Città mondo antico di solito appariva vicino a un'alta roccia, sulla quale era stata eretta una cittadella, in modo che ci fosse un posto dove nascondersi se il nemico fosse penetrato nella città. Tale cittadella era chiamata acropoli. Allo stesso modo, su una roccia che torreggiava a quasi 150 metri sopra Atene e che per lungo tempo fungeva da struttura difensiva naturale, si formò gradualmente la città alta sotto forma di fortezza (acropoli) con vari edifici difensivi, pubblici e religiosi.
L'acropoli ateniese iniziò ad essere costruita nel II millennio a.C. Durante Guerre greco-persiane(480-479 a.C.) fu completamente distrutto, successivamente, sotto la guida dello scultore e architetto Fidia, ne iniziò il restauro e la ricostruzione.
L'Acropoli è uno di quei luoghi “di cui tutti dicono che sono magnifici, unici. Ma non chiederti perché. Nessuno ti può rispondere... Si può misurare, si possono contare anche tutte le sue pietre. Percorrerlo da cima a fondo non è un grosso problema: ci vorranno solo pochi minuti. Le pareti dell'acropoli sono ripide e ripide. Su questa collina dai pendii rocciosi si ergono ancora quattro grandi creazioni. Zigzag largo la strada va dai piedi della collina all'unico ingresso. Si tratta dei Propilei, una porta monumentale con colonne doriche e un'ampia scalinata. Furono costruiti dall'architetto Mnesicle nel 437-432 a.C. Ma prima di varcare queste maestose porte di marmo, tutti involontariamente si sono voltati a destra. Lì, su un alto piedistallo del bastione che un tempo sorvegliava l'ingresso dell'acropoli, si erge il tempio della dea della vittoria Nike Apteros, decorato con colonne ioniche. Questa è opera dell'architetto Kallikrates (seconda metà del V secolo a.C.). Il tempio - leggero, arioso, straordinariamente bello - risaltava per il suo candore sullo sfondo azzurro del cielo. Questo fragile edificio, che sembra un elegante giocattolo di marmo, sembra sorridere da solo e fa sorridere affettuosamente i passanti.
Gli dei irrequieti, ardenti e attivi della Grecia erano come i greci stessi. È vero, erano più alti, capaci di volare nell'aria, assumere qualsiasi forma, trasformarsi in animali e piante. Ma sotto tutti gli altri aspetti si sono comportati così persone normali: sposati, ingannati a vicenda, litigati, riconciliati, puniti i bambini ...
Tempio di Demetra, costruttore sconosciuto, VI sec. AVANTI CRISTO. Olimpia
Tempio di Nike Apteros, architetto Kallikrates, 449-421 a.C Atene
Propilei, architetto Mnesicle, 437-432 a.C Atene
La dea della vittoria, Nike, veniva raffigurata come una bellissima donna dalle grandi ali: la vittoria è volubile e vola da un avversario all'altro. Gli Ateniesi la raffigurarono senza ali perché non lasciasse la città che aveva appena vinto grande vittoria sui Persiani. Privata delle ali, la dea non poteva più volare e dovette rimanere per sempre ad Atene.
Il tempio di Nike si trova su una sporgenza di roccia. È leggermente rivolto verso i Propilei e svolge la funzione di faro per le processioni che girano intorno alla roccia.
Immediatamente dietro i Propilei, troneggiava orgogliosamente Atena la Guerriera, la cui lancia salutava il viaggiatore da lontano e fungeva da faro per i marinai. L'iscrizione sul piedistallo di pietra diceva: "Gli Ateniesi si dedicarono alla vittoria sui Persiani". Ciò significava che la statua era stata fusa con armi di bronzo prese ai persiani in seguito alle loro vittorie.
Sull'acropoli si trovava anche il complesso del tempio dell'Eretteo, che (secondo il progetto dei suoi creatori) avrebbe dovuto collegare tra loro diversi santuari situati sul diversi livelli, - la roccia qui è molto irregolare. Il portico settentrionale dell'Eretteo conduceva al santuario di Atena, dove statua in legno dea che presumibilmente cadde dal cielo. La porta del santuario si apriva in un piccolo cortile dove cresceva l'unico olivo sacro dell'intera Acropoli, che si alzò quando Atena toccò la roccia con la sua spada in questo luogo. Attraverso il portico orientale si accedeva al santuario di Poseidone, dove, colpendo la roccia con il tridente, lasciò tre solchi con acque mormoranti. Qui c'era il santuario di Eretteo, venerato alla pari di Poseidone.
La parte centrale del tempio è una stanza rettangolare (24,1 x 13,1 metri). Il tempio conteneva anche la tomba e il santuario del primo leggendario re dell'Attica, Kekrop. Sul lato sud dell'Eretteo si trova il famoso portico delle cariatidi: sul bordo del muro, sei ragazze scolpite nel marmo sostengono il soffitto. Alcuni studiosi suggeriscono che il portico servisse da piattaforma per i cittadini onorevoli, o che i sacerdoti si riunissero qui per cerimonie religiose. Ma lo scopo esatto del portico non è ancora chiaro, perché "portico" significa soglia, e dentro questo caso il portico non aveva porte e da qui è impossibile entrare nel tempio. Le figure del portico delle cariatidi sono, infatti, supporti che sostituiscono un pilastro o una colonna, inoltre trasmettono perfettamente la leggerezza e la flessibilità delle figure femminili. I turchi, che ai loro tempi conquistarono Atene e non consentirono immagini di persone a causa della loro fede musulmana, tuttavia, non iniziarono a distruggere queste statue. Si sono limitati solo a tagliare i volti delle ragazze.
