L'uomo ha sempre cercato la bellezza, l'armonia e l'espressione di sé. Questo desiderio fin dai tempi antichi si manifesta in pittura- una forma d'arte, le prime opere di cui possiamo incontrare nell'uomo primitivo.
Pittura trasmette immagini visive applicando vernici su una base solida o flessibile (tela, legno, carta, cartone). A seconda delle vernici e dei materiali utilizzati, le basi si distinguono per diverse tecnologia E tipi di pittura. Tra loro:
- olio;
- tempera;
- smalto;
- guazzo;
- pastello;
- inchiostro;
- pittura su intonaco: affresco ea secco;
- acquerello;
- pennello asciutto;
- acrilico;
- media misti
- e molti altri.
Esistono molte tecniche pittoriche. Tutto ciò che lascia traccia su qualcosa, in senso stretto, è pittura: la pittura è creata dalla natura, dal tempo e dall'uomo.
Il colore nella pitturaè uno dei mezzi espressivi più importanti. Lui stesso può essere portatore di una certa idea, inoltre, può rafforzare ripetutamente il pensiero incorporato nella trama dell'immagine.
La pittura può risvegliare in noi un'ampia varietà di sentimenti ed emozioni. Contemplando, puoi riempirsi di un senso di armonia e pace, alleviare lo stress E immergersi nella contemplazione, Posso ricaricare le batterie e la volontà di realizzare i tuoi sogni. Un'immagine emotivamente vicina è in grado di attirare l'attenzione per ore e il proprietario di tale immagine troverà ogni volta nuovi significati, idee e messaggi dell'artista. La contemplazione è una forma di meditazione in cui ti immergi nel tuo mondo interiore e trascorri il tempo tanto necessario per te stesso.
Oltretutto, pittura come ogni altra forma d'arte, ti aiuta ad esprimerti, le tue emozioni e il tuo umore, allevia lo stress e la tensione interiore e talvolta trova risposte a domande importanti.
Per molte persone dipingere diventa non solo un passatempo piacevole, ma anche un passatempo utile che ha un effetto benefico sullo stato interno. Creando qualcosa di nuovo, una persona rivela il suo potenziale, realizza le sue capacità creative, conosce se stesso e il mondo che lo circonda.
I corsi di pittura attivano il diritto(creativo, emotivo) emisfero cerebrale. Questo è molto importante nella nostra epoca ragionevole e razionale. Sbloccare le tue capacità creative ti aiuta a raggiungere il successo in aree della vita completamente diverse.(carriera, relazioni, crescita personale) poiché creatività e flessibilità diventano parte della tua personalità.
Forse da bambino amavi disegnare, ma i tuoi genitori non volevano mandarti alla scuola d'arte? Oppure hai sempre sognato di poter esprimere magnificamente i tuoi pensieri con l'aiuto di immagini visive? "Non è mai troppo tardi per imparare a dipingere!" dicono gli insegnanti moderni. Con l'attuale varietà di tecniche, generi e materiali, ognuno può trovare qualcosa di adatto a sé. E impara le basi della composizione e naviga stili moderni e le indicazioni possono essere su corsi di pittura speciali per adulti.
La pittura è un intero mondo di bellezza, immagini e colori. Se vuoi diventare un partecipante diretto alla sua creazione, allora i corsi di pittura fanno al caso tuo!
contorno - contorni lineari della figura raffigurata, il suo contorno.
Arte astratta - una delle tendenze formaliste nelle arti visive, nata tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Gli astrattisti si rifiutarono di rappresentare oggetti e fenomeni del mondo oggettivo (da qui un altro nome per l'astrattismo - arte non oggettiva). Il loro lavoro è un tentativo di esprimere i propri sentimenti e pensieri attraverso combinazioni di colori di punti o linee da soli, senza rappresentare oggetti e oggetti reali. Gli astrattisti abbandonarono il disegno, la prospettiva, il colore e tutti gli altri mezzi del linguaggio visivo dell'arte pittorica. Con ciò violarono i fondamenti professionali della pittura, distrussero le sue vere possibilità artistiche. L'astrattismo sfigura i gusti estetici delle persone, le allontana dalla comprensione della bellezza della natura e della vita.
Adattamento - la proprietà dell'occhio di adattarsi a determinate condizioni di illuminazione. Ci sono adattamenti alla luce, all'oscurità e anche al colore. La particolarità di quest'ultimo sta nell'adattabilità dell'occhio a non notare il colore dell'illuminazione sugli oggetti.
In condizioni di crepuscolo e in generale di scarsa illuminazione nell'occhio, le terminazioni nervose (fotorecettori) chiamate bastoncelli sono le più sensibili alla luce. Con il loro aiuto, l'occhio percepisce le gradazioni del bianco e del nero. In condizioni di luce intensa durante il giorno, altri fotorecettori sono più sensibili: i coni, con l'aiuto dei quali viene percepito il colore. Con l'adattamento alla luce, la sensibilità della vista diminuisce e con l'adattamento all'oscurità aumenta. Quando l'occhio si adatta all'oscurità, cominciamo a distinguere bene i dettagli del paesaggio. A causa della maggiore sensibilità dell'occhio all'oscurità in una giornata nuvolosa e al crepuscolo, l'artista alle prime armi perde di vista il livello di illuminazione generale, che in queste condizioni è molto più debole che in una giornata soleggiata o grigio chiaro. Al crepuscolo gli oggetti luminosi non gli sembrano ridotti di luminosità nella misura in cui l'illuminazione è diventata inferiore alla precedente illuminazione diurna. Nota male anche i rapporti tonali più stretti caratteristici del crepuscolo e giornata grigia. Inoltre, nonostante l'oscuramento, l'artista alle prime armi distingue nella natura (o nelle ombre) gradazioni molto sottili di chiaroscuro sugli oggetti e consente un'eccessiva variegazione e frammentazione. Pertanto, all'inizio non è in grado di valutare e trasmettere con precisione gli effettivi cambiamenti di luminosità e colore che si verificano in natura.
L'adattamento si basa su vari cambiamenti che si verificano nei nostri occhi quando cambia l'intensità della luce. Quindi, ad esempio, durante il giorno la pupilla diminuisce di 1-2 mm, a seguito della quale entra poca luce nell'occhio. Al buio si espande di 8-10 mm lasciando entrare molta luce. Sapendo che l'area della pupilla è proporzionale al quadrato del diametro, si può stabilire che se la pupilla raddoppia di dimensioni, allora la quantità di luce da essa trasmessa aumenta di quattro volte; se la pupilla viene ingrandita quattro volte, la quantità di luce da essa trasmessa aumenta di 16 volte. Questo è in parte il motivo per cui distinguiamo i principali rapporti luminosi al crepuscolo. Il riflesso pupillare alla luce e al buio compensa così in una certa misura la diminuzione dell'illuminazione.
Accademicismo - un termine valutativo che si riferisce a quelle aree dell'arte, i cui rappresentanti sono interamente guidati da autorità artistiche consolidate, si ritiene che il progresso arte contemporanea non in un legame vivo con la vita, ma nella sua massima approssimazione agli ideali e alle forme d'arte delle epoche passate, e sostengono norme assolute di bellezza che non dipendono dal luogo e dal tempo. Storicamente, l'accademismo è associato alle attività delle accademie che educavano giovani artisti nello spirito di seguire irragionevolmente i modelli dell'arte dell'antichità e del Rinascimento italiano. Originatasi per la prima volta nell'Accademia bolognese del XVI secolo, questa tendenza trovò largo sviluppo nelle accademie dei tempi successivi; era caratteristico dell'Accademia delle arti russa nel XIX secolo, che causò una lotta con l'accademia degli artisti realisti avanzati. Canonizzando metodi e trame classicistici, l'accademismo ha separato l'arte dalla modernità, dichiarandola “bassa”, “bassa”, indegna dell'arte “alta”.
Il concetto di accademismo non può essere identificato con tutte le attività delle accademie d'arte del passato. C'erano molte virtù nel sistema di istruzione accademica. In particolare, sulla base di una lunga tradizione, si fondava un'alta cultura del disegno, che costituì uno dei punti di forza della formazione accademica.
Colori ad acquerello - adesivo acquoso da pigmenti finemente macinati mescolati con gomma, destrina, glicerina, talvolta con miele o sciroppo di zucchero; vengono prodotti secchi - sotto forma di piastrelle, semiumidi - in tazze di porcellana o semiliquidi - in tubi.
L'acquerello può essere scritto immediatamente su carta asciutta o bagnata, a colori, e si può lavorare con la velatura, affinando gradualmente i rapporti cromatici della natura. Devi sapere che l'acquerello non tollera correzioni, torture, numerose registrazioni ripetute con colori misti.
Spesso i pittori utilizzano la tecnica dell'acquerello in combinazione con altri materiali: tempera, tempera, carboncino. Tuttavia, in questo caso, si perdono le qualità principali della pittura ad acquerello: saturazione, trasparenza, purezza e freschezza, cioè esattamente ciò che distingue l'acquerello da qualsiasi altra tecnica.
Accento - la tecnica per sottolineare la linea, il tono o il colore di qualsiasi oggetto espressivo, i dettagli dell'immagine su cui è necessario dirigere l'attenzione dello spettatore.
Alla prima - una tecnica di pittura ad acquerello o ad olio, consistente nel fatto che uno schizzo o un'immagine viene scritta senza registrazione preliminare e pittura di fondo, a volte contemporaneamente, in una sessione.
Pittore di animali - un artista che ha dedicato principalmente il suo lavoro alla raffigurazione di animali.
colori acromatici - bianco, grigio, nero; differiscono solo per la leggerezza e sono privi di tonalità di colore. Al contrario, ci sono colori cromatici che hanno una tonalità di colore di diversa luminosità e saturazione.
bagliore - un elemento di chiaroscuro, il punto più luminoso sulla superficie illuminata (prevalentemente lucida) di un oggetto. Cambiando punto di vista, il bagliore cambia la sua posizione sulla forma dell'oggetto.
Valere - un termine di pratica artistica che definisce il lato qualitativo di un tono separato, principalmente chiaroscuro, nel suo rapporto con i toni circostanti. Nella pittura realistica, le proprietà materiali del mondo oggettivo vengono trasmesse principalmente attraverso rapporti tonali oggettivamente regolari. Ma per riprodurre in modo vivido e olistico la materialità, la plasticità e il colore di un oggetto in un certo stato di illuminazione e in un certo ambiente, l'artista deve raggiungere una grandissima precisione ed espressività nei rapporti dei toni; ricchezza, sottigliezza dei rapporti di transizione che portano all'espressività della pittura e sono la caratteristica principale di Valer. I più grandi maestri dei secoli XVII-XIX. - come Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - la pittura è sempre ricca di valeria.
visione pittoresca - visione e comprensione delle relazioni cromatiche della natura, tenendo conto dell'influenza dell'ambiente e dello stato generale di illuminazione, che è caratteristico della natura al momento della sua immagine. Come risultato di tale visione, la veridicità dei rapporti di luce e colore, la ricchezza delle sfumature caldo-fredde, la loro unità cromatica e armonia appaiono nello schizzo, trasmettendo la natura con tutta la trepidazione della vita. In questo caso si parla del pittoresco di uno studio o di un dipinto.
Visione artistica - la capacità di dare la necessaria valutazione estetica delle qualità inerenti alla natura. Prima di rappresentare la natura, l'artista vede già nelle sue caratteristiche principali una soluzione pittorica figurativa, tenendo conto di un determinato materiale.
vetro colorato - la pittura su vetro con vernici trasparenti o un ornamento composto da pezzi di vetro multicolore, fissati con legatura metallica, serve a riempire le aperture di finestre e porte. I raggi di luce che penetrano attraverso il vetro acquistano maggiore luminosità e formano un gioco di riflessi cromatici all'interno.
prospettiva aerea - cambiamenti evidenti in alcune caratteristiche degli oggetti sotto l'influenza dell'aria e dello spazio. Tutti gli oggetti vicini vengono percepiti chiaramente, con molti dettagli e texture, e gli oggetti distanti vengono percepiti in modo generalizzato, senza dettagli. I contorni degli oggetti vicini appaiono nitidi e quelli distanti appaiono morbidi. A grande distanza, gli oggetti chiari appaiono più scuri e gli oggetti scuri appaiono più chiari. Tutti gli oggetti vicini hanno un chiaroscuro contrastante e sembrano voluminosi, tutti gli oggetti distanti hanno un chiaroscuro leggermente pronunciato e sembrano piatti. I colori di tutti gli oggetti distanti diventano meno saturi a causa della foschia dell'aria e acquisiscono il colore di questa foschia: blu, lattiginoso o viola. Tutti gli oggetti vicini sembrano multicolori e gli oggetti distanti sembrano essere dello stesso colore. L'artista tiene conto di tutti questi cambiamenti per trasmettere lo spazio e lo stato di illuminazione - qualità importanti della pittura all'aria aperta.
Percezione visiva - il processo di riflessione di oggetti e fenomeni della realtà in tutta la varietà delle loro proprietà che influenzano direttamente gli organi della visione. Insieme alle sensazioni visive, la percezione coinvolge anche l'esperienza passata di conoscenza e idee su un particolare argomento. Comprendere, comprendere l'essenza del percepito è possibile solo se gli oggetti e i fenomeni osservati vengono confrontati con quelli visti in precedenza (una percezione visiva costante e costante). A ciò va aggiunto che la percezione visiva è accompagnata da sentimenti associativi, un senso di bellezza, che sono associati all'esperienza personale delle esperienze sensoriali derivanti dall'impatto dell'ambiente.
Colore gamma - i colori che prevalgono in quest'opera e determinano la natura del suo sistema cromatico. Dicono: una gamma di tonalità di colore fredde, calde, pallide, ecc.
Armonia - comunicazione, proporzionalità, coerenza. Nelle arti visive: una combinazione di forme, la relazione di parti o colori. Nella pittura, questa è la corrispondenza dei dettagli con l'insieme, non solo nelle dimensioni, ma anche nel colore (unità del colore, gamma di sfumature correlate). La fonte dell'armonia sono i modelli di cambiamento di colore negli oggetti naturali sotto l'influenza della forza e della composizione spettrale dell'illuminazione. L'armonia della struttura cromatica di uno studio o di un dipinto dipende anche dalle caratteristiche della fisiologia e della psicologia. percezione visiva qualità di luce e colore del mondo oggettivo (interazione di contrasto dei colori, fenomeno dell'alone, ecc.).
Incisione- riproduzione stampata di un disegno tagliato o inciso su tavola di legno (xilografia), linoleum (linocut), lastra di metallo (acquaforte), pietra (litografia), ecc. Una caratteristica di un'incisione è la possibilità della sua replica: da una tavola incisa da un artista, stampa un gran numero di stampe multicolori (stampe). In base alla natura della lavorazione della forma di stampa (tavole o lastre) e al metodo di stampa, si distinguono incisioni convesse e profonde.
Arti grafiche - uno dei tipi di belle arti, vicino alla pittura in termini di contenuto e forma, ma con i propri compiti e possibilità artistiche. A differenza della pittura, il principale mezzo visivo della grafica è un disegno monocromatico (cioè linea, chiaroscuro); il ruolo del colore rimane in esso relativamente limitato. Dal lato dei mezzi tecnici, la grafica comprende il disegno nel senso proprio del termine, in tutte le sue varietà. Di norma, i lavori grafici vengono eseguiti su carta e occasionalmente vengono utilizzati altri materiali.
A seconda dello scopo e del contenuto, la grafica è suddivisa in grafica da cavalletto, che comprende opere di significato indipendente (che non richiedono una connessione indispensabile con un testo letterario per rivelare il loro contenuto e non si limitano a uno scopo pratico ristretto e rigorosamente definito), grafica del libro, che forma un'unità ideologica e artistica con il testo letterario o di accompagnamento e allo stesso tempo progettata per il design decorativo e artistico del libro, del poster, che è il più visione di massa belle arti, destinate a svolgere compiti politici, di propaganda, di produzione artistica o applicativi (etichette, diplomi, francobolli, ecc.) con mezzi artistici.
Grisaglia - immagine in vernice bianca e nera (o monocromatica, ad esempio marrone); Viene spesso utilizzato per lavori ausiliari quando si eseguono pitture di fondo o schizzi, nonché per scopi didattici quando si padroneggiano le tecniche dell'immagine tonale eseguite in acquerelli o colori ad olio. L'immagine viene creata esclusivamente sulla base delle relazioni tonali (leggerezza) dei soggetti dell'ambiente naturale.
Adescamento - uno strato sottile di una composizione speciale (colla, olio, emulsione) applicato su tela o cartone per conferire alla superficie le proprietà di colore e consistenza desiderate e limitare l'assorbimento eccessivo del legante (olio). Se lavori con colori ad olio su una base non primerizzata (ad esempio tela), i colori non si stendono, si seccano, l'olio della vernice viene assorbito nel tessuto, distruggendo la tela e lo strato di vernice. In base alla composizione del legante si distinguono i terreni: olio, adesivo, emulsione, sintetico. Per colore: colorato e colorato. Il primer è solitamente composto da 3 elementi: un sottile strato di adesivo che ricopre l'intera superficie della tela con una pellicola (cioè collatura) e diversi strati di vernice di primer, compreso un sottile strato finale. L'imbozzimatura - un sottile strato di colla (falegnameria, caseina o gelatina) - protegge la tela dalla penetrazione di vernice di fondo o olio nel tessuto o sul retro della tela, lega saldamente gli strati successivi di terreno alla tela. La vernice di primer livella la superficie della tela, crea il colore necessario (solitamente bianco) e fornisce una forte connessione dello strato di vernice con il primer.
