Sztuka średniowieczna Europa jako ucieleśnienie mentalności religijno-chrześcijańskiej. Estetyka tożsamości: kanoniczność, antynowatyzm, anonimowość, powtarzalność tradycyjnych wątków i obrazów. Dominanty estetyczne wczesnego, dojrzałego i późnego średniowiecza. Style architektury średniowiecznej: styl romański, styl gotycki.

Malarstwo średniowieczne (miniatury książkowe, malarstwo monumentalne, witraż). Literatura średniowieczna: i jej cechy. Podstawowy tradycje literackie: Literatura łacińska:, literatura epicka, dworska:, literatura miejska:. Tryb kościelny i średniowieczne gatunki muzyczne.

Obraz. Tematami obrazów i rzeźb były tematy wielkości i mocy Boga. Cechą stylistyczną tych obrazów było to, że postać Chrystusa była znacznie większa niż inne postacie. W ogóle dla artystów romańskich prawdziwe proporcje nie były ważne: na obrazach głowy są często powiększone, ciała schematyczne, czasem wydłużone. W Niemczech w XI wieku. coraz więcej miejsca na obrazie. Temat ukrzyżowania, śmierci i zmartwychwstania Chrystusa zaczyna zajmować miejsce. W przyszłości motyw ten stanie się dominujący w katolicyzmie, a nawet wyprze obraz Chrystusa jako Pantokratora. Monumentalne malarstwo wczesnośredniowieczne. W nim, wraz z wczesnochrześcijańskimi tradycjami, obserwuje się cechy porywczości i ekspresji. Zabytki z IX wieku, które dotarły do ​​naszych czasów. Malowidła kościelne we Francji pozwalają rozróżnić szkoły „jasnego” i „niebieskiego” tła. Pierwsza, powszechna na zachodzie i w środkowej Francji, charakteryzuje się jasnym tłem, ostrymi konturami i płaską interpretacją form (freski „Bitwa Archanioła Michała ze smokiem” w kościele Saint-Savain w Poitou ). W przypadku drugiego (południe i wschód kraju) charakterystyczne są niebieskie tła, bogata kolorystyka i wyraźny wpływ sztuki bizantyjskiej. Szczególnie dobrze reprezentowaną „Szkołę niebieskiego tła” jest zespół malowideł Berze-la-Ville powstałych na początku XII wieku. Tym samym w sztuce XIV w., choć nadal kontrolowanej przez kościół, nasiliły się cechy świeckie i realistyczne. Witraż. W okresie rozkwitu stylu romańskiego istniały dwie techniki malowania witraży: grisaille(czarno-szara farba na szkle bezbarwnym o zielonkawym, przydymionym odcieniu) i na składzie kolorowego szkła(szkło wygotowano w specjalnych piecach, następnie pocięto według przygotowanego projektu i wpisano na specjalne szablony, po czym pokryto je malowaniem na kolorowym tle). Jednak witraż osiągnął swój największy rozkwit w okresie gotyku. Głównym celem tych „obrazków okiennych” było pokazanie ludziom, którzy nie potrafią czytać Pisma Świętego, w co powinni wierzyć. Ze względu na różnorodność tematyki witraże mają charakter gotycki. katedry skutecznie konkurowały z rzeźbą. Oprócz kompozycji o tematyce biblijnej i ewangelicznej, poszczególnych postaci Chrystusa, Marii i apostołów, znalazły się w nich także epizody z legend o życiu świętych oraz wizerunki wydarzeń historycznych. Nigdy wcześniej kolor i światło nie odgrywały tak symbolicznej roli. Wierzono, że naturalnym kolorem gotyku był fiolet – kolor modlitwy i mistycznych dążeń duszy, przypominający połączenie czerwonego koloru krwi i błękitnego nieba. Niebieski kolor był również uważany za symbol wierności. Dlatego też w witrażach dominowały kolory czerwony, niebieski i fioletowe farby. Wraz z nimi pomarańczowy, biały, żółty, zielony kolor A. Najlepszy gotyk. witraże znajdują się w katedrach w Chartres („Dziewica z Dzieciątkiem”) i Paryżu (Saint-Chapelle).

Literatura. Całą literaturę średniowiecza można podzielić na bohaterska epopeja, poezja dworska rycerska, powieść dworska rycerska oraz poezja i proza ​​mieszczańska. Heroiczna epopeja przedstawiały opowieści opiewające wyczyny bohaterów, najważniejsze rzeczywiste wydarzenia, opowieści oparte na legendach ludowych. Wczesne prace Tego rodzaju były „pieśni o wyczynach”. Wykonawcami tych pieśni-wierszy byli żonglerzy, podróżujący śpiewacy i muzycy. We Francji największym pomnikiem tamtej epoki jest „Pieśń o Rolandzie” (idealnym rycerzu, patriotze i miłośniku prawdy, obrońcy chrześcijan przed niewiernymi). Legendy bretońskie (Bretania – region we Francji) i celtyckie opowiadają o brytyjskim królu Arturze i Rycerzach Okrągłego Stołu, a także o poszukiwaniu Świętego Graala, kielicha, w którym według legendy znajduje się krew Zbawiciela odebrano podczas składania ciała do trumny. Najsłynniejszy wiersz tego cyklu gloryfikuje wyczyny rycerza Parzivala. W Niemczech - epos „Pieśń Nibelungów” o śmierci królestwa burgundzkiego i śmierci króla Hunów Attyli. Bohater Zygfryd pojawia się w krainie Nibelungów i zakochuje się w siostrze króla Gunthera. Król prosi Z. o pomoc w dokonaniu bohaterskich wyczynów i poślubia królową Islandii. Później oszustwo wychodzi na jaw. Rycerska poezja dworska (dworska). Poezja dworska rozpoczęła się od kultu „pani serca”. Rycerze-poeci śpiewali piękno i szlachetność Pięknej Damy, która z reguły była żoną pana mrocznego. Miłość dworska jest tajemnicą, poeta unikał nazywania swojej damy imieniem subtelnym, wyrafinowanym. Powinna wyglądać jak pełna czci adoracja. Śpiewali ją trubadurowie (południowa Francja), trouvères (północna Francja), minnesingers (Niemcy) i minstrele (angielski). W Prowansji (i to właśnie tam pojawiły się pierwsze rycerskie poematy miłosne) istniało wiele form poezji dworskiej. Kancona(„piosenka” przedstawiała wątek miłosny w formie narracyjnej. Alba(„poranny świt”) poświęcony był ziemskiej, współdzielonej miłości. Zakochani rozstają się o świcie, którego nadejście ostrzega służący lub przyjaciel stojący na straży. Ballada- piosenka taneczna. Pastorela- pieśń o spotkaniu rycerza i pasterki. Płakać- piosenka, w której poeta tęskni lub opłakuje swój los, opłakuje śmierć bliskiej osoby. Tenson- wiersz. spór, kat. Biorą w nim udział albo dwaj poeci, albo poeta i P.D., poezja i Ljubow. Sirventes- piosenka, kot. Sieci społecznościowe już się rozwijają. pytania: kto jest godny miłości – grzeczny plebejusz czy niechlubny baron? rycerski romans dworski. Autorami są naukowcy. Pierwsze powieści ukazały się we Francji. i były połączeniem eposów celtyckich. legendy z późnoantycznymi dziełami Homera, Owidiusza, Wergiliusza, fascynujące historie krzyżowców o nieznanych krajach. Jeden z twórców Chretiena de Trouya „Yvain, czyli rycerz z lwem”. Działania bohaterów Chrétiena de Troyesa mają na celu dokonanie wyczynu i to nie miłość popycha rycerza do przygód, ale pasja do tych wyczynów. Bardziej złożone techniki ujawniania ludzi. har-ra zostały użyte przez Chrétiena de Troyesa w Opowieści o Graalu, gdzie wyczyn o „zwiększonym stopniu trudności” skazuje bohatera na ascezę.