Eretteo, costruttori sconosciuti, 421-407 a.C Atene
Partenone, architetti Iktin, Kallikrat, 447-432 a.C Atene
Nel 1803 Lord Elgin, Ambasciatore inglese a Costantinopoli e il collezionista, avvalendosi del permesso del sultano turco, ruppe una delle cariatidi del tempio e la portò in Inghilterra, dove la offrì al British Museum. Interpretando in modo troppo ampio il firman del sultano turco, portò con sé anche molte sculture di Fidia e le vendette per 35.000 sterline. Firman ha detto che "nessuno dovrebbe impedirgli di portare via alcune pietre con iscrizioni o figure dall'Acropoli". Elgin ha riempito 201 scatole con tali "pietre". Come lui stesso affermò, prese solo le sculture che erano già cadute o erano in pericolo di caduta, apparentemente per salvarle dalla distruzione definitiva. Ma Byron lo definì anche un ladro. Successivamente (durante il restauro del portico delle Cariatidi nel 1845-1847), il British Museum inviò ad Atene un calco in gesso della statua portata via da Lord Elgin. Successivamente, il calco è stato sostituito con una copia più potente pietra artificiale prodotto in Inghilterra.
Alla fine del secolo scorso, il governo greco chiese all'Inghilterra di restituire i tesori che le appartenevano, ma ricevette la risposta che il clima londinese era per loro più favorevole.
All'inizio del nostro millennio, quando la Grecia fu ceduta a Bisanzio durante la divisione dell'Impero Romano, l'Eretteo fu trasformato in una chiesa cristiana. Successivamente, i crociati, che presero possesso di Atene, trasformarono il tempio in un palazzo ducale e, durante la conquista turca di Atene nel 1458, nell'Eretteo fu allestito l'harem del comandante della fortezza. Durante la guerra di liberazione del 1821-1827, greci e turchi assediarono alternativamente l'Acropoli, bombardandone gli edifici, compreso l'Eretteo.
Nel 1830 (dopo la dichiarazione d'indipendenza della Grecia), sul sito dell'Eretteo si trovavano solo le fondazioni e le decorazioni architettoniche stese sul terreno. I fondi per il restauro di questo complesso del tempio (così come per il restauro di molte altre strutture dell'Acropoli) furono dati da Heinrich Schliemann. Il suo più stretto collaboratore V.Derpfeld misurò e confrontò attentamente i frammenti antichi, alla fine degli anni '70 del secolo scorso stava già progettando di restaurare l'Eretteo. Ma questa ricostruzione fu sottoposta a severe critiche e il tempio fu smantellato. L'edificio fu restaurato nuovamente sotto la guida del famoso scienziato greco P. Kavadias nel 1906 e infine restaurato nel 1922.
"Venere di Milo" Agessander (?), 120 a.C Louvre, Parigi
"Laocoonte" Agessandro, Polidoro, Atenodoro, 40 aC circa Grecia, Olimpia
"Ercole Farnese" c. 200 a.C e., Nazionale Museo, Napoli
"Amazzone ferita" Policleto, 440 a.C Nazionale Museo Roma
Partenone - il tempio della dea Atena - l'edificio più grande dell'acropoli e il più grande bellissima creatura Architettura greca. Non si trova al centro della piazza, ma un po' di lato, in modo che tu possa immediatamente ammirare le facciate anteriore e laterale e comprendere la bellezza del tempio nel suo insieme. Gli antichi greci credevano che il tempio con la statua di culto principale al centro fosse, per così dire, la casa di una divinità. Il Partenone è il tempio della Vergine Atena (Parthenos), e quindi al centro di esso si trovava un crisoelefantino (fatto di Avorio e lastre d'oro su base in legno) statua della dea.
Il Partenone fu eretto nel 447-432 a.C. architetti Iktin e Kallikrates dal marmo penteliano. Si trovava su una terrazza a quattro livelli, la dimensione della sua base è di 69,5 x 30,9 metri. Su quattro lati, il Partenone è circondato da snelli colonnati, tra i loro tronchi di marmo bianco sono visibili degli spazi vuoti. cielo blu. Tutto permeato di luce, sembra arioso e leggero. Non ci sono motivi luminosi sulle colonne bianche, come si trova nei templi egiziani. Solo le scanalature longitudinali (scanalature) li ricoprono dall'alto verso il basso, il che fa sembrare il tempio più alto e ancora più snello. Le colonne devono la loro armonia e leggerezza al fatto che si rastremano leggermente verso l'alto. Nella parte centrale del tronco, per nulla percepibili alla vista, si ingrossano e sembrano elastici, più resistenti al peso dei blocchi di pietra. Iktin e Kallikrat, dopo aver pensato ad ogni più piccolo dettaglio, hanno creato un edificio che colpisce per le proporzioni sorprendenti, l'estrema semplicità e la purezza di tutte le linee. Posto sulla piattaforma superiore dell'Acropoli, ad un'altitudine di circa 150 metri sul livello del mare, il Partenone era visibile non solo da qualsiasi punto della città, ma anche da numerose navi in partenza per Atene. Il tempio era un perimetro dorico circondato da un colonnato di 46 colonne.
"Afrodite e Pan" 100 a.C., Delfi, Grecia
"Diana la Cacciatrice" Leohar, 340 a.C. circa, Louvre, Parigi, Francia
"Ermete in riposo" Lisippo, IV secolo. AVANTI CRISTO e., Museo Nazionale, Napoli
"Ercole che combatte un leone" Lisippo, c. 330 a.C Eremo, San Pietroburgo
"Atlantide di Farnese" 200 aC circa, Nat. Museo, Napoli
I maestri più famosi hanno partecipato alla decorazione scultorea del Partenone. Direttore artistico La costruzione e la decorazione del Partenone fu Fidia, uno dei più grandi scultori di tutti i tempi. A lui appartiene la composizione complessiva e lo sviluppo dell'intera decorazione scultorea, parte della quale egli stesso completò. La parte organizzativa della costruzione fu curata da Pericle, il più grande statista di Atene.
Tutta la decorazione scultorea del Partenone aveva lo scopo di glorificare la dea Atena e la sua città: Atene. Il tema del frontone orientale è la nascita dell'amata figlia di Zeus. Sul frontone occidentale, il maestro raffigurò la scena della disputa tra Atena e Poseidone per il dominio sull'Attica. Secondo il mito, Atena vinse la contesa, donando agli abitanti di questo paese un ulivo.
