I direttori stanno lavorando. Ci sono molte ragazze che studiano al dipartimento di regia? È facile trovare lavoro?

10.03.2019

Direttore- questa è una persona che produce un film, gestisce il processo di ripresa o le prove, se stiamo parlando riguardo al teatro. Più precisamente, i registi set cinematografico Alcuni: direttore principale chiamato direttore di produzione, i suoi più stretti assistenti sono semplicemente registi. In entrambi i casi, la base del suo lavoro è.

Oggi molte persone sognano di diventare registi, perché la professione sta diventando sempre più prestigiosa. Maestri famosi nel loro campo ricevono riconoscimenti e premi, vanno sul tappeto rosso, rilasciano interviste, comunicano con i migliori attori e attrici. Tuttavia, il lavoro del regista non è sempre stato così. All'inizio, nella fase in cui la professione emergeva, il regista sviluppava la sceneggiatura, lavorava con gli attori e gestiva il processo di ripresa. Ma i tempi sono cambiati e hanno imposto sempre nuove responsabilità che rendono la professione interessante e difficile allo stesso tempo.

Cosa fa un regista?

Ora, per avere successo nella sua attività, un regista deve avere un acuto senso delle idee di qualità, delle sceneggiature sorprendenti, dei tempi di uscita del film e delle esigenze del pubblico. Cerca fondi, interessa investitori e produttori, seleziona attori e troupe e gestisce il processo di creazione e montaggio del film. Le barriere e le restrizioni diventano gradualmente sempre meno man mano che cresce la gamma delle responsabilità del direttore.

Gli specialisti nazionali differiscono in molti modi da quelli occidentali, poiché i registi di Hollywood non riconoscono coloro che si mettono al di sopra degli altri. Pertanto, svolgono la massima quantità di lavoro, facendo ogni sforzo per garantire che l'immagine sia di alta qualità e di successo.

Dopo il loro primo successo, i direttori nazionali spesso diventano arroganti e rifiutano di adempiere a determinati doveri, con il risultato che perdono rapidamente popolarità. Solo maniaci del lavoro selezionati e veri talenti sono ancora interessanti per gli spettatori.

Diritti e responsabilità lavorative del direttore

Le responsabilità del regista includono il coordinamento dell'intero processo di realizzazione di un film, quindi è lui che riceve i premi o subisce un collasso completo se il suo film fallisce. Il lavoro del regista richiede una dedizione completa, poiché lo specialista non solo seleziona attentamente la sceneggiatura, la adatta alla sua visione e al suo atteggiamento, cioè crea, seleziona il cast ottimale, che sarà l'incarnazione ideale di determinate immagini, e trova un approccio a ognuno di loro.

Dopo la fine del processo di ripresa, il lavoro del regista non finisce, poiché è obbligato a controllare il montaggio, il suono e gli effetti speciali. Questi ultimi svolgono spesso un ruolo decisivo nella qualità e nella popolarità dell'immagine. Solo dopo che tutto il lavoro è stato completato e il film è uscito nelle sale, il regista può considerare il suo lavoro completato e aspettarsi elogi o critiche da parte di specialisti e spettatori comuni.

Tipico descrizione del lavoro L'accordo del direttore comprende diritti e obblighi; di solito contiene anche una clausola sulle responsabilità delle parti del contratto. Le responsabilità lavorative di un regista teatrale, ad esempio, includono lo sviluppo di un repertorio, la messa in scena di spettacoli, l'organizzazione lavoro accademico. Elaborazione di preventivi di spesa e piani di ricavo Soldi spesso assegnato anche al regista.

In generale, le funzioni di un direttore rappresentano un insieme di responsabilità di un buon manager, e dirigere come professione implica un pensiero appropriato ed eccellenti capacità organizzative.

Concetto e implementazione

Ideazione e realizzazione sono i due pilastri su cui si regge la regia moderna. Molti registi descrivono le loro idee in modo molto dettagliato, alcuni, al contrario, credono che l'improvvisazione lo sia carta vincente regia pratica. Certo, è sciocco sottovalutare l'importanza della fase preparatoria, ma la storia della regia dice che i momenti lavorativi più importanti si svolgono ancora sul set. Potrebbe essere palcoscenico teatrale o un padiglione per le riprese. Indubbiamente, senza attori sarebbe impossibile realizzare tutta la ricchezza dell'immaginazione del regista.

Le funzioni principali di un regista includono il lavoro con gli attori. Naturalmente, idealmente, la comprensione creativa del regista e degli attori dovrebbe coincidere completamente. Tuttavia, in pratica, è più spesso possibile osservare una situazione in cui o si sforzano di incontrarsi a metà strada, oppure ciò che fa il regista non può essere chiamato altro che l'imposizione attiva dell'unico punto di vista corretto.

A volte anche eminenti maestri non ritengono necessario sentire il parere dell'esecutore testamentario del suo “serenissimo” testamento. Ma ciò che fa il regista è creare personaggi. Non può essere eseguito senza bypassare l'anima e potenziale creativo attore.

In conformità con i principi classici della regia, si distinguono le seguenti componenti del piano (le basi della regia):

interpretazione creativa della sceneggiatura;
descrizione dei personaggi;
determinare le caratteristiche della recitazione;
ritmi e tempi nell'aspetto temporale dell'opera;
soluzione spaziale (il cosiddetto spazio di regia);
design decorativo e sonoro.

In conclusione, va notato che l'adempimento tempestivo e completo dei compiti di un regista renderà un principiante diligente un vero maestro.

Il compito del regista

Non puoi parlare con gli attori in un linguaggio scientifico asciutto, e io stesso non sono un uomo di scienza, e quindi non potrei occuparmi di qualcosa di diverso dai miei affari. Il mio compito è parlare con l'attore nella sua lingua: non filosofare sull'arte, ma scoprire in forma semplice le tecniche della psicotecnica praticamente necessarie per lui, principalmente nell'area interna dell'esperienza e della trasformazione artistica.

K.S.Stanislavskij

Per ogni regista, il materiale principale nel suo lavoro è la creatività dell'attore. Nessuno dei problemi della regia moderna acquisirà un vero valore artistico se non si rivela nell'attore. Cioè, se gli attori non creano, non pensano e non sentono, se sono passivi e creativamente inerti, il regista non ha niente da fare, non c'è niente da cui creare una performance, semplicemente non ha il materiale necessario nelle sue mani. Pertanto, le questioni relative al lavoro del regista con l'attore nel processo di creazione di uno spettacolo sono le più urgenti nella pratica creativa di qualsiasi teatro. È necessario evocare il processo creativo nell'attore, risvegliare la sua natura organica per una creatività costante, piena e indipendente. Il regista deve essere in grado di “interpretare” il ruolo, saper mostrare “come si recita” e rivelare all'attore tutto ciò che fa sulla scena. E questa è la sua responsabilità principale. Quando si verifica questo processo, nascerà la seconda responsabilità del regista: sostenere continuamente questo processo, non lasciarlo svanire e indirizzarlo verso un obiettivo specifico in conformità con il concetto ideologico e artistico generale dello spettacolo. Il regista deve sentire l'individualità dell'attore, nel processo di lavoro monitorare continuamente come i piani dell'autore e del regista si riflettono nell'attore, e allo stesso tempo vedere dove lo chiamano l'immaginazione e i desideri dell'attore, e in che misura può insistere su questo o quel compito. Seguire la volontà dell'attore e allo stesso tempo indirizzarla, correggerla, senza farsi sentire sotto pressione.