Druga środa ma zupełnie inną tonację. powieść - „Tristan i Izolda” na podstawie kota. Irlandzkie opowieści o nieszczęśliwej miłości dwojga młodych serc. W fabule brakuje rycerskiej przygody, a na pierwszy plan wysuwa się nierozwiązywalny konflikt pomiędzy indywidualnymi motywami bohaterów a ogólnie przyjętymi normami. Niszczycielska pasja młodego mężczyzny Tristana i królowej Izoldy popycha ich do deptania obowiązków wasalnych i małżeńskich, do łańcucha pozorów i oszustw. Bohaterowie nie giną pod ciosami silnych przeciwników, stają się ofiarami losu, losu. Poezja i proza ​​gór. posiadłości. Popularne gatunki to fabliau (we Francji), schwank (w Niemczech). Bohaterami są mieszczanie i chłopi ze swoją pomysłowością i zdrowym rozsądkiem, kot. zmagać się z codziennymi przeciwnościami losu, zachowując przy tym optymizm. Wszystkie sytuacje mają charakter komiczny lub przygodowy, ale nie wykraczają poza granice realistycznego przedstawienia codziennego. Najsłynniejszy epos. cykl to ks. „Powieść o lisie”, w której życie srveka jest przedstawione w formie alegorycznej. Europa. Motywem przewodnim jest udana walka lisa Renarda, głównego bohatera. zaradność, zręczność i przebiegłość, z głupim, krwiożerczym wilkiem. Szczególnym zjawiskiem jest poezja wędrownych uczniów – włóczęgów. Dokonali ostrych ataków na książąt kościoła, co uczyniło włóczęgów wojującymi heretykami. Ulubionymi tematami ich piosenek są biesiady, lekkie flirty, ironiczne narzekanie na ich ciężki los („Po francuskiej stronie...”). Humor ludowy przekształcił się w satyrę i dał początek nowemu gatunkowi - farsie (prymitywnej komedii z nieodłączną kpiną).

Muzyka. Muzyka k-ra wczesnego średniowiecza reprezentowane głównie przez pieśni i tańce dworskie i ludowe, grające muzykę. instrumenty i muzyka religijna. Wszystkie warstwy społeczne pasjonowały się muzyką, pieśnią i tańcem. Hymn kościelny. Już pod koniec VI wieku. podstawa muzyki. Kult katolicki stał się jednogłosowym śpiewem kościelnym, wykonywanym przez chór męski unisono lub przez solistów łacina. Jest to tzw Chorał gregoriański (nazwany na cześć papieża Grzegorza I, który według legendy stworzył ten gatunek śpiewu). We wszystkich krajach Europy Zachodniej stopniowo wprowadzano jednolity śpiew chrześcijański. KIX-X wieki – pierwsze nagrania dzieł polifonicznych. Dwugłosowe spektakle organum tworzyli mistrzowie z Francji. Klasztor Saint-Marcel, który pożyczyli od improwizujących śpiewaków. Dystrybucja muzyka Motet stał się gatunkiem począwszy od XIII wieku. Aby napisać motet, por. wziął dobrze znaną melodię i dodał do niej jeden, dwa lub trzy głosy. Na tej samej zasadzie komponowano także muzykę kościelną. rytuał. Ten ma polifon. Na podstawie pieśni trubadurów i truwerów twórczość komp. późno Średniowiecze. Różne piosenki gatunki i formy: ronda, ballady, madrygały. Ten okres w historii muzyki nazywa się Nowa Ars(łac. nowa sztuka), ponieważ wyrafinowana poezja świecka została teraz nastawiona na muzykę nowego typu, przepojoną szczególną żywotnością i bogactwem dźwiękowych barw. Wybitny mistrz informatyki. Ars nova to Francesco Landino. Wczesna ślepota nie przeszkodziła mu zostać wirtuozem organisty i autorem wielu pieśni lirycznych. ks. Ars nova stał na czele komputera. i poeta Guillaume de Machaut, sygn. współcześni nazywali go „ziemskim bogiem harmonii”. Ballada w jego twórczości stała się przykładem wyrafinowanego liryzmu. Wykonał go jeden śpiewak z polifonicznym towarzyszeniem instrumentów. Kreatywność obu otworzyła szlak. scena - muzyka renesans

Dedykowany wszystkim dziewczynom
dziewczyny, kobiety i babcie!

Artyści XV wieku zaczęli pokrywać swoje płótna gęstym dywanem roślinnym, imitującym gobeliny. Przed sobą widzisz burgundzki gobelin przedstawiający uwięzionego jednorożca.

Tradycja przedstawiania różnych roślin, dawania ich znaczenie symboliczne, pojawił się w starożytności. Tak, liście akant uznawano je za symbol śmierci.

Na gobelinach rośliny ukazane są z zaskakującą „botaniczną” dokładnością, ale wydaje się, że na razie pełnią jedynie funkcję dekoracyjną.

W scenie polowania na jednorożca, w prawym dolnym rogu jest drzewo pomarańczowe. Była to roślina egzotyczna, uważana za symbol nieba.

Podróże do odległych krajów pozwoliły Europejczykom zapoznać się z nowymi roślinami - palmy daktylowe, Na przykład.

Często różne rodzaje roślin zdobiły marginalia rękopisów.

Dużą popularnością cieszyła się legenda o magicznych właściwościach korzenia mandragory.

Palmy wyglądały mniej więcej tak.

Stożek sosny(sosna) była symbolem drzewa życia.

Kilka kwiatów uznano za symbole Matki Boskiej.

Niektóre rośliny miały znaczenie symboliczne różne religie. Na zdjęciu karta ze starożytnej księgi żydowskiej z wizerunkiem menory i drzewa oliwne, symbol pokoju. (Hiszpania, XII wiek)

W pierwszym liście średniowiecznego rękopisu widzimy Śmierć podziwiającą siebie w lustrze, a wokół – barwinki, symbol młodości i piękna. Najwyraźniej ironia polega na tym.

Starożytne mity były popularne w okresie renesansu. Na obrazie Cosimo Tury (1465) pojawia się muza Kaliope, patronka poezji. W jej dłoni znajduje się gałąź wiśnie- tutaj symbol płodności - najwyraźniej twórczy.

Raphael Santi „Sen rycerza” (1504).
Jasne jest, że ukryta symbolika dosłownie prosiła o alegoryczne płótna. Obraz ten „szyfruje” trudny wybór pomiędzy mądrością a przyjemnościami cielesnymi. Po lewej stronie bogini Minerwa trzymająca śpiącego rycerza księgę, symbol wiedzy, po prawej Wenus składająca ofiarę kwiaty jabłoni- symbol zmysłowego dziedzictwa.

W opowieściach Starego Testamentu jest wiele symboliki. Na obrazie Albrechta Altdorfera „Zuzanna i starsi” (1526) bohaterka udaje się na dwór (po prawej), niosąc w rękach lilia- symbol niewinności. Jeśli pamiętacie, pożądliwi starsi nękali ją, gdy patrzyli, jak się kąpała, a gdy pobożna kobieta im odmówiła, fałszywie oskarżyli ją o cudzołóstwo. Mądry Król Dawid wykonał sprawiedliwy wyrok, przyprowadzając rozpustników do czystej wody. Zobacz Zuzannę przechodzącą obok wysokiej łodygi dziewanna, zwane także „berłem królewskim” - symbolem władzy i sprawiedliwości.

Kolejny piękny gobelin południowoflamandzki „Zabicie jednorożca”. Teraz z symbolami.

W lewym dolnym rogu widoczny krzak Leszczyna jest symbolem bogactwa i obfitości. Wiewiórka jest symbolem ciężkiej pracy.

I oczywiście w malarstwie religijnym z XV-XVI wieku jest wiele tajnych symboli. Zielna osłona u stóp świętych, zwłaszcza na obrazach północnego renesansu, jest prawdziwym podręcznikiem botanicznym. Wydaje się, że znajomość btanicy była umiejętnością wymaganą u ówczesnych artystów. Co ciekawe, prawie każda roślina miała swoje znaczenie.

Kiedyś opowiadałem wam szczegółowo o Ołtarzu Gandawskim autorstwa Jana van Eycka. Przypomnę, że jest tu mnóstwo symboli, w tym symboli roślinnych.

Przykładowo Ewa trzyma w dłoni owoc z Drzewa Wiedzy, ale tutaj nie jest to jabłko, ale „jabłko Adama” czyli niejadalne Cytron iberyjski.

Jabłko, jak cytrynowy- symbol grzechu pierworodnego.

