I miti dell'antica Grecia sono emozionanti avventure di dei, eroi e creature malvagie. Sono interessanti in ogni modo.

Questo intrattenimento è peggio dei successi di Hollywood. E l'opportunità di comprendere una visione del mondo completamente diversa delle persone della civiltà precristiana.

Conosciamo i miti non solo grazie agli autori antichi.

Anche artisti vissuti prima della nostra era crearono attivamente affreschi con soggetti mitologici. E alcuni di loro sono sopravvissuti fino ad oggi.

Dioniso (Bacco) incontra Arianna sull'isola di Naxos. Affresco a Stabiae, Villa di Arianna, 1 a.C

Ma per quasi 1,5 mila anni i miti sono scomparsi dall'arte.

Riapparvero in pittura solo in. Nel XV secolo iniziarono a essere scavate a Roma sculture dei tempi dell'Impero Romano (copie di opere di antichi maestri greci). L'interesse per l'antica Grecia iniziò a crescere. Divenne di moda, e poi lettura obbligatoria di autori antichi.

E già nei secoli XVI-XVII i miti erano uno dei soggetti più apprezzati nella pittura.

Dipinti mitologici per lo spettatore moderno

Quando si è in un museo, difficilmente si sofferma a lungo davanti a quadri con soggetti mitologici. Per un semplice motivo.

Non conosciamo i miti dell'antica Grecia.

Sì, conosciamo Ercole. Ho sentito parlare di Perseo e Andromeda. E chiamiamo un paio di divinità antiche come Zeus e Atena.

Ma chi può ora vantarsi di aver letto anche l'Odissea di Omero? L'ho letto io stesso all'età di 30 anni.

E se non capisci la trama dell'immagine, sarà difficile godersela. Perché ci sarà una barriera sotto forma di smarrimento, "Chi sono tutte queste persone?"

Ma se la trama è chiara, i tratti pittoreschi dell'immagine, per così dire, vengono immediatamente rivelati davanti ai nostri occhi chiari.

Questo articolo è una piccola raccolta di dipinti mitologici.

Ti aiuterò prima a capire i loro caratteri e simboli. E poi insieme godremo di tutti i vantaggi di questi capolavori.

Botticelli. Primavera (guida immagini). 1482 Galleria degli Uffizi, Firenze

Botticelli fu il primo nella storia della pittura europea (dopo gli antichi Greci e Romani) a raffigurare eroi mitologici.

I dipinti mitologici di Botticelli sono talvolta chiamati in modo poco lusinghiero fumetti pittorici. Gli eroi stanno in fila. Non interagiscono tra loro. Resta solo da aggiungere una nuvola con il loro discorso.

Ma fu Botticelli il primo a rappresentare i miti dopo 1,5 mila anni. Quindi può.

Inoltre, una tale disposizione in fila non impedisce alla stessa "Primavera" di Botticelli di essere uno dei dipinti più belli del mondo.

"Primavera" è anche una delle tele più misteriose. Ci sono molte interpretazioni di esso. Ho scelto quello che personalmente mi sembra il più plausibile. E ci ho aggiunto i miei pensieri.

2. Tiziano. Bacco e Arianna

Tiziano. Bacco e Andromeda (guida immagini). 1620 Galleria Nazionale di Londra

Dopo Botticelli nel Rinascimento, molti artisti hanno raffigurato miti. Ma il più prolifico fu Tiziano.

I suoi miti sono completamente diversi. Queste sono già storie specifiche, come "L'incontro di Bacco e Andromeda sull'isola di Naxos".

Anche questi sono movimenti impetuosi, come il salto del dio della vinificazione dal carro ai piedi della bella. Queste sono emozioni espresse in posture, come la sorpresa e la paura di Andromeda. E anche un paesaggio realistico, che fa da sfondo ai personaggi.

3. Rubens. Perseo e Andromeda

Pietro Paolo Rubens. Perseo salva Andromeda (guida immagini). 1622 Hermitage, San Pietroburgo

Dopo Tiziano, i dipinti mitologici sono finalmente entrati in voga. Gli artisti delle generazioni successive hanno imparato tutte le lezioni del grande maestro. Ma le composizioni erano molto complicate.

Lo stesso Rubens ha letteralmente "spinto" i suoi eroi con i loro corpi. E davanti a noi c'è un incredibile intreccio di braccia, teste e gambe.

Ecco perché è così difficile per noi godere dei dipinti mitologici del XVII secolo. Non solo le trame non sono sempre note, ma tutti i personaggi devono essere visti.

Quindi, l'età d'oro dei dipinti mitologici è il XVI-XVII secolo.

Nel 18 ° secolo, furono leggermente pressati dalle bellezze rococò piuttosto terrene e dolci.

E alla fine del XIX secolo furono soppiantati dal realismo e dall'impressionismo. I miti sono finalmente passati di moda.

Ma i dipinti mitologici sono ancora appesi nei musei. Dopotutto, sono uno strato culturale molto importante. E solo piccole lacune nella nostra conoscenza ci impediscono di goderne appieno.

GENERE MITOLOGICO

GENERE MITOLOGICO(dal greco mythos - leggenda) - un genere di belle arti dedicato agli eroi e agli eventi raccontati dai miti dei popoli antichi. Tutti i popoli del mondo hanno miti, leggende, tradizioni e sono la fonte più importante di creatività artistica nelle prime fasi della loro storia, a cominciare dall'arte primitiva (sebbene i miti che costituivano la base delle immagini a noi note spesso non ci arrivassero). Ma in un'epoca in cui la mitologia era un fenomeno vivente, completo, in costante sviluppo, uno dei fondamenti della coscienza delle persone, non poteva distinguersi come genere separato e diverso. I rudimenti di M. nacque nell'arte tardoantica e medievale, quando i miti greco-romani cessarono di essere credenze, divennero storie letterarie con contenuto morale e allegorico. In realtà m. formatosi nel Rinascimento, quando le antiche leggende fornivano le più ricche opportunità per l'incarnazione di storie e personaggi con sfumature etiche molto complesse, spesso allegoriche (dipinti di Sandro Botticelli, Andrea Mantegna, Giorgione, affreschi di Francesco Cossa, Raffaello). Alle 17 - supplica. 19esimo secolo la cerchia dei problemi filosofici, morali ed estetici riflessi nelle opere di M. J. si sta notevolmente espandendo, servendo a incarnare un alto ideale artistico (dipinti di Nicolas Poussin, Peter Powell Rubens), o avvicinandosi alla vita (dipinti di Diego Velasquez, Rembrandt), o creando uno spettacolo festoso (dipinti di Francois Boucher, Giovanni Battista Tiepolo). Nel 19 ° secolo M. funge da norma per l'arte alta e ideale (scultura di Antonio Canova, Bertela Thorvaldsen, I. P. Martos, dipinti di Jacques Louis David, Dominique Ingres, A. A. Ivanov), che nell'arte da salotto accademica è ser. e 2° piano. secolo, ha acquisito il carattere di una routine fredda e senza vita, che ha svolto un ruolo significativo nella rivolta dei giovani artisti russi nel 1863. Insieme ai temi dell'antica mitologia nei secoli XIX e XX. i temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari nell'arte. All'inizio. 20 ° secolo il simbolismo e l'Art Nouveau ravvivarono l'interesse per M. j. (Maurice Denis, M. A. Vrubel), che nella scultura di Aristide Mayol, Antoine Bourdelle, S. T. Konenkov, nella grafica di Pablo Picasso ha ricevuto un moderno ripensamento.