Il regista non lavora con un attore, ma con un'intera squadra, quindi il compito più importante è coordinare costantemente i risultati della creatività di tutti gli attori, in modo che il risultato sia un'opera ideologica e artistica armoniosamente integra di arte teatrale. Il regista risolve tutti questi difficili problemi nel processo di adempimento della sua funzione principale: l'organizzazione creativa dell'azione scenica.

La base di ogni azione è sempre l'uno o l'altro conflitto, che provoca uno scontro, una lotta, un'interazione tra i personaggi dell'opera. Il regista è chiamato a identificare i conflitti attraverso l'interazione degli attori sulla scena. Ciò dà origine a un'altra qualità del regista: essere l'organizzatore dell'intera performance. Ma svolgere questa funzione in modo convincente - in modo che gli attori sulla scena lavorino in modo veritiero, organico e lo spettatore creda nell'autenticità delle loro azioni - è impossibile con il metodo dell'ordine, del comando e della pressione. Il regista deve affascinare l'attore con i suoi compiti, ispirarlo a completarli, eccitare la sua immaginazione, risvegliare la sua immaginazione artistica e “attirarlo” discretamente sulla retta via della vera creatività.

Il compito principale di ogni vera creatività nell'arte realistica è rivelare l'essenza dei fenomeni della vita rappresentati, scoprire le sorgenti nascoste di questi fenomeni, i loro schemi interni. Pertanto, una profonda conoscenza della vita è la base di tutta la creatività artistica. Senza conoscenza della vita non puoi creare. Questo vale sia per il regista che per l'attore. Se presupponiamo che il regista abbia un certo bagaglio di conoscenze, osservazioni di vita, pensieri e giudizi sulla vita che deve essere rappresentata sul palco, e che l'attore non abbia alcun bagaglio a questo riguardo, allora l'attore sarà costretto a obbedire meccanicamente alle regole. volontà del regista, l'influenza del regista sull'attore sarà unilaterale, l'interazione creativa non avrà luogo.

Immaginiamo il quadro opposto: l'attore conosce bene la vita, ma il regista è giovane e inesperto. Cosa succede in questo caso? L'attore ha l'opportunità di creare e influenzare il regista con la sua creatività; purtroppo non c'è interazione e il regista perde il suo ruolo da protagonista ed è costretto a trascinarsi impotente dietro il lavoro creativo della squadra di attori. Pertanto, entrambe le opzioni - quella in cui il regista sopprime dispoticamente la personalità creativa dell'attore e quella in cui, a causa dell'ignoranza della vita, perde il suo ruolo da protagonista - hanno ugualmente un impatto negativo sul lavoro complessivo - sulla performance.

La questione è completamente diversa se il regista e l'attore conoscono e comprendono bene entrambi i fenomeni della vita che l'autore dell'opera ha reso oggetto di manifestazione creativa. Quindi si creano le giuste relazioni creative tra loro, nasce l'interazione o la co-creazione.

Il regista dà all'attore alcune istruzioni riguardo a questo o quel momento del ruolo: qualche gesto, frase, intonazione. L'attore, dopo aver ricevuto l'istruzione, la comprende, la digerisce internamente sulla base della propria conoscenza della vita. Di conseguenza, le istruzioni del regista e la conoscenza dell’attore interagiscono e formano, per così dire, una sorta di “lega” o sintesi. L'attore non riprodurrà meccanicamente e sconsideratamente ciò che il regista gli ha chiesto, ma in modo creativo. Mentre adempie all'incarico del regista, dimostrerà allo stesso tempo se stesso, la propria personalità creativa. Il regista, dopo aver dato il suo pensiero, lo riceverà indietro sotto forma di “colore” scenico, cioè un certo movimento, gesto, intonazione, lo riceverà arricchito e luminoso. Ecco perché il regista deve, con tutti i mezzi a sua disposizione, risvegliare la volontà creativa e l'iniziativa dell'attore, coltivare nell'attore la sete di conoscenza, di osservazione e il desiderio di indipendenza creativa.

"Influenza e convinci gli altri con il tuo esempio - allora avrai una grande carta vincente tra le mani e non ti diranno: "Dottore! Guarisci te stesso!" oppure "Prima di insegnare agli altri, rivolgiti a te stesso!" Il tuo esempio è il modo migliore per guadagnare autorità.

K.S.Stanislavskij

Un vero regista non è solo un insegnante di teatro per un attore, ma anche un insegnante di vita.

Il corretto benessere di un attore sul palco

Risvegliare e dirigere l'iniziativa creativa dell'attore nella giusta direzione è la responsabilità più importante del regista. La direzione desiderata è determinata dal concetto ideologico dell'intera performance. A questo disegno deve essere subordinata l'interpretazione ideologica di ciascun ruolo individuale. È necessario che l'attore segua liberamente la strada indicata dal regista, senza sentire alcuna violenza contro se stesso. Il regista non solo non dovrebbe schiavizzare l'attore, ma al contrario dovrebbe tutelare la sua libertà creativa, perché la libertà lo è condizione necessaria e il segno più importante del corretto benessere creativo dell’attore, e quindi della creatività stessa.

Diciamo che il regista ha indicato all'attore una certa messa in scena e l'attore è obbligato a eseguirla. Inoltre, è obbligato a eseguirlo ogni volta, ad ogni prova e poi ad ogni rappresentazione. Deve realizzarlo perché questa messa in scena non è casuale, è pensata dal regista, sentita e contiene un certo significato. Rivela questo frammento del gioco e del comportamento in un modo e non in un altro. caratteri. Ciò significa che è questa, e non un'altra messa in scena, che l'attore deve eseguire. E il nocciolo della questione è che l'attore deve eseguire questa unica messa in scena possibile in modo tale che il processo di esecuzione sia il suo bisogno organico. E questo avverrà solo quando l'attore capirà e sentirà che il comportamento assegnatogli è assolutamente necessario e obbligatorio per un dato personaggio in determinate circostanze. È questa messa in scena, questo gesto, questa intonazione. Allora non avrà la necessità di realizzare un'altra messa in scena. E questo sentimento di necessità interiore di fare questo e non altrimenti provocherà un sentimento di libertà.

Soddisfare questo requisito potrebbe non essere facile. Solo quando il necessario viene compiuto con senso di libertà, quando necessità e libertà si fondono, l'attore ha l'opportunità di creare. Finché l’attore usa la sua libertà non come una necessità cosciente, ma come una sua arbitrarietà personale e soggettiva, non crea. La creatività è sempre associata alla libera sottomissione a determinati requisiti, determinate restrizioni e norme. E se un attore soddisfa meccanicamente i requisiti che gli vengono posti, anche lui non crea. In entrambi i casi, non esiste una creatività a tutti gli effetti. Sia l'arbitrarietà soggettiva dell'attore che il gioco razionale, quando l'attore si costringe con la forza a soddisfare determinati requisiti, non sono creatività. L'elemento di coercizione nell'atto creativo dovrebbe essere completamente assente. Questo atto deve essere estremamente libero e allo stesso tempo soggetto a necessità.