Na tym wspaniałym obrazie Matthiasa Grunewalda „Madonna Stuppach” (1517) widzimy symbole Maryi w wazonie - białe lilia- niewinność i czystość, Róża- smutek macierzyński i rany Chrystusa, aksamitka(lub nagietki) - „złoto Maryi”, dar pocieszenia Matki Bożej dla biednych i nieszczęsnych. Maria daje to dziecku Orzech włoski- symbol Chrystusa (nieokreślona muszla - Ludzkie ciało, smakowity rdzeń – boska esencja).

Na tym samym ołtarzu gandawskim można zobaczyć także kwiaty Matki Boskiej: Róża- smutek, lilia- czystość, orlik i konwalia- łzy.

Lilia doliny można zobaczyć także u stóp św. Weroniki z obrazu Roberta Campina. I dalej mniszek lekarski: uroczy kwiatek - Dzieciątko Chrystus, lancetowate liście - Włócznia Longinusa, męka Chrystusa.

Jacques Daret, „Madonna z Dzieciątkiem i świętymi w Zakazanym Ogrodzie” (1425). U stóp Maryi - ciemiernik, symbol Chrystusa i życie wieczne. Po lewej stronie w rogu - irys, symbol matczynego smutku i udręki.

Aniołowie przedstawiają Madonnę z Dzieciątkiem jaśmin. Cosimo Rossini (1440-1507)
Jaśmin jest symbolem czystości.

„Boże Narodzenie” Hugo van der Goesa to protoplasta martwej natury. Fragment:

Na pierwszym planie obrazu widzimy te, które już znamy lilie, irysy(biały symbolizuje czystość, niebieski - matczyny smutek), orlik. I również goździki- krew Chrystusa i matczyna miłość, i fiołki- symbol pokory. Kłoski pszenica- chleb, Ciało Pańskie.

Wenecka kopia obrazu Leonarda da Vinci „Leda i łabędź”. W starożytnej mitologicznej historii kwiaty mają zupełnie inne znaczenie: anemon- wietrzność, orlik- symbol płodności, barwinek w rękach Ledy - naturalna siła, pasja, młodość, żrący jaskier(„nocna ślepota”) - nieostrożność. Dąb nad głową Ledy znajduje się symbol Zeusa.Taką skrupulatność detali, zazwyczaj nie charakterystyczną dla Italii, często „pożyczali” artyści od malarzy północnych.

Maryja daje dziecko goździki- symbol miłości rodzicielskiej. (Leonardo da Vinci „Madonna z goździka”).

Gerard David „Boże Narodzenie z darczyńcami, świętymi Hieronimem i Leonardem” (1510-15).

To jest symboliczne mniszek lekarski, znasz już jego znaczenie:

Gerolamo di Labri „Madonna z Dzieciątkiem i świętymi” (1520). drzewo laurowe- chwała, nieśmiertelność. Paw jest symbolem życia wiecznego (z jakiegoś powodu jego ciało uznano za niezniszczalne)

Martin Schongauer „Madonna od róż”
Faktycznie, Róża– symbol cierpienia i ofiary Chrystusa i Maryi”, rany Boga„. Ciekawe, że nie są tu przedstawione róże, ale drzewa peoni. Wierzono, że róże w raju nie mają kolców, dlatego peon nadawał się do tej roli.

A to są szkice Schongauera (1495). Czeladnik!


Stefana Lochnera. Kolejny różowy zarośla. U stóp Matki Bożej fiołki, symbol pokory.

Joosa van Cleve’a (1513-15). Często Madonnę z Dzieciątkiem przedstawiano z owocami. Chrystus trzyma w swoich rękach Pomarańczowy(owoc rajskiego drzewa) lub brzoskwinia- sprzeciw wobec jabłka, owocu-symbolu grzechu pierworodnego; brzoskwinia jest symbolem Trójcy. Granat na tacy symbol Kościoła Powszechnego, winogrono- wino - krew Chrystusa, orzech - już wiesz, wiśnia- krew Jezusa, gruszka- słodycz cnoty.

Filippo Lippi (koniec XV wieku). To samo granat.

Giovanni Bellini (1480), tutaj z nami gruszka.

Joosa van Cleve’a (1525). Wyraźnie w ręku brzoskwinia. Cytrynowy leży wyzywająco na boku - to symbol ziemskich namiętności: piękny na zewnątrz, niemożliwie kwaśny w środku. Wyraźnie kontrastuje z orzechem włoskim, symbolem Chrystusa.

Carlo Crivelli (1480). Dziecko trzyma w ręku szczygieł, symbol męki Chrystusa. Po lewej stronie siedzi mucha - budzący się diabeł, symbol śmierci i rozkładu. Czasami jabłko był interpretowany jako symbol odkupienia i ogórek- czystość i zmartwychwstanie.

Łukasza Cranacha. Winogrono- Eucharystyczny symbol Chrystusa, krew Chrystusa.

Martin Schongauer „Święta Rodzina” Winogrono, a w koszyku - jeżyna, symbol czystości Najświętszej Maryi Panny.

Ołtarz z Isenheim autorstwa Matthiasa Grunewalda, 1510-15

Święci w drzwiach stoją na cokołach splecionych ze sobą bluszcz- symbol zmartwychwstania, życia wiecznego, pobożności.
Teraz mamy świętych.

Adrian Isenbrandt „Maria Magdalena z pejzażem”. Za świętym - przebiśnieg, symbol nadziei i oczyszczenia.

Łukasza Cranacha. „Święta Dorota” Kiedy świętą prowadzono na egzekucję, strażnik kpiąco zaprosił ją do dokonania cudu – zdobycia róże w środku zimy. Do świętego natychmiast podszedł chłopiec z koszem róż. Obecnie jest to symbol św. Doroty.

Antonio Correggio „Święta Katarzyna”. Oddział palmy- symbol męczeństwa.

Albrecht Durer „Maksymilian Pierwszy”. Granat- już wiesz.
Poszli wszyscy świeccy ludzie.

Hansa Suessa van Kulbacha. Dziewczyna tka z niej wianek niezapominajki- symbol oddania ukochanej osobie. Potwierdza to napis na taśmie.

„Młody rycerz w krajobrazie” (książę Urbino?). Vittore Carpaccio. Najwyraźniej portret jest pośmiertny. Czapla zostaje zaatakowana na niebie przez jastrzębia w pobliżu wody i już ją zjada. Pies to wierność, lilia to czystość, irys to smutek, gronostaj to symbol zakonu, do którego należał rycerz.

Portret damy. W koszyku znajdują się kwiaty, które wskazują, że jest to najprawdopodobniej panna młoda: fiołek – pokora, jaśmin – czystość, goździk – miłość.

Andrea Solario „Portret mężczyzny z goździkiem”. Takie uroczyste portrety „pana młodego” cieszyły się dużą popularnością. Pokazywały, że bohater jest zakochany i zamierza się pobrać. Albo młody mąż podarował żonie taki portret na znak miłości.

Wiele więcej:

Nieznany 1480.

1490

Łukasza Cranacha. Portret doktora Johanna Kuspiniana i jego narzeczonej (już żony?) Anny Kuspinian.

Hansa Holbeina. Portret Georga Guisse’a.

Hansa Memlinga

Dirka Jakobsa. Portret Pompeusa Occo (1534)

Michael Wolgemuth „Portret Ursuli Tücher” (1478)

Warsztat Jana van Eycka

Pisanello, Portret hrabiny Ginewry d'Este (1447)
A to jest portret dziewczyny, która w momencie jego powstania już nie żyła. Zmarła w wieku 21 lat, a o jej śmierć obwiniano jej męża (jego druga żona też dziwnie zmarła). Na zdjęciu symboliczne kwiaty: orlik – łzy, goździk – miłość (być może rodzicielska, nie wiemy kto zamówił obraz), motyle oraz gałązka igieł sosnowych – nieśmiertelność w pamięci bliskich.

Domenico Gerlandaio „Portret damy”. Podobno jest panną młodą, kolejnym symbolem czystości jest kwiat pomarańczy

Albrecht Durer, autoportret w wieku 22 lat.
Portret przeznaczony był dla młodej żony, ostrokrzew w jej rękach jest symbolem wierności małżeńskiej. To zdjęcie zainspirowało mnie do stworzenia tego wpisu.

