Dipinto di Georges Seurat "Domenica sull'isola della Grand Jatte" scritto nel 1886 nello stile del puntinismo. Per questa volta, questa tecnica di scrittura era del tutto inaspettata. Ogni colore viene applicato dall'artista in piccoli tratti separati; fondendosi in un unico insieme se visualizzati, si trasformano in un'immagine significativa.
Presentata alla mostra, l'immagine ha suscitato risposte molto contraddittorie. Il pubblico è rimasto perplesso anche dal fatto che i volti delle persone non fossero disegnati... Sembra che siano raffigurati dei manichini... Ma l'artista ha spiegato questo con il fatto che tutto ciò che è terreno non è così importante per trasmettere un significato spirituale. La cosa principale è che i parigini riposano nel loro posto preferito: qualcuno fa un picnic, qualcuno ammira il fiume, qualcuno cammina lungo il prato, raccoglie fiori .... L'artista sottolinea l'ozio domenicale, l'opportunità di divertiti a "non fare nulla".
Grazie all'utilizzo di varie tonalità, l'immagine si è rivelata molto ricca.
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Georges Seurat è nato nel 1859 a Parigi nella famiglia di un ufficiale giudiziario.
Inizialmente studiò pittura in una piccola scuola municipale sotto la direzione di Justine Lecane, dove entrò nel 1875. Dal marzo 1878 al novembre 1879 studiò alla Scuola di Belle Arti nella classe di Henri Lehmann, allievo di Ingres.
Dal novembre 1879 prestò servizio nell'esercito per un anno.
Nel 1880 tornò a Parigi e continuò a dipingere, passando dai soggetti culturali e storici alla rappresentazione della vita quotidiana della città.
La quarta mostra degli impressionisti fece una forte impressione sull'artista alle prime armi. Inizialmente affascinato dal loro stile, Seurat cercò di sviluppare il proprio. Sperimentando con il colore e la luce, ha inventato il puntinismo (la tecnica di trasmettere sfumature e colori tramite singoli punti di colore), basandosi sull'effetto ottico della fusione di piccoli dettagli quando si guarda un'immagine da lontano.
Nel 1883, Seurat crea la sua prima opera eccezionale, Le bagnanti di Asnières.
Dopo che il suo dipinto fu rifiutato dal Salon di Parigi, Seurat preferì la creatività individuale e le alleanze con gli artisti indipendenti di Parigi.
Il dipinto successivo più famoso è "La domenica sull'isola della Grande Jatte".
Seurat morì a Parigi all'età di 32 anni nel 1891 a causa di una grave infezione.
Nella sua breve vita Seurat realizzò solo sette tele di grandi dimensioni: la tecnica da lui ideata era laboriosa e complessa.
La trama della tela, i colori di alta qualità e la stampa di grande formato consentono alle nostre riproduzioni dei dipinti di Georges Seurat di essere buone come l'originale. La tela verrà tesa su un telaio speciale, dopodiché il quadro potrà essere incorniciato in una baguette a vostra scelta.
A prima vista, l'enorme dipinto di Georges-Pierre Seurat del 1884 "La domenica sull'isola della Grande Jatte" sembra essere una normale rappresentazione di persone che si godono una calda giornata di sole in uno splendido parco. Ma se guardi da vicino l'opera più famosa del genere del puntinismo o del neoimpressionismo, troverai una serie di fatti interessanti.
1. Un dipinto è composto da milioni di punti
Creando un quadro simile, Seurat divenne il padre del puntinismo e del neoimpressionismo. Tuttavia, lui stesso preferì chiamare la sua tecnica "luminarismo al cromo", termine che sembrava più appropriato per l'artista per concentrarsi sul gioco di luci e colori.
2. Ci sono voluti più di due anni per completare il dipinto
La lavorazione di questo capolavoro del puntinismo iniziò nel 1884 con una serie di 60 schizzi che Seurat realizzò in un parco parigino. Quindi iniziò a dipingere il quadro stesso con piccoli tratti orizzontali. Successivamente, l'artista fino alla primavera del 1886 completò la sua creazione applicando la vernice in piccoli punti.
3. La scelta del colore da parte dell'artista si è basata su un approccio scientifico.
"Alcuni dicono di vedere la poesia nei miei dipinti", disse una volta Seurat, "io vedo solo scienza in essi". L'artista era affascinato dalle teorie sui colori degli scienziati Chevreul e Ogden Rude. Di conseguenza, Seurat ha scelto i colori per il dipinto in base ai loro metodi.
4. Ispirazione per schizzi parigini
L'ispirazione per gli schizzi parigini fu l'antica arte egiziana, greca e fenicia. Seurat ha cercato di commemorare l'aspetto dei parigini della sua epoca, ispirandosi allo studio delle antiche raffigurazioni di persone.
5. I critici colpiscono l'artista con critiche
I metodi innovativi di Seurat furono oggetto di intense critiche alla mostra impressionista del 1886, dove fu esposta per la prima volta la tela "Domenica sull'isola della Grande Jatte". Le pose delle persone in questa immagine sono state paragonate ai geroglifici egiziani o ai soldatini di stagno.
6. Il dipinto è stato aggiornato nel 1889
Seurat ha rinfrescato l'immagine disegnando bordi più chiari di punti rossi, arancioni e blu.
7. Seurat completò la sua opera più famosa all'età di soli 26 anni
Era uno dei giovani artisti più promettenti e promettenti. Sfortunatamente, la malattia pose fine alla sua vita nel 1891, quando Seurat aveva solo 31 anni.
8. Il dipinto fu dimenticato per 30 anni dopo la morte dell'artista.
Dopo la morte di Seurat, il dipinto apparve per la prima volta in pubblico nel 1924, quando l'amante d'arte Frederick Bartlett Clay acquistò Una domenica sull'isola della Grande Jatte e prestò il dipinto a tempo indeterminato all'Art Institute of Chicago.
9 Un filosofo americano ha contribuito a cambiare l'opinione pubblica sul dipinto
Nel 1950, Ernest Bloch, nella sua opera Il principio della speranza, esplora le interpretazioni socio-politiche della "Domenica sull'isola della Grande Jatte", rinnovando così l'interesse per il dipinto.
10. Oggi il dipinto appare come lo voleva Seurat.
Dopo che Seurat completò i bordi del dipinto, lo inserì in una cornice di legno bianco appositamente realizzata. È in questa cornice che la tela è esposta all'Art Institute di Chicago.
11. I colori del dipinto sono cambiati
Seurat ha utilizzato un nuovo pigmento nel suo dipinto, il cromato di zinco giallo, sperando che trasmettesse in modo più realistico il colore dell'erba del parco. Ma nel corso degli anni, questo pigmento ha subito una reazione chimica che ne ha cambiato il colore in marrone.
12. Il dipinto è più grande di quanto pensi
"La domenica sull'isola della Grande Jatte" non è solo il dipinto più famoso di Seurat, ma anche il suo dipinto più grande. Le sue dimensioni sono 207×308 cm.
13. Una scena del parco può avere un significato nascosto.
Alcuni ricercatori hanno notato nella foto una donna con una scimmia. In francese la scimmia suona come "singesse", la stessa parola in gergo indica una signora di facili costumi. Si riferiscono anche ad una signora che sta in piedi con una canna da pesca sulla riva. È vestita troppo elegantemente per pescare.
14. Il dipinto è quasi morto in un incendio a New York
Il 15 aprile 1958, "Domenica sull'isola della Grande Jatte" era in mostra al Museum of Modern Art di New York quando scoppiò un incendio nel vicino Whitney Museum. L'incendio ha danneggiato sei tele, ferito 31 persone e ucciso un operaio. Il dipinto di Seurat è stato evacuato.
15. Uno dei dipinti più riprodotti e parodiati al mondo
"La domenica sull'isola della Grande Jatte" e le sue battute sono apparse in molti film e in qualche modo sono apparse anche sulla copertina di Playboy. Stephen Sondheim e James Lapine hanno realizzato un musical sulla sua creazione intitolato Sunday in the Park with George.
Molto interessante e che per più di 500 anni è stato controverso tra gli amanti dell'arte di tutto il mondo.
Discord pubblica una traduzione della 'Domenica sull'isola della Grande Jatte' di Georges Seurat, scritta dalla storica dell'arte e critica americana Linda Knocklin: un'allegoria distopica. Questo testo, oltre al suo significato per la storia dell'arte, è rilevante anche per gli studi urbani russi: la disperata malinconia e meccanicità del tempo libero urbano, di cui scrive Knocklin, sono una potente antitesi all'idea alla moda dell'importanza fondamentale di un ambiente di intrattenimento confortevole nella città moderna.
