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• introduzione
• 1. Breve biografia di Paul Gauguin
• 2. La storia della creazione del dipinto "Donna con in braccio un feto"
• 3. Analisi dell'immagine
• 4. Il dipinto "Donna con un frutto" nell'Ermitage
• Conclusione
• Elenco della letteratura usata

introduzione

Gli artisti credevano che i colori non dovessero essere mescolati sulla tavolozza, come era consuetudine nella pittura sin dai tempi di Zeusi, ma direttamente negli occhi di chi guarda l'immagine. I colori puri correlati e verificati matematicamente dovrebbero essere applicati sulla tela con tratti punteggiati (fr. pointiller - scrivere con punti). Tuttavia, la scrittura punteggiata nel puntinismo è una tecnica semplice. La cosa principale è la divisione stessa, che, secondo P. Signac, deve essere intesa come un complesso sistema di armonia - non solo generale, ma anche "armonia spirituale, di cui gli impressionisti non si preoccupavano". La comprensione dell'armonia da parte dei divisionisti è il più vicino possibile ad alcune tradizioni spirituali orientali che a quel tempo affascinavano molte menti europee.

Alla fine degli anni 1880 si dichiara una tendenza postimpressionista come la scuola di Pont-Aven (P. Gauguin, E. Bernard, L. Anquetin, ecc.) e il suo postimpressionismo sintetico. Gli artisti di Pont-Avens hanno esortato il pittore a seguire le "misteriose profondità del pensiero". L'obiettivo principale del sistema pittorico di sintetismo di Gauguin era la rivelazione dei simboli dell'essere attraverso la forma e il colore dell'oggetto raffigurato. Forme e linee semplificate e generalizzate, grandi piani di colore disposti ritmicamente, contorni chiari caratterizzano la pittura di questa corrente dell'impressionismo.

Questo articolo discute la storia del dipinto di P. Gauguin "Donna che tiene un feto", legato al periodo tahitiano nell'opera dell'artista e realizzato alla maniera del post-impressionismo.

1. Breve biografia di Paul Gauguin

Paul Gauguin è un pittore, grafico, scultore francese, rappresentante del postimpressionismo, vicino al simbolismo, creatore della scuola estetica di Pont-Aven, nonché del sistema pittorico del "sintetismo". Nella sua giovinezza ha prestato servizio come marinaio, ha lavorato come agente di cambio. All'età di 35 anni lascia il lavoro e si dedica interamente alla pittura. Per circa 10 anni ha vissuto a Tahiti e nelle Isole Marchesi. Descrivendo la succosa bellezza purosangue dell'Oceania con la sua abbondanza di fiori e frutti, Gauguin ha creato nelle sue tele la sensazione di un paradiso primordiale, saturo di sole e abitato da persone spiritualmente intere che vivono in armonia con la natura. Dipinse anche composizioni religiose e allegoriche. Ha lavorato nel campo della grafica, della scultura, della ceramica. Ha preso parte a mostre degli impressionisti, ma non ha ricevuto riconoscimenti durante la sua vita. Le opere di Gauguin portavano molte caratteristiche dello stile emergente dell'Art Nouveau e influenzarono le ricerche creative dei maestri del gruppo Nabis e dei pittori dell'inizio del XX secolo.

Paul Eugene Henri Gauguin è nato nel 1848 a Parigi nella famiglia di un editore di uno dei giornali della capitale. Nel 1849, a causa della situazione politica sfavorevole, la famiglia si recò in Sud America dai parenti di Alina Gauguin, la madre di Paul. Lungo la strada, il padre di Paul muore a causa della rottura di un aneurisma. Per qualche tempo, una vedova con due figli vive con lo zio in Perù, ma, spaventata dall'imminente rivoluzione, la famiglia torna a Orleans, dove nel 1855 Paul entra in collegio.

Dopo la laurea, Paul viene nominato apprendista navigatore su una nave mercantile, quindi presta servizio come marinaio per il servizio militare. Dopo la smobilitazione, Gauguin lavora come agente di cambio, dipingendo nel tempo libero. Nel 1873, Gauguin sposò una giovane governante danese, Mete Sofia Gad, che nei dieci anni successivi gli diede cinque figli.

Seriamente portato via dalla pittura, Paul visita l'Accademia Colorossi. Nel 1876, il suo paesaggio "Foresta a Vilofor" fu accettato al Salon. Alla mostra degli impressionisti nel 1881, Gauguin espone "Studio di nudo", che provocò una reazione favorevole da parte della critica.

Nel 1883 Paul lasciò il lavoro e si dedicò interamente alla pittura. Ciò porta l'artista alla rottura con la famiglia, la povertà e il vagabondaggio. Nel 1886 vive a Pont-Aven, nel 1887 - a Panama e nell'isola di Martinica, nel 1888 - lavora ad Arles con Van Gogh. Durante questo periodo furono scritti "Cafe in Arles", "Visione dopo il sermone", "Cristo giallo".

Essendosi avvicinato ai simbolisti, Gauguin, così come gli artisti che lavorarono sotto la sua influenza (la cosiddetta "scuola di Pont-Aven"), arrivò a creare una sorta di sistema pittorico: il sintetismo, utilizzando la generalizzazione e la semplificazione delle forme e linee. Questo sistema è stato ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin sulle isole dell'Oceania Perryusho, A. Vita di Gauguin. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.89.

