTANTYNA MAKOWSKIEGO
Konstantin Makovsky był trzykrotnie żonaty. Jego pierwsze małżeństwo było krótkotrwałe – Makovsky owdowiał wkrótce po ślubie. Ale ze swoją drugą żoną Julią Letkową mieszkał przez ponad 20 lat szczęśliwe lata. W tym małżeństwie mieli troje dzieci, które stały się ulubionymi modelkami artysty. NA " Portret rodzinny„Przedstawił swoją żonę z synem Siergiejem i córką Eleną. Młody Siergiej stał się bohaterem innych obrazów, na przykład „Małego złodzieja” (1881), „Małego antykwariusza” i „Portretu syna w marynarskim garniturze”.
Już w zaawansowanym wieku Makovsky poznał swoją trzecią żonę, dla której opuścił poprzednią rodzinę. Makovsky malował czworo dzieci z tego małżeństwa (Konstantina, Olgę, Marinę i Mikołaja) równie często, jak starsze.
PORTRETY WALENTYNA SIEROWA
Ojcem był Walentin Sierow duża rodzina- jego żona Olga Trubnikowa urodziła sześcioro dzieci artysty, które często malował Sierow. Do słynnych portretów dzieci artysty należy portret morski „Dzieci (Sasha i Yura Serov)”, portret „Mishy Serov”, szkic akwarelowy „Sasha Serov”, obraz „Dzieci artysty Olgi i Antosha Serov”. Życie dzieci Walentina Sierowa potoczyło się inaczej: najstarsza córka Olga została artystką, syn Jurij został aktorem filmowym, a Aleksander Sierow, stoczniowiec i pilot wojskowy, wyemigrował do Libanu, gdzie zajmował się budową dróg.
PORTRETY ZINAIDY SEREBRYAKOVEJ
Przed rewolucją Zinaida Serebryakova żyła szczęśliwie ze swoim mężem Borysem Serebryakowem i czwórką dzieci: Jewgienijem, Aleksandrem, Tatianą i Jekateriną. Dzieci chętnie pozowały do portretów artysty. Serebryakova osobno przedstawiła troje dzieci na obrazie „Przy obiedzie” - śpiącego syna Żenię na szkicu z 1908 r. i córki na portrecie „Tata i Katya”. W 1919 r. Życie rodziny uległo zmianie – zmarł mąż Serebryakowej. Potem artystka zaczęła jeszcze częściej malować swoje dzieci, szukając w nich pocieszenia. Porewolucyjny okres twórczości Serebryakowej obejmuje obrazy „Dom z kart”, „Na tarasie w Charkowie”, a także liczne portrety jej córek. W 1924 r. Zinaida Serebryakova została zmuszona do wyjazdu do Francji i pozostawienia dzieci w ZSRR. Kilka lat później Aleksander i Ekaterina mogli ją odwiedzić, ale Serebryakova mogła zobaczyć Tatianę dopiero po 36 latach.
Wiersze MARiny TSVETAEVY
Cwietajewa często szczegółowo opisywała swoje dzieci – Ariadnę, Irinę i Georgija – w swoich pamiętnikach i poświęcała im liczne wiersze. Jej główną muzą była Ariadna. Pisała do niej na przykład „Wiersze dla córki” i „Ale”. Cwietajewa ciężko przeżyła wymuszoną separację najstarsza córka, kiedy musiała wysłać Ariadnę do sierocińca, co znalazło odzwierciedlenie w jej wierszu „Mały duch domu, mój geniusz domu”. Cwietajewa zadedykowała równie tragiczny wiersz „Pod rykiem burz domowych” Irinie, która zmarła w wieku trzech lat.
Pod rykiem burz domowych,
W trudnym czasie,
Nadaję ci imię - pokój,
Dziedzictwo jest lazurowe.
Uciekaj, uciekaj, Wrogu!
Szczęść Boże, Trójjedyny,
Dziedziczka wiecznych błogosławieństw
Kochana Irino!