Primer - nella tecnologia di verniciatura: il processo di applicazione di un primer su una superficie destinata alla verniciatura.
Guazzo - idropittura ad alto potere coprente. Le vernici schiariscono rapidamente dopo l'essiccazione ed è necessaria una notevole esperienza per prevedere il grado di cambiamento nel tono e nel colore. Scrivono con colori a guazzo su carta, cartone, compensato. Le opere hanno una superficie opaca e vellutata.
Dettagli - studio attento dei dettagli della forma degli oggetti nell'immagine. A seconda del compito che l'artista si prefigge, il grado di dettaglio può essere diverso.
Colori aggiuntivi - due colori che danno il bianco quando miscelati otticamente (rosso e verde-bluastro, arancione e ciano, giallo e blu, viola e giallo-verdastro, verde e magenta). Quando queste coppie vengono mescolate meccanicamente colori aggiuntivi si ottengono tonalità con saturazione ridotta. I colori complementari sono spesso chiamati contrastanti.
Genere - divisione interna storicamente stabilita in tutti i tipi di arte; il tipo di un'opera d'arte nell'unità delle proprietà specifiche della sua forma e contenuto. Il concetto di "genere" generalizza i tratti caratteristici di un vasto gruppo di opere di qualsiasi epoca, nazione o arte mondiale in generale. In ogni forma d'arte, il sistema dei generi è composto a modo suo. Nelle arti visive - in base al soggetto dell'immagine (ritratto, natura morta, paesaggio, pittura storica e di battaglia) e talvolta alla natura dell'immagine (caricatura, cartone animato).
Pittura - uno dei principali tipi di belle arti. Un vero trasferimento dell'aspetto esteriore di un oggetto, delle sue caratteristiche esterne è possibile anche con mezzi grafici - attraverso la linea e il tono. Ma solo la pittura può trasmettere tutto il multicolore insolitamente vario del mondo circostante.
Secondo la tecnica di esecuzione, la pittura si divide in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetro colorato, acquerello, tempera, pastello. Questi nomi sono stati ottenuti dal legante o dal materiale e dai mezzi tecnici utilizzati. Lo scopo e il contenuto di un dipinto richiedono la scelta di tale mezzi visivi, con il quale puoi esprimere nel modo più completo l'intento ideologico e creativo dell'artista.
Per genere, la pittura è divisa in cavalletto, monumentale, decorativa, teatrale e decorativa, miniatura.
Pittura decorativa non ha un significato indipendente e serve come decorazione dell'esterno e dell'interno degli edifici sotto forma di pannelli colorati che, con un'immagine realistica, creano l'illusione di uno “sfondamento” del muro, un aumento delle dimensioni della stanza o, al contrario, forme deliberatamente appiattite visivamente, per così dire, restringono, chiudono lo spazio. Motivi, ghirlande, ghirlande e altri tipi di decorazioni che adornano le opere di pittura e scultura monumentale, collegano tra loro tutti gli elementi degli interni, sottolineandone la bellezza, la loro coerenza con l'architettura. pittura decorativa anche le cose sono decorate: cofanetti, cofanetti, vassoi, cassapanche, ecc. I suoi temi e le sue forme sono subordinati allo scopo delle cose.
Dipinto in miniatura ricevuto grande sviluppo nel Medioevo, prima dell'invenzione della stampa. I libri scritti a mano erano decorati con i migliori copricapi, finali, illustrazioni dettagliate e miniature. Gli artisti russi della prima metà del XIX secolo utilizzarono abilmente la tecnica pittorica delle miniature per creare piccoli ritratti (principalmente acquerelli). I colori puri e profondi degli acquerelli, le loro squisite combinazioni, la finezza del dipinto contraddistinguono questi ritratti.
Dipinto monumentale - un tipo speciale dipinti decorazione su larga scala delle pareti e dei soffitti delle strutture architettoniche (affresco, mosaico, pannello). Rivela il contenuto dei principali fenomeni sociali che hanno avuto un influenza positiva sullo sviluppo della società, li glorifica e li perpetua. L'altezza del contenuto della pittura monumentale, le dimensioni significative delle sue opere, il legame con l'architettura richiedono grandi masse di colore, rigorosa semplicità e laconismo compositivo, chiarezza delle sagome e generalizzazione della forma plastica.
pittura da cavalletto - il nome deriva dalla macchina (cavalletto) su cui viene creata l'immagine. Come base materiale vengono utilizzati legno, cartone, carta, ma molto spesso tela tesa su una barella. L'immagine è inserita nella cornice ed è percepita come un'opera d'arte indipendente, indipendente dall'ambiente. A questo proposito, al fine di creare opere pittura da cavalletto vengono utilizzati mezzi artistici leggermente diversi, vengono forniti colori e rapporti tonali più sottili e dettagliati e un aspetto più complesso e dettagliato caratteristica psicologica caratteri.
Pittura teatrale e decorativa - scene, costumi, trucco, oggetti di scena, realizzati secondo i disegni dell'artista; aiutano ad approfondire il contenuto dell'opera. Le particolari condizioni teatrali per la percezione della pittura richiedono di tenere conto dei molteplici punti di vista del pubblico, della sua maggiore lontananza, dell'impatto dell'illuminazione artificiale e dei riflessi cromatici. Lo scenario dà un'idea del luogo e del tempo dell'azione, attiva la percezione dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco. Negli schizzi di costumi e trucco, l'artista teatrale si sforza di esprimere nettamente il carattere individuale dei personaggi, il loro stato sociale, stile dell'epoca e molto altro ancora.
Pittura accademica - pittura, realizzata per qualsiasi scopo didattico.
pittura su bagnato - tecnica della pittura ad olio e acquerello. Quando si lavora con l'olio, è necessario terminare il lavoro prima che le vernici si asciughino ed escludere fasi come la verniciatura di fondo, la verniciatura e la nuova registrazione. Dipingere su bagnato presenta vantaggi ben noti: la freschezza dello strato pittorico, la buona conservazione e la relativa semplicità della tecnica.
Ad acquerello, prima di iniziare a lavorare su carta grezza, inumidire uniformemente con acqua. Quando l'acqua viene assorbita dalla carta e si asciuga un po' (dopo 2-3 minuti), si comincia a scrivere; macchie di vernice depositate superficie bagnata, sfocare, fondersi tra loro, creare transizioni fluide. Quindi, puoi ottenere morbidezza nel trasferire i contorni degli oggetti di ariosità e spazialità dell'immagine.
avvizzimento - cambiamenti indesiderati nello strato di vernice essiccante, a causa dei quali il dipinto perde la sua freschezza, perde la sua lucentezza, la sonorità dei colori, si scurisce, diventa nerastro. La causa dell'avvizzimento è un'eccessiva riduzione della vernice dell'olio legante assorbito dal primer o dallo strato pittorico sottostante, nonché dall'applicazione delle vernici su uno strato precedente di colori ad olio non completamente essiccato.
Completezza .- una fase del lavoro su uno studio o un'immagine in cui viene raggiunta la massima completezza dell'incarnazione dell'idea creativa o quando viene completato un determinato compito pittorico.
Vernici di base "impastanti". - preparazione preliminare sulla tavolozza di una miscela di colori che corrispondono alle relazioni tonali e cromatiche di base degli oggetti in natura (paesaggio). Nel processo di lavoro, in queste miscele di base vengono introdotte varie variazioni di tonalità e vengono versati nuovi colori. Tuttavia, i colori degli oggetti principali preparati sulla tavolozza non consentono di cadere in una colorazione eccessiva, non consentono di perdere il carattere dei principali rapporti cromatici. Nell'acquerello, questi "impastamenti" di riferimento vengono eseguiti in tazze separate.
Schizzo - un disegno dal vero, realizzato principalmente fuori dal laboratorio per raccogliere materiale per un lavoro più significativo, per motivi di esercizio, a volte per scopi speciali (ad esempio, su istruzioni di un giornale, rivista). A differenza di uno schizzo simile in termini di mezzi tecnici, l'esecuzione di uno schizzo può essere molto dettagliata.
Idealizzazione nell'arte - deviazione dalla verità della vita dovuta ad abbellimento intenzionale o involontario da parte dell'artista del soggetto dell'immagine. L'idealizzazione di solito si manifesta nell'esagerazione e nell'assolutizzazione del principio positivo come una sorta di principio ultimo, presumibilmente già raggiunto l'eccellenza; nell'appianare le contraddizioni e i conflitti della vita; nell'incarnazione di un ideale astratto, di vita eccessiva, ecc. L'idealizzazione significa sempre una rottura con i principi del realismo e, in un modo o nell'altro, risulta essere collegata all'ideologia delle classi reazionarie, che sono inclini a ottenere allontanarsi da un quadro fedele della vita e sostituire lo studio della realtà con idee abbellite soggettivamente su di essa.
È necessario distinguere dall'idealizzazione il riflesso nell'arte realistica di un certo ideale di vita socialmente progressista, che, essendo un aspetto importante del contenuto ideologico di qualsiasi immagine artistica realistica, a volte può essere il principio determinante nella soluzione artistica dell'immagine .
Idea di pittura - l'idea principale dell'opera, che ne determina il contenuto e la struttura figurativa, espressa nella forma appropriata.
Illusorio - somiglianza dell'immagine con la natura; al limite dell’illusione ottica. A causa della natura illusoria, l'espressività artistica dell'opera e la profondità del suo contenuto potrebbero andare perdute se nell'immagine il desiderio di somiglianza esterna oscura la cosa principale: la sua intenzione.
Impressionismo - una tendenza nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, i cui rappresentanti si sforzarono di catturare il più naturale e imparziale mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro fugaci impressioni. L'impressionismo ebbe origine negli anni '60 dell'Ottocento. nella pittura francese. E. Manet, O. Renoir, E. Degas hanno portato nell'arte la freschezza e l'immediatezza della percezione della vita, l'immagine dell'istante, come movimenti e situazioni casuali, apparente squilibrio, frammentazione della composizione, punti di vista inaspettati, angoli, tagli di figure. Negli anni 1870-80. formò l’impressionismo nel panorama francese. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley hanno sviluppato un sistema plein air coerente. Oltre ai pittori, gli scultori (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) si interessarono al movimento istantaneo, alla forma fluida.
L'impressionismo ha sviluppato i principi realistici dell'arte, ma il lavoro dei suoi seguaci ha spesso mostrato un allontanamento dallo studio dei fenomeni fondamentali della realtà sociale, le qualità costanti e stabili del mondo materiale. Questa direzione della creatività portò i tardi impressionisti al formalismo.
Interno - vista interna della camera. L'immagine dell'interno richiede una conoscenza approfondita della prospettiva. Allo stesso tempo, è importante trovare un luogo da cui comporre l'immagine in modo più interessante. L'immagine finale degli interni, oltre ad una composizione interessante, alla corretta costruzione prospettica, al posizionamento degli oggetti nello spazio, dovrebbe dare un'idea dell'illuminazione.
Pittura - un'opera di pittura da cavalletto, che incarna fedelmente l'intenzione dell'artista, caratterizzata dal significato del contenuto, veridicità e completezza della forma artistica. L’immagine è il risultato di osservazioni e riflessioni a lungo termine dell’artista sulla vita. È preceduto da schizzi, schizzi, studi, schizzi, in cui l'artista cattura i singoli fenomeni della vita, raccoglie materiale per un dipinto futuro e cerca le basi della sua composizione e colore. Creando un'immagine, l'artista si affida alla natura, procede da essa sia nel piano generale che nei singoli dettagli. In questo processo, l’osservazione, l’immaginazione e la progettazione giocano un ruolo importante. L'immagine a suo modo porta un certo concetto ideologico e figurativo e le forme di espressione sono visivamente autentiche. Ogni dettaglio, la parte è correlata al tutto, ogni elemento esprime un'immagine. Le tendenze formaliste decadenti sono caratterizzate da una crisi nel quadro tematico della trama, dal rifiuto di questioni ideologiche significative e dallo psicologismo. Dai dipinti non solo viene espulsa la trama, ma si verifica anche una rottura con l'immagine del soggetto in generale. Secondo la forma dell'immagine, l'immagine diventa inutile, astratta.
Vernici adesive - vernici secche prodotte in polvere e miscelate dall'artista stesso con colla acqua. Ben macinati, vengono talvolta utilizzati dagli artisti nella progettazione di riproduzioni originali come sostituti dei colori a guazzo. Molto spesso eseguono scene teatrali.
klyachka - una specie di gomma morbida, utilizzata nei casi in cui è necessario schiarire il tono dell'ombra disegni a matita. Il nag è morbido e facilmente impastabile con le dita; con essa non cancellano la matita, ma la premono leggermente contro quelle parti del disegno che si illuminano: la grafite aderisce al ronzino e viene trattenuta da esso dopo che è stata tolta dalla carta. Se le zone schiarite sono molto piccole, al ronzino viene dato l'aspetto di un cono appuntito.
Klyachka può essere realizzato come segue. La gomma comune viene messa nella benzina per due o tre giorni (possibilmente nel cherosene), quindi viene conservata per altri due giorni. Successivamente, la gomma ammorbidita viene impastata con farina di patate (amido), la farina va presa a pizzichi e la viscosità del ronzino va regolata nella sua quantità.
colorazione (studio o pittura) - la natura della relazione di tutti gli elementi cromatici dell'immagine, il suo sistema di colori. Il suo principale vantaggio è la ricchezza e la consistenza dei colori che corrispondono alla natura stessa, trasmettendo, in unità con il chiaroscuro, le proprietà del soggetto e lo stato di illuminazione del momento raffigurato. Il colore dello studio è determinato da: 1) la coerenza delle relazioni cromatiche proporzionali alla natura, tenendo conto del tono generale e dello stato cromatico dell'illuminazione, 2) dalla ricchezza e varietà dei riflessi della luce-aria e dell'ambiente dell'oggetto, 3 ) l'interazione contrastante delle tonalità calde e fredde, 4) l'influenza del colore dell'illuminazione, che unisce i colori della natura, li rende subordinati e correlati.
Un vero riflesso dello Stato condizioni reali l'illuminazione ha un impatto sui sentimenti dello spettatore, crea un'atmosfera, provoca esperienze estetiche appropriate.
pennelli . I pennelli sono kolinsky, scoiattolo, setola. I pennelli in setola sono progettati per funzionare con i colori ad olio, ma possono essere utilizzati nella pittura con colori a tempera e tempera. I pennelli scoiattolo e kolinsky sono usati nell'acquerello. La forma è piatta e rotonda. La dimensione del pennello è indicata da un numero. I numeri delle spazzole piatte e scanalate corrispondono alla loro larghezza in millimetri, mentre i numeri delle spazzole tonde corrispondono al loro diametro (espresso anch'esso in millimetri).
Dopo aver lavorato con i colori ad olio, i pennelli vengono lavati con acqua tiepida e sapone. Non lavare i pennelli in acetone: danneggerebbe i capelli. I pennelli per acquerello vengono lavati in acqua pulita dopo il lavoro. In nessun caso lasciare asciugare i pennelli, soprattutto dopo aver lavorato con i colori ad olio, mettere i pennelli nel barattolo con i capelli sciolti, poiché i capelli sono deformati. Il pennello lavato deve essere avvolto nella carta, quindi manterrà la sua forma.
Composizione - costruzione di uno schizzo o di un'immagine, coordinamento delle sue parti. Con un'immagine naturale: selezione e messa in scena degli oggetti, scelta del punto di vista migliore, illuminazione, determinazione del formato e delle dimensioni della tela, individuazione del centro compositivo, subordinazione ad esso delle parti secondarie dell'opera. Quando si crea un'immagine: scegliere un argomento, sviluppare una trama, trovare il formato e le dimensioni dell'opera, caratterizzarla attori, il loro rapporto reciproco, posture, movimenti e gesti, espressività dei volti, uso di contrasti e ritmi - tutto questo elementi costitutivi costruzione compositiva dipinti che servono la migliore incarnazione dell'intenzione dell'artista. In una tale composizione, tutto viene preso in considerazione: le masse degli oggetti e le loro sagome, il ritmo con cui sono posizionati sulla tela, la prospettiva, una linea dell'orizzonte immaginaria e un punto di vista sul raffigurato, il colore dell'immagine , il raggruppamento dei personaggi, la direzione delle loro vedute, la direzione della linea di riduzione prospettica degli oggetti, la distribuzione del chiaroscuro, le pose e i gesti, ecc.
Costanza della percezione visiva - la tendenza a percepire un oggetto, le sue dimensioni, forma, leggerezza, colore come stabili e immutabili, indipendentemente dai cambiamenti che si verificano su di esso (allontanamento dallo spettatore, cambiamento dell'illuminazione, influenze ambientali, ecc.) - Costanza delle dimensioni - la Tendenza a percepire la dimensione di un oggetto come costante, nonostante la variazione della distanza da esso. Di norma, i disegnatori alle prime armi non notano cambiamenti di prospettiva.
Costanza della forma - la tendenza a percepire la forma reale, anche se l'oggetto viene ruotato in modo tale che la sua immagine sulla retina differisce dalla forma reale. (Ad esempio, un pezzo di carta quadrato steso su un tavolo appare quadrato anche se la sua proiezione sulla retina non è quadrata.)
Costanza della luminanza - la tendenza a percepire la luminosità di un oggetto come costante nonostante i cambiamenti di illuminazione; dipende principalmente dal rapporto costante tra l'intensità della luce riflessa sia dall'oggetto che dal suo ambiente.