Neuzv. Pani z rodziny Hoferów. Niezapominajka - lojalność, oddanie. Być może zmarł mąż tej pani – może to wskazywać rozporek na nakryciu głowy, tutaj jest to symbol śmierci, kruchości istnienia.

Lady Philippa Kingsby. Wiśnia - płodność, obfitość

Portret damy (1576). Tutaj jaskier w twoich rękach oznacza bogactwo, pierwiosnek oznacza małżeństwo.Na szczęście twoja ciotka najwyraźniej!

Mirabello Cavalori „Chłopiec z hiacyntem i brzoskwinią”. Hiacynt symbolizował odwagę, zręczność i zabawę. Czasami - mądrość, ale tutaj - prawie. A hiacynty ładnie pachną - dzisiaj mi je dali.

I na koniec portret Mikołaja Kopernika pędzla Tobiasza Steamera. Konwalia jest symbolem goryczy i łez. Jak wiadomo, naukowiec miał tego mnóstwo!

I życzę wam, abyście nie odczuwali goryczy, ale ronili łzy tylko z radości!

Najwyraźniej pojawienie się dzieła Teofila należy przypisać pierwszej połowie XII wieku „De Diversis Artibus”, który szczegółowo opisał większość technik i metod pracy malarza, witrażysty i mistrza złotnictwa i srebra. Twórczość Teofila jest cennym świadectwem stanu praktyki artystycznej XII wieku, własnej świadomości artysty.

Bardzo interesująca jest osobowość Thwophila, czasami utożsamianego z Rogierem Helmarshausenem (Theophilus De Diversis Artubus. Wyd. Dodwell S. B. Londyn, 1961. Zob.: Wprowadzenie Dodwella, s. XXIII-XLIV.). Wykształcony mnich, łączący praktykę artystyczną ze znajomością sztuk wyzwolonych, nie był w epoce romańskiej zjawiskiem rzadkim. Szeroki zakres wiedzy praktycznej Teofila wyróżnia się znajomością najnowszych trendów myśli teologicznej i filozoficznej, którą wykorzystuje w swojej sztuce. Umiejętności artysty są oczywiście odbierane przez Teofila jako dar Boży. O ile uzdolnienia – ingenium – w myśli wczesnego średniowiecza często kojarzono z boskim natchnieniem i uważano za bezpośrednią zależność twórczości artysty od Boga, to w XII w. boski udział w twórczości artysty rozumiany był pośrednio, przez analogię twórczości ludzkiej z boskością. We wstępie do swego dzieła Teofil pisze, że jest to osoba „stworzeni na obraz i podobieństwo Boga, ożywieni boskim tchnieniem, obdarzeni rozumem, zasłużyli na udział w mądrości i talencie boskiego umysłu”.

Choć jednak człowiek przez samowolę i nieposłuszeństwo utracił przywilej nieśmiertelności, „On jednak przekazał kolejnym pokoleniom szacunek dla nauki i wiedzy, aby ci, którzy się trudzą, mogli nabywać talenty i zdolności we wszystkich sztukach, jakby na mocy dziedzicznego prawa”.. Artystce przypisuje wszystkie siedem błogosławieństw, jakie Duch Święty wylał na człowieka – mądrość, zrozumienie, otwartość na rady, siłę duchową, wiedzę, pobożność, bojaźń Bożą.

• Artysta-mnich malujący posąg. Miniatura z rękopisu Apokalipsy. Ostatnia ćwierć XIII wieku.
• Artysta malujący posąg. Miniatura z rękopisu Dekretów Grzegorza IX. Połowa XIV wieku Malarz w pracy. Karta z księgi próbek z początku XIII wieku.

Kwestia relacji świętych darów do cnót ludzkich była przedmiotem dyskusji w pierwszej połowie XII wieku w pismach Anzelma z Canterbury, Yvesa z Chartres, Honoriusza z Autun, Ruperta z Dwitz, Abelarda, Bernarda z Nlervaux oraz inni filozofowie i teolodzy XII wieku. Artysta jest rozumiany jako spadkobierca boskiej mądrości. Poprzez ciągłą pracę, doskonalenie wiedzy i umiejętności artysta jest w stanie zbliżyć się do najwyższej mądrości i umiejętności, jakie posiadał człowiek przed Upadkiem. Prawdziwa pasja do jego sztuki przesłania Teofilowi ​​wszystkie inne sposoby poznania Boga. Widzi bezpośredni związek twórczości artysty z siedmioma darami ducha świętego, problematykę darów świętych rozumie praktycznie. „Dlatego drżący synu,– pisze autor, zwracając się do przyszłego czytelnika-ucznia, – Kiedy przyozdobicie dom Pański takim pięknem i tak różnorodnymi dziełami, nie wątpcie, ale pełni wiary, wiedzcie, że to duch Pański nawodnił wasze serce”..

Legenda o artyście. Miniatura rękopisu „Pieśń Alfonsa 10”. Druga połowa XIII wieku.

Prace Teofila pokazują, jak wysoko sam artysta cenił własny kunszt, uznając go za bezpośredni przejaw łaski Bożej. Filozofowie, jak Hugon z Saint-Victor, potrafili klasyfikować wiedzę i ustanawiać porządek hierarchiczny. Jednak dla artysty sztuka wydawała się jedyną możliwą drogą do poznania Boga i była niezwykle ceniona.

Teofil poświęca się sztuce ważna rola w wypełnianiu przez człowieka jego głównego celu – wielbienia Boga i zabiegania o Jego wiedzę. Artysta, jak pisze Teofil, przedstawił wiernym swoje dzieło związane z dekoracją świątyni „Raj Pana, kwitnący różnymi kwiatami, zieleniący się liśćmi i wieńczący dusze świętych koronami różnych zasług” i dał im możliwość „wielbienia Stwórcy w Jego stworzeniu, wysławiania zdumiewania tego, co on stworzył.".

Twórczość Teofila pokazuje, jak wysoko ceniono twórczość artysty w XII wieku. Wielokrotnie powtarza, że ​​swoje dzieło pisał na chwałę Boga, a nie ze względu na ziemską pychę i próżność. Jego twórczość daje nam możliwość zbliżenia się do zrozumienia duchowej atmosfery, w której żył artysta pierwszej połowy XII wieku. Głęboka pokora wobec stwórcy wszystkich rzeczy, połączona z silnym poczuciem ważności i wartości kreatywna praca, charakteryzuje stosunek ówczesnego artysty do świata, w którego harmonijnym porządku czuje się niezbędnym ogniwem i zajmuje miejsce, które mu się słusznie należy.

Książka Teofila odsłania nam strukturę myśli i uczuć, którymi żył artysta w przededniu pojawienia się gotyku. Znaczące jest, że ekscytujące pomysły Teofila dotyczące urządzania świątyni jako sprawy miłej Bogu, wychwalającej Stwórcę i pozwalającej wierzącym wznieść się do Niego duszą, zostaną rozwinięte na innym poziomie filozoficznym przez Sugera, inspiratora styl gotycki oraz budowniczy pierwszej gotyckiej świątyni w latach 40. XII w. – bazyliki opactwa królewskiego w Saint-Denis pod Paryżem.

• Karta z rękopisu alzackiego. Ostatnia ćwierć XII wieku.
• Karta rękopisu francuskiego z początku X wieku.
• Karta z rękopisu Adhemara z Chabannes. OK. 1025

Kolejnym zachowanym dziełem poświęconym technice sztuk pięknych jest słynny album francuskiego architekta Villarda de Honnecourt, datowany na lata 30. XIII wieku, przechowywany w Bibliotece Narodowej w Paryżu. Album jest nieocenionym źródłem do badań nad kunsztem gotyku. Jest to niezwykle ciekawy zbiór próbek dla artysty i rzeźbiarza, szkiców z natury, wizerunków mechanizmów, rysunków detali architektonicznych, planów i Grafika ze schematem„tajemnice” sztuki gotyckiej.

