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ISTITUTO D'ARTE E INDUSTRIALE UVO MOSCA
Dipartimento di Progettazione Grafica
ASTRATTO
disciplina: "Estetica"
sul tema: "Analisi della scultura del David di Michelangelo"
Completato:
Studente del 4° anno, gr. DD 4-01-11
Bratolyubova Maria Olegovna
Controllato:
Chikaeva T.A.
Mosca, 2014
Oggetto dell'analisi della rivista è la creazione dell'italiano Michelangelo Buonarroti, che è parte integrante della formazione accademica da più di un secolo. Chiunque sia interessato all'arte ha un rapporto personale con l'ingegnosa scultura. Erano anche molto personali per il giovane scultore. Nell'opera in esame voglio parlare del mio rapporto con l'antico bell'uomo e il suo grande creatore, oltre ad analizzare questa scultura.
L'estetica delle sculture è uno degli argomenti importanti e attuali del nostro tempo. L'attualità della mia ricerca ha determinato lo scopo del lavoro: la considerazione dell'estetica della scultura di questo gigante, come lo chiamavano i suoi contemporanei. L'emissione principale dell'opera è il simbolo del più grande patrimonio culturale italiano.
Il David è una statua in marmo di Michelangelo, presentata per la prima volta alla società fiorentina l'8 settembre 1504. Da allora, la statua di cinque metri è stata percepita come un simbolo della Repubblica fiorentina e uno dei vertici non solo dell'arte rinascimentale, ma anche del genio umano in generale. Attualmente la statua originale si trova all'Accademia belle arti a Firenze.
Quando si analizzano le opere di scultura, è necessario tenere conto dei parametri propri della scultura come forma d'arte. La scultura è una forma d'arte in cui un volume tridimensionale reale interagisce con lo spazio tridimensionale circostante. Analizzeremo quindi il volume, lo spazio e il modo in cui interagiscono. Consideriamo questo in modo più dettagliato. michelangelo david valore estetico
La scultura del David è monumentale, come già accennato, alta 5 metri. Questo è importante perché la dimensione influenza il modo in cui la statua interagisce con lo spazio. Inizialmente la scultura era destinata ad una visione circolare. Molto prima della creazione della brillante opera di Michelangelo, c'era un vecchio sogno di installare enormi sculture sul tetto del Duomo di Firenze. Dubbi, esitazioni sul materiale e sulla scelta del maestro, così come tentativi infruttuosi di creare e innalzare grandi statue in altezza, continuarono per decenni. Poi l'ordine passò nelle mani di Michelangelo, e solo quando finì il suo Gigante e si scoprì che non poteva ancora essere portato sul tetto. Un'apposita commissione, alla quale erano presenti Botticelli, Leonardo da Vinci e Sangallo, le trovò una collocazione adeguata sulla piazza antistante Palazzo Vecchio, il palazzo del governo fiorentino. Costruirono un meccanismo speciale per il trasporto della statua e l'8 settembre 1504 il "David" fu eretto davanti al palazzo. Pertanto, una caratteristica ricorda intenzione originaria metti "David" sul tetto: svettante sulla cattedrale contro il cielo, parte in alto la statua sarebbe sembrata più piccola che su qualsiasi altro sfondo. La contrazione prospettica avverrebbe anche con il punto di vista di uno spettatore di questo tipo. In quest'ottica lo scultore lo ha leggermente ingrandito, il che in realtà non è molto sorprendente. L’opera in questione copre lo spazio tridimensionale originariamente associato all’architettura, ovvero era una forma architettonica e scultorea. Ma anche considerando il calco di una figura a Mosca, in Museo statale belle arti loro. COME. Pushkin, sembra impressionante e non interferisce affatto con il piacere estetico. Anche viceversa. Mi sembra che se fosse stato sul tetto non avrebbe colpito così tanto con la sua stazza. Si scopre che si è rivelato un gigante per caso. Ma solo esteriormente, perché. la grandezza interiore era tuttavia stabilita maestro italiano. Quando guardi la scultura distanza ravvicinata(proprio come faceva lo scultore quando lo lavorava manualmente con scalpello e martello), capisci che una piccola frazione di vista generale visibile. Dopotutto, ha riunito tutte le parti, non solo armoniosamente equilibrate, ma ha anche trasmesso grandezza e patriottismo. Michelangelo vinse questa battaglia con difficoltà, così come lo stesso David secondo la leggenda storica.