Costanza del colore - la tendenza a percepire il colore dell'oggetto (il suo colore locale) indipendentemente dal cambiamento delle condizioni di illuminazione, della sua intensità e della composizione spettrale (giorno, sera, artificiale).
A causa del fenomeno della costanza, la percezione e la trasmissione in pittura di oggetti e fenomeni esattamente come appaiono all'occhio in determinate condizioni di illuminazione, in un determinato ambiente e ad una certa distanza, presentano una certa difficoltà all'inizio dell'allenamento. Un artista alle prime armi, sebbene sappia che il colore cambia a seconda delle condizioni di illuminazione, lo vede immutato e non osa, ad esempio, scrivere come rossastri gli alberi di colore verde sotto i raggi del sole al tramonto o scrivere il cielo azzurro in un rosa-ocra complesso, come al tramonto.
A un pittore inesperto sembra che un oggetto bianco sia bianco in tutte le sue parti, un oggetto scuro sia scuro. Nel frattempo, in un ambiente naturale, la superficie di un oggetto scuro rivolta verso la luce rifletterà più raggi luminosi della parte in ombra di un oggetto bianco, e quindi l'ombra di un oggetto bianco sarà più scura della parte chiara di un oggetto scuro.
Mentre lavora su uno schizzo di un paesaggio, un pittore inesperto non si accorge di come sta arrivando il crepuscolo, sebbene l'illuminazione sia diminuita in modo significativo.
Gli oggetti circostanti possono essere illuminati da luce di diversa composizione spettrale, che modifica la composizione spettrale della luce riflessa dagli oggetti. Tuttavia, l'occhio di un artista alle prime armi non nota nemmeno questo cambiamento di colore.
La costanza della percezione può aumentare e intensificarsi per molte ragioni. Quanto più forte è l'illuminazione cromatica, e anche quanto maggiore è la distanza da cui si osserva l'oggetto, tanto più debole è la manifestazione della costanza. Anche la capacità della superficie di un oggetto di riflettere fortemente i raggi luminosi contribuisce a una percezione costante: gli oggetti di colore chiaro mostrano in modo più evidente l'influenza del colore dell'illuminazione. Gli adattamenti di luce e colore migliorano la costanza della percezione. Osservando il paesaggio invernale con tempo nuvoloso, puoi vedere solo complesse sfumature grigiastre. Se guardi lo stesso motivo invernale dalla finestra di una stanza illuminata dall'elettricità, il paesaggio fuori dalla finestra sarà percepito come intensamente bluastro. Se lasci la stanza all'aperto, dopo pochi minuti tono blu il paesaggio scomparirà. Allo stesso modo, la costanza zero del pubblico si manifesta nell'illuminazione colorata del palcoscenico teatrale; dopo che la calda illuminazione elettrica nella sala si è attenuata, il sipario si apre e lo spettatore ammira la scena dell'inverno, del chiaro di luna o di altre condizioni di illuminazione.
Come risultato della pratica, l'artista acquisisce la capacità di notare in natura i cambiamenti nel colore di un oggetto dovuti all'ambiente e all'illuminazione, vede e trasmette tutta la ricchezza e la diversità del mondo esterno, moltissime gradazioni di colore. Di conseguenza, l'illuminazione appare convincente sulla tela, il colore appare complicato e arricchito dall'ambiente e dall'illuminazione. Molti artisti ed educatori hanno eseguito esercizi speciali, creando modelli visivi, per comprendere le caratteristiche coloristiche delle diverse condizioni di illuminazione. K.. Monet, ad esempio, scrisse una serie di studi raffiguranti lo stesso oggetto (pagliaio), e quindi studiò il cambiamento di colore in diverse condizioni di illuminazione in natura. Per sviluppare una percezione costante, N. N. Krymov pose un cubo bianco, dipinto su un lato con vernice nera, e lo illuminò da questo lato con una potente lampada, lasciando il lato bianco in ombra. Allo stesso tempo, i suoi studenti erano convinti che il lato nero illuminato del cubo fosse più chiaro di quello bianco, che era in ombra. Krymov ha suggerito agli studenti di scrivere un piccolo schermo a fisarmonica di cartone, i cui piani erano dipinti in diversi colori e illuminati da due lati: da un lato - una lampada elettrica, dall'altro - la luce del giorno. I raggi della lampada erano diretti verso le aree dipinte con colori freddi, mentre i colori caldi venivano rivolti verso la luce del giorno. Gli studenti erano convinti che le condizioni di illuminazione modificassero significativamente i colori del soggetto e quindi si liberavano dalla percezione costante dei colori.
Un pittore alle prime armi deve liberarsi della costanza della percezione ed essere in grado di percepire la forma di un oggetto, la sua leggerezza e colore, grazie all'ambiente luminoso, all'illuminazione e allo spazio.
Progetto - nelle belle arti, l'essenza, un tratto caratteristico della struttura della forma, che suggerisce un rapporto naturale tra le parti della forma, le sue proporzioni.
Contrasto - 1) una netta differenza, l'opposto di due quantità: dimensione, colore (chiaro e scuro, caldo e freddo, saturo e neutro), movimento, ecc.; 2) leggerezza e contrasto cromatico - un fenomeno in cui la differenza percepita è molto maggiore della base fisica. Su uno sfondo chiaro il colore dell'oggetto appare più scuro; su uno sfondo scuro il colore appare più chiaro. Il contrasto chiaro è più chiaramente triplicato al confine tra superfici scure e chiare. Il contrasto cromatico è un cambiamento di tonalità e saturazione sotto l'influenza dei colori circostanti (contrasto simultaneo) o sotto l'influenza dei colori precedentemente osservati (contrasto sequenziale). Per esempio: colore verde accanto al rosso ne aumenta la saturazione. Il colore grigio su sfondo rosso acquisisce una tinta verdastra. Il contrasto cromatico è più forte quando i colori interagenti sono approssimativamente uguali in luminosità.
copiare - il processo per ottenere copie di un disegno o di un disegno; può essere effettuato in vari modi: forando, ricalcando, spremendo, ridisegnando alla luce, ridisegnando lungo la griglia, nonché utilizzando il pantografo e l'epidiascopio.
perforazione - un metodo di copia senza modificare la scala: si posiziona l'originale su un foglio di carta bianco e, utilizzando un ago sottile, si pungono tutti i punti caratteristici del disegno o disegno, attraverso i quali si tracciano poi delle linee a matita sulla carta bucherellata .
Tracciamento - un modo per copiare senza modificare la scala. All'originale viene applicata della carta da lucido, su cui viene disegnata un'immagine con una matita o inchiostro; la superficie di lavoro della carta da lucido deve essere prima sgrassata, pulita con polvere di gesso o carbonato di magnesio.
Spremitura - un metodo di copia senza modificare la scala: la carta trasferibile a secco viene posizionata sotto l'originale o la sua copia su carta da lucido; Un ago appuntito viene guidato lungo le linee dell'immagine originale, grazie alla quale l'immagine tradotta viene impressa su un foglio di carta bianco. Il retro dell'originale (carta da lucido) può essere strofinato matita morbida, nel qual caso l'immagine trasferita è più chiara.
Ridisegnare alla luce - un modo per copiare senza modificare la scala. L'originale viene posizionato sul vetro e coperto con carta pulita o carta da lucidi; dietro il vetro c'è una fonte di luce (luce diurna o elettrica); le linee dell'originale traslucido attraverso la carta sono cerchiate a matita. Esistono fotocopiatrici speciali adatte a questo scopo.
Ridisegno della griglia - un metodo di copia con eventuale modifica di scala (ingrandimento o riduzione di un'immagine) utilizzando una griglia di coordinate realizzata sull'originale e un foglio di carta bianco. L'immagine è disegnata "per celle". Le cellule sono quadrate o rettangolari. Il ridisegno per celle è molto laborioso e non può trasmettere le linee dell'originale con una precisione impeccabile, poiché viene eseguito a occhio e a mano.
Stesura del corpo (pastose) delle vernici - esecuzione di uno studio o di un dipinto con uno strato di pittura ad olio denso, opaco, relativamente spesso, spesso con una trama in rilievo.
Kroki - un rapido schizzo dalla natura, meno spesso una rapida fissazione di un'idea compositiva sotto forma di disegno. Il termine "coccodrilli" è di scarsa utilità; Di buon sensoè vicino al termine più ampio "schizzo".
Xilografia - la xilografia, la principale varietà tecnica dell'incisione convessa, la più antica tecnica di incisione in generale. Le xilografie vengono eseguite tagliando su una tavola, solitamente legno di pero, faggio, quelle parti dell'incisione applicate sopra di essa, che devono rimanere bianche. Nell'incisione longitudinale o di taglio, le fibre della tavola sono parallele alla sua superficie, e il lavoro viene eseguito principalmente con coltelli appuntiti. Le possibilità di questa tecnica sono relativamente limitate, ma le difficoltà sono significative (poiché la resistenza del materiale fibroso al coltello non è uniforme nelle diverse direzioni). L'incisione finale viene eseguita su una tavola con fibra perpendicolare alla superficie; il suo strumento principale, l'incisore, consente tecniche molto fini e varie.
A differenza di qualsiasi tipo di incisione calcografica, le xilografie possono essere stampate insieme alla composizione su una macchina da stampa convenzionale e sono quindi spesso utilizzate nell'illustrazione di libri.
Fortunato . Gli artisti verniciano i fondi per evitare che penetrino l'olio delle vernici, introducono vernici nel legante della vernice, le applicano sullo strato di vernice indurito prima di ulteriori lavori (per un migliore legame degli strati) e, infine, verniciano le opere finite. Allo stesso tempo, la vernice migliora la saturazione dei colori. La pellicola laccata protegge l'immagine dal contatto diretto con gas atmosferici nocivi, polvere e fuliggine presenti nell'aria. Le vernici nella composizione della pittura ad olio contribuiscono alla sua asciugatura più uniforme e più rapida e gli strati di vernice si legano meglio al terreno e tra loro. È meglio coprire i dipinti con vernici alla trementina che con vernici ad olio (quindi scuriscono meno). Fissa-lacca fissa opere realizzate con carboncino, sanguigna, pastelli, acquarelli.
Modellare una forma con il colore - il processo di modellazione di un oggetto, rivelandone il volume e il materiale con sfumature di colore, tenendo conto dei loro cambiamenti di luminosità e saturazione.
Smalto - uno dei trucchi tecnica pittorica, consistente nell'applicazione di strati molto sottili di vernici resistenti e traslucide su uno strato denso essiccato di altre vernici. In questo modo si ottiene una speciale leggerezza, sonorità dei colori, che è il risultato della loro miscelazione ottica.
Linoleografia - incisione su linoleum, una sorta di incisione convessa. In termini di tecnica e mezzi artistici, l'incisione su linoleum è simile alle xilografie, e nella stampa spesso differisce da essa solo per l'assenza di dettagli fini.
Litografia - nelle arti visive, un tipo diffuso di tecnica grafica associata alla lavorazione della pietra (calcare denso) o di una lastra metallica che la sostituisce (zinco, alluminio).
L'artista esegue la litografia disegnando sulla superficie granulosa o liscia della pietra con una matita litografica audace e inchiostro speciale. Dopo l'incisione della pietra con acido (agendo sulla superficie non ricoperta di grasso), il disegno viene lavato via: in cambio viene applicato l'inchiostro da stampa, che aderisce solo alle particelle non incise della pietra, esattamente corrispondenti al disegno. La vernice viene stesa con un rullo su una pietra inumidita; la stampa viene eseguita su una macchina speciale.
colore locale - il colore caratteristico di un dato oggetto (il suo colore) e non ha subito alcuna variazione. In realtà, questo non accade. Il colore del soggetto cambia costantemente sotto l'influenza dell'intensità e del colore dell'illuminazione, ambiente, rimozione spaziale, e non si chiama più locale, ma condizionata. A volte il colore locale non è inteso come un colore soggetto, ma come una macchia uniforme di un colore condizionato, presa in relazione fondamentale ai colori vicini, senza rivelare un mosaico di riflessi cromatici, senza sfumature di queste macchie principali.
Maniera - in relazione alla pratica artistica: il carattere o il metodo di esecuzione come caratteristica puramente tecnica (ad esempio, "modo ampio").
Nella storia dell'arte, il termine "maniera" a volte denota le proprietà generali della performance caratteristiche di un artista o di una scuola d'arte in un certo periodo. sviluppo creativo(ad esempio "I modi tardivi di Tiziano").
Manerità - nella pratica artistica: proprietà di approccio ed esecuzione, prive di semplicità e naturalezza, che portano a risultati pretenziosi, inverosimili o condizionali. Molto spesso, il manierismo è chiamato predilezione per qualche modo esteriormente spettacolare, appreso e tutti i tipi di tecniche artistiche distorte, gravitazione verso la stilizzazione. L'espressione estrema del manierismo è data dalla pratica formalistica dell'arte borghese contemporanea.
Dipinti ad olio - coloranti miscelati con olio vegetale: semi di lino (principalmente), papavero o noce; i colori ad olio dall'esposizione alla luce e all'aria si induriscono gradualmente. Molte basi (tela, legno, cartone) sono preparate in anticipo per essere lavorate con colori ad olio. Il primer più comunemente usato è il seguente: il materiale viene ricoperto con colla liquida per carpenteria e, quando si asciuga, strofinato con pomice, quindi rivestito con polvere di gesso fine mescolata con acqua di colla fino alla consistenza della panna acida. Per pulire i pennelli si lavano in cherosene, trementina o benzina, e infine in acqua tiepida con sapone, spremendo la vernice dalla radice del pennello, dopodiché si sciacquano in acqua pulita.
Materialità gli oggetti raffigurati sono trasmessi principalmente dalla natura del chiaroscuro. Gli oggetti costituiti da materiali diversi presentano gradazioni di chiaroscuro che li caratterizzano. Un oggetto cilindrico in gesso presenta transizioni fluide dalla luce alla penombra, all'ombra e al riflesso. Un vaso cilindrico di vetro non presenta gradazioni pronunciate di chiaroscuro. Sulla sua forma, solo abbagliamento e riflessi. Anche gli oggetti metallici sono caratterizzati principalmente da abbagliamenti e riflessi. Se trasmetti la natura del chiaroscuro nella figura, gli oggetti sembreranno materiali. Un'altra condizione, ancora più importante, da cui dipende la rappresentazione delle qualità materiali degli oggetti, è la coerenza nel disegno o nello studio pittorico delle relazioni tonali e cromatiche tra oggetti proporzionali alla natura. Quando percepiamo le qualità materiali degli oggetti, la nostra coscienza si affida principalmente alle loro relazioni tonali e cromatiche (differenze). Pertanto, se la natura dei rapporti chiaroscurali, tonali e cromatici viene trasmessa secondo l'immagine visiva della natura, otteniamo un'immagine fedele delle qualità materiali degli oggetti della natura morta o degli oggetti del paesaggio.
Pittura a strati - il tipo tecnico più importante della pittura a olio, che richiede la divisione del lavoro in più fasi successive (verniciatura, registrazione, velatura), separate da pause per la completa asciugatura della vernice. Quando si esegue una grande composizione tematica, così come durante il lavoro a lungo termine in generale, la pittura multistrato è l'unica tecnica di pittura a olio a tutti gli effetti. Prima metà del diciannovesimo V. tutti i maggiori artisti progressive del passato utilizzavano questa tecnica come principale. Successivamente gli impressionisti e i loro seguaci lo abbandonarono.
Da un punto di vista tecnologico ristretto, non correlato alla tecnica degli antichi maestri, il concetto di pittura multistrato può corrispondere solo alla registrazione su uno strato di vernice essiccata (senza verniciatura di fondo e verniciatura).
Modellazione - nelle arti visive: il trasferimento delle proprietà volumetrico-plastiche e spaziali del mondo oggettivo attraverso gradazioni di luci e ombre (pittura, grafica) o la corrispondente plasticità delle forme tridimensionali (scultura, in particolare rilievo). La modellazione viene solitamente eseguita tenendo conto della prospettiva, nella pittura, inoltre, con l'ausilio di gradazioni di colore che sono indissolubilmente legate al chiaroscuro. I compiti della modellazione non si limitano a una semplice riproduzione del mondo oggettivo: partecipando alle caratteristiche ideologiche e figurative dell'oggetto, generalizza, valorizza e rivela la caratteristica più essenziale.
Modernismo - una designazione generale delle direzioni dell'arte e della letteratura della fine del XIX-XX secolo. (Cubismo, Dadaismo, Surrealismo, Futurismo, Espressionismo, Arte Astratta, ecc.). Le caratteristiche principali del modernismo sono: la negazione del ruolo cognitivo e sociale dell'arte, la sua ideologia, nazionalità, la sostituzione dell'arte con tutti i tipi di trucchi, la completa distorsione o ignoranza delle tradizioni professionali del patrimonio artistico realistico.
Mosaico - un tipo tecnico speciale di pittura monumentale, basato sull'uso di solidi multicolori - smalto, pietre naturali colorate, smalti colorati su argilla cotta, ecc. come materiale artistico principale. L'immagine è composta da pezzi di tali materiali, ben incastrati tra loro, rinforzati con cemento o mastice speciale e poi lucidati. Secondo il metodo della cosiddetta posa diretta, il mosaico viene eseguito dal lato anteriore - nel luogo previsto (muro, volta, ecc.) O su una lastra separata, che viene poi incassata nel muro. Con la posa rovesciata, i tasselli colorati sono visibili all'artista solo dal retro, poiché sono incollati con la superficie frontale su un sottile rivestimento temporaneo (rimosso dopo il trasferimento del mosaico a parete). Il primo di questi metodi è relativamente complesso e dispendioso in termini di tempo, ma più perfetto dal punto di vista artistico.