I gufi, ovviamente, accompagnano (le immagini sono cliccabili):)

Circe, lei è Scegliere
... In bellissime trecce - una terribile dea dal linguaggio umano.
Pieno di pensieri insidiosi, Eet era suo fratello.
Da Helios sono nati, splendenti per i mortali,
La madre di Perse era, la ninfa nata nell'oceano...
Omero. Odissea. Canzone dieci.

La maga, figlia di Helios e dell'Oceanide Perseide, sorella del re della Colchide Eet e moglie di Minosse Pasifae, zia di Medea, vive sull'isola di Eya, in un lussuoso palazzo tra le foreste, dove è fuggita dopo aver avvelenato il suo primo marito, il re dei Sarmati.
Gli animali selvatici che popolano l'isola sono persone che hanno vissuto la magia di Circe.
Circe trasforma i compagni di Ulisse in maiali bagnandoli con una bevanda magica. Ulisse si propone di salvare i suoi compagni. Riceve da Hermes l'erba magica "falena", che deve essere gettata nella bevanda preparata da Kirka, e, estraendo una spada, distrugge il suo malefico incantesimo. Odisseo sconfigge con successo Cerceus ei suoi compagni ricevono di nuovo forma umana. Odisseo trascorse un anno intero sull'isola con una maga.
E, se riassumiamo varie fonti, la continuazione della storia di "Circe - Odisseo" si presenta così:
- Odisseo e Cercea ebbero un figlio Telegon (letteralmente, "nato lontano"), che in seguito uccise accidentalmente suo padre, e poi sposò la sua vedova Penelope. E Circe stessa sposò il figlio maggiore di Odisseo e Penelope, Telemaco, ma fu ucciso da lui quando si innamorò di sua figlia Cassifone.
Oh, come gli antichi greci hanno stravolto le trame! :)))

Dosso Dossi(italiano: Dosso Dossi, in realtà italiano: Giovanni di Niccolò de Luteri, c.1490, Mantova - 1542, Ferrara) è stato un pittore e incisore italiano.
Ha studiato sotto la bottega di K. Costa e Giorgione, formata sotto l'influenza dei maestri veneziani. Ha lavorato con Bellini, Tiziano, Romanino. C 1516 - pittore ufficiale della corte ferrarese. Trascorse quasi tutta la sua vita al servizio dei duchi d'Este, Alfonso I, Ercole II, dove fu impegnato non solo nella pittura, ma anche in missioni diplomatiche. Nel 1520 visitò Roma con il fratello e incontrò Raffaello. Poi lavora all'altare per le cattedrali di Modena e Ferrara. Negli anni Trenta del Cinquecento si manifesta come un maestro del paesaggio. Uno dei rappresentanti della scuola ferrarese. Illustrato dall'Ariosto, ha lasciato il suo ritratto, da lui citato nel poema "Furious Roland".

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Un altro Circe


Antonio Maria Vassallo(nato intorno al 1620 a Genova, in Liguria e morto a Milano tra il 1664 e il 1673) è un pittore barocco italiano di scuola genovese.
Della vita e dell'opera del Vassallo, che appartiene ai pittori più talentuosi e geniali della scuola genovese, sono pervenute fino ai nostri giorni scarse notizie.
Proveniva da una famiglia benestante e ricevette una buona educazione prima di iniziare la sua formazione pittorica presso il pittore fiammingo Vincent Malo (a Genova 1634 - Venezia 1649). Vassallo divenne ampiamente noto come pittore di animali, autore di pastorali e soggetti mitologici.

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Fortuna

L'antica fortuna romana, o, di conseguenza, l'antica Tyche greca (Fortuna, greca Τύχη) è la dea del caso e della buona fortuna. Veniva raffigurata in vari modi: a volte con una cornucopia come donatrice di felicità; poi con il volante come capo dei destini; poi con una palla come segno della variabilità della felicità. Tyukhe a volte era classificato tra i moira.

Allegoria "Fortuna", 1658

Museo Paul Getty, Los Angeles.
Salvatore Rosa(1615, Napoli - 1673, Roma) - 1615, Napoli - 1673, Roma. Pittore, attore, musicista e poeta italiano. Maestro della scuola napoletana.
Nato nel piccolo paese di Arnella vicino a Napoli nella famiglia di un geometra. Fin dall'infanzia fu mandato a crescere nel collegio della congregazione dei gesuiti di Somaska. Lo studio del latino, della Sacra Scrittura, della letteratura italiana, della storia antica presso il Collegio dei Gesuiti aiutò Salvatore Rosa in futuro, quando divenne pittore. Ha studiato pittura con il cognato, l'artista F. Fracanziano, e anche con lo zio, l'artista A. D. Greco, forse ha visitato la bottega di J. Ribera, ha conosciuto il famoso pittore di battaglie napoletano A. Falcone, uno dei primi maestri di questo genere.
Il nome Salvatore Rosa è circondato da leggende, in quanto si distinse per carattere ribelle, coraggio e un grande temperamento pittoresco. Non era solo pittore e incisore, ma anche poeta, musicista, attore, e in ogni cosa si manifestava la passione della sua natura. Il talento pittoresco dell'artista si è concretizzato in paesaggi, ritratti, scene di battaglia, tele di genere storico.

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Aurora
Aurora (dal latino aura - "brezza dell'alba", Eos tra i greci) è la dea dell'alba, figlia di Iperione e Theia, sorella di Helios e Selena e moglie del titano Astrea.
La dea Aurora ha dato alla luce il titano Astrea Zefiro, Borea e Nota, così come Espero e altre costellazioni. Nella mitologia romana, è la dea dell'alba, che porta la luce del giorno agli dei e alle persone.

"Aurora o stella del mattino", 1814

Château de Compiègne - Castello di Compiègne, Francia. Soffitto nella camera da letto dell'Imperatrice.
Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson(1767-1824) - Pittore storico francese, ritrattista, litografo e scrittore.
Ha ricevuto una solida educazione nelle arti liberali. Uno dei migliori studenti di David, dal quale studiò dal 1785. All'inizio della sua attività artistica, era appassionato di mitologia greca, e tra lo pseudoclassicismo che dominava l'arte francese in quel momento, divenne un precursore del romanticismo, che presto cambiò questa direzione.

