1. Słowo „reflektor” pochodzi od nazwy wyspy niedaleko Aleksandrii. Jaki jest związek między reflektorami samochodowymi a nazwą wyspy?
Na wyspie Faros znajdował się jeden z cudów świata – latarnia morska Faros, która nocą oświetlała wyspę i zapobiegała zgubieniu się żeglarzy. Dziś reflektory samochodowe oświetlają drogę dokładnie w ten sam sposób.
2. Zastanów się, dlaczego Muzeum Aleksandryjskie i muzea naszych czasów nazywane są tym samym słowem. Jakie są między nimi różnice i podobieństwa?
Dziś muzeum to miejsce, w którym gromadzone są, badane, przechowywane i eksponowane są różnorodne dobra kultury (materialne i duchowe).
Różnica między Muzeum Aleksandryjskim a współczesnym polega na tym, że w Muzeum Aleksandryjskim mieszkali i pracowali naukowcy z wielu dziedzin wiedzy, zapraszani z różnych krajów śródziemnomorskich. We współczesnych muzeach nie prowadzi się szczegółowych badań i odkryć, ponadto współczesne muzea są jednokierunkowe i badają jeden temat.
Podobieństwami Muzeum Aleksandryjskiego do współczesnego są: 1) zbiory obiektów (eksponatów) – biblioteka Museion liczyła ponad 700 000 rękopisów, pluszaków, posągów i popiersi, 2) prace badawcze; 3) szkolenie.
3. Wymyśl historię chłopca lub dziewczynki, którzy odwiedzili starożytną Aleksandrię. Dołącz do historii opis latarni morskiej, portu, ulic i muzeum.
Kiedyś musiałam odwiedzić starożytną Aleksandrię i teraz o tym Wam opowiem. Popłynąłem tam statkiem. Z daleka dostrzegłem dość dużą latarnię morską na wyspie Pharos, była tylko trochę mniejsza od piramidy Cheopsa. Zapotrzebowanie na tę latarnię morską było ogromne! W nocy nad kopułą, zwieńczoną posągiem Posejdona, płonął ogień, oświetlając wszystko w okolicy. Ze szczytu tej latarni obserwowali morze, czy nie zbliża się flota wroga.
W końcu dotarłem do samej Aleksandrii. Miasto zbudowano według jednego planu, wszystkie jego ulice przecinały się pod kątem prostym. Główna ulica, wyłożona marmurowymi płytkami, była najszersza i ciągnęła się na długości ponad 6 km. Od rana do późnego wieczora wszystkie ulice Aleksandrii były pełne ludzi.
Największym ośrodkiem nauki było Muzeum, które zajmowało całą dzielnicę. Na zaproszenie króla Egiptu przybywali tam naukowcy i poeci z różnych krajów. Muzeum zapewniło im bezpłatne mieszkanie, wyżywienie i przestrzeń do nauki. Wieczorami mieszkańcy muzeum spotykali się w pięknym portyku, gdzie prowadzili debaty naukowe i przedstawiali sobie nawzajem swoje odkrycia. W Muzeum mieściła się także słynna Biblioteka Aleksandryjska, w której przechowywano około 700 tysięcy zwojów papirusowych.
Zatrzymałem się w Aleksandrii na kilka dni, potem musiałem tam wyjechać. Ale nigdy nie zapomnę tego pięknego miasta!
Pytania i zadania do sekcji „Starożytna Grecja”
1. Wymień najsłynniejszego poetę starożytnej Grecji. Jakie dwa wiersze stworzył?
Homer napisał dwa wiersze: Illiadę i Odyseję.
2. Jaka była główna przewaga starożytnego alfabetu greckiego nad alfabetem fenickim?
Różnica między alfabetem greckim a alfabetem fenickim polega na tym, że Grecy po raz pierwszy w historii zaczęli oznaczać dźwięki samogłosek za pomocą liter. W języku greckim były 24 litery.
3. Z jakich części składał się budynek teatru greckiego? Jaki jest cel każdego z nich?
Teatr grecki znajdował się na świeżym powietrzu, na zboczu wzgórza. Składał się z trzech części:
część pierwsza - miejsca dla widzów, podzielone zostały pasażami na sekcje. Goście honorowi usiedli w pierwszym rzędzie, a potem wszyscy pozostali;
druga część to orkiestra – okrągła lub półkolista platforma, na której występowali aktorzy i chór;
trzecia część to skene – budynek, na którym znajdowała się scena, a także w jej wnętrzu przechowywano kostiumy i maski aktorów.
4. Wymień poetów, którzy pisali sztuki teatralne. Jakie dzieła tych poetów znacie?
Sztuki napisali: Sofokles – „Antygona”, Arystofanes – „Ptaki”.
5. Wymień najsłynniejszą świątynię stworzoną przez starożytnych Greków. Jak on wygląda?
Najbardziej znaną świątynią starożytnych Greków jest Partenon, świątynia bogini Ateny. Świątynia znajdowała się na szczycie wzgórza Akropolu. Partenon został zbudowany z marmuru i otoczony kolumnami. Jej szczyty (trójkątna przestrzeń pomiędzy dwoma połaciami dachu a gzymsem) wypełniono posągami. Jeden fronton przedstawiał spór Ateny z Posejdonem o władzę nad Attyką, drugi przedstawiał narodziny Ateny z głowy Zeusa. Wewnątrz świątyni znajdowała się bogini Atena, stworzona przez Fidiasza.
6. Jakie dzieła starożytnej rzeźby greckiej pamiętasz? Opisz ich.
Posąg bogini Ateny autorstwa rzeźbiarza Fidiasza. Podstawa posągu była drewniana; odzież, tarcza i hełm wykonane są z błyszczącego złota; twarz, szyja i ramiona pokryte są cienkimi płytkami w kolorze kości słoniowej w kolorze ludzkiego ciała.
Można także przywołać rzeźbę „Miotacz dyskiem” Myrona, „Włócznik” Polikleta, w której ludzie są przedstawieni w ruchu, silni, piękni, gotowi do wyczynów.
7. Pokaż na mapie miejsca bitew Greków z Persami. Dlaczego Grecy byli dumni z tych bitew?
Główne bitwy wojen grecko-perskich to bitwa pod Maratonem, bitwa pod Przełęczą Termopile i bitwa pod Salaminą.
8. Jak Ateńczycy nazywali rząd w swoich polis? Dlaczego uważali, że ta forma rządów jest najlepsza? Dlaczego pod tą formą rządów rozwinęła się elokwencja?
Ateńczycy nazywali swoją formę demokracji rządów. Uważali to za najlepsze, ponieważ w rządzie uczestniczyli wszyscy obywatele płci męskiej. Istniało Zgromadzenie Ludowe, które głosowało o wypowiedzeniu lub zakończeniu wojny, przyjmowało prawa, zarządzało skarbem itp. Ponadto Zgromadzenie Ludowe wybierało dziesięciu strategów, a pierwszy strateg dowodził armią i marynarką wojenną i był w odpowiedzialny za stosunki Aten z innymi państwami. Ważnym punktem przy wyborze stratega było to, aby strateg był mówcą, zdolnym wpłynąć na tłum i udowodnić swoje racje.
9. Wyobraź sobie, że byłeś w Atenach za czasów Peryklesa. Opisz miejsca i budynki, które pamiętasz. Jakie znane osoby mógłbyś spotkać w mieście? Z czego słynęli?
Za czasów Peryklesa wzniesiono Partenon, wykonano posąg Ateny oraz zbudowano inne świątynie i posągi.
Można było spotkać takie sławy jak: 1) Anaksagoras, badał zjawiska naturalne i liczył; 2) Sofokles, słynny poeta, autor Antygony; 3) Herodot, słynny podróżnik, „ojciec historii”; Fidiasz, rzeźbiarz, który stworzył posąg Ateny.
10. Pokaż na mapie kraje i regiony podbite przez Aleksandra Wielkiego.
Aleksander Wielki podbił Azję Mniejszą, królestwo perskie, Egipt, Babilon i Fenicję.
11. Co oznaczają słowa i wyrażenia: demokracja, strateg, mówca, lakoniczna mowa, styl, tragedia i komedia, spartańska edukacja, hipodrom, sportowiec, muzeum?
Demokracja to siła demosu, czyli zwykłych ludzi.
Strateg to po grecku „przywódca wojskowy”.
Mówca to osoba, która wie, jak wygłaszać przemówienia i przekonywać słuchaczy.
Zwięzła mowa to krótka, wyraźna mowa z odpowiedziami tonalnymi.
Styl - metalowy lub kościany patyk, którym pisano na tabliczkach natartych woskiem, drugi koniec kija służył do wymazywania błędnych zapisów.
Tragedia i komedia to dwa główne rodzaje przedstawień w teatrze; w tragediach ukazywały wyczyny, cierpienia i często śmierć bohaterów, w komediach - zabawne, drwiące sceny.
Edukacja spartańska to surowa edukacja chłopców, mająca na celu nauczenie ich treningu bojowego i sztuki przetrwania.
Hipodrom to miejsce wyścigów konnych.
Sportowiec to uczestnik zawodów, osoba o mocnej budowie ciała, silny mężczyzna.
Muzeum to „miejsce, w którym żyją muzy”; miejsce, w którym mieszkali różni naukowcy, prowadzili badania i pisali prace naukowe.
Wybitni rzeźbiarze V-IV wieku. PNE.
Poliklet. Żył w drugiej połowie V wieku. PNE. Uważano, że najlepiej radzi sobie z wykonywaniem posągów ludzkich. „...Był Pitagorasem rzeźby, poszukującym boskiej matematyki proporcjonalności i formy. Uważał, że wielkość każdej części doskonałego ciała powinna być proporcjonalna do wielkości jakiejkolwiek innej jego części, powiedzmy, palca wskazującego. Uważa się, że w swojej pracy teoretycznej „Kanon” („Miara”) Polykleitos uogólnił podstawowe prawa rzeźbiarskiego obrazu osoby i rozwinął prawo idealnych proporcjonalnych relacji ludzkiego ciała. Po zastosowaniu swojej teorii we własnej twórczości (np. w posągu „Doriphorus” („Włócznik”) (il. 99, 99-a), który cieszył się największą sławą w starożytności), rzeźbiarz stworzył nowy język plastyczny oparty na harmonii fizycznej, na idei postaci ludzkiej jako doskonałego mechanizmu, w którym wszystkie części są ze sobą funkcjonalnie powiązane.
Odkryciem Polikleitosa w rzeźbie jest intersekcjonalność nierównomiernego ruchu ciała (o tym później).
Diadumen (grecki) zwieńczony wstęgą zwycięstwa) (ryc. 100).
MIRON. Urodzony w Eleuther (Boeotia), mieszkał w Atenach. Tworzył rzeźby dla ateńskiego Akropolu, świątyń w Delfach i Olimpii.
· Około roku 470 odlał w brązie najsłynniejszy ze wszystkich posągów sportowców – posąg Dyskoteka Lub Dyskobolista(Muzeum Termalne, kopia) (il. 101); „to całkowity cud męskiej budowy ciała: tutaj dokładnie badane są wszystkie ruchy mięśni, ścięgien i kości biorące udział w działaniu ciała: nogi…”; Myron „...przyglądał się sportowcowi nie przed ani po zawodach, ale w momentach samej walki i w brązie zrealizował swój plan tak dobrze, że żaden inny rzeźbiarz w historii nie mógł go prześcignąć w przedstawieniu męskiego ciała w akcji”. Dyskobolista- to pierwsza próba przekazania ruchu nieruchomemu posągowi: w rzeźbie Myronowi udało się uchwycić ruch jego ręki przed rzuceniem dyskiem, kiedy cały ciężar ciała skierowany jest na prawą nogę, a lewą rękę utrzymuje sylwetkę w równowadze. Technika ta umożliwiła oddanie ruchu form, co pozwala widzowi prześledzić zmianę punktów widzenia.
Dyskobolista- jedyne zachowane (kopia) dzieło rzeźbiarza.
Starożytni uznawali, że Fidiasz najlepiej przedstawiał posągi bogów.
· Około 438 r. syn artysty Fidiasz stworzył słynną statuę „Atena Partenos” (Dziewica Atena). Na 1,5-metrowym marmurowym cokole w Świątyni Ateny Miasta (Partenon) na ateńskim Akropolu stał prawie 12-metrowy posąg bogini mądrości i czystości (il. 95). Fidiasz był jednym z pierwszych rzeźbiarzy, którzy zastosowali innowację z V wieku. BC, – cokół z płaskorzeźbą (scena narodzin Pandory). Fidiasz wykazał się wielką odwagą, wybierając na 160-metrowy fryz rzeźbiarski świątyni nie temat mitologiczny, ale obraz procesji panatenajskiej (gdzie sam lud ateński jest równorzędnym partnerem bogów zajmujących centralną część kompozycji) . Pod kierunkiem Fidiasza i częściowo samodzielnie wykonano dekorację rzeźbiarską. Rzeźbę umieszczono także na frontonach, wzdłuż fryzu zewnętrznej ściany wnętrza.
Oskarżony przez swoich ateńskich wrogów o kradzież Fidiasz został skazany, jednak mieszkańcy Olimpii wpłacili kaucję za mistrza pod warunkiem, że stworzy on posąg Zeusa dla świątyni o tej samej nazwie w słynnym sanktuarium. Tak pojawił się 18-metrowy posąg siedzącego boga piorunów. Na liście „cudów świata” sporządzonej w II wieku. PNE. Drugie miejsce zajął Antypator Sydonu, posąg Zeusa Olimpijskiego. O tym wybitnym zabytku wspominało ponad sześćdziesięciu (!) pisarzy starożytności. Grecki filozof Epiktet radził wszystkim, aby udali się do Olimpii, aby zobaczyć posąg Zeusa, ponieważ nazwał prawdziwym nieszczęściem umrzeć i nie zobaczyć go. Ponad pięć wieków później słynny rzymski mówca Kwintylian napisał: „Piękno posągu wprowadziło nawet coś do ogólnie przyjętej religii, gdyż wielkość stworzenia była godna Boga”.
Uważa się, że posąg Zeusa Olimpijskiego został powtórzony przez anonimowego rzeźbiarza rzymskiego, tworząc posąg Jowisza, przechowywany obecnie w Ermitażu (il. 102).
Los obu pomników jest smutny, ale zdecydowanie nieznany; istnieją informacje, że obaj zostali wywiezieni już w czasach chrześcijańskich do Konstantynopola, Zeus spłonął w pożarze pod koniec V wieku i Atena zmarł na początku XIII w.