Come è possibile raggiungere questo obiettivo? Innanzitutto è necessario avere tenacia e pazienza, per non accontentarsi finché l'adempimento del compito non diventa un bisogno organico dell'attore. Per fare ciò, il regista deve affascinare l'attore con questo compito. Deve spiegare e affascinare, influenzando allo stesso tempo la mente, i sentimenti e l'immaginazione dell'attore, finché l'atto creativo non nasce da solo, cioè finché il risultato degli sforzi del regista non si esprime in una forma completamente libera, come se fosse completamente involontario. , la reazione involontaria dell'attore. Riguarda il disegno psicologico interno, la scelta precisa dei mezzi espressivi dell'attore. Innanzitutto cambia il modo di pensare. Queste due persone, l'attore e il regista, la pensano diversamente. Non su cose diverse, ma in modi diversi. E poiché vuoi penetrare il mistero dei loro pensieri e sei costantemente in procinto di comprenderlo, ricevi gioia estetica.

Non puoi dare allo spettatore l'opportunità di indovinare cosa farà l'attore dopo. Se è davanti all'attore, allora è prigioniero del modo arcaico di esibirsi. L'artista deve condurre lo spettatore, controllandone le emozioni.

Quindi, il benessere creativo dell'attore si esprime nel fatto che, mentre è sul palco, percepisce qualsiasi influenza precedentemente nota come inaspettata e risponde ad essa liberamente e allo stesso tempo correttamente. È proprio questo sentimento che il regista dovrebbe cercare di evocare nell'attore e poi mantenerlo diligentemente.

Il linguaggio degli incarichi di regia è l'azione

Il modo più “dannoso” di dirigere è pretendere una “performance” immediata dall’attore. una certa sensazione in una certa forma, cioè un requisito per risultati immediati. L'attore, non importa quanto lo voglia, non può farlo senza violare la sua natura naturale. Aiutare l'attore a portare avanti questa preparazione è il vero compito del regista. E questa preparazione consiste nel suggerire all'attore non un sentimento o una forma di espressione, ma un'azione che condurrà l'attore al sentimento desiderato e provocherà la reazione desiderata. Da un certo punto di vista, il “nemico” più importante nella recitazione è designare i sentimenti invece di provarli veramente. L'affermazione di Stanislavskij secondo cui i sentimenti non possono essere interpretati è intesa da molti come l'assenza, la distruzione dell'emotività in generale.

Se parliamo di metodologia, allora il regista e l'attore devono raggiungere una “alta temperatura” di intensità emotiva sul palco, dopodiché possiamo occuparci dell'espressività dei mezzi. Il regista deve saper suggerire all'attore non un sentimento, ma l'azione giusta per ogni momento della sua vita scenica. Quindi, il linguaggio degli incarichi di regia dovrebbe essere il linguaggio dell’azione, non il linguaggio dei sentimenti.

Modulo incarico regia

Qualsiasi istruzione del direttore può essere impartita sia sotto forma di spiegazione verbale che sotto forma di dimostrazione del direttore. La spiegazione verbale è giustamente considerata la forma principale delle istruzioni del regista, ma è impossibile cavarsela solo con le parole. Lo spettacolo è, ovviamente, necessario, anche se ciò comporta un pericolo molto serio di spersonalizzazione creativa degli attori. Ovviamente un buon regista nei suoi spettacoli non procederà dal proprio materiale interpretativo, ma da quello dell'attore con cui lavora.

Una fase molto importante nel lavoro del regista con gli attori è il cosiddetto periodo di lavoro a tavola sullo spettacolo. Ciò sta gettando le basi per le prestazioni future. Il modo in cui procede questo periodo dipende in larga misura da risultato finale. Il regista deve trasmettere l'idea all'attore in modo che essa - l'idea - diventi l'idea creativa dell'intera squadra.

Il lavoro del regista sulla messa in scena.

La messa in scena è solitamente chiamata la posizione dei personaggi sul palco in determinate relazioni fisiche tra loro e con l'ambiente materiale che li circonda. Lo scopo della messa in scena è esprimere le loro relazioni e azioni psicologiche interne attraverso relazioni fisiche esterne tra i personaggi. Lo sviluppo preliminare della messa in scena sotto forma di una partitura dettagliata è naturale per un regista alle prime armi o inesperto quanto l'improvvisazione lo è per un maestro maturo. Il lavoro del regista sulla messa in scena consiste nel mobilitare l'immaginazione del regista, che gli consente, in primo luogo, di vedere l'area scenica e gli attori che si muovono su di essa in determinate combinazioni tra loro e, in secondo luogo, di mettere in scena internamente , vivere ogni messa in scena per ciascuno degli interpreti. Il risultato finale deve corrispondere agli attori e alla loro interazione reciproca.

Rimozione dei blocchi creativi

Uno dei seri ostacoli al raggiungimento del risultato desiderato nella recitazione è la mancanza di attenzione al partner e all'ambiente scenico che circonda l'attore. Tale ostacolo viene superato, ad esempio, nel modo seguente: dopo la successiva ripetizione di un'importante parte del ruolo, il regista ferma l'attore nel punto più patetico e lo invita a dare un'occhiata più da vicino al suo partner. Consideriamo, ad esempio, un bottone della giacca di un partner (di che colore è, di cosa è fatto, quanti buchi ci sono), poi la sua acconciatura, poi i suoi occhi e quando il regista vede che l'attore è concentrato su l'oggetto datogli, puoi continuare il testo.

Un problema altrettanto serio è la tensione muscolare. Qui a volte è sufficiente dire all'attore di rilasciare, ad esempio, mano destra, o viso, fronte, collo, in modo che l'attore si sbarazzi della pressione creativa. In effetti, gli ostacoli sono tanti e diversi, ma il regista deve sapere: non si dovrebbe mai andare avanti senza aver raggiunto un'esecuzione impeccabile di un determinato passaggio dal punto di vista della verità artistica.

Si può immaginare quale conoscenza del materiale recitativo, quale occhio acuto, quale sensibilità e intuizione debba avere un regista per realizzare i suoi piani! Per fortuna, tutte queste qualità si sviluppano se il regista apprezza e ama l’attore, se non tollera nulla di meccanico in scena, se non si accontenta finché la performance dell’attore non diventa organica, interiormente realizzata e artisticamente veritiera.

Dirigere è una specie di attività creativa, con l'aiuto del quale viene creata la cinematografia, azione teatrale e numeri di varietà. Dirigere è un'attività difficile, ma molto interessante. Al centro del legame tra l'attore e l'autore principale c'è il regista. Svolge il ruolo di “traduttore”, interpretando a modo suo l’opera dell’autore, traducendola nel linguaggio del cinema o della performance.

La parola direttore è tradotta come “manager”. La professione di amministratore assolve ad un'importante missione prevista dall'art. Questa è una persona creativa, leader e organizzatore della produzione di un concetto cinematografico o di intrattenimento. Il regista crea una nuova realtà dalla sceneggiatura, coinvolgendo i partecipanti processo creativo: lancio, artisti, costumisti, compositori.

Il lavoro del regista comprende:

Amministratore. Il direttore-amministratore organizza gli spettacoli, controlla l'ordine e il completamento dei compiti assegnati.
Il regista. Ciò include lavorare con l'attore, lo scenografo, il costumista e altri lavoratori;
Scrittore. Monitora l'andamento della performance lungo la traiettoria letteraria prevista.
Artista. Il regista/artista crea la propria combinazione artistica originale dell'opera;
Insegnanti. Il regista è anche un insegnante che guida, forma ed educa gli attori.

Ai tempi di Stanislavskij K.S. la regia appariva diversa, non come adesso. Le rappresentazioni in teatro si sono svolte in modo indipendente, l'attore ha eseguito la sua performance senza interferenze esterne, poiché ha compreso il ruolo e lo ha interpretato. Il compito del regista era solo quello di distribuire i ruoli, arrangiare e muovere i personaggi sulla scena. Non poteva permettersi di più, lasciando tutto alla discrezione dell’attore.