Il rifiuto della società contemporanea ha suscitato l'interesse di Gauguin per lo stile di vita tradizionale, per l'arte dell'antica Grecia, per i paesi dell'Antico Oriente e per le culture primitive.

Nel 1891, trascinato dal sogno di una società ideale, l'artista si reca a Tahiti. Sebbene, in effetti, la realtà coloniale si sia rivelata molto lontana dal sogno utopico di Gauguin, tuttavia, nelle sue tele crea la sensazione di un paradiso primordiale, saturo di sole e abitato da persone spiritualmente intere che vivono in unità con la natura ( "Paesaggio con pavoni", "Donne di Tahiti" ("Sulla spiaggia"), "Sei geloso?", "Una donna con un frutto", "Vicino al mare"). L'artista vive qui in povertà e, per migliorare in qualche modo la sua vita, acquisisce una moglie, la tredicenne tahitiana Tekhura. Durante una felice luna di miele, Gauguin dipinge il suo famoso dipinto Lo spirito dei morti si risveglia. Allo stesso tempo, è stata creata la "Fonte Misteriosa": una serie di dipinti basati sull'antica religione e sui miti tahitiani.

Nell'autunno del 1893, Gauguin tornò a Parigi e iniziò subito a organizzare una mostra, ma qui si trovò davanti a un completo fallimento: l'esposizione suscitò sconcerto e disprezzo generale. Dall'inevitabile povertà e umiliazione, Gauguin fu salvato dall'eredità del suo defunto zio. L'artista tornò alla vita secolare e iniziò a scrivere un libro sui "figli incontaminati della natura" ("Noa-Noa" - "Isola profumata"). Durante questo breve periodo di soggiorno in Francia, Gauguin dipinse una serie di dipinti raffiguranti contadini e paesaggi bretoni (Paesaggio in Bretagna. Moulin-David, 1894, Orsay, Parigi, Contadine bretoni, 1894, Orsay, Parigi), diversi ritratti.

Nel settembre 1895 Gauguin tornò a Tahiti. Apprendendo che Tehura è sposata, prende una nuova moglie, Pakhura. Gauguin in questo momento soffre di una serie di malattie. Nei periodi di miglioramento dipinge quadri ("La moglie del re", "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", "Mai più").

Nel 1897 arrivò un messaggio dalla Danimarca sulla morte della figlia di Alina. La sofferenza spirituale e fisica ha spinto l'artista al suicidio. A seguito di un suicidio fallito, Gauguin fu costretto a letto per un anno intero. Dopo essersi ripreso dalla malattia, continua a lavorare ("Cavallo bianco", "Donne al mare" ("Maternità"), "<Две таитянки», «Месяц Марии», 1899, Эрмитаж, СПб).

Nel 1901, l'artista si trasferì alle Isole Marchesi, dove costruì il suo ultimo rifugio: la "Casa Allegra", la cui amante era la quattordicenne Vaejo. Negli ultimi anni della sua vita, Gauguin crea i dipinti “Barbarian Tales”, “And the Gold of Their Bodies”, “Riders on the Shore”, “Girl with a Fan”; riempie frettolosamente il diario di ricordi e riflessioni (“Prima e dopo”).

Gauguin ha creato una serie di opere scultoree ("Tehura"). Lavorò nel campo della grafica (Tre figure, 1898, Biblioteca nazionale, Parigi).

2. La storia della creazione del dipinto "Donna con in braccio un feto"

Gauguin pittrice donna postimpressionismo

Frontiera I secoli XIX-XX sono un periodo di nuove scoperte tecniche; l'emergere di nuovi modi di trasporto e l'accelerazione del ritmo della vita; urbanizzazione, progresso industriale e rivoluzione industriale e, in connessione con questo, il tempo del ripensamento degli orientamenti di valore, dell’aumento dell’ansia, della dissonanza spirituale e dell’aspettativa di una catastrofe. La visione del mondo di una persona cambia, la sua vita diventa instabile e priva di armonia, alla ricerca di ciò che l'arte lo ha aiutato in quel momento.

Tornato in Francia, la ricerca di immagini generalizzate, il significato misterioso dei fenomeni, avvicinò Gauguin al simbolismo e portò lui e un gruppo di giovani artisti che lavorarono sotto la sua influenza a creare una sorta di sistema pittorico: il sintetismo, in cui la modellazione del chiaroscuro di volumi, luce-aria e prospettive lineari sono sostituiti da una giustapposizione ritmica di singoli piani di colore puro. , che riempie completamente le forme degli oggetti e gioca un ruolo di primo piano nella creazione della struttura emotiva e psicologica dell'immagine. Questo sistema fu ulteriormente sviluppato nei dipinti dipinti da Gauguin nelle isole dell'Oceania. Descrivendo la succosa bellezza pura della natura tropicale, persone naturali non contaminate dalla civiltà, l'artista ha cercato di realizzare il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura.

L'opera di Paul Gauguin offre il proprio modello di mondo ideale, che trova l'armonia, andando oltre i limiti di un'esistenza chiusa come uno degli "ingranaggi" della società. Diversi punti di vista dai quali Gauguin ha avuto l'opportunità di conoscere e sentire la vita, gli hanno permesso di farsi un'idea versatile della società europea Sheveleva, N. Il fascino dell'esotico / N. Sheveleva // Arte. - 2006. - N. 20. .