Gli dei della Grecia si radunavano sui frontoni del Partenone: il tuono Zeus, il potente sovrano dei mari Poseidone, la saggia guerriera Atena, la Nike alata. La decorazione scultorea del Partenone era completata da un fregio, sul quale si svolgeva una solenne processione durante la Grande Festa Panatenaica. Questo fregio è considerato uno dei picchi arte classica. Con tutta l'unità compositiva, ha colpito con la sua diversità. Delle oltre 500 figure di giovani, anziani, ragazze, a piedi e a cavallo, nessuno ripeteva l'altro, i movimenti di persone e animali venivano trasmessi con sorprendente dinamismo.
Le figure del rilievo scultoreo greco non sono piatte, hanno volume e forma. corpo umano. Differiscono dalle statue solo per il fatto che non sono lavorate da tutti i lati, ma, per così dire, si fondono con lo sfondo formato dalla superficie piana della pietra. Colori chiari ravvivavano i marmi del Partenone. Lo sfondo rosso enfatizzava il candore delle figure, le strette sporgenze verticali che separavano una lastra del fregio dall'altra risaltavano chiaramente in blu e la doratura risplendeva brillantemente. Dietro le colonne, su un nastro di marmo che circondava tutte e quattro le facciate dell'edificio, era raffigurata una processione festosa. Qui non ci sono quasi dei e gli uomini, rimasti per sempre impressi nella pietra, si spostavano lungo i due lati lunghi dell'edificio e si univano sulla facciata orientale, dove cerimonia solenne presentando al sacerdote una veste tessuta dalle ragazze ateniesi per la dea. Ogni figura è caratterizzata dalla sua bellezza unica e insieme si riflettono accuratamente vita reale e costumi città antica.
Infatti, una volta ogni cinque anni, in uno dei giorni caldi di mezza estate ad Atene, si svolgeva una festa nazionale in onore della nascita della dea Atena. Si chiamava il Grande Panatenaico. Vi hanno partecipato non solo cittadini dello stato ateniese, ma anche numerosi ospiti. La celebrazione consisteva in una solenne processione (sfarzo), nell'ecatombe (100 capi di bestiame) e in un pasto comune, gare sportive, equestri e musicali. Il vincitore riceveva una speciale anfora panatenaica piena d'olio e una corona di foglie dell'olivo sacro che cresceva sull'acropoli.
Il momento più solenne della festa è stata la processione nazionale all'Acropoli. Si muovevano cavalieri a cavallo, camminavano statisti, guerrieri in armatura e giovani atleti. I sacerdoti camminavano in lunghe vesti bianche e persone nobili, gli araldi lodavano ad alta voce la dea, i musicisti riempivano l'aria ancora fresca del mattino di suoni gioiosi. Gli animali sacrificali scalarono l'alta collina dell'Acropoli lungo la strada panatenaica a zigzag, calpestati da migliaia di persone. Ragazzi e ragazze portavano un modello della sacra nave panatenaica con un peplo (velo) attaccato all'albero. Una leggera brezza svolazzava il tessuto luminoso della veste giallo-viola, che veniva portata in dono alla dea Atena dalle nobili fanciulle della città. Per un anno intero lo tessero e lo ricamarono. Altre ragazze sollevavano vasi sacri per i sacrifici in alto sopra le loro teste. A poco a poco la processione si avvicinò al Partenone. L'ingresso al tempio non è stato fatto dal lato dei Propilei, ma dall'altro, come se tutti dovessero prima fare il giro, esaminare e apprezzare la bellezza di tutte le parti del bellissimo edificio. A differenza delle chiese cristiane, quelle dell'antica Grecia non erano destinate al culto al loro interno, il popolo rimaneva fuori dal tempio durante le attività di culto. Nelle profondità del tempio, circondato su tre lati da colonnati a due livelli, si ergeva con orgoglio la famosa statua della vergine Atena, creata dal famoso Fidia. I suoi vestiti, l'elmo e lo scudo erano fatti di oro puro e scintillante, e il suo viso e le sue mani brillavano del candore dell'avorio.
Sul Partenone sono stati scritti molti volumi di libri, tra questi vi sono monografie su ciascuna delle sue sculture e su ogni fase di progressivo declino dal tempo in cui, dopo il decreto di Teodosio I, divenne tempio cristiano. Nel XV secolo i turchi ne fecero una moschea e nel XVII secolo un magazzino di polvere da sparo. La guerra turco-veneziana del 1687 lo ridusse in rovina definitiva, quando un proiettile di artiglieria lo colpì e in un attimo fece ciò che il tempo divoratore di tutto non poteva fare in 2000 anni.
Kouros di Tebe, 540 a.C e. Museo Archeologico Nazionale, Atene
I greci attribuivano le immagini più antiche al leggendario scultore Dedalo. Questo nome deriva dai verbi "fare", "fabbricare", "forgiare", "girare". Nel VII secolo AVANTI CRISTO e. a Creta era conosciuta la dinastia degli artisti Dedalidi, discendenti dello scultore. Questa famosa dinastia comprendeva i maestri Deepoin e Skillid, così come i loro studenti Tektei e Angelion.
PERIODO GEOMETRICO (VIII-VII SECOLI A.C.)
Gli Xoan sono considerati le immagini scultoree più antiche. Nell'Eretteo dell'acropoli ateniese,
l'immagine di un ulivo che si credeva fosse caduto dal cielo. Secondo le descrizioni sopravvissute, gli Xoan avevano la forma di un pilastro rotondo o tetraedrico, avevano volti con occhi, braccia premute lungo i fianchi e gambe. Il materiale per tali statue era originariamente il legno e quindi il calcare morbido e facilmente lavorabile.
PERIODO ARCAICO (VII-VI SECOLO A.C.)
Nei secoli VII-VI. AVANTI CRISTO e. due tipi di immagini scultoree dominavano l'arte: una figura maschile nuda (kouros) e una figura femminile drappeggiata (kora). La loro formazione è stata fortemente influenzata da scultura egiziana, che i Greci incontrarono durante la Grande Colonizzazione. Come le figure dei faraoni, che ne erano i prototipi, i kouros erano scolpiti in una rigorosa posa frontale, con il volto sollevato e lo sguardo in avanti; le loro braccia erano abbassate lungo il corpo, la gamba sinistra era protesa in avanti nel timido tentativo di trasmettere il movimento. I corpi di Kouros sono ridotti a semplici forme geometriche. L'anatomia della figura è presentata in modo estremamente generalizzato, sono dettagliati solo i volti animati da un sorriso arcaico. La maggior parte delle statue sono a grandezza naturale e c'erano anche dei colossi alti più di tre metri.