Cavalletto - una macchina (da qui la definizione di “pittura da cavalletto”), necessaria all'artista per mantenere l'inclinazione desiderata del quadro durante il lavoro. Il requisito principale per un cavalletto è la stabilità.
Monotipo - un tipo speciale di tecnica grafica associata al processo di stampa, ma nettamente diverso da qualsiasi tipo di incisione per la completa assenza di influenze meccaniche o tecniche sulla superficie della tavola. Le vernici vengono applicate a mano su una superficie liscia, seguita dalla stampa sulla macchina. L'impronta digitale ricevuta è l'unica
e unico.
Mmonumentalità nelle opere di pittura da cavalletto è dovuto al significato sociale del tema del dipinto, al suo pathos eroico, alla profondità e al potere dell'incarnazione delle idee nelle immagini corrispondenti: semplici, rigorose, maestose ed espressive.
schizzo a colori - uno studio di piccole dimensioni, eseguito in modo fluido e rapido. Lo scopo principale di tale schizzo è acquisire la capacità di percepire pienamente la natura, di trovare e trasmettere le corrette relazioni cromatiche dei suoi oggetti principali. È noto che la struttura pittorica a tutti gli effetti dell'immagine è determinata dal trasferimento proporzionale delle differenze tra le principali macchie di colore della natura. Senza questo, nessuno studio attento dei dettagli, dei riflessi, dei mosaici di sfumature cromatiche porterà a un'immagine pittorica a tutti gli effetti.
Nazionalità - la connessione dell'arte con le persone, la condizionalità dei fenomeni artistici alla vita, alla lotta, alle idee, ai sentimenti e alle aspirazioni delle masse, all'espressione nell'arte dei loro interessi e alla psicologia. Uno dei principi fondamentali del realismo socialista.
Natura - nella pratica delle belle arti, ce ne sono qualsiasi fenomeni naturali, oggetti e oggetti che l'artista raffigura, osservando direttamente come modello. Dalla natura, di regola, viene eseguito solo uno schizzo, uno schizzo, uno schizzo, un ritratto e talvolta un paesaggio.
Naturalismo - nelle arti visive si esprime isolandosi da ampie generalizzazioni, da principi ideologici e porta a un metodo di copia puramente esterna di tutto ciò che è nel campo visivo. Anche i pittori principianti talvolta pensano che l'obiettivo assoluto dell'arte sia una rappresentazione affidabile della natura nella trasmissione delle sue qualità tridimensionali, materiali e spaziali. Certo, è necessario padroneggiare le belle arti, le tecniche tecniche della maestria pittorica. Tuttavia, è altrettanto importante sviluppare contemporaneamente la capacità di vedere la realtà attraverso gli occhi di un artista. L'immagine pittoresca non è un riflesso speculare della natura. "La pittura", ha detto I. I. Levitan, "non è un protocollo, ma una spiegazione della natura attraverso la pittura". Il pittore seleziona e generalizza nella colorata diversità della natura quegli elementi che possono trasmettere espressivamente il disegno ideologico e figurativo. Cerca di rivelare l'essenza del raffigurato, mostra ciò che lo ha emozionato. Ciò mostra la personalità dell'artista, la sua visione del mondo, nonché il gusto e l'esperienza pratica nell'uso di materiali e tecniche colorate.
Natura morta - uno dei generi di belle arti dedicato alla riproduzione di articoli per la casa, frutta, verdura, fiori, ecc. Il compito dell'artista che raffigura una natura morta mediante la pittura è trasmettere la bellezza coloristica degli oggetti che circondano una persona, la loro essenza voluminosa e materiale, e anche per esprimere il loro atteggiamento nei confronti della raffigurazione. L'immagine di una natura morta è particolarmente utile nella pratica educativa per padroneggiare le abilità pittoriche. In una natura morta, l'artista comprende le leggi dell'armonia dei colori, acquisisce l'abilità tecnica della modellazione pittorica della forma.
Generalizzazione artistica - la capacità dell'artista di conoscere la realtà oggettiva, rivelando l'essenziale negli oggetti e nei fenomeni attraverso il confronto, l'analisi e la sintesi. Un'opera d'arte è il risultato dell'espressività generale, pur conservando allo stesso tempo tutta l'originalità del concreto immagine visiva.
In senso strettamente professionale, la generalizzazione è l'ultima fase nel processo di disegno o pittura dalla natura, dopo lo studio dettagliato della forma. In questa fase del lavoro, i dettagli vengono riassunti al fine di creare un'immagine olistica della natura basata sulla sua percezione visiva integrale.
Immagine artistica - una forma specifica di riflessione della realtà in una forma concreta-sensoriale percepita visivamente. La creazione di un'immagine artistica è strettamente connessa con la selezione dei più caratteristici, con l'enfatizzazione degli aspetti essenziali di un oggetto o fenomeno entro i limiti dell'unicità individuale di questi oggetti e fenomeni. È noto che la coscienza umana riflette non solo l'immagine visiva oggettiva di un oggetto o fenomeno, ma anche le qualità emotive della sua percezione. Ecco perché immagine artistica nella pittura contiene non solo le caratteristiche reali dell'oggetto raffigurato, ma anche il suo significato sensoriale-emotivo. Ogni immagine è sia un vero riflesso della realtà oggettiva sia un'espressione dei sentimenti estetici dell'artista, del suo atteggiamento individuale ed emotivo nei confronti dell'immagine, del gusto e dello stile.
Prospettiva inversa - una tecnica errata per disegnare la prospettiva, la cui essenza è che le linee parallele e orizzontali nello spazio nell'immagine sono raffigurate non convergenti, ma divergenti; si verifica abbastanza spesso nell'antica pittura di icone, a causa dell'ignoranza da parte degli artisti delle regole elementari per costruire la prospettiva (in alcuni casi è consentita la violazione deliberata delle regole per la costruzione della prospettiva).
Tono generale e stato di natura del colore - il risultato di diverse intensità luminose. Per trasmettere lo stato di illuminazione diversa (al mattino, pomeriggio, sera o in una giornata grigia), quando si costruisce il sistema di colori dello schizzo, non vengono sempre utilizzati i colori chiari e luminosi della tavolozza. In alcuni casi, l'artista costruisce una relazione in una gamma ridotta di luminosità e intensità del colore (giorno grigio, stanza buia), in altri casi - colori chiari e luminosi (ad esempio, una giornata di sole). Pertanto, l'artista mantiene le relazioni di tono e colore dello studio in diverse gamme tonali e cromatiche (scale). Ciò contribuisce alla trasmissione dello stato di illuminazione, che è particolarmente importante nella pittura di paesaggio, poiché è questo stato che ne determina l'impatto emotivo (vedi la scala tonale e cromatica dell'immagine).
Volume - l'immagine della tridimensionalità della forma sul piano. Viene effettuato principalmente dalla corretta costruzione costruttiva e promettente dell'argomento. Un altro mezzo importante per trasmettere il volume su un piano è la gradazione di luce e ombra, espressa nel colore: evidenziazione, luce, penombra, ombra propria e incidente, riflesso. L'immagine del volume sul piano pittorico è facilitata anche dalla direzione del tratto o del tratteggio, dal loro movimento nel senso della forma (sulle superfici piane sono diritti e paralleli, sulle superfici cilindriche e sferiche sono arcuati).
Alone - un fenomeno noto anche come "irradiazione"; si verifica a seguito della dispersione della luce intensa in un liquido trasparente che riempie il bulbo oculare. A causa dell'aumento della sensibilità dell'occhio al buio, reagisce fortemente quando si osservano fonti di luce intensa (un fuoco o una lampada accesa). Di giorno non sembrano luminosi, ma al crepuscolo o di notte possono accecare gli occhi. Gli occhi quasi non percepiscono il colore delle fonti di luce intensa, ma l'alone attorno ai corpi luminosi o agli oggetti fortemente illuminati ha un colore più pronunciato. La fiamma di una candela sembra quasi bianca e l'alone attorno ad essa è giallo. Una forte evidenziazione su una superficie lucida appare bianca e l'alone attorno ad essa assume la proprietà cromatica della sorgente luminosa. I sottili tronchi degli alberi contro il cielo sono completamente avvolti in un alone, cioè sembrano blu e sullo sfondo di un tramonto giallo - arancione o rosso. Quando l'alone viene trasmesso nell'immagine, l'occhio percepisce gli oggetti come luminosi (una candela, finestre luminose giorno e notte, stelle nel cielo, ecc.). Raffigurato senza aureola, compagno indispensabile della luce intensa, il tronco dell'albero e la sua chioma sembrano un'applicazione dura su un cielo chiaro, le stelle senza aureola danno l'impressione di macchie di vernice spruzzate su uno sfondo scuro, punti luminosi senza aureola sembrano chiazze chiare sullo sfondo di una brocca.
La base - nella tecnologia della pittura: il materiale su cui vengono applicati il primer e lo strato pittorico del quadro. Il tipo più comune di supporto è la tela, mentre meno comunemente vengono utilizzati il legno (era il supporto più comune nell'antichità, nel Medioevo e nel Rinascimento), cartone, carta, metallo, vetro, linoleum, ecc.. In alcuni tipi di pittura (ad esempio affresco, acquerello, ecc.) la base viene utilizzata senza preparazione speciale.
riciclaggio - 1) tecnica dell'acquerello utilizzando vernice o inchiostro molto liquidi. Per colorare comparativamente vasta area in tono chiaro, lo colorano con vernice per circa '/* un bicchiere d'acqua, lasciano riposare la vernice (è meglio filtrarla poi) e prelevano la “soluzione” dall'alto con un pennello, senza toccare il fondo il vetro; 2) chiarire la vernice o rimuoverla dalla carta con un pennello imbevuto di acqua pulita e raccogliere la vernice imbevuta con carta assorbente (la procedura viene ripetuta più volte).
Relazioni di colore - differenze negli oggetti per luminosità e colore: cosa è più chiaro in natura, cosa è più scuro, oltre alle differenze di colore e alla sua saturazione.
Tinta (sfumatura) - una piccola differenza, spesso appena percettibile, di colore, luminosità o saturazione del colore.
Acquaforte - incisione con ago o linea, una varietà tecnica ampiamente utilizzata di incisione approfondita su metallo. Si lavora all'acquaforte grattando il fondo dell'incisione con aghi speciali, solitamente con la tecnica del disegno a tratto libero. La durata irregolare dell'incisione dei dettagli dell'immagine con gli acidi determina differenze nella forza e nella ricchezza del tratto. La tecnica dell'acquaforte è caratterizzata da relativa semplicità e grande flessibilità.
Sensazione visiva - il risultato dell'interazione dell'energia radiante con l'organo della visione e la percezione di questa interazione da parte della coscienza. Di conseguenza, una persona riceve una varietà di sensazioni di luce e colore, ricche gradazioni di colore che caratterizzano la forma degli oggetti e dei fenomeni naturali in varie condizioni di illuminazione, ambiente e spazio.
Tavolozza - 1) una tavoletta sottile di forma quadrangolare o ovale, sulla quale l'artista mescola i colori mentre lavora; 2) un elenco esatto dei colori utilizzati da questo o quell'artista nella sua pratica creativa.
Panorama - una tela pittorica a forma di nastro circolare chiuso. Sulla tela davanti all'immagine pittorica sono posizionati vari oggetti falsi reali, che creano l'illusione di una transizione diretta dello spazio reale del primo piano nello spazio pittorico dell'immagine. Il panorama si trova in una sala cinematografica appositamente costruita con una piattaforma panoramica centrale, solitamente oscurata. A differenza del panorama, il diorama è un'immagine pittoresca a forma di nastro semicircolare curvo.
I panorami creati dall'artista F. A. Rubo "Difesa di Sebastopoli" (1902-1904) e "Battaglia di Borodino" (1911) sono ancora esempi insuperabili.
Pastello - matite colorate senza bordo, realizzate con polvere di vernice. Si ottengono mescolando la polvere di vernice con un adesivo (colla di ciliegia, destrina, gelatina, caseina). Lavora con pastello su carta, cartone o tela. Le vernici vengono applicate con tratti, come in un disegno, o strofinate con le dita con sfumature, che consentono di ottenere le sfumature di colore più fini e le transizioni di colore più delicate, una superficie opaca e vellutata. Quando si lavora con il pastello, gli strati di vernice possono essere facilmente rimossi o sovrapposti, poiché vengono raschiati liberamente da terra. Le opere realizzate in pastello vengono solitamente fissate con una soluzione speciale.
Pastosità - 1) nella tecnica della pittura ad olio: uno spessore significativo dello strato pittorico utilizzato come mezzo artistico. Agendo come caratteristica tecnica, la pastosità rimane sempre evidente alla vista e si manifesta in una certa irregolarità dello strato pittorico, in un “tratto in rilievo”, ecc. In senso stretto, puramente tecnologico, pittura a strato spesso con superficie liscia è talvolta chiamato pastoso, in cui la pastosità può non essere evidente (body painting). pittura); 2) una proprietà speciale della plasticità del materiale pittorico, che consente alla pittura ad olio non diluita di mantenere completamente la forma che gli conferisce il pennello.
Scenario - vista, immagine di qualsiasi area; nella pittura e nella grafica, un genere e un'opera separata in cui il soggetto principale dell'immagine è la natura. Spesso raffigurate vedute di città e complessi architettonici(paesaggio architettonico), vista sul mare (porto turistico).
Variegata (frazionalità) dell'immagine - difetti in un disegno o schizzo, che si ottengono quando un artista alle prime armi disegna o dipinge la natura in parti, "a bruciapelo". Di conseguenza, la forma degli oggetti è sovraccarica di dettagli, i loro contorni sono netti, molti oggetti e le loro superfici hanno lo stesso tono e intensità di colore. Ciò accade perché un artista inesperto, sebbene confrontasse gli oggetti per tono e colore, li guardava alternativamente, separatamente. Quando un artista sviluppa l'abilità della visione simultanea (integrale) e del confronto degli oggetti secondo tre proprietà cromatiche (colore, luminosità, saturazione), la diversità tonale dell'immagine scompare.
Piani spaziali - aree di spazio convenzionalmente divise situate a diverse distanze dall'osservatore. Nella foto si distinguono diversi piani: primo, secondo, terzo o anteriore, centrale, posteriore. Lo spazio sul piano della tela o della carta è trasmesso principalmente dalla corretta costruzione prospettica. Se gli oggetti o i volumi sulle piante spaziali vengono disegnati senza rispettare rigorosamente i loro cambiamenti prospettici, la soluzione cromatica farà ben poco per rappresentare lo spazio. La natura del tratto contribuisce anche alla trasmissione delle qualità spaziali dell'immagine (nella figura - la natura del tratto). La tecnica di ombreggiatura per gli oggetti in primo piano è più definita, rigida e densa. Una macchia di vernice è più pastosa, in rilievo, frazionaria. Piani lontani vengono trasmessi con un tratto più morbido, un sottile strato di vernice.
Plastica - armonia, espressività e flessibilità di forme, linee, notate dall'artista nella natura raffigurata.
Pittura all'aria aperta - dipingere all'aria aperta. Valore attivo nello scrivere uno studio su all'aperto avere cambiamenti nei colori della natura sotto l'influenza della luce e dell'aria. In questo caso, è necessario prestare particolare attenzione al tono generale e allo stato cromatico della natura (a seconda dell'intensità e del colore dell'illuminazione) e al fenomeno della prospettiva aerea. Il momento determinante nella pittura all'aria aperta è la coerenza della scala tonale e cromatica durante la costruzione delle relazioni tonali e cromatiche dello studio (vedere la scala tonale e cromatica dell'immagine):
Sottoverniciatura - la fase preparatoria del lavoro sull'immagine, eseguita con la tecnica della pittura ad olio. La verniciatura di fondo viene solitamente eseguita con un sottile strato di vernice e può essere monocromatica o multicolore.
Barella. La tela su cui l'artista dipinge un quadro è tesa su una barella. Il suo scopo è mantenere tesa la tela. Ciò è garantito dal fissaggio non rigido delle assi di legno del controtelaio. Con il fissaggio cieco degli angoli del telaio, è difficile correggere il cedimento della tela dall'umidità. Sulle guide del controtelaio vengono realizzati smussi diretti all'interno del controtelaio. Altrimenti, nei punti di contatto tra la tela e le nervature interne del telaio, la tela si deforma e su di essa compaiono le nervature interne del telaio. I controtelai di grandi dimensioni sono realizzati con una crociera, che li protegge dalle distorsioni diagonali e dalle deflessioni delle lamelle.
Penombra - una delle gradazioni di chiaroscuro sulla superficie di un oggetto tridimensionale, intermedia tra luce e ombra (sia nella natura che nell'immagine).
Ritratto - un'immagine in cui aspetto una determinata persona, le sue caratteristiche individuali. L'arte della ritrattistica richiede che, insieme alla somiglianza esterna, l'aspetto di una persona rifletta i suoi interessi spirituali, lo status sociale e le caratteristiche tipiche dell'epoca a cui appartiene. Nel ritratto dovrebbero essere presenti anche l'atteggiamento personale dell'artista nei confronti delle persone raffigurate, la sua visione del mondo, l'impronta del suo modo creativo.