La civiltà nella visione del mondo di Gauguin era agli antipodi della natura, "anti-natura". Nel suo libro Noa Noa, Gauguin scrive: “La civiltà si sta gradualmente allontanando da me ... Sì, la vecchia persona civilizzata ora è davvero distrutta, morta! Sono rinato, o meglio, è risorto in me un uomo forte e puro! Secondo Gauguin, nei tempi moderni ci sono due mondi opposti: il regno oscuro della civiltà, dove una persona è persa nell'attesa di una catastrofe sociale imminente, e l'elemento vivente della natura, fonte di gioia e luce Perrusho, A. La vita di Gauguin. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.166.

La natura oceanica ha affascinato l'artista con i suoi colori vivaci, ma, abituato ad altre combinazioni di colori, per molto tempo non ha osato trasmettere sulla tela ciò che vedeva con i propri occhi. Gauguin dapprima osservò di più, fece degli schizzi, abbozzando le posture caratteristiche dei tahitiani, le loro figure e i loro volti. Solo pochi mesi dopo, quando l'artista finalmente capì la natura dei Majoriani, padroneggiò la nuova forma e la nuova plasticità, iniziò un lavoro serio. Mai prima d’ora Gauguin aveva sperimentato un’impennata così creativa. Crea un capolavoro dopo l'altro. Nel primo anno l'artista ha realizzato 44 opere: ritratti, nudi, paesaggi, sculture in legno e diverse sculture. E alla vigilia della sua partenza, nella primavera del 1893, aveva già 66 tele.

Subito dopo essere arrivato in Oceania, Gauguin fu colto dal desiderio di dipingere in primo piano la figura di una donna tahitiana, Eva del paradiso nativo. Gauguin crea diverse opere su questo argomento: "Bella terra", "Dove stai andando?" e "Donna con un frutto". L'ultimo dipinto della collezione dell'Ermitage appartiene ai principali capolavori del primo soggiorno dell'artista a Tahiti.

Nell'immagine di una donna con un feto in mano, i ricercatori riconoscono le caratteristiche di Tehamana, la moglie tahitiana di Gauguin. I genitori della ragazza l'hanno data volentieri per un europeo, considerandolo una partita redditizia. Tehamana aveva solo 13 anni, ma, secondo i concetti tahitiani, era già matura per il matrimonio. Anche per gli standard europei, era bella: pelle sorprendentemente delicata, grandi occhi espressivi, capelli neri come il corvino, lunghi fino alla vita. Gauguin ne era affascinato. Devota, amorevole e allo stesso tempo poco loquace, non solo non ha interferito con il lavoro dell'artista, ma lo ha aiutato in ogni modo possibile.

“... Mi sono rimesso al lavoro e la felicità si è stabilita nella mia casa ... L'oro del volto di Tehamana ha inondato di gioia e luce l'interno dell'abitazione e l'intero paesaggio circostante. Com'era bello andare insieme la mattina a rinfrescarsi in un ruscello vicino, così in paradiso, senza dubbio, fecero il primo uomo e la prima donna.

Tehamana diventa l'eroina di molte opere di Gauguin. Raffigurandola nel dipinto "Donna con un frutto" più matura, l'artista potrebbe aver voluto presentarla come sarebbe dovuta diventare nel tempo. Il corpo scuro della donna tahitiana è reso intenzionalmente piatto. Un'unica linea continua, che copre l'intera figura, la rende pesante e voluminosa. L'ornamento giallo sulla gonna rossa riecheggia il motivo formato dalle foglie degli alberi sopra la testa della donna, e lei stessa sembra essere parte integrante di questa natura eterna. Per quanto fruttuoso fosse il lavoro a Tahiti, la malattia e il bisogno costrinsero l'artista a tornare in Francia. Con il cuore pesante, lascia Tehamana e quel mondo luminoso, che per breve tempo qui gli si è aperto. Tornerà sull'isola tra due anni, questa volta per sempre, per fondersi per sempre con la terra profumata.

3. Analisi dell'immagine

Il ritratto come genere in Gauguin è spesso combinato con il genere del paesaggio, poiché la combinazione di un genere di pittura con un altro ha sviluppato il tema principale dell'arte di Gauguin: "la consonanza della vita umana con il mondo animale e vegetale in composizioni in cui i grandi la voce della terra gioca un ruolo importante." L'eroina della maggior parte dei dipinti del maestro è una donna tahitiana bellissima, selvaggia e misteriosa. È attraverso la sua immagine maestosa e flessibile che Gauguin trasmette la sua visione panteistica del mondo. Così, nella tela “Woman Holding a Fruit”, l’artista ha trasformato un motivo domestico del tutto ordinario in un’estetica sublime. In primo piano c'è una giovane ragazza, una tahitiana dell'età di una sposa, con un pareo rosso vivo, che tiene con cura, come una bambina, il frutto di una pianta tropicale. A una certa distanza da lei, sullo sfondo delle capanne, i suoi amici sono seduti, guardando attentamente lo spettatore. Lo stile di quest'opera è molto più morbido e naturale rispetto alle tele precedenti del maestro. Il disegno ha quasi perso la sua nitidezza precedente e la linea ha acquisito flessibilità e vivacità. Attraverso la composizione, Gauguin combinava discretamente motivi ritmici planari, ammorbidendo i confini dei colori contrastanti. La colorazione dell'immagine è squisita; grazie alla varietà di calde sfumature rosa, sembra ricoperto da una foschia afosa.