L'idea che il capolavoro di Georges Seurat "La domenica sull'isola della Grand Jatte" sia una sorta di distopia mi è venuta quando ho letto il capitolo "Paesaggio immaginario nella pittura, nell'opera, nella letteratura" dal libro "Il principio della speranza" - l'opera principale del grande marxista tedesco Ernst Bloch. Ecco cosa scriveva Bloch nella prima metà del nostro secolo:
“L’opposto della Colazione sull’erba di Manet, o meglio la sua allegria, è la scena campestre di Seurat, Domenica sull’isola della Grande Jatte. Il dipinto è un mosaico di noia, una rappresentazione magistrale di aspettative frustrate e insensatezza. dolce far niente. Il dipinto raffigura un'isola sulla Senna vicino a Parigi, dove la classe media trascorre la domenica mattina ( sì!): solo e tutto, e tutto viene mostrato con eccezionale disprezzo. In primo piano riposano persone dai volti inespressivi; il resto dei personaggi sono per lo più posizionati tra le verticali degli alberi come bambole in scatole, che camminano nervosamente sul posto. Dietro di loro sono visibili un fiume pallido e yacht, un kayak a remi, barche turistiche: uno sfondo, sebbene ricreativo, ma che assomiglia più all'inferno che a una domenica pomeriggio. L'ambientazione, pur raffigurando uno spazio di svago, evoca più il regno dei morti che la domenica. L'immagine deve una quota maggiore di sconforto senza gioia al bagliore sbiadito del suo ambiente luminoso e all'acqua inespressiva della Senna domenicale, contemplata altrettanto inespressivamente<…>Insieme al mondo del lavoro quotidiano, tutti gli altri mondi scompaiono, tutto sprofonda in un torpore acquoso. Risultato: noia grandichenaya, il sogno diabolico di un ometto di rompere lo Shabbat e prolungarlo per sempre. La sua domenica è solo un dovere noioso, non un gradito tocco sulla terra promessa. Una domenica pomeriggio borghese come questa è un paesaggio di suicidio, annullato dall’indecisione. In breve, questo dolce far niente, se solo avesse coscienza, abbia coscienza della più perfetta antiresurrezione sui resti dell'utopia domenicale.
La rappresentazione della distopia di cui scrive Bloch non è solo una questione di iconografia, non è solo una trama o una storia sociale riflessa sulla tela. La pittura di Seurat non basta per essere considerata passiva riflessione nuova realtà urbana degli anni Ottanta dell’Ottocento o come stadio estremo di alienazione, associato alla ristrutturazione capitalista dello spazio urbano e delle gerarchie sociali di quel tempo. Piuttosto, "Grand Jatte" è una tela attiva produce significati culturali, inventando codici visivi per l'esperienza contemporanea della vita urbana dell'artista. È qui che entra in gioco l’allegoria contenuta nel titolo di questo articolo (“il distopico allegoria"). È la costruzione pittorica della “Grand Jatte” - i suoi espedienti formali - che trasforma la distopia in un'allegoria. Questo è ciò che rende uniche le opere di Seurat e, in particolare, questa immagine. Seurat è l'unico postimpressionista che, nel tessuto stesso e nella struttura dei suoi dipinti, è riuscito a riflettere il nuovo stato delle cose: l'alienazione, l'anomia, l'esistenza dello spettacolo nella società, la subordinazione della vita all'economia di mercato, dove il valore di scambio ha sostituito il valore del consumo e la produzione di massa ha sostituito l’artigianato.
Paesaggio con un suicidio non avvenuto per indecisione.
In altre parole, se non fosse stato per Cézanne, ma per Seurat, a prendere il posto di un artista modernista chiave, l'arte del XX secolo sarebbe stata completamente diversa. Ma questa affermazione è, ovviamente, di per sé utopica – o almeno storicamente insostenibile. Dopotutto, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, parte del paradigma storico dell’arte avanzata era l’allontanamento dalla posizione globale, sociale e, soprattutto, negativa, oggettivamente critica, che è riprodotta nella Grand Jatte (così come come nei dipinti Parade e Cancan dello stesso autore). La pittura senza tempo, extrasociale, soggettiva e fenomenologica - in altre parole, la pittura "pura" - si affermò come base del modernismo. Come vedremo, la paradossale convinzione che l'apparenza pura e la superficie piana della tela siano la modernità è esattamente l'opposto di quanto Seurat mostra nella Grande Jatte, come in altre sue opere.
Sin dall'Alto Rinascimento, l'obiettivo ambizioso di tutta l'arte occidentale è stato quello di creare una struttura pittorica tale da costruire una narrazione razionale e, soprattutto, una connessione espressiva tra la parte e il tutto, nonché tra le parti tra loro, e allo stesso tempo stabilire una connessione semantica con lo spettatore. Si presumeva che la pittura “esprimesse”, cioè facesse emergere un significato interiore per la sua coerenza strutturale; che funziona come una manifestazione visiva del contenuto interiore o della profondità che costituisce il tessuto dell'immagine - ma come una manifestazione superficiale, sebbene di grande importanza. In un'opera rinascimentale come La Scuola di Atene di Raffaello, i personaggi reagiscono e interagiscono in modo tale da suggerire (e effettivamente affermare) che esiste un significato oltre la superficie pittorica, in modo da trasmettere un significato complesso, che viene immediatamente percepito. leggibile, e va oltre le circostanze storiche che l’hanno originata.
In un certo senso, la "Colazione sull'erba" di Manet afferma la fine della tradizione occidentale dell'arte alta come narrativa espressiva: l'ombra si addensa, il primato della superficie nega ogni trascendenza, i gesti non adempiono più la loro missione di stabilire un dialogo. Ma anche qui, come sottolinea Ernst Bloch nello stesso capitolo del suo libro, permangono emanazioni utopistiche. In effetti, Bloch considera "Colazione sull'erba" l'opposto di "Grand Jatte", descrivendola come "... una gradita scena di felicità epicurea" nei termini più lirici: una donna nuda, un'altra - che si spoglia prima di fare il bagno - e un buio figure maschili. "Rappresentata", continua Bloch, "è una situazione incredibilmente francese, piena di languore, innocenza e perfetta leggerezza, godimento discreto della vita e serietà spensierata". Bloch colloca "Colazione sull'erba" nella stessa categoria di "Grand Jatte" - è così foto della domenica; la sua “trama è un'immersione temporanea nel mondo senza preoccupazioni e bisogni quotidiani. Anche se nel XIX secolo non era più facile riprodurre questa storia, la "Colazione sull'erba" di Manet costituiva un'eccezione per la sua ingenuità e il suo fascino. Questa sana domenica di Manet difficilmente sarebbe stata possibile [nel 1863, anno in cui fu dipinto il quadro] se Manet vi avesse ammesso trame e personaggi piccolo-borghesi; si scopre che non potrebbe esistere se non fosse per il pittore e i suoi modelli. E poi Bloch passa alla descrizione della Grand Jatte fatta all'inizio di questo saggio: “Una domenica borghese vera, anche dipinta, sembra molto meno desiderabile e diversificata. Questo - lato sbagliato“Colazione sull'erba” di Manet; in altre parole, Seurat la disattenzione si trasforma in impotenza - ecco cos'è “Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte”". Sembra che solo intorno al 1880 sia stato possibile creare un'opera che riflette in modo così accurato, completo e convincente lo stato della modernità.
Tutti i fattori di formazione del sistema nel progetto Seurat potrebbero in definitiva servire ai compiti di democratizzazione.