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Ecate

Hekate è la figlia di Asteria e Perse, una dea non olimpica della stregoneria e dei poteri soprannaturali.
Ecate aveva tre corpi uniti insieme, sei paia di braccia e tre teste.
Ha ricevuto da Zeus il potere sul destino della terra e del mare, Urano l'ha dotata di un grande potere. Dopo la vittoria degli dei dell'Olimpo sui titani, Ecate riuscì a mantenere la sua influenza, sebbene gli abitanti dell'Olimpo considerassero la sua presenza spietata. Anche lo stesso Zeus rispettava così tanto Ecate da non sfidare mai il suo diritto di soddisfare o meno i desideri più segreti dei mortali.
Ecate ha patrocinato la caccia, la pastorizia, l'allevamento di cavalli, le attività pubbliche delle persone (in tribunale, assemblea nazionale, guerra), bambini e giovani sorvegliati. Una cupa dea della stregoneria notturna, Ecate era terrificante mentre vagava nell'oscurità nei luoghi di sepoltura e appariva agli incroci con una torcia fiammeggiante tra le mani e serpenti tra i capelli. Si sono rivolti a lei per chiedere aiuto, ricorrendo a speciali manipolazioni misteriose. Ha fatto emergere i fantasmi dei morti, ha aiutato i propri cari abbandonati. Fu Ecate a chiedere aiuto a Demetra, costringendo l'onniveggente Helios a confessare che Ade aveva rapito Persefone.
Aiuta le maghe che, come Circe e Medea, imparano da lei la loro arte. A volte Hekate aiutava le persone, ad esempio, è stata lei ad aiutare Medea a conquistare l'amore di Jason.
Orfeo fu il fondatore dei misteri di Ecate ad Egina, fu lei a dirgli come restituire Euridice quando Orfeo invocò la dea.

"Ecate", intorno al 1795


La Tate Gallery.
William Blake(Ing. William Blake, 1757-1827) - Poeta e artista inglese, mistico e visionario.
Durante la sua vita, Blake non ha ricevuto alcuna fama al di fuori di una ristretta cerchia di ammiratori, ma è stato "scoperto" dopo la sua morte. Ha avuto un impatto significativo sulla cultura del XX secolo. Si ritiene che il 1863 abbia segnato l'inizio del riconoscimento di William Blake e la crescita dell'interesse per lui.
Attualmente, William Blake è giustamente considerato uno dei grandi maestri delle belle arti e della letteratura inglese, uno dei pittori più brillanti e originali del suo tempo.

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Era/Giunone

Giunone - la dea romana, corrispondente alla greca Hera, la moglie di Giove, che godeva di un potere ancora maggiore in cielo rispetto alla greca Hera. Insieme a Minerva e Giove, fu onorata in Campidoglio. Sul Campidoglio fu eretto un tempio a Giunone Moneta (convincente). C'era anche la zecca dello stato romano, alla quale, secondo la leggenda, forniva il patrocinio.
La regina del cielo, Giunone, così come suo marito Giove, che dona alle persone tempo favorevole, temporali, piogge e raccolti, fa scendere successi e vittorie, era venerata anche come protettrice delle donne, soprattutto sposate. Giunone era la custode delle unioni matrimoniali, assistente al parto. Era anche onorata come la grande dea della fertilità. Il culto di Giove era a capo del sacerdote - flamin, e il culto di Giunone - la moglie di flamin (flaminica). Le donne sposate celebravano ogni anno il primo marzo in onore di Giunone, la cosiddetta matronalia. Con le ghirlande in mano, marciarono verso il tempio di Giunone sull'Esquilino e, insieme alle preghiere per la felicità nella vita familiare, sacrificarono fiori alla dea. Allo stesso tempo, anche gli schiavi hanno preso parte alla festa.
Il mese di giugno prende il nome da Giunone.

"Dea Giunone nella casa del sonno", 1829


Museo Nazionale del Prado
Bozzetto ad olio per un affresco sul soffitto del salone di Carlos III nel Palazzo Reale di Madrid.
Luis López Picker- Pittore spagnolo.
Nato a Valencia nel 1802, morto a Madrid il 5 giugno 1865. Figlio del famoso pittore Vincent Lopez e fratello del pittore Bernardo Lopez Picker.

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Estate / Latona
Latona in romano / Leto nella mitologia greca - la figlia dei titani Coy e Phoebe, la sorella di Asteria, che diede alla luce i gemelli Apollo e Artemide da Zeus.
Secondo il mito, la gelosa Era/Giunone maledisse la terra in modo che nessun pezzo di terra potesse accettare Latona come sollievo dal fardello. Solo la piccola isola di Delos accettò di accoglierla, e lì diede alla luce due gemelli, Artemide e Apollo. Secondo una versione del mito, la moglie di Zeus / Giove trattenne la dea del permesso dal fardello di Elifia sull'Olimpo, e Leto / Latona subì il parto per 9 giorni, finché le altre dee che simpatizzavano con lei corruppero Elifia con una collana passò attraverso Irida, la dea dell'arcobaleno.
Stanca del lungo viaggio, Latona voleva bere dal lago della Licia, ma i contadini locali, che vi cacciavano salici, canne e carici, non le permisero di farlo. Come punizione, li ha trasformati in rane.
Questo tema si ritrova sia nella pittura che nella scultura da giardino, soprattutto in Francia nel XVII secolo. Latona è raffigurata (di solito con bambini) vicino a un lago, dove si dibattono contadini e enormi rane.

Latona e i contadini della Licia, OK. 1605


Rijksmuseum, Amsterdam.
(1568 - 1625) - famoso pittore fiammingo.
Nato a Bruxelles. Discendente dalla grande dinastia di pittori fiamminghi Bruegel, suo padre era Pieter Brueghel il Vecchio. Ha lavorato a Roma, Anversa, Praga, Bruxelles. L'eredità creativa di Jan Brueghel il Vecchio comprende molti magnifici paesaggi con piccole figure umane che animano immagini, basate su soggetti biblici e allegorici. Jan Brueghel il Vecchio è famoso per le sue dettagliate raffigurazioni di fiori sotto forma di nature morte o ghirlande floreali. Jan Brueghel dipinse anche un gran numero di dipinti su temi mitologici e allegorie, spesso con il suo amico Peter Paul Rubens.
Morì di colera, i suoi tre figli (Pietro, Elisabetta e Maria) furono vittime dell'epidemia insieme a lui.

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Orfeo
Orfeo - un tracio, della zona dei Kikons, viveva nel villaggio di Pimpleya vicino all'Olimpo. Il figlio del dio fluviale tracio Eagra (variante - Apollo) e la musa Calliope. Orfeo era famoso come cantante e musicista, dotato del potere magico dell'arte, che conquistava non solo le persone, ma anche gli dei e persino la natura. Il favorito di Apollo, che gli diede una lira d'oro. Partecipò alla campagna degli Argonauti, calmando le onde suonando la formazione e le preghiere e aiutando i rematori della nave Argo.
L'immagine di Orfeo è presente in un numero significativo di opere d'arte, nella musica, nella poesia e nella pittura. Particolarmente popolare è la tragica storia d'amore del cantante Orfeo e di sua moglie, la ninfa Euridice. E la sua morte, e il tentativo di Orfeo di riportare sua moglie dal regno dei morti.