Primitivismo - una delle tendenze formaliste nelle arti visive. È caratterizzato da un completo rifiuto delle conquiste del realismo al fine di imitare le forme d'arte delle cosiddette epoche primitive (tribù primitive), prendendo deliberatamente in prestito le caratteristiche dei disegni dei bambini, ecc.
Registrazione - nella tecnica della pittura ad olio, la fase principale nell'esecuzione di una grande tela, che segue la pittura di fondo, precedendo la smaltatura. Il numero delle iscrizioni dipende dallo stato di avanzamento del lavoro dell'artista; ognuno di essi termina con la completa asciugatura della vernice. Nel senso ampio e impreciso del termine, la verniciatura di fondo, così come qualsiasi elaborazione di una tela già finita o di sue parti, viene talvolta chiamata registrazione.
Proporzioni - il rapporto tra le dimensioni degli oggetti o delle loro parti tra loro e rispetto al tutto. In un disegno o in un dipinto, queste relazioni sono trasmesse in proporzione, cioè simili, ridotte o aumentate dello stesso numero di volte. Il rispetto delle proporzioni è di importanza decisiva, poiché sono il tratto più caratteristico del soggetto e costituiscono la base di un'immagine veritiera ed espressiva.
Proporzionalità dei rapporti - la legge della pittura realistica, che determina il rapporto di ogni punto di colore chiaro dello studio con gli altri, proporzionale all'immagine visiva della natura, condizione importante per una rappresentazione veritiera e olistica della realtà. La nostra percezione visiva e il riconoscimento della forma, del colore, del materiale degli oggetti, dello stato di illuminazione si basa sulle loro relazioni tonali e cromatiche. Le caratteristiche di tono e colore sono percepite visivamente non isolatamente, ma a seconda dell'ambiente, insieme ad altri toni e colori. Pertanto, l'artista riproduce sullo schizzo le differenze tonali e cromatiche della natura, nonché le dimensioni prospettiche degli oggetti, mediante il metodo della corrispondenza proporzionale tra l'immagine e l'immagine visiva della natura. Ciò raggiunge lo stato di illuminazione dello studio, la vera modellazione della forma tridimensionale, della materialità, della profondità spaziale e di altre qualità pittoriche dell'immagine.
Il processo di pittura dalla natura implica un ordine speciale di esecuzione del lavoro all'inizio, a metà e nella fase finale. Questo processo va dall'elaborazione generale a quella dettagliata del modulo e termina con una generalizzazione, evidenziando il principale e subordinando ad esso il secondario. Nella pittura in queste fasi, quanto segue compiti specifici: 1) trovare la relazione tra le principali macchie di colore, tenendo conto del tono e dello stato cromatico dell'illuminazione (la sua intensità e composizione spettrale), 2) "smagliature" colore-tono all'interno delle relazioni di base trovate, modellazione cromatica dei tre -forma dimensionale dei singoli oggetti, 3) nella fase di generalizzazione - ammorbidimento dei contorni netti degli oggetti, attenuando o esaltando il tono e il colore dei singoli oggetti, evidenziando il principale, subordinando ad esso il secondario. Alla fine, l'intera immagine pittorica viene portata all'integrità e all'unità, all'impressione che riceve la visione vedendo la natura nel suo insieme.
Diluenti . Per gli acquerelli e i colori a guazzo l'unico diluente è l'acqua. Per diluire i colori ad olio vengono utilizzate composizioni di origine trementina (pinene n. 4) o prodotti petroliferi miscelati con alcool o olio di lino (diluenti n. 1, 2). L'aggiunta, ad esempio, di pinene ai colori ad olio contribuisce alla loro rapida essiccazione. Inoltre, per garantire una migliore adesione degli strati di vernice, la superficie indurita dello strato di vernice viene pulita con pinene prima della nuova registrazione.
Angolo - riduzione prospettica della forma di un oggetto, portando a un cambiamento nei suoi contorni abituali; contrazioni nettamente pronunciate che si verificano quando un oggetto viene osservato dall'alto o dal basso.
Telaio. L'immagine creata dall'artista ha una cornice. Completa la composizione, le conferisce unità, dirige l'attenzione dello spettatore sull'opera stessa. Molto spesso la cornice ha una forma rettangolare, occasionalmente rotonda o ovale. Spesso le doghe del telaio hanno profili sottili, come gradini che scendono verso il quadro stesso. Aiutano l'occhio dello spettatore a immergersi più facilmente nel mondo raffigurato. Gli artisti trattano la cornice come una parte essenziale della composizione pittorica e la dipingono con colori chiari e scuri. sfumature diverse. Ci sono cornici con ricchi motivi plastici, ornamenti floreali o geometrici convenzionali.
Realismo - un metodo di creatività artistica basato su una profonda conoscenza della vita e una riflessione figurativa della sua essenza e bellezza. Il realismo nella pittura si basa sulla rappresentazione della vita nelle forme della vita stessa. L'artista studia costantemente la vita con una matita e un pennello in mano e padroneggia perfettamente l'abilità di rappresentare fedelmente oggetti e oggetti della realtà. Senza la conoscenza organica e la generalizzazione della vita, da un lato, e la capacità di incarnare tutto questo in un'immagine visiva concreta, dall'altro, l'immagine artistica nella foto si trasforma in uno schema privo della persuasività della vita.
realismo socialista - il metodo dell'arte socialista, mirato a una riflessione veritiera e storicamente concreta della realtà nel suo sviluppo rivoluzionario ai fini dell'educazione ideologica ed estetica delle persone nello spirito del socialismo e del comunismo.
Riflesso - riflessione luminosa o colorata che si verifica sulla forma a seguito della riflessione dei raggi luminosi dagli oggetti circostanti. I colori di tutti gli oggetti sono interconnessi da riflessi. Maggiore è la differenza di luminosità e colore tra due oggetti adiacenti, più evidenti saranno i riflessi. Sulle superfici ruvide e opache sono più deboli, su quelle lisce sono più visibili e hanno contorni più distinti. Sulle superfici lucide sono particolarmente evidenti (in questo caso sono esaltati dalla riflessione speculare).
Disegno -1) riproduzione a tutti gli effetti del mondo oggettivo: modellazione volumetrico-spaziale, proporzioni corrette, espressione fedele, carattere chiaramente definito, ecc. Questa è la base per immagine realistica la realtà in generale - con qualsiasi mezzo e tecnica tecnica. L'insegnamento del disegno è parte essenziale della formazione professionale di un pittore, grafico e scultore; 2) un tipo di grafica artistica basata su mezzi tecnici e capacità di disegno. A differenza della pittura, il disegno viene eseguito prevalentemente con una materia colorante solida (matita, carboncino, sanguigna, ecc.), di norma mediante un tratto e una linea, con il ruolo ausiliario del colore; 3) un'opera separata del tipo di grafica corrispondente.
Ritmo e ritmo - ripetibilità di alcuni elementi compositivi opere, la loro speciale proporzionalità, portando ad una coerenza armoniosa e regolare dell'insieme. Il ritmo può manifestarsi attraverso contrasti e corrispondenze di raggruppamenti di figure, oggetti, linee, movimenti, macchie in bianco e nero e di colore, piani spaziali, ecc.
Leggero - un elemento di gradazioni di luce e ombra, serve a designare la parte illuminata della superficie degli oggetti.
Leggerezza (tono) - il grado comparativo di differenza dallo scuro: più si è lontani dallo scuro, maggiore è la luminosità del colore.
Apertura - il grado di leggerezza del soggetto, il suo tono. L'apertura dipende dalla presenza di altri toni (vicini), nonché dal colore degli oggetti.
Chiaroscuro - gradazioni regolari di luce e buio sulla forma volumetrica di un oggetto, grazie alle quali, sia in natura che nel disegno, proprietà oggettive come volume e materiale sono percepite dall'occhio. Le principali gradazioni del chiaroscuro: evidenziazione, luce, penombra, propria ombra, riflesso, ombra cadente.
proprietà del colore - tonalità di colore, o sfumatura: rosso, blu, giallo, giallo-verde, luminosità e saturazione (il grado della sua differenza dal grigio, cioè il grado di vicinanza al colore spettrale puro). Nel processo di pittura, queste tre proprietà vengono utilizzate per confrontare i colori dell'ambiente naturale, trovarne le differenze cromatiche e vengono trasferite allo schizzo in rapporti proporzionali.
Raccoglitore è un astringente (colla, olio, calce spenta, tuorlo uovo di pollo), con l'aiuto del quale le particelle di pigmento sono interconnesse e fissate sulla superficie del terreno, formando uno strato di vernice. Tipi di pittura - affresco, pittura ad olio, tempera - differiscono proprio nella composizione del legante, sebbene il pigmento, di regola, sia lo stesso.
Silhouette - un'immagine planare monocolore scura su sfondo chiaro. persona, animale o oggetto. Il termine deriva dal nome del ministro delle Finanze francese del XVIII secolo. E. de Silhouette, che è stato caricaturato sotto forma di profilo d'ombra.
Simbolo. - un'immagine che esprime allegoricamente qualsiasi concetto ampio o idea astratta. Nel caso in cui la connessione di un simbolo con il concetto da esso espresso risulti da una somiglianza interna di significato, da una relazione tra l'oggetto raffigurato e il suo significato allegorico, l'uso di un simbolo diventa appropriato e possibile nell'arte realistica. Un simbolo viene utilizzato quando si vuole esprimere un concetto ampio e onnicomprensivo in una forma concisa e concisa.
Contenuto e forma nell'art - categorie indissolubilmente legate e interdipendenti, una delle quali indica cosa esattamente si riflette ed esprime nell'opera (contenuto), e la seconda indica come, con quali mezzi ciò viene raggiunto (forma). Il ruolo principale e determinante spetta al contenuto. Diventa un certo fenomeno della vita, realizzato ed esteticamente compreso dall'artista nel processo di lavoro creativo. La categoria della forma artistica nelle arti visive comprende: trama, composizione, tipo, disegno, sistema di colore, volume, spazialità, costruzione di luci e ombre, ecc. Va notato che i meriti artistici di un'opera dipendono direttamente da quanto professionalmente addestrato l'artista utilizza forme di espressione. Senza la padronanza pratica della cultura dell'uso del colore, è impossibile esprimere il contenuto figurativo mediante la pittura in un determinato materiale.
Confronto - un metodo per determinare proporzioni, relazioni tonali e cromatiche, ecc. Le proprietà e le qualità sono conosciute dalla nostra coscienza attraverso il confronto. Comprendere la natura della forma di un oggetto, determinarne il tono e il colore è possibile solo rispetto ad altri oggetti. Per rappresentare la natura in modo veritiero, l'artista deve creare sullo schizzo differenze proporzionali alla natura negli oggetti in termini di dimensioni, tono e colore. È solo con il metodo del confronto (con una percezione integrale della natura) che è possibile determinare in natura le relazioni cromatiche tra gli oggetti, per trasmetterli su tela o carta.
Stilizzazione - 1) imitazione intenzionale stile artistico caratteristico di qualsiasi autore, genere, movimento, arte e cultura di un determinato ambiente sociale, nazionalità, epoca. Di solito comporta una libera interpretazione del contenuto e dello stile dell'arte che è servita da prototipo; 2) nelle arti visive e principalmente nelle arti decorative, il design, la generalizzazione delle figure e degli oggetti raffigurati utilizzando tecniche condizionali; la stilizzazione è particolarmente caratteristica dell'ornamento, dove trasforma l'oggetto dell'immagine nel motivo del motivo.
Stile - 1) la comunanza delle caratteristiche ideologiche e artistiche delle opere d'arte di una certa epoca. L'aspetto e il cambiamento degli stili sono determinati dal corso sviluppo storico società (ad esempio classicismo, barocco, ecc.); 2) caratteristica nazionale dell'arte (stile cinese, moresco, ecc.). Parlano anche dello stile di un gruppo di artisti o di un artista, se il loro lavoro si distingue per caratteristiche individuali brillanti.
Pennello asciutto - nella pittura e nella grafica, una tecnica ausiliaria che consiste nel lavorare con pennelli duri debolmente saturi di vernice. Come tecnica indipendente, il pennello asciutto viene utilizzato principalmente nelle arti decorative.
Sfumato - in pittura e grafica, termine associato alla pittura del Rinascimento italiano a partire da Leonardo da Vinci e che indica la morbidezza dell'esecuzione, l'inafferrabilità dei contorni del soggetto come risultato di un certo approccio artistico.
Complotto - 1) un evento o fenomeno specifico rappresentato nell'immagine. Lo stesso tema può essere rivelato in una varietà di trame; 2) a volte per trama si intende qualsiasi oggetto della natura vivente o del mondo oggettivo, preso per immagine. Spesso la trama sostituisce il concetto di motivo, che è la base di un'opera (soprattutto un paesaggio).
Processo creativo (creatività) - il processo di creazione di un'opera d'arte, dalla nascita di un'idea figurativa alla sua incarnazione, il processo di traduzione delle osservazioni della realtà in un'immagine artistica. Nella pittura, la creatività consiste nel creare un'opera in forme visibili direttamente autentiche.
Soggetto - la gamma di fenomeni scelti dall'artista per rappresentare e rivelare l'idea dell'opera.
colori a tempera - idropitture costituite da polveri secche impastate con tuorlo d'uovo diluito con acqua di colla. Attualmente vengono realizzate anche vernici semiliquide, racchiuse in tubi e preparate sul tuorlo, sull'uovo intero o sull'emulsione olio vegetale con uovo e colla. I colori a tempera possono essere scritti in modo denso, come oli, e sottili, come acquerelli, diluendoli con acqua. Si asciugano più lentamente della tempera. Lo svantaggio è la differenza nelle tonalità della vernice grezza e essiccata. I dipinti dipinti con colori a tempera hanno una superficie opaca, quindi a volte sono ricoperti con una vernice speciale che elimina questa opacità.
Ombra - un elemento di chiaroscuro, le zone più scarsamente illuminate della natura e dell'immagine. Ci sono ombre proprie e cadenti. Le ombre che appartengono all'oggetto stesso sono chiamate ombre proprie. Le ombre cadenti sono ombre proiettate dal corpo sugli oggetti circostanti.
Colori caldi e freddi . I colori caldi sono condizionatamente associati al colore del fuoco, del sole, degli oggetti caldi: rosso, rosso-arancione, giallo-verde. I colori freddi sono associati al colore dell'acqua, del ghiaccio e di altri oggetti freddi: verde-blu, blu, blu-blu, blu-viola. Queste qualità del colore sono relative e dipendono dalla posizione di un altro colore nelle vicinanze. L'oltremare, ad esempio, è freddo di per sé, accanto al blu di Prussia sarà caldo e il rosso maculato apparirà più freddo del rosso cinabro.
Nell'aspetto cromatico della natura visibile sono sempre presenti sia le tonalità calde che quelle fredde. Questa tonalità caldo-fredda si basa principalmente sui contrasti cromatici naturali nella luce e nell'ombra. In natura accade spesso che i colori degli oggetti siano freddi e le loro ombre calde e viceversa. Al fenomeno del freddo contribuisce anche la cosiddetta percezione visiva contrastante dei colori: dalla presenza di un colore caldo nella natura percepita, sulla retina nasce l'impressione di uno freddo, sebbene in natura non sia così. Il caldo-freddo nella pittura è un fenomeno naturale e una qualità integrale della rappresentazione pittorica di uno studio della natura o di un'immagine.
Tecnica - in campo artistico: insieme di competenze e tecniche particolari attraverso le quali viene eseguita un'opera d'arte. Il concetto di "tecnologia" in in senso stretto le parole di solito corrispondono al risultato diretto e immediato del lavoro dell'artista con un materiale e uno strumento speciali, la capacità di utilizzare le possibilità artistiche di questo materiale; in un senso più ampio, questo concetto copre anche i corrispondenti elementi di natura pittorica: il trasferimento della materialità degli oggetti, la modellazione di forme tridimensionali, la modellazione delle relazioni spaziali, ecc. Senza eccezioni, tutti i mezzi tecnici dovrebbero portare a un risultato artistico noto, quantomeno modesto.
I mezzi tecnici dell’arte non rimangono neutrali rispetto al contenuto. Le caratteristiche principali della tecnica realistica sono dovute principalmente alla sua subordinazione alla struttura ideologica e figurativa dell'opera.
Ttecnica pittorica - vedi pittura a olio, acquerello, guazzo, tempera, pittura a colla, pastello, encausto, affresco, mosaico.
Tono (senza accompagnare la parola "colore") - nella terminologia degli artisti equivale al concetto di leggerezza del colore (vernice). Qualsiasi colore cromatico o acromatico può avere una luminosità diversa. Puoi dire del tono all'interno dello stesso colore, ad esempio il rosso: "tono chiaro di vernice rossa" o "tono scuro di vernice". A volte il termine "tono" viene utilizzato in relazione al colore, ad esempio "il tono dorato del pannello", "il tono marrone dell'immagine". Gli artisti usano spesso il termine "leggerezza" o "apertura" del colore invece del termine "tono" del colore.
Chiave - un termine che denota le caratteristiche esterne del colore o del chiaroscuro nelle opere di pittura e grafica. È più comune in relazione al colore e coincide con il termine "gamma di colori".