Nie ma dokładnych informacji o losach Fidiasza.
PRAKSITEL.
OK. 390-330 PNE. Syn rzeźbiarza, Joński Praksyteles, pracował zarówno w marmurze, jak i brązie, do tego stopnia, że o zamówienia mistrza rywalizowało ponad dziesięć miast.
· Pierwsza starożytna greka nagi Hellenowie z całego Morza Śródziemnego przybywali, aby zobaczyć posąg bogini „Afrodyty z Knidos” (il. 103). Krążyła plotka, że patrząc na kanon kobiecego piękna, jaki już wtedy obowiązywał, mężczyźni popadli w „miłosne szaleństwo”. „...Przede wszystkim dziełami nie tylko Praksytelesa, ale i tych istniejących we wszechświecie w ogóle jest Wenus jego dzieła...” – pisał niemal cztery wieki później rzymski Pliniusz Starszy.
· O drugim, najsłynniejszym posągu - „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem”(il. 97) – zostało już powiedziane na samym początku pytania. Według mitu na rozkaz zazdrosnej Hery tytani porwali nieślubnego syna Zeusa Dionizosa i rozerwali go na kawałki. Babcia Dionizosa Rei przywróciła do życia wnuka. Aby ocalić syna, Zeus poprosił Hermesa, aby tymczasowo przemienił Dionizosa w koźlę lub baranka i przekazał go pięciu nimfom na wychowanie. Rzeźbiarz przedstawił Hermesa w chwili, gdy kierując się w stronę nimf, zatrzymał się, opierając się o drzewo i ofiarował małemu Dionizosowi kiść winogron (ręka posągu zaginęła). Dziecko umieszczono w jaskini na górze Nysa i tam Dionizos wynalazł wino.
Szczególnie zauważamy, że uczniowie Praksytelesa godnie kontynuowali dzieło swojego nauczyciela (il. 107).
Zaczynał jako prosty kotlarz w Sicyonie, a skończył jako nadworny rzeźbiarz Aleksandra Wielkiego. Jak wierzono w starożytności, autor półtora tysiąca posągów. Ustanowił nowy kanon rzeźbiarskich proporcji postaci, wprowadzając lekkie wydłużone proporcje i zmniejszając wielkość głowy. Lysippos zwykł mawiać, że dawni artyści „...przedstawiają ludzi takimi, jakimi są, a on – takimi, jakimi wydają się być”.<глазу>».
· „Apoxiomen” („Oczyszczanie”) (il. 108) - młody mężczyzna za pomocą skrobaczki oczyszcza się z oleju i piasku po wysiłku fizycznym.
Inne znane na całym świecie rzeźby i grupy rzeźb
· Wenus z Milo(il. 109). Epitet „Milo” wynika z faktu, że posąg odnaleziono na wyspie Milo w 1820 roku. Sam posąg, wysoki na ponad dwa metry, pochodzi z końca II wieku. BC, jest „przeróbką” posągu Praksytelesa.
· Nike z Samotraki(il. 110). Znaleziono w XIX wieku. na wyspie Samotraka. Posąg pochodzi z około 190 roku p.n.e., kiedy Grecy z Rodos odnieśli serię zwycięstw nad Antiochem III.
· „Laokoon”(il. 111).
Na przełomie II-I w. PNE. trzej rzeźbiarze – Agesander oraz jego synowie Polidorus i Athenodorus – wyrzeźbili „z jednego kamienia” grupę posągów, która już w starożytności uważana była za „dzieło, które należy preferować w stosunku do wszelkich dzieł zarówno malarstwa, jak i sztuki rzeźbienia w miedzi .”
Fabuła „Śmierci Laokoona i jego synów” związana jest z najsłynniejszym epizodem wojny trojańskiej. Jak wiadomo Grecy, aby przedostać się do obleganego przez siebie miasta, zbudowali ogromnego, wydrążonego drewnianego konia, na którego wspięło się kilkudziesięciu żołnierzy. Do Troi wysłano szpiega, którego uczył Odyseusz, który zwrócił się do króla Priama w formie przepowiedni: „... Jeśli gardzisz tym świętym posągiem, Atena cię zniszczy, ale jeśli posąg trafi do Troi, będziesz w stanie zjednoczyć wszystkie siły Azji, najechać Grecję i podbić Mykeny”. „To wszystko kłamstwo! To wszystko wymyślił Odyseusz” – zawołał Laokoon, kapłan świątyni Posejdona. Bóg Apollo (który był zły na Laokoona za to, że wbrew przysiędze poślubił i urodził dzieci), aby ostrzec Troję przed czekającym ją smutnym losem, zesłał dwa ogromne węże morskie, które najpierw udusiły bliźniaczych synów Laokoona, a następnie, gdy rzucił im się na pomoc, siebie. Ten straszny znak przekonał Trojan, że grecki szpieg mówił prawdę, a król Troi błędnie uznał, że Laokoon został ukarany za wbicie włóczni w drewnianego konia. Konia poświęcono Atenie, a Trojanie zaczęli ucztować, świętując swoje zwycięstwo. Wiadomo dalej: o północy, kierując się światłami sygnalizacyjnymi, Grecy zsiedli z koni i zabili śpiących strażników twierdzy i pałacu Troi.
Oprócz umiejętności komponowania i doskonałości technicznej nowością było ucieleśnienie gustów nowej epoki – hellenizmu: starzec, dzieci, bolesna walka, dogorywające jęki…
Kiedy w 1506 roku w ruinach łaźni cesarza Tytusa w Rzymie odnaleziono „Laokoona”, Michał Anioł stwierdził, że jest to najlepszy posąg na świecie i zszokowany bezskutecznie próbował… postać. Sukces towarzyszył Lorenzo Berniniemu.
El Greco stworzył obraz oparty na fabule Laoocony. Winckelmanna, Lessinga, Goethego.
· Byk Farnese(il. 112, 113, 114, 115). Około 150 roku p.n.e w mieście Thralls, w Caria, bracia rzeźbiarze Apoloniusz i Tauriscus odlali grupę z brązu dla mieszkańców wyspy Rodos, znanej obecnie jako Byk Farnese(znaleziony w Termach Karakalli w Rzymie, odrestaurowany przez samego Michała Anioła i przechowywany przez pewien czas w pałacu Farnese). Według jednej wersji mitu Antiope, córka króla Teb Nyktajosa, zaszła w ciążę z Zeusem i uciekła przed gniewem ojca do króla Sikionu, który ją poślubił, co wywołało wojnę między obydwoma miastami. Tebańczycy zwyciężyli, a wuj Antiope sprowadził Antiope z powrotem do domu. Tam urodziła dwójkę bliźniaków, które natychmiast odebrał jej wspomniany wujek. W Tebach została niewolnicą swojej ciotki Dirki, która traktowała ją okrutnie. Antiope, nie mogąc znieść więzienia, zdołała uciec i spotkać się z dorosłymi synami, którzy brutalnie ukarali Dirkę: przywiązali ją do rogów dzikiego byka, który natychmiast się z nią rozprawił – pod aprobującym okiem zadowolonej Antiope. Dzieło wyróżnia się wirtuozerią w oddawaniu różnych kątów i dokładnością budowy anatomicznej figur.
· Kolos z Rodos.
Tak nazywał się posąg boga Heliosa na wyspie Rodos. Syn jednego z dowódców macedońskiego Antygona, Demetriusz, oblegał Rodos przy użyciu 7-piętrowych wież bojowych, ale został zmuszony do odwrotu, porzucając cały sprzęt wojskowy. Według opowieści Pliniusza Starszego, mieszkańcy wyspy otrzymali z jej sprzedaży fundusze, za które około 280 roku p.n.e. zbudowali ją obok portu. największy posąg starożytnego świata - 36-metrowy bóg Słońca Heliosa autorstwa architekta Charesa, ucznia Lysipposa. Rodyjczycy czcili Heliosa jako patrona wyspy wyniesionej przez bogów z dna morza, a stolica Rodos była jego świętym miastem. Filon z Bizancjum podał, że do wykonania posągu zużyto 13 ton brązu i prawie 8 ton żelaza. Według badań angielskiej uczonej i rzeźbiarki Marion posąg nie został odlany. Jej podstawą były trzy masywne filary postawione na czworokątnych płytach kamiennych i spięte żelaznymi pasami; Od filarów promieniowały we wszystkich kierunkach żelazne pręty, do których zewnętrznych końców przymocowano żelazną ramę - otaczały one kamienne filary w równych odległościach, zamieniając je w ramę. Posąg budowano kawałek po kawałku z glinianego modelu przez ponad dziesięć lat. Według rekonstrukcji Helios miał na głowie koronę w postaci promieni słonecznych, prawą rękę przykładał do czoła, a lewą ręką trzymał płaszcz, który opadał na ziemię i służył jako punkt podparcia. Kolos zawalił się podczas trzęsienia ziemi w 227 (222) p.n.e., a jego fragmenty leżały przez ponad osiem wieków, aż Arabowie załadowali je na 900 (!) wielbłądów i wywieźli „materiały budowlane” na sprzedaż.
· Paeonia należy do posągu bogini Nike (ok. połowa V w. p.n.e.): postać jest pochylona lekko do przodu i równoważona dużym, falującym płaszczem w jaskrawych kolorach (il. 116).
Rzeźba grecka pozostawała w ścisłym związku z architekturą, harmonijnie współistniała. Artyści nie starali się odsuwać pomnika zbyt daleko od budynków. Grecy unikali stawiania pomników na środku placu. Zwykle umieszczano je wzdłuż jej krawędzi lub krawędzi świętej drogi, na tle budynku lub pomiędzy kolumnami. Ale w ten sposób pomnik nie był dostępny do ominięcia i wszechstronnego przeglądu.
Rzeźba Hellady utrzymywała ścisły i harmonijny związek z architekturą. Posągi Atlantydów (ryc. 117) i kariatydy (ryc. 56) zastąpiły kolumny lub inne pionowe wsporniki podtrzymujące belkowy strop.
Atlanta– posągi męskie podtrzymujące sufity budynków przymocowane do ściany. Według mitów grecki tytan, brat Prometeusza, miał utrzymać niebo na skrajnym zachodnim krańcu Ziemi w ramach kary za udział w walce tytanów z bogami.
Kariatyda- rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej. Jeśli na głowie posągu znajdował się kosz kwiatów lub owoców, wówczas nazywano go kanefora(od łac. nosiciel kosza). Pochodzenie słowa „kariatyda” wywodzi się albo od kariatyd – kapłanek świątyni Artemidy w Carii (Kariatyda to także imię nadane księżycowej matce Artemis Caria).
Wreszcie harmonia i koordynacja architektury i rzeźby przejawiała się w dekoracyjnym wykorzystaniu tej ostatniej. Są to metopy zdobione płaskorzeźbami (przęsła między belkami, których końce zamaskowane są tryglifami) (il. 117) oraz frontony z grupami rzeźb (il. 118, 119). Architektura stanowiła ramę dla rzeźby, a sam budynek został wzbogacony organiczną dynamiką rzeźby.
Rzeźby umieszczano na cokołach budynków (Ołtarz Pergamoński) (il. 120, 121), na podstawach i kapitelach kolumn (il. 11), na stelach nagrobnych (il. 122, 123) oraz wewnątrz podobnych stel (il. 122, 123). .68-n), pełniły funkcję stojaków na artykuły gospodarstwa domowego (il. 124, 125).
Były też posągi nagrobne (il. 68-c, 68-d).
Geneza i przyczyny cech rzeźby greckiej
Materiał i jego obróbka
Jednym z niezwykłych przykładów rzeźby z terakoty są figurki gatunkowe i nagrobne odnajdywane w grobach w pobliżu Tanagry (il. 126, 127), miasta we wschodniej Beocji. Terakota(z włoskiego terra – ziemia/glina i cotta – wypalane) nazywane są nieszkliwionymi wyrobami ceramicznymi i mają szerokie zastosowanie. Wysokość figurek wynosi od 5 do 30 centymetrów. Rozkwit tworzenia figurek przypada na III wiek. PNE.
Wykorzystanie kości słoniowej w dziełach sztuki ma długą tradycję w świecie greckim. W okresie klasycznym pojawiła się technika łączenia złota i kości słoniowej – chryzoelefantyna. W szczególności zawiera posągi Fidiasza - Ateny w Partenonie (il. 128) i Zeusa w Olimpii. Na przykład podstawa posągu Ateny została wyrzeźbiona z litego drewna, większość powierzchni pokryta była złotem, części przedstawiające nagie ciało i egidę pokryto płytkami z kości słoniowej. Do drewnianej podstawy przymocowano łuskowate płytki (o grubości około 1,5 mm) obracające się na prętach i można je było usunąć. Kość słoniowa, podobnie jak złoto, została przymocowana do drewnianych łusek. Wszystkie poszczególne części rzeźby – głowa, tarcza, wąż, włócznia, hełm – powstały osobno i przymocowane do podstawy posągu, ustawionej wcześniej i osadzonej na drewnianym cokole, wpuszczonym w kamienny cokół (il. 95). .
Twarz i ręce posągu Zeusa Olimpijskiego z wieńcem na głowie, Nike (Zwycięstwo) w prawej ręce i berłem z orłem w lewej zostały wykonane z kości słoniowej, a ubrania i buty ze złota. Aby chronić kość słoniową przed uszkodzeniami spowodowanymi wilgotnym klimatem Olimpii, kapłani obficie smarowali ją olejem.
Oprócz kości słoniowej do części wykorzystano wielokolorowe materiały. Na przykład gałkę oczną wykonywano z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą (il. 129). Wiele posągów nadal ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników.
Od VII wieku p.n.e. Grecy używali już marmuru (il. 130). Rzeźbiarze często dążyli do swobodnych póz i ruchów, ale obiektywnie były one nieosiągalne w jednym kawałku marmuru. Dlatego często spotyka się posągi składające się z kilku części. Korpus słynnej Wenus z Milo (il. 75) został wyrzeźbiony z marmuru pochodzącego z wyspy Paros, część ubrana została wykonana z innego rodzaju kamienia, ramiona wykonano z oddzielnych części, mocowanych metalowymi klamrami.
System obróbki kamienia.