"O voi, divinità, la cui dimora sotto la terra è per sempre,
Qui, dove ci ritroveremo tutti creati dai mortali! …
Caos prego con l'abisso e il silenzio del regno del deserto:
Svolgi di nuovo il mio breve destino Euridice! ...
Se la misericordia del destino mi rifiuta una moglie, torna
Nemmeno io voglio me stesso: rallegrati per la morte di entrambi.
(Ovidio, "Metamorfosi", tradotto da S. V. Shervinsky)

"Orfeo negli inferi", 1594


Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Firenze, Italia.
Jan Brueghel il Vecchio, Velluto

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"Orfeo ed Euridice nel regno dei morti", 1652


Museo Nazionale del Prado
Pietro Fries(1627, Amsterdam - 1706, Delft), paesaggista del Secolo d'oro olandese.

Rainer Maria Rilke
Sonetti a Orfeo
Oh albero! Alzati al cielo!
Fiore, orecchio obbediente! Orfeo canta.
E tutto tacque. Ma nella canzone silenziosa
era prevista una vacanza e un volo.

L'intera foresta divenne trasparente. Affollato al cantante
e la bestia dalle tane, e gli abitanti delle tane.
Non li attirava più l'intento predatorio,
e non in silenzio gli animali si nascondevano, -

hanno ascoltato. Basso ruggito e ringhio
umiliati nei loro cuori. Dove di recente
come un ospite non invitato, il suono sarebbe timido, -

in ogni buco, un riparo dalle bufere di neve,
dove l'oscurità e l'avidità regnavano chiaramente, -
hai eretto un tempio senza precedenti alla canzone.
Tradotto dal tedesco da Grainem Rathaus

1640


La Collezione Rose-Marie e Eijk van Otterloo.
Albert Jacobs Cuyp(Aelbert (Aelbrecht) Jacobsz Cuyp, 1620 - 1691, Dordrecht) - Pittore, grafico e incisore olandese dell'era barocca.
Sia il nonno che lo zio di Albert erano artisti specializzati in vetrate, suo padre, Jacob Gerrits Cuyp, era un noto ritrattista. Probabilmente fu da suo padre che Albert studiò pittura, e all'inizio degli anni Quaranta del Seicento. padre e figlio hanno lavorato insieme su ordinazione: Jacob ha dipinto ritratti e Albert ha fornito loro uno sfondo paesaggistico.
Cuyp si è mostrato in una varietà di generi di pittura, i suoi pennelli appartengono a tele bibliche, mitologiche e storiche, nature morte, ritratti (questi ultimi testimoniano l'indubbia influenza di Rembrandt su di lui), ma sono stati i paesaggi a dargli fama.
L'attività di Cuyp procedette principalmente a Dordrecht. Dopo la morte del padre nel 1651 o 1652, Alberto ereditò una considerevole fortuna e divenne uno dei cittadini più rispettati. Era un membro attivo della Chiesa riformata olandese e ricoprì importanti incarichi cittadini e ecclesiastici. Nel 1659 divenne decano.

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Un altro "Orfeo che incanta gli animali"
Lo sfortunato si nutriva di dolore, sofferenza dell'anima e lacrime.
E, rimproverando il sottosuolo con la spietatezza degli dei, se ne andò
Ai monti Rodopi, a Gemma, colpita dal vento del nord.
Ecco la costellazione dei Pesci del mare ha concluso il terzo
Titan ha già completato l'anno e Orpheus ha costantemente evitato
L'amore delle donne. È perché ha perso il desiderio per lei
Oppure ha mantenuto la lealtà, ma in molti la caccia è bruciata
Connettiti con il cantante e il rifiutato ha sofferto molto.
Si rese colpevole, che anche i popoli della Tracia erano dietro di lui,
Trasferendo ai giovani immaturi un sentimento d'amore,
La breve vita della primavera, i primi fiori vengono recisi.
Ovidio Publio Nasone, Metamorfosi, libro decimo.

Per questo, secondo Ovidio, fu fatto a pezzi dalle menadi traci.

Giovanni Francesco Castiglione- Pittore italiano (1641 - 1710, Genova).
L'artista era figlio e allievo di Giovanni Benedetto Castiglione e studiò pittura nella bottega del padre. Intorno al 1664 ricevette un ordine da Ottavio Gonzaga il Vecchio, e dal 1681. divenne pittore di corte di Ferdinando Carlo Gonzaga. Dopo la morte del duca nel 1708, Castiglione tornò a Genova. Vi è sepolto nella chiesa di Santa Maria di Castello.

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C'è un altro antico eroe greco che ha fatto un'escursione negli inferi.

Enea
Enea, nella mitologia antica (e soprattutto romana), uno dei principali difensori di Troia e leggendario antenato dei romani. Secondo l'Iliade, Omero scampò alla morte nella guerra di Troia grazie all'intervento degli dei, poiché era destinato a continuare la dinastia dei re troiani e far rivivere la gloria dei Troiani in un'altra terra. Questa versione costituì la base dell'Eneide di Virgilio, che è la fonte principale per la presentazione del mito di Enea.
I genitori di Enea, secondo Virgilio, erano Anchise, nipote del re di Troia Il e cugino di Priamo, e Afrodite (Venere nella tradizione romana).
Enea sposò Creo (figlia di Priamo ed Ecuba), suo figlio Ascanio (Yul o Iul) diventerà, secondo Virgilio, il capostipite della famiglia patrizia romana di Giulio, a cui appartenevano Giulio Cesare e Ottaviano Augusto.
Enea assistette alla distruzione e alla morte di Troia, all'assassinio del re Priamo. Ettore gli ordina di estrarre e conservare le statue degli dei troiani e di installarle nel luogo in cui Enea diventerà il fondatore di una nuova città.
Su 20 navi salparono i troiani sopravvissuti. Durante il viaggio per mare, Enea ei suoi compagni visitarono molti luoghi e alterazioni, e solo pochi dei superstiti giunsero con Enea in Italia. C'è un incontro con la misteriosa profetessa Sibyl. La Sibilla accompagnò Enea nel Regno dei Morti, dove, dopo un viaggio difficile e pericoloso, Enea incontra suo padre, dal quale ode profezie sul grande futuro di Roma.

Enea sguainò la spada, preso da un improvviso spavento,
Metti fuori una lama affilata per affrontare l'assalto dei mostri
E non ricordargli, fanciulla saggia, che questo
Uno sciame di ombre incorporee conserva solo l'apparenza della vita,
Si sarebbe lanciato contro di loro, tagliando il vuoto con la sua spada.
Virgilio, "Eneide", Libro VI.

"Enea e la Sibilla nel regno dei morti", 1630


Il Museo Metropolitano d'Arte.
Jan Brueghel il Giovane(Olandese Jan Bruegel de Jonge, 13 settembre 1601-1 settembre 1678) - un rappresentante della dinastia di artisti Bruegel dell'Olanda meridionale (fiamminga), nipote di Pieter Bruegel il Vecchio, Contadino e figlio di Jan Bruegel il Vecchio, Velluto.
Yang era il figlio maggiore della famiglia. Due anni dopo la sua nascita, sua madre morì e suo padre sposò Katharina van Marienburg, dalla quale ebbe 8 figli. Come primogenito, Yang continuò la sua dinastia paterna e divenne un artista. All'età di dieci anni fu apprendista presso suo padre. Durante la sua carriera, ha creato tele in uno stile simile. Insieme al fratello Ambrosius dipinse paesaggi, nature morte, composizioni allegoriche e altre opere ricche di piccoli dettagli. Ha copiato le opere di suo padre e le ha vendute sotto la sua firma.
Jan era in viaggio in Italia quando ha ricevuto la notizia della morte del padre a causa del colera. Interruppe il viaggio e tornò subito a dirigere l'officina di Anversa. Ben presto salì alla ribalta e divenne decano della Corporazione di San Luca (1630). Le migliori opere di Jan the Younger sono grandi paesaggi.