La silhouette di una donna è delineata con contorni semplici e netti. L'artista ammira il suo viso calmo e scuro, la grazia naturale della sua postura. Il motivo della gonna ricorda la forma dei rami e delle foglie sopra la testa della donna.

Il dipinto dell'Ermitage ha un nome tahitiano datogli da Gauguin. Si traduce in "Dove stai andando?" Gli isolani fanno questa domanda a coloro che incontrano. La risposta deve essere data dal personaggio principale dell'immagine. Il frutto nelle sue mani è una zucca usata come recipiente per l'acqua. Se guardi da vicino, puoi persino distinguere la corda con cui è trattenuta la nave. Quindi la donna tahitiana cammina sull'acqua. Ma dopo tutto, l'acqua tra molti popoli è un simbolo di vita, e la zucca, tra i cinesi, ad esempio, serviva come segno della connessione tra due mondi, terreno e celeste. Tehamana, raffigurata da Gauguin, era incinta, e questo combina la presenza di un vaso e dell'acqua, così come quella di una donna tahitiana con un bambino - il motivo della maternità Paul Gauguin // Arte. - 2007. - N. 6. .

Gauguin non cerca la fedeltà ottica nel trasferimento del mondo circostante. Scrive non tanto ciò che vede quanto ciò che vuole vedere intorno a sé. I dipinti di Gauguin nella loro piattezza, ornamentalità e luminosità dei colori ricordano i tessuti decorativi e, in una certa misura, l'arte dei popoli orientali. Inoltre, Gauguin ha suscitato con il suo lavoro un grande interesse per la cultura dei popoli extraeuropei, e questo è il suo indubbio merito.

Gauguin rimase colpito dall'immobilità statuaria delle persone a Tahiti, che evocava un sentimento di immutabilità dell'essere ed era in pieno accordo con le idee dell'artista sul mondo primordiale. Pertanto, nei dipinti di Gauguin, le pose dei tahitiani sono sempre calme, stabili, armoniose. Può sembrare che una donna che tiene in braccio un feto stia in piedi per secoli senza muoversi. Ciò conferisce un tocco speciale al titolo tahitiano del dipinto "Eu haere ia oe" ("Vai!").

La natura come sfondo si presenta nella sua forma originale e si sviluppa continuamente secondo le leggi naturali dell'universo. Incarna lo spazio naturale ideale, fungendo da intermediario tra l'uomo e l'Assoluto, in cui è presente la divinità. Una persona che è in grado di connettersi pienamente con il ritmo cosmico della natura, tornare allo stato originale, riceve una grazia speciale, la capacità di trasformarsi e trasformarsi.

Il vero aspetto storico dell'idea artistica di quest'opera risiede nel modello specifico dell'isola di Tahiti presentata come un'isola paradisiaca, i cui abitanti hanno già ricevuto la grazia. Le donne tahitiane esistono armoniosamente nella loro natura nativa, integrandosi fin dalla nascita in un certo ritmo cosmico dell'esistenza.

Scartando la casualità, l'artista cerca di rivelare nelle tele quel mondo spirituale, quell'umore che è contenuto nella natura circostante. L'arte è una generalizzazione che bisogna saper trarre dalla natura: questa è la tesi principale di Gauguin. E trova forme e immagini che trasmettono pienamente le caratteristiche nell'aspetto e nel comportamento dei tahitiani. Da qui la frequente ripetizione in una serie di dipinti di pose, gesti, volti simili, quindi diverse varianti della stessa composizione. Sembrerebbe che la trama dei dipinti di Gauguin sia semplice, in essi non succede nulla: le persone si siedono, stanno in piedi, mentono. Ma nessuna è una ripetizione della natura, sebbene tutto sia costruito su osservazioni reali.

4. Il dipinto "Donna con un frutto" nell'Ermitage

La sala 316 dell'Ermitage è interamente dedicata ai dipinti di Gauguin, dipinti durante il suo soggiorno a Tahiti. Tra cui ci sono "La sagra della primavera" (scritta a Parigi) e "Donna che tiene il frutto". Si ritiene che l'ultima tela raffiguri la moglie tahitiana.

Si sa poco dell'apparizione in Russia della Donna che regge il frutto. Nel 1908 I.A. Morozov lo acquistò dal famoso mercante d'arte Vollard per 8mila franchi, un prezzo molto alto per l'epoca.

Dopo la firma del decreto sulla nazionalizzazione dell'Assemblea Morozov il 19 dicembre 1918, esso divenne disponibile al grande pubblico. Storia della pittura straniera, russa e sovietica M.: 2006 - P.127. Ma la collezione non fu subito trasformata in museo, non c'era personale addetto, e la domenica mattina, con l'aiuto di parenti e servi, lo stesso ex proprietario mostrava la collezione, dando spiegazioni.