Nel dipinto di Seurat i personaggi interagiscono appena, senza lasciare il senso di una presenza umana articolata e unica; inoltre, non c'è nemmeno la sensazione che queste persone dipinte abbiano una sorta di nucleo interiore profondo. Qui la tradizione occidentale della rappresentazione, se non del tutto annullata, è seriamente minata da un linguaggio artistico antiespressivo, che nega con forza l'esistenza di qualsiasi significato interiore che l'artista dovrebbe rivelare allo spettatore. Piuttosto, questi contorni meccanici, questi punti ordinati, si riferiscono alla scienza e all’industria moderne con la sua produzione di massa; ai negozi pieni di numerosi ed economici prodotti di serie; stampa di massa con le sue infinite riproduzioni. In breve, si tratta di un atteggiamento critico nei confronti della modernità, incarnato in un nuovo mezzo artistico, ironico e decorativo, e che enfatizza (anche eccessivamente) la modernità dei costumi e degli oggetti domestici. La Grande Jatte è decisamente storica, non pretende di essere atemporale o generalista, e questo la rende anche distopica. L'esistenza oggettiva di un'immagine nella storia si incarna, innanzitutto, nella famosa pennellata punteggiata ( puntoé ) - l'unità minima e indivisibile di una nuova visione del mondo, alla quale, ovviamente, il pubblico ha prestato attenzione prima di tutto. Con questo tratto, Seurat elimina consapevolmente e irrevocabilmente la sua unicità, che avrebbe dovuto essere proiettata nell'opera dalla grafia unica dell'autore. Lo stesso Seurat non è rappresentato in alcun modo nel suo tratto. Manca il senso della scelta esistenziale suggerito dalla pennellata costruttiva di Cezanne, o la profonda ansia personale, come in Van Gogh, o la smaterializzazione decorativa e mistica della forma, come in Gauguin. L'applicazione della vernice si trasforma in un atto di prosa secca - una riproduzione quasi meccanica di "punti" pigmentati. Meyer Shapiro, in quello che considero l'articolo più profondo sulla Grande Jatte, vede Seurat come "un tecnologo modesto, efficiente e intelligente" proveniente dalla "classe medio-bassa di Parigi, da cui provengono ingegneri industriali, tecnici e impiegati". Egli osserva che "il moderno sviluppo dell'industria ha instillato in lui il più profondo rispetto per il lavoro razionalizzato, la tecnica scientifica e le invenzioni che guidano il progresso".
Prima di analizzare in dettaglio il Grand Jatte su come si sviluppa il distopismo in ogni aspetto della sua struttura stilistica, voglio delineare ciò che era considerato “utopico” nella produzione visiva del XIX secolo. Solo collocando la "Grand Jatte" nel contesto della comprensione dell'utopico Seurat e dei suoi contemporanei, si può comprendere appieno quanto sia opposta a questa utopia la natura delle sue opere.
Naturalmente c'è la classica utopia della carne: l'"Età dell'Oro" di Ingres. Linee armoniose, corpi levigati senza segni di invecchiamento, attraente simmetria della composizione, libero raggruppamento di figure discretamente nude o classicamente drappeggiate in un paesaggio indefinito "a la Poussin" - qui non è tanto utopia quanto nostalgia per un lontano, mai- passato esistente, " -chrony. Manca completamente il messaggio sociale che tendiamo ad associare all’utopia. È piuttosto un’utopia del desiderio idealizzato. Lo stesso, tuttavia, si può dire della successiva interpretazione del paradiso tropicale da parte di Gauguin: per lui il catalizzatore dell'utopia non è la distanza temporale, ma geografica. Qui, come in Ingres, il significante dell'utopia è un corpo nudo o leggermente coperto da abiti antiquati, solitamente quello di una donna. Come l'utopia di Ingres, l'utopia di Gauguin è apolitica: si riferisce al desiderio maschile, il cui significante è la carne femminile.
Museo d'Orsay
Il Sogno di felicità di Dominique Papeti, 1843, è molto più adatto a immergersi nel contesto della rappresentazione utopica che mette in risalto l'allegoria distopica di Seurat. Utopico sia nella forma che nel contenuto, questo dipinto canta francamente il fourierismo con la sua iconografia e tende all'idealizzazione classica nel suo stile, non molto diverso da Ingres, insegnante di Papeti all'Accademia di Francia a Roma. Eppure i concetti utopici di Papeti e Ingres differiscono in modo significativo. Sebbene i Fourieristi considerassero il presente – le cosiddette condizioni civili – vizioso e artificiale, per loro il passato non era molto migliore. La vera età dell'oro per loro non era nel passato, ma nel futuro: da qui il nome" Sogno sulla felicità." Il contenuto schiettamente fourierista di questa allegoria utopica è supportato dalla firma “Armonia” sul piedistallo della statua sul lato sinistro della tela, che si riferisce allo “Stato di Fourier e alla musica dei satiri”, nonché dal titolo di il libro “Società universale”, in cui sono immersi i giovani scienziati (un riferimento diretto alla dottrina fourierista, nonché a uno dei trattati di Fourier). Alcuni aspetti della Grande Jatte possono essere letti come un'aperta negazione dell'utopia di Fourier, o, più precisamente, dell'utopismo in generale. Nel dipinto di Papeti, gli ideali utopici sono personificati da un poeta che "canta l'armonia", un gruppo che incarna la "tenerezza materna", e un altro, che denota la brillante amicizia dei bambini, e lungo i bordi - i diversi lati dell'amore tra i sessi. Tutto questo è accentuato nella "Grand Jatte" - perché è omesso. Papeti utilizza un'architettura puramente classica, sebbene il dipinto suggerisse contemporaneamente che queste idee utopistiche fossero rivolte al futuro: raffigurava un piroscafo e un telegrafo (poi rimossi dall'artista). E ancora vediamo figure morbide e armoniose in pose classiche, più precisamente neoclassiche; la vernice viene applicata nel solito modo. Almeno nella versione del quadro che ci è pervenuta, i segni della modernità si sono dissolti in favore di un'utopia, seppure fourierista, ma profondamente radicata in un lontano passato e in un modo di rappresentazione estremamente tradizionale, se non conservatore. .
Su basi più materiali rispetto all'oscura immagine utopica di Papeti, il lavoro del suo contemporaneo Pierre Puvis de Chavannes è correlato al progetto distopico di Seurat. In effetti, "La domenica sull'isola di Grand Jatte" avrebbe potuto apparire molto diversa o non aver avuto luogo affatto, se nello stesso anno in cui Seurat iniziò a lavorare su questo dipinto, non avesse visto il lavoro di Puvis "Il bosco sacro", esposto al Salon del 1884 . Da un certo punto di vista, "Grand Jatte" può essere visto come una parodia del "Bosco sacro" di Puvy, che mette in discussione il fondamento di questo quadro e la sua adeguatezza alla modernità, sia nella forma che nel contenuto. Le muse senza tempo e l'ambientazione classica vengono sostituite da Puvis Seurat con gli abiti più freschi, le decorazioni e gli accessori più moderni. Le donne di Seurat indossano busti, corsetti e cappelli alla moda, e non sono coperte dai drappeggi classici; i suoi uomini non tengono in mano il flauto di Pan, ma un sigaro e un bastone; sullo sfondo, raffigura un paesaggio urbano moderno, piuttosto che un'antichità pastorale.
Un'opera di Puvis come Summer of 1873, scritta due anni dopo la sconfitta della Francia nella guerra franco-prussiana e i terribili eventi intorno alla Comune e le sue conseguenze che divisero la società, è uno degli esempi più puri di utopia. Come nota Claudine Mitchell nel suo recente articolo, nonostante la rappresentazione riconoscibile del lontano passato, il sistema di immagini di "Estate" suggerisce una scala temporale più generale, persino universale - una rappresentazione di una verità generalizzata della società umana. Nelle parole del critico e scrittore Theophile Gautier, che ha riflettuto molto sull'opera di Puvis, egli “cerca un ideale al di fuori del tempo, dello spazio, del costume o dei dettagli. Il suo scopo è dipingere l'umanità primitiva così com'è [ sì! ] svolge uno dei compiti che possiamo definire sacri: mantenere la vicinanza alla Natura. Gautier ha elogiato Puvis per aver evitato l'opzionale e l'accidentale, e ha notato che le sue composizioni avevano sempre un titolo astratto e generale: "Pace", "Guerra", "Pace", "Lavoro", "Sogno" - o "Estate". Gauthier credeva che per Puvis i significanti di un passato lontano, più semplici e più puri, stabilissero un ordine più universale: l'ordine della Natura stessa.
Quindi, davanti a noi c'è una versione pittorica classica dell'utopia del XIX secolo, identificante tu- topos(mancanza di spazio) e tu- crono(mancanza di tempo) con il tempo e lo spazio nebbiosi dell'antichità. Il pittoresco mondo di Puvis si trova al di fuori del tempo e dello spazio, mentre la "Grand Jatte" di Seurat è collocata decisamente e persino in modo aggressivo nel suo tempo. È difficile dire se i titoli temporalmente e geograficamente definiti ed enfaticamente secolari dei dipinti di Seurat ("Domenica sull'isola di Grand Jatte (1884)") implichino una critica distopica dei titoli vaghi e idealizzati di Puvis e di altri classicisti che lavoravano con l'allegoria. . In un modo o nell'altro, nei suoi dipinti, Seurat lotta più seriamente proprio con l'armonia utopica delle costruzioni di Puvi. Sebbene Puvis potesse avere i personaggi in gruppi separati, ciò non implicava frammentazione sociale o alienazione psicologica. Piuttosto, nei suoi dipinti, esalta i valori della famiglia e il lavoro di squadra, durante il quale rappresentanti di tutte le professioni, età e gruppi di genere svolgono i compiti assegnati. Le opere di Puvis sono ideologicamente mirate a creare armonia estetica esattamente laddove disarmonia, conflitti e contraddizioni si concentrano nella società moderna, che si tratti della posizione dei lavoratori, della lotta di classe o della condizione delle donne. Così, ad esempio, nell'impianto formale di Leta, il valore della maternità per la donna e del lavoro per l'uomo si presenta come – di fatto inseparabile – una componente dell'ordine naturale, e non come una questione mutevole e controversa. In Seurat, come vedremo, gli elementi classici perdono la loro armonia: sono esagerati nella loro deliberata artificialità, conservatorismo e isolamento. Questa accentuazione delle contraddizioni fa parte della sua strategia antiutopica.