W okresie archaicznym najpierw nadano bryle kamienia czworościenny kształt, a na jego płaszczyznach rzeźbiarz narysował rzut przyszłego posągu. Następnie zaczął rzeźbić jednocześnie z czterech stron, w warstwach pionowych i płaskich. Miało to dwie konsekwencje. Po pierwsze, posągi wyróżniały się całkowicie nieruchomą, prostą pozą, bez najmniejszego obrotu wokół własnej osi pionowej. Po drugie, niemal wszystkie archaiczne posągi mają na twarzy uśmiech, zupełnie niezależny od sytuacji, jaką przedstawia posąg (il. 131, 132). To dlatego, że metoda przetwarzanie twarzy jako płaszczyzny położonej pod kątem prostym do dwóch pozostałych płaszczyzn głowy doprowadziło do tego, że rysy twarzy (usta, kontur oczu, brwi) zostały zaokrąglone nie w głąb, ale ku górze.
O konstrukcji archaicznej postaci w dużej mierze decyduje metoda pracy rzeźbiarza – wstępne przygotowanie prostokątnego bloku kamienia – nie pozwalało to jednak na przedstawienie postaci np. z uniesionymi ramionami.
Drugi sposób obróbki kamienia związany jest z przejściem od archaicznego do klasycznego i stał się dominujący w rzeźbie greckiej. Istotą metody jest chęć ustalenia objętości ciała, jego krzywizn i przejść. Rzeźbiarz zdawał się chodzić swoim dłutem po całym posągu. Uderzenia archaiki układane były w pionowych rzędach, ciosy klasyków sięgały w głąb, układały się okrągło, po przekątnej w połączeniu ze zwojami, występami i kierunkami formy.
Stopniowo posąg zwrócił się w stronę widza nie tylko z prostą twarzą i profilem, ale także z bardziej złożonymi obrotami w trzech czwartych, nabrał dynamiki i zaczął wydawać się obracać wokół własnej osi. Stała się posągiem, który nie miał tyłu, którego nie można było oprzeć o ścianę ani wstawić we wnękę.
Rzeźba z brązu.
W okresie klasycznym wyrzeźbienie w marmurze nagiej postaci z swobodnie wyciągniętą nogą bez specjalnego wsparcia było bardzo trudne. Dopiero brąz pozwolił na nadanie figurze dowolnej pozycji. Większość starożytnych mistrzów odlała go z brązu (il. 133, 134). Jak?
Zastosowaną metodą odlewania był proces zwany „woskiem traconym”. Figurę uformowaną z gliny pokryto grubą warstwą wosku, następnie warstwą gliny z wieloma otworami, przez które wypływał roztopiony w piecu wosk; Od góry formę wypełniono brązem, aż metal wypełnił całą przestrzeń zajmowaną wcześniej przez wosk. Posąg ochłodzono i usunięto górną warstwę gliny. Na koniec przeprowadzono szlifowanie, polerowanie, lakierowanie, malowanie lub złocenie.
Oczy posągu z brązu inkrustowano szklistą pastą i kolorowym kamieniem, a fryzury lub dekoracje wykonywano ze stopu brązu o innym odcieniu; usta często złocono lub pokrywano złotymi płytkami.
Wcześniej, na przełomie VII-VI w. p.n.e., ze względu na potrzebę oszczędzania brązu, w Grecji rozpowszechniła się technika wykonywania posągów, kiedy drewniane figury przybijano blachami z brązu. Podobna technika była znana na Wschodzie, zamiast brązu używano tylko złota.
Polichromować.
Grecy malowali odsłonięte części korpusu rzeźb w kolorze cielistym, ubrania w kolorze czerwonym i niebieskim, a broń w kolorze złotym. Oczy zostały namalowane na marmurze.
Zastosowanie materiałów kolorowych w rzeźbie. Oprócz połączenia złota i kości słoniowej Grecy używali wielobarwnego materiału, ale głównie w detalach. Na przykład gałka oczna była wykonana z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą. Wargi posągu z brązu były często złocone lub pokryte złotymi płytkami. Wiele greckich posągów ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników. Figurki Tanagry były w całości pomalowane, zwykle w odcieniach fioletu, błękitu i złota.
Rola kompozycji plastycznej.
Przez cały czas jednym z najważniejszych problemów stojących przed rzeźbiarzem było obliczenie kształtu i wielkości cokołu oraz dopasowanie posągu i cokołu do krajobrazu i oprawy architektonicznej.
Hellenowie na ogół preferowali niezbyt wysokie cokoły. W V wieku PNE. jego wysokość zwykle nie przekraczała poziomu klatki piersiowej osoby średniej wielkości. W następnym stuleciu cokoły miały najczęściej kształt schodkowy, złożony z kilku poziomych płyt.
Rzeźbiarz już na początku swojej pracy musiał wziąć pod uwagę punkt widzenia, z którego będzie postrzegany posąg, optyczną relację pomiędzy posągiem a widzem. W ten sposób rzemieślnicy dokładnie obliczyli efekt optyczny posągów umieszczonych na frontonie. Na Partenonie skrócono dolną część postaci siedzących posągów i wydłużono górną część ciała. Jeśli postać znajdowała się w ostrym przechyleniu, wówczas jej ręce i nogi ulegały skróceniu lub wydłużeniu, w zależności od pozycji sylwetki.
Motywy ruchu w rzeźbie
Rzeźba archaiczna znała tylko jeden rodzaj ruchu – ruch działania. Uzasadniało to motyw jakiegoś działania: bohater rzuca dyskiem, bierze udział w bitwie, zawodach itp. Jeśli nie ma żadnej akcji, posąg jest całkowicie nieruchomy. Mięśnie podano jako uogólnione, tułów jest nieruchomy, ręce i nogi działają w jakiś sposób jeden stronę ciała.
Poliklet uważany jest za wynalazcę innego rodzaju ruchu. Esencja „ruch przestrzenny” w tym sensie, że oznacza ruch w przestrzeni, ale bez widocznego celu, bez określonego motywu tematycznego. Ale wszystkie członki ciała pędzą albo do przodu, albo wokół własnej osi.
Grecki rzeźbiarz starał się „przedstawić” ruch. Pokazywał gesty, chód, napięcie mięśni Funkcje ruchy.
Rzeźba grecka uosabia harmonię ludzkiej woli i ciała, rzeźba gotycka ucieleśnia energię emocjonalną człowieka, rzeźbę Michała Anioła charakteryzuje walka woli i uczuć. Rzeźba grecka często unika nadmiernego napięcia fizycznego, a jeśli już z niego korzysta, to zawsze jest prosta i jednostronna. Przeciwnie, Michał Anioł maksymalnie napina mięśnie i to w różnych, czasem przeciwnych kierunkach. Stąd geniusz renesansu miał swój ulubiony ruch spiralny, rotacyjny, postrzegany jako głęboki konflikt psychologiczny.
Dowiedz się więcej o ewolucji rodzajów ruchu.
Poszukiwanie dynamiki zaczyna się od stóp posągu. Pierwszą oznaką ruchu jest ruch lewej nogi do przodu. Całą podeszwą twardo stąpa po podłożu. Ruch rejestrowany jest tylko na szkielecie i kończynach. Ale przez cały okres archaiczny tułów pozostaje nieruchomy. Ramiona i nogi działają po jednej stronie ciała, prawej lub lewej.
W epoce klasycznej Poliklet rozwiązuje problem ruchu poprzecznego. Jego istotą jest nowa równowaga organizmu. Jego ciężar spoczywa na jednej nodze, druga jest wolna od funkcji podporowych. Rzeźbiarz cofa wolną nogę, dotykając ziemi jedynie czubkami palców. W rezultacie prawa i lewa strona ciała w kolanach i biodrach znajdują się na różnych wysokościach, ale aby zachować równowagę, ciała znajdują się w odwrotnej proporcji: jeśli prawe kolano jest wyżej niż lewe, to prawe ramię jest niżej niż lewy. Ruchoma równowaga symetrycznych części ciała stała się ulubionym motywem sztuki starożytnej (il. 135).
U Mirona w „Discoballu” cały ciężar ciała spada na prawą nogę, lewa ledwo dotyka podłoża.
Pod koniec IV wieku. PNE. Lizyp zapewnia maksymalną swobodę ruchu. Ruch ciała rozwija się po przekątnej („zapaśnik Borghesa”), może obracać się wokół własnej osi, a kończyny są skierowane w różnych kierunkach.
Plastyczna ekspresja rzeźby klasycznej.
W epoce hellenistycznej pojawiło się pragnienie maksymalnej wyrazistości, energetycznych wypukłości i zakamarków formy. Tak pojawiły się mięśnie sportowca Herkulesa (ryc. 136).
Zwiększona jest dynamika tułowia. Zaczyna się wyginać w lewo i prawo. W Apoksyomen Lysippos (il. 82) związek pomiędzy elementami podpartymi i wolnymi okazuje się niemal nieuchwytny. W ten sposób powstało nowe zjawisko – absolutnie okrągły posąg, po którym trzeba chodzić. Na koniec zwróćmy uwagę na charakterystyczną cechę rzeźby greckiej – przewagę ruchu od środka na zewnątrz, w stronę celu zewnętrznego.
Greccy rzeźbiarze najpierw zindywidualizowali posiedzenie statua. Podstawą zmiany jakościowej jest zupełnie inne umiejscowienie posągu. Wrażenie indywidualnej postawy polega na stworzeniu opcji, gdy osoba siedzi na czubku siedziska nie całym ciałem i nie całym siedziskiem. Zrelaksowana i swobodna pozycja powstała, gdy siedzenie znalazło się niżej niż kolana osoby siedzącej. Powstało bogactwo kontrastów – skrzyżowane ręce, skrzyżowane nogi, ciało siedzącej osoby obraca się i pochyla.
Ubrania i draperie.
Koncepcję twórczą rzeźbiarza wyznacza ważny problem - ubiór i draperie. Jego elementy aktywnie uczestniczą w życiu posągu i jego ruchu - charakter ubioru, rytm jego fałd, sylwetka, rozkład światła i cienia.
Jednym z głównych celów draperii w rzeźbie jest cel funkcjonalny ubioru (to znaczy jego związek z ludzkim ciałem). W rzeźbie greckiej cel ten znalazł najżywsze ucieleśnienie. W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania, zgodnie z rytmem swoich fałd, powtarzały się, podkreślały, uzupełniały, a czasem zmieniały kształty i ruchy ciała (il. 136-a).
W swobodnej interpretacji ubioru bardzo pomogła sama natura greckiego ubioru. Prostokątny lub okrągły kawałek materiału otrzymał swój kształt dopiero od ułożonego na nim ciała. To nie krój, ale sposób noszenia i użytkowania decydował o charakterze ubioru. Podstawowe zasady ubioru pozostały prawie niezmienione. Zmienił się jedynie materiał, wysokość paska, sposób drapowania, kształt klamry itp.
Styl klasyczny rozwinął podstawową zasadę draperii. Długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie ukrywają nogę podpierającą, swobodna nogawka modelowana jest poprzez ubranie z lekkimi fałdami. W połowie V wieku. PNE. Rzeźbiarze rozwiązali także ten problem – ukazując ciało poprzez ubranie we wszystkich jego krągłościach.
Draperia była bogata i różnorodna, ale rzeźba nie miała emocjonalnej interpretacji ubioru. Artyści ucieleśniali bliski kontakt ubioru z ciałem, jednak nie było związku między ubraniem a stanem psychicznym człowieka. Ubiór charakteryzował działalność posągu, ale nie odzwierciedlał jego nastrojów i przeżyć.
We współczesnej odzieży europejskiej punktem podparcia są ramiona i biodra. Odzież grecka Inny w istocie: nie pasuje - to drapowany. Plastyczność draperii ceniono znacznie wyżej niż koszt tkaniny i piękno ozdoby, piękno ubioru tkwiło w jej wdzięku.
Grecy jońscy jako pierwsi zastosowali draperie jako element rzeźbiarski. W rzeźbach egipskich ubrania są zamrożone. Hellenowie zaczęli przedstawiać fałdy materiału, wykorzystując ubrania, aby ukazać piękno ludzkiego ciała.
W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały się, podkreślały i uzupełniały kształty i ruchy ciała rytmem ich fałd.
Podstawową zasadą draperii helleńskiej jest to, że długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie zakrywają nogę podpierającą, wolną nogę modeluje się poprzez ubranie z lekkimi fałdami.
Ogólnie draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca rzeźbie greckiej. Kontakt odzieży z ciałem nie był powiązany ze stanem umysłu danej osoby. Ubrania charakteryzowały działalność posągu, ale nie odzwierciedlały jego nastrojów i przeżyć.
Grupa rzeźbiarska (posągowa). Jeśli sens kompozycji ujawni się tylko z jednego punktu widzenia, posągi są od siebie odizolowane, niezależne, można je od siebie odsuwać, ustawiać na osobnych cokołach, tak aby w efekcie końcowym istniały niezależnie od siebie. innej, to takiej kompozycji nie można nazwać autentyczną grupą posągową. W Grecji w epoce stylu klasycznego grupa rzeźbiarska osiąga etap ucieleśniania ludzkich relacji między postaciami, wspólnego działania i wspólnego doświadczenia.
Problem światła w rzeźbie.
Światło w rzeźbie (podobnie jak w architekturze) wpływa nie tyle na samą formę, co na wrażenie, jakie oko odbiera od niej. Relacja pomiędzy światłem a formą plastyczną determinuje obróbkę powierzchni. Po drugie, ustawiając rzeźbę, artysta musi wziąć pod uwagę określone źródło światła. Materiały o chropowatej i nieprzejrzystej powierzchni (drewno, częściowo wapień) wymagają bezpośredniego światła (nadaje to formom wyraźny i wyrazisty charakter). Marmur charakteryzuje się przezroczystym światłem. Główny efekt rzeźb Praxitelesa opiera się na kontraście światła bezpośredniego i przejrzystego.
Portret rzeźbiarski
Rzeźba okresu archaicznego, zgodnie z egipską zasadą frontalności, była sakralna; rzeźby współczesnych były dozwolone w przypadkach, gdy zostały uświęcone śmiercią lub zwycięstwem w zawodach sportowych. Pomnik ku czci zwycięzcy olimpijskiego nie przedstawiał konkretnego mistrza, ale takiego, jakim był chciałbym być. Delficki woźnica, jest to np. idealny, a nie konkretny portret zwycięzcy konkursu.
Przedstawiona płaskorzeźba nagrobna Tylko osoba.
Dzieje się tak dlatego, że harmonijny rozwój fizyczny i duchowy był przez Greków postrzegany jako warunek osiągnięcia zarówno harmonii estetycznej, jak i obywatelsko-bohaterskiej użyteczności człowieka. Dlatego starożytnym wydawało się całkowicie naturalne ucieleśnianie w posągach, na przykład sportowców, nie indywidualnych cech konkretnej osoby, ale istotnych, typowych, wartościowych i uniwersalnych cech doskonałej osoby (lub każdej osoby): siły, zręczność, energia, proporcjonalna uroda ciała itp. Indywidualność była postrzegana jako przypadkowe odchylenie od normy. Dlatego nie tylko sztuka grecka, ale cała sztuka starożytna była wolna od prywatności, zwłaszcza w wizerunkach legendarnych bohaterów i bogów.