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Prometeo

Prometeo - nella mitologia greca, figlio del titano Giapeto, cugino di Zeus. La madre di Prometeo è la dea della giustizia Themis (secondo altre opzioni: oceanide Climene o oceanide Asiya). Fratelli di Prometeo: Menezio (gettato nel tartaro da Zeus dopo titanomachia), Atlante (sostiene la volta celeste come punizione), Epimeteo (marito di Pandora).
Chi non conosce il mito di Prometeo? Pertanto, è meglio che io canti versi. Ha scelto tra Eschilo, Goethe e Byron, e ha deciso Giugno Moritz.:)

Prometeo
Aquila sul tetto del mondo, come un gatto,
Scompigliato dal vento che soffia dal Caucaso.
Titan giustiziato guarda in entrambi gli occhi
su Zeus la Bestia. Ecco come appare la copertina
insonnia. E succhi di rivisitazione
un cucchiaio d'argento vortica la luna.

I seni di Zeus si afflosciarono per le passioni,
il feroce peritoneo è teso, -
dove le persone amano riunirsi
sputa tuoni come una macchina.
Il titano si aggrappa al fegato. Vertice
Il Caucaso cammina con lui in ampiezza.

Aquila, progenie di Echidna e Tifone
e fratello di Chimera con la testa di capra,
si avvia come un grammofono,
e mangia fegato vivo.
Titan ci pensa: “Dominerò
respiro ampio per evitare danni.

Frutti di limone nella cantina della valle
radunò la luce intorno all'ovile addormentato.
Pastore, un prodotto di acqua e argilla,
la pastorella versa del brodo bollente in un boccale.
L'aquila mangia il titano come uno vero, e
schizza in un potente inguine con la saliva di un'aquila.

Titano non vede né aquila né cattività,
si vede scendere dal pendio
Un centauro ferito mortalmente al ginocchio.
Oh diavolo! Nel nobile Chirone
la freccia tagliata come un'ascia in un tronco,
diventò nero dal dolore, come un corvo,

e schiuma in un lussureggiante contorno nuvoloso
esacerba l'essere longitudinale.
Chiede la morte, ma è immortale per nascita -
maledetto destino, schiavitù dell'immortalità!
Quanta angoscia in lui, quanta pena!...
Titano batte sulle volte del cielo, -

Zeus esce: - Cosa vuoi, ladro? -
Titan impone: - Schiaccia l'ordine
e riscrivere la mia morte su un amico,
in modo che la sua partenza sia luminosa e dolce:
Sia il centauro il più tenero dei letti,
e per me - la sua centrifuga d'immortalità, -

capisci? - Zeus gli fece un cenno involontariamente
e si ritirò per placare il titano.
Il centauro non faceva più tanto male
Ercole lo seppellì all'ombra di un platano.
L'aquila tormentava instancabilmente il titano,
mangiare nel fegato. Ma proprio di questo
noto a tutti e detto basta.
1973

"La saga di Prometeo"(parte di un trittico), 1950


Oscar Kokoschka(Tedesco: Oskar Kokoschka, 1 marzo 1886, Pöchlarn, Austria-Ungheria - 22 febbraio 1980, Villeneuve, Svizzera) - Artista e scrittore austriaco di origine ceca, la più grande figura dell'espressionismo austriaco nella letteratura e nelle belle arti.
Da parte di padre apparteneva a una famiglia di noti gioiellieri praghesi. Ha studiato alla Scuola di arti e mestieri di Vienna, tra i suoi insegnanti c'era Gustav Klimt.

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Caronte
Per sempre cammina la barca di Caronte,
Ma solo le ombre che prende...

"Denuncia di Cerere", V.A. Zhukovsky

Caronte, greco - il figlio del dio dell'eterna oscurità Erebus e la dea della notte Nikta, la portatrice dei morti nell'aldilà.
Con uno sfondo e un'occupazione così cupi, non bisogna sorprendersi che Caronte fosse un vecchio scortese e scontroso. Era impegnato nel trasporto attraverso il fiume Stige o Acheronte, e solo nell'aldilà, ma non nella direzione opposta. Caronte trasportava solo le anime dei morti, sepolte secondo tutte le regole; le anime degli insepolti erano destinate a vagare per sempre lungo le rive dei fiumi dell'aldilà, o, secondo idee meno rigorose, almeno cento anni. Per il trasporto di Ercole, che era uno dei pochi vivi che finirono nell'aldilà, Caronte lavorò per un anno intero in catene per ordine di Ade. Per la consegna delle anime dei morti all'Ade, Caronte chiese una ricompensa. Pertanto, i greci mettevano una moneta (un obolo) sotto la lingua dei morti. Perché Caronte aveva bisogno di soldi nell'aldilà, nessuno lo sapeva. In ogni caso, tutti notano l'aspetto sporco e sfilacciato di questo strano dio (e Caronte era davvero un dio), la sua barba incolta e sfilacciata. L'usanza di fornire ai morti denaro per il viaggio si è conservata nel mondo greco-romano molto tempo dopo la vittoria del cristianesimo ed è penetrata nelle usanze funebri di altri popoli.

La barca di Caronte, 1919


Museo delle Belle Arti di Valencia
José Benlure e Gil(José Benlliure y Gil; 1855, Valencia - 1937, Valencia) - Artista spagnolo.
Nato nella famiglia di un artista, figlio dell'artista Juan Antonio Benlure e fratello dello scultore Mariano Benlure e degli artisti Blas e Juan Antonio. Dimostrò presto il suo talento per la pittura e, dopo aver trascorso periodi di lavoro a Valencia e Madrid, si trasferì a Roma, dove visse per quasi vent'anni, riscuotendo successo internazionale e diventando il capofila della colonia artistica spagnola a Roma. Fu nominato Officier de l'Academie in Francia, fu membro dell'Académie San Carlos a Valencia e San Fernando a Madrid, e nel 1926 fu membro della Hispanic Society of America a New York.
Ha raffigurato principalmente scene di vita popolare spagnola e romana, e talvolta scene storiche e quotidiane, contraddistinte da grande realismo, brillantezza dei colori e sottigliezza dell'esecuzione.