Scala tonale e cromatica dell'immagine . Il trasferimento di rapporti tonali e cromatici proporzionali alla natura può essere effettuato in diverse gamme di luminosità e saturazione dei colori della tavolozza. Dipende dallo stato generale della forza dell'illuminazione della natura e dalla sua rimozione dal pittore. L'artista può prendere in studio gli oggetti di colore più leggeri e saturi in natura o nella piena forza dei colori chiari e luminosi della tavolozza, o solo nella metà delle loro possibilità. È così che viene mantenuta la scala tonale e cromatica dell'immagine, in cui si riflettono le relazioni tonali e cromatiche degli oggetti di produzione naturale.
immagine tonale - un'immagine con diverse transizioni tonali dalla luce all'ombra, ovvero con aree con intensità di tono diverse. Un tipico esempio di immagine tonale è una fotografia, un disegno ad olio o acquerello in un colore (grisaglia), nonché un disegno a matita realizzato con la tecnica dell'ombreggiatura.
relazioni di tono . Il riconoscimento della forma volumetrica degli oggetti e del loro materiale avviene nella nostra mente sulla base della percezione visiva delle loro relazioni luminose. Pertanto, l'artista deve riprodurre i rapporti di leggerezza del disegno con il metodo della somiglianza. Attraverso le gradazioni del chiaroscuro su una forma volumetrica e il trasferimento di rapporti tonali proporzionali alla natura tra il colore (materiale) degli oggetti, l'artista raggiunge una vera modellazione volumetrica della forma, espressione della materialità, della profondità spaziale e dello stato di illuminazione (disegno tonale, pittura a grisaglia).
Struttura - caratteristiche caratteristiche della superficie di oggetti realizzati con vari materiali sia nella natura che nell'immagine (rilievo dello strato pittorico dei tratti). La texture può essere liscia, ruvida, in rilievo. La trama della lettera dipende in gran parte dalle proprietà del materiale colorato, dalle caratteristiche dell'oggetto della natura che l'artista raffigura, nonché dal compito e dal materiale di esecuzione. Nell'acquerello, la trama dipende in gran parte dalla superficie della carta. La trama della lettera rivela la grafia individuale dell'artista.
Fas (integrale) - lato anteriore, vista frontale. Questo termine indica che il modello (testa della persona o oggetto) si trova frontalmente, parallelo al piano dell'immagine.
Sfondo - qualsiasi mezzo o piano dietro l'oggetto immagine.
Modulo - 1) aspetto, contorno; implica la presenza di volume, costruzione, proporzione; 2) nelle belle arti forma d'arte- questi sono mezzi artistici che servono a creare un'immagine, rivelare il contenuto (vedi contenuto e forma).
Formalismo - la designazione generale di numerose *> 1X scuole e tendenze antirealiste nelle arti visive: cubismo, futurismo, costruttivismo, surrealismo, suprematismo, purismo, dadaismo, astrattismo, pop art, ecc. Tutte queste varietà di formalismo si basano su un separazione innaturale della forma d'arte dal contenuto, sul riconoscimento dell'indipendenza e dell'indipendenza della forma, pretendendo erroneamente di creare opere d'arte attraverso varie combinazioni di linee o colori "puri". L'immagine formalistica distorce grossolanamente la realtà, perde la capacità di conoscere figurativamente il mondo e talvolta si trasforma in esperimenti ciarlatani senza senso.
Formato - la forma del piano su cui viene eseguita l'immagine. È dovuto ai contorni generali della natura, al rapporto tra altezza e larghezza. La scelta del formato dipende dal contenuto e si adatta alla composizione dell'immagine. Per il sistema figurativo il formato è essenziale.
Affrescare - la varietà tecnica più importante della pittura monumentale, utilizzando la calce come legante principale.
Il colore nella pittura. Il colore in generale è la proprietà degli oggetti di provocare una certa sensazione visiva secondo la composizione spettrale dei raggi riflessi. Nella vita di tutti i giorni, a ciascun oggetto o oggetto viene assegnato un colore specifico. Questo colore è detto oggettivo o locale (l'erba è verde, il cielo è azzurro, acqua di mare- blu, ecc.). Nei pittori alle prime armi, di regola, prevale la visione oggettiva del colore, che porta alla colorazione amatoriale. In senso pittorico un oggetto può essere rappresentato correttamente solo se non è il colore dell'oggetto a essere trasmesso, ma il colore cambiato dall'illuminazione e dall'ambiente. Il colore del soggetto cambia man mano che l'intensità della luce aumenta e diminuisce. Varia anche dalla composizione spettrale dell'illuminazione. L'ambiente in cui si trova l'oggetto riflette anche i raggi colorati che, colpendo la superficie di altri oggetti, formano su di essi riflessi cromatici. Il colore cambia anche dall'interazione del contrasto. Quindi il colore di un oggetto è sempre un mosaico composto da colori e punti di luce ed ombra (riflessi e luci), ed in questo caso si dice non oggettivo, ma condizionato. È questo colore che è uno dei principali mezzi visivi della pittura realistica.
È generalmente accettato che il colore stesso possa avere qualche effetto su una persona. A volte pensano che i colori scuri e chiari creino un'atmosfera allegra; il grigio e il nero provocano una sensazione di sconforto, ecc. In psicologia, si stanno conducendo ricerche ed esperimenti su questo argomento, ma alcuni modelli in questa materia non sono stati ancora identificati. Il pittore non utilizza i valori di colore sopra indicati. Non ha una regola generale per l’impatto emotivo del colore in “diverse occasioni”. Non è affatto necessario risolvere un'immagine con colori scuri o severi se il suo tema è tragico o triste, e i colori vivaci non sono necessari per trame gioiose. Ad esempio, le trame dei dipinti di Surikov "Menshikov in Berezovo" e "Boyar Morozova" sono dedicate al tragico destino di persone di forte volontà e convinzione. I toni scuri predominano nella colorazione della prima immagine. La seconda immagine è costruita su ricche combinazioni di colori di pittura all'aria aperta di un paesaggio invernale, abiti luminosi della folla, colorazione festosa del "tappeto". La natura della trama naturale, lo stato di illuminazione hanno determinato il colore di queste opere. Pertanto, il colore dell'immagine è creato da un sistema di relazioni cromatiche volte a rappresentare condizioni e condizioni di vita reale. Il colore è un mezzo per rappresentare la forma volumetrica di un oggetto, la sua materialità, le qualità spaziali, lo stato coloristico di illuminazione della natura, e solo rivelando in questo modo il contenuto semantico dell'immagine ha l'impatto emotivo necessario.
Unità cromatica e affinità dei colori. Il colore dell'illuminazione, la sua composizione spettrale, influenza opportunamente i vari colori degli oggetti e degli oggetti della natura, li subordina a un certo intervallo. Il risultato è un'unità coloristica dei colori. Un vero riflesso di queste qualità rende uno studio della natura particolarmente veritiero e armonioso in termini di pittura.
Relazioni di colore - differenze nei colori naturali in termini di tonalità (tonalità), luminosità e saturazione. In natura il colore viene sempre percepito in relazione ai colori che lo circondano, con i quali è in stretta interazione e dipendenza. Pertanto, le relazioni cromatiche dello studio dovrebbero essere trasmesse in proporzione alle relazioni cromatiche della natura. Questa è la legge della trasposizione coloristica dei colori della natura visibile nella gamma dei colori della tavolozza, è determinata dalla psicofisiologia della nostra percezione e pensiero visivo.
Integrità dell'immagine - il risultato del lavoro dalla natura mediante il metodo delle relazioni (confronti) con una visione integrale della natura, a seguito della quale l'artista elimina tali difetti di un disegno o di uno schizzo come frammentazione e variegatura.
Integrità della percezione - la capacità dell'artista di vedere contemporaneamente, tutti in una volta, oggetti di produzione naturale. Solo come risultato della percezione visiva integrale è possibile determinare correttamente le proporzioni degli oggetti, i rapporti di tono e colore e ottenere l'integrità dell'immagine di una produzione naturale. L'integrità della percezione è la capacità professionale di vedere e la “regolazione dell'occhio” dell'artista.
Esistono numerosi suggerimenti su come percepire praticamente la natura nel suo insieme: 1) al momento dell'osservazione, quando si determinano le relazioni cromatiche, strizzare gli occhi o "dissolvere" gli occhi sull'intera natura, 2) P. P. Chistyakov ha consigliato di "avere mentalmente davanti a te, per così dire, il vetro piano, dà relazioni”, 3) R. Falk, per l'integrità della visione, consiglia di tagliare un foro rettangolare (2X1 cm) in un pezzo di cartone e di guardare la natura nell'aereo di questa finestra (l'occhio riceve un sistema pittorico olistico dei principali rapporti cromatici della natura, simile ad un mosaico di pietre preziose); 4) puoi anche percepire la natura nel suo insieme e comprenderne le relazioni cromatiche con l'aiuto di uno “specchio nero” (se dipingi su un lato di un vetro trasparente con vernice nera, otterrai uno specchio in cui, in pieno sole , puoi visualizzare gli oggetti del paesaggio con una luminosità ridotta. In uno specchio di questo tipo, gli oggetti si riflettono sullo stesso piano in una forma ridotta, possono essere visti tutti allo stesso tempo. Ciò ti consentirà di catturare più accuratamente le relazioni tonali e cromatiche di natura).
Esterno (al contrario dell'interno) - una rappresentazione dell'esterno di un edificio.
Encausto La pittura a cera è una tecnica pittorica attualmente poco utilizzata, basata sull'utilizzo della cera come legante. Il miglior metodo di pittura a cera in termini di resa e durata è l'encausto antico. I suoi vantaggi risiedono nelle eccezionali qualità di una cera appositamente preparata, che non teme il tempo né l'umidità, non si screpola e mantiene inalterato il suo colore.
Schizzo - un bozzetto preparatorio di uno studio o di un dipinto. Nel processo di lavoro dalla natura, gli schizzi vengono utilizzati come materiale ausiliario; sviluppano opzioni per composizioni di un foglio di carta o tela. Gli schizzi sono realizzati sia sotto forma di rapidi schizzi a matita che nel materiale.
Studio - un'immagine ausiliaria di dimensioni limitate, realizzata dalla natura per il suo attento studio. Attraverso il disegno, l'artista migliora le sue capacità professionali. L'obiettivo principale del lavoro di studio rimane sempre un'incarnazione vera e vivace dell'idea pittorica, la creazione di un'immagine. Nell'arte realistica, lo studio gioca sempre un ruolo di supporto.
Studio è il risultato di una rivalutazione del ruolo dello studio, porta inevitabilmente all'impoverimento del contenuto ideologico e figurativo. È generalmente accettato che lo studio sia nato dall'impressionismo, che limita l'attività del pittore a un lavoro superficiale dalla natura, sostituendo un'immagine con uno studio.
Effetto Purkyne - cambiamento nella luminosità relativa dei colori quando l'illuminazione viene aumentata o diminuita. Ad esempio, durante il giorno, la luminosità relativa del rosso e del giallo sembra forte, e al crepuscolo, del verde e del blu. Il punto qui è che durante il giorno, in condizioni di illuminazione normale, il nostro occhio vede attraverso alcune cellule della retina dell'occhio, i cosiddetti coni, e con una luce molto debole già attraverso altre: i bastoncelli. I coni sono più sensibili al giallo e al rosso, mentre i bastoncelli sono più sensibili al blu-verde. Anche Leonardo da Vinci notò: "Il verde e il blu intensificano i loro colori nella penombra, e il rosso e il giallo vincono di colore nei luoghi più illuminati".
La pittura è forse la forma d'arte più antica. Anche nell'era primitiva, i nostri antenati realizzavano immagini di persone e animali sulle pareti delle caverne. Questi sono i primi esempi di pittura. Da allora, questa forma d'arte è sempre stata una compagna vita umana. Gli esempi di pittura oggi sono numerosi e vari. Cercheremo di coprire il più possibile questo tipo di arte, di parlare dei principali generi, stili, direzioni e tecniche in esso contenuti.
tecniche pittoriche
Consideriamo innanzitutto le tecniche di base della pittura. Uno dei più comuni è olio. Questa è una tecnica in cui vengono utilizzate vernici a base di olio. Queste vernici vengono applicate a tratti. Con il loro aiuto, puoi creare una varietà di sfumature diverse e trasmettere le immagini necessarie con il massimo realismo.
Temperaè un'altra tecnica popolare. Ne parliamo quando si utilizzano vernici a emulsione. Il legante in queste vernici è l'uovo o l'acqua.
Guazzo- una tecnica ampiamente utilizzata nella grafica. La vernice a guazzo è realizzata su base adesiva. Può essere utilizzato per lavorare su cartone, carta, osso o seta. L'immagine è durevole e le linee sono chiare. Pastello- Questa è una tecnica di disegno con matite asciutte, mentre la superficie deve essere ruvida. E, naturalmente, vale la pena menzionare gli acquerelli. Questa vernice viene solitamente diluita con acqua. Con questa tecnica si ottiene uno strato di vernice morbido e sottile. Particolarmente popolare Naturalmente, abbiamo elencato solo le principali tecniche utilizzate più spesso nella pittura. Ce ne sono altri.
Su cosa sono solitamente dipinti i quadri? Il dipinto su tela più popolare. È teso su un telaio o incollato su cartone. Si noti che in passato le assi di legno venivano utilizzate abbastanza spesso. Oggi, non solo la pittura su tela è popolare, ma per creare un'immagine è possibile utilizzare qualsiasi altro materiale piatto.
Tipi di pittura
Ne esistono 2 tipi principali: cavalletto e dipinto monumentale. Quest'ultimo è legato all'architettura. Questo tipo include dipinti sui soffitti e sulle pareti degli edifici, decorandoli con immagini realizzate con mosaici o altri materiali, vetrate colorate e così via. La pittura da cavalletto non è associata a un edificio specifico. Può essere spostato da un posto all'altro. Nella pittura da cavalletto ci sono molte varietà (altrimenti si chiamano generi). Soffermiamoci su di loro in modo più dettagliato.
Generi di pittura
La parola "genere" è di origine francese. Si traduce come "genere", "specie". Cioè, sotto il nome del genere c'è un contenuto di qualche tipo e, pronunciando il suo nome, capiamo di cosa tratta l'immagine, cosa troveremo in essa: una persona, natura, animale, oggetti, ecc.
Ritratto
Il genere pittorico più antico è il ritratto. Questa è l'immagine di una persona che assomiglia solo a se stesso e a nessun altro. In altre parole, un ritratto è un'immagine pittorica di un aspetto individuale, poiché ognuno di noi ha un volto individuale. Questo genere di pittura ha le sue varietà. Un ritratto può essere a figura intera, all'altezza del petto o può essere dipinta solo una persona. Si noti che non tutte le immagini di una persona sono un ritratto, poiché un artista può creare, ad esempio, "una persona in generale" senza cancellarla da nessuno. Tuttavia, quando raffigura un rappresentante specifico della razza umana, sta lavorando a un ritratto. Inutile dire che gli esempi di pittura di questo genere sono numerosi. Ma il ritratto qui sotto è noto a quasi tutti i residenti del nostro paese. Stiamo parlando dell'immagine di A. S. Pushkin, creata nel 1827 da Kiprensky.
A questo genere si può aggiungere anche l'autoritratto. In questo caso l'artista raffigura se stesso. C'è un ritratto in coppia, quando nella foto ci sono persone in coppia; e un ritratto di gruppo, quando viene raffigurato un gruppo di persone. Si nota anche il ritratto cerimoniale, di cui una varietà equestre, uno dei più solenni. Era molto popolare in passato, ma oggi tali opere sono rare. Tuttavia, il prossimo genere di cui parleremo è rilevante in qualsiasi momento. Di cosa si tratta? Lo si può intuire scrutando i generi che non abbiamo ancora nominato, che caratterizzano la pittura. La natura morta è una di queste. È di lui che parleremo ora, continuando a considerare la pittura.
Natura morta
Anche questa parola ha origine francese, significa "natura morta", anche se il significato sarebbe più esatto "natura inanimata". Natura morta: l'immagine di oggetti inanimati. Sono di grande varietà. Si noti che le nature morte possono anche rappresentare la "natura vivente": farfalle si sono posate sui petali, bellissimi fiori, uccelli e talvolta una persona può essere vista tra i doni della natura. Si tratterà comunque di una natura morta, poiché in questo caso l’immagine dei vivi non è la cosa più importante per l’artista.
Scenario
Paesaggio è un'altra parola francese che significa "vista del paese" nella traduzione. È analogo al concetto tedesco di "paesaggio". Il paesaggio è una rappresentazione della natura nella sua diversità. Le seguenti varietà si uniscono a questo genere: il paesaggio architettonico e il paesaggio marino molto popolare, che spesso viene chiamato con l'unica parola "marina", e gli artisti che vi lavorano sono chiamati pittori marini. Numerosi gli esempi di pittura del genere paesaggio marino può essere trovato nel lavoro di I. K. Aivazovsky. Uno di questi è "Arcobaleno" del 1873.
Questa immagine è dipinta a olio ed è difficile da eseguire. Ma creare paesaggi ad acquerello non è difficile, quindi a scuola, nelle lezioni di disegno, questo compito è stato affidato a ciascuno di noi.
Genere animale
Il genere successivo è animalesco. Qui tutto è semplice: questa è un'immagine di uccelli e animali nella natura, in un ambiente naturale.
genere domestico
Il genere quotidiano è una rappresentazione di scene di vita, vita quotidiana, "incidenti" divertenti, vita domestica e storie di persone comuni in un ambiente normale. E puoi fare a meno delle storie: cattura semplicemente le attività e gli affari quotidiani. Tali dipinti sono talvolta indicati come pittura di genere. Ad esempio, prendiamo i Mangiatori di patate di Van Gogh (1885), presentato sopra.
genere storico
I temi della pittura sono diversi, ma il genere storico si distingue separatamente. Questa immagine eroi storici ed eventi. Il genere della battaglia è adiacente ad esso, presenta episodi di guerra, battaglia.
