Karl Bryullov visse in Italia per più di quattro anni prima di raggiungere Pompei nel 1827. A quel tempo stava cercando una trama per quadro generale su un argomento storico. Ciò che ha visto ha stupito l'artista. Gli ci sono voluti sei anni per raccogliere materiale e scrivere una tela epica con una superficie di quasi 30 m2.
Nella foto, persone di diverso sesso ed età, occupazione e fede, colte da una catastrofe, si precipitano. Tuttavia, nella folla eterogenea puoi vedere quattro facce identiche...
Nello stesso 1827, Bryullov incontrò la donna della sua vita: Contessa Yulia Samoilova. Dopo essersi separata dal marito, una giovane aristocratica, ex dama di compagnia che amava uno stile di vita bohémien, si è trasferita in Italia, dove i costumi sono più liberi. Sia la contessa che l'artista avevano la reputazione di rubacuori. La loro relazione rimase libera, ma lunga, e l'amicizia continuò fino alla morte di Bryullov. "Niente è stato fatto secondo le regole tra me e Karl", - Samoilova scrisse successivamente a suo fratello Alexander.
Julia, con il suo aspetto mediterraneo (si diceva che il padre della donna fosse il conte italiano Litta, il patrigno di sua madre) era un ideale per Bryullov, inoltre, come se fosse stata creata per un antico complotto. L'artista dipinse diversi ritratti della contessa e "regalò" il suo volto alle quattro eroine del dipinto, che divenne la sua creazione più famosa. IN " ultimo giorno Pompei, Bryullov voleva mostrare la bellezza di una persona anche in una situazione disperata, e Yulia Samoilova era per lui un perfetto esempio di questa bellezza nel mondo reale.
1 Julia Samoilova. Il ricercatore Erich Hollerbach ha notato che le eroine de L'ultimo giorno di Pompei, simili tra loro, nonostante le differenze sociali, sembrano rappresentanti di una grande famiglia, come se il disastro avesse avvicinato ed eguagliato tutti i cittadini.
2 Via. “Ho preso questo scenario dalla natura, senza indietreggiare e senza aggiungere, stando con le spalle alle porte della città per vedere parte del Vesuvio come motivo principale”, - Bryullov ha spiegato in una lettera a suo fratello la scelta della scena. Questo è già un sobborgo, la cosiddetta Strada dei Sepolcri, che dalle porte di Ercolano di Pompei conduce a Napoli. Qui c'erano le tombe di nobili cittadini e templi. L'artista ha abbozzato l'ubicazione degli edifici durante gli scavi.
3 Donna con figlie. Secondo Bryullov, ha visto gli scheletri di una donna e due bambini, coperti in queste posizioni con cenere vulcanica, durante gli scavi. L'artista potrebbe associare una madre con due figlie a Yulia Samoilova, che, non avendo figli suoi, ha preso due ragazze, parenti di amici, da allevare. A proposito, il padre del più giovane di loro, il compositore Giovanni Pacini, scrisse l'opera L'ultimo giorno di Pompei nel 1825, e la produzione alla moda divenne una delle fonti di ispirazione per Bryullov.
4 sacerdote cristiano. A Pompei, nel primo secolo del cristianesimo, potrebbe essere stato un ministro della nuova fede, nella foto è facilmente riconoscibile dalla croce, dagli utensili liturgici - un incensiere e un calice - e da un cartiglio con testo sacro. L'uso di croci pettorali e pettorali nel I secolo non è stato confermato archeologicamente.
5 Sacerdote pagano. Lo stato del personaggio è indicato da oggetti di culto nelle sue mani e da una fascia - infula. I contemporanei di Bryullov lo rimproverarono per non aver portato alla ribalta l'opposizione del cristianesimo al paganesimo, ma l'artista non aveva un tale obiettivo.
8 Artista. A giudicare dal numero di affreschi sulle pareti di Pompei, in città era richiesta la professione di pittore. Come un pittore antico, correndo accanto a una ragazza con le sembianze della contessa Julia, Bryullov si è ritratto - questo è stato spesso fatto da maestri del Rinascimento, il cui lavoro ha studiato in Italia.
9 La donna caduta dal carro. Secondo la storica dell'arte Galina Leontyeva, il pompeiano adagiato sul marciapiede simboleggia la morte del mondo antico, a cui aspiravano gli artisti del classicismo.
10 articoli che cadevano dalla scatola, così come altri oggetti e decorazioni nella foto, furono copiati da Bryullov da specchi di bronzo e argento trovati dagli archeologi, chiavi, lampade piene di olio d'oliva, vasi, braccialetti e collane appartenuti agli abitanti di Pompei del I secolo d.C. e.
11 Guerriero e ragazzo. Secondo l'idea dell'artista, questi sono due fratelli che salvano un vecchio padre malato.
12 Plinio il Giovane. L'antico prosatore romano, testimone dell'eruzione del Vesuvio, la descrisse dettagliatamente in due lettere allo storico Tacito.
13 Madre di Plinio il Giovane. Bryullov ha collocato la scena con Plinio sulla tela “come esempio di un bambino e amore materno”, nonostante il disastro abbia colto lo scrittore e la sua famiglia in un'altra città: Misena (a circa 25 km dal Vesuvio ea circa 30 km da Pompei). Plinio ricordò come lui e sua madre uscirono da Mizenum al culmine del terremoto e una nuvola di cenere vulcanica si stava avvicinando alla città. Per una donna anziana è stato difficile scappare e lei, non volendo causare la morte del figlio di 18 anni, l'ha convinta a lasciarla. “Risposi che solo con lei mi sarei salvato; La prendo sottobraccio e le faccio fare un passo”, disse Plinio. Entrambi sono sopravvissuti.
14 Cardellino. Durante un'eruzione vulcanica, gli uccelli sono morti al volo.
15 Sposi novelli. Secondo l'antica tradizione romana, le teste degli sposi venivano decorate con ghirlande di fiori. Flammey cadde dalla testa della ragazza - la tradizionale copertura dell'antica sposa romana da un sottile tessuto giallo-arancio.
16 Tomba di Skaurus. Edificio dalla Strada dei Sepolcri, luogo di sepoltura di Aulo Umbritius Scauro il Giovane. Le tombe degli antichi romani erano solitamente costruite fuori città su entrambi i lati della strada. Scauro il Giovane durante la sua vita ricoprì la carica di duumviro, cioè fu a capo del governo cittadino, e per i suoi meriti fu addirittura insignito di un monumento nel foro. Questo cittadino era figlio di un ricco commerciante di salsa di pesce garum (Pompei era famosa per questo in tutto l'impero).