L'11 aprile 1919, l'incontro di I.A. Morozov è stato trasformato nel Secondo Museo della pittura neooccidentale e aperto al pubblico il 1 maggio. All'inizio dell'estate l'ex proprietario della casa a Prechistenka è scomparso senza lasciare traccia. La casa a Prechistenka è stata perquisita. I sigilli sulla dispensa in acciaio e sulle casseforti ignifughe erano intatti, anche i dipinti e le sculture erano intatti. L'intera collezione (il valore assicurativo di soli cento dei dipinti francesi più preziosi superava il mezzo milione) è rimasta al suo posto in completa integrità e sicurezza. L'ex proprietario, come si legge nel protocollo della Ceka di Mosca, "è stato notato che partì con la sua famiglia nel giugno 1919 per Pietrogrado".

Privato di una fortuna colossale: una fabbrica, un terreno, una collezione trasformata nel Secondo Museo della Pittura New Western, Ivan Abramovich, sotto l'influenza della moglie, decise di trasferirsi in Svizzera. Due anni dopo, il 22 giugno 1921, I.A. Morozov morì improvvisamente all'età di cinquant'anni a Karlsbad.

Nel 1928, la collezione di S.I. Schukin. E nel catalogo GMNZI del 1929 dei nomi degli ex proprietari sono rimaste solo le iniziali: “Sch” e “M”. Le collezioni, riunite nel Museo statale di arte nuova occidentale, esistevano in questo edificio fino al loro scioglimento nel 1948, quando, nel pieno della lotta contro il cosmopolitismo, il GMNZI fu liquidato con un decreto governativo. Destinate alla distruzione, le collezioni, per una fortunata coincidenza, riuscirono a salvarsi e furono divise tra loro dal Museo Pushkin im. COME. Pushkin e l'Ermitage di Stato.

Le collezioni di Morozov erano conservate nei magazzini, poiché l'arte moderna francese nell'URSS era considerata inadatta allo sviluppo del gusto della persona sovietica Matveeva E. Ronshin V. Storia della pittura. In 12 volumi. Volume 10. (sezione sui collezionisti) San Pietroburgo: Labyrinth, 2007. Fu solo a metà degli anni Cinquanta che le collezioni cominciarono a riconquistare la meritata attenzione. In particolare, l’opera di Paul Gauguin del periodo tahitiano fu esposta all’Hermitage solo nel 1963.

Conclusione

L'opera di Paul Gauguin presenta una via speciale per uscire dalla crisi della visione del mondo, raggiungendo un certo equilibrio attraverso un cambiamento radicale nella vita, rivolgendosi all'ordine naturale. Anche altri maestri d'arte offrono i propri metodi per superare l'instabilità della visione del mondo di confine, e lo studio dell'arte diventa così anche una ricerca dell'opzione più corretta per ritornare all'esistenza armoniosa di una persona in un'era di cambiamenti globali nella società , che è ancora attuale al momento.

Il dipinto "Donna con in braccio un feto" si riferisce al periodo tahitiano dell'opera di Gauguin. È stato eseguito in Polinesia, dove l'artista è stato guidato da un sogno romantico sull'armonia naturale della vita. Mondo esotico, pieno di mistero, non come l'Europa. Le impressioni dai colori vivaci e dalla vegetazione lussureggiante dell'Oceania, dall'aspetto e dalla vita dei tahitiani divennero fonte di ispirazione per il pittore.

In un normale episodio della vita degli isolani, l'artista vede l'incarnazione del ritmo eterno della vita, dell'armonia tra uomo e natura. La donna tahitiana in primo piano con un feto in mano è la Eva di questo paradiso nativo.

Abbandonando le regole della pittura tradizionale, e poi la maniera impressionista, il maestro ha creato il proprio stile. L'appiattimento dello spazio, le ripetizioni ritmiche di linee, forme e macchie di colore, i colori puri disposti in grandi matrici creano un maggiore effetto decorativo.

Le tele di Gauguin, in termini di colore decorativo, piattezza e monumentalità della composizione, generalizzazione di un disegno stilizzato, portavano molte caratteristiche dello stile Art Nouveau sviluppato durante questo periodo, influenzarono le ricerche creative dei maestri del gruppo Nabis e di altri pittori di l'inizio del XX secolo. Gauguin lavorò anche nel campo della scultura e della grafica.

Elenco della letteratura usata

1. Vasilyeva-Shlyapina G. L. Arti visive. Storia della pittura straniera, russa e sovietica M.: 2006 - 280 p.

2. Matveeva E. Ronshin V. In 12 volumi. Volume 10. (sezione sui collezionisti) San Pietroburgo: Labyrinth, 2007

3. Perrusho, A. Vita di Gauguin / Henri Perrusho. - Rostov sul Don: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - 400 p.

4. Paul Gauguin // Arte. - 2007. - N. 6.

5. Sheveleva, N. Fascino dell'esotico / N. Sheveleva // Art. - 2006. - N. 20.

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I capolavori delle belle arti, in particolare, sono il riflesso del percorso di una persona, l'incarnazione di un sentimento che non può essere descritto a parole. Forse hanno un significato più profondo e fondamentale. Paul Gauguin, il cacciatore di segreti e, come veniva chiamato, il famoso "creatore di miti", cercò di trovarlo.