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Fetonte

Phaethon, il figlio di Helios (il dio del sole), una volta ebbe una forte discussione con il suo amico, perché dubitava della sua origine. Poi andò da suo padre e gli chiese un segno, prova di parentela. Il padre si eccitò e promise di esaudire ogni suo desiderio, poi il phaeton chiese di poter guidare per un giorno il carro solare. Il padre era contrario, ma non poteva dissuadere il figlio. Il padre diede istruzioni al figlio affinché trattenesse i cavalli e non li guidasse lungo la strada così tortuosa e non scendesse troppo in basso (per non dare fuoco alla terra: foreste, campi, montagne) e non si alzasse troppo alto (per non dare fuoco al cielo).
Phaeton non poteva trattenere i cavalli, ma era già troppo tardi, per quanto cercasse di moderare la corsa del carro, non ne venne fuori nulla. I cavalli saltarono fuori dal solco e scesero troppo in basso e diedero fuoco al suolo, quindi si alzarono bruscamente e diedero fuoco al cielo. Il dio Poseidone cercò di spegnere questo incendio, ma il caldo intenso glielo impedì. Quindi la dea Terra chiese a Zeus il Tonante di venire in soccorso.
Zeus ha distrutto il carro con un fulmine e ha spento il fuoco solare con la sua fiamma. I cavalli fuggirono e il Fetonte in fiamme sembrò alle persone una stella cadente. Il corpo di Fetonte, avvolto dalle fiamme, fu portato nelle sue acque dal misterioso fiume Eridano, che nessun occhio di mortale aveva mai visto, e ne spense la fiamma. Le Naiadi, che rimpiansero Fetonte, così coraggioso e così giovane da morire, lo seppellirono e scolpirono versi sulla lapide:

Qui è sepolto Fetonte, cocchiere del padre;
Il sentiero non la trattenne, ma, osando grandi cose, cadde.

Le sue sorelle Gelides, figlie di Helios, vennero alla sua tomba per piangerlo. Lì, sulle rive dell'Eridano, furono trasformati in pioppi.

Le lacrime stanno già scorrendo, trasudando sui giovani rami
L'ambra gela sotto il sole...

Queste goccioline si trovano sulla riva della ragazza e vengono indossate come ornamento.
Gli dei piangono Fetonte


Theodore van Thulden(Olandese. Theodoor van Thulden, 1606 o 1607 - 12 luglio 1669) - - Pittore e incisore fiammingo.
Theodor van Thulden è nato a 's-Hertogenbosch nel Brabante Settentrionale. Dal 1621 andò ad Anversa e studiò nella bottega di Bleyenberg. Ha lavorato nella sua città natale di Herzogenbusch, Anversa, Parigi e L'Aia.
Nel 1626 divenne maestro nella Corporazione di San Luca, dal 1631 al 1633 lavorò a Parigi, nel 1634 tornò ad Anversa, dove lavorò spesso con Rubens e lavorò su ordini di ricchi cittadini. Nel 1640 tornò nel Brabante settentrionale, dove vinse un concorso per il diritto di creare pittoresche allegorie politiche per conto del consiglio comunale.
Theodor van Tyulden ha composto ed eseguito molto abilmente dipinti decorativi di contenuto allegorico e storico; Dipinse anche scene di vita quotidiana (in particolare feste paesane e matrimoni) e ritratti. Fu uno dei pittori più alla moda dell'era Luigi XV. Era prestigioso avere in collezione le tele dell'artista.
Era sposato con la figlia dell'artista Hendrik van Balen.

GENERE MITOLOGICO (dal greco μυθολογία - una raccolta di miti) - un genere di belle arti, così e così-tu-so-ro-vai a scoop-beh dai miti.

Il genere mitologico di for-mi-ru-et-xia nell'arte el-li-ni-stic e romana, nel corso dei generi you-de-le-niya sis-te-we da sin-kre-tiz-ma l'ar-ha-ich-noy della cultura tradizionale, l'unico-st-ven-nym co-der-zh-ni-em-qualcosa era un mito.

Pertanto, l'emergere del genere mitologico si è unito a de-mi-fo-lo-gi-for-qi-she della coscienza; il mito è ricreato come un tu-ci-seduto artistico, i suoi eroi under-ver-ga-yut-sya tutto-possibile trans-for-ma-qi-yam e pe-re-os-cape-le- ni-yam: eye-zy-va-yut-sya in un ululato circa un centinaio di nov-ke, serve come esempio di -ve-de-niya, a volte sotto-ver-ga-yut-sya os-meya- niyu o tu-stu-pa-yut in ka-che-st-ve al-le-go-riy, lane -so-ni-fi-ka-tsy.

Se nell'arte medievale christian-an-sky su-zhe-ti-ka è quasi completamente pieno di te-tes-nya-et "lingua-che-cielo", allora nell'epoca-hu Rise-ro-g-de- niya an-tich-ny mi-fy re-os-cape-li-va-yut-sya e close-zh-yut-sya con hri-sti-an-ski-mi , pieno di nuovi al-le-go- ric co-der-zha-ni-em (A. del Pol-lai-o-lo, S. Bot-ti-chel-li, A Man-te-nya, Pier-ro di Co-zi-mo, F . del Cos-sa, Ra-fa-el, Cor-red-jo, B. Per-ruts-tsi, J. Ro-ma- but, George-jo-ne, Ti-chi-an, P. We- ro-ne-ze, Ya. Tin-to-ret-to, A. Bron-zi-no, J. Wa-za-ri, L. Kra-nach the Elder, J. Gou-jon, N. del' Abbate, scuola hu-doge-ni-ki Font-tenb-lo, ecc.).

"Me-ta-mor-fo-zy" di Ovi-diya, insieme a go-me-r-epos, diventa la principale fonte di trame mi-fo-logiche nell'arte del bar-rock-co e class- si-cis-ma del XVII secolo (scultura-tu-ra J.L. Ber-ni-ni, scrittura dal vivo Ka-ra -wad-jo, fratelli Kar-rach-chi, J. B. Tie-po-lo, P. P. Ru- ben-sa, Rem-brand-ta, D. Ve-la-ske-sa, N. Pus-se-na, K. Lor-re-na, ecc.), ro-co-co (F. Bu- lei, J.O. Fra-go-na-ra) e class-si-cis-ma la seconda metà del XVIII - inizio XIX secolo, quando il genere mitologico si sta avvicinando alla vita storica e religiosa in pi-sue, on-half-nya-is-idea-al-ny- mi-immagini classiche (scultura-tu-ra A. Ka-no-vy, I.G. Sha-do-va e B. Thor-wald-se-na, pittura J. L. Da-vi-da, J. O. D. En-gras, A. R. Meng-sa, V. Ka-much-chi-ni, ecc.) o tragico pe-re-os-mys-le-nie in life-in-pee- si ro-man-tiz-ma (F. Goya, E. De-lac-rua).

Sottotesto profondo U-ra-tiv e stile plastico ost-ro-tu nell'arte tardo-nea-ca-de-mic e da salotto della seconda metà del XIX secolo, il genere mitologico di te -ro-dil- sya in top-but-st-no-il-lu-st-ra-tiv-ny pro-from-ve-de-niya (V.A. Bug-ro, L. Al-ma-Ta-de-ma, F. Lay-ton e altri), ha ricevuto l'interpretazione sa-ti-rica nella serie di li-to-grafica O. Do mier.