17 Demolizione di fabbricati. I sismologi, per la natura della distruzione degli edifici raffigurati nella foto, hanno determinato l'intensità del terremoto "secondo Bryullov" - otto punti.
18 Vesuvio. L'eruzione avvenuta il 24-25 agosto 79 d.C. e., distrusse diverse città dell'Impero Romano, situate ai piedi del vulcano. Dei 20-30mila abitanti di Pompei, circa duemila non sfuggirono, a giudicare dai resti ritrovati.
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ARTISTA
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Complotto
Sulla tela - una delle più potenti eruzioni vulcaniche nella storia dell'umanità. Nel 79 il Vesuvio, che era rimasto in silenzio per così tanto tempo da essere considerato estinto, improvvisamente si “svegliò” e costrinse tutti gli esseri viventi della zona ad addormentarsi per sempre.
È noto che Bryullov lesse le memorie di Plinio il Giovane, che assistette agli eventi di Mizena, sopravvissuto durante il disastro: scene. I carri, che abbiamo osato portare fuori, si scuotevano così violentemente avanti e indietro, sebbene fossero a terra, che non potevamo trattenerli, anche mettendo grosse pietre sotto le ruote. Il mare sembrava indietreggiare e allontanarsi dalle rive dai movimenti convulsi della Terra; certo la terraferma si espanse notevolmente, e sulla sabbia c'erano alcuni animali marini... Infine, la terribile oscurità cominciò a dissiparsi a poco a poco, come una nuvola di fumo; riapparve la luce del giorno, e anche il sole uscì, sebbene la sua luce fosse cupa, come accade prima di un'eclissi che si avvicina. Ogni oggetto che si presentava davanti ai nostri occhi (estremamente indeboliti) sembrava mutato, ricoperto da uno spesso strato di cenere, come di neve.
Pompei oggi
Un duro colpo alle città si è verificato 18-20 ore dopo l'inizio dell'eruzione: le persone hanno avuto abbastanza tempo per scappare. Tuttavia, non tutti erano prudenti. E sebbene non sia stato possibile stabilire il numero esatto dei morti, il numero sale a migliaia. Tra loro ci sono soprattutto gli schiavi, che i proprietari hanno lasciato a guardia della proprietà, così come gli anziani e gli ammalati, che non hanno avuto il tempo di andarsene. C'era anche chi sperava di aspettare gli elementi a casa. In effetti, sono ancora lì.
Da bambino, Bryullov è diventato sordo da un orecchio dopo essere stato schiaffeggiato da suo padre.
Sulla tela le persone sono nel panico, gli elementi non risparmieranno né i ricchi né i poveri. E ciò che è notevole è che Bryullov ha usato un modello per scrivere persone di classi diverse. Stiamo parlando di Yulia Samoilova, il suo volto si ritrova sulla tela quattro volte: una donna con una brocca in testa sul lato sinistro della tela; una donna morta al centro; una madre che attira a sé le sue figlie, nell'angolo sinistro del quadro; una donna che copre i suoi figli e risparmia con suo marito. L'artista stava cercando volti per il resto degli eroi per le strade romane.
È sorprendente in questa immagine e come viene risolto il problema della luce. “Un artista comune, ovviamente, non mancherebbe di approfittare dell'eruzione del Vesuvio per illuminare il suo quadro; ma il signor Bryullov ha trascurato questo rimedio. Il genio gli ispirò un'idea audace, tanto felice quanto inimitabile: illuminare l'intero fronte del quadro con un bagliore rapido, minuto e biancastro di un lampo, fendendo una fitta nube di cenere che avvolgeva la città, mentre la luce proveniente l'eruzione, sfondando a fatica la profonda oscurità, proietta sullo sfondo una penombra rossastra ”, scrivevano allora i giornali.
Contesto
Quando Bryullov decise di scrivere La morte dei Pompei, era considerato talentuoso, ma comunque promettente. Per l'approvazione nello stato di maestro, era necessario un lavoro serio.
A quel tempo in Italia, il tema di Pompei era popolare. In primo luogo, gli scavi sono stati condotti molto attivamente e, in secondo luogo, ci sono state un altro paio di eruzioni del Vesuvio. Ciò non poteva che riflettersi nella cultura: sui palcoscenici di molti teatri italiani è andata in scena con successo l'opera L "Ultimo giorno di Pompeia" di Pacchini, non c'è dubbio che l'artista l'abbia vista, e forse più di una volta.
L'idea di scrivere la morte della città venne nella stessa Pompei, che Bryullov visitò nel 1827 su iniziativa del fratello, l'architetto Alessandro. Ci sono voluti 6 anni per raccogliere il materiale. L'artista era scrupoloso nei dettagli. Quindi, cose che sono cadute dalla scatola, gioielli e altri vari oggetti nella foto sono copiati da quelli rinvenuti dagli archeologi durante gli scavi.
Gli acquerelli di Bryullov erano il souvenir più popolare dall'Italia
Diciamo alcune parole su Yulia Samoilova, il cui volto, come accennato in precedenza, si trova quattro volte sulla tela. Per la foto, Bryullov stava cercando tipi italiani. E sebbene Samoilova fosse russa, il suo aspetto corrispondeva alle idee di Bryullov su come dovrebbero apparire le donne italiane.
"Ritratto di Yu. P. Samoilova con Giovanina Pacini e un ragazzo di colore." Brullov, 1832-1834
Si sono conosciuti in Italia nel 1827. Bryullov ha adottato l'esperienza dei maestri anziani lì e ha cercato ispirazione, mentre Samoilova ha bruciato la sua vita. In Russia era già riuscita a divorziare, non aveva figli e, per una vita bohémien troppo burrascosa, Nicholas le ho chiesto di allontanarsi dalla corte.
Quando il lavoro sul dipinto fu completato e il pubblico italiano vide la tela, iniziò un boom per Bryullov. È stato un successo! Tutti in un incontro con l'artista hanno considerato un onore salutarlo; quando appariva nei teatri, tutti si alzavano in piedi, e sulla porta della casa dove abitava, o del ristorante dove pranzava, sempre molta gente si radunava per salutarlo. Dal Rinascimento, nessun artista in Italia è stato oggetto di tale culto come Karl Bryullov.
Nella patria del pittore si attendeva anche un trionfo. L'euforia generale per l'immagine diventa chiara dopo aver letto le righe di Baratynsky:
Ha portato trofei pacifici
Con te all'ombra del padre.