Paul Gauguin era quella persona creativa che comprende cose nuove al volo, costantemente impegnata nell'autoeducazione. Ma quello che ha visto, lo ha percepito a modo suo, inconsciamente lo ha introdotto nel suo mondo artistico e lo ha combinato con altre parti. Ha creato il mondo delle sue fantasie e dei suoi pensieri, ha creato la sua mitologia. Iniziando come artista autodidatta, Gauguin fu influenzato dalla scuola di Barbizon, dagli impressionisti, dai simbolisti e dai singoli artisti con cui il destino lo affrontò. Ma, avendo acquisito le competenze tecniche necessarie, ha sentito un bisogno irresistibile di trovare la propria strada nell'arte, che gli avrebbe permesso di esprimere i suoi pensieri e le sue idee.

Eugène Henri Paul Gauguin nato il 7 giugno 1848 a Parigi. Questa volta cadde negli anni della Rivoluzione francese. Nel 1851, dopo il colpo di stato, la famiglia si trasferì in Perù, dove il ragazzo rimase affascinato dalla bellezza luminosa e unica di un paese sconosciuto. Suo padre, un giornalista liberale, morì a Panama e la famiglia si stabilì a Lima.

Fino all'età di sette anni, Paul visse in Perù con sua madre. I "contatti" dei bambini con la natura esotica, con i vivaci costumi nazionali furono profondamente depositati nella sua memoria e influenzarono la sua costante voglia di cambiare posto. Dopo essere tornato in patria nel 1855, ripeteva costantemente che sarebbe tornato nel "paradiso perduto".

Gli anni dell'infanzia trascorsi a Lima e Orleans determinarono il destino dell'artista. Dopo essersi diplomato al liceo nel 1865, Gauguin, da giovane, entra nella flotta mercantile francese e viaggia per il mondo per sei anni. Nel 1870-1871, il futuro artista prende parte alla guerra franco-prussiana, alle battaglie nel Mediterraneo e nel Mare del Nord.

Ritornato a Parigi nel 1871, Gauguin si manifesta come agente di cambio sotto la guida del suo ricco tutore Gustave Arosa. A quel tempo, Arosa era un eccezionale collezionista di dipinti francesi, compresi dipinti impressionisti contemporanei. Fu Arosa a risvegliare in Gauguin l'interesse per l'arte e a sostenerlo.

I guadagni di Gauguin erano molto dignitosi e nel 1873 Paul sposò la danese Mette Sophie Gad, che prestò servizio come governante a Parigi. Gauguin iniziò a decorare la casa in cui si stabilirono gli sposi con i dipinti che acquistò e collezionò, a cui si interessò seriamente. Paul conosceva molti pittori, ma Camille Pissarro, che credeva che “puoi rinunciare a tutto! per amore dell'arte” è l'artista che ha lasciato la più grande impronta emotiva nella sua mente.

Paul iniziò a dipingere e, ovviamente, cercò di vendere le sue creazioni. Seguendo l'esempio di Arosa, Gauguin acquista tele impressioniste. Nel 1876 espose i suoi dipinti al Salon. La moglie lo considerava infantile e comprare quadri era uno spreco di denaro.

Nel gennaio 1882 la borsa francese crollò, così come la banca Gauguin scoppiare. Alla fine Gauguin si separò dall'idea di trovare un lavoro e, dopo dolorose riflessioni, nel 1883 fece una scelta, dicendo a sua moglie che dipingere era l'unico modo per guadagnarsi da vivere. Stordita e spaventata dalla notizia inaspettata, Mette ricorda a Paul che hanno cinque figli e che nessuno compra i suoi quadri, e tutto invano! La rottura definitiva con la moglie lo privò della casa. Vivendo alla giornata con denaro preso in prestito per commissioni future, Gauguin non si tira indietro. Paul cerca ostinatamente la propria strada nell'arte.

Nei primi dipinti Gauguin prima metà degli anni Ottanta dell'Ottocento, eseguito al livello della pittura impressionista, non c'è nulla di insolito per cui varrebbe la pena lasciare anche un lavoro mediamente retribuito, le circostanze lo costrinsero a trasformare il suo hobby in un mestiere che avrebbe fornito a lui e alla sua famiglia un mezzo di sostentamento.

Gauguin a quel tempo si considerava un pittore? Il Copenhagen "", scritto nell'inverno 1884-1885, segna un punto di svolta importante nella vita di Gauguin ed è il punto di partenza per modellare l'immagine dell'artista, che creerà nel corso della sua carriera.

Gauguin ha registrato una svolta importante nella sua vita: un anno fa ha lasciato il lavoro, ponendo fine per sempre alla sua carriera di agente di cambio e all'esistenza di un rispettabile borghese, ponendosi il compito di diventare un grande artista.

Nel giugno 1886 Gauguin si parte per Pont – Aven, cittadina della costa meridionale della Bretagna, dove si conservano ancora usi, costumi e vecchi costumi originali. Gauguin scriveva che Parigi è “un deserto per i poveri. [...] Andrò a Panama e vivrò lì come un selvaggio. […] Porterò con me pennelli e colori e troverò nuova forza lontano dalla società delle persone.”

Non solo la povertà ha allontanato Gauguin dalla civiltà. Avventuriero dall'animo inquieto, ha sempre cercato di scoprire cosa si nasconde oltre l'orizzonte. Ecco perché amava così tanto gli esperimenti artistici. Era attratto dalle culture esotiche durante i viaggi e voleva immergersi in esse alla ricerca di nuovi modi di espressione visiva.