È stato Stanislavskij K.S. a presentarlo enorme contributo nello sviluppo della regia come professione, ne definì le funzioni:

studiare e comprendere la performance;
trovare l'effetto spettacolare desiderato;
subordinazione dei partecipanti alle riprese al piano del regista.

Una fase necessaria nella formazione di un'atmosfera lavorativa fruttuosa è l'interazione tra il regista e l'attore. Idealmente, il rapporto tra i partecipanti al processo di ripresa dovrebbe essere fiducioso e amichevole, ma non sempre funziona in questo modo. Molto dipende dall'atteggiamento del management nei confronti dei subordinati. I registi cercano di attrarre attori con cui amano e si sentono a proprio agio nel lavorare. L'atmosfera sul set e i rapporti instaurati tra i partecipanti alle riprese influenzano il risultato finale del lavoro.

I mezzi espressivi della regia includono:

Agire art.

La recitazione è l'arte di creare personaggi, un tentativo di esprimere la vita sul palco davanti a un pubblico o su uno schermo televisivo. Lo scopo del suo lavoro è influenzare il pubblico e ottenere una reazione. Ogni volta che un attore si trasforma in una persona diversa per una performance, la sua performance deve essere emotiva e naturale.

Messa in scena.

La mise-en-scène è il posizionamento degli attori sul palco durante uno spettacolo. È una componente importante della creatività e della visione del regista. La direzione dello stile e del genere della performance dipende dalla posizione della messa in scena. La performance dell'attore deve corrispondere ad esso.

La messa in scena soddisfa una serie di requisiti:

Trasmetti il contenuto espressivo di una scena o di un episodio, focalizza l'attenzione sulla performance dell'attore e cattura l'intento del regista.
Prendi in considerazione le relazioni sul palco, i conflitti, le esperienze interne e le emozioni dei personaggi.
Contengono espressività scenica, naturalezza,

realismo.

TempoRitmo

Il ritmo del tempo è costituito dalla velocità del tempo e dalla frequenza del ritmo. Il concetto di ritmo-tempo come mezzo espressivo di regia è stato introdotto da K. S. Stanislavskij. Di solito è diviso in esterno e interno.

Il tempo è una parte del ritmo che caratterizza il suo andamento. Il ritmo è il legame tra il movimento e le soste nel tempo, un'alternanza ritmica di movimenti, suoni e sensazioni.

Il tempo, come altri mezzi di regia, aiuta a realizzare la visione del regista attraverso la recitazione. Sono strettamente correlati tra loro e si completano a vicenda. Un tempo selezionato correttamente evoca emozioni e sentimenti reciproci nel pubblico.

Atmosfera.

L'atmosfera nella regia funge da habitat dell'immagine. Consiste in ritmo, suoni, luci, ecc. L'atmosfera sul palco deriva dall'azione che si svolge davanti al pubblico, dal luogo, dal tempo. Consiste in mezzi espressivi ed è creato dall'evento principale sul palco.

Serie di eventi

Qualsiasi opera d'arte include un evento. Un evento è un atto di un personaggio o un'azione piena di significato, ha una colorazione emotiva e sfocia gradualmente in una serie di eventi. La sequenza degli eventi è necessaria per una struttura laconica e interessante dell'opera, include la lotta dei personaggi e una catena di azioni.

La serie di eventi è divisa nelle seguenti fasi:

L'evento iniziale inizia con un conflitto in cui sono coinvolti i personaggi e comprende le caratteristiche stilistiche del testo dell'autore.
L'evento principale si sviluppa insieme all'azione della composizione, ha un carattere straordinario e comprende elementi di eventi che sviluppano conflitto per mantenere la tensione tra il pubblico.
L'evento centrale porta con sé una posizione centrale che può cambiare il corso del conflitto e l'esito del lavoro. Viene trovato l'esatto evento centrale idea principale e il concetto di genere. Quindi viene sostituito con quello principale.
L'evento principale è un epilogo che contiene e rivela l'intenzione del regista. È qui che vengono risolti i compiti da svolgere e viene determinato il genere del lavoro.
Nella fase finale vengono riassunti i risultati del lavoro e i compiti assegnati.

Un'idea del regista

La regia implica la combinazione di elementi creativi in un tutt'uno per creare un lavoro interessante e olistico. Questo risultato è ottenuto con l'aiuto dell'intenzione del regista. La visione del regista è una parte necessaria del progetto ed è composta dai seguenti elementi:

Soggetto.

Determinare il tema di un’opera è uno dei compiti principali nel lavoro di un regista. Trovarlo aiuta a determinare la rappresentazione artistica e la riproduzione nella regia. L'argomento trovato deve rispondere alla domanda: "Su cosa?"

Non c'è mai un solo tema; ogni personaggio porta con sé il proprio pensiero e una propria parte del gioco. Solo il tema principale costituisce i componenti e gli elementi dell'opera e determina l'idea. Succede anche che il regista non definisca il tema, ma questo è un evento raro. argomento principale rappresenta un problema, una lotta tra i personaggi, un oggetto nell'opera con l'aiuto del quale avviene l'ulteriore svolgersi degli eventi.

Idea.

L'idea porta con sé l'idea principale opera d'arte, per cosa è stato scritto. Solo cogliendo l’idea dell’opera il regista comprende il senso del film. L'idea di regia è emotiva e non legata alla moralità. Il tema porta solo dettagli nel lavoro, l'idea è come una realtà vivente e luminosa. È un lato soggettivo, un argomento oggettivo. Un’idea è il pensiero finale dell’autore su un’opera.

Compito eccellente.

L’obiettivo finale nel lavoro di un regista è ruolo principale, attrae e combina altri compiti. Il super compito dà la risposta alla domanda: “Per cosa?” Invita lo spettatore con un'idea. L’obiettivo finale è il punto di vista del regista sul lavoro, sul concetto e l'obiettivo principale.

Le azioni nello spettacolo, la recitazione, altri obiettivi secondari e le idee creative mirano tutti a raggiungerlo. Tutto nella regia è interconnesso con lei e dipende da lei. Qualsiasi elemento di creatività sembra superfluo e inappropriato se il compito finale non è collegato ad esso.

Il super compito deve integrare le idee dell'autore, raggiungere feedback dallo spettatore ed evocano sentimenti ed emozioni vivi, piuttosto che formali. Ma, d’altra parte, rappresenta una sorta di segreto del regista che deve essere indovinato e interpretato correttamente.

Nella regia, l'idea e l'obiettivo finale contengono lo stesso obiettivo; la differenza sta nella terminologia. Per Lavori letterari l'idea viene utilizzata e dirigere è un compito super. Il super compito non può essere svolto; mette solo in risalto il carattere dell'atto.

Analisi del regista dell'opera teatrale "At the Lower Depths"

Ad esempio, considera l'analisi del regista dell'opera teatrale di M. Gorky "At the Depths".

L'evento iniziale è che i personaggi principali, avendo perso la casa, si ritrovano in un rifugio, in cui si svolgono le azioni principali della commedia “At the Bottom”.
L'evento principale è l'apparizione di Luca, che suscita speranza nei cuori degli abitanti degli slum vita migliore.
Il punto centrale è la morte di Anna, alla quale Luca predisse la salvezza e la pace dopo la morte. Successivamente, c'è un conflitto tra i personaggi principali, che si trasforma nell'evento principale: una rissa e la scomparsa di Luca.
L'evento finale della commedia "At the Bottom" è il suicidio di Satin.
Il compito finale dell'autore si manifesta nella lotta tra fede e incredulità dei personaggi principali. Nella commedia "At the Bottom" Maxim Gorky ha cercato di trasmettere al pubblico la sua idea principale del lavoro: ciò in cui una persona crede è ciò che riceverà alla fine.