E c'era "L'ultimo giorno di Pompei"
Per il pennello russo, il primo giorno.
mezzo cosciente vita creativa Karl Bryullov ha trascorso in Europa. Per la prima volta è andato all'estero dopo essersi diplomato all'Accademia Imperiale delle Arti di San Pietroburgo per migliorare le sue capacità. E dove, se non in Italia, farlo?! All'inizio, Bryullov dipinse principalmente aristocratici italiani, nonché acquerelli con scene dal vero. Questi ultimi sono diventati un souvenir molto popolare dall'Italia. Si trattava di quadri di piccole dimensioni con composizioni a figure piccole, senza ritratti psicologici. Tali acquerelli glorificavano principalmente l'Italia con la sua meravigliosa natura e rappresentavano gli italiani come un popolo che conservava geneticamente l'antica bellezza dei loro antenati.
Una data interrotta (l'acqua scorre già oltre il bordo). 1827
Bryullov ha scritto contemporaneamente a Delacroix e Ingres. Era un momento in cui il tema del destino di enormi masse umane veniva alla ribalta nella pittura. Pertanto, non sorprende che Bryullov abbia scelto la storia della morte di Pompei per la tela del suo programma.
Bryullov ha minato la sua salute mentre dipingeva Cattedrale di Sant'Isacco
L'immagine fece un'impressione così forte su Nicola I che chiese a Bryullov di tornare in patria e prendere il posto di professore all'Accademia imperiale delle arti. Tornato in Russia, Bryullov ha incontrato e stretto amicizia con Pushkin, Glinka, Krylov.
Gli affreschi di Bryullov nella cattedrale di Sant'Isacco
L'artista ha trascorso gli ultimi anni in Italia, cercando di salvare la sua salute, minata durante la pittura della Cattedrale di Sant'Isacco. lunghe ore lavoro duro in una cattedrale umida e incompiuta ebbe un cattivo effetto sul cuore e reumatismi aggravati.
Bryullov Karl Pavlovich (1799-1852)
Nessuno di artisti europei non ha ricevuto un trionfo così grandioso nel XIX secolo come è caduto sulla sorte dei giovani Pittore russo Karl Pavlovich Bryullov quando, a metà del 1833, aprì al pubblico le porte della sua bottega romana con un dipinto appena terminato pittura" ". Come Byron, aveva il diritto di dire di sé che una bella mattina si era svegliato famoso. La parola "successo" non è sufficiente per caratterizzare l'atteggiamento nei suoi confronti. immagine. C'era qualcosa di più pittura ha provocato nel pubblico un'esplosione di gioia e ammirazione per l'artista russo, che sembrava aprire una nuova pagina nella storia dell'arte mondiale.
Autunno 1833 pittura apparso su esposizione v Milano. Qui il trionfo del maestro russo ha raggiunto il suo il punto più alto. Tutti volevano vedere un'opera "di cui tutta Roma parla". Recensioni entusiastiche sono state pubblicate su giornali e riviste italiane su " L'ultimo giorno di Pompei"e il suo autore. Come una volta venivano onorati i grandi maestri del Rinascimento, così ora iniziarono a onorare Bryullov. È diventato il più persona famosa in Italia. È stato accolto con applausi per strada, gli hanno fatto un'ovazione a teatro. I poeti gli hanno dedicato poesie. Quando si spostava ai confini dei principati italiani, non era tenuto a presentare il passaporto: si credeva che ogni italiano fosse obbligato a conoscerlo di vista.
Nel 1834 "" fu esposto al Salon di Parigi. Accademia francese arti premiato Bryullov medaglia d'oro. Uno dei primi biografi Bryullov, N. A. Ramazanov, lo dice, nonostante i discorsi invidiosi di alcuni artisti francesi, il pubblico parigino ha rivolto la sua attenzione principalmente a " L'ultimo giorno di Pompei"e con difficoltà e riluttanza se ne andò dipinti".
La gloria dell'arte russa non si è mai diffusa così ampiamente in tutta Europa. Altre celebrazioni attese Bryullov a casa.
Portato a San Pietroburgo nel luglio 1834 ed esposto prima all'Ermitage e poi all'Accademia delle Arti, divenne subito al centro dell'attenzione della società russa e divenne oggetto di orgoglio patriottico.
“Folle di visitatori, si potrebbe dire, irrompevano nelle sale dell'Accademia per guardare Pompei”, racconta un contemporaneo nel suo rapporto annuale ufficiale Accademia delle Arti riconosciuto briullovskaya immagine migliore creazione 19esimo secolo. Esteso inciso riproduzione "Ultimo giorno di Pompei". Hanno distrutto gloria Bryullov in tutto il paese, ben oltre la capitale. I migliori rappresentanti della cultura russa hanno accolto con entusiasmo immagine. Pushkin ha scritto:
Il Vesuvio Zev si è aperto: il fumo sgorgava in un club, fiamme
Ampiamente sviluppato come uno stendardo di battaglia.
La terra si preoccupa - dalle colonne sbalorditive
Gli idoli stanno cadendo! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietre, sotto le ceneri infiammate,
Folle, vecchi e giovani, scappano dalla città.
Gogol ha scritto di L'ultimo giorno di Pompei"un ampio articolo in cui ha riconosciuto questo immagine"una creazione universale completa", dove tutto è "così potente, così audace, così armoniosamente portato in uno, non appena potrebbe sorgere nella testa di un genio universale".
La pittura di Bryullov interesse insolitamente elevato per la pittura nei circoli più ampi della società russa. Il parlare incessante L'ultimo giorno di Pompei"sulla stampa, nella corrispondenza, nelle conversazioni private, hanno mostrato chiaramente che un'opera di pittura può emozionare e toccare le persone non meno della letteratura. ruolo pubblico le belle arti in Russia sono iniziate proprio con le celebrazioni di Bryullov.
pittura di storia, che ha occupato a lungo una posizione di primo piano in arte accademica, indirizzato, per la maggior parte, a storie tratte dalla Bibbia e dal Vangelo o da mitologia antica. Ma anche nei casi in cui complotto dipinti non si trattava di una leggenda leggendaria, ma di un vero e proprio evento storico, i pittori dell'Accademia erano, infatti, molto lontani dalla precisione storica nel comprendere e interpretare quanto raffigurato. Non stavano guardando verità storica, perché il loro obiettivo non era ricreare il passato, ma incarnare l'una o l'altra idea astratta. Nel loro immagini i personaggi storici hanno assunto l'aspetto del condizionale " antichi eroi", indipendentemente dal fatto che l'evento sia stato rappresentato nell'antica storia romana o russa.