Le statue del Cor erano raffigurate secondo gli stessi canoni del genere in posa statica, in posizione eretta, con una gamba leggermente protesa in avanti, una mano abbassata lungo il corpo e l'altra che regge il bordo del panneggio. Di solito il corpo e la testa della statua erano costituiti da un unico pezzo di pietra e le braccia erano attaccate separatamente.
Le sculture finite sono state cerate e dipinte. L'ocra corrispondeva al colore della carne, i capelli, le labbra e le sopracciglia erano tinti di cremisi. Un ornamento è stato applicato ai tessuti con vernici colorate. Le statue erano fornite di accessori in bronzo: armi, una briglia, uno specchio, ecc.
Gli abiti del kor, di regola, consistevano in un chitone ionico, il peplo era raffigurato meno spesso. Gli scultori hanno elaborato in dettaglio le pieghe del tessuto, creando una tela ornamentale di abbigliamento, scolpita nel marmo o dipinta con colori.
PERIODO CLASSICO (V-IV secolo a.C.)
Atena del gruppo Mirone, 460 a.C e. Liebighaus, Francoforte sul Meno
Nel passaggio al periodo classico, gli artisti si sono impegnati per la trasmissione più accurata dell'anatomia e per la rappresentazione della figura umana al momento del movimento. Il nuovo materiale che usarono era il bronzo. Picchi del suo sviluppo scultura classica raggiunto nell'opera di tre famosi maestri: Miron, Poliklet e Phidias.
Miron proveniva da Eleutero, il suo insegnante era lo scultore argivo Agelad, che insegnò anche a Policleto e Fidia. Il periodo di massimo splendore della creatività di Mirone cade a metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. Il suo argomento preferito era mostrare il corpo di un atleta nel momento di maggiore sforzo, e l'apice della sua abilità è il famoso "Disco Thrower". È stato conservato anche un gruppo scultoreo raffigurante Atena e Marsia. Gli originali delle opere erano in bronzo e non sono sopravvissuti fino ai nostri giorni. Anche le immagini di animali create dallo scultore suscitarono l'ammirazione dei contemporanei. Sopravvivono più di 30 epigrammi statua di bronzo Io sotto forma di mucca. Policleto era di Argo, visse e lavorò ad Atene, Efeso e Olimpia tra il 460 e il 420 a.C. AVANTI CRISTO e. e, quindi, era un contemporaneo di Mirone e Fidia. Il tema principale nell'opera di Policleto è l'immagine degli atleti, che amava mostrare in uno stato di equilibrio dinamico. Grazie all'utilizzo del principio del movimento incrociato irregolare (la figura poggia sulla gamba destra, la sinistra, al contrario, rimane rilassata; di conseguenza, la mano destra è raffigurata tesa e la sinistra rilassata), le sue sculture sembrano naturali. Le più celebri sono opere di Policleto come "Dorifor" e "Diadumen", giunte fino a noi in copie marmoree romane.
Estia, Dione e Afrodite di Fidia. gruppo scultoreo dal frontone est del Partenone, 447–433 circa AVANTI CRISTO e. British Museum, Londra
Il più grande artista del periodo classico fu lo scultore e architetto ateniese Fidia. Come amico di Pericle, Fidia prese parte al programma di ricostruzione dell'acropoli ateniese. Diresse i lavori sulla decorazione scultorea del Partenone nel 447-432. AC e creò la statua di Atena Parthenos, installata nel tempio. La scultura è stata realizzata con la tecnica crisoelefantina, oro del valore di 40 talenti e sottili lastre d'avorio ricoprivano una cornice di legno alta 13 metri. Di fronte al tempio, Fidia eresse una statua in bronzo di Atena Promachos, alta 17 metri. La dea era raffigurata con un elmo, con uno scudo e una lancia, e la punta della lancia era dorata e brillava brillantemente al sole, visibile da lontano dai marinai che navigavano verso le rive dell'Attica.
Delle ORIGINI abbiamo già parlato. La linea tratteggiata prevista è stata interrotta per ragioni oggettive, ma voglio comunque continuare. Ti ricordo che ci siamo fermati a storia profonda nell'arte dell'antica Grecia. Da cosa ricordiamo curriculum scolastico? Di norma, tre nomi sono saldamente radicati nella nostra memoria: Miron, Phidias, Poliklet. Poi ricordiamo che c'erano anche Lisippo, Skopa, Prassitele e Leocar ... Quindi vediamo cosa è cosa, quindi il tempo dell'azione è 4-5 secoli aC, la scena è l'antica Grecia.
PITAGORA REGIA
Pitagora Regius (V secolo a.C.) nuova era) - uno scultore greco antico del periodo dei primi classici, le cui opere sono conosciute solo da riferimenti ad autori antichi. Sono sopravvissute diverse copie romane delle sue opere, inclusa la mia preferita, Il ragazzo che tira fuori una scheggia. Quest'opera ha dato origine alla cosiddetta scultura del giardinaggio paesaggistico.
Pitagora Ragazzo regio rimuove una scheggia intorno alla metà del V secolo a.C br.copia romana del Museo Capitolino
MIRON
Mirone (Μύρων) - scultore della metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. Scultore dell'epoca immediatamente precedente la massima fioritura dell'arte greca (fine VI – inizi V secolo). Gli antichi lo caratterizzano come massimo realista e un esperto di anatomia, che però non sapeva dare vita ed espressione ai volti. Ha ritratto divinità, eroi e animali e con amore speciale ha riprodotto pose difficili e fugaci. La sua opera più famosa, "Discobolo", un atleta che intende iniziare un disco, è una statua giunta fino ai nostri giorni in più copie, di cui la migliore è in marmo e si trova nel Palazzo Massimi a Roma.