Mi chiedo in che materiale è stata realizzata la scultura, quali sono le caratteristiche di questo materiale e perché è stato scelto proprio questo materiale per quest'opera? Scultura in marmo di David. Ponendo la questione della scelta del materiale per garantire ulteriormente l'innalzamento della scultura al tetto, i maestri di Donatello e Brunelleschi pensarono di realizzarli in legno leggero, rivestiti in metallo per robustezza e dipinti in marmo; offerto altri materiali. Ma i fiorentini contavano ancora sul potere nuova tecnologia, e nella metà del XV secolo. per la prima figura fu preparato un enorme blocco di marmo. Agostino di Duccio ricevette l'ordine per il grande David. Ma aveva poca esperienza nel lavorare con sculture, solo rilievi, ma spesso aiutava Donatello in tali lavori. Bastava che tagliasse un ceppo e Donatello si sarebbe fatto carico del problema. Ma Donatello morì, e il blocco rimase disteso per mezzo secolo, finché non si trovò uno scultore a cui affidare tale lavoro. Sono diventati Michelangelo. Nel 1501, quando iniziò a lavorare alla statua, era già autore di capolavori come la Madonna alle scale e i rilievi della Battaglia dei centauri, il Compianto e la Madonna. Pertanto, la direzione della cattedrale lo ha scelto per un lavoro così responsabile e gli ha affidato questo prezioso materiale. Penso che la scelta di questo materiale sia dipesa anche dal colore.
La statua, progettata per una visione circolare, secondo me, ha entrambi i punti di vista fissi, e si scopre completamente quando si cammina intorno. Mi sembra che questa scultura ne abbia diverse completate sagome espressive.
Come so, secondo la leggenda, il giovane si sta preparando per l'imminente combattimento con Golia, che lo supera in forza. Questa è stata una sorta di innovazione, perché. I predecessori di Michelangelo lo raffigurarono sempre nel momento del trionfo dopo una vittoriosa battaglia con un gigante. L'artista è riuscito a mostrare, da un lato, calma, equanimità e, dall'altro, concentrazione, è chiaro che i suoi muscoli sono tesi, le sue sopracciglia sono spostate minacciosamente, in esse si legge qualcosa di spaventoso. È incredibile. Sopra la sua spalla sinistra, ha lanciato una fionda, la cui punta inferiore lo solleva. mano destra. In questo postura libera l'eroe si sente preparandosi per un movimento mortale. E in effetti, la compostezza interiore si avverte in tutta la figura, soprattutto in uno sguardo acuto, ma il corpo non è teso. David è calmo e libero. Sono rimasto particolarmente colpito dal modo dettagliato e naturale in cui Michelangelo ha creato i potenti pennelli contadini di un giovane: non sorprende che con il loro aiuto sia stato possibile uccidere il gigante Golia con una fionda.
Così, il "David" posto nel centro di Firenze cominciò a essere percepito come un simbolo patriottico - l'immagine del difensore della città. Questo è il primo grande immagine la nudità eroica nella scultura dopo l'antichità. E la mia preferita e una delle sculture più impressionanti!
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Venere di Milo (Afrodite) - statua della dea dell'amore circondata da leggende
in tutto il mondo famosa scultura La Venere di Milo, esposta al Louvre, è lo standard bellezza femminile- non ha, purtroppo, entrambe le mani. Questa magnifica opera d'arte, scolpita in marmo bianco, fu ritrovata nell'isola greca meridionale di Milos nel 1820, da cui il nome Milos.