L'utopia di Gauguin è apolitica: si riferisce al desiderio maschile, il cui significante è la carne femminile.
La distopia di Seurat è contrastata non solo dalle opere classiche e piuttosto tradizionali di Puvis. L'artista più progressista Renoir ha creato anche un sistema semi-utopico di immagini della realtà contemporanea, dell'esistenza urbana quotidiana, che si basa sulle gioie della sana sensualità e della giovinezza. gioia de vivere(le gioie della vita) - ad esempio, in opere come "Il ballo al Moulin de la Galette" del 1876, dove si svolgono una manciata di tratti multicolori e un ritmo dinamico anulare nella loro gioiosa miscela di tutto e di tutto a livello formale, la cancellazione della divisione di classe e di genere nel tempo libero idealizzato della Parigi contemporanea. Quest'opera di Renoir è il contrasto più netto con la feroce visione di Seurat del "nuovo tempo libero". Renoir cerca di presentare la vita quotidiana di una grande città moderna come naturale, cioè naturalizza suo; Seurat, al contrario, la aliena e nega qualsiasi naturalizzazione.
Paradossalmente è la pittura del neoimpressionista Paul Signac, seguace e amico di Seurat, a dare l'idea più vivida del contesto di immagini utopistiche contro cui si ribella la Grand Jatte. Signac era pienamente consapevole del significato sociale dell'opera realizzata dal suo amico. Nel giugno 1891 su un giornale anarchico La Rivolta("Ribellione"), pubblicò un articolo in cui sosteneva che raffigurando scene della vita della classe operaia "o, meglio ancora, l'intrattenimento dei decadenti<…>come Seurat, che comprese con tanta chiarezza il degrado della nostra epoca di transizione, loro [gli artisti] presenteranno le loro prove nel grande processo pubblico che si sta svolgendo tra i lavoratori e il Capitale.
Il dipinto di Signac "Al tempo dell'armonia", dipinto intorno al 1893-1895 (bozzetto a olio per il dipinto murale del municipio di Montreuil), sembra essere una risposta a uno stato di anomia e di assurdità specificamente capitalista - in altre parole, a il "tempo della disarmonia", presentato nell'opera matura più famosa del suo amico. In una litografia per il giornale di Jean Grave Les Tempi novelux("Tempi moderni") Signac ha presentato la sua versione anarco-socialista di un'utopia senza classi in cui la spensieratezza generale e l'interazione umana sostituiscono le figure statiche e isolate della "Grand Jatte"; a differenza di Seurat, Signac enfatizza piuttosto che oscurare i valori familiari e sostituisce gli ambienti urbani con ambienti più pastorali e rustici, in linea con la natura utopica del suo progetto. I personaggi, nonostante siano vestiti in modo relativamente moderno, sono dolcemente idealizzati, come in Puvy, piuttosto che alla moda, come in Seurat. In una composizione curvilinea con le sue ripetizioni decorative, il tema della comunità - una coppia o una comunità - viene portato avanti in modo insinuante in un futuro utopico. Anche la gallina e il gallo in primo piano raffigurano l'aiuto reciproco e l'interazione che l'intera opera richiede e che vengono così decisamente esclusi dal mondo dallo sguardo di Seurat.
Tuttavia, sono arrivato all'interpretazione antiutopica del dipinto di Seurat non solo per le evidenti differenze rispetto all'immaginario utopico del suo tempo. Anche la reazione critica dei contemporanei conferma che il dipinto veniva letto come una feroce critica alla situazione attuale. Come ha affermato Martha Ward in un recente articolo sul catalogo della mostra: “I revisori hanno ritenuto che i volti inespressivi, le posture isolate e le posture rigide fossero parodie più o meno sottili di la banalità e la pretenziosità del tempo libero moderno[il corsivo è mio]". Ad esempio, uno dei critici, Henri Febvre, ha osservato che, guardando l’immagine, “si arriva a comprendere la rigidità del tempo libero parigino, stanco e soffocante, dove le persone continuano a mettersi in posa anche durante il riposo”. Un altro critico, Paul Adam, ha identificato i contorni rigidi e le pose deliberate con la situazione molto moderna: “Anche l'immobilità di queste figure stampate, per così dire, esprime la modernità; vengono subito in mente i nostri abiti di sartoria sbagliata, i corpi attillati, la gestualità, il gergo britannico che tutti imitiamo. Ci poniamo come le persone in un dipinto di Memling. Un altro critico, Alfred Pole, ha sostenuto che “l’artista ha creato personaggi con gesti automatici di soldati che calpestano la piazza d’armi. Le cameriere, gli impiegati e i cavalieri camminano con un passo lento, banale, uniforme, che trasmette accuratamente il carattere della scena ... "
Un'idea di monotonia e di inumana schiavitù della vita urbana contemporanea, questo tropo fondante della Grande Jatte, pervade anche l'analisi del critico più significativo del dipinto, Felix Feneon, un'analisi che pretende di essere un formalismo inflessibile: Feneon descrive l'uniformità dell'opera di Seurat tecnica come “tessitura monotona e paziente” è un errore commovente che si ripercuote sulle critiche. Sì, descrive lo stile pittorico, ma attribuisce "monotonia" e "pazienza" alla tecnica del puntinismo, interpretandola così allegoricamente come metafora delle proprietà fondamentali della vita urbana. Cioè, in questa figura retorica di Feneon, il linguaggio formale di Seurat è magistralmente assorbito sia dallo stato esistenziale che dalla tecnica di lavorare con la materia.
La figura della ragazza è la Speranza: un impulso utopico sepolto nel nucleo del suo opposto.
Qual è il linguaggio formale di Seurat nella Grand Jatte? Come media e costruisce i sintomi dolorosi della società del suo tempo e come crea, in un certo senso, la loro allegoria? Daniel Rich aveva perfettamente ragione quando, nel suo studio del 1935, sottolineava l'importanza fondamentale dell'innovazione a livello formale di Seurat in quello che lui chiama il risultato "trascendente" della Grande Jatte. Per fare questo, Rich utilizza due schemi che semplificano la già abbozzata composizione di Seurat: “Organizzazione della Grand Jatte in curve” e “Organizzazione della Grand Jatte in linee rette” - un tipico espediente per la critica d'arte formale e “scientifica” di quella volta. Ma, come sottolinea Meyer Shapiro nella sua brillante confutazione di questo studio, Rich ha commesso un errore nel non prendere in considerazione, a causa del suo convinto formalismo, il fondamentale significato sociale e critico della pratica di Seurat. Secondo Shapiro, i tentativi di Rich di offrire una lettura classicizzante, tradizionale e armonizzante di Seurat per adattare le sue idee innovative al "mainstream" rispettoso della legge della tradizione pittorica sono altrettanto fuorvianti (quanto è simile agli storici dell'arte!).