Discobolo.
FIDIO.
Uno dei fondatori stile classico Si ritiene che l'antico scultore greco Fidia abbia adornato con le sue sculture sia il tempio di Zeus ad Olimpia che il tempio di Atena (Partenone) sull'acropoli di Atene. Sono ora presenti frammenti del fregio scultoreo del Partenone Museo britannico(Londra).
Frammenti del fregio e del frontone del Partenone. British Museum, Londra.
Le principali opere scultoree di Fidia (Atena e Zeus) sono andate perdute da tempo, i templi sono stati distrutti e saccheggiati.
Partenone.
Esistono molti tentativi di ricostruire i templi di Atena e Zeus. Puoi leggerlo qui:
Le informazioni sullo stesso Fidia e sulla sua eredità sono relativamente scarse. Tra le statue esistenti oggi, non ce n'è una che appartenga senza dubbio a Fidia. Tutta la conoscenza del suo lavoro si basa su descrizioni autori antichi, sullo studio delle copie tarde, nonché delle opere sopravvissute, attribuite con più o meno certezza a Fidia.
Maggiori informazioni su Fidia http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/
Bene, riguardo al resto dei rappresentanti dell'antica cultura greca.
POLICLETO
Scultore greco della seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e. Autore di numerose statue, tra cui quelle dei vincitori di giochi sportivi, per i centri sportivi cult di Argo, Olimpia, Tebe e Megalopoli. L'autore del canone dell'immagine del corpo umano nella scultura, noto come "canone di Policleto", secondo il quale la testa è 1/8 della lunghezza del corpo, il viso e le palme sono 1/10, il il piede è 1/6. Il canone è stato osservato fino alla fine nella scultura greca, la cosiddetta. epoca classica, cioè fino alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e., quando Lisippo stabilì nuovi principi. La sua opera più famosa è "Dorifor" (Lanciere). Viene da un'enciclopedia.
Policleto. Doriforo. Museo Puškin. Copia in gesso.
PRASSITELI
AFRODITE DEI CNIDI (copia romana da originale IV secolo a.C.) Roma, Musei Nazionali (testa, braccia, gambe, panneggio restaurati)
Una delle opere più famose della scultura antica è Afrodite di Cnido, la prima scultura greca antica (altezza - 2 m.), raffigurante una donna nuda prima del bagno.
Afrodite di Cnido, (Afrodite di Braschi) copia romana, I sec. AVANTI CRISTO. Gliptoteca, Monaco
Afrodite di Cnido. Marmo a grana media. Torso - Copia romana del II secolo. N. copia in gesso del Museo Pushkin
Secondo Plinio gli abitanti dell'isola di Kos ordinarono la statua di Afrodite per il santuario locale. Prassitele eseguiva due opzioni: una dea nuda e una dea vestita. Per entrambe le statue Prassitele stabilì lo stesso compenso. I clienti non hanno corso rischi e hanno scelto versione tradizionale, con una figura drappeggiata. Le sue copie e descrizioni non sono state conservate ed è caduto nell'oblio. E Afrodite di Cnido, rimasta nella bottega dello scultore, fu acquistata dagli abitanti della città di Cnido, il che favorì lo sviluppo della città: i pellegrini iniziarono ad affluire a Cnido, attratti dalla famosa scultura. Afrodite stava nel tempio sottostante cielo aperto visibile da tutti i lati.
Afrodite di Cnido godeva di tale fama e veniva copiata così spesso che su di lei raccontarono persino un aneddoto, che costituì la base dell'epigramma: “Vedendo Ciprida su Knida, Ciprida disse timidamente: “Guai a me, dove Prassitele mi ha visto nudo? "
Prassitele creò la dea dell'amore e della bellezza come personificazione della femminilità terrena, ispirandosi all'immagine della sua amata, la bella Frine. In effetti, il volto di Afrodite, sebbene creato secondo il canone, con uno sguardo sognante di languidi occhi sfumati, porta una sfumatura di individualità, indicando un originale specifico. Avendo creato un'immagine quasi ritratto, Prassitele guardò al futuro.
conservato leggenda romantica sulla relazione tra Prassitele e Frine. Si dice che Frine abbia chiesto a Prassitele di donarla in pegno del suo amore miglior lavoro. Accettò, ma si rifiutò di dire quale delle statue considerasse la migliore. Quindi Frine ordinò al servitore di informare Prassitele dell'incendio nell'officina. Il maestro spaventato esclamò: "Se la fiamma ha distrutto sia Eros che Satiro, allora tutto è morto!" Così Frine scoprì che tipo di lavoro poteva chiedere a Prassitele.
Prassitele (presumibilmente). Hermes con il bambino Dioniso IV ca. AVANTI CRISTO. Museo di Olimpia
Tipica dell'epoca è la scultura "Hermes con il bambino Dioniso". tardo classico. Personifica non la forza fisica, come era consuetudine prima, ma la bellezza e l'armonia, la comunicazione umana sobria e lirica. La rappresentazione dei sentimenti, la vita interiore dei personaggi è un fenomeno nuovo arte antica non caratteristico degli alti classici. La mascolinità di Hermes è enfatizzata dall'aspetto infantile di Dioniso. Le linee curve della figura di Hermes sono aggraziate. Il suo corpo forte e sviluppato è privo dell'atletismo caratteristico delle opere di Policleto. Espressione facciale, anche se carente tratti individuali ma morbido e premuroso. I suoi capelli erano dipinti e legati con una fascia d'argento.
Prassitele ottenne la sensazione di calore del corpo modellando finemente la superficie del marmo e con grande abilità trasmise nella pietra il tessuto del mantello di Hermes e degli abiti di Dioniso.