È stato trovato da un semplice contadino greco di nome Yurgos. Yurgos non aveva idea di archeologia. Era impegnato negli affari: coltivava la terra che gli apparteneva e nutriva la sua numerosa famiglia. Ha trovato Venere per caso. Una volta, mentre scavava nel suo giardino, si imbatté in una lastra di pietra e poi in diverse pietre squadrate. Queste pietre erano molto apprezzate sull'isola di Milos, dove viveva Yurgos. I contadini locali, senza preoccuparsi troppo della loro origine, li utilizzavano nella costruzione delle case. Yurgos continuò i suoi scavi. Immaginate la sua sorpresa quando improvvisamente scoprì una specie di nicchia, e in essa una magnifica statua in marmo di una donna seminuda di rara bellezza. Nella nicchia c'erano altre due statuette di Hermes, come stabilirono in seguito gli scienziati, e diversi ninnoli di marmo.
Jurgos si rese conto di essere riuscito a trovare qualcosa di molto più prezioso di un paio di lastre di pietra squadrate. Trasferì il ritrovamento in un fienile e poi, almeno come si suol dire, lo vendette a un certo Marcelus, segretario dell'ambasciata francese a Istanbul.
Solo una cosa è sconvolgente: questa meravigliosa statua, che è diventata una sorta di sinonimo di bellezza femminile ideale, come Apollo Belvedere - maschio, aveva il suo difetto: le mani di Venere erano state battute. Tale - con monconi al posto delle mani - può ancora essere visto al Louvre; così viene presentato in innumerevoli riproduzioni.
Dove e quando, in quali circostanze Venere di Milo perse le mani? La soluzione a tutto questo è poca storia conosciutaè la seguente (un racconto al riguardo è conservato nelle memorie inedite di Dumont-Durville e in parte in Matterer). Durville e Matterer non hanno acquistato Venere: si è rivelato al di là delle loro possibilità. Tornarono alla loro nave. Pochi giorni dopo, la nave arrivò a Istanbul. Gli ufficiali della nave furono invitati Ambasciata francese. Durante il ricevimento, Dumont-Durville ha parlato della scoperta di Yurgos. Il segretario dell'ambasciata, Marcelius, letteralmente, quasi lo stesso giorno, viene inviato per conto dell'ambasciatore su una nave speciale al comando del tenente Robert sull'isola di Milos. Tre giorni dopo consegnò la statua ad Atene. Ma a questo punto Venere era già senza braccia. Quello che è successo? statua della dea in marmo d'arte
Dumont-Durville lo scrive in questo modo: “Per quanto si può dire, il contadino, stanco di aspettare acquirenti, abbassò il prezzo e lo vendette a un prete locale. Voleva presentarlo in dono al traduttore del Pascià di Costantinopoli. Il signor Marcello arrivò proprio nel momento in cui la statua stava per essere caricata su una nave per essere spedita a Costantinopoli. Vedendo che questo magnifico ritrovamento gli stava sfuggendo di mano, prese tutte le misure per ottenerlo, e il prete, alla fine, non senza resistenza, accettò di rinunciarvi.
Ma Durville non ha del tutto ragione: il prete non ha nemmeno pensato di rinunciare alla statua. Al contrario, si rifiutò categoricamente di venderlo. Quindi Marcello chiese a Robert due dozzine di marinai, decidendo, come scrive Matterer, di liberare la dea, qualunque fosse il costo. Ne seguì un vero e proprio combattimento. In questa scaramuccia prevalsero i francesi. Durante lo scontro, Venera, che è stata gettata sulla strada e calpestata nel fango, si è picchiata le mani.
Questa è la brutta verità. Ecco perché Matterer, temendo uno scandalo diplomatico - nel 1842 tutti gli "eroi" di questa storia, e soprattutto l'ambasciatore de Riviere, erano ancora vivi - cercò di nasconderlo e solo più tardi descrisse tutto così com'era. Ecco perché Dumont-Durville è così diplomaticamente cauto nelle sue memorie. Ecco perché, infine, la Venere di Milo non ha mani.
La figura della dea dell'amore è priva di braccia, ricoperta di spazi vuoti, ma una volta che la vedrai, non dimenticherai mai la sua bellezza e la sua immagine orgogliosa. Una leggera inclinazione di una piccola testa su un collo sottile, una spalla leggermente sollevata, l'altra leggermente abbassata, campo flessibile e ricurvo. La tenerezza e la morbidezza della pelle sono ombreggiate da un mantello scivolato sui fianchi. Ed è impossibile distogliere lo sguardo dalla scultura, permeata di femminilità e lirismo, senza dubitare per un momento che la perfezione sia davanti ai tuoi occhi: la dea dell'amore.