Choć książkę Teofila i album Villarsa de Honnecourta zupełnie od siebie różnią tradycja, charakter i poziom wykształcenia autorów, istnieje nieodparta pokusa porównywania obu dzieł. Ponieważ rękopisy zostały stworzone przez profesjonalnych artystów, praktyków sztuk pięknych, porównanie to nie będzie zbyt sztuczne. Mają ze sobą wiele wspólnego, każdy jest dość typowy dla swoich czasów. Księga Teofila jest dziełem wykształconego mnicha z XII wieku, który był także artystą i rzemieślnikiem. Manuskrypt napisany jest prosto, wyraźnie, dobrą łaciną, a szczegółowe dyskusje Teofila na temat celu i przeznaczenia sztuki ujawniają znajomość głównych kierunków myśli filozoficznej epoki. Mnich widzi cel sztuki, jako cel swojej kompozycji, w służbie i uwielbieniu Boga. Na początku każdej części książki autor kieruje do uczniów długie przemówienie, w którym ukazuje boski charakter twórczości artysty, wzywa do służby, cierpliwości i świadomości, że przekazana im wiedza i umiejętności pochodzą od miłosierdzie Boże. Album Villarsa, w przeciwieństwie do dzieła Théophile'a, nie jest esejem, ale albumem szkiców roboczych, notatnikiem zawodowego architekta gotyku nienależącego do środowiska klasztornego, opatrzonym krótkimi objaśnieniami w języku starofrancuskim.

Długie i szczegółowe, gustownie napisane wprowadzenie Teofila do pierwszej księgi kończy się przemówieniem do jego uczniów: „Jeśli będziesz to często czytać i mocno o tym pamiętać, wynagrodzisz mnie, ile razy skorzystasz z mojej pracy, ile razy będziesz się za mnie modlić do miłosiernego, wszechmogącego Boga, który wie, że napisałem moja praca nie z umiłowania ludzkiej pochwały, nie z żądzy nagrody na tym świecie, który jest tymczasowy, i nie ukrywała z zazdrości niczego cennego i rzadkiego, nie zatrzymywała niczego dla siebie, ale pomagała potrzebom wielu i udzielał rad, aby zwiększyć cześć i chwałę imienia Bożego”..

Album Villarsa de Honnecourt: k. 14, 27; arkusz 15 – plan idealnego chóru kościoła gotyckiego (plan katedry w Meaux); k. 17 – plan chóru kościoła w Vossel i ryc.

Wprowadzenie Villarsa bardziej przypomina skondensowany i zwięzły zapis ostatniej myśli Teofila zawartej we wstępie, przedstawionej zresztą przez tego ostatniego w eleganckim formę literacką: "Villars de Honnecourt pozdrawia Cię i prosi wszystkich, którzy będą pracować środkami wskazanymi w tej książce, aby modlili się za jego duszę i pamiętali o nim. W tej książce można bowiem znaleźć doskonałe rady dotyczące wielkiej umiejętności budowania kamienia i ciesielstwa. Znajdziesz tutaj sztuka rysunku, a także podstawy wymagane i nauczane przez naukę geometrii.. Krótki, rzeczowy ton, nic zbędnego, mówimy o tylko o tym, co najważniejsze, treść i cel całej książki ujęto w kilku zwięzłych zdaniach, tradycyjny apel do uczniów jest niezwykle krótki i ogranicza się do pozdrowienia z prośbą o modlitwę za autora albumu w podziękowaniu za jego praca. Cóż za kontrast z pozytywnym, pouczającym tonem Teofila, ciągłym podkreślaniem związku sztuki z Bogiem i szczegółowymi, skrupulatnymi opisami przepisów. Widzenie w tej różnicy nie tylko konsekwencji różnicy między dwoma może być naciągane poszczególne gatunki podręcznik techniczny średniowiecza – traktat i album próbek – nie tylko wynik przynależności autorów do różnych warstw średniowieczne społeczeństwo, niemniej jednak wydaje się, że kontrast ten wynika także z wieku, jaki upłynął pomiędzy powstaniem obu omawianych dzieł.

Tak jak Teofil w swojej twórczości wyrażał światopogląd romańskiego artysty i jego wyobrażenie o swoim miejscu w życiu i celu swojej sztuki, tak Villard de Honnecourt w swoim albumie oddawał cechy charakterystyczne dla architekta gotyckiego z jego wyobrażeniami o sztuce świat. Po pierwsze, profesjonalizm, znajomość praktyki artystycznej, w tym architektury, rzeźby i inżynierii, która była powszechna i tradycyjna w średniowieczu. Co więcej, tekst Villara nie mówi nic o jego znajomości nurtów myśli teologicznej czy filozoficznej. Następnie - demokracja, przejrzystość diagramów, rysunków i próbek, towarzyszący tekst nie po łacinie, ale po starofrancusku.

Następną cechą jest ogromna ciekawość wszystkiego, co niespotykane, zabawne, rzadkie, ciekawe, zmuszające go do naszkicowania lwa wraz z innymi rzadkimi zwierzętami. Następnie - obserwacja, wchłanianie wrażeń wzrokowych, być może zastąpienie solidnego wykształcenia; znajomość z różne kraje, podróże Villara, doświadczenie, głęboka znajomość praktyki jego sztuki. Nie mniej cecha charakterystyczna to subiektywność ocen o sztuce, wybór szkiców detali architektonicznych, scen i postaci zgodnie z osobistym gustem Villara, którego mistrz nie omieszkał zadeklarować kilkukrotnie. Szczególnie interesująca jest ta ostatnia, wyrażająca rosnącą samoświadomość gotyckiego artysty.

Album Villara, będący albumem sampli i przewodnikiem technicznym dla innych mistrzów, pozostał osobistym notatnikiem, albumem podróżniczym, w którym szkicowano wszystko, co wydawało się interesujące. „Oto plan chóru kościoła Najświętszej Marii Panny w Cambrai”. „Pomalowałem te okna, bo podobały mi się bardziej niż inne”. Wreszcie charakterystyczna jest jego tradycyjna, nieco formalna pobożność, wyrażona szybko w jednym zdaniu i ostro różniąca się od głębokiej, dogłębnie uzasadnionej pobożności Teofila.

Idea patronatu artysty przez Boga, och Pomoc Boża osoba „prowadzona w swych działaniach prawicą Bożą” rzeczywiście z biegiem czasu nabiera nieco formalnej konotacji, choć w krajach zaalpejskich nieporównywalnie dłużej zachowuje swoje dawne znaczenie niż we Włoszech. Da się to odczuć w traktatach mistrzów późnego gotyku, entuzjastycznie omawiających techniczne i artystyczne aspekty ich rzemiosła, aż do XVI wieku. Oznacza traktaty Alberta Durera i Niklasa Hilliarda.

Nie mniej znaczący jest szybki, szybki i dynamiczny styl krótkich wyjaśnień Villara. Chciałbym w nim widzieć przejaw ducha atmosfery biznesowej, która rozwinęła się wokół budowy gotyckiej katedry. Dla scharakteryzowania średniowiecznego artysty niezwykle ważne jest, że notatnik i album ze szkicami podróżniczymi Villara stał się później księgą próbek dla całego warsztatu. Podobno po śmierci Villara do albumu dołączono rysunki i notatki dwóch innych mistrzów, którzy pozostali anonimowi. Zwykle są one określane jako „Master 2” i „Master 3”.

Choć proces oddzielania indywidualnego artysty od środowiska cechowego rozwijał się powoli, ale systematycznie w XIII i XIV wieku, artysta gotycki postrzegał siebie i swoje umiejętności jedynie w powiązaniu korporacyjnym, ograniczonym ramami i normami panującymi jakie mu przedstawiła sama wszechstronność sztuki gotyckiej i która otaczała go w świecie gotyku.

A więc ze stron podręczniki techniczne w sztuce zbiory przepisów, regulaminy i albumy z próbkami pojawiają się przed nami postacie artyści średniowieczni- ich autorów, z ich wyobrażeniami o sobie i celach swojej twórczości, z własnym poczuciem świata i swojego w nim miejsca.

Etykietka: Teoria sztuki (filozofia)

Okres rozwoju kultury i sztuki w Europie Zachodniej od upadku zachodniego imperium rzymskiego (V w.) do początków renesansu (XV w.) został po raz pierwszy nazwany przez włoskich pisarzy humanistycznych „średniowieczem”. Uważali ten czas za dziki i barbarzyński w przeciwieństwie do starożytności i kultury swoich czasów. Później naukowcy zrewidowali tę negatywną ocenę. Szczegółowe badanie zabytków artystycznych, dokumentów i dzieł literackich doprowadziło do wniosku, że sztuka średniowieczna była ważnym i znaczącym etapem rozwoju kultury światowej.