Do tego należy dodać, dlaczego przez długi czas zadania indywidualnej mimiki były obce rzeźbie greckiej. Był to kult nagości ciało oraz wypracowanie unikalnego ideału głowy i twarzy (tzw Profil grecki) – kontur nosa w linii prostej stanowi kontynuację konturu czoła (il. 137, 138).
Na koniec zwróćmy uwagę na paradoksalną rzecz: w Grecji przywiązywano dużą wagę do jednostki, wyjątkowości, z drugiej strony, na przykład portretu, uważano go za przestępstwo państwowe. Bo rolę jednostki w klasycznej kulturze starożytnej pełni „bohater zbiorowy” – polis.
Istniały dwa główne typy przedstawiania postaci z epoki archaicznej: surowa, młodzieńcza, naga, wysportowana postać z zaciśniętymi pięściami - kuros(il. 139, 140, 141) i skromnie ubrana kobieta, jedną ręką podnoszącą fałdy sukni, a drugą ofiarowującą bogom pewien dar - kora(il. 142, 143). W ten sposób można przedstawić zarówno zwykłych śmiertelników, jak i bogów. W dzisiejszych czasach kourosy często nazywano „Apollosem”; obecnie przyjmuje się, że były to wizerunki sportowców lub nagrobki. Lekko wysunięta do przodu lewa noga kouros wskazuje na wpływy egipskie. Kora ( grecki. dziewczyna) to nowoczesne określenie postaci kobiecych epoki archaicznej. Rzeźby te służyły jako wota przynoszone do sanktuarium. W przeciwieństwie do kouros, figurki kor były udrapowane.
W pierwszej połowie V w. PNE. wykształcił się określony typ twarzy: zaokrąglony owal, prosty grzbiet nosa, prosta linia czoła i nosa, gładki łuk brwi wystający ponad migdałowe oczy, raczej pulchne usta, brak uśmiechu. Włosy potraktowano miękkimi, falistymi pasmami podkreślającymi kształt czaszki („Delphic Charioteer”).
Brat Lysipposa, Lysistratus, jako pierwszy wyrzeźbił twarze na podobieństwo portretów, w tym celu wykonał nawet gipsowe odlewy żywych twarzy.
W drugiej połowie V w. PNE. Poliklet opracował prawo idealnych proporcjonalnych składników ciała ludzkiego. W rzeźbie wszelkie proporcje ludzkiego ciała zostały obliczone w najdrobniejszych szczegółach. Ręka – 1/10 wysokości, głowa – 1/8, stopa i głowa z szyją – 1/6, ramię do łokcia – ¼. Czoło, nos i usta wraz z brodą są równej wysokości, od czubka głowy do oczu - tak samo jak od oczu do końca brody. Odległość od czubka głowy do pępka i od pępka do palców stóp oblicza się w taki sam sposób, jak odległość od pępka do palców u nóg do pełnej wysokości – 38:62 – „złoty podział”.
Posągów rzymskich nie można mylić z greckimi. Rzymianie całą swoją siłę mają w twarzy, a ciało jest pod nią tylko podporą; gdy konieczna była wymiana posągu cesarza, można było zdjąć starą głowę i przymocować nową. W języku greckim każdy szczegół ciała odpowiada wyrazowi twarzy.
Ale wyraz twarzy rzeźby klasycznej był uogólniony i niejasny. Na przykład archeolodzy czasami popełniali błędy, próbując określić płeć na podstawie głów posągów. W portrecie Peryklesa rzeźbiarz Kresilaus ograniczył się do idealnej, tradycyjnej budowy głowy (zamaskującej zwężającą się ku górze głowę Peryklesa hełmem) (il. 144).
W V wieku PNE. pojawia się formularz portretowy - herma(145, 146, 147) - czworościenny filar zwężający się ku dołowi, zwieńczony lekko stylizowanym portretem. Czasami hermy kończyły się dwiema głowami (filozofów, poetów) - takie hermy umieszczano w bibliotekach i domach prywatnych.
Portrety greckie, także pełnometrażowe, pojawiają się dopiero w drugiej połowie IV wieku. PNE. Sztuka klasyczna ucieleśniała charakter człowieka i właściwości Boga nie poprzez wyraz twarzy czy mimikę, ale poprzez pozę, chód i określone cechy.
Ogólnie rzecz biorąc, dominującą właściwością greckiego portretu jest wyraz woli, chęć działania. Ale prawie nic nie można powiedzieć o uczuciach i doświadczeniach przedstawionych osób. Portret skierowany był do obywateli i potomności. Wyraz uśmiechu czy zapomnienia był obcy portretowi greckiemu. W Grecji praktycznie nie ma portretów kobiet, większość mistrzów przedstawiała naukowców i artystów.
O ikonografii stworzeń boskich i mitologicznych.
W czasach starożytnych bożkiem był prosty kamienny lub drewniany filar.
W drewnie poświęcony xoanakh, wielkości mężczyzny, nieruchomy, z zamkniętymi oczami i rękami przyciśniętymi do boków, pomalowany na biało lub cynobrem, główne artykulacje postaci ludzkiej są już zarysowane. Według A. Bonnarda, prymitywny Grek, prymitywnie wycinając wizerunki bogów, aby im oddawać cześć, mimo to nadawał im ludzki wygląd - oznaczało to wyczarowywanie ich, pozbawianie ich szkodliwej mocy.
Następnie zaczęto podkreślać górną część ciała, dolna zachowała swój pierwotny kształt. Tak wyglądały te wczesne hermy– bożki poświęcone Hermesowi (il. 147-a). Umieszczano je w miejscach publicznych zarówno w celach dekoracyjnych, jak i jako znaki graniczne i oznaczniki do pomiaru odległości między osadami.
Spójrzmy na przykład rzeźb Afrodyty (rzymskiej Wenus), aby zobaczyć, jakie zmiany w plastycznym wcieleniu wizerunku bogini (ciało, ubranie, draperia, akcenty) miały miejsce. Według mitu Afrodyta (dosł. „zrodzony z pianki”), bogini miłości, piękna, wiecznej wiosny i życia, małżeństw i heter, wyłoniła się nago z morskiej piany i na muszli dotarła do brzegu (il. 148, 149).
U Wenus z Milo talia osy jest niezgodna z pełnym ciałem i stromymi biodrami. Venus Calipiga („Wenus z pięknymi pośladkami”) nadal przyciąga widzów, tylko teraz w Muzeum Archeologicznym w Neapolu ( chory. . 150). Greccy koloniści podziwiali jego klasyczne proporcje i cechy Afrodyta z Syrakuz(il. 151), a Rzymianie - Wenus Belweder(il. 152) i Wenus Kapitolińska(il. 152-a).
...Po około dwóch tysiącleciach jednym z najważniejszych dzieł wybitnego rzeźbiarza Antonia Canovy stanie się pełnometrażowy rzeźbiarski wizerunek księżniczki Paoliny Borghese, siostry cesarza Napoleona, w postaci bogini Wenus Vitrix (il. 152 -B). Wcielanie się kobiety w obraz Wenus miało miejsce także w malarstwie (il. 152-c).
Silena, w mitologii miłośnik muzyki, tańca, a później wina, może być przedstawiany z końskimi uszami, ogonem i kopytami, może być istotą mądrą, przyjazną lub może być lubieżna (il. 153-a).
W epoce hellenistycznej pojawiły się kolosalne posągi bogów. Był to Kolos z Rodos – posąg boga Heliosa na wyspie Rodos (wspomniano już wcześniej).
Relief, jego rodzaje, styl i typ klasyczny.
Uważa się, że grecki relief powstał z dwóch źródeł: z konturu, rysunku sylwetki oraz z okrągłego posągu. Podstawową zasadą reliefu jest to, że wszystkie jego najbardziej wypukłe części znajdują się, jeśli to możliwe, na pierwotnej powierzchni kamiennej płyty.
Do ukształtowania się klasycznego stylu reliefu przyczyniły się dwie techniki: obraz postaci ludzkiej w obrocie o trzy czwarte (jak gdyby połączenie kontrastu profilu i frontu) oraz optyczna redukcja obiektu w przestrzeni (skrócenie perspektywiczne).
Rodzaje ulgi. Typ klasyczny powstał w Grecji. Jego charakterystyczne cechy są następujące. Płaskorzeźba przedstawia zazwyczaj tylko osobę i stara się zachować czystość przedniej i tylnej płaszczyzny. Tylna powierzchnia to abstrakcyjne tło, gładka, wolna płaszczyzna. Dla przodu (wyimaginowanego) jest to typowe: postacie ukazane są w jednym planie, przesuwając się obok widza, wszystkie wypukłe części postaci są skupione dokładnie na płaszczyźnie przedniej. Po drugie, mistrzowie pragną trzymać głowy wszystkich postaci na tej samej wysokości (nawet gdy niektóre postacie stoją, inne siedzą) i unikać wolnej przestrzeni nad ich głowami. Po trzecie, nie ma specjalnego obramowania, zazwyczaj jest to lekko profilowana podstawa pod figury.
Od IV wieku PNE. Na nagrobkach znajdują się płaskorzeźby (il. 154). Groby rodzinne przedstawiały sceny z życia zmarłych.
Zadanie wypełniania metop figurami reliefowymi wiązało się z koniecznością łączenia w pary – dlatego ulubionym tematem rzeźb metopowych stały się walki, zwłaszcza pomiędzy ludźmi a centaurami lub amazonkami. Fryz joński charakteryzował się ciągłością, dlatego naturalnym tematem stała się procesja lub spotkanie. A ponieważ puste przestrzenie między głowami zaburzyłyby wrażenie ciągłości, powstaje izokefalia– wymóg przedstawienia wszystkich głów na tej samej wysokości.
Płaskorzeźba wotywna (poświęcająca) istniała także w Grecji (il. 156).
W jednym z hymnów homeryckich znajduje się wzmianka o narodzinach Dionizosa w pobliżu rzeki Alfeusz, która przepływa przez Olimpię. Posąg Hermesa odnaleziono stosunkowo niedawno w olimpijskiej świątyni Hery, w 1877 roku.
Tam. s. 221.
Dekret Duranta V. op. s. 331.
Tam. s. 332, 331.
Prawdziwym nieszczęściem był dekret (edykt) władcy Królestwa Ostrogotów we Włoszech, Teodoryka, w sprawie zniszczenia świątyni Zeusa w Olimpii.
Kwintylian. Edukacja mówcy. XII, 10.7.
Zobacz: Sokołow G.I. Olimpia. M.: Sztuka, 1981. s. 147.
Według jednej wersji około 360 r. p.n.e. miasto Kos zamówiło rzeźbę Afrodyty z kamienia. Ale podczas egzekucji posągu mieszkańcy Kos byli oburzeni: bogini była naga. Następnie miasto Knidos kupiło posąg.
Rzymska kopia Afrodyty z Knidos znajduje się w Muzeum Watykańskim.
Wyjaśniono według: Graves R. Mity starożytnej Grecji. M.: Postęp, 1992. s. 73-74.
Pliniusz Starszy. Naturalna nauka. XXXIV, 65.
Tam. XXXVI, 37.
Stwierdzono zgodnie z: Dekretem Gravesa R. op. s. 514-516.
Sztuka Świata. Starożytne cywilizacje: słownik tematyczny. M.: Kraft, 2004. s. 374.
Albo z legendy, która głosi, że wszystkie kobiety z regionu Caria w Azji Mniejszej zostały sprzedane w niewolę za wsparcie Karian dla Persów podczas wojny - a kariatydy stały się tego obrazem. Zobacz: Dekret Gravesa R. op. s. 153.
Na przykład posąg boga snu Hypnosa.
Bonnar A. Cywilizacja grecka. s. 211.
Mademoiselle Lange, przedstawiona na obrazie, była aktorką.
Drugi typ płaskorzeźby miał miejsce w epoce hellenistycznej. Swobodny („malowniczy”) relief to negacja płaszczyzny tła, złączenie figur z tłem w jedną optyczną całość. Ten typ nie jest powiązany z normami równości głowy ( izokefalia), tło często przedstawia krajobraz lub struktury architektoniczne
Wybitni rzeźbiarze V-IV wieku. PNE.
Pierwsi.
Rzeźba oczami Greków
Cechy dziedzictwa rzeźbiarskiego starożytnej Grecji.
Czas był szczególnie nieubłagany dla dzieł rzeźby greckiej. Dotarł do nas jedyny autentyczny grecki posąg z brązu epoki klasycznej – Delficki woźnica(ok. 470 pne ., Muzeum w Delfach ) (il. 96) i jedyny marmurowy posąg z tej samej epoki - Hermes z małym Dionizosem Praksyteles (Muzeum Olimpii) (il. 97). Autentyczne rzeźby z brązu zanikły już u schyłku starożytności (odlewano je na monety, dzwony, a później broń). Marmurowe posągi spalono wapnem. Prawie wszystkie greckie produkty wykonane z drewna, kości słoniowej, złota i srebra zaginęły. Dlatego dzieła wielkich mistrzów można oceniać po pierwsze po późnych egzemplarzach, po drugie zaś po przedstawieniu ich w innym materiale w którym zostały poczęte.
Dla Greków obraz rzeźbiarski nie był jedynie pewną bryłą marmuru czy brązu, w której z łatwością można było rozpoznać mężczyznę, kobietę, młodość itp. Całe myślenie artystyczne Greków było przeniknięte chęcią utożsamienia się z rzeźbą i architekturą prawa ogólne proporcje i harmonia, pragnienie rozsądnego piękna.
Dla przedstawicieli szkoły filozoficznej założonej przez Pitagorasa natura jest mimesis– imitacja harmonicznych układów liczbowych uwarunkowanych przez świat ludzki. Z kolei sama sztuka jest w pewnym stopniu mimesis natury, czyli naśladownictwem zarówno w sensie symulowania jej widocznej powłoki czy poszczególnych zjawisk, jak i w sensie ukazywania jej harmonijnej struktury. Oznacza to, że posąg był jednocześnie mimesis: podążając za naturą, wyrażał ukrytą harmonię wymiarowych relacji liczbowych, ujawniał racjonalność, strukturę itp. tkwiącą w Kosmosie i naturze. Dlatego dla Greka posąg nie tylko odtwarzał widoczną powłokę obrazu osoby, ale także harmonię, rozsądną proporcjonalność, piękno i porządek zawartego w nim świata.