Scrittori russi, che si sono ritrovati anni diversi al Louvre di Parigi.
Atanasio Fet - Venere di Milo
E casto e audace,
Fino ai lombi splendenti di nudità,
Corpo divino in fiore
Bellezza inesauribile.
Sotto questo baldacchino stravagante
Capelli leggermente sollevati
Di quanta beatitudine è orgoglioso
Versato in faccia al cielo!
Quindi, tutta la passione del pathos respirante,
Tutto abbagliante con la schiuma del mare
E il potere che tutto conquista,
Guardi l'eternità davanti a te.
1856. Attualmente, la statua della Venere di Milo è conservata al 1° piano del Louvre in una piccola stanza rotonda, che completa l'insieme delle stanze del Dipartimento arte antica, e in nessuno di essi un solo pezzo viene messo al centro. Pertanto, Venere è ancora visibile da lontano: una scultura bassa che appare come un fantasma bianco su uno sfondo nebbioso di pareti grigie.
Quando i visitatori entrano al Louvre, di solito fanno due domande: come arrivare alla Venere di Milo (viene anche chiamata con questo nome romano dea greca) e dov'è la Gioconda?
DOMANDE DA PORRE QUANDO SI ANALIZZA UN'OPERA SCULTURALE Quando si analizzano le opere di scultura, è necessario tenere conto dei parametri propri della scultura come forma d'arte. La scultura è una forma d'arte in cui un volume tridimensionale reale interagisce con lo spazio tridimensionale circostante. Quindi devi analizzare il volume, lo spazio e il modo in cui interagiscono. 1. Qual è la dimensione di questa scultura? La scultura è monumentale, da cavalletto, in miniatura. Le dimensioni influenzano il modo in cui interagisce con lo spazio. 2. In quale spazio si trovava l'opera da te analizzata (nel tempio, sulla piazza, nella casa, ecc.)? Per quale punto di vista è stato pensato (da lontano, dal basso, da vicino)? Fa parte di un insieme architettonico o scultoreo o è un'opera indipendente? 3. In che misura l'opera in questione copre lo spazio tridimensionale (scultura rotonda e scultura legata all'architettura; forma architettonica e scultorea, altorilievo; rilievo; bassorilievo; rilievo pittoresco; controrilievo) 5. Di che materiale è fatto di? Quali sono le caratteristiche di questo materiale? Anche se stai analizzando i calchi, è importante ricordare di quale materiale è stato realizzato l'originale. Vai alle sale degli originali, guarda come appare la scultura, realizzata nel materiale che ti interessa. Quali caratteristiche della scultura sono dettate dal suo materiale (perché è stato scelto questo materiale per quest'opera)? 6. La scultura è progettata per punti di vista fissi o si apre completamente quando si cammina? Quante sagome espressive complete ha questa scultura? Cosa sono queste sagome (chiuse, compatte, geometricamente corrette o pittoresche, aperte)? Come sono legate tra loro le sagome? 7. Quali sono le proporzioni (rapporto tra parti e tutto) in questa scultura o gruppo scultoreo? Quali sono le proporzioni figura umana? 8. Qual è lo schema della scultura (sviluppo e complicazione delle relazioni tra grandi blocchi compositivi, ritmo delle articolazioni interne e natura dello sviluppo della superficie)? Se noi stiamo parlando riguardo al rilievo: come cambia l'intero quando si cambia l'angolo di campo? Come varia la profondità del rilievo e come vengono costruiti i piani spaziali, quanti ce ne sono? 9. Qual è la struttura della superficie scolpita? Omogeneo o diverso parti differenti? Le tracce lisce o “abbozzate” del tocco degli strumenti sono visibili, naturali, condizionate. In che modo questa trama è correlata alle proprietà del materiale? Come la texture influenza la percezione della silhouette e del volume forma scultorea ? 10. Qual è il ruolo del colore nella scultura? Come interagiscono volume e colore, come si influenzano a vicenda? 11. A quale genere appartiene questa scultura? A cosa serviva? 