Marina Cwietajewa
Wiersze Borysa Pasternaka
W latach dwudziestych i trzydziestych dla wielu poetów wiersze dla dzieci były jedyny sposób publikować bez obawy przed prześladowaniami. To było w tym czasie osobne publikacje Opublikowano dwa „dziecięce” wiersze Pasternaka, napisane jednak nie tyle po to, by zarobić pieniądze, ile po to, by przeczytać je swojemu synkowi Jewgienijowi. Były to książki „Menażeria” z ilustracjami Nikołaja Kuprejanowa i „Karuzela” z rysunkami Nikołaja Tyrsy. Od tego czasu wiersze te zostały opublikowane tylko raz, w 2016 roku. Sam Pasternak jako dziecko zainspirował swojego ojca, artystę Leonida Pasternaka, do stworzenia kilku portretów dzieci („Portret Borysa Pasternaka na tle Morza Bałtyckiego”, grafika „Borys Pasternak przy fortepianie”, „Śpiący uczeń”) .
...Odległe warczenie kuguarów
Wtapianie się w nieharmonijny hałas.
Warczenie toczy się po parku,
A niebo robi się gorące,
Ale nie widać żadnej chmury
W ogrodzie zoologicznym.
Jak dobroduszni sąsiedzi,
Niedźwiedzie rozmawiają z dziećmi
I hałaśliwe piece tłumią
Nagie pięty niedźwiadków.
Bieganie po wyłożonym kafelkami przejściu
Schodzą w bieliźnie
Trzy niedźwiedzie polarne
W jednym rodzinnym stawie.
Borys Pasternak, „Menażeria”
Opowieści Bułata Okudżawy
Kiedy pod koniec lat 60. Bułat Okudżawa mieszkał w Jałcie, pisał listy do syna z bajki i rysowaliśmy dla nich śmieszne obrazki. Nawet nie myślał o publikacji, dopóki Bella Akhmadulina nie zobaczyła tej korespondencji. Za jej radą Okudżawa połączyła rozproszone bajki w jedną historię. Tak powstała książka „Lovely Adventures” – historia egzotycznych stworzeń Craiga Kootenay Ram, Dobrego Węża i Sea Gridig. Została opublikowana w ZSRR w 1971 roku i zawierała ilustracje autora. Wkrótce książka została przetłumaczona na kilka języki obce.
„A oto, co powiedział Craig Kootenay Ram.
Któregoś dnia spacerowałem po górach Kootenay. Nagle widzę: Samotność się do mnie zbliża Zdradziecki Wilk. Postanowiłem go wyśmiać. W końcu jestem też bardzo przebiegły. Nie chciałam się z nim kłócić, ale mój żart zapamiętał na długo.
Krzyknęłam i pobiegłam jak wiatr. Wilk rzucił się za mną.
Tak! - krzyknął. - Nie zostawisz mnie! Teraz cię zjem!
Prawie mnie dogonił, gdy kierowałem się w stronę głębokiej otchłani.
Tak! - krzyknął Wilk.
A potem skoczyłem. Bardzo łatwo przeleciałem nad otchłanią: w końcu jestem bardzo zręczny, a Samotny Przebiegły Wilk upadł.
Biegł po dnie otchłani, ale nie mógł się wydostać. Potem krzyknął:
Ocal mnie! Nigdy więcej tego nie zrobię. Będę jadł tylko trawę.
Opuściłem do niego linę. Szybko wspiął się na górę, a kiedy już wyszedł, roześmiał się i powiedział:
A ty w to uwierzyłeś, głupcze... Naprawdę zdecydowałeś, że będę jadł trawę? Naprawdę potrzebuję twojego głupiego zioła! Lubię mięso! I teraz cię zjem!
Chciał mnie znowu zaatakować, ale jestem bardzo sprytny. Skoczyłem i znalazłem się po drugiej stronie przepaści.”
Bułat Okudżawa, „Cudowne przygody”