Per separare Seurat dal mainstream e riconoscere la sua innovazione formale, è necessario utilizzare il concetto specifico moderno di "sistema", che può essere inteso in almeno due modalità: (1) come applicazione sistematica di una certa teoria del colore, scientifico o pseudoscientifico (a seconda se si crede all'artista), nella sua tecnica "cromoluminarista";
o (2) come sistema correlato di puntinismo, l'applicazione di pittura su una tela in punti piccoli e regolari. In entrambi i casi, il metodo di Seurat diventa un'allegoria della produzione di massa nell'era moderna e quindi si allontana sia dai significanti impressionistici ed espressionisti della soggettività e del coinvolgimento personale nella produzione artistica, sia dall'armoniosa generalizzazione della superficie caratteristica delle modalità di rappresentazione classiche. . Come ha sottolineato Norma Brood in un recente articolo, Seurat potrebbe aver preso in prestito il suo sistema di inchiostrazione dall’attuale tecnica di produzione di massa dei media visivi del suo tempo, la cosiddetta cromostampa. La tecnica meccanicistica di Seurat gli permette di criticare lo spettacolo reificato della vita moderna. Pertanto, nelle parole di Brood, "è ovviamente provocatorio non solo per il pubblico in generale, ma anche per diverse generazioni di impressionisti e postimpressionisti: l'approccio impersonale di Seurat e dei suoi seguaci alla pittura minacciava il loro attaccamento al concetto romantico di autenticità e espressione spontanea di sé." Come sottolinea Brood, era "la natura meccanicistica della tecnologia, estranea alle nozioni di buon gusto e di 'arte alta' dei contemporanei di Seurat" che avrebbe potuto attrarlo, dal momento che visioni politiche radicali e una predilezione "democratica" per le forme d'arte popolari divennero importanti fattori di formazione nell'evoluzione del suo approccio alla propria arte." Si può andare anche oltre e dire questo Tutto i fattori sistemici nel progetto di Seurat - dalla teoria pseudo-scientifica del colore alla tecnica meccanizzata e il successivo adattamento del "goniometro estetico" di Charles Henri su base "scientifica" per raggiungere un equilibrio tra composizione ed espressività - potrebbero in definitiva servire ai compiti di democratizzazione. Seurat ha trovato un metodo elementare per creare arte di successo, in teoria accessibile a tutti; ha inventato una sorta di pittura a punti orientata democraticamente, escludendo completamente il ruolo del genio come persona creativa eccezionale dall'atto di produrre arte, anche la "grande arte" (sebbene questo stesso concetto fosse superfluo nel regime della sistematizzazione totale) . Da un punto di vista radicale, questo è un progetto utopico, mentre da un punto di vista più elitario è completamente semplicistico e distopico.
Niente dice di più sul completo abbandono da parte di Seurat del fascino dell'immediatezza a favore del distacco di principio che confrontare i dettagli di un grande schizzo preliminare della Grand Jatte (Metropolitan Museum of Art di New York) con i dettagli del dipinto finito. Cosa potrebbe essere più estraneo alle tendenze generalizzate del classicismo della schematicità riassuntiva e della modernità dei modi, manifestate nel modo in cui Seurat costruisce, ad esempio, una coppia in primo piano - questa immagine è così laconica che il suo referente viene letto con la stessa rapidità con cui di un'insegna pubblicitaria. Cosa potrebbe esserci di più estraneo alla mite idealizzazione dei tardi neoclassici come Puvis del modello fortemente critico della mano che regge il sigaro e dell'arrotondamento meccanicistico del bastone? Entrambe queste forme significano in modo aggressivo la mascolinità codificata in classi, costruendo uno schema di un uomo contrapposto al suo compagno altrettanto socialmente marcato: la sua figura, con i suoi caratteristici contorni arrotondati dovuti al costume, somiglia, in quanto tutto il superfluo le è tagliato fuori , cespugli tagliati a forma di palline in un parco regolare. Le differenze di genere sono rappresentate e sistematizzate con mezzi apparentemente artificiali.
Prendendo come esempio la figura dell’infermiera, vorrei mostrare come Seurat, con la sua visione sardonica del gelido ozio del borghese, lavori sui tipi, semplificando l’immagine al significante più semplice, riducendo la vitalità e l’affascinante immediatezza dell’immagine. schizzo iniziale di un geroglifico visivo. In una descrizione verbale deliziosamente accurata quanto il dipinto stesso, Martha Ward descrisse la versione finale della tela come "una configurazione geometrica senza volto: un quadrilatero irregolare, diviso in due parti da un triangolo incuneato al centro, e sopra di esse - cerchi chiusi." Infermiera, meglio conosciuta come Nounou, è un personaggio stereotipato apparso in connessione con il rapido sviluppo della tipizzazione visiva nella stampa popolare della seconda metà del XIX secolo. Seurat, ovviamente, evitò le trappole della caricatura volgare, così come non cercò di dare una descrizione naturalistica della professione di balia - un argomento relativamente popolare nell'arte di questo tempo esposta ai Salons. A differenza di Berthe Morisot, che, nell'immagine di sua figlia Julia con un'infermiera (1879), crea una rappresentazione dell'allattamento al seno in quanto tale - la figura di Morisot è frontale, rivolta verso lo spettatore, dipinta in modo vivido e, sebbene semplificata in un unico volume , crea un acuto senso dell'immediatezza della vita: Seurat cancella tutti i segni dell'attività professionale dell'infermiera e del suo rapporto con il bambino, presentandoci un segno semplificato invece di un processo biologico.
Seurat ha lavorato seriamente su questo personaggio; possiamo vedere il processo di semplificazione in una serie di disegni a matita di Conte - da alcuni schizzi della natura, piuttosto accorati (nella collezione Goodyear) a una vista monumentale dell'infermiera di spalle ("Cap and Ribbons", nel Raccolta scongelamento). Sebbene la figura della donna qui sia composta da diverse forme rettangolari e curviangolari in bianco e nero, unite da un nastro verticale leggermente distinto che indossano le infermiere (e, per così dire, duplicando l'asse spinale), mantiene una connessione con il suo corpo. reparto, spingendo la carrozzina. In un altro schizzo (della collezione Rosenberg), nonostante la presenza del bambino, esso si trasforma in un'eco geometrica del berretto rotondo della nutrice, privo di individualità, e la sua figura acquisisce gradualmente la forma trapezoidale simmetrica che vediamo nella versione finale di Grand Jatte. La serie si conclude con un disegno (collezione Albright-Knox) riferito alla versione definitiva del gruppo delle balie. In relazione a questo disegno, Robert Herbert ha osservato che “l’infermiera, che vediamo di schiena, è voluminosa come una pietra. Solo un berretto e un nastro appiattito rispetto all'asse verticale ci fanno capire che si tratta davvero di una donna seduta. Insomma, Seurat riduce la figura della balia a una funzione minima. Nella versione finale dell'immagine, nulla ricorda il ruolo di un'infermiera che allatta un bambino, il tenero rapporto tra un neonato e la sua “seconda madre”, come venivano considerate allora le infermiere. Gli attributi della sua occupazione – una cuffia, un nastro e un mantello – sono la sua realtà: come se in una società di massa non esistesse più nulla che possa rappresentare la posizione sociale di un individuo. Si scopre che Seurat ha ridotto la forma non per generalizzare le immagini e renderle classiche, come spiega Rich, ma per disumanizzare l'individualità umana, riducendola a una designazione critica dei vizi sociali. I tipi non sono più rappresentati nello stile della pittura libera dei vecchi codici caricaturali, ma sono ridotti a laconici emblemi visivi dei loro ruoli sociali ed economici, un processo simile allo sviluppo del capitalismo stesso, come avrebbe potuto dire Signac.
Concluderò, come ho iniziato, con un'interpretazione pessimistica della Grand Jatte, nella cui statica compositiva e semplificazione formale vedo una negazione allegorica delle promesse della modernità - in breve, un'allegoria distopica. Per me, come per Roger Fry nel 1926, la Grande Jatte rappresenta "un mondo da cui la vita e il movimento sono stati banditi e tutto è per sempre congelato al suo posto, fissato in una rigida cornice geometrica".
Rappresentazione dell'oppressione di classe in uno stile preso in prestito da tabelle e grafici capitalisti.
Eppure c'è un dettaglio che contraddice tale interpretazione: una piccola ma introducente complessità dialettica, posta al centro stesso della Grande Jatte: una bambina che corre saltellando. Questo personaggio difficilmente è stato concepito nella sua forma finale, apparentemente contraddittoria, che presenta nel grande schizzo. In una versione precedente, è quasi impossibile dire se è in esecuzione. La figura è meno diagonale e si fonde maggiormente con i tratti circostanti; sembra che sia collegato a un cane bianco-marrone, che nella versione finale si trova già in un posto diverso nella composizione. La bambina è l'unica figura dinamica, il suo dinamismo è enfatizzato dalla posa diagonale, dai capelli fluenti e dal nastro volante. È in completo contrasto con la bambina alla sua sinistra, figura costruita come un cilindro verticale, passiva e conforme, sottomessa e, per così dire, isomorfa alla madre, che sta all'ombra dell'ombrello al centro del immagine. La ragazza che corre, al contrario, è libera e mobile, è determinata e insegue qualcosa che sta oltre il nostro campo visivo. Insieme al cane in primo piano e alla farfalla rossa che si libra leggermente a sinistra, formano i vertici di un triangolo invisibile. Si potrebbe dire che la figura della ragazza è la Speranza, nei termini di Bloch: un impulso utopico sepolto nel nucleo del suo opposto dialettico; antitesi alla tesi del quadro. Quanto è diversa la rappresentazione dinamica della speranza di Seurat - non tanto una figura allegorica quanto una figura che può solo diventare un'allegoria - dall'allegoria rigida e convenzionale di Puvis creata dopo la guerra franco-prussiana e la Comune! La speranza di Puvi può dirsi disperata, se per speranza intendiamo la possibilità di un cambiamento, un futuro sconosciuto ma ottimista, e non un'essenza rigida e immutabile formulata nel linguaggio classico della nudità schiva e dei drappeggi casti.