Qui si avvicina a M. Denis, E. Bernard, C. Laval, P. Serusier e C. Filizhe. Gli artisti studiavano con entusiasmo la natura, che sembrava loro una misteriosa azione mistica. Due anni dopo, un gruppo di pittori seguaci di Gauguin, riuniti attorno a Serusier, riceverà il nome "Nabis", che in ebraico significa "Profeti". A Pont-Aven, Gauguin dipinge quadri della vita dei contadini, in cui utilizza contorni semplificati e una composizione rigorosa. Il nuovo linguaggio pittorico di Gauguin suscitò un vivace dibattito tra gli artisti.

Nel 1887 si recò in Martinica, che lo affascinò con l'esotismo semi dimenticato dei tropici. Ma la febbre della palude costrinse l'artista a tornare in patria, dove lavorò e completò le cure ad Arles. Nello stesso periodo viveva lì il suo amico Van Gogh.

Qui inizia a provare con un disegno "infantile" semplificato - senza ombre, ma con colori molto accattivanti. Gauguin cominciò a ricorrere a un colore più colorato, a imporre masse più spesse, a comporre con maggiore rigore. È stata un’esperienza decisiva che preannunciava nuove conquiste. Le opere di questo periodo includono le opere "" (1887), "" (1887).

Dipinti della Martinica furono esposti a Parigi nel gennaio 1888. Il critico Felix Feneon ha trovato nell'opera di Gauguin "acrimonia e carattere barbarico", anche se si riconosce che "questi quadri orgogliosi" danno già una comprensione della natura creativa dell'artista. Tuttavia, per quanto fruttuoso sia stato il periodo della Martinica, non costituì un punto di svolta nell'opera di Gauguin.

Una caratteristica di tutti i tipi di creatività Paolo Gauguinè il desiderio di andare oltre la mentalità sulla base della quale si è determinata la sua arte "europea", il suo desiderio di arricchire la tradizione artistica europea con nuovi mezzi pittorici, permettendo in modo diverso di guardare il mondo che lo circonda, che pervade tutto le ricerche creative dell'artista.

Nel suo famoso dipinto "" (1888), l'immagine notevolmente dispiegata su un piano è divisa verticalmente in zone condizionali situate, come nei "primitivi" medievali o nel kakemono giapponese, l'una di fronte all'altra. In una natura morta, allungata verticalmente, l'immagine si svolge dall'alto verso il basso. La somiglianza di un rotolo medievale è stata costruita contrariamente ai metodi generalmente accettati di costruzione di una composizione. Su un piano bianco splendente - lo sfondo - come una palizzata, una catena di occhiali separa il livello superiore dai cuccioli. Questa è una sorta di struttura unica degli elementi di un'antica xilografia giapponese dell'artista giapponese Utagawa Kuniyoshi "" e " Natura morta con fiocco» Paul Cézanne.

L'immagine "", una sorta di manifestazione della stessa idea di confronto "distanti e diversi", per dimostrare la loro relazione, come in " Natura morta con testa di cavallo". Ma questa idea si esprime in un linguaggio plastico diverso - con un completo rifiuto di ogni illusione e plausibilità naturale, sottolineata da incoerenze su larga scala e dalla stessa interpretazione ornamentale e decorativa del materiale. Qui puoi vedere un confronto tra "diverse epoche" della cultura pittorica: la parte superiore dell'immagine notevolmente grossolana e semplificata, come le prime forme di arte "primitiva", e la parte inferiore, che indica lo stadio finale della sua evoluzione moderna.

Sentendo l'influenza dell'incisione giapponese, Gauguin abbandonò la modellazione delle forme, rendendo il disegno e la colorazione più espressivi. Nei suoi dipinti l'artista iniziò a enfatizzare la natura planare della superficie pittorica, accennando solo ai rapporti spaziali e rifiutando risolutamente la prospettiva aerea, costruendo le sue composizioni come una sequenza di piani piatti.

Ciò ha portato alla creazione del simbolismo sintetico. Il nuovo stile sviluppato dal suo contemporaneo e artista Emile Bernard lasciò una forte impressione su Gauguin. percepito Gauguin cloisonismo, la cui base era un sistema di macchie di colore brillante sulla tela, divise in più piani di colori diversi con linee di contorno nette e bizzarre, applicò nel suo dipinto compositivo "" (1888). Spazio e prospettiva scompaiono completamente dal quadro, lasciando il posto alla costruzione cromatica della superficie. Il colore di Gauguin è diventato più audace, più decorativo e saturo.

In una lettera a Van Gogh nel 1888, Gauguin scrisse che nel suo dipinto sia il paesaggio che la lotta di Giacobbe con l'angelo vivono solo nelle congetture di coloro che pregano dopo il sermone. Da qui nasce il contrasto tra persone reali e figure battenti sullo sfondo del paesaggio, sproporzionato e irreale. Indubbiamente, sotto Jacob in difficoltà, Gauguin intendeva se stesso, combattendo costantemente con circostanze di vita avverse. Le donne bretoni in preghiera sono testimoni indifferenti del suo destino: comparse. L'episodio della lotta viene presentato come una scena immaginaria, onirica, che corrisponde alle inclinazioni dello stesso Giacobbe, che in sogno si presentava con una scala con angeli.

Ha creato la sua tela secondo l'opera di Bernard "", ma questo non significa ancora l'influenza del dipinto su di lui, poiché sia ​​la tendenza generale dell'evoluzione creativa di Gauguin, sia alcune delle sue opere precedenti testimoniano una nuova visione e l'incarnazione di questa visione nella pittura.