W historii Sztuka zachodnioeuropejska W średniowieczu zwyczajowo wyróżnia się trzy okresy - sztukę wczesnego średniowiecza (V-IX w.), sztukę romańską i gotycką. Dwie ostatnie nazwy są warunkowe. Romańscy (od łacińskiego słowa „Roma” - „Rzym”) archeolodzy XIX wieku. Nazwali budynki z X-XII wieku, w których znaleźli podobieństwa z architekturą rzymską, a następnie zaczęli nazywać sztukę epoki jako całość. Całą sztukę średniowieczną pierwotnie nazywano gotycką. Włoscy humaniści już na początku V wieku uważali go za wytwór Gotów. splądrował Rzym. Kiedy pojawił się termin „sztuka romańska”, gotyk zaczęto rozumieć jako dzieła architektury, rzeźby i malarstwa z połowy XII do XV wieku, które różniły się od swoich poprzedników wyraźną oryginalnością.

Odo z Metzu. Wnętrze kaplicy pałacowej w Akwizgranie. OK. 798-805.

Epoka wczesnego średniowiecza – czas formacji nowa kultura, który powstał w Europie obce plemiona. Rzymianie nazywali ich barbarzyńcami. Po pokonaniu niegdyś potężnego Rzymu ludy barbarzyńskie utworzyły własne królestwa na terytorium podbitego imperium. Nowi władcy Europy nie umieli wznosić budowli z kamienia tak umiejętnie jak Rzymianie, a ponadto niezwykle rzadko i bardzo konwencjonalnie przedstawiali ludzi w sztuce. Znacznie bliższy im był świat fantastycznych zwierząt i skomplikowany wzór ozdób, którymi ozdabiali przedmioty wykonane z metalu, drewna, kości, elementy ubioru, broń i przybory rytualne.

Początkowo zdobywcy przyciągali budowniczych i artystów zamieszkujących podbite przez nich ziemie, jednak umiejętności wysokich umiejętności konstrukcyjnych stopniowo zanikały, a ozdoby groziły na zawsze wyparciem starożytnych tradycji przedstawiania ludzi.

Wraz z rozwojem stosunków feudalnych w Europie wzrosła władza centralna oraz idea władzy i wielkości Starożytny Rzym przyciągał władców nowych państw, marzących o chwale rzymskich cezarów. Król frankoński Karol Wielki, twórca ogromnej potęgi, próbując otoczyć swoją władzę wielkością i przepychem, został koronowany w Rzymie i próbował wskrzesić na swoim dworze tradycje kultury rzymskiej. Przy rezydencji Karola w Akwizgranie wybudowano pałac, a obok niego – kościół pałacowy – kaplicę. Jest dobrze zachowany. Wzorem dla niej był kościół San Vitale w Rawennie, skąd sprowadzono marmurowe kolumny zamontowane w kaplicy. Ale ogólnie rzecz biorąc, dzieło frankońskiego architekta jest cięższe i masywniejsze niż świątynia bizantyjska.

Wśród architektury kamiennej epoki Karolingów dominowały budowle sakralne (tzw. dynastia królów frankońskich, najwybitniejszym przedstawicielem którym był Karol Wielki). Stało się tak ze względu na tę szczególną rolę.

jaką rolę odegrał Kościół w życiu średniowiecznego społeczeństwa. Jako największa właścicielka feudalna uzasadniała istniejący system swoimi naukami i jako główny klient dzieła sztuki, silnie kierowała rozwojem sztuki we własnych interesach. Pod jej wpływem zaczęły kształtować się rygorystyczne zasady przedstawiania tematów sakralnych, obowiązujące każdego artystę.

Kościół w Paray-le-Monial. OK. 1100. Francja.

Kościoły i pałace Karolingów dekorowano malowidłami i mozaikami, w świątyniach znajdowano także rzeźby. Jednak wiele zabytków zaginęło, a twórczość artystów karolińskich możemy ocenić jedynie na podstawie rzeźbionych płyt, które do nas dotarły kość słoniowa, biżuterię, cenne ramy rękopiśmiennych książek i głównie na podstawie ilustracji w tych książkach - miniatury. Książki we wczesnym średniowieczu były rzadkością. Tworzono je na zlecenie cesarzy, wielkich panów feudalnych, biskupów i opatów klasztorów w specjalnych warsztatach – skryptoriach. W epoce Karolingów skryptoria istniały na dworze królewskim i przy dużych ośrodkach kościelnych. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, artyści VIII-IX wieku. dokładnie przestudiował dzieła mistrzów rzymskich i bizantyjskich i wiele się od nich nauczył. Głównym elementem projektu książek były miniatury fabularne przedstawiające postacie, krajobrazy i tła architektoniczne (patrz Miniatura).

W epoce romańskiej architektura odgrywała wiodącą rolę w twórczości artystycznej. Do XI wieku. rozległe konstrukcje kamienne miały miejsce w całej Europie. Przy wznoszeniu budynków kamiennych średniowieczni architekci napotykali szereg trudności technicznych, zwłaszcza przy konstruowaniu stropów: często paliły się drewniane belki i stropy, natomiast konstrukcje kamienne – łuki, kopuły, sklepienia – miały półkolisty zarys i niczym łuk zdawały się dążyć do rozsuń ściany budynku na boki. Chcąc tego uniknąć, architekci romańscy wykonali bardzo grube mury oraz masywne filary i podpory.

W podzielonej, walczącej Europie X-XII wieku. głównymi typami obiektów architektonicznych były zamek rycerski, zespół klasztorny i świątynia. W dobie konfliktów domowych i wojen kamienne budowle służyły jako ochrona przed atakami. Dlatego budowle romańskie są bardzo podobne do twierdzy: mają masywne mury, wąskie okna i wysokie wieże.

Postacie apostołów. Fragment dekoracji rzeźbiarskiej fasady kościoła św. Trophime w Arles. OK. 1180-1200. Francja.

Sztuka romańska najwyraźniej ujawniła się w architekturze budynków sakralnych, ich dekoracji malarskiej i rzeźbiarskiej. Kościół romański charakteryzuje się surową, odważną urodą, wyróżnia się imponującą siłą i uroczystą powagą. W Europie Zachodniej kościoły posiadały wydłużoną część środkową. Wewnątrz pomieszczenie to podzielono rzędami podpór, filarów lub częściej arkadami na węższe, podłużne hale – nawy. Od strony zachodniej, gdzie znajdowało się wejście, ujęto je lub zwieńczono wieżami; w części wschodniej znajdowało się sanktuarium świątyni – ołtarz. Wyznaczano ją specjalną niszą – absydą. Część ołtarzową kościoła poprzedzono nawą poprzeczną. Odległość od wejścia do jasno oświetlonego ołtarza, do którego droga prowadziła przez mroczną nawę, podkreślała dystans, który wówczas, jak wierzono, oddzielał człowieka od Boga.

Romańskie kościoły były ozdobione freskami wewnątrz i ozdobione kolorowymi płaskorzeźbami na zewnątrz. tematy biblijne. Zwieńczające części kolumn – kapitele – ozdobiono fabularnymi wizerunkami rzeźbiarskimi. Artyści epoki romańskiej nie stracili zamiłowania do dekoracji zdobniczych, ale znacznie bardziej pociągały ich wizerunki człowieka i jego działań. Mistrzowie tamtych czasów zaczęli coraz częściej sięgać do dziedzictwa przeszłości, znali dzieła artystów bizantyjskich i byli uważni. Potrafili zauważyć i przekazać wyrazistą pozę, charakterystyczny gest, a także w zabawny sposób opowiedzieć o wydarzeniu. Aby uczynić tę historię bardziej wyrazistą, mistrzowie romańscy często naruszali proporcje ludzkiego ciała, zwiększali je poszczególne części, przesadne ruchy.

Często malarze i rzeźbiarze puszczali wodze fantazji i „zapełniali” ściany świątyń czy strony rękopisów wizerunkami fantastycznych stworzeń, postaciami akrobatów, ptaków i zwierząt, wizerunkami zapożyczonymi z popularnych wierzeń.

Dzieła sztuki świeckiej z Epoka romańska Niewielu przeżyło. Dlatego szczególnie interesujący jest duży haftowany dywan, który zdobił katedrę w Bayeux we Francji (XI wiek). Przedstawione na nim sceny opowiadają historię podboju Anglii przez Normanów.