12. Qual è l'interpretazione del motivo (naturalistico, condizionale, dettato dal canone, dettato dal posto occupato dalla scultura nel suo ambiente architettonico, o altro). 13. Senti l'influenza di altri tipi di arte nel tuo lavoro: architettura, pittura? DOMANDE DA PORRE QUANDO SI ANALIZZA UN'OPERA DIPINTA Per astrarsi dalla percezione quotidiana della trama, ricordare che un'immagine non è una finestra sul mondo, ma un piano su cui l'illusione dello spazio può essere creata con mezzi pittorici. Analizziamo quindi innanzitutto i parametri fondamentali dell'opera: 1) Qual è la dimensione del dipinto (monumentale, da cavalletto, miniatura? 2) Qual è il formato del dipinto: un rettangolo allungato orizzontalmente o verticalmente (possibilmente con l'estremità arrotondata) , un quadrato, un cerchio (tondo), un ovale? 3) Con quale tecnica (tempera, olio, acquerello, ecc.) e su quale base (legno, tela, ecc.) è stato realizzato il dipinto? 4) Da quale distanza si percepisce meglio? I. Analisi delle immagini. 4. C'è una trama nella foto? Cosa viene mostrato? In quale ambiente si trovano i personaggi e gli oggetti raffigurati? 5. Sulla base dell'analisi dell'immagine, puoi trarre una conclusione sul genere. A quale genere: ritratto, paesaggio, natura morta, nudo, vita quotidiana, mitologico, religioso, storico, animalesco, appartiene il dipinto? 6. Secondo te, quale compito risolve l'artista: visivo? espressivo? Qual è il grado di convenzione o naturalismo dell'immagine? La convenzionalità gravita verso l'idealizzazione o verso la distorsione espressiva? Di norma, la composizione dell'immagine è associata al genere. 7) Quali sono i componenti della composizione? Qual è il rapporto tra l'oggetto dell'immagine e lo sfondo/spazio sulla tela dell'immagine? 8) Quanto vicini al piano dell'immagine sono gli oggetti nell'immagine? 9) Quale angolo di visione ha scelto l'artista: dall'alto, dal basso, a filo con gli oggetti raffigurati? 10) Come viene determinata la posizione dello spettatore: è coinvolto nell'interazione con l'immagine raffigurata nella foto o gli viene assegnato il ruolo di contemplatore distaccato? 11) La composizione può dirsi equilibrata, statica o dinamica? Se c'è movimento, come viene diretto? 12) Come è costruito lo spazio dell'immagine (piatto, indefinitamente, lo strato spaziale è recintato, viene creato lo spazio profondo)? Come si ottiene l'illusione della profondità spaziale (differenza nelle dimensioni delle figure raffigurate, rappresentazione del volume degli oggetti o dell'architettura, utilizzo delle gradazioni di colore)? La composizione è sviluppata mediante il disegno. 13) Quanto è pronunciato l'inizio lineare nell'immagine? 14) I contorni che delimitano i singoli oggetti sono enfatizzati o nascosti? Con quali mezzi si ottiene questo effetto? 15) In che misura è espresso il volume degli oggetti? Quali tecniche creano l'illusione del volume? 16) Che ruolo gioca la luce nel quadro? Com'è (liscio, neutro; volume contrastante, scultoreo; mistico). La fonte/direzione della luce è leggibile? 17) Le sagome delle figure/oggetti raffigurati sono leggibili? Quanto sono espressivi e preziosi di per sé? 18) Quanto è dettagliata (o viceversa generalizzata) l'immagine? 19) Viene trasmessa la varietà delle texture delle superfici raffigurate (pelle, tessuti, metallo, ecc.)? Colorazione. 20) Che ruolo gioca il colore nell'immagine (è subordinato al disegno e al volume, o viceversa, il disegno si soggioga e costruisce la composizione stessa). 21) Il colore è solo una colorazione del volume o qualcosa di più? È otticamente fedele o espressivo? 22) Nella foto predominano i colori locali o il colore tonale? 23) I bordi delle macchie di colore sono distinguibili? Coincidono con i confini dei volumi e degli oggetti? 