„...Rzeźbiarze, tworząc bogów dłutem, wyjaśniali świat. Jakie jest to wyjaśnienie? Oto wyjaśnienie bogów poprzez człowieka. Rzeczywiście, żadna inna forma nie oddaje lepiej niewidzialnej i niezaprzeczalnej obecności bóstwa w świecie niż ciało mężczyzny i kobiety”, piękno ludzkiego ciała z nieskazitelną doskonałością wszystkich jego części, z jego proporcjami - to to najpiękniejsza rzecz, jaką człowiek może ofiarować nieśmiertelnym bogom, kierując się zasadą: najpiękniejsze - bogom.
Najwcześniejszy Za pomniki uważa się tzw xanas ( od słowa ociosany)– bożki rzeźbione z drewna .
Jeden z pierwszych zachowane greckie posągi – Hera z Samos, OK. połowa VI wieku PNE. (Paryż, Luwr).
Pierwszy był ateńskim rzeźbiarzem, o którym wiemy Antenor, rzeźbione marmurowe posągi Harmodiusza i Arystogeitona, którzy zabili tyrana Hipparcha w 514 rpne, wystawione na akropolu. Posągi zostały zabrane przez Persów podczas wojen grecko-perskich. W 477 p.n.e. Critias i Nesiod odtworzyli rzeźbiarską grupę tyranobójców (il. 98).
Pierwszy, któremu udało się w rzeźbie przenieść środek ciężkości ciała na jedną nogę i nadać bardziej naturalną pozę i gest postaci ludzkiej, był kierownikiem szkoły rzeźbiarskiej w Argos Agelad(6-5 wieków pne). Dzieła rzeźbiarza nie zachowały się.
kreacja pierwsza latająca postać przypisywany rzeźbiarzowi z połowy VI wieku. PNE. z wyspy Chios Arhermu. Wyrzeźbił posąg skrzydlatej „Nike z Delos”, która uosabiała zwycięstwo w bitwie i rywalizacji. Stopy Niki nie dotykały cokołu – rolę stojaka pełniły fałdy trzepoczącego chitonu.
Poliklet. Żył w drugiej połowie V wieku. PNE. Uważano, że najlepiej radzi sobie z wykonywaniem posągów ludzkich. „...Był Pitagorasem rzeźby, poszukującym boskiej matematyki proporcjonalności i formy. Uważał, że wielkość każdej części doskonałego ciała powinna być proporcjonalna do wielkości jakiejkolwiek innej jego części, powiedzmy, palca wskazującego. Uważa się, że w swojej pracy teoretycznej „Kanon” („Miara”) Polykleitos uogólnił podstawowe prawa rzeźbiarskiego obrazu osoby i rozwinął prawo idealnych proporcjonalnych relacji ludzkiego ciała. Po zastosowaniu swojej teorii we własnej twórczości (np. w posągu „Doriphorus” („Włócznik”) (il. 99, 99-a), który cieszył się największą sławą w starożytności), rzeźbiarz stworzył nowy język plastyczny oparty na harmonii fizycznej, na idei postaci ludzkiej jako doskonałego mechanizmu, w którym wszystkie części są ze sobą funkcjonalnie powiązane.
Odkryciem Polikleitosa w rzeźbie jest intersekcjonalność nierównomiernego ruchu ciała (o tym później).
Diadumen (grecki) zwieńczony wstęgą zwycięstwa) (ryc. 100).
MIRON. Urodzony w Eleuther (Boeotia), mieszkał w Atenach. Tworzył rzeźby dla ateńskiego Akropolu, świątyń w Delfach i Olimpii.
· Około roku 470 odlał w brązie najsłynniejszy ze wszystkich posągów sportowców – posąg Dyskoteka Lub Dyskobolista(Muzeum Termalne, kopia) (il. 101); „to całkowity cud męskiej budowy ciała: tutaj dokładnie badane są wszystkie ruchy mięśni, ścięgien i kości biorące udział w działaniu ciała: nogi…”; Myron „...przyglądał się sportowcowi nie przed ani po zawodach, ale w momentach samej walki i w brązie zrealizował swój plan tak dobrze, że żaden inny rzeźbiarz w historii nie mógł go prześcignąć w przedstawieniu męskiego ciała w akcji”. Dyskobolista- to pierwsza próba przekazania ruchu nieruchomemu posągowi: w rzeźbie Myronowi udało się uchwycić ruch jego ręki przed rzuceniem dyskiem, kiedy cały ciężar ciała skierowany jest na prawą nogę, a lewą rękę utrzymuje sylwetkę w równowadze. Technika ta umożliwiła oddanie ruchu form, co pozwala widzowi prześledzić zmianę punktów widzenia.
Dyskobolista- jedyne zachowane (kopia) dzieło rzeźbiarza.
Starożytni uznawali, że Fidiasz najlepiej przedstawiał posągi bogów.
· Około 438 r. syn artysty Fidiasz stworzył słynną statuę „Atena Partenos” (Dziewica Atena). Na 1,5-metrowym marmurowym cokole w Świątyni Ateny Miasta (Partenon) na ateńskim Akropolu stał prawie 12-metrowy posąg bogini mądrości i czystości (il. 95). Fidiasz był jednym z pierwszych rzeźbiarzy, którzy zastosowali innowację z V wieku. BC, – cokół z płaskorzeźbą (scena narodzin Pandory). Fidiasz wykazał się wielką odwagą, wybierając na 160-metrowy fryz rzeźbiarski świątyni nie temat mitologiczny, ale obraz procesji panatenajskiej (gdzie sam lud ateński jest równorzędnym partnerem bogów zajmujących centralną część kompozycji) . Pod kierunkiem Fidiasza i częściowo samodzielnie wykonano dekorację rzeźbiarską. Rzeźbę umieszczono także na frontonach, wzdłuż fryzu zewnętrznej ściany wnętrza.
Oskarżony przez swoich ateńskich wrogów o kradzież Fidiasz został skazany, jednak mieszkańcy Olimpii wpłacili kaucję za mistrza pod warunkiem, że stworzy on posąg Zeusa dla świątyni o tej samej nazwie w słynnym sanktuarium. Tak pojawił się 18-metrowy posąg siedzącego boga piorunów. Na liście „cudów świata” sporządzonej w II wieku. PNE. Drugie miejsce zajął Antypator Sydonu, posąg Zeusa Olimpijskiego. O tym wybitnym zabytku wspominało ponad sześćdziesięciu (!) pisarzy starożytności. Grecki filozof Epiktet radził wszystkim, aby udali się do Olimpii, aby zobaczyć posąg Zeusa, ponieważ nazwał prawdziwym nieszczęściem umrzeć i nie zobaczyć go. Ponad pięć wieków później słynny rzymski mówca Kwintylian napisał: „Piękno posągu wprowadziło nawet coś do ogólnie przyjętej religii, gdyż wielkość stworzenia była godna Boga”.
Uważa się, że posąg Zeusa Olimpijskiego został powtórzony przez anonimowego rzeźbiarza rzymskiego, tworząc posąg Jowisza, przechowywany obecnie w Ermitażu (il. 102).
Los obu pomników jest smutny, ale zdecydowanie nieznany; istnieją informacje, że obaj zostali wywiezieni już w czasach chrześcijańskich do Konstantynopola, Zeus spłonął w pożarze pod koniec V wieku i Atena zmarł na początku XIII w.
Nie ma dokładnych informacji o losach Fidiasza.
PRAKSITEL.
OK. 390-330 PNE. Syn rzeźbiarza, Joński Praksyteles, pracował zarówno w marmurze, jak i brązie, do tego stopnia, że o zamówienia mistrza rywalizowało ponad dziesięć miast.
· Pierwsza starożytna greka nagi Hellenowie z całego Morza Śródziemnego przybywali, aby zobaczyć posąg bogini „Afrodyty z Knidos” (il. 103). Krążyła plotka, że patrząc na kanon kobiecego piękna, jaki już wtedy obowiązywał, mężczyźni popadli w „miłosne szaleństwo”. „...Przede wszystkim dziełami nie tylko Praksytelesa, ale i tych istniejących we wszechświecie w ogóle jest Wenus jego dzieła...” – pisał niemal cztery wieki później rzymski Pliniusz Starszy.
· O drugim, najsłynniejszym posągu - „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem”(il. 97) – zostało już powiedziane na samym początku pytania. Według mitu na rozkaz zazdrosnej Hery tytani porwali nieślubnego syna Zeusa Dionizosa i rozerwali go na kawałki. Babcia Dionizosa Rei przywróciła do życia wnuka. Aby ocalić syna, Zeus poprosił Hermesa, aby tymczasowo przemienił Dionizosa w koźlę lub baranka i przekazał go pięciu nimfom na wychowanie. Rzeźbiarz przedstawił Hermesa w chwili, gdy kierując się w stronę nimf, zatrzymał się, opierając się o drzewo i ofiarował małemu Dionizosowi kiść winogron (ręka posągu zaginęła). Dziecko umieszczono w jaskini na górze Nysa i tam Dionizos wynalazł wino.
Szczególnie zauważamy, że uczniowie Praksytelesa godnie kontynuowali dzieło swojego nauczyciela (il. 107).
Zaczynał jako prosty kotlarz w Sicyonie, a skończył jako nadworny rzeźbiarz Aleksandra Wielkiego. Jak wierzono w starożytności, autor półtora tysiąca posągów. Ustanowił nowy kanon rzeźbiarskich proporcji postaci, wprowadzając lekkie wydłużone proporcje i zmniejszając wielkość głowy. Lysippos zwykł mawiać, że dawni artyści „...przedstawiają ludzi takimi, jakimi są, a on – takimi, jakimi wydają się być”.<глазу>».
· „Apoxiomen” („Oczyszczanie”) (il. 108) - młody mężczyzna za pomocą skrobaczki oczyszcza się z oleju i piasku po wysiłku fizycznym.
Inne znane na całym świecie rzeźby i grupy rzeźb
· Wenus z Milo(il. 109). Epitet „Milo” wynika z faktu, że posąg odnaleziono na wyspie Milo w 1820 roku. Sam posąg, wysoki na ponad dwa metry, pochodzi z końca II wieku. BC, jest „przeróbką” posągu Praksytelesa.
· Nike z Samotraki(il. 110). Znaleziono w XIX wieku. na wyspie Samotraka. Posąg pochodzi z około 190 roku p.n.e., kiedy Grecy z Rodos odnieśli serię zwycięstw nad Antiochem III.
· „Laokoon”(il. 111).
Na przełomie II-I w. PNE. trzej rzeźbiarze – Agesander oraz jego synowie Polidorus i Athenodorus – wyrzeźbili „z jednego kamienia” grupę posągów, która już w starożytności uważana była za „dzieło, które należy preferować w stosunku do wszelkich dzieł zarówno malarstwa, jak i sztuki rzeźbienia w miedzi .”
Fabuła „Śmierci Laokoona i jego synów” związana jest z najsłynniejszym epizodem wojny trojańskiej. Jak wiadomo Grecy, aby przedostać się do obleganego przez siebie miasta, zbudowali ogromnego, wydrążonego drewnianego konia, na którego wspięło się kilkudziesięciu żołnierzy. Do Troi wysłano szpiega, którego uczył Odyseusz, który zwrócił się do króla Priama w formie przepowiedni: „... Jeśli gardzisz tym świętym posągiem, Atena cię zniszczy, ale jeśli posąg trafi do Troi, będziesz w stanie zjednoczyć wszystkie siły Azji, najechać Grecję i podbić Mykeny”. „To wszystko kłamstwo! To wszystko wymyślił Odyseusz” – zawołał Laokoon, kapłan świątyni Posejdona. Bóg Apollo (który był zły na Laokoona za to, że wbrew przysiędze poślubił i urodził dzieci), aby ostrzec Troję przed czekającym ją smutnym losem, zesłał dwa ogromne węże morskie, które najpierw udusiły bliźniaczych synów Laokoona, a następnie, gdy rzucił im się na pomoc, siebie. Ten straszny znak przekonał Trojan, że grecki szpieg mówił prawdę, a król Troi błędnie uznał, że Laokoon został ukarany za wbicie włóczni w drewnianego konia. Konia poświęcono Atenie, a Trojanie zaczęli ucztować, świętując swoje zwycięstwo. Wiadomo dalej: o północy, kierując się światłami sygnalizacyjnymi, Grecy zsiedli z koni i zabili śpiących strażników twierdzy i pałacu Troi.
Oprócz umiejętności komponowania i doskonałości technicznej nowością było ucieleśnienie gustów nowej epoki – hellenizmu: starzec, dzieci, bolesna walka, dogorywające jęki…
Kiedy w 1506 roku w ruinach łaźni cesarza Tytusa w Rzymie odnaleziono „Laokoona”, Michał Anioł stwierdził, że jest to najlepszy posąg na świecie i zszokowany bezskutecznie próbował… postać. Sukces towarzyszył Lorenzo Berniniemu.
El Greco stworzył obraz oparty na fabule Laoocony. Winckelmanna, Lessinga, Goethego.
· Byk Farnese(il. 112, 113, 114, 115). Około 150 roku p.n.e w mieście Thralls, w Caria, bracia rzeźbiarze Apoloniusz i Tauriscus odlali grupę z brązu dla mieszkańców wyspy Rodos, znanej obecnie jako Byk Farnese(znaleziony w Termach Karakalli w Rzymie, odrestaurowany przez samego Michała Anioła i przechowywany przez pewien czas w pałacu Farnese). Według jednej wersji mitu Antiope, córka króla Teb Nyktajosa, zaszła w ciążę z Zeusem i uciekła przed gniewem ojca do króla Sikionu, który ją poślubił, co wywołało wojnę między obydwoma miastami. Tebańczycy zwyciężyli, a wuj Antiope sprowadził Antiope z powrotem do domu. Tam urodziła dwójkę bliźniaków, które natychmiast odebrał jej wspomniany wujek. W Tebach została niewolnicą swojej ciotki Dirki, która traktowała ją okrutnie. Antiope, nie mogąc znieść więzienia, zdołała uciec i spotkać się z dorosłymi synami, którzy brutalnie ukarali Dirkę: przywiązali ją do rogów dzikiego byka, który natychmiast się z nią rozprawił – pod aprobującym okiem zadowolonej Antiope. Dzieło wyróżnia się wirtuozerią w oddawaniu różnych kątów i dokładnością budowy anatomicznej figur.
· Kolos z Rodos.