SCOPA
Museo di Olimpia, Skopas Menada Copia romana in marmo ridotta dell'originale del 1° terzo del IV sec
Skopas - antico scultore e architetto greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., rappresentante degli ultimi classici. Nato sull'isola di Paros, lavorò a Teges (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Come architetto partecipò alla costruzione del tempio di Atena Alei a Tegea (350-340 a.C.) e del mausoleo di Alicarnasso (metà del IV secolo a.C.). Tra le opere originali di S. giunte fino a noi, la più importante è il fregio del mausoleo di Alicarnasso raffigurante l'Amazzonomachia (metà del IV secolo aC; insieme a Briaxis, Leoharomi Timothy; frammenti - al British Museum, Londra; vedere l'illustrazione). Numerose opere di S. sono note da copie romane (“Potos”, “Giovane Ercole”, “Meleagr”, “Menade”, vedi illustrazione). Rifiutando l'arte intrinseca del V secolo. calma armoniosa dell'immagine, S. si è rivolto al trasferimento di forti esperienze emotive, alla lotta delle passioni. Per implementarli, S. ha utilizzato composizione dinamica e nuove tecniche per interpretare i dettagli, in particolare i tratti del viso: occhi infossati, rughe sulla fronte e bocca socchiusa. L'opera di S., satura di pathos drammatico, ebbe una grande influenza sugli scultori della cultura ellenistica (vedi Cultura ellenistica), in particolare sulle opere dei maestri del III e II secolo che lavorarono nella città di Pergamo.
LISIPP
Lisippo nacque intorno al 390 a Sicione nel Peloponneso e la sua opera rappresenta già la parte successiva, ellenica, dell'arte dell'antica Grecia.
Lisippo. Ercole con un leone. Seconda metà del IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo di un originale in bronzo. San Pietroburgo, Ermitage.
LEOHAR
Leohar - antico scultore greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., che negli anni '50 lavorò con Scopa alla decorazione scultorea del Mausoleo di Alicarnasso.
Leohar Artemis di Versailles (copia romana di 1-2 secoli dall'originale del 330 a.C. circa) Parigi, Louvre
Leohar. Apollo Belvedere Questo sono io con lui in Vaticano. Perdona le libertà, ma è più facile non caricare una copia in gesso in questo modo.
Bene, allora c'era l'ellenismo. Lo conosciamo bene dalla Venere (in greco Afrodite) di Milo e dalla Nike di Samotracia, conservate al Louvre.
Venere di Milo. Intorno al 120 a.C Louvre.
Nike di Samotracia. OK. 190 a.C e. Louvre
Tra la varietà di capolavori eredità culturale L'antica Grecia occupa un posto speciale. IN Statue greche incarnato e glorificato per mezzo di mezzi visivi l'ideale dell'uomo, la bellezza del corpo umano. Tuttavia, non solo la grazia e la morbidezza delle linee distinguono le antiche sculture greche: l'abilità dei loro autori è così grande che anche in una pietra fredda sono riusciti a trasmettere l'intera gamma delle emozioni umane e a dare alle figure un significato speciale e profondo, come se infondesse loro vita e dotasse ciascuno di quel mistero incomprensibile che ancora attrae e non lascia indifferente il contemplatore.
Come altre culture, l'antica Grecia ha vissuto periodi diversi del suo sviluppo, ognuno dei quali ha introdotto alcuni cambiamenti nel processo di formazione di tutti i tipi, a cui appartiene anche la scultura. Ecco perché è possibile ripercorrere le tappe della formazione di questo tipo di arte caratterizzandone brevemente le caratteristiche antica scultura greca L'antica Grecia in diversi periodi del suo sviluppo storico.
PERIODO ARCAICO (VIII-VI secolo aC).
Le sculture di questo periodo sono caratterizzate da una certa primitività delle figure stesse dovuta al fatto che le immagini in esse incarnate erano troppo generalizzate e non differivano nella varietà (le figure dei giovani erano chiamate kouros e le ragazze erano chiamate kor). maggior parte famosa scultura delle diverse dozzine giunte ai nostri giorni, è considerata una statua di Apollo dall'Ombra, realizzata in marmo (Apollo stesso appare davanti a noi come un giovane con le mani abbassate con le dita serrate a pugno e larghe Apri gli occhi, e il suo volto rifletteva un sorriso arcaico tipico delle sculture dell'epoca). Le immagini di ragazze e donne si distinguevano per abiti lunghi, capelli ondulati, ma soprattutto erano attratte dalla morbidezza e dall'eleganza delle linee: l'incarnazione della grazia femminile.
PERIODO CLASSICO (V-IV secolo aC).
Una delle figure di spicco tra gli scultori di questo periodo può essere chiamata Pitagora Regius (480-450). Fu lui a dare vita alle sue creazioni e a renderle più realistiche, anche se alcune delle sue opere furono considerate innovative e troppo audaci (ad esempio, una statua chiamata Il ragazzo che tira fuori una scheggia). Uno straordinario talento e prontezza d'animo gli hanno permesso di studiare il significato dell'armonia con l'aiuto di metodi di calcolo algebrici, che ha effettuato sulla base del filosofico - scuola matematica. Utilizzando tali metodi, Pitagora esplorò armonie di diversa natura: l'armonia musicale, l'armonia del corpo umano o una struttura architettonica. La scuola pitagorica esisteva secondo il principio del numero, considerato la base del mondo intero.
Tranne Pitagora periodo classico ha dato alla cultura mondiale maestri eminenti come Miron, Poliklet e Fidia, le cui creazioni erano unite da un principio: mostrare una combinazione armoniosa di un corpo ideale e di un'anima altrettanto bella racchiusa in esso. Fu questo principio a costituire la base per la creazione delle sculture di quel tempo.
Le opere di Mirone furono rese grande influenza sull'arte educativa del V secolo ad Atene (basti citare il suo famoso discobolo in bronzo).
Nelle creazioni di Policleto, la cui abilità era incarnata era la capacità di bilanciare la figura di un uomo in piedi su una gamba con il braccio alzato (un esempio è la statua di Doriforo, un giovane portatore di lancia). Nelle sue opere, Policlet ha cercato di coniugare dati fisici ideali con bellezza e spiritualità. Questo desiderio lo ha ispirato a scrivere e pubblicare il suo trattato Canon, che, sfortunatamente, non è sopravvissuto fino ad oggi. Fidia può essere giustamente definito il grande creatore della scultura del V secolo, perché riuscì a padroneggiare perfettamente l'arte della fusione del bronzo. 13 figure scultoree fuse da Fidia adornavano il Tempio di Apollo a Delfi. Tra le sue opere c'è anche una statua di venti metri della Vergine Atena nel Partenone, realizzata in oro puro e avorio (questa tecnica di statua è chiamata criso-elefantina). La vera fama arrivò a Fidia dopo aver creato la statua di Zeus per il tempio di Olimpia (la sua altezza era di 13 metri).