Aż do XII wieku. Głównymi ośrodkami kulturalnymi były klasztory, w których przebywała najbardziej wykształcona ludność, omawiano problemy budowlane i kopiowano książki. W XII wieku. prymat zaczął przesuwać się do nowych ośrodków gospodarczych i kulturalnych - miast. Tu narodziła się średniowieczna nauka, rozkwitło rzemiosło kreatywność artystyczna. Miasta walczyły z feudałami o niepodległość. Wśród mieszczan narodziło się wolnomyślność i krytyczny stosunek do ustroju feudalnego. W tym okresie rozkwitła poezja rycerska i ukształtowała się literatura klasy miejskiej. Krucjaty zmieniły wyobrażenia geograficzne Europejczyków i poszerzyły wiedzę o otaczającym ich świecie. Wydawał się ogromny i dynamiczny.

Wnętrze katedry Notre Dame w Reims. XIII wiek Francja.

W tym czasie we Francji, gdzie władza królewska walczyła o zjednoczenie kraju, zaczęła kształtować się sztuka gotycka, która następnie rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Hiszpanię, Czechy i inne kraje europejskie.

Architektura pozostała główną formą sztuki epoki gotyku. Najwyraźniej ucieleśniała nowe pomysły na temat otaczającego ją świata. Inne rodzaje sztuki, przede wszystkim rzeźba, zaczęły zyskiwać niezależne znaczenie. Najwyższym dziełem stylu gotyckiego jest majestatyczna katedra miejska. W kolebce sztuki gotyckiej, we Francji, na jednym z placów miejskich wzniesiono katedry. Budowniczowie, którzy pracowali nad stworzeniem okazałego budynku, zjednoczyli się w specjalnej organizacji - loży, w skład której wchodzili murarze, stolarze, rzeźbiarze i dmuchacze szkła, którzy wytwarzali kolorowe szkło do witraży. Budową kierował główny mistrz, doświadczony i utalentowany architekt. Architekci katedr gotyckich byli odważnymi eksperymentatorami. Udało im się opracować złożony projekt, który umożliwił odróżnienie szkieletu budynku od podpór sklepienia i dodatkowych filarów nośnych - przypór. Specjalne łuki łączące – przypory latające – przeniosły nacisk łuków nawy głównej, wyższych od bocznych, na przypory usytuowane wzdłuż ścian. Teraz to nie mur, ale ta konstrukcja jako całość podpierała sklepienia, dlatego mistrzowie gotyku odważnie wycinali w ścianach okna, a pomiędzy podporami budowali lekkie i wysokie arkady. Styl gotycki charakteryzuje się spiczastymi łukami skierowanymi w górę. Podkreślali lekkość i wzniosłe aspiracje architektury gotyckiej. We Francji mistrzowie płacili Specjalna uwaga projekt elewacji zachodniej, która była bogato zdobiona rzeźbą. Wizerunki rzeźbiarskie umieszczono także na portalach po bokach nawy poprzecznej. Wewnątrz katedry smukłe filary, otoczone cienkimi półkolumnami, szybko wznosiły się do ostrołukowych łuków, a arkady tworzyły majestatyczną perspektywę naw.

W ołtarzu, nawach bocznych oraz w górnej kondygnacji nawy głównej liczne okna błyszczały wielobarwnymi witrażami. W zależności od pogody, pory dnia czy roku światło przenikające przez kolorowe szkło barwiło wnętrza świątyni na różne sposoby, nadając im tajemniczy lub radosny świąteczny charakter.

Rzeźba gotycka w porównaniu do romańskiej przypomina bardziej okrągły posąg. Postacie, choć umieszczone przy kolumnie czy ścianie, nabrały większej objętości, odważniej wystają w realną przestrzeń. Tematyka obrazów również stała się bardziej zróżnicowana. Wraz z podmiotami kościelnymi pojawiły się postacie starożytnych filozofów, królów, prawdziwe wizerunki przedstawicieli różnych narodów i ilustracje budujących bajek. Wizerunki świętych zaczęły upodabniać się do wizerunków współczesnych, pojawiły się też pierwsze próby tworzenia portretów osób świeckich. Wcześniej takie obrazy znajdowano tylko na nagrobkach szlachetnych panów feudalnych i wybitnych przedstawicieli kościoła. Średniowieczni mistrzowie nie działał z życia i stworzył idealne i reprezentatywne obrazy portretowe. W epoce gotyku artyści już starają się nadać modelowi realistyczne cechy. Rzeźbiarze, którzy stworzyli dwanaście posągów panów feudalnych, którzy około 1250 roku przekazali fundusze na budowę świątyni w niemieckim mieście Naumburg, nie mogli zobaczyć portretowanych, którzy już dawno zmarli. Niemniej jednak mistrzowie je obdarzyli indywidualne cechy, wyraziste twarze, charakterystyczne gesty.

Wraz ze świątyniami w epoce gotyku duże skupienie płacono za budowę budynków świeckich – ratuszów, pasaży handlowych, szpitali i magazynów. Pomieszczenia reprezentacyjne w zamkach zostały bogato przebudowane. W miastach stopniowo pojawiały się dwa place – katedralny i targowy. Miasto chroniły wysokie mury z bramami wjazdowymi. Ratusz, budynek magistratu miejskiego, był symbolem władz miejskich. W krajach, w których miasta kwitły, ratusze mogły czasami rywalizować z katedrami pod względem wielkości.

Malarstwo średniowiecza

Kultura średniowieczna

Ogólna charakterystyka kultury

W IV wieku rozpoczęła się Wielka Migracja – najazd plemion z Europy Północnej i Azji na terytorium Cesarstwa Rzymskiego. Upadło Zachodnie Cesarstwo Rzymskie; jego druga część – Bizancjum – miała istnieć przez jakiś czas. Nadeszło średniowiecze – epoka historyczna następująca po świecie starożytnym i poprzedzająca renesans.

Początki kultury średniowiecznej w dużej mierze sięgają epoki starożytności. Oprócz chrześcijaństwa, średniowiecze przejęło pewne formy artystyczne z antyku, a także umiejętności rzemieślnicze.

Edukacja i nauka

W VII – VIII w. Przy klasztorach istniały szkoły, których nauczycielami byli mnisi, a uczniami, których było bardzo niewielu, były dzieci rycerzy. Uczyli się tu teologii i „siedmiu sztuk wyzwolonych”, a także pisania i arytmetyki. Później poszerzono edukację (ale nie dla wszystkich, tylko dla szlachty) - studiowano łacinę, prawo, medycynę i język arabski.

Z tych szkół powstały uniwersytety (od słowa wszechświat"wspólnota"):

1) w Bolonii (Włochy, 1088);

2) Kordoba (Hiszpania, IX);

3) Oksford (1209);

4) Sorbona w Paryżu (1215);

5) Wiedeń (1348) itd.

Uniwersytety posiadały samorząd wewnętrzny (wybierany rektor itp.). Studiowała tu duża część populacji. Formy kształcenia – wykład (przeczytanie tekstu specjalistycznego i komentarz do niego) lub debata (otwarta debata wśród uczestników seminarium); po ukończeniu studiów wydawany jest dyplom. Nie zabrakło także podręczników.

Naukę średniowiecza odkryli teolodzy IV – V wieku. – tzw. „ojcowie Kościoła”:

2) Ambroży;

3) filozof Boecjusz;

4) historycy Jordan i Bede the Hon.

Centrum „renesansu karolińskiego” stanowiła tzw. akademia – koło naukowe na dworze Karola Wielkiego, utworzone w 794 r. na wzór szkoły starożytnej. Liderem akademii był teolog i poeta Alcuin.

W XII–XIII w. Nauka nadal aktywnie się rozwija. Jej podstawą staje się scholastyka – doktryna, w której rzeczywistość ujmowano za pomocą logiki rozumu. Jednocześnie scholastycy często dawali się ponieść formie werbalnej, za którą słabo odgadywano treść, to znaczy pisali i mówili ciężkim, niezrozumiałym językiem.

Wybitnym uczonym średniowiecza był Tomasz z Akwinu(1225–1247), nauczyciel, autor 18 dzieł z zakresu teologii i filozofii.