Nel 19 ° secolo, b-go-da-rya in-te-re-su ro-man-ti-kov alle radici nazionali e alla cultura medievale e popolare-tu-re, all'arte di arrivò lo stesso tedesco, celtico, Miti indiani e slavi. Allo stesso tempo, nella creazione-che-st-ve pre-ra-fa-eli-tov e ma-te-ditch not-oi-dea-lis-ma voz-ro-zh-yes-et-sya in - te-res to an-tich-noy te-ma-ti-ke (zhi-vo-piss H. von Ma-re, A. Bök-li-na, sculpt-tu-ra A. Khil-deb-ran - Sì).

Il genere mitologico dello shi-ro-ko è rappresentato nell'arte del XX secolo, on-chi-naya con il simbolo-in-liz-ma e mod-der-on the rub-be-zha del XIX-XX secoli (G. Moro, M. De-ni, F. Val-lot-ton, F. von Stuck, G. Klimt, A. Mu-ha), ar-hai-zi-ruyu-schey not-oklas -si-ki (A May-ol, E.A. Bur-del, ecc.) e avan-gar-di-st-sky zhi-vo-pi-si e gra-fi-ki (M. Beck-man, P. Klee, P. Pi-cas-so). In-di-vi-du-al-noe mi-fo-creative-che-st-vo from-li-cha-et pro-from-ve-de-nya mas-te-dov sur-real-lis-ma . That-ta-li-tar-noe art of Italy, Germany, kul-ti-vi-ro-va-lo genere mitologico. An-ti-to-ta-li-tar-naya inter-ter-pre-ta-tion mi-fa ha-rak-terna per pre-cento-vi-te-lei in-stmo-der-niz-ma ( K. M. Marya-ni, J. Shaw e altri).

In Russia, il genere mitologico iniziò a ras-pro-country dal XVIII secolo, specialmente nell'arte della classe-si-cis-ma della fine del XVIII - inizio XIX secolo (scultura-tu-ra S.S. Pi-me- no-va, V.I. De-mut-Ma-li-nov-sko-go, IP Mar-to-sa, live-in-writing A.P. Lo -sen-ko, PI So-ko-lo-va, K.P. Brul- lo-va, A.A. Iva-no-va).

Nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo, in-ter-res al folk nazionale-lo-ru in-ro-zh-yes-è la sua inter-ter-pre-ta-zione simile a quella diversa di il genere mitologico in stile le moderne: favolose immagini di vita-in-pipì V.M. Vas-ne-tso-wa e M.A. Vru-be-la, gra-fi-ki I.Ya. Bi-li-bi-na e E.D. Po-le-no-howl, sculpt-tu-ry S.T. Ko-nyon-ko-wa e K. Er-zi. Mi-fo-logia slava e orientale presentata nelle opere di N.S. Gon-cha-ro-howl e N.K. Ri-ri-ha. Mi-fa El-la-dy pre-lo-mi-lis in pro-da-ve-de-ni-yah Vl.A. Se-ro-va e L.S. Cento dollari.

Nell'arte contemporanea, il genere mitologico è rappresentato da opere separate sul tema antico di P.P. Kon-cha-lov-sko-go, V.N. Yakov-le-va, E.I. Non-da-ovest-no-go, ecc., Così come un certo numero di pro-da-ve-de-niy hu-doge-ni-kov dell'URSS, nel sacro ge-ro-pits nazionale epopee.

A cavallo dei secoli XX-XXI, on-ob-sì-c'è l'ascesa del genere mitologico nell'arte russa, A.G. Ak-ri-tas, DD Ka-min-ker, M.M. She-mya-kin, Z.K. Ce-re-te-se e molti altri. altri

genere storico
genere mitologico

Viktor Vasnetsov "Cristo l'Onnipotente", 1885-1896.

Genere storico, uno dei principali generi di belle arti, dedicato a ricreare eventi passati e presenti di importanza storica. Il genere storico è spesso intrecciato con altri generi: il genere quotidiano (il cosiddetto genere storico-quotidiano), il ritratto (composizioni storico-ritratto), il paesaggio ("paesaggio storico"), il genere di battaglia. L'evoluzione del genere storico è in gran parte dovuta allo sviluppo delle visioni storiche e si è finalmente formata insieme alla formazione di una visione scientifica della storia (completamente solo nei secoli XVIII-XIX).

Viktor Vasnetsov." Parola di Dio", 1885-1896

I suoi inizi risalgono alle composizioni simboliche dell'antico Egitto e della Mesopotamia, alle immagini mitologiche
Dall'antica Grecia, ai rilievi documentario-narrativi di antichi archi e colonne trionfali romani. In realtà il genere storico cominciò a prendere forma nell'arte italiana del Rinascimento -
nelle opere storico-battaglia di P. Uccello, cartoni e dipinti di A. Mantegna sui temi della storia antica, interpretati in un piano idealmente generalizzato e senza tempo dalle composizioni di Leonardo da Vinci, Tiziano, J. Tintoretto.

Tiziano. "Il rapimento dell'Europa", 1559-1592

Jacopo Tintoretto "Arianna, Bacco e Venere".
1576, Palazzo Ducale, Venezia

Jacopo Tintoretto. "Il bagno di Susanna"
Secondo piano. 16 ° secolo

Tiziano "Bacco e Arianna". 1523-1524

Nel XVII e XVIII secolo nell'arte del classicismo è venuto alla ribalta il genere storico, compresi i soggetti religiosi, mitologici e storici veri e propri; Nell'ambito di questo stile hanno preso forma sia un tipo di solenne composizione storica e allegorica (Ch. Lebrun) sia dipinti pieni di pathos etico e nobiltà interiore raffiguranti le gesta degli eroi dell'antichità (N. Poussin).

Nicolas Poussin. "Paesaggio con Orfeo ed Euridice", 1648

Il punto di svolta nello sviluppo del genere fu nel XVII secolo. nelle opere di D. Velasquez, che ha introdotto una profonda obiettività e umanità nella rappresentazione del conflitto storico tra spagnoli e olandesi, P.P. Rubens, che collegava liberamente la realtà storica con la fantasia e l'allegoria, Rembrandt, che incarnava indirettamente i ricordi degli eventi della rivoluzione olandese in composizioni piene di eroismo e dramma interiore.

P. Rubens "Unione di terra e acqua"
1618, Eremo, San Pietroburgo

P. Rubens "Diana va a caccia", 1615

P. Rubens "Artista con sua moglie Isabella Brant", 1609

Rubens."Venere e Adone", 1615
Metropolitana, New York

Nella seconda metà del Settecento, durante l'Illuminismo, al genere storico fu attribuito un significato educativo e politico: i dipinti di J.L. David, raffigurante gli eroi della Roma repubblicana, divenne l'incarnazione di un'impresa in nome del dovere civico, suonava come un appello a una lotta rivoluzionaria; durante gli anni della Rivoluzione francese del 1789-1794, ne descrisse gli eventi con uno spirito eroicamente ottimista, eguagliando così la realtà e il passato storico. Lo stesso principio è alla base della pittura storica dei maestri del romanticismo francese (T. Géricault, E. Delacroix), così come dello spagnolo F. Goya, che saturano il genere storico con una percezione appassionata ed emotiva della natura drammatica dello storico e conflitti sociali contemporanei.