PERIODO ELLENISMO. (IV-I secolo a.C.).
La scultura in questo periodo di sviluppo dell'antico stato greco aveva ancora lo scopo principale di decorare le strutture architettoniche, sebbene riflettesse i cambiamenti avvenuti in pubblica amministrazione. Inoltre, nella scultura, come una delle principali forme d'arte, sono sorte molte scuole e tendenze.
Skopas divenne una figura di spicco tra gli scultori di questo periodo. La sua abilità era incarnata nella statua ellenistica di Nike di Samotracia, così chiamata in ricordo della vittoria della flotta di Rodi nel 306 a.C. e montata su un piedistallo, che nel design somigliava alla prua di una nave. Le immagini classiche divennero esempi delle creazioni degli scultori di questa epoca.
Nella scultura ellenistica è chiaramente visibile la cosiddetta gigantomania (il desiderio di incarnare l'immagine desiderata in una statua di enormi dimensioni): un vivido esempio di ciò è la statua del dio Helios in bronzo dorato, alta 32 metri l'ingresso al porto di Rodi. Per dodici anni, lo studente di Lisippo, Chares, lavorò instancabilmente a questa scultura. Quest'opera d'arte ha giustamente preso il posto d'onore nella lista delle meraviglie del mondo. Dopo la cattura dell'antica Grecia da parte dei conquistatori romani, molte opere d'arte (comprese collezioni multivolume di biblioteche imperiali, capolavori di pittura e scultura) furono portate fuori dai suoi confini, inoltre molti rappresentanti del campo della scienza e dell'istruzione furono catturati. Quindi nella cultura antica Roma elementi della cultura greca si intrecciarono e ebbero un impatto significativo sul suo ulteriore sviluppo.
Diversi periodi di sviluppo dell'antica Grecia, ovviamente, hanno apportato i propri adattamenti al processo di formazione di questo tipo di belle arti,
Di fronte all’arte greca molte menti di spicco espressero una genuina ammirazione. Uno dei più famosi ricercatori d'arte, Johann Winckelmann (1717-1768), dice della scultura greca: “Gli intenditori e gli imitatori delle opere greche trovano nelle loro creazioni magistrali non solo la natura più bella, ma anche più della natura, vale a dire alcuni ideali bellezza, che è creata da immagini abbozzate dalla mente.
Tutti coloro che scrivono sull'arte greca notano in esso una straordinaria combinazione di ingenua immediatezza e profondità, realtà e finzione. In esso, soprattutto nella scultura, si incarna l'ideale dell'uomo. Qual è la natura dell'ideale? Come ha fatto ad affascinare così tanto la gente che il vecchio Goethe singhiozzava al Louvre davanti alla scultura di Afrodite?
I greci hanno sempre creduto che solo in un bel corpo si possa vivere bella anima. Pertanto, l'armonia del corpo, la perfezione esterna è una condizione e base indispensabile persona perfetta. L'ideale greco è definito dal termine kalokagathia (greco kalos - bello + agathos buono). Poiché kalokagatiya include la perfezione sia della costituzione corporea che della disposizione spirituale e morale, insieme alla bellezza e alla forza, l'ideale porta con sé giustizia, castità, coraggio e ragionevolezza. Questo è ciò che rende gli oggetti scolpiti dagli antichi scultori unici e belli.
I migliori monumenti dell'antica scultura greca furono creati nel V secolo. AVANTI CRISTO. Ma a noi sono arrivate altre cose primi lavori. Statue del VII-VI secolo AVANTI CRISTO. simmetrico: una metà del corpo è l'immagine speculare dell'altra. Posture incatenate, braccia tese premute contro un corpo muscoloso. Non la minima inclinazione o giro della testa, ma le labbra sono socchiuse in un sorriso. Un sorriso, come dall'interno, illumina la scultura con un'espressione di gioia di vivere.
Successivamente, durante il periodo del classicismo, le statue acquisiscono una maggiore varietà di forme. Ci sono stati tentativi di comprendere l'armonia algebricamente. Primo Ricerca scientifica di ciò che è armonia, Pitagora si impegnò. La scuola da lui fondata considerava questioni di natura filosofica e matematica, applicando i calcoli matematici a tutti gli aspetti della realtà. Né l'armonia musicale, né l'armonia del corpo umano o la struttura architettonica costituivano un'eccezione.
La scuola pitagorica considerava il numero la base e l'inizio del mondo. Cosa c’entra la teoria dei numeri con l’arte greca? Risulta essere il più diretto, poiché l'armonia delle sfere dell'Universo e l'armonia del mondo intero sono espresse dagli stessi rapporti di numeri, i principali dei quali sono i rapporti 2/1, 3/2 e 4 /3 (in musica sono rispettivamente un'ottava, una quinta e una quarta). Inoltre, l'armonia implica la possibilità di calcolare qualsiasi correlazione di parti di ciascun oggetto, inclusa la scultura, secondo la seguente proporzione: a / b \u003d b / c, dove a è una parte più piccola dell'oggetto, b è qualsiasi la maggior parte, s è un numero intero.
Su questa base, il grande scultore greco Policleto (V secolo a.C.) creò una scultura di un giovane con la lancia (V secolo a.C.), chiamata "Dorifor" ("Portatore di lancia") o "Canone" - dal nome nome dell'opera scultore, dove, discutendo la teoria dell'arte, considera le leggi dell'immagine di una persona perfetta. Si ritiene che il ragionamento dell'artista possa essere attribuito alla sua scultura. Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. A Policleto piaceva rappresentare gli atleti a riposo. Prendi lo stesso "Spearman". Quest'uomo potente è pieno di autostima. Resta immobile davanti allo spettatore. Ma non è statico antiche statue egiziane. Come un uomo che controlla abilmente e facilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente una gamba e spostò il peso del suo corpo sull'altra. Sembra che passerà un momento e lui farà un passo avanti, girerà la testa, orgoglioso della sua bellezza e forza. Davanti a noi c'è un uomo forte, bello, libero dalla paura, orgoglioso, sobrio: l'incarnazione degli ideali greci.