Nozioni di base sulla sceneggiatura della regia. Il concetto di spiegazione

Mossa dello scenario nella regia appare rigorosamente dopo aver definito il tema e l'idea. La sceneggiatura e i fondamenti del regista sono l'anello di congiunzione tra gli elementi della sceneggiatura e portano alla definizione del super compito.

La mossa dello scenario ha i seguenti tipi:

Cronologia. Mantenere la sequenza della trama come in vita reale.
Retrospettiva. La trama è costruita in ordine inverso, dalla fine all'inizio.
Complotto. Il lavoro è costruito sulla base di un noto concetto di trama.
Un gioco. Il gioco viene utilizzato come sviluppo principale della trama.
Immagini. L'uso di un concetto composto da diversi significati.
Gioco di oggetti o trasformazione di una cosa. Viene utilizzato il gioco di un'immagine o di un oggetto versatile.

Nella regia c'è anche il concetto di esplicazione. Questa è la creazione di un piano per il lavoro futuro del regista. È stato creato nel forma libera e ha un carattere individuale. La spiegazione descrive i pensieri del regista riguardo alla performance, alle performance degli attori, programma dettagliato messa in scena, stile e genere della rappresentazione.

La spiegazione fornisce le risposte alle domande: “Cosa scommetto?” e "Come lo metto?" Il regista esprime emozioni e sentimenti riguardo al lavoro su carta. Esprime pensieri con competenza e semplicità. L'ulteriore raggiungimento dei tuoi obiettivi dipende da una spiegazione scritta correttamente.

L'idea del regista di un atto di varietà

Il contributo del regista alla sceneggiatura dello spettacolo varia e dipende dal genere dell'opera. La produzione di un'esecuzione in un genere vocale, basata su una canzone o su un verso, inizia con un testo musicale o originale. Molto spesso il regista non si ferma allo sviluppo del testo o materiale musicale, scritto dall'autore, e lui stesso crea le sceneggiature.

Il regista può e lavora sul testo insieme all'autore, quindi verrà chiamato coautore. Questa opzione viene spesso utilizzata per scrivere scene del genere vocale. E drammatico, vocale - pop, spettacoli circensi creato principalmente dal regista. Quando lavora sulla drammaturgia e attua il suo piano, il regista metterà in primo piano le sue idee e solo allora l'individualità dell'attore.

I numeri del genere pop sono generalmente suddivisi nei seguenti tipi:

Un genere contenente l'origine di un autore. Ciò include il genere vocale e il brano contenente testo e accompagnamento musicale.
Genere, senza testo dell'autore. Questo balli di varietà, in cui non è prevista la presenza di testo.

I numeri basati sul genere del discorso presuppongono la presenza della tecnica del regista e delle decisioni che provengono dal testo dell'autore. Dal suo contenuto il regista risponde alla domanda: “Cosa è successo?”

Regia di documentari cinematografici e televisivi

La regia cinematografica e televisiva ha guadagnato grande popolarità in tutto il mondo. L'interesse degli spettatori per un programma televisivo dipende dalla qualità dell'immagine e da una trama costruita correttamente. Il regista è responsabile del modo e della presentazione del materiale, delle sue varietà, dei volumi e della trama. Solo lui determina il pubblico televisivo, nonché quando e come riceveranno le riprese.

La regia televisiva differisce dal film per la durata del lavoro. La particolarità del cinema è che richiede più tempo, richiede analisi e l'elaborazione di ulteriori dettagli durante il lavoro. Tutto ciò che viene richiesto al regista è velocità e precisione.

La regia per il cinema e la televisione implica sperimentazione e improvvisazione, ma solo quando necessario. Sul regista vengono riposte grandi aspettative, deve saper unire tutte le persone presenti sul set.

Qualità che dovrebbe avere un regista cinematografico e televisivo:

esperienza lavorativa e originalità;
capacità di ricercare cose nuove, apertura alla sperimentazione;
abilità comunicative;
essere pronti a viaggiare;
essere in grado di sopprimere i conflitti e risolvere le controversie.

Il cinema documentario sembra più complesso e sfaccettato. La presenza di una sceneggiatura e di attori qui non è necessaria. I film documentari sono creati dalla vita. Il regista di un film del genere deve essere in grado di evidenziare le cose straordinarie che ci circondano, toccare e rivelare nella trama questioni urgenti che susciteranno forti emozioni nello spettatore.

Dirigere spettacoli di massa

Dirigere spettacoli di massa consiste nel lavorare con un gran numero di attori e scene e dipende in gran parte dalle capacità organizzative e dalla lungimiranza del regista. Per ottenere l'approvazione del pubblico, dirigere spettacoli e celebrazioni richiede un rapido sviluppo degli eventi sul palco e un'interessante dinamica d'azione nello spettacolo.

Questo tipo di lavoro si concentra solo sullo spettatore, quindi cerca di accontentarlo e piacerlo. Uno spettatore esigente in un festival o in un teatro richiede, oltre allo spettacolo, tensione durante la visione. Un numero noioso e monotono non susciterà nemmeno una goccia di attenzione da parte sua. Pertanto, il regista degli spettacoli di massa deve mostrare ogni volta tutto il suo talento e la sua esperienza.

La regia di spettacoli e celebrazioni teatrali richiede le seguenti competenze registe:

competenze pedagogiche e organizzative, gestione delle persone;
conoscere la tecnologia del processo produttivo (suono, luci, grafica);
padroneggiare abilità di recitazione, metodi di analisi delle opere;
possedere capacità di installazione;
scrivere una sceneggiatura e costruire uno spettacolo o un concerto sulla base.

Per una regia di alta qualità di uno spettacolo teatrale, sono necessarie la scala dello spettacolo e la presenza di un'idea forte. Da questo dipende la riuscita dell’intero evento.

Dirigere in pedagogia

Oltre agli attori e ai registi, gli insegnanti studiano anche la recitazione e le basi della regia. politici, operatori legali, nonché tutte le persone la cui professione richiede loro di conoscere le peculiarità della comunicazione e delle relazioni interpersonali. Questa conoscenza sarà particolarmente utile agli insegnanti per condurre le lezioni nel miglior modo possibile. L'insegnante dovrebbe saperlo caratteristiche psicologiche i bambini, controllano periodicamente le capacità intellettuali, l'attenzione, la memoria, la concentrazione dei loro studenti.

Affinché la lezione sia il più produttiva possibile, l'insegnante deve osservare e mettere in pratica seguenti regole:

aderire ad un regime psicologico;
conoscere le basi della psicologia;
essere in grado di notare l'umore e le esperienze degli studenti dalle espressioni facciali;
essere in grado di attirare l'attenzione;
conoscere le regole esplicative;
essere in grado di suscitare interesse per l'argomento durante la lezione.

L'aspetto principale di qualsiasi lavoro creativo è la corretta gestione del tempo e il mantenimento di un piano di lavoro. Pertanto, gli insegnanti devono tenere conto di tali momenti e inserirli nel tempo assegnato alla lezione. Se ciò non accade, il sistema pedagogico-registico e il piano d'azione dovrebbero essere modificati.