"ha aperto la strada a una comprensione e interpretazione completamente diversa del tema storico.
Cercando verità della vita Bryullov, il primo tra gli artisti russi, si è posto l'obiettivo di ricreare in immagine evento reale passato, basato sullo studio delle fonti storiche e dei dati archeologici.
Rispetto alla fantastica "archeologia" dei predecessori Bryullov questo storicismo esteriore era di per sé un importante risultato pionieristico. Essi, tuttavia, lungi dall'esaurire il significato briullovskaya dipinti. Autenticità archeologica servita Bryullov solo un mezzo per una più profonda divulgazione dell'argomento, per esprimere atteggiamento moderno al passato.
"Pensiero dipinti appartiene interamente al gusto della nostra epoca, che, come se ne sentisse la terribile frammentazione, cerca di aggregare tutti i fenomeni in gruppi comuni e sceglie crisi forti avvertite da tutta la massa ", ha scritto Gogol, rivelandone il contenuto" Ultimo giorno di Pompei".
A differenza del precedente pittura di storia con il suo culto degli eroi e l'accentuata attenzione all'individuo, opposto alla folla impersonale, Bryullov concepito "" come una scena di folla in cui l'unico e vero eroe ci sarebbero persone. Tutti importanti caratteri v immagine sono quasi uguali esponenti del suo tema; Senso dipinti si incarna non nella rappresentazione di un singolo atto eroico, ma in un attento e accurato trasferimento della psicologia delle masse.
Tuttavia, Bryullov con intenzionale e persino acuta schiettezza sottolinea i principali contrasti in cui si esprime l'idea della lotta del nuovo con il vecchio, della vita con la morte, mente umana con il potere cieco degli elementi. Tutto è soggetto a questo pensiero. ideologico E soluzione artistica dipinti, da qui le sue caratteristiche che ne determinarono il luogo" Ultimo giorno di Pompei" in russo arte XIX secolo.
Soggetto Il dipinto è tratto dall'antica storia romana. Pompei(o piuttosto Pompei) - antica città romana situata ai piedi del Vesuvio - il 24 agosto del 79 d.C., a seguito di una forte eruzione vulcanica, fu inondata di lava e ricoperta di pietre e cenere. Duemila abitanti (di cui circa 30.000 in totale) morirono per le strade della città durante un fuggi fuggi.
Per più di mille anni e mezzo la città è rimasta sepolta sottoterra e dimenticata. Solo in tardo XVI secolo, durante la realizzazione di terrapieni, fu accidentalmente scoperto un luogo dove un tempo si trovava un insediamento romano perduto. Dal 1748 iniziò scavi archeologici, ripresa soprattutto nei primi decenni del XIX secolo. Hanno suscitato un crescente interesse negli ambienti artistici non solo in Italia, ma in tutto il mondo. Ogni nuova scoperta è diventata una sensazione tra artisti e archeologi, e il tragico soggetto Ibeli Pompei allo stesso tempo è stato utilizzato in letteratura, pittura e musica. L'opera apparve nel 1829 compositore italiano Paccini, nel 1834 - un romanzo storico dello scrittore inglese Bulverlitton" Gli ultimi giorni di Pompei". Bryullov si è rivolto a questo argomento prima di altri: etude schizzi del suo futuro dipinti appartengono al 1827-1828.
Bryullov aveva 28 anni quando decise di scrivere "". Stava scadendo il quinto anno di pensione in Italia. Aveva già diverse opere serie, ma nessuna sembrava all'artista del tutto degna del suo talento; sentiva di non aver ancora giustificato le speranze riposte in lui.
Da Bryullov aspettato grande quadro storico- precisamente storico, perché nell'estetica dell'inizio del XIX secolo questo tipo di pittura era considerato il più alto. Senza rompere con le visioni estetiche dominanti del suo tempo, Bryullov e lui stesso cercava di trovare una trama che corrispondesse alle possibilità interiori del suo talento e allo stesso tempo potesse soddisfare le esigenze che gli si potevano presentare. critica contemporanea e l'Accademia delle Arti.
Alla ricerca di una storia come questa Bryullov Ho esitato a lungo tra i temi della storia russa e la mitologia antica. Aveva intenzione di scrivere immagine "Oleg inchioda il suo scudo alle porte di Costantinopoli", e in seguito ha delineato la trama di storie Peter il grande. Allo stesso tempo, ha realizzato schizzi su temi mitologici (" Morte di Fetonte", "Hylas rapito dalle ninfe"e altri). Ma il tema mitologico, molto apprezzato all'Accademia, contraddiceva le tendenze realistiche dei giovani Bryullov, e per il tema russo, lui, essendo in Italia, non ha potuto raccogliere materiale.
Soggetto distruzione di Pompei risolto molti problemi. La trama stessa era, se non tradizionale, quindi indubbiamente storica, e da questo lato soddisfaceva i requisiti di base dell'estetica accademica. L'azione avrebbe dovuto svolgersi sullo sfondo città antica con il suo architettura classica e monumenti arte antica; il mondo delle forme classiche era così incluso immagine senza alcuna deliberazione, come da solo, e lo spettacolo di elementi furiosi e tragica morte ha aperto l'accesso a immagini romantiche in cui il talento del pittore ha potuto trovare nuove opportunità mai viste per rappresentare grandi sentimenti, impulsi spirituali appassionati e sentimenti profondi. Non c'è da meravigliarsi che l'argomento abbia affascinato e catturato Bryullov: ha riunito tutte le condizioni per l'espressione più completa dei suoi pensieri, conoscenze, sentimenti e interessi.
Fonti in base a quali Bryullov risolto il suo argomento, apparvero autentici monumenti dell'antichità, scoperti nella città perduta, le opere degli archeologi e una descrizione catastrofi v Pompei realizzato da un contemporaneo e da un testimone oculare, Scrittore romano Plinio il Giovane.
Lavorare su " L'ultimo giorno di Pompei" si trascinò per quasi sei anni (1827-1833), e la prova di profonda e intensa attività creative Bryullov sono numerosi disegni, schizzi e schizzi, che mostrano chiaramente come si è sviluppata l'idea dell'artista.