Genere religioso e mitologico
Nel genere mitologico, i dipinti sono scritti sui temi di antiche e antiche leggende su dei ed eroi. Va notato che l'immagine è di natura secolare, e in questo differisce dalle immagini delle divinità rappresentate sull'icona. A proposito, la pittura religiosa non è solo icone. Riunisce varie opere scritte su argomenti religiosi.
Scontro di generi
Quanto più ricco è il contenuto del genere, tanto più appaiono i suoi "compagni". I generi possono fondersi, quindi c'è un dipinto che non può essere inserito affatto nel quadro di nessuno di essi. Nell'arte esiste sia un generale (tecniche, generi, stili) che un individuale (un'opera particolare presa separatamente). Un'immagine separata porta qualcosa in comune. Pertanto, molti artisti possono avere un genere, ma i dipinti dipinti in esso non sono mai uguali. Tali caratteristiche hanno la cultura della pittura.
Stile
Lo stile è un aspetto percezione visiva dipinti. Può combinare il lavoro di un artista o il lavoro di artisti di un determinato periodo, direzione, scuola, area.
Pittura accademica e realismo
La pittura accademica è una direzione speciale, la cui formazione è associata alle attività delle accademie d'arte in Europa. Apparve nel XVI secolo all'Accademia di Bologna, i cui nativi cercarono di imitare i maestri del Rinascimento. A partire dal XVI secolo i metodi di insegnamento della pittura iniziarono a basarsi sulla stretta osservanza di regole e norme, seguendo schemi formali. l'arte a Parigi era considerata una delle più influenti d'Europa. Ha promosso l'estetica del classicismo che ha dominato la Francia nel XVII secolo. Accademia parigina? contribuendo alla sistematizzazione dell'educazione, trasformò gradualmente le regole della direzione classica in un dogma. Quindi la pittura accademica è diventata una direzione speciale. Nel 19° secolo, una delle manifestazioni più importanti dell'accademismo fu il lavoro di J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. I canoni classici furono sostituiti da quelli realistici solo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Fu il realismo che all'inizio del XX secolo divenne il metodo base di insegnamento nelle accademie, trasformandosi in un sistema dogmatico.
Barocco
Il barocco è uno stile e un'era d'arte, caratterizzato da aristocrazia, contrasto, dinamismo delle immagini, dettagli semplici quando si raffigurano abbondanza, tensione, drammaticità, lusso, fusione di realtà e illusione. Questo stile apparve in Italia nel 1600 e si diffuse in tutta Europa. Caravaggio e Rubens ne sono i rappresentanti più importanti. Il barocco viene spesso paragonato all'espressionismo, tuttavia, a differenza di quest'ultimo, non ha effetti troppo ripugnanti. I dipinti di questo stile oggi sono caratterizzati dalla complessità delle linee e dall'abbondanza di ornamenti.
Cubismo
Il cubismo è un movimento artistico d'avanguardia che ha avuto origine nel XX secolo. Il suo creatore è Pablo Picasso. Il cubismo ha apportato una vera rivoluzione nella scultura e nella pittura europea, ispirando la creazione di tendenze simili nell’architettura, nella letteratura e nella musica. La pittura artistica in questo stile è caratterizzata da oggetti ricombinati e rotti che hanno una forma astratta. Quando li si descrive, vengono utilizzati molti punti di vista.
Espressionismo
L'espressionismo è un'altra tendenza importante nell'arte contemporanea apparsa in Germania nella prima metà del XX secolo. All'inizio copriva solo la poesia e la pittura, per poi estendersi ad altri settori dell'arte.
Gli espressionisti descrivono il mondo soggettivamente, distorcendo la realtà per creare un maggiore effetto emotivo. Il loro obiettivo è far riflettere lo spettatore. L'espressione nell'espressionismo prevale sull'immagine. Si può notare che molte opere sono caratterizzate da motivi di tormento, dolore, sofferenza, urla (l'opera di Edvard Munch, presentata sopra, si chiama "L'urlo"). Gli artisti espressionisti non sono affatto interessati alla realtà materiale, i loro dipinti sono pieni di significato profondo ed esperienze emotive.
Impressionismo
Impressionismo: una direzione pittorica, mirata principalmente a lavorare all'aria aperta (open air) e non in studio. Deve il suo nome al dipinto "Impression, Sunrise" di Claude Monet, mostrato nella foto qui sotto.
La parola "impressione" in inglese è impressione. I dipinti impressionisti trasmettono principalmente la sensazione di luce dell'artista. Le caratteristiche principali della pittura in questo stile sono le seguenti: tratti appena visibili e sottili; cambiamento dell'illuminazione, accuratamente trasmesso (l'attenzione è spesso focalizzata sull'effetto del passare del tempo); composizione aperta; un semplice obiettivo comune; il movimento come elemento chiave dell’esperienza e della percezione umana. I rappresentanti più importanti di una tendenza come l'impressionismo sono Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernismo
La direzione successiva è il modernismo, che ha avuto origine come un insieme di tendenze in vari campi dell'arte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Il Salone dei Respinti di Parigi fu inaugurato nel 1863. Qui venivano esposti gli artisti i cui dipinti non erano ammessi nel salone ufficiale. Questa data può essere considerata la data dell'emergere del modernismo come direzione separata nell'arte. Altrimenti, il modernismo è talvolta chiamato "un'altra arte". Il suo obiettivo è creare dipinti unici non come gli altri. La caratteristica principale delle opere è una visione speciale del mondo da parte dell'autore.
Gli artisti nel loro lavoro si ribellarono ai valori del realismo. L'autoconsapevolezza è una caratteristica sorprendente di questa direzione. Ciò porta spesso alla sperimentazione della forma e ad una propensione all’astrazione. I rappresentanti del modernismo prestano particolare attenzione ai materiali utilizzati e al processo di lavoro. Uno dei suoi rappresentanti più importanti sono Henry Matisse (la sua opera "La Camera Rossa" del 1908 è presentata sopra) e Pablo Picasso.
Neoclassicismo
Il neoclassicismo è la direzione principale della pittura nel Nord Europa dalla metà del XVIII secolo fino alla fine del XIX. È caratterizzato da un ritorno alle caratteristiche dell'antico Rinascimento e persino ai tempi del classicismo. In termini architettonici, artistici e culturali, il neoclassicismo è emerso come una risposta al rococò, che era percepito come uno stile artistico superficiale e artistico. Gli artisti neoclassici, grazie alla loro buona conoscenza delle leggi ecclesiastiche, cercarono di introdurre i canoni nel loro lavoro. Tuttavia, evitarono di riprodurre semplicemente motivi e temi classici. Gli artisti neoclassici cercarono di collocare la loro pittura nel quadro della tradizione e dimostrare così la padronanza del genere. Il neoclassicismo sotto questo aspetto è direttamente opposto al modernismo, dove l'improvvisazione e l'espressione di sé sono considerate virtù. I suoi rappresentanti più famosi includono Nicolas Poussin, Raffaello.
Pop Art
L'ultima direzione che considereremo è la pop art. È apparso in Gran Bretagna a metà degli anni '50 del secolo scorso e alla fine degli anni '50 in America. Si ritiene che la pop art sia nata come reazione alle idee dell'espressionismo astratto che dominavano all'epoca. Parlando di questa direzione, è impossibile non menzionare Nel 2009, "Eight Elvis", uno dei suoi dipinti, è stato venduto per 100 milioni di dollari.
GENERI DELLA PITTURA(Genere francese - genere, specie) - una divisione storica delle opere d'arte secondo i temi e gli oggetti dell'immagine. Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, vita quotidiana, paesaggio, natura morta, genere animalesco.
Sebbene il concetto di "genere" sia apparso nella pittura relativamente di recente, alcune differenze di genere esistono fin dall'antichità: immagini di animali nelle caverne del Paleolitico, ritratti dell'antico Egitto e della Mesopotamia del 3000 a.C., paesaggi e nature morte in epoca ellenistica e romana. mosaici e affreschi. La formazione del genere come sistema nella pittura da cavalletto iniziò in Europa nel XV e XVI secolo. e terminò principalmente nel XVII secolo, quando, oltre alla divisione delle belle arti in generi, si affermò il concetto del cosiddetto. generi "alti" e "bassi", a seconda del soggetto dell'immagine, del tema, della trama. Il genere “alto” comprendeva generi storici e mitologici, mentre il genere “basso” comprendeva ritratto, paesaggio e natura morta. Questa gradazione di generi durò fino al XIX secolo. anche se con eccezioni.
Quindi, nel 17 ° secolo. in Olanda furono proprio i generi “bassi” (paesaggio, genere quotidiano, natura morta) a diventare i principali nella pittura, e il ritratto cerimoniale, che formalmente apparteneva al genere “basso” della ritrattistica, non apparteneva a tale . Divenuti una forma di riflessione della vita, i generi pittorici, con tutta la stabilità delle caratteristiche comuni, non sono invariabili, si sviluppano insieme alla vita, cambiando con lo sviluppo dell'arte. Alcuni generi muoiono o acquisiscono un nuovo significato (ad esempio, il genere mitologico), ne nascono di nuovi, solitamente all'interno di quelli preesistenti (ad esempio, all'interno del genere del paesaggio, paesaggio architettonico E marina). Appaiono opere che combinano vari generi (ad esempio, una combinazione del genere quotidiano con un paesaggio, un ritratto di gruppo con un genere storico).
Viene chiamato un genere di belle arti che riflette l'aspetto esterno ed interno di una persona o di un gruppo di persone ritratto. Questo genere è diffuso non solo nella pittura, ma anche nella scultura, nella grafica, ecc. I requisiti principali per un ritratto sono il trasferimento della somiglianza esterna e la rivelazione del mondo interiore, l'essenza del carattere di una persona. Per la natura dell'immagine, si distinguono due gruppi principali: ritratti cerimoniali e da camera. Il ritratto cerimoniale mostra una persona in tutta la sua crescita (a cavallo, in piedi o seduta), su uno sfondo architettonico o paesaggistico. In un ritratto da camera, viene utilizzata un'immagine a mezzo busto o al petto su uno sfondo neutro. Ci sono ritratti doppi e di gruppo. Si chiamano accoppiati i ritratti dipinti su tele diverse, ma coordinati tra loro per composizione, formato e colore. I ritratti possono formare insiemi: gallerie di ritratti unite secondo caratteristiche professionali, familiari e di altro tipo (gallerie di ritratti di membri di una corporazione, gilda, ufficiali di reggimento, ecc.). In un gruppo speciale spicca l'autoritratto: un'immagine di se stesso realizzata dall'artista.
Il ritratto è uno dei generi più antichi di belle arti, originariamente aveva uno scopo di culto, veniva identificato con l'anima del defunto. Nel mondo antico, il ritratto si sviluppò maggiormente nella scultura, così come nei ritratti pittorici: ritratti Faiyum del I-III secolo. Nel Medioevo, il concetto di ritratto fu sostituito da immagini generalizzate, sebbene ci siano alcune caratteristiche individuali nella rappresentazione di personaggi storici su affreschi, mosaici, icone e miniature. Il tardo gotico e il Rinascimento sono un periodo turbolento nello sviluppo del ritratto, quando emerge il genere del ritratto, raggiungendo le vette della fede umanistica nell'uomo e della comprensione della sua vita spirituale. Nel XVI secolo compaiono le seguenti tipologie di ritratto: tradizionale (a mezzo busto o a figura intera), allegorico (con attributi del divino), simbolico (basato su un'opera letteraria), autoritratto e ritratto di gruppo: Giotto Enrico Scrovegni(1305 circa, Padova), Jan van Eyck Ritratto dei coniugi Arnolfini(1434, Londra, National Gallery), Leonardo da Vinci Monna Lisa(1508 circa, Parigi, Louvre), Raffaello signora con un velo(1516 circa, Firenze, Galleria Pitti), Tiziano Ritratto di un giovane con un guanto(1515–1520, Parigi, Louvre), A. Dürer Ritratto di giovane umano(1500, Monaco, Alte Pinakothek), H. Holbein Messaggeri(Londra, galleria Nazionale), Rembrandt La Guardia notturna(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Autoritratto con Saskia in ginocchio(1636 circa, Dresda, Galleria d'arte). Grazie a Van Dyck, Rubens e Velazquez appare una sorta di ritratto di corte reale: il modello è mostrato a figura intera sullo sfondo di panneggi, paesaggi, motivi architettonici (Van Dyck Ritratto di Carlo I, OK. 1653, Parigi, Louvre).
C'è una linea parallela ritratto psicologico, personaggio-ritratto, ritratto di gruppo: F. Hals Ritratto di gruppo del S. Adriana(1633, Haarlem, Museo Frans Hals), Rembrandt Sindaci(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Greco Ritratto di Niño de Guevara(1601, New York, Metropolitan Museum of Art), D. Velasquez Ritratto di Filippo IV(1628, Madrid, Prado), F. Goya Lattaia di Bordeaux(1827, Madrid, Prado), T. Gainsborough Ritratto dell'attrice Sarah Siddons(1784–1785, Londra, National Gallery), F.S. Rokotov Il ritratto di Maikov(1765 circa, Mosca, Galleria Tretyakov), D. G. Levitsky Ritratto di M.A. Dyakova(1778, Mosca, Galleria Tretyakov). Un ritratto interessante e vario dei secoli XIX-XX: D. Ingres Ritratto di signora Récamier(1800, Parigi, Louvre), E. Manet Flautista(1866, Parigi, Louvre), O. Renoir Ritratto di Jeanne Samary(1877, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), V. Van Gogh Autoritratto con orecchio bendato(1889, Chicago, collezione Block), O.A. Kiprensky Ritratto di un poeta Puškin(1827, Mosca, Galleria Tretyakov), I.N. Kramskoy Ritratto dello scrittore Leone Tolstoj(1873, Mosca, Galleria Tretyakov), I.E. Repin Musorgskij(1881, Mosca, Galleria Tretyakov).
Si chiama il genere delle belle arti dedicato a eventi e personaggi storici genere storico. Il genere storico, caratterizzato dalla monumentalità, si è sviluppato da tempo nella pittura murale. Dal Rinascimento al XIX secolo. gli artisti usavano scene mitologia antica, leggende cristiane. Spesso reale eventi storici raffigurati nella foto erano saturi di personaggi allegorici mitologici o biblici. Il genere storico è intrecciato con altri: il genere quotidiano (scene storiche e quotidiane), il ritratto (immagine di personaggi storici del passato, composizioni storico-ritratto), il paesaggio ("paesaggio storico"), si fonde con il genere della battaglia.
Il genere storico si incarna in forme da cavalletto e monumentali, in miniature e illustrazioni. Originario dell'antichità, il genere storico combinava eventi storici reali con miti. Nei paesi antico est c'erano anche tipi di composizioni simboliche (l'apoteosi delle vittorie militari del monarca, il trasferimento del potere a lui da parte della divinità) e cicli narrativi di murali e rilievi.
Nell'antica Grecia c'erano immagini scultoree di eroi storici ( Tirannicidio, 477 a.C.), nell'antica Roma furono realizzati rilievi con scene di campagne militari e trionfi ( La Colonna Traiana a Roma, ca. 111-114). Nel Medioevo in Europa, gli eventi storici si riflettevano nelle miniature delle cronache, nelle icone. Il genere storico nella pittura da cavalletto cominciò a prendere forma in Europa durante il Rinascimento, nei secoli XVII e XVIII. era considerato un genere "alto", portando alla ribalta (trame religiose, mitologiche, allegoriche, addirittura storiche). Uno dei primi dipinti realistici da cavalletto fu Resa di Breda Velazquez (1629-1631, Madrid, Prado). Immagini del genere storico piene di contenuti drammatici, alti ideali estetici, profondità relazioni umane: Tintoretto Battaglia di Zara(1585 circa, Venezia, Palazzo Ducale), N. Poussin La generosità di Scipione(1643, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), J. L. David Giuramento degli Orazi(1784, Parigi, Louvre), E. Manet Esecuzione L'imperatore Massimiliano(1871, Budapest, Museo delle Belle Arti). Inizio del XIX secolo - nuova fase nello sviluppo del genere storico, iniziato con l'emergere del romanticismo, l'ascesa delle aspettative utopistiche: E. Delacroix Presa di Costantinopoli da parte dei crociati(1840, Parigi, Louvre), K. Bryullov L'ultimo giorno di Pompei(1830–1833, San Pietroburgo, Museo Russo), A.A. Ivanov Apparizione di Cristo al popolo(1837–1857, Mosca, Galleria Tretyakov). Realismo della seconda metà del XIX secolo. si riferisce alla comprensione delle tragedie storiche di popoli e individui: I.E. Repin Ivan Grozny e suo figlio Ivan(1885, Mosca, Galleria Tretyakov), V.I. Surikov Menshikov dentro Berezov(1883, Mosca, Galleria Tretyakov). Nell'arte del 20° secolo c'è un interesse per l'antichità come fonte di bellezza e poesia: V.A. Serov Pietro I(1907, Mosca, Galleria Tretyakov), artisti dell'associazione "World of Art". Nell'arte sovietica posto di primo piano occupato dalla composizione storico-rivoluzionaria: B.M. Kustodiev bolscevico(1920, Mosca, Galleria Tretyakov).