Inny znany naukowiec był Rogera Bacona(1214–1294) – przyrodnik, nauczyciel matematyki i filozofii.

Światopogląd. Literatura. Teatr

Barbarzyńcy czcili siły natury; Magiczne rytuały odgrywały w ich życiu ogromną rolę. Wraz z pojawieniem się i rozwojem państw w Europie, rdzeń życia i światopoglądu człowieka staje się Religia chrześcijańska. Całe życie jest postrzegane jako krótki okres, pełen niebezpieczeństw ludzka dusza. Ideałem staje się życie bez ekscesów i złośliwych radości, szczera wiara w Boga, przestrzeganie rytuałów, a także takie przymioty natury, jak pokora, cierpliwość, cnota, wiara, nadzieja itp. Nieograniczona władza, zarówno duchowa, materialna, jak i polityczna, – nabytych przez Kościół i duchowieństwo.

Jeśli traktaty wczesnego średniowiecza nie były adresowane do określonych grup ludności, wówczas literatura średniowiecza miała charakter klasowy. Naukowcy podkreślają:

1) chłop;

2) miejskie;

3) literatura rycerska.

Główne gatunki:

1) powieści;

4) epicki (szlachetny);

5) historie;

6) biografia;

7) historie;

9) eseje edukacyjne itp.

Wybitne prace:

1) epicka „Pieśń o Rolandzie”;

2) „Pieśń Nibelungów”;

3) „Pieśń Sida”;

4) powieść „Tristan i Izolda”;

5) seria powieści o królu Arturze i rycerzu Lancelocie;

6) seria powieści o Foxie Renardzie;

8) opowiadania.

Gwałtownie wzrosła liczba wydarzeń rozrywkowych i edukacyjnych. Przed katedrami przemawiali kaznodzieje, profesorowie i studenci prowadzili dyskusje. Organizowano także teatralne przedstawienia religijne. Katedry budowali rzemieślnicy miejscy (a nie, jak poprzednio, rzemieślnicy klasztorni). Często sami mieszczanie zamawiali lub tworzyli dzieła sztuki do dekoracji katedr.

Malarstwo średniowiecza

Ponieważ plemiona barbarzyńskie były stale koczownicze, oni wczesna sztuka prezentowane głównie:

1) broń;

2) biżuteria;

3) różne przybory.

Barbarzyńscy rzemieślnicy preferowali jasne kolory i drogie materiały, a bardziej ceniono nie urodę produktu, ale materiał, z którego został wykonany.

Malarstwo rzymskie służyło za wzór dla miniaturystów. Autor miniatur średniowiecznych to nie tylko ilustrator; On utalentowany gawędziarz, któremu w jednej scenie udało się przekazać zarówno legendę, jak i jej symboliczne znaczenie.

„Renesans karoliński” (francuski) renesans„Renesans”) – tak badacze nazywali sztukę tej epoki. W wielu klasztorach frankońskich istniały skryptoria (warsztaty pisania książek), w których mnisi kopiowali starożytne rękopisy i kompilowali nowe, zarówno kościelne, jak i świeckie. Rękopisy zostały umieszczone w kości słoniowej lub metale szlachetne z wstawkami z kamieni szlachetnych. W projektowaniu książek, oprócz złożona ozdoba, często używane motywy Sztuka chrześcijańska– wieńce, krzyże, figurki aniołów i ptaków.

Około końca III wieku. zwój papirusowy został zastąpiony pergaminem; Zamiast stylu (patyki do pisania) zaczęto używać ptasich piór.

W epoce Karolingów sztuka miniatury – ilustracji książkowej – osiągnęła niezwykły rozkwit. Nie było szkół malarstwa miniaturowego, ale przy klasztorach istniały ośrodki produkcji ilustrowanych rękopisów (np. warsztaty pisania książek w Akwizgranie).

Świątynie karolińskie z zewnątrz były dekorowane bardzo skromnie, wewnątrz natomiast błyszczały malowidłami ściennymi – freskami. Wielu badaczy zauważyło ogromne znaczenie sztuk pięknych w barbarzyńskim świecie, w którym większość ludzi nie umiała czytać. Na przykład w kościele św. Jana Chrzciciela (VIII w.) w mieście Müster (współczesna Szwajcaria) są najstarszymi z nich słynne freski. Sztuka Imperium Ottonowskich odegrała ogromną rolę w rozwoju stylu romańskiego.

Malowidła z okresu romańskiego praktycznie nie zachowały się. Miały charakter budujący; ruchy, gesty i twarze bohaterów były wyraziste; obrazy są płaskie. Z reguły przedstawiali sklepienia i ściany świątyni historie biblijne. Na ścianie zachodniej umieszczono sceny Sądu Ostatecznego.

W XIII–XIV w. Oprócz ksiąg kościelnych, bogato ilustrowanych wizerunkami świętych i scenami z Historii Świętej, upowszechniły się:

1) księgi godzinowe (zbiory modlitw);

2) powieści;

3) kroniki historyczne.

Architektura

Po jego pojawieniu się w V – VIII w. państwa plemion germańskich, nawrócili się na chrześcijaństwo. Zaczęto budować kamienne kościoły chrześcijańskie. Świątynie wzniesiono z masywnych kamieni, a na stropy wykorzystano drewno. Kościoły budowano na wzór bazylik rzymskich. W większości przypadków kolumny zostały zapożyczone ze starożytnych świątyń: ruiny służyły jako pierwotne kamieniołomy do wydobywania nowych materiałów budowlanych.

Centra kulturalne począwszy od X wieku pozostały klasztory i kościoły. Świątynia, która w swoim planie miała kształt krzyża, symbolizowała drogę krzyżową Chrystusa – drogę cierpienia. W X wieku Szerzyła się wiara w cudowną moc relikwii – przedmiotów związanych z życiem Chrystusa, Matki Bożej i świętych. Coraz więcej pielgrzymów starało się odwiedzać miejsca święte.

Król Ostrogotów Teodoryk był politykiem ostrożnym i inteligentnym, patronował rzymskiej szlachcie i kościołowi, nauce i sztuce. Chciał być znany jako wielki, dlatego w jego stolicy, Rawennie, położono drogi, wzniesiono mosty, wodociągi, fortyfikacje wojskowe, pałace i świątynie oraz odbudowano zniszczone budynki. Ponadto do dziś przetrwał niezwykły grób Teodoryka.

Ale Karol Wielki uczynił swoją stolicą małe miasteczko Akwizgran (współczesne Niemcy). Zbudowano je tutaj Pałac Królewski i budynki administracyjne. Do dziś zachowała się kaplica (kaplica) w Akwizgranie i brama klasztoru w Lorsch (współczesne Niemcy, ok. 800 r.).

Od X wieku architekci stopniowo zmieniali projekt świątyni – musiała ona odpowiadać wymogom coraz bardziej złożonego kultu. W architekturze niemieckiej istniało wówczas m.in specjalny typ Kościół jest majestatyczny i masywny. To katedra w Spirze (1030–1092/1106), jedna z największych w Europie Zachodniej.

Architektura klasztorna zajęła wiodącą pozycję w sztuce romańskiej. Zwiększono wielkość kościołów, co pociągnęło za sobą powstanie nowych projektów sklepień i podpór. W okresie romańskim zmieniła się architektura świecka.

Typowe przykłady francuskiej architektury romańskiej:

1) kościół św. Petra;

2) kościół św. Pawła w klasztorze w Cluny (1088–1131).

Zachowały się jedynie niewielkie fragmenty tej budowli, jej opisy i rysunki. W XI–XII w. Budowę dużych katedr rozpoczęto w miastach nad Renem - Worms, Speyer, Mainz. W Niemczech zachowały się także zabytki architektury świeckiej tamtych czasów - zamki i twierdze feudalne.

Sztuka Włoch ukształtowała się pod wpływem wielowiekowych tradycji kulturowych.

W Hiszpanii doszło do rekonkwisty – wojny o wyzwolenie terytorium kraju zajętego przez Arabów. Następnie w Hiszpanii rozpoczęła się budowa zamków-twierdz. Królestwo Kastylii stało się krainą zamków. Jednym z najwcześniejszych przykładów architektury okresu romańskiego jest pałac królewski Alcazar (IX wiek). Przetrwało do dziś.