Tra questi lavori preparatori, un bozzetto del 1828 occupa un posto speciale. In termini di forza dell'influenza artistica, forse non è inferiore ai più immagine. È vero, lo schizzo non è rimasto completamente finalizzato, le singole immagini e personaggi sono stati solo delineati in esso e non completamente divulgati; ma questa incompletezza esterna si combina in modo peculiare con una profonda completezza interna e persuasività artistica. Il significato dei singoli episodi, successivamente sviluppato in dettaglio in immagine, qui, per così dire, si dissolve in un comune impulso appassionato, in un unico sentimento tragico, in un'immagine integrale di una città morente, impotente davanti alla pressione degli elementi che la colpiscono. Lo schizzo si basa sull'idea romanticamente intesa della lotta dell'uomo con il destino, che qui è personificata dalle forze elementali della natura. Il destino si avvicina con inevitabile crudeltà, tipo roccia antica, e l'uomo con tutta la sua mente e volontà non è in grado di resistere al destino; gli resta solo da affrontare la morte inevitabile con coraggio e dignità.
Ma Bryullov non si è fermato a questa decisione del suo argomento. Non era soddisfatto dello schizzo proprio perché in esso risuonavano con tanta insistenza le note di pessimismo senza speranza, cieca rassegnazione al destino e incredulità nella forza umana. Una tale comprensione del mondo era al di fuori delle tradizioni della cultura russa, contraddiceva le sue sane basi popolari. Il potere di affermazione della vita insito nel dono Bryullov, non poteva venire a patti con" Ultimo giorno di Pompei", ha chiesto un'uscita e il permesso.
Bryullov ha trovato questa via d'uscita, opponendo agli elementi distruttivi della natura la grandezza spirituale e la bellezza dell'uomo. La bellezza plastica si trasforma in lui in una forza potente che afferma la vita nonostante la morte e la distruzione. "... Le sue figure sono belle con tutto l'orrore della loro posizione. Lo soffocano con la loro bellezza", ha scritto Gogol, che ha notato sottilmente l'idea principale briullovskaya dipinti.
Nel tentativo di esprimere diversi stati psicologici e sfumature di sentimenti che attanagliavano gli abitanti della città morente, Bryullov costruito il suo immagine come un ciclo di episodi separati e chiusi che non sono collegati tra loro alla trama. Il loro significato ideologico diventa chiaro solo con la copertura simultanea di tutti i gruppi e motivi di trama indipendenti che compongono "".
L'idea della bellezza che trionfa sulla morte è espressa con particolare chiarezza nel gruppo di figure ammassate sui gradini della tomba sul lato sinistro. dipinti. Bryullov ha deliberatamente combinato qui le immagini della forza e della giovinezza in fiore. Né la sofferenza né l'orrore distorcono i loro lineamenti idealmente belli; sui volti si legge solo un'espressione di sorpresa e di ansiosa attesa. Il potere titanico si fa sentire nella figura di un giovane, con un impulso appassionato che si fa strada tra la folla. È caratteristico che in questo mondo di bellissime immagini classiche ispirate scultura antica, Bryullov porta una notevole sfumatura di realismo; molti dei suoi personaggi sono indubbiamente dipinti dal vero, e tra questi spicca un autoritratto di Bryullov, che si è raffigurato come un artista pompeiano che, fuggendo dalla città, porta con sé una scatola di pennelli e colori.
Nei gruppi principali del lato destro dipinti i principali sono i motivi che sottolineano la grandezza spirituale di una persona. Qui Bryullov esempi concentrati di coraggio e adempimento disinteressato del dovere.
In primo piano tre gruppi: “due giovani pompeiani che portano sulle spalle il vecchio padre malato”, “Plinio con la madre” e “giovani sposi” - un giovane marito sorregge la moglie, che sta cadendo esausta, coronata da un ghirlanda nuziale. Tuttavia, ultimo gruppo psicologicamente quasi non sviluppato e ha il carattere di un inserto compositivo necessario per l'equilibrio ritmico dipinti. Molto più significativo è il gruppo di figli che portano il padre: nell'immagine di un vecchio, che tende maestosamente la mano, si esprimono l'orgogliosa inflessibilità dello spirito e il severo coraggio. Nell'immagine del figlio più giovane, un ragazzo italiano dagli occhi neri, si sente uno schizzo accurato e diretto della natura, in cui un vivente sensazione realistica Bryullov.
Gli inizi realistici sono espressi con particolare forza nel notevole gruppo di Plinio con la madre. Negli schizzi e nei primi schizzi, questo episodio è progettato forme classiche sottolineando la storicità e il carattere antico della scena. Ma in immagine Bryullov decisamente allontanato da intenzione originaria- le immagini da lui create stupiscono per la loro vitalità imparziale e genuina.
IN centro dipinti c'è una figura prostrata di una giovane donna che si è schiantata cadendo da un carro. Si può presumere che in questa figura Bryullov voleva simboleggiare l'intero mondo antico in via di estinzione; un accenno a tale interpretazione si trova anche nelle recensioni dei contemporanei. In accordo con questa intenzione, l'artista ha cercato di trovare l'incarnazione classica più perfetta per questa figura. I contemporanei, incluso Gogol, vedevano in lei una delle creazioni più poetiche Bryullov.
Non tutti gli episodi sono ugualmente importanti per lo sviluppo del tema, ma nella loro alternanza e confronto si rivela con insistenza l'idea principale. Bryullov sulla lotta della vita con la morte, sul trionfo della ragione sulle forze cieche degli elementi, sulla nascita di un nuovo mondo sulle rovine fatiscenti del vecchio.
Non è un caso che accanto a figura centrale della donna assassinata, l'artista ha raffigurato un bellissimo bambino come simbolo dell'inesauribile forza della vita; non è un caso che le immagini della giovinezza e della vecchiaia siano contrapposte nei gruppi di Plinio con la madre ei figli che portano l'anziano padre; Non è casuale, infine, l'accentuato contrasto tra il “pagano”, in un'antica bella folla sui gradini del sepolcro, e la maestosamente pacata “famiglia di cristiani”. IN immagine c'è sia un prete pagano che un prete cristiano, come se personificasse il mondo antico in partenza e la civiltà cristiana che emerge sulle sue rovine.