24) L'artista opera con grandi masse di colore o piccoli tratti? 25) Come vengono scritti i colori caldi e freddi, l'artista utilizza una combinazione di colori complementari? Perché lo sta facendo? Come vengono trasferiti i luoghi più illuminati e quelli più ombreggiati? 26) Ci sono abbagliamenti, riflessi? Come sono scritte le ombre (sorde o trasparenti, sono colorate)? 27) È possibile distinguere ripetizioni ritmiche nell'uso di qualsiasi colore o combinazione di sfumature, è possibile tracciare lo sviluppo di qualsiasi colore? Esiste una combinazione colore/colore dominante? 28) Qual è la consistenza della superficie pittorica: liscia o pastosa? I singoli tratti sono distinguibili? Se sì, cosa sono: vernice piccola o lunga, liquida, densa o quasi asciutta? DOMANDE DA FARE QUANDO SI ANALIZZA UN'OPERA DI PITTURA VASICA Analizzando le opere di pittura vascolare è necessario ricordare che si tratta di opere d'arte e di artigianato. La forma dell'oggetto da decorare caratteristiche funzionali influiscono sulla natura dell'immagine. 1. Qual è il nome del tipo di nave che stai analizzando? A cosa servivano questi contenitori? 2. Che dimensioni hanno i vasi? 3. Come è organizzata la decorazione della nave? Dove sono localizzate le zone delle decorazioni figurative e ornamentali? In che modo il posizionamento delle immagini è correlato alla forma della nave? 4. Che tipi di ornamenti vengono utilizzati? Su quali parti della nave si trovano? 5. Dove si trovano le immagini figurative? Occupano più spazio di quelli ornamentali o sono solo uno dei registri ornamentali? 6. Come si costruisce un registro con immagini figurative? Si può dire che qui vengono utilizzate tecniche di composizione libera o viene utilizzato il principio di giustapposizione (figure in pose identiche, movimento minimo, si ripetono)? Lo sfondo della composizione figurativa si distingue rispetto al tono generale del corpo della nave? 7. Come sono rappresentate le figure? Sono mobili, congelati, stilizzati? 8. Come viene trasferito il dettaglio delle cifre? Sembrano più naturali o ornamentali? Quali tecniche vengono utilizzate per trasferire le figure? 9. Guarda, se possibile, all'interno della nave. C'è un'immagine e ornamenti? Descrivili secondo lo schema sopra. 10. Quali sono i principali e colori aggiuntivi utilizzato nella costruzione di ornamenti e figure? Qual è il tono dell'argilla stessa? In che modo ciò influisce sul carattere dell'immagine: la rende più ornamentale o, al contrario, più naturale? Alla fine del confronto, prova a concludere quale differenza hai notato tra la costruzione dell'immagine nei vasi precedenti e successivi. Sulla base di ciò, come si potrebbero immaginare determinati modelli nello sviluppo della pittura vascolare dell'antica Grecia?Domande di esempio per l'analisi di un'opera d'arte
Livello emotivo:
Che impressione fa l'opera?
Quali sensazioni può provare lo spettatore?
Qual è la natura del lavoro?
In che modo la scala, il formato, la disposizione orizzontale, verticale o diagonale delle parti, l'uso di determinate forme architettoniche, l'uso di determinati colori nell'immagine e la distribuzione della luce nel monumento architettonico aiutano l'impressione emotiva dell'opera?
Livello del soggetto:
Cosa (o chi) c'è nella foto?
Cosa vede lo spettatore quando si trova di fronte alla facciata? Negli interni?
Chi vedi nella scultura?
Evidenzia la cosa principale da ciò che hai visto.
Prova a spiegare perché questa sembra essere la cosa principale per te?
In che modo l'artista (architetto, compositore) individua la cosa principale?
Come sono disposti gli oggetti nell'opera (composizione del soggetto)?
Come vengono tracciate le linee principali dell'opera (composizione lineare)?
Come mai? struttura architettonica si confrontano volumi e spazi (composizione architettonica)?