Tak nazywał się posąg boga Heliosa na wyspie Rodos. Syn jednego z dowódców macedońskiego Antygona, Demetriusz, oblegał Rodos przy użyciu 7-piętrowych wież bojowych, ale został zmuszony do odwrotu, porzucając cały sprzęt wojskowy. Według opowieści Pliniusza Starszego, mieszkańcy wyspy otrzymali z jej sprzedaży fundusze, za które około 280 roku p.n.e. zbudowali ją obok portu. największy posąg starożytnego świata - 36-metrowy bóg Słońca Heliosa autorstwa architekta Charesa, ucznia Lysipposa. Rodyjczycy czcili Heliosa jako patrona wyspy wyniesionej przez bogów z dna morza, a stolica Rodos była jego świętym miastem. Filon z Bizancjum podał, że do wykonania posągu zużyto 13 ton brązu i prawie 8 ton żelaza. Według badań angielskiej uczonej i rzeźbiarki Marion posąg nie został odlany. Jej podstawą były trzy masywne filary postawione na czworokątnych płytach kamiennych i spięte żelaznymi pasami; Od filarów promieniowały we wszystkich kierunkach żelazne pręty, do których zewnętrznych końców przymocowano żelazną ramę - otaczały one kamienne filary w równych odległościach, zamieniając je w ramę. Posąg budowano kawałek po kawałku z glinianego modelu przez ponad dziesięć lat. Według rekonstrukcji Helios miał na głowie koronę w postaci promieni słonecznych, prawą rękę przykładał do czoła, a lewą ręką trzymał płaszcz, który opadał na ziemię i służył jako punkt podparcia. Kolos zawalił się podczas trzęsienia ziemi w 227 (222) p.n.e., a jego fragmenty leżały przez ponad osiem wieków, aż Arabowie załadowali je na 900 (!) wielbłądów i wywieźli „materiały budowlane” na sprzedaż.
· Paeonia należy do posągu bogini Nike (ok. połowa V w. p.n.e.): postać jest pochylona lekko do przodu i równoważona dużym, falującym płaszczem w jaskrawych kolorach (il. 116).
Rzeźba grecka pozostawała w ścisłym związku z architekturą, harmonijnie współistniała. Artyści nie starali się odsuwać pomnika zbyt daleko od budynków. Grecy unikali stawiania pomników na środku placu. Zwykle umieszczano je wzdłuż jej krawędzi lub krawędzi świętej drogi, na tle budynku lub pomiędzy kolumnami. Ale w ten sposób pomnik nie był dostępny do ominięcia i wszechstronnego przeglądu.
Rzeźba Hellady utrzymywała ścisły i harmonijny związek z architekturą. Posągi Atlantydów (ryc. 117) i kariatydy (ryc. 56) zastąpiły kolumny lub inne pionowe wsporniki podtrzymujące belkowy strop.
Atlanta– posągi męskie podtrzymujące sufity budynków przymocowane do ściany. Według mitów grecki tytan, brat Prometeusza, miał utrzymać niebo na skrajnym zachodnim krańcu Ziemi w ramach kary za udział w walce tytanów z bogami.
Kariatyda- rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej. Jeśli na głowie posągu znajdował się kosz kwiatów lub owoców, wówczas nazywano go kanefora(od łac. nosiciel kosza). Pochodzenie słowa „kariatyda” wywodzi się albo od kariatyd – kapłanek świątyni Artemidy w Carii (Kariatyda to także imię nadane księżycowej matce Artemis Caria).
Wreszcie harmonia i koordynacja architektury i rzeźby przejawiała się w dekoracyjnym wykorzystaniu tej ostatniej. Są to metopy zdobione płaskorzeźbami (przęsła między belkami, których końce zamaskowane są tryglifami) (il. 117) oraz frontony z grupami rzeźb (il. 118, 119). Architektura stanowiła ramę dla rzeźby, a sam budynek został wzbogacony organiczną dynamiką rzeźby.
Rzeźby umieszczano na cokołach budynków (Ołtarz Pergamoński) (il. 120, 121), na podstawach i kapitelach kolumn (il. 11), na stelach nagrobnych (il. 122, 123) oraz wewnątrz podobnych stel (il. 122, 123). .68-n), pełniły funkcję stojaków na artykuły gospodarstwa domowego (il. 124, 125).
Były też posągi nagrobne (il. 68-c, 68-d).
Geneza i przyczyny cech rzeźby greckiej
Materiał i jego obróbka
Jednym z niezwykłych przykładów rzeźby z terakoty są figurki gatunkowe i nagrobne odnajdywane w grobach w pobliżu Tanagry (il. 126, 127), miasta we wschodniej Beocji. Terakota(z włoskiego terra – ziemia/glina i cotta – wypalane) nazywane są nieszkliwionymi wyrobami ceramicznymi i mają szerokie zastosowanie. Wysokość figurek wynosi od 5 do 30 centymetrów. Rozkwit tworzenia figurek przypada na III wiek. PNE.
Wykorzystanie kości słoniowej w dziełach sztuki ma długą tradycję w świecie greckim. W okresie klasycznym pojawiła się technika łączenia złota i kości słoniowej – chryzoelefantyna. W szczególności zawiera posągi Fidiasza - Ateny w Partenonie (il. 128) i Zeusa w Olimpii. Na przykład podstawa posągu Ateny została wyrzeźbiona z litego drewna, większość powierzchni pokryta była złotem, części przedstawiające nagie ciało i egidę pokryto płytkami z kości słoniowej. Do drewnianej podstawy przymocowano łuskowate płytki (o grubości około 1,5 mm) obracające się na prętach i można je było usunąć. Kość słoniowa, podobnie jak złoto, została przymocowana do drewnianych łusek. Wszystkie poszczególne części rzeźby – głowa, tarcza, wąż, włócznia, hełm – powstały osobno i przymocowane do podstawy posągu, ustawionej wcześniej i osadzonej na drewnianym cokole, wpuszczonym w kamienny cokół (il. 95). .
Twarz i ręce posągu Zeusa Olimpijskiego z wieńcem na głowie, Nike (Zwycięstwo) w prawej ręce i berłem z orłem w lewej zostały wykonane z kości słoniowej, a ubrania i buty ze złota. Aby chronić kość słoniową przed uszkodzeniami spowodowanymi wilgotnym klimatem Olimpii, kapłani obficie smarowali ją olejem.
Oprócz kości słoniowej do części wykorzystano wielokolorowe materiały. Na przykład gałkę oczną wykonywano z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą (il. 129). Wiele posągów nadal ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników.
Od VII wieku p.n.e. Grecy używali już marmuru (il. 130). Rzeźbiarze często dążyli do swobodnych póz i ruchów, ale obiektywnie były one nieosiągalne w jednym kawałku marmuru. Dlatego często spotyka się posągi składające się z kilku części. Korpus słynnej Wenus z Milo (il. 75) został wyrzeźbiony z marmuru pochodzącego z wyspy Paros, część ubrana została wykonana z innego rodzaju kamienia, ramiona wykonano z oddzielnych części, mocowanych metalowymi klamrami.
System obróbki kamienia.
W okresie archaicznym najpierw nadano bryle kamienia czworościenny kształt, a na jego płaszczyznach rzeźbiarz narysował rzut przyszłego posągu. Następnie zaczął rzeźbić jednocześnie z czterech stron, w warstwach pionowych i płaskich. Miało to dwie konsekwencje. Po pierwsze, posągi wyróżniały się całkowicie nieruchomą, prostą pozą, bez najmniejszego obrotu wokół własnej osi pionowej. Po drugie, niemal wszystkie archaiczne posągi mają na twarzy uśmiech, zupełnie niezależny od sytuacji, jaką przedstawia posąg (il. 131, 132). To dlatego, że metoda przetwarzanie twarzy jako płaszczyzny położonej pod kątem prostym do dwóch pozostałych płaszczyzn głowy doprowadziło do tego, że rysy twarzy (usta, kontur oczu, brwi) zostały zaokrąglone nie w głąb, ale ku górze.
O konstrukcji archaicznej postaci w dużej mierze decyduje metoda pracy rzeźbiarza – wstępne przygotowanie prostokątnego bloku kamienia – nie pozwalało to jednak na przedstawienie postaci np. z uniesionymi ramionami.
Drugi sposób obróbki kamienia związany jest z przejściem od archaicznego do klasycznego i stał się dominujący w rzeźbie greckiej. Istotą metody jest chęć ustalenia objętości ciała, jego krzywizn i przejść. Rzeźbiarz zdawał się chodzić swoim dłutem po całym posągu. Uderzenia archaiki układane były w pionowych rzędach, ciosy klasyków sięgały w głąb, układały się okrągło, po przekątnej w połączeniu ze zwojami, występami i kierunkami formy.
Stopniowo posąg zwrócił się w stronę widza nie tylko z prostą twarzą i profilem, ale także z bardziej złożonymi obrotami w trzech czwartych, nabrał dynamiki i zaczął wydawać się obracać wokół własnej osi. Stała się posągiem, który nie miał tyłu, którego nie można było oprzeć o ścianę ani wstawić we wnękę.
Rzeźba z brązu.
W okresie klasycznym wyrzeźbienie w marmurze nagiej postaci z swobodnie wyciągniętą nogą bez specjalnego wsparcia było bardzo trudne. Dopiero brąz pozwolił na nadanie figurze dowolnej pozycji. Większość starożytnych mistrzów odlała go z brązu (il. 133, 134). Jak?
Zastosowaną metodą odlewania był proces zwany „woskiem traconym”. Figurę uformowaną z gliny pokryto grubą warstwą wosku, następnie warstwą gliny z wieloma otworami, przez które wypływał roztopiony w piecu wosk; Od góry formę wypełniono brązem, aż metal wypełnił całą przestrzeń zajmowaną wcześniej przez wosk. Posąg ochłodzono i usunięto górną warstwę gliny. Na koniec przeprowadzono szlifowanie, polerowanie, lakierowanie, malowanie lub złocenie.
Oczy posągu z brązu inkrustowano szklistą pastą i kolorowym kamieniem, a fryzury lub dekoracje wykonywano ze stopu brązu o innym odcieniu; usta często złocono lub pokrywano złotymi płytkami.
Wcześniej, na przełomie VII-VI w. p.n.e., ze względu na potrzebę oszczędzania brązu, w Grecji rozpowszechniła się technika wykonywania posągów, kiedy drewniane figury przybijano blachami z brązu. Podobna technika była znana na Wschodzie, zamiast brązu używano tylko złota.
Polichromować.
Grecy malowali odsłonięte części korpusu rzeźb w kolorze cielistym, ubrania w kolorze czerwonym i niebieskim, a broń w kolorze złotym. Oczy zostały namalowane na marmurze.
Zastosowanie materiałów kolorowych w rzeźbie. Oprócz połączenia złota i kości słoniowej Grecy używali wielobarwnego materiału, ale głównie w detalach. Na przykład gałka oczna była wykonana z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą. Wargi posągu z brązu były często złocone lub pokryte złotymi płytkami. Wiele greckich posągów ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników. Figurki Tanagry były w całości pomalowane, zwykle w odcieniach fioletu, błękitu i złota.
Rola kompozycji plastycznej.
Przez cały czas jednym z najważniejszych problemów stojących przed rzeźbiarzem było obliczenie kształtu i wielkości cokołu oraz dopasowanie posągu i cokołu do krajobrazu i oprawy architektonicznej.
Hellenowie na ogół preferowali niezbyt wysokie cokoły. W V wieku PNE. jego wysokość zwykle nie przekraczała poziomu klatki piersiowej osoby średniej wielkości. W następnym stuleciu cokoły miały najczęściej kształt schodkowy, złożony z kilku poziomych płyt.
Rzeźbiarz już na początku swojej pracy musiał wziąć pod uwagę punkt widzenia, z którego będzie postrzegany posąg, optyczną relację pomiędzy posągiem a widzem. W ten sposób rzemieślnicy dokładnie obliczyli efekt optyczny posągów umieszczonych na frontonie. Na Partenonie skrócono dolną część postaci siedzących posągów i wydłużono górną część ciała. Jeśli postać znajdowała się w ostrym przechyleniu, wówczas jej ręce i nogi ulegały skróceniu lub wydłużeniu, w zależności od pozycji sylwetki.
Motywy ruchu w rzeźbie
Rzeźba archaiczna znała tylko jeden rodzaj ruchu – ruch działania. Uzasadniało to motyw jakiegoś działania: bohater rzuca dyskiem, bierze udział w bitwie, zawodach itp. Jeśli nie ma żadnej akcji, posąg jest całkowicie nieruchomy. Mięśnie podano jako uogólnione, tułów jest nieruchomy, ręce i nogi działają w jakiś sposób jeden stronę ciała.
Poliklet uważany jest za wynalazcę innego rodzaju ruchu. Esencja „ruch przestrzenny” w tym sensie, że oznacza ruch w przestrzeni, ale bez widocznego celu, bez określonego motywu tematycznego. Ale wszystkie członki ciała pędzą albo do przodu, albo wokół własnej osi.
Grecki rzeźbiarz starał się „przedstawić” ruch. Pokazywał gesty, chód, napięcie mięśni Funkcje ruchy.
Rzeźba grecka uosabia harmonię ludzkiej woli i ciała, rzeźba gotycka ucieleśnia energię emocjonalną człowieka, rzeźbę Michała Anioła charakteryzuje walka woli i uczuć. Rzeźba grecka często unika nadmiernego napięcia fizycznego, a jeśli już z niego korzysta, to zawsze jest prosta i jednostronna. Przeciwnie, Michał Anioł maksymalnie napina mięśnie i to w różnych, czasem przeciwnych kierunkach. Stąd geniusz renesansu miał swój ulubiony ruch spiralny, rotacyjny, postrzegany jako głęboki konflikt psychologiczny.
Dowiedz się więcej o ewolucji rodzajów ruchu.
Poszukiwanie dynamiki zaczyna się od stóp posągu. Pierwszą oznaką ruchu jest ruch lewej nogi do przodu. Całą podeszwą twardo stąpa po podłożu. Ruch rejestrowany jest tylko na szkielecie i kończynach. Ale przez cały okres archaiczny tułów pozostaje nieruchomy. Ramiona i nogi działają po jednej stronie ciała, prawej lub lewej.