Le immagini del sacerdote e del prete, forse, non sono abbastanza profonde, il loro mondo spirituale non è mostrato immagine e la caratterizzazione è rimasta, in larga misura, esterna; questo successivamente ha dato a VV Stasov un severo rimprovero Bryullov per il fatto che non ha sfruttato l'occasione per contrastare nettamente la Roma decrepita e morente e il giovane cristianesimo. Ma il pensiero di questi due mondi è indubbiamente presente in immagine. Con simultaneo e completo percezione dipinti emerge chiaramente la connessione organica dei suoi episodi costitutivi. Le sfumature dei sentimenti e dei vari stati mentali in essi espressi, atti di valore e sacrificio di sé, accanto a manifestazioni di disperazione e paura, sono riportate in " L'ultimo giorno di Pompei ad un'unità armonica, armoniosa e artisticamente integra.
Tele meravigliose. L., 1966. P.107
Restauro del dipinto L'ultimo giorno di Pompei
Un evento eccezionale nella vita del Museo Russo è stato KP Bryullova"". Numerosi restauri precedenti hanno solo ritardato l'inizio del lavoro fondamentale sulla tela: la tela del dipinto “bruciata”, è diventata fragile; c'erano 42 intonaci nei punti in cui la tela era stata strappata, che appariva sul lato anteriore; la perdita dello strato pittorico è stata sfumata con un approccio alla pittura dell'autore; la lacca è cambiata molto di colore. Dopo aver rafforzato l'immagine è stata trasferita a nuova tela. Ho fatto questo meraviglioso lavoro restauratori I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; consultato S. F. Konenkov.
Dipinto di K. P. Bryullov “L'ultimo giorno di Pompei” entrò nel Museo Russo dall'Hermitage nel 1897. Dopo un importante restauro nel 1995, il dipinto è stato steso su un telaio d'autore precedentemente riparato e restituito alla mostra.
La decisione di iniziare il restauro del dipinto è stata presa in una riunione del Consiglio per il restauro allargato del Museo statale russo il 15 marzo 1995.
All'inizio dell'opera è stata rinforzata con un sigillo profilattico di carta e poi la tela è stata tolta dal telaio dell'autore. Successivamente, il dipinto è stato steso per i bordi su un pavimento di marmo con una superficie colorata verso il basso e il retro è stato ripulito dalla contaminazione superficiale. Dal retro sono stati rimossi due strati di restauro antico che duplicavano i bordi, che hanno causato forti deformazioni della tela lungo i bordi, e più di 40 toppe di restauro che si trovavano al posto delle vecchie rotture della tela. I luoghi di oltre centinaia di perdite della tela dell'autore, soprattutto numerosi lungo i bordi, sono stati riparati con inserti di una nuova tela. Successivamente il dipinto è stato duplicato su una nuova tela, identica per carattere e qualità a quella dell'autore, ordinata in Germania. I punti in cui si è perso lo strato pittorico sono stati riempiti con primer per restauro e colorati con acquerelli. La vernice d'autore è completamente restaurata mediante rigenerazione con vapore di alcool.
Durante il lavoro, sono stati elaborati metodi per rafforzare lo strato pittorico e il terreno in un ampio spazio. Un risultato importante del lavoro è stato lo sviluppo di nuovi dispositivi che facilitano e semplificano il processo di restauro tecnico. Secondo un progetto speciale, è stata creata una resistente barella in duralluminio con un sistema di speciali elementi di fissaggio per tendere la tela di duplicazione. Questo sistema ha permesso di stringere ripetutamente la tela alla tensione desiderata durante il lavoro.
Laboratorio di incorniciatura Mosca
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Passe-partout per quadri
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Mosca
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Cornici a specchio
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Ordine di vetro baguette
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Nella tecnica della pittura ad acquerello, puoi creare dipinti nel genere del paesaggio, della natura morta, del ritratto. Trasparenza e morbidezza del più sottile strato di vernice dipinti sono proprietà caratteristiche della pittura ad acquerello. Per inquadratura acquerelli si consiglia di utilizzare un passe-partout e una baguette non molto larga. inquadratura v baguette di legno. Struttura Per dipinti ad acquerello.
Cornici per foto
Disegni sono creati da artisti nel processo di studio della natura (schizzi, studi), durante la ricerca soluzioni compositive grafica, pittorica e opere scultoree(schizzi, cartoni), durante la marcatura pittoresco dipinti ( disegno preparatorio per dipingere). Professionale arredamento grafici, fotografie, documenti utilizzando baguette di legno E passepartout. Struttura raccolti da baguette realizzato con legni tropicali. Abbiamo dentro officina puoi scegliere una delle opzioni di progettazione grafica e ordinare passepartout E baguette per cornice. Il valore artistico di una baguette dipende dal profilo e dal motivo in rilievo. A seconda della larghezza baguette chiamato stretto(fino a 4 cm) e Largo e, a seconda dello spessore, basso e alto. I disegni a matita sembrano migliori in una modesta baguette stretta ( metallico O di legno). Grandi telai da baguette dorata Per disegni E grafici. Cornici in metallo A3 Per disegni.
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Cornici per quadri ricamati . Se tu ricamare dipinti, poi prima o poi dovrai rispondere per lei telaio.
Scegliere telaio Per progetto ricamo, va ricordato che stile, colore, larghezza e altre caratteristiche baguette per cornice dipendono direttamente dalla trama, dalla decisione stilistica, colori e dimensioni quadri ricamati. A ogni immagine ricamata scegli il tuo unico inquadratura. Scelta cornici Per quadri ricamati dipende anche dal fatto che verrà utilizzato disegno del ricamo passepartout o no.
Maggioranza quadri ricamati Sembra più efficace se usi un passe-partout durante la decorazione. Il passe-partout si fa singolo, doppio, a volte triplo. La selezione di un triplo passe-partout è processo complesso anche per uno specialista (designer). Il ricamo viene teso in modo che le celle della tela corrano parallele al taglio del cartoncino passe-partout. Sempre più diffusi sono dipinti, perline.
Cornici per arazzi
L'arazzo è tessuto a mano immagine del tappeto. Gli arazzi venivano tessuti secondo i disegni con fili di lana e seta colorati. cornici dorate Per arazzi. Baguette per quadri da arazzo scegliere, partendo dalla trama raffigurata sull'arazzo. La baguette di legno più comunemente usata sfumature marroni, a volte - sotto l'oro, meno spesso - sotto l'argento.