Livello della storia:
Prova a raccontare nuovamente la trama dell'immagine.
Prova ad immaginare quali eventi possono accadere più spesso in questa struttura architettonica.
Cosa puoi fare (o dire) questa scultura se prende vita?
Livello simbolico:
Ci sono oggetti nell'opera che simboleggiano qualcosa?
La composizione dell'opera e i suoi elementi principali hanno un carattere simbolico: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo, cupola, arco, volta, muro, torre, guglia, gesto, posa, abbigliamento, ritmo, timbro , ecc..?
Qual è il titolo dell'opera? Come si collega alla trama e al simbolismo?
Fonte: internet
Piano per l'analisi di un dipinto
2. Stile, direzione.
3. Tipologia di dipinto: cavalletto, monumentale (affresco, tempera, mosaico).
4.Scelta del materiale (per pittura da cavalletto): Dipinti ad olio, acquerello, guazzo, pastello. Specificità d'uso questo materiale per l'artista.
5. Genere pittorico (ritratto, paesaggio, natura morta, pittura di storia panorama, diorama, iconografia, marina, genere mitologico, genere domestico). Caratteristiche del genere per le opere dell'artista.
6. Trama pittoresca. Contenuto simbolico (se presente).
7. Caratteristiche pittoresche dell'opera:
planarità;
colorazione;
Spazio artistico (lo spazio trasformato dall'artista);
9. Impressione personale ricevuta durante la visione dell'opera.
Piano di analisi scultura
2. Stile, direzione.
3.Tipo di scultura: scultura rotonda, scultura monumentale, piccola plastica, rilievo e sua varietà (bassorilievo, altorilievo), ritratto scultoreo, erma, ecc.
4. Selezione del modello (in realtà persona esistente, animale, fantasia dell'artista, immagine allegorica).
5.Plastika (linguaggio del corpo), modellazione chiaroscurale.
6. Interazione con l'ambiente: colore della scultura
(colorazione) e colore di sfondo ambiente, effetti di luce (retroilluminazione); scultura come elemento di architettura, separatamente statua in piedi eccetera.
7. Scelta del materiale e sua condizionalità (marmo, granito, legno, bronzo, argilla, ecc.).
9. Percezione personale del monumento.
Piano di analisi dell'opera architettonica
2. Stile, direzione. Architettura di forme grandi o piccole.
3. Inserisci complesso architettonico(inclusione, isolamento,
correlazione con il paesaggio, ruolo di un dettaglio organico, ecc.). Tettonica: sistemi murari, muratura, cremagliera e caduta
struttura, struttura a telaio, struttura a volta, moderna
struttura spaziale (piegato, a vite, ecc.).
4. Il materiale utilizzato e la sua partecipazione alla creazione di un aspetto architettonico speciale. La natura del suo lavoro nella struttura (pilastri: portano, volte si alzano, cornicioni riposano, archi si alzano, cupole coronano, ecc.).
5. Originalità linguaggio architettonico in un'opera particolare
espresso attraverso:
Simmetria, dissimmetria, asimmetria;
Ritmo di parti, dettagli;
Volume (appiattito, ristretto verticalmente, cubico, ecc.);
Proporzioni (armonia dei dettagli e delle parti);
Contrasto (opposizione di forme);
Silhouette (contorni esterni);
Scala (rapporto con una persona);
Colore e struttura della superficie.
7. Caratteristiche nazionali dell'edificio.
8. La presenza di una sintesi delle arti (la connessione dell'architettura con la scultura e la pittura).
9. Impressioni personali.
Domande di esempio per l'analisi di un'opera d'arte
Livello emotivo:
Che impressione fa l'opera?
Quali sensazioni può provare lo spettatore?
Qual è la natura del lavoro?
In che modo la scala, il formato, la disposizione orizzontale, verticale o diagonale delle parti, l'uso di determinate forme architettoniche, l'uso di determinati colori nell'immagine e la distribuzione della luce nel monumento architettonico aiutano l'impressione emotiva dell'opera?
Livello del soggetto:
Cosa (o chi) c'è nella foto?