Eugene Delacroix "Donne d'Algeria nelle loro stanze".
1834, Louvre, Parigi

Nel XIX secolo, l'ascesa dell'autocoscienza nazionale e la ricerca delle radici storiche dei loro popoli portarono a sentimenti romantici nella pittura storica in Belgio (L. Galle), nella Repubblica Ceca (J. Manes), in Ungheria (V. Madaras) e Polonia (P. Michalovsky). Il desiderio di far rivivere la spiritualità del Medioevo e del Primo Rinascimento determinò il carattere retrospettivo dell'opera dei Preraffaelliti (D. G. Rossetti, J. E. Milles, H. Hunt, W. Morris, E. Burne-Jones, J. F. Watts, W. Crane e altri) in Gran Bretagna e i Nazareni (Overbeck, P. Cornelius, F. Pforr, J. Schnorr von Karolsfeld e altri) in Germania.

George Frederick Watts, "Arianna sull'isola di Naxos", 1875

Edward Burne-Jones "Specchio di Venere", 1870-1876

Edward Burne-Jones "Stella di Betlemme", 1887-1890

Genere mitologico (dal gr. mythos - leggenda) - un genere di belle arti dedicato a eventi ed eroi, di cui parlano i miti dei popoli antichi. Tutti i popoli del mondo hanno miti, leggende, tradizioni e costituiscono la più importante fonte di creatività artistica. Il genere mitologico ha origine nell'arte tardoantica e medievale, quando i miti greco-romani cessano di essere credenze e diventano storie letterarie con contenuto morale e allegorico. Lo stesso genere mitologico si è formato nel Rinascimento, quando antiche leggende fornivano i soggetti più ricchi per dipinti di S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione e affreschi di Raffaello.

Sandro Botticelli. "Calunnia", 1495

Sandro Botticelli." Venere e Marte", 1482-1483

Nel 17 ° secolo - l'inizio del XIX secolo, l'idea dei dipinti del genere mitologico si espande in modo significativo. Servono a incarnare un alto ideale artistico (N. Poussin, P. Rubens), avvicinarli alla vita (D. Velasquez, Rembrandt, P. Batoni), creare uno spettacolo festoso (F. Boucher, J. B. Tiepolo). Nel XIX secolo, il genere mitologico serviva come norma dell'arte alta e ideale (scultura di I. Martos, dipinti
J.-L. David, J.‑D. Ingra, A. Ivanova).

Pompeo Batoni "Matrimonio di Amore e Psiche", 1756

Pompeo Batoni."Chirone restituisce Achille a sua madre Teti"
1770, Hermitage, San Pietroburgo

Pompeo Batoni."Temperanza di Scipione Africano"
1772, Hermitage, San Pietroburgo

Insieme ai temi dell'antica mitologia nei secoli 19-20. i temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari nell'arte.

Gustave Moreau."Notte",1880

All'inizio del XX secolo, il simbolismo e l'Art Nouveau ravvivano l'interesse per il genere mitologico (G. Moreau, M. Denis,
V. Vasnetsov, M. Vrubel). Ha ricevuto un ripensamento moderno nella scultura di A. Mayol, A. Bourdelle,
S. Konenkov, grafica di P. Picasso.

Lawrence Alma-Tadema "Alla ricerca di Mosè"
1904, collezione privata

Victor Vasnetsov "Dio Sabaoth", 1885-1896

I Preraffaelliti (dal latino prae - prima e Raffaello), gruppo di artisti e scrittori inglesi che si unirono nel 1848 nella Confraternita dei Preraffaelliti, fondata dal poeta e pittore D.G. Rossetti, i pittori J. E. Milles e H. Hunt. I preraffaelliti cercarono di far rivivere l'ingenua religiosità dell'arte medievale e del primo Rinascimento ("preraffaellista"), opponendola al freddo accademismo, le cui radici vedevano nella cultura artistica dell'Alto Rinascimento. Dalla fine del 1850. gli artisti W. Morris, E. Burne-Jones, W. Crane, J. F. Watts e altri raggruppati attorno a Rossetti. le attività dei preraffaelliti (principalmente Morris e Burne-Jones) nella rinascita delle arti e dei mestieri inglesi avevano un carattere ampio. Le idee e la pratica dei preraffaelliti influenzarono ampiamente la formazione del simbolismo nelle arti visive e nella letteratura (J. W. Waterhouse, W. Pater, O. Wilde) e lo stile Art Nouveau nelle arti visive (O. Beardsley e altri) di Gran Bretagna.

E. Burns-Jones "Rosa canina. Principessa addormentata", 1870-1890

Ew Burns-Jones."Afrodite e Galatea", 1868-1878

George Frederick Watts." Orlando a caccia di Fata Morgana"
1848, collezione privata

Nazareni (tedesco: Nazarener), soprannome semi-ironico per un gruppo di maestri tedeschi e austriaci del primo romanticismo, uniti nel 1809 nella "Unione di San Luca"; derivava da "Alla Nazarena", nome tradizionale di un'acconciatura con i capelli lunghi, noto dagli autoritratti di A. Dürer e reintrodotto in voga da F. Overbeck, uno dei fondatori della confraternita Nazarena Dal 1810, la Nazareni (Overbeck, P. Cornelius, F. Pforr, Yu. Schnorr von Karolsfeld e altri) lavorarono a Roma, occupando il monastero vuoto di San Isidoro e vivendo nell'immagine delle confraternite religiose medievali e degli artisti artistici. Avendo scelto come modello l'arte di Dürer, Perugino, il primo Raffaello, i Nazareni cercarono di far rivivere la spiritualità dell'arte, che, a loro avviso, si perdeva nella cultura dei tempi moderni, ma le loro opere, comprese quelle collettive (murales in casa Bartholdi a Roma, 1816-1817; ora alla National Gallery, Berlino). non privo di un'ombra di fredda stilizzazione Negli anni 1820 e 1830, la maggior parte dei nazareni tornò in patria. La loro attività pratica, e soprattutto le loro affermazioni teoriche, ebbero una certa influenza sulle correnti neoromantiche della seconda metà dell'Ottocento, compresi i preraffaelliti in Gran Bretagna ei maestri del neoidealismo in Germania.

Ferdinand Hodler, "Ritiro di Marignan", 1898

Dagli anni Cinquanta dell'Ottocento si diffusero anche composizioni storiche da salotto, che uniscono magnifica rappresentatività a pretenziosità, e piccoli dipinti storici e quotidiani che ricreano con precisione il "colore dell'epoca" (V. Bouguereau, F. Leighton, L. Alma-Tadema in Gran Bretagna, G. Moreau, P. Delaroche e E. Meissonier in Francia, M. von Schwind in Austria, ecc.).

Lawrence Alma-Tadema, Saffo e Alche, 1881

Gustave Moreau "Edipo e la Sfinge"

Gustave Moreau."Chimera", 1862