È possibile per i contemporanei vedere attraverso gli occhi del pittore gli ultimi momenti della vita degli abitanti della città di Pompei. Bisogna ammettere che la maniera di Raffaello e Velasquez è indovinata nella mano dell'artista. L'esposizione e il dettaglio, così nettamente colti, la saturazione delle tonalità cremisi e rossastre, la tecnica del chiaroscuro: il maestro ha assorbito tutto il meglio dagli artisti di quell'epoca. Lo stesso Bryullov ha avuto un'influenza molto significativa sulla tecnica e sul modo di disegnare, Flavitsky, Serov, Moller e altri, era caratterizzato da un certo accademismo e maestà, che ha mostrato violentemente nel dipinto "L'amazzone" e "L'assedio di Pskov”.
Per realizzare la sua idea (e l'idea, bisogna ammetterlo, è stata incarnata in modo molto grandioso - su una tela di 465 × 561 centimetri), Bryullov ha dovuto recarsi ai piedi del Vesuvio, per vedere le rovine della città di Pompei. Nello stesso luogo, sul posto, ha realizzato schizzi per la futura tela, immaginando come il Vesuvio rianimato vomiti centinaia di migliaia di tonnellate di cenere e lava sui confusi abitanti di Pompei. Bryullov impiegò 3 anni per scrivere l'opera e nel 1833 finì di scriverla.
Subito dopo il completamento del dipinto, è stato portato a Roma per la visione: critici e spettatori sono stati unanimi nelle lusinghiere recensioni. Quindi il dipinto è stato portato in una mostra a Parigi e collocato al Louvre. Lì è stata vista da uno scrittore di fama mondiale: Walter Scott. Ha detto che il dipinto è "insolito, epico". Un anno dopo, dopo il completamento della mostra parigina, la tela arriva finalmente in Russia, a San Pietroburgo. E qui, a casa, grandi personaggi e scrittori non si stancano di parlarne. Una recensione lusinghiera è stata lasciata da Turgenev, e Baratynsky e Pushkin hanno immediatamente spruzzato aforismi, immediatamente banditi dalla censura.
Lo stile del lavoro in quel momento era considerato qualcosa di straordinario, innovativo, perché era in anticipo sui tempi. Ora questa tecnica è riconosciuta come neoclassicismo.
Così popolare allora trame su argomenti storici, Bryullov si è trasformato in una sorta di realtà: i personaggi raffigurati non sono statici, è tutto in movimento. I loro volti sono pieni di orrore e paura. Sembra che l'artista stesso abbia catturato la folla proprio in questo momento: la realtà delle figure dipinte è così grande. Non indifferente alla contessa Yulia Pavlovna Samoilova, la damigella d'onore reale, Bryullov non poteva negarsi il piacere di catturarla più volte nella foto.
Qui appare sul lato sinistro della tela su una collina, sotto forma di una donna con una brocca in testa, poi l'immagine di una donna che si è schiantata a morte - lei e suo figlio (è vivo) sono stati gettati dalle scale rotte e, infine, è una madre che abbraccia sua figlia. L'artista si è raffigurato come lo stesso pittore a sinistra nell'angolo del quadro. L'artista ha raffigurato in grande dettaglio ed esaltazione un bagliore ardente e statue di marmo cadenti degli dei, su cui sono sparsi i fulmini.
Le persone, impazzite dalla paura, scappano dalla distruzione, ma non riescono a scappare. "L'ultimo giorno di Pompei" ci presenta un'immagine di vita eterna impressa.
Attualmente il dipinto appartiene al Museo Russo, dove nel 1895 fu trasferito da Nicola I.
Pubblicazioni sezione musei
Antica tragedia romana che divenne il trionfo di Karl Bryullov
Karl Bryullov è nato il 23 dicembre 1799. Il figlio dello scultore Discendenza francese Paul Brullo, Karl era uno dei sette figli della famiglia. Anche i suoi fratelli Pavel, Ivan e Fedor divennero pittori e suo fratello Alexander divenne architetto. Tuttavia, il più famoso fu Karl, che nel 1833 dipinse la tela "L'ultimo giorno di Pompei", l'opera principale della sua vita. Kultura.RF ha ricordato come è stata creata questa tela.
Carlo Bryullov. Auto ritratto. 1836
Storia della creazione
Il quadro fu dipinto in Italia, dove nel 1822 l'artista partì per quattro anni per un viaggio di pensionato dall'Accademia Imperiale delle Arti. Ma ha vissuto lì per 13 anni.
La trama racconta l'antica tragedia romana: la morte dell'antica città di Pompei, situata ai piedi del Vesuvio: 24 agosto 79 d.C. e. L'eruzione vulcanica ha causato la morte di 2.000 persone.
Nel 1748, l'ingegnere militare Roque de Alcubierre iniziò gli scavi archeologici sul luogo della tragedia. La scoperta di Pompei è diventata una sensazione e si è riflessa nell'opera persone diverse. Così, nel 1825, apparve un'opera di Giovanni Pacini e nel 1834 un romanzo storico dell'inglese Edward Bulwer-Lytton dedicato alla morte di Pompei.
Bryullov visitò per la prima volta il sito degli scavi nel 1827. Andando alle rovine, l'artista 28enne non aveva idea che questo viaggio sarebbe stato fatidico per lui: "Non puoi attraversare queste rovine senza provare in te stesso una sensazione completamente nuova che ti fa dimenticare tutto, tranne il terribile incidente con questa città"- ha scritto l'artista.
I sentimenti che Karl Bryullov ha provato durante gli scavi non lo hanno abbandonato. Nacque così l'idea di una tela a tema storico. Mentre lavorava alla trama, il pittore ha studiato archeologico e fonti letterarie. “Ho preso questo scenario dalla natura, senza indietreggiare e senza aggiungere, stando con le spalle alle porte della città per vedere parte del Vesuvio come motivo principale”. I modelli per i personaggi erano gli italiani, i discendenti degli antichi abitanti di Pompei.
All'incrocio tra classicismo e romanticismo
In quest'opera, Bryullov si mostra non come un classicista tradizionale, ma come un artista di una direzione romantica. Quindi, la sua trama storica è dedicata non a un eroe, ma alla tragedia di un'intera nazione. E come trama, ha scelto non un'immagine o un'idea idealizzata, ma un fatto storico reale.
È vero, Bryullov costruisce la composizione dell'immagine nelle tradizioni del classicismo, come un ciclo di singoli episodi racchiusi in un triangolo.
Sul lato sinistro dell'immagine sullo sfondo ci sono diverse persone sui gradini. grande costruzione tombe di Skaurus. Una donna guarda direttamente lo spettatore, nei cui occhi si legge l'orrore. E dietro c'è un artista con una scatola di colori in testa: questo è l'autoritratto di Bryullov, che vive una tragedia insieme ai suoi personaggi.