Cosa vede lo spettatore quando si trova di fronte alla facciata? Negli interni?
Chi vedi nella scultura?
Evidenzia la cosa principale da ciò che hai visto.
Prova a spiegare perché questa sembra essere la cosa principale per te?
In che modo l'artista (architetto, compositore) individua la cosa principale?
Come sono disposti gli oggetti nell'opera (composizione del soggetto)?
Come vengono tracciate le linee principali dell'opera (composizione lineare)?
Come si confrontano volumi e spazi in una struttura architettonica (composizione architettonica)?
Livello della storia:
Prova a raccontare nuovamente la trama dell'immagine.
Prova ad immaginare quali eventi possono accadere più spesso in questa struttura architettonica.
Cosa può fare (o dire) questa scultura se prende vita?
Livello simbolico:
Ci sono oggetti nell'opera che simboleggiano qualcosa?
La composizione dell'opera e i suoi elementi principali hanno un carattere simbolico: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo, cupola, arco, volta, muro, torre, guglia, gesto, posa, abbigliamento, ritmo, timbro , ecc..?
Qual è il titolo dell'opera? Come si collega alla trama e al simbolismo?
Fonte: internet
Piano per l'analisi di un dipinto
2. Stile, direzione.
3. Tipologia di dipinto: cavalletto, monumentale (affresco, tempera, mosaico).
4. Scelta del materiale (per la pittura da cavalletto): colori ad olio, acquerello, tempera, pastello. Caratteristiche dell'uso di questo materiale per l'artista.
5. Genere della pittura (ritratto, paesaggio, natura morta, pittura storica, panorama, diorama, pittura di icone, marina, genere mitologico, genere quotidiano). Caratteristiche del genere per le opere dell'artista.
6. Trama pittoresca. Contenuto simbolico (se presente).
7. Caratteristiche pittoresche dell'opera:
planarità;
colorazione;
Spazio artistico (lo spazio trasformato dall'artista);
9. Impressione personale ricevuta durante la visione dell'opera.
Piano di analisi del lavoro scultoreo
2. Stile, direzione.
3. Tipo di scultura: scultura rotonda, scultura monumentale, piccola plastica, rilievo e la sua varietà (bassorilievo, altorilievo), ritratto scultoreo, erma, ecc.
4. Scelta del modello (persona realmente esistente, animale, fantasia dell'artista, immagine allegorica).
5.Plastika (linguaggio del corpo), modellazione chiaroscurale.
6. Interazione con l'ambiente: colore della scultura
(colorazione) e colore di sfondo dell'ambiente, effetti di luce (controluce); scultura come elemento architettonico, statua indipendente, ecc.
7. Scelta del materiale e sua condizionalità (marmo, granito, legno, bronzo, argilla, ecc.).
8.Caratteristiche nazionali.
9. Percezione personale del monumento.
Piano di analisi dell'opera architettonica
2. Stile, direzione. Architettura di forme grandi o piccole.
3. Luogo nell'insieme architettonico (inclusione, isolamento,
correlazione con il paesaggio, ruolo di un dettaglio organico, ecc.). Tettonica: sistemi murari, muratura, cremagliera e caduta
struttura, struttura a telaio, struttura a volta, moderna
struttura spaziale (piegato, a vite, ecc.).
4. Il materiale utilizzato e la sua partecipazione alla creazione di un aspetto architettonico speciale. La natura del suo lavoro nella struttura (pilastri: portano, volte si alzano, cornicioni riposano, archi si alzano, cupole coronano, ecc.).
5. L'originalità del linguaggio architettonico in una particolare opera,
espresso attraverso:
Simmetria, dissimmetria, asimmetria;
Ritmo di parti, dettagli;
Volume (appiattito, ristretto verticalmente, cubico, ecc.);
Proporzioni (armonia dei dettagli e delle parti);
Contrasto (opposizione di forme);
Silhouette (contorni esterni);
Scala (rapporto con una persona);
Colore e struttura della superficie.
7. Caratteristiche nazionali dell'edificio.
8. La presenza di una sintesi delle arti (la connessione dell'architettura con la scultura e la pittura).
9. Impressioni personali.