W epoce klasycznej Poliklet rozwiązuje problem ruchu poprzecznego. Jego istotą jest nowa równowaga organizmu. Jego ciężar spoczywa na jednej nodze, druga jest wolna od funkcji podporowych. Rzeźbiarz cofa wolną nogę, dotykając ziemi jedynie czubkami palców. W rezultacie prawa i lewa strona ciała w kolanach i biodrach znajdują się na różnych wysokościach, ale aby zachować równowagę, ciała znajdują się w odwrotnej proporcji: jeśli prawe kolano jest wyżej niż lewe, to prawe ramię jest niżej niż lewy. Ruchoma równowaga symetrycznych części ciała stała się ulubionym motywem sztuki starożytnej (il. 135).
U Mirona w „Discoballu” cały ciężar ciała spada na prawą nogę, lewa ledwo dotyka podłoża.
Pod koniec IV wieku. PNE. Lizyp zapewnia maksymalną swobodę ruchu. Ruch ciała rozwija się po przekątnej („zapaśnik Borghesa”), może obracać się wokół własnej osi, a kończyny są skierowane w różnych kierunkach.
Plastyczna ekspresja rzeźby klasycznej.
W epoce hellenistycznej pojawiło się pragnienie maksymalnej wyrazistości, energetycznych wypukłości i zakamarków formy. Tak pojawiły się mięśnie sportowca Herkulesa (ryc. 136).
Zwiększona jest dynamika tułowia. Zaczyna się wyginać w lewo i prawo. W Apoksyomen Lysippos (il. 82) związek pomiędzy elementami podpartymi i wolnymi okazuje się niemal nieuchwytny. W ten sposób powstało nowe zjawisko – absolutnie okrągły posąg, po którym trzeba chodzić. Na koniec zwróćmy uwagę na charakterystyczną cechę rzeźby greckiej – przewagę ruchu od środka na zewnątrz, w stronę celu zewnętrznego.
Greccy rzeźbiarze najpierw zindywidualizowali posiedzenie statua. Podstawą zmiany jakościowej jest zupełnie inne umiejscowienie posągu. Wrażenie indywidualnej postawy polega na stworzeniu opcji, gdy osoba siedzi na czubku siedziska nie całym ciałem i nie całym siedziskiem. Zrelaksowana i swobodna pozycja powstała, gdy siedzenie znalazło się niżej niż kolana osoby siedzącej. Powstało bogactwo kontrastów – skrzyżowane ręce, skrzyżowane nogi, ciało siedzącej osoby obraca się i pochyla.
Ubrania i draperie.
Koncepcję twórczą rzeźbiarza wyznacza ważny problem - ubiór i draperie. Jego elementy aktywnie uczestniczą w życiu posągu i jego ruchu - charakter ubioru, rytm jego fałd, sylwetka, rozkład światła i cienia.
Jednym z głównych celów draperii w rzeźbie jest cel funkcjonalny ubioru (to znaczy jego związek z ludzkim ciałem). W rzeźbie greckiej cel ten znalazł najżywsze ucieleśnienie. W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania, zgodnie z rytmem swoich fałd, powtarzały się, podkreślały, uzupełniały, a czasem zmieniały kształty i ruchy ciała (il. 136-a).
W swobodnej interpretacji ubioru bardzo pomogła sama natura greckiego ubioru. Prostokątny lub okrągły kawałek materiału otrzymał swój kształt dopiero od ułożonego na nim ciała. To nie krój, ale sposób noszenia i użytkowania decydował o charakterze ubioru. Podstawowe zasady ubioru pozostały prawie niezmienione. Zmienił się jedynie materiał, wysokość paska, sposób drapowania, kształt klamry itp.
Styl klasyczny rozwinął podstawową zasadę draperii. Długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie ukrywają nogę podpierającą, swobodna nogawka modelowana jest poprzez ubranie z lekkimi fałdami. W połowie V wieku. PNE. Rzeźbiarze rozwiązali także ten problem – ukazując ciało poprzez ubranie we wszystkich jego krągłościach.
Draperia była bogata i różnorodna, ale rzeźba nie miała emocjonalnej interpretacji ubioru. Artyści ucieleśniali bliski kontakt ubioru z ciałem, jednak nie było związku między ubraniem a stanem psychicznym człowieka. Ubiór charakteryzował działalność posągu, ale nie odzwierciedlał jego nastrojów i przeżyć.
We współczesnej odzieży europejskiej punktem podparcia są ramiona i biodra. Odzież grecka Inny w istocie: nie pasuje - to drapowany. Plastyczność draperii ceniono znacznie wyżej niż koszt tkaniny i piękno ozdoby, piękno ubioru tkwiło w jej wdzięku.
Grecy jońscy jako pierwsi zastosowali draperie jako element rzeźbiarski. W rzeźbach egipskich ubrania są zamrożone. Hellenowie zaczęli przedstawiać fałdy materiału, wykorzystując ubrania, aby ukazać piękno ludzkiego ciała.
W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały się, podkreślały i uzupełniały kształty i ruchy ciała rytmem ich fałd.
Podstawową zasadą draperii helleńskiej jest to, że długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie zakrywają nogę podpierającą, wolną nogę modeluje się poprzez ubranie z lekkimi fałdami.
Ogólnie draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca rzeźbie greckiej. Kontakt odzieży z ciałem nie był powiązany ze stanem umysłu danej osoby. Ubrania charakteryzowały działalność posągu, ale nie odzwierciedlały jego nastrojów i przeżyć.
Grupa rzeźbiarska (posągowa). Jeśli sens kompozycji ujawni się tylko z jednego punktu widzenia, posągi są od siebie odizolowane, niezależne, można je od siebie odsuwać, ustawiać na osobnych cokołach, tak aby w efekcie końcowym istniały niezależnie od siebie. innej, to takiej kompozycji nie można nazwać autentyczną grupą posągową. W Grecji w epoce stylu klasycznego grupa rzeźbiarska osiąga etap ucieleśniania ludzkich relacji między postaciami, wspólnego działania i wspólnego doświadczenia.
Problem światła w rzeźbie.
Światło w rzeźbie (podobnie jak w architekturze) wpływa nie tyle na samą formę, co na wrażenie, jakie oko odbiera od niej. Relacja pomiędzy światłem a formą plastyczną determinuje obróbkę powierzchni. Po drugie, ustawiając rzeźbę, artysta musi wziąć pod uwagę określone źródło światła. Materiały o chropowatej i nieprzejrzystej powierzchni (drewno, częściowo wapień) wymagają bezpośredniego światła (nadaje to formom wyraźny i wyrazisty charakter). Marmur charakteryzuje się przezroczystym światłem. Główny efekt rzeźb Praxitelesa opiera się na kontraście światła bezpośredniego i przejrzystego.
Portret rzeźbiarski
Rzeźba okresu archaicznego, zgodnie z egipską zasadą frontalności, była sakralna; rzeźby współczesnych były dozwolone w przypadkach, gdy zostały uświęcone śmiercią lub zwycięstwem w zawodach sportowych. Pomnik ku czci zwycięzcy olimpijskiego nie przedstawiał konkretnego mistrza, ale takiego, jakim był chciałbym być. Delficki woźnica, jest to np. idealny, a nie konkretny portret zwycięzcy konkursu.
Przedstawiona płaskorzeźba nagrobna Tylko osoba.
Dzieje się tak dlatego, że harmonijny rozwój fizyczny i duchowy był przez Greków postrzegany jako warunek osiągnięcia zarówno harmonii estetycznej, jak i obywatelsko-bohaterskiej użyteczności człowieka. Dlatego starożytnym wydawało się całkowicie naturalne ucieleśnianie w posągach, na przykład sportowców, nie indywidualnych cech konkretnej osoby, ale istotnych, typowych, wartościowych i uniwersalnych cech doskonałej osoby (lub każdej osoby): siły, zręczność, energia, proporcjonalna uroda ciała itp. Indywidualność była postrzegana jako przypadkowe odchylenie od normy. Dlatego nie tylko sztuka grecka, ale cała sztuka starożytna była wolna od prywatności, zwłaszcza w wizerunkach legendarnych bohaterów i bogów.
Do tego należy dodać, dlaczego przez długi czas zadania indywidualnej mimiki były obce rzeźbie greckiej. Był to kult nagości ciało oraz wypracowanie unikalnego ideału głowy i twarzy (tzw Profil grecki) – kontur nosa w linii prostej stanowi kontynuację konturu czoła (il. 137, 138).
Na koniec zwróćmy uwagę na paradoksalną rzecz: w Grecji przywiązywano dużą wagę do jednostki, wyjątkowości, z drugiej strony, na przykład portretu, uważano go za przestępstwo państwowe. Bo rolę jednostki w klasycznej kulturze starożytnej pełni „bohater zbiorowy” – polis.
Istniały dwa główne typy przedstawiania postaci z epoki archaicznej: surowa, młodzieńcza, naga, wysportowana postać z zaciśniętymi pięściami - kuros(il. 139, 140, 141) i skromnie ubrana kobieta, jedną ręką podnoszącą fałdy sukni, a drugą ofiarowującą bogom pewien dar - kora(il. 142, 143). W ten sposób można przedstawić zarówno zwykłych śmiertelników, jak i bogów. W dzisiejszych czasach kourosy często nazywano „Apollosem”; obecnie przyjmuje się, że były to wizerunki sportowców lub nagrobki. Lekko wysunięta do przodu lewa noga kouros wskazuje na wpływy egipskie. Kora ( grecki. dziewczyna) to nowoczesne określenie postaci kobiecych epoki archaicznej. Rzeźby te służyły jako wota przynoszone do sanktuarium. W przeciwieństwie do kouros, figurki kor były udrapowane.
W pierwszej połowie V w. PNE. wykształcił się określony typ twarzy: zaokrąglony owal, prosty grzbiet nosa, prosta linia czoła i nosa, gładki łuk brwi wystający ponad migdałowe oczy, raczej pulchne usta, brak uśmiechu. Włosy potraktowano miękkimi, falistymi pasmami podkreślającymi kształt czaszki („Delphic Charioteer”).
Brat Lysipposa, Lysistratus, jako pierwszy wyrzeźbił twarze na podobieństwo portretów, w tym celu wykonał nawet gipsowe odlewy żywych twarzy.
W drugiej połowie V w. PNE. Poliklet opracował prawo idealnych proporcjonalnych składników ciała ludzkiego. W rzeźbie wszelkie proporcje ludzkiego ciała zostały obliczone w najdrobniejszych szczegółach. Ręka – 1/10 wysokości, głowa – 1/8, stopa i głowa z szyją – 1/6, ramię do łokcia – ¼. Czoło, nos i usta wraz z brodą są równej wysokości, od czubka głowy do oczu - tak samo jak od oczu do końca brody. Odległość od czubka głowy do pępka i od pępka do palców stóp oblicza się w taki sam sposób, jak odległość od pępka do palców u nóg do pełnej wysokości – 38:62 – „złoty podział”.
Posągów rzymskich nie można mylić z greckimi. Rzymianie całą swoją siłę mają w twarzy, a ciało jest pod nią tylko podporą; gdy konieczna była wymiana posągu cesarza, można było zdjąć starą głowę i przymocować nową. W języku greckim każdy szczegół ciała odpowiada wyrazowi twarzy.
Ale wyraz twarzy rzeźby klasycznej był uogólniony i niejasny. Na przykład archeolodzy czasami popełniali błędy, próbując określić płeć na podstawie głów posągów. W portrecie Peryklesa rzeźbiarz Kresilaus ograniczył się do idealnej, tradycyjnej budowy głowy (zamaskującej zwężającą się ku górze głowę Peryklesa hełmem) (il. 144).
W V wieku PNE. pojawia się formularz portretowy - herma(145, 146, 147) - czworościenny filar zwężający się ku dołowi, zwieńczony lekko stylizowanym portretem. Czasami hermy kończyły się dwiema głowami (filozofów, poetów) - takie hermy umieszczano w bibliotekach i domach prywatnych.
Portrety greckie, także pełnometrażowe, pojawiają się dopiero w drugiej połowie IV wieku. PNE. Sztuka klasyczna ucieleśniała charakter człowieka i właściwości Boga nie poprzez wyraz twarzy czy mimikę, ale poprzez pozę, chód i określone cechy.
Ogólnie rzecz biorąc, dominującą właściwością greckiego portretu jest wyraz woli, chęć działania. Ale prawie nic nie można powiedzieć o uczuciach i doświadczeniach przedstawionych osób. Portret skierowany był do obywateli i potomności. Wyraz uśmiechu czy zapomnienia był obcy portretowi greckiemu. W Grecji praktycznie nie ma portretów kobiet, większość mistrzów przedstawiała naukowców i artystów.
O ikonografii stworzeń boskich i mitologicznych.
W czasach starożytnych bożkiem był prosty kamienny lub drewniany filar.
W drewnie poświęcony xoanakh, wielkości mężczyzny, nieruchomy, z zamkniętymi oczami i rękami przyciśniętymi do boków, pomalowany na biało lub cynobrem, główne artykulacje postaci ludzkiej są już zarysowane. Według A. Bonnarda, prymitywny Grek, prymitywnie wycinając wizerunki bogów, aby im oddawać cześć, mimo to nadawał im ludzki wygląd - oznaczało to wyczarowywanie ich, pozbawianie ich szkodliwej mocy.
Następnie zaczęto podkreślać górną część ciała, dolna zachowała swój pierwotny kształt. Tak wyglądały te wczesne hermy– bożki poświęcone Hermesowi (il. 147-a). Umieszczano je w miejscach publicznych zarówno w celach dekoracyjnych, jak i jako znaki graniczne i oznaczniki do pomiaru odległości między osadami.
Spójrzmy na przykład rzeźb Afrodyty (rzymskiej Wenus), aby zobaczyć, jakie zmiany w plastycznym wcieleniu wizerunku bogini (ciało, ubranie, draperia, akcenty) miały miejsce. Według mitu Afrodyta (dosł. „zrodzony z pianki”), bogini miłości, piękna, wiecznej wiosny i życia, małżeństw i heter, wyłoniła się nago z morskiej piany i na muszli dotarła do brzegu (il. 148, 149).
U Wenus z Milo talia osy jest niezgodna z pełnym ciałem i stromymi biodrami. Venus Calipiga („Wenus z pięknymi pośladkami”) nadal przyciąga widzów, tylko teraz w Muzeum Archeologicznym w Neapolu ( chory. . 150). Greccy koloniści podziwiali jego klasyczne proporcje i cechy Afrodyta z Syrakuz(il. 151), a Rzymianie - Wenus Belweder(il. 152) i Wenus Kapitolińska(il. 152-a).