Più vicino allo spettatore sposi con i bambini, che sta cercando di scappare dalla lava, e in primo piano una donna abbraccia a sé le sue figlie... Accanto a lei c'è un prete cristiano che ha già affidato a Dio la sua sorte e quindi è calmo. Nelle profondità dell'immagine vediamo un prete romano pagano che cerca di scappare portando via valori rituali. Qui Bryullov allude alla caduta dell'antico mondo pagano dei romani e all'inizio dell'era cristiana.
Sul lato destro dell'immagine sullo sfondo c'è un cavaliere che si impenna. E più vicino allo spettatore c'è lo sposo, preso dall'orrore, che sta cercando di tenere tra le braccia la sua sposa (indossa una ghirlanda di rose), che ha perso conoscenza. In primo piano due figli portano in braccio il vecchio padre. E accanto a loro c'è un giovane, che implora sua madre di alzarsi e correre più lontano da questo elemento divorante. A proposito, questo giovane non è altro che Plinio il Giovane, che è davvero scappato e ha lasciato i suoi ricordi della tragedia. Ecco un estratto dalla sua lettera a Tacito: “Mi guardo indietro. Una fitta nebbia nera, che si diffondeva come un ruscello sul terreno, ci raggiunse. Tutt'intorno cadde la notte, a differenza di quella senza luna o nuvolosa: è così buio solo in una stanza chiusa a chiave con fuochi spenti. Si udivano le urla delle donne, gli squittii dei bambini e il pianto degli uomini, alcuni chiamavano i genitori, altri i figli o le mogli e cercavano di riconoscerli dalle loro voci. Alcuni piansero la loro morte, altri la morte dei propri cari, alcuni, temendo la morte, pregarono per la morte; molti alzarono le mani agli dei; la maggior parte ha spiegato che non c'erano dei da nessuna parte, e per il mondo questa era l'ultima notte eterna..
Non c'è il personaggio principale nella foto, ma ce ne sono di centrali: un bambino dai capelli d'oro vicino al corpo prostrato della madre defunta con una tunica gialla è un simbolo della caduta del vecchio mondo e della nascita di uno nuovo, questa è l'opposizione di vita e morte - in migliori tradizioni romanticismo.
In questa immagine, Bryullov si è anche mostrato come un innovatore, utilizzando due fonti di luce: una calda luce rossa sullo sfondo, che trasmette la sensazione di lava imminente, e un freddo blu-verdastro in primo piano, aggiungendo ulteriore drammaturgia alla trama.
La colorazione brillante e ricca di questo dipinto viola anche le tradizioni classiche e ci permette di parlare dell'artista come di un romantico.
La processione trionfale del quadro
Karl Bryullov ha lavorato alla tela per sei anni, dal 1827 al 1833.
Per la prima volta il quadro fu presentato al pubblico nel 1833 in una mostra a Milano e fece subito scalpore. L'artista è stato onorato come un trionfante romano, sono state scritte recensioni elogiative sul dipinto sulla stampa. Bryullov è stato accolto per strada con applausi, e durante i suoi viaggi ai confini dei principati italiani non avevano bisogno del passaporto: si credeva che ogni italiano lo conoscesse già di vista.
Nel 1834, L'ultimo giorno di Pompei fu presentato al Salon di Parigi. La critica francese era, a differenza di quella italiana, più contenuta. Ma i professionisti hanno apprezzato il lavoro nel suo vero valore, consegnando a Bryullov la medaglia d'oro dell'Accademia francese delle arti.
La tela fece scalpore in Europa ed era molto attesa in Russia. Nello stesso anno fu inviato a San Pietroburgo. Vedendo l'immagine, Nicola I espresse il desiderio di incontrare personalmente l'autore, ma l'artista fece un viaggio in Grecia con il conte Vladimir Davydov e tornò in patria solo nel dicembre 1835.
11 giugno 1836 nella Sala Rotonda Accademia Russa Arts, dove è stato esposto il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei", si sono riuniti ospiti d'onore, membri dell'Accademia, artisti e semplici amanti dell'arte. L'autore della tela, "il grande Karl", è stato portato nella sala tra le sue braccia tra le grida entusiaste degli ospiti. “Folle di visitatori, si potrebbe dire, irrompevano nelle sale dell'Accademia per guardare Pompei”, - scrive un contemporaneo e testimone di quel successo, che nessun artista russo conosceva eguale.
Il cliente e proprietario del dipinto, Anatoly Demidov, lo presentò all'imperatore e Nicola I lo collocò nell'Ermitage, dove rimase per 60 anni. E nel 1897 fu trasferito al Museo Russo.
L'immagine ha letteralmente entusiasmato tutti società russa E le migliori menti quella volta.
Arti trofei di pace
Hai portato nel baldacchino paterno.
E c'era "L'ultimo giorno di Pompei"
Per il pennello russo il primo giorno! -
il poeta Yevgeny Boratynsky ha scritto del dipinto.
Anche Alexander Pushkin le ha dedicato delle poesie:
Il Vesuvio Zev si è aperto: il fumo sgorgava in un club, fiamme
Ampiamente sviluppato come uno stendardo di battaglia.
La terra si preoccupa - dalle colonne sbalorditive
Gli idoli stanno cadendo! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietre, sotto le ceneri infiammate,
Folle, vecchi e giovani, scappano dalla città.
Menziona "L'ultimo giorno di Pompei" e Mikhail Lermontov nel romanzo "Principessa Ligovskaya": “Se ami l'arte, allora posso dire molto buone notizie: Il dipinto di Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" va a San Pietroburgo. Tutta l'Italia sapeva di lei, i francesi la smantellarono.- Lermontov sapeva chiaramente delle recensioni della stampa parigina.
Lo storico e viaggiatore russo Alexander Turgenev ha affermato che questa immagine era la gloria della Russia e dell'Italia.
E Nikolai Gogol ha dedicato un lungo articolo all'immagine, scrivendo: “Il suo pennello contiene quella poesia che solo tu senti e puoi sempre riconoscere: i nostri sentimenti sanno sempre e anche vedono caratteristiche ma le loro parole non lo diranno mai. La sua colorazione è così brillante, che non è quasi mai stata prima, i suoi colori bruciano e si precipitano negli occhi. Sarebbero insopportabili se apparissero all'artista di un grado inferiore a Bryullov, ma in lui sono rivestiti di quell'armonia e respirano quella musica interiore di cui sono pieni gli oggetti viventi della natura”.