Si chiama il genere delle belle arti dedicato agli eroi e agli eventi di cui raccontano i miti dei popoli antichi genere mitologico(dal greco. mito - tradizione). Il genere mitologico entra in contatto con quello storico e prende forma nel Rinascimento, quando le antiche leggende offrivano le più ricche opportunità per l'incarnazione di storie e personaggi dai complessi connotati etici, spesso allegorici: S. Botticelli Nascita di Venere(1484 circa, Firenze, Uffizi), A. Mantegna Parnaso(1497, Parigi, Louvre), Giorgione dormire Venere(1508–1510 circa, Dresda, Galleria d'arte), Raffaello Scuola ateniese(1509–1510, Roma, Vaticano). Nel XVII secolo - Presto 19esimo secolo nelle opere del genere mitologico si espande la gamma di problemi morali ed estetici, che sono incarnati in alto ideali artistici e o avvicinarsi alla vita, oppure creare uno spettacolo festoso: N. Poussin Venere dormiente(1620, Dresda, Pinacoteca), P.P. Rubens Baccanali(1619–1620, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), D. Velasquez Bacco (Ubriachi) (1628–1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae(1636, San Pietroburgo, Ermitage), G. B. Tiepolo Trionfo di Anfitrite(1740 circa, Dresda, Galleria d'arte). Dal XIX al XX secolo i temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari.
genere di battaglia(dal francese bataille - battaglia) è un genere di pittura che fa parte del genere storico, mitologico ed è specializzato nel rappresentare battaglie, imprese militari, operazioni militari, glorificare l'abilità militare, la furia della battaglia, il trionfo della vittoria. La pittura di battaglia può includere elementi di altri generi: domestico, ritratto, paesaggio, animalesco, natura morta. Gli artisti si rivolgevano regolarmente al genere della battaglia: Leonardo da Vinci Battaglia di Anghiari(non conservato), Michelangelo Battaglia di Kashin(non conservato), Tintoretto Battaglia di Zara(1585 circa, Venezia, Palazzo Ducale), N. Poussin, A. Watteau Le difficoltà della guerra(1716 circa, San Pietroburgo, Hermitage), F. Goya Disastri della guerra(1810–1820), T. Gericault Corazziere ferito(1814, Parigi, Louvre), E. Delacroix Massacro a Chios(1824, Parigi, Louvre), V.M. Vasnetsov Dopo la battaglia di Igor Svyatoslavovich con Cumani(1880, Mosca, Galleria Tretyakov).
Si chiama un genere di belle arti che mostra scene della vita quotidiana, personale di una persona, vita quotidiana della vita contadina e urbana genere quotidiano. Un appello alla vita e ai costumi delle persone si trova già nei murali e nei rilievi dell'Antico Oriente, nella pittura e nella scultura di vasi antichi, nelle icone medievali e nei libri d'ore. Ma il genere quotidiano si è distinto e ha acquisito forme caratteristiche solo come fenomeno dell'arte secolare da cavalletto. Le sue caratteristiche principali iniziarono a prendere forma nei secoli XIV-XV. in pale d'altare, rilievi, arazzi, miniature nei Paesi Bassi, Germania, Francia. Nel XVI secolo nei Paesi Bassi, il genere domestico iniziò a svilupparsi rapidamente e si isolò. Uno dei suoi fondatori fu I. Bosch ( I sette peccati capitali, Madrid, Prado). Lo sviluppo del genere quotidiano in Europa è stato fortemente influenzato dal lavoro di P. Brueghel: si sposta verso un genere puramente quotidiano, mostra che la vita quotidiana può essere oggetto di studio e fonte di bellezza ( danza contadina , matrimonio contadino- OK. 1568, Vienna, Kunsthistorisches Museum). 17 ° secolo può essere definita l'epoca del “genere” di tutte le scuole di pittura d'Europa: Michelangelo da Caravaggio chiromante(Parigi, Louvre), P.P. Rubens Contadino danza(1636–1640, Madrid, Prado), J. Jordanes Festa del Re dei Fagioli(1638 circa, San Pietroburgo, Hermitage), A. van Ostade Flautista(1660 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), Jan Steen Paziente e medico(1660 circa, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals Zingaro(1630 circa, Parigi, Louvre), Jan Vermeer di Delft Ragazza con una lettera(fine 1650, Dresda, Galleria d'arte). Nel XVIII secolo in Francia la pittura di genere si associa all'immagine di scene galanti, "pastorali", diventa raffinata e aggraziata, ironica: A. Watteau Bivacco(1710 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), J.B. Chardin Preghiera prima di cena(1737 circa, San Pietroburgo, Hermitage). Le opere del genere quotidiano sono diverse: hanno mostrato il calore della vita domestica e l'esotismo di terre lontane, esperienze sentimentali e passioni romantiche. Genere domestico nel XIX secolo. in pittura afferma ideali democratici, spesso con toni critici: O. Daumier Lavandaia(1863, Parigi, Louvre), G. Courbet Laboratorio dell'artista(1855, Parigi, Museo d'Orsay). Genere domestico, orientato allo spettacolo vita contadina e la vita di un cittadino, sviluppata vividamente nella pittura russa del XIX secolo: A.G. Venetsianov Sui seminativi. Primavera(1820, Mosca, Galleria Tretyakov), P.A. Fedotov Il matchmaking del Maggiore(1848, Mosca, Galleria Tretyakov), V.G. Perov L'ultima taverna all'avamposto(1868, Mosca, Galleria Tretyakov), I.E. Repin Non ho aspettato(1884, Mosca, Galleria Tretyakov).
Genere di belle arti, dove la cosa principale è l'immagine della natura, dell'ambiente, delle vedute della campagna, delle città, monumenti storici, chiamato paesaggio (fr. paysage). Sono presenti paesaggi rurali, urbani (compresa la veduta), architettonici, industriali, immagini dell'elemento acqua - mare (marina) e paesaggi fluviali
Nell'antichità e nel Medioevo il paesaggio appare nei dipinti di templi, palazzi, icone e miniature. Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento (A. Canaletto) furono i primi a rivolgersi all'immagine della natura. Dal XVI secolo il paesaggio diventa un genere indipendente, si formano le sue varietà e direzioni: paesaggio lirico, eroico, documentario: P. Brueghel È una brutta giornata (vigilia di primavera) (1565, Vienna, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens caccia al leone(1615 circa, Monaco, Alte Pinakothek), Rembrandt Paesaggio con laghetto e ponte ad arco(1638, Berlino-Dahlem), J. van Ruisdael palude della foresta(1660, Dresda, Pinacoteca), N. Poussin Paesaggio con Polifemo(1649, Mosca, Museo statale di belle arti Puškin), C. Lorrain Mezzogiorno(1651, San Pietroburgo, Ermitage), F. Guardi Piazza San Marco, veduta della Basilica(1760–1765 circa, Londra, National Gallery). Nel 19 ° secolo le scoperte creative dei maestri del paesaggio, la sua saturazione di questioni sociali, lo sviluppo della plein air (immagine dell'ambiente naturale) culminarono nelle conquiste dell'impressionismo, che diedero nuove opportunità nella trasmissione pittorica della profondità spaziale, la variabilità della luce -ambiente aereo, complessità colori: Barbizon, K. Coro Mattina a Venezia(1834 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), A.K. Savrasov I Rook sono arrivati(1871, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Shishkin Segale V. D. Polenov Cortile di Mosca(1878, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Levitan Autunno dorato(1895, Mosca, Galleria Tretyakov), E. Manet Colazione sull'erba(1863, Parigi, Louvre), Boulevard C. Monet Cappuccini a Parigi(1873, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), O. Renoir Piscina per bambini(1869, Stoccolma, Museo Nazionale).
Marina(it. marina, dal lat. marinus - mare) - uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare. La marina si formò come genere indipendente in Olanda all'inizio del XVII secolo: J. Porsellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Funerali in mare(1842, Londra, Tate Gallery), C. Monet impressione, alba sole(1873, Parigi, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin Piccolo porto di Sorrento(1826, Mosca, Galleria Tretyakov).
paesaggio architettonico- una sorta di paesaggio, uno dei tipi di pittura prospettica, un'immagine di un'architettura reale o immaginaria nell'ambiente naturale. Un ruolo importante nel paesaggio architettonico è giocato da una prospettiva lineare e aerea, che collega natura e architettura. Nel paesaggio architettonico si distinguono le vedute prospettiche urbane, chiamate nel XVIII secolo. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi a Venezia), vedute di tenute, insiemi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (J. Robert; K. D. Friedrich Abbazia di Quercia boschetto, 1809–1810, Berlino, Museo statale; S.F. Shchedrin), paesaggi con edifici e rovine immaginarie (D.B. Piranesi, D. Pannini).
Veduta(it. veduta, lett. - visto) - un paesaggio che raffigura accuratamente una visione documentata dell'area, della città, una delle origini dell'arte panoramica. Il termine apparve nel XVIII secolo, quando veniva utilizzata una camera oscura per riprodurre le vedute. L'artista principale che lavorò in questo genere fu A. Canaletto: Piazza San Marco(1727-1728, Washington, Galleria Nazionale).
Un genere di belle arti che mostra oggetti domestici, lavoro, creatività, fiori, frutta, selvaggina macellata, pesce pescato, collocati in un vero ambiente domestico, è chiamato natura morta (fr. nature morte - natura morta). La natura morta può essere dotata di un significato simbolico complesso, svolgere il ruolo di un pannello decorativo, essere il cosiddetto. "inganno", che fornisce una riproduzione illusoria di oggetti o figure reali, provocando l'effetto della presenza della natura genuina.
L'immagine degli oggetti è conosciuta nell'arte dell'antichità e del Medioevo. Ma la prima natura morta su cavalletto è considerata un dipinto dell'artista veneziano Jacopo de Barbari Pernice con freccia e guanti(1504, Monaco, Alte Pinakothek). Già nel XVI secolo. la natura morta si divide in tante tipologie: l'interno di una cucina con o senza persone, una tavola imbandita in ambiente rurale, "vanitas" con oggetti simbolici (un vaso di fiori, una candela spenta, strumenti musicali). Nel XVII secolo fiorente il genere della natura morta: la monumentalità dei dipinti di F. Snyders ( Natura morta con un cigno, Mosca, Museo Statale di Belle Arti Pushkin), F. Zurbaran, che da pochi elementi realizzò semplici composizioni ( Natura morta con quattro vasi, 1632-1634, Madrid, Prado). La natura morta olandese era particolarmente ricca, modesta nei colori e nelle cose raffigurate, ma squisita nella trama espressiva degli oggetti, nel gioco del colore e della luce (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . Nel XVIII secolo Le laconiche nature morte di J. B. Chardin affermano il valore e la dignità nascosti nella vita quotidiana: Attributi dell'arte(1766, San Pietroburgo, Hermitage). Le nature morte del XIX secolo sono varie: sfumature sociali nelle tele di O. Daumier; trasparenza, ariosità nei dipinti di E. Manet; monumentalità, costruttività, modellatura accurata della forma con colore di P. Cezanne. Nel 20 ° secolo si aprono nuove possibilità di natura morta: P. Picasso, J. Braque hanno fatto del soggetto l'oggetto principale di un esperimento artistico, studiandone e sezionandone la struttura geometrica.
Si chiama un genere di belle arti raffigurante animali genere animale(dal lat. animale - animale). L'artista animale presta attenzione alle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, alle sue abitudini, all'espressività decorativa della figura, alla silhouette. Spesso gli animali sono dotati di tratti inerenti alle persone, alle azioni e alle esperienze. Spesso si trovano immagini di animali scultura antica, dipinti su vasi.
Nina Bayor
Letteratura:
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Storia dell'arte straniera. M., Arti visive, 1984
Vipper B.R. Introduzione allo studio storico dell'arte. M., Arti visive, 1985
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Gotico(dall'italiano gotico - insolito, barbaro) - un periodo nello sviluppo dell'arte medievale, che copre quasi tutte le aree della cultura e si sviluppa nell'Europa occidentale, centrale e in parte orientale dal XII al XV secolo. Il gotico completò lo sviluppo dell'arte medievale europea, sorta sulla base delle conquiste della cultura romanica, e durante il Rinascimento l'arte del Medioevo era considerata "barbarica". L'arte gotica era di culto nello scopo e religiosa nell'argomento. Ha fatto appello a più in alto poteri divini, eternità, Visione del mondo cristiana. Il gotico nel suo sviluppo è diviso in primo gotico, periodo di massimo splendore, tardo gotico.
Le famose cattedrali europee, che tanto amano fotografare i più piccoli dettagli turisti. Nella progettazione degli interni delle cattedrali gotiche, un ruolo importante è stato svolto da soluzioni di colore. Nell'esterno e decorazione d'interni c'era l'abbondanza delle dorature, la luminosità degli interni, il traforo delle pareti, la dissezione cristallina dello spazio. La materia era priva di pesantezza e impenetrabilità, era, per così dire, spiritualizzata.
Le enormi superfici delle finestre erano piene di vetrate con composizioni che riproducevano eventi storici, leggende apocrife, trame letterarie e religiose, immagini di scene quotidiane della vita di contadini e artigiani comuni, che erano un'enciclopedia unica dello stile di vita nel Medioevo. I Kona erano riempiti da cima a fondo con composizioni figurate, racchiuse in medaglioni. La combinazione di luce e colore degli inizi della pittura nella tecnica del vetro colorato ha conferito maggiore emotività alle composizioni artistiche. Più bicchieri diversi: scarlatto intenso, fuoco, rosso, melograno, verde, giallo, blu scuro, azzurro, oltremare, scolpiti lungo il contorno del quadro ... Le finestre erano riscaldate come gemme preziose, penetrate dalla luce esterna - trasformavano l'intero interno del tempio e sintonizzava i suoi visitatori in modo elevato.
Grazie al vetro colorato gotico sono nati nuovi valori estetici e i colori hanno acquisito la più alta sonorità di colore radioso. Il colore puro ha dato origine all'atmosfera dell'ambiente aereo, dipinto in vari colori grazie ai giochi di luce sulle colonne, sul pavimento, sulle vetrate colorate. Il colore è diventato una fonte di luce che ha approfondito la prospettiva. Vetri spessi, spesso irregolari, erano pieni di bolle non del tutto trasparenti, che esaltavano l'effetto artistico della vetrata. La luce, passando attraverso lo spessore irregolare del vetro, si schiacciava e cominciava a suonare.
I migliori esempi di autentiche vetrate gotiche sono aperti al pubblico nelle cattedrali di Chartres, Bourges e Parigi (ad esempio, "La Vergine col Bambino"). Pieno di non meno splendore, così come "Ruote infuocate" e "Lancio di fulmini" nella cattedrale di Chartres.
Dalla metà del I secolo nella gamma colorata iniziarono ad essere introdotti colori complessi, ottenuti duplicando il vetro. Queste straordinarie vetrate in stile gotico sono conservate nella Sainte-Chapelle (1250). sui contorni del vetro veniva applicata vernice a smalto marrone, mentre le forme avevano un carattere planare.
L'epoca gotica fu il periodo di massimo splendore dell'arte del libro in miniatura, così come delle miniature artistiche. Il rafforzamento delle tendenze secolari nella cultura non ha fatto altro che intensificare il loro sviluppo. Le illustrazioni con composizioni a più figure su temi religiosi includevano vari dettagli realistici: immagini di uccelli, animali, farfalle, ornamenti di motivi vegetali, scene quotidiane. Le opere del miniaturista francese Jean Pussel sono piene di uno speciale fascino poetico.
Nello sviluppo della miniatura gotica francese del XIII e XIV secolo, il posto di primo piano fu occupato dalla scuola parigina. Il Salterio di San Luigi è pieno di composizioni a più figure, incorniciate da un unico motivo di architettura gotica, che fa acquisire alla narrazione una straordinaria armonia (Louvre, Parigi, 1270). le figure di dame e cavalieri sono aggraziate, le loro forme si distinguono per linee fluide, che creano l'illusione del movimento. La ricchezza e la densità dei colori, nonché l'architettura decorativa del disegno, trasformano queste miniature in opere d'arte uniche e preziose decorazioni di pagina.
Lo stile del libro gotico si distingue per forme appuntite, ritmo spigoloso, irrequietezza, motivo traforato in filigrana e linee morbide e sinuose. Vale la pena notare che nel XIV e XV secolo furono illustrati anche manoscritti profani. Libri d'ore, trattati scientifici, raccolte di canzoni d'amore e cronache sono pieni di magnifiche miniature. La miniatura, che illustra opere di letteratura cortese, incarnava l'ideale dell'amore cavalleresco, così come scene della vita circostante ordinaria. Una creazione simile è il manoscritto Manes (1320).
Nel corso del tempo, la narrazione si è intensificata in gotico. Le “Grandi Cronache francesi” del XIV secolo dimostrano chiaramente il desiderio dell’artista di penetrare il significato dell’evento che raffigura. Insieme a questo, ai libri è stata data eleganza decorativa attraverso l'uso di vignette squisite e cornici dalle forme bizzarre.
La miniatura gotica ebbe una grande influenza sulla pittura e portò un flusso vivace nell'arte del Medioevo. Il gotico è diventato non solo uno stile, ma un anello importante nello sviluppo culturale complessivo della società. I maestri dello stile con incredibile accuratezza sono stati in grado di riprodurre l'immagine del loro contemporaneo nel soggetto e nell'ambiente naturale. Le opere gotiche maestose e spirituali sono avvolte da un'aura di fascino estetico unico. Il gotico ha dato origine a una nuova comprensione della sintesi delle arti e le sue conquiste realistiche hanno aperto la strada al passaggio all'arte del Rinascimento.