Una lezione è la stessa performance, solo leggermente modificata, l'insegnante funge da regista, dirigendo il processo, elaborando un piano d'azione e la spiegazione della lezione.

Da letteratura scientifica insegnanti per lezioni e miglioramento delle conoscenze recitazione I libri di Ershov A.P., Bukatov V.M. “Dirigere una lezione, comunicazione e comportamento di un insegnante” e “Dirigere come psicologia pratica» Ershova P. M. E anche “Fondamenti di regia” Karp V. I.

Il libro "La regia come psicologia pratica" funge da traduzione della letteratura specializzata sulla regia in un linguaggio semplice. Usare idee per la regia e la recitazione aiuterà gli insegnanti ad aumentare l'interesse e l'attenzione degli studenti durante la lezione.

Il regista di un film è per molti versi simile al direttore d'orchestra. In primo luogo, come direttore d'orchestra, deve mettere insieme nella sua mente un ideale di come dovrebbe suonare la musica, e il regista deve vedere nella sua mente come dovrebbe apparire il film. In secondo luogo, come un direttore d’orchestra, un regista deve comunicare la sua visione ai vari interpreti in modo che tutti lavorino verso una visione unificata.

Il lavoro del regista è talvolta paragonato al lavoro di un generale sul campo, che impartisce costantemente ordini al personale militare. Sebbene alcuni registi lavorino in questo modo, generalmente non erano apprezzati e non avevano successo per molto tempo. I registi più efficaci comunicano la loro visione e incoraggiano lo staff e gli attori a partecipare al processo, tirando fuori la loro migliore creatività.

In realtà, questi due processi di creazione di una visione e di condivisione con il gruppo sono un processo continuo, avviato dal regista, e in continua evoluzione, perché tutti i membri del team contribuiscono e il direttore implementa modi per migliorare e sviluppare la visione generale.

Naturalmente il compito del regista è comunicare. Sebbene alcuni registi siano gli autori del film e interpretino più ruoli contemporaneamente, gli unici compiti specifici del lavoro del regista saranno la conversazione, l'ascolto e la persuasione.

Il regista deve essere in grado di scrivere e raccontare storie bene ed essere in grado di utilizzare tutti i trucchi e i trucchi disponibili per percepire meglio queste storie per gli ascoltatori. Bravi registi avere con sé quaderni o diari dove conservare pensieri, idee e progetti per il film, in modo da poterli attivare al momento giusto, e assicurarsi che nulla venga dimenticato nel caos della produzione.

Leggere la sceneggiatura

Il compito principale del regista durante il periodo di pre-produzione è leggere la sceneggiatura. In molti film indipendenti, il regista è anche lo sceneggiatore, quindi probabilmente penseresti che lo scrittore conosca già la storia e possa saltare questo passaggio. Quando si forma la visione dell'immagine, non dovresti trascurare questo passaggio.

Questo è il periodo in cui il regista può guardare liberamente dall'esterno la sceneggiatura come base del film, immergersi profondamente nella trama per chiarire le condizioni iniziali, trovare tutto significati nascosti, intrighi psicologici, domande ordinarie, un'esplosione di sentimenti, immagini, suoni e odori, per riuscire a formulare il tutto in un'unica visione potente e memorabile.

Lo sceneggiatore-regista è spesso in svantaggio in questo caso, perché sarà più difficile per lui leggere la sceneggiatura e valutarla con occhi nuovi.

Leggi la sceneggiatura come se stessi guardando un film finito e non hai idea di come andrà a finire. Lascia che la storia si svolga nella tua immaginazione.
Dopo aver letto la sceneggiatura, scrivi i tuoi pensieri sul tuo quaderno. Attenzione speciale Concentrati sulle emozioni che hai provato. Il tuo compito sarà realizzare un film che evochi queste sensazioni ed emozioni nello spettatore con il massimo effetto. Se qualche azione non è emotiva, prendi nota anche di questo. Prova a resistere alla tentazione e apporta modifiche in questo momento complotto. Ora stai cercando di capire come funziona questa storia.
Infine, decidi cosa essenza emotiva film. Di cosa parla veramente questo film? Quali obiettivi e ostacoli per raggiungerli incontrano le persone, quali emozioni ha evocato la storia, come influenzerà il pubblico, cosa imparerà lo spettatore dai personaggi.

In alternativa, potresti chiedere al tuo amico di leggere la sceneggiatura e vedere se la storia evoca in lui le stesse reazioni che suscita in te, o se la sceneggiatura funziona.

Analisi strutturale approfondita dello scenario

Nella fase preparatoria del lavoro del regista, la sceneggiatura viene suddivisa in pezzi per scoprire cosa fa sì che questa trama agisca sulle persone.

Determina esattamente qual è l'essenza di ogni personaggio, quali idee di vita persegue durante la storia e per cosa si batte. Ogni personaggio ha obiettivi da affidare, distruggere, ridicolizzare, insegnare, accusare, guarire, imparare, trovare, cambiare o conquistare. La maggior parte di loro avrà compiti esterni ed interni. Ad esempio, il compito esterno potrebbe essere quello di costruire una casa, mentre il suo compito interno sarà dimostrare le sue capacità e convincere i suoi amici della sua importanza.

Tali compiti esistono anche prima che gli eventi inizino a svilupparsi o possano formarsi all'inizio della trama. Definisci questi compiti per ciascun eroe.

Quali ostacoli si frappongono al raggiungimento degli obiettivi fissati dagli eroi? IN storie interessanti Gli ostacoli sembrano essere interni, basati sugli aspetti psicologici della persona, ma si presentano sotto forma di circostanze esterne più evidenti, come altri personaggi o fenomeni naturali come una violenta tempesta di neve.

Quali azioni dovrebbero intraprendere i personaggi per cercare di superare gli ostacoli e raggiungere i loro obiettivi? Questi sono i veri passi da compiere lungo il percorso.

Di quali strumenti e opportunità possono trarre vantaggio i personaggi? Questi saranno alcuni chiarimenti nel testo, presentati sotto forma di avverbi, ad esempio con calma, orgoglio, energia, rapidità o fascino.

Quali aggiustamenti apportano i personaggi quando le loro azioni e i loro tentativi falliscono?

Rivedi gli obiettivi, gli ostacoli, i metodi, le azioni e gli adattamenti dei ruoli di ciascun personaggio per ogni scena a cui partecipa. Controllo note importanti nei tuoi appunti Questi commenti saranno molto utili e necessari quando sarai in grado di fornire istruzioni forti e precise agli attori mentre lavorano sul set.

Prova anche a determinare cosa in ogni scena azioni reali Gli eroi possono esercitarsi per non stare come un pilastro mentre leggono i loro dialoghi. In realtà le persone, per svolgere i propri compiti e durante i vari dialoghi, sono sempre impegnate in qualcosa, ad esempio cucinando, leggendo libri, navigando in Internet.

Lavorare con uno sceneggiatore

Se il regista non è l'autore della sceneggiatura, è molto importante che regista e sceneggiatore riescano a stabilire un buon rapporto di lavoro durante la pre-produzione e mantenerlo fino alle riprese. Lo sceneggiatore vede la trama e lo sviluppo degli eventi nella sua immaginazione, e il regista deve tradurre questa storia in scene reali in luoghi reali con veri attori svolgere i loro ruoli e esibirsi sul palco entro un certo budget. Ciò può spesso portare a disaccordi nella visione del quadro generale. Inoltre, gli sceneggiatori spesso si attaccano troppo alle proprie opinioni e non riescono ad apprezzare con occhi nuovi le innovazioni proposte dal regista.