A differenza del suo contemporaneo Policleto, a Mirone piaceva rappresentare le sue statue in movimento. Ecco, ad esempio, la statua "Discobolo" (V secolo a.C.; Museo delle Terme. Roma). Il suo autore grande scultore Miron, ha ritratto un bellissimo giovane nel momento in cui ha fatto oscillare un disco pesante. Il suo corpo catturato dal movimento è piegato e teso, come una molla che sta per aprirsi. I muscoli allenati sporgevano sotto la pelle elastica del braccio tirato indietro. Le dita dei piedi, che formano un supporto affidabile, sono profondamente premute nella sabbia. Le statue di Mirone e Policleto furono fuse in bronzo, ma sono arrivate fino a noi solo copie in marmo di originali greci antichi realizzati dai romani.
I greci consideravano Fidia il più grande scultore del suo tempo, che adornava scultura in marmo Partenone. Le sue sculture riflettevano la percezione degli dei da parte degli antichi greci come immagine di una persona ideale. Il nastro di rilievo in marmo meglio conservato è un fregio lungo 160 m, raffigurante una processione diretta al tempio della dea Atena, il Partenone. La scultura del Partenone è stata gravemente danneggiata. E la statua di "Atena Parthenos" morì nell'antichità. Si trovava all'interno del tempio ed era indicibilmente bella. La testa della dea con la fronte bassa e liscia e il mento, il collo e le braccia arrotondati erano fatti di avorio, mentre i suoi capelli, i vestiti, lo scudo e l'elmo erano coniati da lastre d'oro.
Nella foto: Atena Parthenos, scultore Fidia. Copia. Restaurato secondo le descrizioni. Museo Archeologico Nazionale, Atene.
Dea nella forma bella donnaè la personificazione di Atene. Molte storie sono legate a questa scultura. Il capolavoro creato era così grande e famoso che il suo autore ebbe immediatamente molti invidiosi. Hanno cercato in ogni modo di infastidire lo scultore e lo hanno cercato motivi diversi sul quale sarebbe possibile accusarlo di qualcosa. Si dice che Fidia fu accusato di aver nascosto parte dell'oro dato come materiale per la decorazione della dea. Come prova della sua innocenza, Fidia rimosse tutti gli oggetti d'oro dalla scultura e li pesò. Il peso corrispondeva esattamente al peso dell'oro dato alla scultura.
Quindi Fidia fu accusato di ateismo. La ragione di ciò era lo scudo di Atena. Raffigurava la trama della battaglia tra i Greci e le Amazzoni. Tra i greci, Fidia ritraeva se stesso e il suo amato Pericle. L'immagine di Fidia sullo scudo divenne la causa del conflitto. Nonostante tutti i successi di Fidia, il pubblico greco riuscì a rivoltarsi contro di lui. La vita del grande scultore si concluse con un'esecuzione crudele.
I successi di Fidia nel Partenone non furono gli unici nella sua opera. Lo scultore creò molte altre opere, la migliore delle quali fu la colossale figura in bronzo di Atena Promachos, eretta sull'Acropoli intorno al 460 a.C. e non meno grande figura in avorio e oro di Zeus per il tempio di Olimpia.
Ecco come si può descrivere la statua di Zeus per il tempio di Olimpia: un enorme dio di 14 metri era seduto su un trono d'oro e sembrava che stesse in piedi dritto spalle larghe- diventerà angusto per lui in una vasta sala e il soffitto sarà basso. La testa di Zeus era decorata con una corona di rami d'ulivo, un segno della tranquillità del formidabile dio. Il volto, le spalle, le braccia, il petto erano d'avorio e il mantello era gettato sulla spalla sinistra. La corona e la barba di Zeus erano d'oro scintillante. Fidia dotò Zeus nobiltà umana. Il suo bel viso, incorniciato da una barba riccia e da capelli ricci, non era solo severo, ma anche gentile, la postura era solenne, maestosa e calma. La combinazione di bellezza corporea e gentilezza d'animo enfatizzava la sua idealità divina. La statua fece una tale impressione che, secondo autore antico, le persone, abbattute dal dolore, cercavano consolazione nella contemplazione della creazione di Fidia. Si dice che la statua di Zeus sia una delle "sette meraviglie del mondo".
Purtroppo non esistono più opere autentiche e non possiamo vedere con i nostri occhi le magnifiche opere d'arte dell'antica Grecia. Sono rimaste solo le loro descrizioni e copie. In molti modi, ciò era dovuto alla fanatica distruzione delle statue da parte dei cristiani credenti.
Le opere di tutti e tre gli scultori erano simili in quanto rappresentavano tutte l'armonia bel corpo e l'anima gentile che c'è in esso. Questa era la tendenza principale dell’epoca. Naturalmente, le norme e gli atteggiamenti nell’arte greca sono cambiati nel corso della storia. L'arte dell'arcaico era più semplice, mancava di una completezza significato profondo la reticenza che delizia l'umanità nel periodo dei classici greci.
Nell'era dell'ellenismo, quando una persona perdeva il senso della stabilità del mondo, l'arte perse i suoi vecchi ideali. Cominciò a riflettere i sentimenti di incertezza sul futuro che regnavano nelle correnti sociali di quel tempo. Una cosa ha unito tutti i periodi dello sviluppo della società e dell'arte greca: questa è una passione speciale per la plastica, per le arti spaziali.
Tale predilezione è comprensibile: enormi scorte di materiali diversi per colore, nobili e ideali - il marmo - hanno offerto ampie opportunità per la sua realizzazione. Anche se la maggior parte Sculture grecheÈ stato realizzato in bronzo, poiché il marmo era fragile, ma è stata la trama del marmo con il suo colore e l'effetto decorativo che ha permesso di riprodurre la bellezza del corpo umano con la massima espressività.