Gustavo Courbet. Laboratorio dell'artista. 1855 Parigi, Museo d'Orsay
La figura del bambino come simbolo di speranza in Seurat è un personaggio attivo in mezzo a un oceano di passività ghiacciata, che ci ricorda un'altra immagine: un giovane artista immerso nel lavoro, nascosto nel dipinto di Courbet “La Bottega dell'Artista” (1855 ), il cui sottotitolo è “una vera allegoria”. Tra le opere del XIX secolo, questa è la più vicina a Seurat, in quanto presenta l'utopia come un problema piuttosto che come una soluzione già pronta, in un contesto decisamente moderno, e, ironicamente, in quanto è organizzata come una composizione statica e congelata. Come Grand Jatte, The Artist's Workshop è un'opera di grande potenza e complessità, in cui elementi utopici e non o distopici sono inestricabilmente intrecciati e in cui il vero utopico e il distopico vengono mostrati come opposti dialettici reciprocamente riflessi. Nel tetro antro dello studio, il piccolo artista, seminascosto sul pavimento nella parte destra del quadro, è l'unica figura attiva, oltre all'artista stesso al lavoro. L'alter ego dell'artista, il ragazzo, ammirando l'opera di Courbet, occupando un posto centrale, corrispondente al posto del maestro, personifica l'ammirazione delle generazioni future; come la ragazza di Seurat, questa bambina può essere considerata un'immagine di speranza, una speranza riposta in un futuro sconosciuto.
Eppure il lavoro di Seurat è dominato da una comprensione negativa della modernità, in particolare della modernità urbana. Nel corso della sua breve ma impressionante carriera, fu impegnato nel progetto di critica sociale, che consisteva nella costruzione di un nuovo linguaggio, in parte di massa, metodicamente formale. In The Models (nella collezione Barnes), manifesto sardonicamente derisorio delle contraddizioni della società moderna riguardo alla "vita" e all'"arte", modelle contemporanee si spogliano in un laboratorio, rivelando la loro realtà sullo sfondo di un dipinto - un frammento di "Grand Jatte", che sembra più "moderno", più socialmente espressivo di loro. Che dettaglio significa l'arte qui? La tradizionale nudità delle "tre grazie", che sono sempre raffigurate da tre angolazioni: frontale, laterale e di spalle, o una grande tela sulla vita moderna che fa loro da sfondo? Nel dipinto Cabaret del 1889-1890 (Museo Kröller-Müller), l'intrattenimento mercificato, un prodotto grezzo dell'emergente industria culturale di massa, è mostrato in tutta la sua vacuità e artificiosità; questi non sono piaceri fugaci che Renoir potrebbe rappresentare, e non energia sessuale spontanea nello spirito di Toulouse-Lautrec. La trasformazione del naso di un uomo in un muso simile a un maiale suggerisce francamente l'avidità di piacere. Ballerini: personaggi standard, pittogrammi decorativi, pubblicità di alta classe per un passatempo leggermente pericoloso.
Georges Seurat. Circo. 1891 Parigi, Museo d'Orsay
Nel dipinto "Il Circo" (1891) parliamo del fenomeno moderno dello spettacolo e della contemplazione passiva che lo accompagna. L'immagine è una parodia della produzione artistica, rappresentata allegoricamente come una performance pubblica: abbagliante nella tecnica, ma morta nel movimento, acrobazie per le esigenze di un pubblico congelato. Anche i partecipanti alla performance sembrano congelati nelle loro pose dinamiche, ridotti a curve dattiloscritte, eterei pittogrammi di movimento. Esistono anche interpretazioni più cupe del rapporto tra lo spettatore e la performance nel film "The Circus". Questo pubblico, congelato in uno stato vicino all'ipnosi, denota non solo una folla di consumatori d'arte, ma può essere inteso come lo stato di uno spettatore di massa di fronte a qualcuno che li manipola abilmente. Viene in mente il sinistro Mario e il Mago di Thomas Mann, o Hitler davanti alla folla a Norimberga, o, già oggi, l'elettorato americano e i candidati clown che, con dotta arte, pronunciano slogan e gesticolano in televisione. Oltre al fatto che il "Circo" descrive le questioni sociali contemporanee, come una distopia allegorica, contiene anche un potenziale profetico.
Mi sembra che la Grande Jatte e le altre opere di Seurat siano state troppo spesso incluse nella “grande tradizione” dell’arte occidentale, marciando speditamente da Pierrot a Poussin e Puvy, e troppo raramente associate alle strategie più critiche che caratterizzano l’arte radicale. del futuro. Ad esempio, nel lavoro di un gruppo poco conosciuto di radicali politici che operarono in Germania negli anni '20 e all'inizio degli anni '30 - i cosiddetti progressisti di Colonia - la formulazione radicale dell'esperienza della modernità da parte di Seurat trova i suoi seguaci: non è un'influenza o continuazione del suo lavoro: nel loro distopismo, i progressisti andarono oltre Seurat. Come attivisti politici, rifiutavano allo stesso modo l'arte fine a se stessa e l'identificazione espressionista moderna della morbilità sociale con il pittorialismo agitato e la distorsione espressionista, che per loro non era altro che una sovraesposizione individualistica. I progressisti – tra cui Franz Wilhelm Seivert, Heinrich Herle, Gerd Arntz, Peter Alma e il fotografo August Sander – ricorsero al risveglio rivoluzionario della coscienza, alla rappresentazione pittografica spassionata dell’ingiustizia sociale e dell’oppressione di classe in uno stile preso in prestito dalle tabelle e dai grafici capitalisti.
Distopi per eccellenza, essi, come Seurat, usarono i codici della modernità per mettere in discussione la legittimità dell’ordine sociale esistente. A differenza di Seurat, mettevano in dubbio la legittimità stessa dell'arte alta, ma si può dire che anche questa era incorporata in certi aspetti del suo lavoro. L'enfasi che poneva sull'antieroismo piuttosto che sul gesto; alla "tessitura paziente", che implica la ripetizione meccanica, e non i colpi e i colpi impazienti del pennello, che Feneon chiamava "pittura virtuosa"; alla critica sociale invece che all'individualismo trascendente: tutto ciò ci permette di parlare di Seurat come il precursore di quegli artisti che negano l'eroismo e l'elevazione apolitica dell'arte modernista, preferendo la pratica visiva critica. Da questo punto di vista, i montaggi fotografici dei dadaisti berlinesi o i collage di Barbara Krüger hanno più in comune con l'eredità neoimpressionista degli innocui dipinti realizzati da artisti che utilizzano il pointille per creare paesaggi e porticcioli altrimenti tradizionali e si definiscono seguaci di Seurat. Lo slancio distopico è al centro stesso dei risultati di Seurat - in quello che Bloch chiamava "il mosaico prevalente della noia", "volti espressivi", "l'acqua inespressiva della Senna domenicale"; insomma, "un paesaggio con un suicidio non avvenuto per indecisione". È stata questa l'eredità che Seurat ha lasciato ai suoi contemporanei e a coloro che hanno seguito le sue orme.
Traduzione dall'inglese: Sasha Moroz, Gleb Napreenko
Questo testo fu pronunciato per la prima volta nell'ottobre del 1988 all'Art Institute di Chicago come parte della Norma W. Lifton Memorial Lecture Series. Linda Nochlin. La politica della visione: saggi sull'arte e la società del XIX secolo. Westview Press, 1989. - Nota. per.).
Lo stesso Seurat, esponendo questo dipinto per la prima volta nel 1886 all'Ottava Mostra Impressionista, non indicò l'ora del giorno.
Bloch E. Il principio della speranza. - Cambridge, Massachusetts: The MIT Press, 1986, II. S. 815. Per. in inglese. lingua: Neville Ples, Steven Ples e Paul Knight. Questo frammento è stato citato anche in un contesto diverso nell'ultimo catalogo di Seurat, ed. Erich Franz e Bernd crescono « Georges Seurat: Zeichnungen» (Kunsthalle Bielefeld, Staatliche Kunsthalle baden- baden, 1983-1984), pag. 82-83. Sono state apportate modifiche minori alla traduzione per migliorarne la leggibilità. (Solo un frammento del libro è stato tradotto in russo: E. Bloch. Il principio della speranza. // Utopia e pensiero utopico. M., 1991. - Nota. per. Il Bosco Sacro dell'Art Institute di Chicago è una copia in scala ridotta di un'enorme tela conservata al Museo delle Belle Arti di Lione.