Il regista dovrebbe sempre tenersi il suo attitudine positiva ed entusiasmo per la sceneggiatura scritta. Riconosci che lo sceneggiatore ha lavorato a questo lavoro per mesi o addirittura anni in relativo isolamento. Comprensibilmente hanno il loro ego in gioco e potrebbero essere riluttanti a prendere in considerazione i cambiamenti.

È pratica comune nei grandi studi cinematografici assumere un secondo sceneggiatore subito dopo aver firmato i diritti su una sceneggiatura, che apporterà le modifiche necessarie e così potrà evitare uno scontro tra due ego creativi. Permetterà inoltre al nuovo sceneggiatore e regista di farlo assolutamente nuovo approccio alla storia.

Se non viene assunto un nuovo scrittore, il regista deve determinare cosa può farne versione originale sceneggiatore. Rispondi alle seguenti domande:

Cosa ha inizialmente ispirato lo sceneggiatore per questa storia?
Qual è il motivo per cui scrivo questa storia?
Quale lezioni di vita questa storia insegna?
Come si sente lo sceneggiatore, di cosa parla questa storia?
Cosa pensa lo scrittore delle principali relazioni della storia?
Qual è lo sfondo di questa storia e biografie dei personaggi principali?
Ci sono personaggi basati su persone reali, e qual è il punto?

Lo scrittore e il regista troveranno senza dubbio delle differenze, ed è importante lavorare dalle aree di accordo più basilari fino alle aree più specifiche dove ci sono punti di vista diversi, per risolverli. Alla fine, è necessario arrivare a una visione comune tra regista e sceneggiatore.

Puoi quasi sempre trovare punti deboli negli script. Il regista deve impegnarsi a porre domande difficili sulla logica e la veridicità delle emozioni nella sceneggiatura. Il regista dovrebbe anche includere domande del tipo "E se...?" quando suggerisce eventuali modifiche alla storia, come ad esempio scegliere l'eroe come cattivo o cambiare le azioni degli attori nelle scene chiave.

Queste domande porteranno quasi sicuramente alla necessità di riscrivere la sceneggiatura e aggiungeranno peso alla storia. Alcuni scrittori sono migliori di altri quando si tratta di riscrivere, e alcuni semplicemente rinunciano se non si sentono preparati mentalmente o non sono disposti ad apportare le modifiche che il regista ritiene necessarie.

Ciò renderà chiaro ai registi indipendenti che è importante riacquistare i diritti su una sceneggiatura, altrimenti l'intera produzione potrebbe essere interrotta da uno sceneggiatore scontento.

Non può essere trascurato fattore importante relativo alla ri-registrazione, ovvero che ri-registrare una scena può cambiare la logica del resto della sceneggiatura, il che può forzare la ri-registrazione di altre scene. Ciò può ritardare a lungo il processo preparatorio. La sfida è trovare l’equilibrio e scrivere una sceneggiatura che sia forte e di grande impatto senza bisogno della perfezione assoluta.

Leggere la sceneggiatura di un film

Una tecnica preziosa in questa fase è che gli attori leggano la sceneggiatura riscritta. Questo può essere abbastanza ragionevole e corso oggettivo, soprattutto quando gli attori non hanno ancora letto la sceneggiatura, o quando gli attori stanno ancora provando i loro ruoli, discutendone con il regista. È consigliabile che lo sceneggiatore sia presente alla lettura della sceneggiatura in modo che possa capire punti chiave storia quando sono presentati in qualcosa di diverso dalla testa dell'autore.

Rianalisi dello scenario

Ora che la sceneggiatura è stata perfezionata, il regista ha bisogno di rianalizzare la sceneggiatura per aggiornare e ampliare le note per comprendere appieno gli obiettivi, gli ostacoli incontrati, i metodi di raggiungimento, le azioni di ciascun personaggio di scena in scena, passo dopo passo. fare un passo. Questi commenti saranno preziosi durante le riprese. In questa parte del lavoro è spesso coinvolto un assistente alla regia; qui vengono determinati i seguenti punti:

Quanti attori e quali tipologie sono necessari?
A quante scene parteciperà ciascun attore e quanto durerà la sua presenza complessiva sullo schermo?
Requisiti, numero e tipologia di locali/località
Quali acrobazie ed effetti speciali sono presenti nel film?
Quali costumi e trucchi speciali saranno richiesti?
Quali dettagli saranno necessari?

L'analisi degli scenari come questa avviene spesso grandi film eseguiti da società professionali. Una buona analisi della sceneggiatura è uno strumento di produzione inestimabile in film di qualsiasi dimensione.

Una parte importante dell'analisi della sceneggiatura sarà quella di determinare con precisione la durata di ciascuna scena, che viene calcolata dalla proporzione di testo occupato sulla pagina. Il numero di frazioni di pagina occupate da ciascuna scena, nell'angolo in alto a sinistra di ciascuna scena.

Considerando che troupe cinematografica al giorno si adatta a 2-5 pagine di sceneggiatura, che dipende molto da molti fattori, conoscere il numero totale di scene girate al giorno ti aiuterà a rispettare sufficientemente il programma.

Selezione del team creativo

Il prossimo compito del regista sarà scegliere gruppo creativo. Di solito questo processo si estende per tutto il periodo preparatorio.

Il team creativo fa parte della troupe cinematografica e aiuterà a svolgere il lavoro di attuazione dell'idea del regista e di realizzazione della visione del regista. Il resto dell'equipaggio sarà più simile a soldati, svolgerà compiti specifici e lavorerà solo occasionalmente al processo creativo.

Il gruppo creativo è solitamente composto dalle seguenti persone:

Direttore della fotografia, o capo della fotografia, che è responsabile lavoro creativo telecamere e illuminazione.
Uno scenografo, o tecnologo, responsabile della creazione dell'aspetto visivo di un film, lavorando con set, costumi e trucco.
Capo del dipartimento di recitazione, lavora con il regista per selezionare i migliori attori disponibili per il film.
Attori.
Un montatore-montatore che lavora con il regista per creare un film coeso da singole scene e inquadrature.
Responsabile della selezione è il capo del dipartimento di musica, o il compositore la musica giusta, combinato con le emozioni delle scene attuali.

Il regista intervista e seleziona persone adatte coautore del film, condivide con loro la sua visione, per poi parlare e comunicare con loro, stimolandoli ad aiutarli a realizzare il progetto.

A volte questo processo può portare a una sorta di conflitto creativo. Il regista deve usare le sue capacità comunicative e la capacità di persuadere e risolvere situazioni di conflitto fino a quando non si troverà una soluzione generale, ottenendo alla fine un risultato migliore.

Casting degli attori

Nei grandi studi di produzione, il processo di casting è largamente influenzato dai produttori, perché... i risultati delle trattative con le star per firmare i contratti spesso hanno la precedenza sulle questioni di abilità artistica. Per i registi indipendenti, il processo di ricerca degli attori può essere un processo impegnativo e impegnativo.

Per maggiori dettagli sul casting consultare la sezione corrispondente.

Prove principali

Il regista ha il compito di preparare gli attori per il loro lavoro, trasmettendo loro la sua interpretazione e visione del film durante le prove. Le prove sono descritte più dettagliatamente nella pagina corrispondente.

DIRETTORE

direttore nel cinema, un regista che guida il lavoro creativo e produttivo sulla sua creazione. Il regista determina il concetto ideologico e artistico del film sulla base della sceneggiatura e lo conduce a un'incarnazione olistica, dirigendo lavorare insieme attori, cameraman, artista, compositore e altri partecipanti alla produzione.