...Po około dwóch tysiącleciach jednym z najważniejszych dzieł wybitnego rzeźbiarza Antonia Canovy stanie się pełnometrażowy rzeźbiarski wizerunek księżniczki Paoliny Borghese, siostry cesarza Napoleona, w postaci bogini Wenus Vitrix (il. 152 -B). Wcielanie się kobiety w obraz Wenus miało miejsce także w malarstwie (il. 152-c).
Silena, w mitologii miłośnik muzyki, tańca, a później wina, może być przedstawiany z końskimi uszami, ogonem i kopytami, może być istotą mądrą, przyjazną lub może być lubieżna (il. 153-a).
W epoce hellenistycznej pojawiły się kolosalne posągi bogów. Był to Kolos z Rodos – posąg boga Heliosa na wyspie Rodos (wspomniano już wcześniej).
Relief, jego rodzaje, styl i typ klasyczny.
Uważa się, że grecki relief powstał z dwóch źródeł: z konturu, rysunku sylwetki oraz z okrągłego posągu. Podstawową zasadą reliefu jest to, że wszystkie jego najbardziej wypukłe części znajdują się, jeśli to możliwe, na pierwotnej powierzchni kamiennej płyty.
Do ukształtowania się klasycznego stylu reliefu przyczyniły się dwie techniki: obraz postaci ludzkiej w obrocie o trzy czwarte (jak gdyby połączenie kontrastu profilu i frontu) oraz optyczna redukcja obiektu w przestrzeni (skrócenie perspektywiczne).
Rodzaje ulgi. Typ klasyczny powstał w Grecji. Jego charakterystyczne cechy są następujące. Płaskorzeźba przedstawia zazwyczaj tylko osobę i stara się zachować czystość przedniej i tylnej płaszczyzny. Tylna powierzchnia to abstrakcyjne tło, gładka, wolna płaszczyzna. Dla przodu (wyimaginowanego) jest to typowe: postacie ukazane są w jednym planie, przesuwając się obok widza, wszystkie wypukłe części postaci są skupione dokładnie na płaszczyźnie przedniej. Po drugie, mistrzowie pragną trzymać głowy wszystkich postaci na tej samej wysokości (nawet gdy niektóre postacie stoją, inne siedzą) i unikać wolnej przestrzeni nad ich głowami. Po trzecie, nie ma specjalnego obramowania, zazwyczaj jest to lekko profilowana podstawa pod figury.
Od IV wieku PNE. Na nagrobkach znajdują się płaskorzeźby (il. 154). Groby rodzinne przedstawiały sceny z życia zmarłych.
Zadanie wypełniania metop figurami reliefowymi wiązało się z koniecznością łączenia w pary – dlatego ulubionym tematem rzeźb metopowych stały się walki, zwłaszcza pomiędzy ludźmi a centaurami lub amazonkami. Fryz joński charakteryzował się ciągłością, dlatego naturalnym tematem stała się procesja lub spotkanie. A ponieważ puste przestrzenie między głowami zaburzyłyby wrażenie ciągłości, powstaje izokefalia– wymóg przedstawienia wszystkich głów na tej samej wysokości.
Płaskorzeźba wotywna (poświęcająca) istniała także w Grecji (il. 156).
W jednym z hymnów homeryckich znajduje się wzmianka o narodzinach Dionizosa w pobliżu rzeki Alfeusz, która przepływa przez Olimpię. Posąg Hermesa odnaleziono stosunkowo niedawno w olimpijskiej świątyni Hery, w 1877 roku.
Tam. s. 221.
Dekret Duranta V. op. s. 331.
Tam. s. 332, 331.
Prawdziwym nieszczęściem był dekret (edykt) władcy Królestwa Ostrogotów we Włoszech, Teodoryka, w sprawie zniszczenia świątyni Zeusa w Olimpii.
Kwintylian. Edukacja mówcy. XII, 10.7.
Zobacz: Sokołow G.I. Olimpia. M.: Sztuka, 1981. s. 147.
Według jednej wersji około 360 r. p.n.e. miasto Kos zamówiło rzeźbę Afrodyty z kamienia. Ale podczas egzekucji posągu mieszkańcy Kos byli oburzeni: bogini była naga. Następnie miasto Knidos kupiło posąg.
Rzymska kopia Afrodyty z Knidos znajduje się w Muzeum Watykańskim.
Wyjaśniono według: Graves R. Mity starożytnej Grecji. M.: Postęp, 1992. s. 73-74.
Pliniusz Starszy. Naturalna nauka. XXXIV, 65.
Tam. XXXVI, 37.
Stwierdzono zgodnie z: Dekretem Gravesa R. op. s. 514-516.
Sztuka Świata. Starożytne cywilizacje: słownik tematyczny. M.: Kraft, 2004. s. 374.
Albo z legendy, która głosi, że wszystkie kobiety z regionu Caria w Azji Mniejszej zostały sprzedane w niewolę za wsparcie Karian dla Persów podczas wojny - a kariatydy stały się tego obrazem. Zobacz: Dekret Gravesa R. op. s. 153.
Na przykład posąg boga snu Hypnosa.
Bonnar A. Cywilizacja grecka. s. 211.
Mademoiselle Lange, przedstawiona na obrazie, była aktorką.
Drugi typ płaskorzeźby miał miejsce w epoce hellenistycznej. Swobodny („malowniczy”) relief to negacja płaszczyzny tła, złączenie figur z tłem w jedną optyczną całość. Ten typ nie jest powiązany z normami równości głowy ( izokefalia), tło często przedstawia krajobraz lub struktury architektoniczne
Rozkwit sztuki starożytnej Grecji. Sztuka starożytnej Grecji osiągnęła swój szczyt w V-IV wieku p.n.e. mi. To właśnie w tym stosunkowo krótkim czasie powstało wiele najwspanialszych dzieł sztuki greckiej, które do dziś zdobią wiele muzeów na całym świecie. W tym okresie swoje dzieła tworzyli znani greccy mistrzowie: architekci, rzeźbiarze, artyści. W Atenach i innych miastach Grecji wznoszono arcydzieła architektury, które na wiele stuleci stały się standardem piękna i wzorami do naśladowania.
Architektura starożytnej Grecji. Grecy przywiązywali dużą wagę do wyglądu swoich miast i dbali o ich dekorację. Budowali majestatyczne świątynie i wspaniałe budynki użyteczności publicznej, dekorowali place portykami z białego marmuru i wieloma pięknymi rzeźbami.
Najważniejszymi budynkami każdego starożytnego greckiego miasta były świątynie, zwłaszcza te poświęcone bogu patronowi miasta. W świątyniach Hellenowie nie tylko składali ofiary bogom, ale także przechowywali skarbiec miasta, składali w ofierze drogie dary i trofea wojenne. W święta na placu przed świątyniami odbywały się wspaniałe ceremonie i uroczyste procesje. Mieszczanie starali się, aby ich kościoły były jak najbardziej eleganckie. W ich budowę zaangażowani byli najlepsi budowniczowie i architekci, rzeźbiarze i artyści, wykorzystano najdroższy śnieżnobiały marmur. Świątynie były najpiękniejszymi budynkami w każdym greckim mieście. Świątynia była zwieńczeniem starożytnej architektury greckiej. Uosabiał wszystkie najlepsze osiągnięcia budowniczych i architektów Hellady. Wzniesiona została na kamiennej platformie schodkowej i miała kształt prostokąta. Zwieńczony był u góry szerokim dachem dwuspadowym wspartym na rzędach wysokich kolumn. Początkowo były bardzo mocne i zwieńczone kwadratową płytą. Takie kolumny nazywano doryckimi. Później Grecy nauczyli się rzeźbić cieńsze i smuklejsze kolumny jońskie, wyróżniające się dwoma wdzięcznymi kamiennymi lokami wieńczącymi je na górze.
Ryż. Kolumny doryckie i jońskie
Świątynia grecka miała dwa frontony. Zdobiono je zazwyczaj posągami i płaskorzeźbami. Wewnątrz każdej greckiej świątyni znajdował się posąg bóstwa, któremu była poświęcona. Najdoskonalszym przykładem świątyni greckiej jest Partenon, wzniesiony na Akropolu w Atenach w V wieku p.n.e. mi. architekt Kallikrates i słynny rzeźbiarz Fidiasz.
Ryż. Partenon
Rzeźba. Rzeźbiarze przedstawiali nie tylko bogów i bohaterów, ale także wielkich ludzi, sławnych generałów, znanych aktorów, dramaturgów i sportowców. Grecy dekorowali posągami place i centralne ulice miast, świątynie, budynki użyteczności publicznej i teatry. Na przykład w Atenach za czasów Peryklesa było ich tak dużo, że Hellenowie nawet żartowali: „W Atenach jest więcej posągów niż mieszkańców”. Materiał, z którego rzeźbiarze wykonywali swoje dzieła, był bardzo różnorodny. Rzeźbiono je z drewna, rzeźbiono z marmuru, odlewano z miedzi i brązu. Posągi marmurowe malowano zazwyczaj na kolor cielisty, a drewniane często pokrywano cienkimi płytkami z kości słoniowej, co nadawało im także odcień ludzkiej skóry. W oczy rzeźb często osadzano błyszczące klejnoty. Starożytni greccy rzeźbiarze nauczyli się nie tylko dokładnie oddawać postacie ludzkie, ale także przedstawiać je w ruchu. Na twarzach swoich bohaterów starali się uchwycić napięcie walki, radość zwycięstwa i gorycz porażki. Współcześni twierdzili, że posągi największych greckich mistrzów były tak doskonałe, że sprawiały wrażenie żywych. Rzeźbiarze w swoich pracach starali się ucieleśniać obrazy, które budzą nie tylko podziw, ale także chęć bycia takimi jak oni. Gloryfikowali piękną, zdrową, harmonijnie rozwiniętą osobę i piękno jej ciała. Ideałem prawdziwego obywatela byli silni mężczyźni – wojownicy, obrońcy i wojownicy – z potężnymi, wydatnymi mięśniami. Rzeźby kobiece były ucieleśnieniem wdzięku i piękna.
Ryż. Bogini Atena. Starożytna grecka rzeźba
Jednym z najwybitniejszych starożytnych rzeźbiarzy greckich był Fidiasz, który brał udział w budowie majestatycznego Partenonu i stworzył słynny posąg bogini Ateny, który zdobił ateński Akropol. Za najlepsze dzieło słynnego mistrza Grecy uważali 12-metrowy posąg Zeusa, wykonany dla świątyni tego boga w mieście Olimpia. Fidiasz wykonał ramę z drewna, pokrył twarz, ramiona i klatkę piersiową rzeźby płytami z kości słoniowej, a szaty, włosy i brodę Zeusa odlał z czystego złota. Grecy uważali posąg Zeusa Olimpijskiego za jeden z cudów świata.
- Jakie jeszcze cuda świata znasz?
Starożytne greckie malarstwo. W przeciwieństwie do dzieł rzeźbiarzy, dzieła starożytnych greckich artystów z trudem dotarły do naszych czasów. Wiemy o nich głównie ze słów starożytnych autorów. W Helladzie rozwinęła się sztuka malowania na glinie i deskach. Wiele zamożnych ludzi w Grecji miało swoje domy ozdobione kolorowymi freskami i wyszukanymi mozaikami.
Ryż. Filozofowie greccy. Starożytna mozaika
Rozwój malarstwa starożytnej Grecji możemy ocenić na podstawie zachowanych dzieł malarzy wazowych. Malowali zazwyczaj sceny z mitów i legend, wizerunki bogów i bohaterów Hellady oraz epizody bitew pomiędzy Hellenami a barbarzyńcami. Artyści często czerpali wątki z Odysei i Iliady, a także przedstawiali to, co widzieli w życiu codziennym. W VI wieku p.n.e. mi. Vaso-skrybowie nanosili wzory na wazony specjalnie przygotowanym czarnym lakierem. Tłem dla tych obrazów był naturalny czerwonawy kolor glinianych naczyń. Takie wazony są zwykle nazywane wazonami z czarnymi figurami. Później, pod koniec VI wieku p.n.e. e. tło obrazu zaczęto malować czarnym lakierem, ale dla postaci pozostawiono kolor gliny. Takie rysunki okazały się bardzo szczegółowe, a ciała ludzi nabrały bardziej naturalnego czerwonawego koloru. Wazony te nazywane są wazonami czerwonofigurowymi. Lakier używany przez malarzy wazowych był bardzo trwały, nie blakł na słońcu i nie odpryskiwał z biegiem czasu. Naczynia, które namalował, do dziś wyglądają, jakby właśnie wyszły z rąk starożytnego mistrza.
Ryż. Wazon z czarną figurą
Ryż. Wazon czerwonofigurowy
Światowe znaczenie sztuki starożytnej Grecji. Sztuka Hellady odcisnęła piętno na sztuce wielu narodów świata. Największe arcydzieła architektury starożytnej Grecji stały się wzorami do naśladowania dla wielu pokoleń architektów starożytnych i współczesnych. Wzorem swoich prostych, ale jednocześnie bardzo majestatycznych i surowych budowli wznosili własne budowle. I do dziś w wielu otaczających nas nowoczesnych budynkach możemy zobaczyć elementy starożytnego greckiego stylu architektonicznego: frontony, fryzy, portyki i kolumny.
Nie mniejszy wpływ na rozwój sztuki światowej miały greckie malarstwo i rzeźba. Artyści i rzeźbiarze z wielu krajów świata tworzyli swoje dzieła w oparciu o motywy greckich mistrzów, często je naśladując, a nawet kopiując.
Podsumujmy to
V-IV wieki p.n.e mi. były okresem największego rozkwitu sztuki starożytnej Grecji. Prace starożytnych greckich mistrzów wywarły ogromny wpływ na rozwój sztuki wielu krajów i narodów.
Szczyt- trójkątna przestrzeń pomiędzy dachem dwuspadowym a okapem budynku.
V-IV wieki p.n.e mi. Rozkwit sztuki starożytnej Grecji.
Pierwsza połowa VI wieku p.n.e. mi. Wygląd ceramiki czarnofigurowej.
Druga połowa VI wieku p.n.e. mi. Wygląd ceramiki czerwonofigurowej.
Pytania i zadania
- W jakich stuleciach rozkwitła sztuka starożytnej Grecji? Korzystając z podpisów ilustracji i tekstu podręcznika, wymień słynnych mistrzów starożytnej Grecji i ich dzieła sztuki.
- Opisz budowę starożytnej greckiej świątyni.
- Jakie cechy mężczyzn i kobiet starali się ucieleśnić w swoich dziełach greccy rzeźbiarze? Co było tego przyczyną?
- Kiedy powstała ceramika czarnofigurowa i czerwonofigurowa i czym się różniły?