GautierTH. Monitor universale. 3 giugno 1867. Op. Di: Mitchell C. Il tempo e l'ideale del patriarcato nella pastorale di Puvis de Chavannes // Storia dell'arte, 10, n. 2 (giugno 1987). S.189.
subito. Impressionisti e rivoluzionari // La rivolta, 13-19 giugno 1891. P. 4. Cit. Di: Thomson R. Seurat. - Oxford: Phaidon Press; Salem, NH: Salem House, 1985.C.207.
L'uso stesso del concetto di "armonia" nel titolo si riferisce alla definizione fourierista e, più tardi, socialista e anarchica più generalizzata di un'utopia sociale. La famosa colonia utopica fondata negli Stati Uniti nel XIX secolo si chiamava New Harmony ("New Harmony").
In effetti, se si guarda alla critica dell'epoca, diventa chiaro che è la struttura espressivo-formale della tela, e non le differenze sociali, a caratterizzare la selezione dei personaggi - o, più precisamente, l'accostamento senza precedenti di figure lavoratrici. con figure della classe media, che T.J. Clark nella sua ultima nota su questo dipinto ( Clark T. J. IL pittura Di Moderno vita: Parigi In IL Arte Di Manet E Il suo seguaci. - N. Y.: Alfredo UN. Knopf, 1985. pp. 265-267) - impressionò maggiormente il pubblico degli anni Ottanta dell'Ottocento e fece considerare la "Grand Jatte" come una feroce critica sociale. Come ha recentemente osservato Martha Ward, i contemporanei “riconoscevano l'eterogeneità dei personaggi, ma non prestavano attenzione ai suoi possibili significati. La maggior parte dei critici era molto più propensa a spiegare perché tutte le figure erano congelate in pose messe in scena, sbalordite e prive di espressione ... "( IL Nuovo pittura: Impressionismo, 1874-1886, catalogo della mostra, San Francisco Museum of Fine Arts e National Gallery of Art, Washington, 1986, p. 435).
Ward M. Nuovo dipinto. C.435.
Cit. Di: Ward M. Nuovo dipinto. P. 435. Thomson cita lo stesso frammento, ma lo traduce diversamente: “A poco a poco guardiamo da vicino, indoviniamo qualcosa e poi vediamo e ammiriamo una grande macchia gialla d'erba mangiata dal sole, nuvole di polvere dorata sulle cime di alberi, i cui dettagli non possono essere visti dalla retina accecata dalla luce; allora sentiamo che la passeggiata parigina è come inamidata, normalizzata e vuota, che anche il riposo in essa diventa deliberato. Cit. Di: Thomson R. Seurat. C.115, pag. 229. Thomson cita Henri Fevre: Fevre H. L "Exposition des impressionistes // Revue de demain, maggio-giugno 1886, p. 149.
Adam P. Peintres impressionistes // Revue contemporaine litteraire, politique et philosophique 4 (aprile-maggio 1886). S. 550. Citato. Di: Reparto M. Nuovo pittura. C.435.
L'intero frammento di Paolo si presenta così: “Questa immagine è un tentativo di mostrare la vanità della banale passeggiata che le persone in abiti domenicali fanno, senza piacere, nei luoghi dove è consuetudine che sia opportuno passeggiare la domenica. L'artista ha dato ai suoi personaggi i gesti automatici dei soldati che calpestano la piazza d'armi. Le cameriere, gli impiegati e la cavalleria camminano con lo stesso passo lento, banale, identico, che rende accuratamente il carattere della scena, ma lo fa con troppa insistenza. Paulet A. Les Impressionistes // Parigi, 5 giugno 1886. Op. Di: Thomson. Seurat. C.115.
Feneon F. Les Impressionistes en 1886 (Ottava Esposizione impressionista) // LaVoga, 13-20 giugno 1886. S. 261-75b trad. - Nochlin L. Impressionismo e postimpressionismo, 1874-1904,Fonti e documenti nella storia dell'arte (Englewood Cliffs, N.J.: Prentice Hall, 1966). p. 110. L'accattivante figura retorica di Feneon, che collega l'idea di pazienza e tessitura, ricorda ovviamente l'immagine di genere di Penelope che ricama pazientemente e una miriade di storie e metafore che coinvolgono donne e tessuti - non ultimo il famoso detto di Freud su donne e cucito; nel suo saggio “Sulla femminilità” scrive che il cucito è l'unico contributo delle donne alla civiltà ( Freud S. Femminilità // Freud S. Nuove lezioni introduttive alla psicoanalisi, trad. J. Strachey. - N.Y.: Norton, 1965, pag. 131). Per un'analisi dettagliata dei tropi e delle narrazioni specifici di genere relativi al cucito, alla tessitura e alla sartoria, vedere: Miller N.K. Aracnologie: la donna, il testo e il critico // Miller N.K. Soggetto a modifiche: lettura della scrittura femminista. - New York: Columbia University Press, 1988, pag. 77-101. La "tessitura paziente" di Feneon può anche essere letta come un'antitesi delle metafore più familiari della creatività modernista, metaforizzando la forza imperiosa, la spontaneità e l'emotività delle pratiche creative (maschili) dell'artista paragonando il suo pennello a un fallo assertivo o in cerca e sottolineando, rispettivamente, o la passione schiacciante dell'applicazione della vernice o, al contrario, la sua delicatezza e sensibilità. All'interno di questo contesto discorsivo, la fraseologia di Feneon può essere considerata una decostruzione dell'immagine principale della produzione d'avanguardia della modernità - in breve, una figura retorica di crisi.
Ricco DC Seurat e l'evoluzione della “Grande Jatte”. - Chicago: University of Chicago Press, 1935.C.2.
Basti pensare, ad esempio, ai famosi diagrammi dei dipinti di Cézanne nel libro di Erle Laurent: Composizione di Loran E. Cezanne: analisi della sua forma con diagrammi e fotografie dei suoi motivi (Berkeley e Los Angeles, 1943). Questi grafici furono successivamente utilizzati da Roy Lichtenstein in opere come Ritratto di Madame Cezanne nel 1962. Parte del libro fu pubblicata nel 1930 in Le arti. Cm.: Rewald J. La storia dell'impressionismo, rev.ed. - N.Y.: Museo d'Arte Moderna, 1961. C. 624.
Schapiro M. Seurat e "La Grande Jatte". C.11-13.
Per il materiale analitico più recente sulle teorie "scientifiche" del colore di Seurat, vedere: Lee UN. Seurat E Scienza // Arte Storia 10, n. 2 (giugno 1987: 203-26). Lee conclude inequivocabilmente: “Il suo metodo 'cromoluminarista', che non aveva basi scientifiche, era pseudoscientifico: era ingannevole nelle sue formulazioni teoriche e si applicava con indifferenza a qualsiasi valutazione critica della sua validità empirica” (p. 203).
Seurat in prospettiva, ed. Norma Broude (Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, 1978). C.173.
È curioso che Seurat abbia difeso ferocemente il suo primato nell'invenzione del neoimpressionismo e abbia cercato di impedire a Signac e ad altri artisti di sviluppare la "sua" tecnica. Per una discussione delle contraddizioni all'interno del gruppo neoimpressionista, vedere: Thomson, Con. 130, 185-187. Qui sto parlando delle possibilità del neoimpressionismo come pratica, e non dell'integrità personale di Seurat come leader del movimento. Naturalmente, c’era una contraddizione tra il potenziale del neoimpressionismo e le sue incarnazioni concrete in Seurat e nei suoi seguaci.
Il lavoro degli studenti
Set di colori Pelikan. K12" - dipinti
Con l'uscita del set originale K12 di Pelikan, vorremmo condividere con voi alcune idee su come utilizzare il set di colori Pelikan in una lezione di disegno. Il focus è sul lavoro dell'artista Georges Seurat.
Materiali per questa lezione:
Un set di colori "K12", pennelli Pelikan di varie dimensioni e tipi di setole, un album da disegno e dei bastoncini di cotone.
Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte, 1884-1886
Tutorial "Domenica sull'Isola della Grande Jatte"
Disegnare un'immagine dai punti può essere un compito difficile, ma solo a prima vista. L'artista francese Georges Seurat (1859-1891) riuscì a creare un metodo di pittura completamente nuovo: il "puntinismo". L'esame dei singoli punti di un'immagine realizzata con questa tecnica non porterà da nessuna parte. Ma prova a guardare l'intera immagine nel suo insieme e puoi vedere: l'immagine è come tessuta da punti.