Il momento più importante nella fase iniziale del lavoro di un regista su un film è la scelta della sceneggiatura o la partecipazione alla sua stesura. Il piano del regista può predeterminare completamente la creazione della trama della sceneggiatura, quindi alcuni grandi registi costantemente (ad esempio, C. Chaplin, A. P. Dovzhenko, R. Kler, I. Bergman) o, quando necessario, agiscono come autori delle sceneggiature per i loro film. Molti maestri della regia preferiscono collaborare principalmente con uno sceneggiatore (V. I. Pudovkin con N. A. Zarkhi, Yu. Ya. Raizman e S. I. Yutkevich con E. I. Gabrilovich, J. Ford con D. Nichols, V. . De Sica con C. Zavattini). Nei casi in cui il regista accetta per la produzione sceneggiatura pronta, o lo interpreta dal punto di vista della direzione generale della sua creatività, delle sue capacità e aspirazioni, oppure lo usa come base per lavorare su un nuovo tema e stile.

Dopo aver lavorato con lo sceneggiatore, compreso un chiarimento dettagliato del concetto, le modifiche necessarie e la finalizzazione delle scene, inizia il periodo di scrittura della sceneggiatura del regista.

Nonostante il fatto che durante il processo di produzione possano sorgere vari chiarimenti, e molto sarà deciso dal metodo dell’improvvisazione, è la sceneggiatura del regista che determina in gran parte la qualità artistica del film. Di norma, il regista crea questa sceneggiatura con la partecipazione del cameraman e dell'artista, poiché quindi contribuiscono nella misura in cui l'incarnazione concreta della trama sullo schermo è prevista e “vista” in anticipo. La sceneggiatura del regista è chiamata anche "sceneggiatura di montaggio", perché prescrive la struttura di montaggio dell'intero film e gli sviluppi di montaggio di ogni scena. La sceneggiatura del regista delinea anche le riprese degli episodi e tutti i singoli fotogrammi, la natura dell'illuminazione delle varie scene, gli elementi necessari dell'ambientazione, la posizione della telecamera, ecc.

La sceneggiatura del regista è una sorta di colonna sonora. Assolvendo in una certa misura alle funzioni di produzione e di “progetto” tecnico del film, è allo stesso tempo importante come espressione idea creativa, prevedendo il tema e lo stile, l'atmosfera e il ritmo, il suono emotivo preciso e il significato specifico del film futuro.

Molti registi di spicco definiscono diversamente il significato della sceneggiatura di un regista. Alcuni (L.V. Kuleshov e Claire) tendono a far sì che il film in tutti i suoi dettagli sia completamente e definitivamente previsto “sulla carta”, altri (F. Fellini) consentono cambiamenti significativi nei dati della sceneggiatura che nascono attraverso l'improvvisazione durante le riprese.

Il periodo preparatorio occupa un luogo e un tempo significativi nella produzione di un film. In questo momento, gli attori sono confermati come i principali e ruoli minori, vengono determinate le location per le riprese in esterni, vengono sviluppati schizzi di scene e costumi, stime dei costi per la produzione del film, ecc. Ciò include anche le prove preliminari con gli attori (praticate da alcuni registi).

Il processo di ripresa comprende le riprese sul palco e sul posto, che sono le più impegnative per il regista, poiché a volte comportano spedizioni complesse, dipendono dalle condizioni climatiche e meteorologiche, ecc. Di norma, ogni fotogramma viene girato con riprese (che è, più di una volta), e talvolta in diverse opzioni in modo che il regista possa scegliere scatti migliori, che corrisponde più da vicino al piano originale e ai compiti assegnati agli attori.

Prima della fine delle riprese inizia il periodo di montaggio: visionando il materiale filmato, il regista giunge alla definizione definitiva della struttura del film e di tutte le sue implicazioni. elementi costitutivi. Insieme al montatore, il regista trova l'esatta durata, sequenza e rapporto ritmico delle varie inquadrature ed episodi, arrivando in alcuni casi anche a una nuova soluzione per la composizione dei film nel loro insieme. Il periodo di montaggio, che si completa completamente al termine delle riprese, comprende l'ombreggiatura (cioè la colonna sonora) del film: registrazione sonora di dialoghi e rumori, per un motivo o per l'altro, non registrati o registrati male durante le riprese, nonché musica composto per questo film dal compositore o dal regista selezionato da una fonte o dall'altra. Questo lavoro termina nella fase di ri-registrazione, quando l'intera composizione sonora necessaria viene riunita dal regista e dal tecnico del suono, in una precisa combinazione e correlazione.

La produzione del film si conclude con la creazione della cosiddetta copia di riferimento, la cui qualità artistica e tecnica soddisfa i piani del regista, del cameraman e del tecnico del suono.

La professione del regista e la quantità di lavoro del regista nella produzione cinematografica sviluppata richiedono una divisione di funzioni tra: 1) il direttore di produzione, 2) i cosiddetti secondi registi, ai quali il regista può trasferire la gestione di alcune aree della produzione (ad esempio (esempio, lavoro con attori) o la ripresa di alcune scene, sulla base del concetto generale, 3) assistenti alla regia, fornendo l'assistenza necessaria al regista nelle sue varie funzioni creative. Guarda anche .

Film: Dizionario enciclopedico. - M.: Enciclopedia sovietica. cap. ed. S. I. Yutkevich; Redazione: Yu. S. Afanasyev, V. E. Baskakov, I. V. Weisfeld e altri.. 1987 .

Sinonimi:

Scopri cos'è "DIRECTOR" in altri dizionari:

direttore- direttore … Stress della parola russa

direttore- direttore, e... Dizionario ortografico russo

direttore- direttore … Dizionario dell'uso della lettera E

direttore- direttore/ … Dizionario dell'ortografia morfemica

Direttore- al lavoro (Cecile de Mille) Direttore (francese régisseur, dal latino... Wikipedia

direttore- direttore, direttori, direttore, direttori, direttore, direttori, direttore, direttori, direttore, direttori, direttore, direttori (Fonte: "Paradigma completamente accentuato secondo A. A. Zaliznyak") ... Forme di parole

DIRETTORE- DIRETTORE, regista, marito. (Registro francese). Direttore artistico produzione teatrale o cinematografica, unendo tutto il lavoro di preparazione dello spettacolo. Direttore dello spettacolo. Credo che per far crescere un ruolo in modo organico sia necessario... ... Dizionario Ushakova

DIRETTORE- DIRETTORE, ah, marito. Lavoratore creativo, organizzatore artistico, regista di produzioni teatrali, cinematografiche o televisive e di programmi di intrattenimento in genere. direttore R.. | agg. direttore, oh, oh. La decisione di un nuovo regista per lo spettacolo. Intelligente... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov

direttore- UN; M. [francese] régisseur dal lat. rego manager] Direttore artistico di uno spettacolo teatrale, cinematografico, radiofonico, ecc.; direttore prestazione R.. R. è venuto alla prima prova con piano già pronto produzioni. ◁ Direttore, oh, oh. Il talento di Roy... Dizionario enciclopedico

DIRETTORE-R- M. francese manager degli attori, recitazione, performance, assegnazione di cosa dare o mettere in scena, distribuzione dei ruoli, ecc. Dizionario esplicativo di Dahl. IN E. Dahl. 1863 1866 … Dizionario esplicativo di Dahl