Se guardi l'immagine da lontano, vedrai che i punti si fondono e formano oggetti colorati e immagini tridimensionali. Da un lato, questo metodo veniva utilizzato nell'antichità per la creazione di mosaici e, dall'altro, questo principio è alla base dei moderni metodi di stampa.
Ecco come funziona:
- Scarica il Resource Kit della domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte.
- Stampa modello immagine:
- Mosaico antico, motivo a pavimento
- occhio di rana
- Ritaglio di giornale (punti di interruzione colore)
Queste immagini suggeriscono alcune riflessioni: il pavimento è in mattonelle piene, di epoca antica; moltiplicare l'immagine del computer ingrandita dei pixel a colori; punti di controllo del colore su un giornale in quadricromia.- Invita gli studenti a discutere la domanda: “Cosa hanno in comune tutti questi dipinti?” Potresti trovare utile porre domande come le seguenti durante la discussione:
- Che materiale viene utilizzato? Ad esempio, pietra, carta o stoffa?
- Oppure è vernice?
- I motivi principali della composizione?
- Con quale tecnica vengono realizzati i disegni?
- Quando i bambini capiscono che le immagini su superfici, motivi o oggetti sono costituiti da piccoli punti individuali, invitali a pensare a creare i propri dipinti e agli strumenti e ai metodi necessari per farlo.
- Discutere il piano d'azione con gli studenti. Inizia con motivi semplici, per passare gradualmente a quelli più complessi quando i punti vengono applicati su più strati.
- Ogni studente disegna la propria immagine con i punti.
- Discutere i pro e i contro di questa tecnica di disegno può ravvivare la lezione. Allo stesso tempo vale la pena menzionare gli aspetti della moderna tecnologia di stampa (vedi illustrazioni sui modelli scaricati). Il modello può essere stampato su una diapositiva trasparente e mostrato a tutta la classe. In conclusione, è necessario menzionare ancora una volta l'artista Seurat e il suo metodo di disegno progressista.
Consiglio:
È estremamente importante spiegare tutto chiaramente! Quindi, quando vengono scelte l'opzione più interessante e i materiali adatti, sentiti libero di metterti al lavoro.Opzioni di combinazione separate
Iniziamo disegnando punti sulla carta con un pennello. Resta inteso che in questa fase gli studenti utilizzeranno pennelli di diverso spessore, ottenendo ogni volta un risultato diverso. Puoi sperimentare e fare punti usando tappi di sughero o oggetti rotondi simili.
Tecnica per applicare punti con bastoncini di cotone (effetto coriandoli)
Tanto per cambiare, invece di un pennello, puoi usare dei bastoncini di cotone. Prepara la vernice per la pittura a punti. Per fare questo, usando un pennello normale, aggiungi alcune gocce d'acqua allo stampo della vernice. Mescola la vernice con un pennello finché non compaiono le bolle. Quindi riempire la tavolozza sul coperchio del kit con la vernice diluita. Sentiti libero di mettere dei punti sulla carta, immergendo periodicamente un batuffolo di cotone nella vernice risultante.
Punti applicati con un batuffolo di cotone. (Esempi di punti di disegno).Colora i punti
Puoi anche iniziare colorando vari tipi di punti. Per fare ciò, utilizza i nostri modelli. La casa nella foto sembra abbastanza riconoscibile. Resta agli studenti semplicemente colorare i punti rimanenti, ad esempio con pennarelli colorati.
Il modello del kit di download è "House of Dots".Rappresentazione schematica delle figure
Per cominciare, gli studenti disegnano semplici forme geometriche su carta con una matita sottile. In alternativa, scarica e stampa modelli pronti da utilizzare in classe.
Puoi scaricare modelli con forme semplici e iniziare subito.Ora diluisci un'ulteriore quantità di colore nella tavolozza (vedi tecnica dei coriandoli). Per iniziare, prova a sperimentare con i colori primari: giallo, rosso violaceo e ciano.
Quindi immergi un cotton fioc in una vernice pre-preparata, come il rosso porpora, e dipingi la forma scelta. Ora dipingi lo spazio attorno alla forma con un altro colore primario, come il blu.
Infine, copri l'intera pagina con un terzo colore primario, nel nostro caso il giallo.
Per prima cosa dipingi la forma con punti rosso porpora, poi azzurra l'area circostante e alla fine copri l'intero disegno con punti gialli.
Nel kit di download troverai istruzioni dettagliate per la tecnica sopra descritta.Incoraggia i tuoi studenti a sperimentare diverse combinazioni di colori. La varietà di colori risultante può sorprendere.
Varie combinazioni di colori: giallo e rosso violaceo, rosso violaceo e blu.
Ed ecco uno spazio uniformemente riempito di punti gialli, rosso porpora e blu. Otterrai un effetto altrettanto interessante se usi i colori secondari: arancione, viola e verde.Lavorare con i coriandoli
Un modo interessante per applicare i punti è usare veri coriandoli. Cospargi i coriandoli su un grande pezzo di carta. Chiedi a ogni studente di “disegnare” una forma semplice, come un quadrato o una casa, utilizzando i coriandoli su cartone. Come sempre, puoi utilizzare i nostri modelli. Ad esempio, l'immagine di una casa. Grazie alle linee di contorno audaci, gli studenti riempiranno facilmente la figura con una manciata di coriandoli.
Scarica il modello "Casa" per lavorare con i coriandoli.Suggerimento aggiuntivo:
Forma del punto
Il disegno risulterà più interessante e naturale se applichi i punti con un pennello. In questo caso, i punti risultano di forma irregolare, a differenza dei punti ugualmente rotondi su un motivo stampato o stampato.effetto colore
Il risultato di un'immagine bitmap dipende in gran parte dal colore selezionato e dalla sua densità di distribuzione. Quelli. maggiore è il numero di punti di un particolare colore, maggiore sarà la tonalità distinta di questo particolare colore acquisita dagli altri colori.Lavorare con la ruota dei colori
Utilizza la ruota dei colori Pelikan per ottenere una tonalità di colore specifica. Ti aiuterà a scegliere i colori da mixare con quelli principali.Contrasti complementari
Sperimenta diversi effetti e combinazioni di colori. Per creare contrasti complementari, abbiamo bisogno di colori contrastanti. Per fare ciò, applica alternativamente entrambi i colori contrastanti. Sono facili da trovare sul "Color Kug".Vari motivi
Puoi dipingere con i punti non solo motivi semplici, come una casa o un cuore, ma anche quelli più complessi. Il Manuale pedagogico di Pelikan offre un altro modello da scaricare, il Mulino. - Invita gli studenti a discutere la domanda: “Cosa hanno in comune tutti questi dipinti?” Potresti trovare utile porre domande come le seguenti durante la discussione:
"La domenica sull'isola della Grande Jatte" è uno dei dipinti più famosi del grande artista francese Georges-Pierre Seurat. Georges Seurat (1859-1891) - un famoso pittore, un importante rappresentante del postimpressionismo, uno dei fondatori del neoimpressionismo.
Georges Seurat. Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte
Inoltre, Georges Seurat è diventato famoso per aver creato un metodo di pittura noto come puntinismo: disegnare con punti. Il dipinto "Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte", noto anche come "Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte", è un ottimo esempio di puntinismo, inventato da Georges Seurat. Quest'opera non è solo un eccellente esempio, ma è considerata uno dei migliori dipinti di questa direzione del postimpressionismo. L'arte del puntinismo qui rappresenta la vera perfezione della bellezza e dello splendore. Forse è grazie a questa tela che il puntinismo ha preso una posizione forte nell'arte mondiale ed è ancora utilizzato da artisti di tutti i continenti.
Il dipinto "La domenica sull'isola della Grande Jatte" è stato dipinto nel 1886, olio su tela. cm 207×308 Attualmente all'Art Institute of Chicago. Il dipinto rappresenta un paesaggio estivo soleggiato con persone che si godono la natura. L'immagine sembra molto armoniosa, sostenuta, calma, ricca. Seguendo la sua tecnica, Georges Seurat non mescola i colori, ma li applica in punti in un certo ordine.
L’immagine suscitò opinioni contrastanti tra spettatori e critici d’arte, tuttavia, ottenne il suo posto nella storia dell’arte, nella storia del post-impressionismo e divenne uno degli esempi più sorprendenti della bellezza dello stile del puntinismo.
Georges-Pierre Seurat(2 dicembre 1859, Parigi - 29 marzo 1891, Parigi) - Pittore post-impressionista francese, fondatore del neoimpressionismo, creatore del metodo originale di pittura chiamato divisionismo o puntinismo.