Donne bretoni Gauguin non sembrano affatto sacri, i personaggi e i tipi vengono trasferiti, in modo abbastanza concreto. Ma in loro si risveglia uno stato di egocentrismo. I berretti bianchi con strascichi alati li paragonano agli angeli. L'artista ha rifiutato di trasferire il volume, da una prospettiva lineare, e costruisce una composizione in modo completamente diverso. Tutto è subordinato a un obiettivo: la trasmissione di un certo pensiero.

I due titoli del dipinto si riferiscono a due mondi diversi rappresentati sulla tela. Gauguin ha delimitato questi mondi, dividendoli compositivamente con un tronco d'albero potente e spesso, che attraversa obliquamente l'intera tela. Vengono introdotti diversi punti di vista: l'artista guarda le figure vicine un po' dal basso, il paesaggio - bruscamente dall'alto. Per questo motivo, la superficie della terra è quasi verticale, l'orizzonte è da qualche parte fuori dalla tela. Non rimane alcun ricordo della prospettiva lineare. C'è una sorta di "immersione", diretta dalla "prospettiva" dall'alto verso il basso.

Nell'inverno del 1888, Gauguin si reca ad Arles e lavora con Van Gogh, che sognava di creare una confraternita di artisti. Il lavoro congiunto di Gauguin con Van Gogh raggiunse il suo culmine, terminando con uno scontro per entrambi gli artisti. Dopo l'attacco di Van Gogh all'artista, a Gauguin fu rivelato il significato esistenziale della pittura, che distrusse completamente il sistema chiuso di cloisonismo che aveva costruito.

Dopo essere stato costretto a fuggire da Van Gogh in un albergo, Gauguin si divertì a lavorare con il vero fuoco nella ceramica parigina di Chaplin e creò il dialogo più toccante nella vita di Vincent Van Gogh: un vaso con la faccia di Van Gogh e un orecchio tagliato al posto del manico, su cui si diffondono ruscelli di annaffiature rosse. Gauguin si dipingeva come un artista maledetto, vittima del tormento creativo.

Dopo Arles, dove Gauguin, contrariamente alla volontà di Van Gogh, rifiutò di restare, si recò da Pont-Aven a Le Pouldu, dove si susseguono le sue famose tele con un crocifisso bretone, e poi si cercò a Parigi, gettandosi in giro che si conclude con la partenza per l'Oceania da - per un conflitto diretto con l'Europa.

Nel villaggio di Le Pouldu, Paul Gauguin dipinse il suo dipinto "" (1889). Gauguin Volevo sperimentare, secondo lui, la "qualità selvaggia e primitiva" della vita contadina, il massimo possibile nella solitudine. Gauguin non copiò la natura, ma la usò per disegnare con essa immagini immaginarie.

" è un chiaro esempio del suo metodo: vengono rifiutate sia la prospettiva che la modulazione cromatica naturalistica, il che fa sembrare l'immagine come vetrate colorate o stampe giapponesi che hanno ispirato Gauguin per tutta la sua vita.

La differenza tra Gauguin prima di venire ad Arles e Gauguin dopo è evidente sull'esempio dell'interpretazione della trama senza pretese e abbastanza chiara "". "" (1888) è ancora permeato dello spirito dell'epitaffio, e l'antica danza bretone, con il suo accentuato arcaismo, i movimenti inetti e costretti delle ragazze, si adatta perfettamente all'assoluta immobilità alla base di una composizione stilizzata di figure geometriche. Piccoli Bretoni: questi sono due piccoli miracoli, congelati come due statue in riva al mare. Gauguin li dipinse l'anno successivo, nel 1889. Al contrario, stupiscono con il principio compositivo di apertura, squilibrio, che riempie queste figurine scolpite da materiale inanimato con speciale vitalità. Due idoli, sotto forma di piccoli bretoni, offuscano il confine tra il mondo reale e l'altro mondo, che abitava le tele successive di Gauguin.

All'inizio del 1889 a Parigi, nel caffè "Voltaire", durante la XX Esposizione Mondiale di Bruxelles, Paul Gauguin mostra diciassette dei suoi dipinti. L'esposizione delle opere di Gauguin e degli artisti della sua scuola, chiamata dalla critica la "Mostra degli impressionisti e dei sintetisti", non ebbe successo, ma diede origine al termine "sintetismo", che unì la tecnica del clausonismo e del simbolismo, sviluppando in direzione opposta al puntinismo.

Paul Gauguin era profondamente turbato dall'immagine di un uomo solitario, incompreso e sofferente per i suoi ideali di Cristo. Nella comprensione del maestro, il suo destino è strettamente correlato al destino di una persona creativa. Di Gauguin, l'artista è un asceta, un santo martire, e la creatività è la via della croce. Allo stesso tempo, l'immagine del maestro emarginato è autobiografica per Gauguin, perché spesso non veniva compreso l'artista stesso: il pubblico - le sue opere, la famiglia - il percorso che aveva scelto.

L'artista si è rivolto al tema del sacrificio e della Via Crucis nei dipinti raffiguranti la crocifissione di Cristo e la sua deposizione dalla croce - "" (1889) e "" (1889). La tela "" raffigura una "Crocifissione" in legno policromo di maestro medievale. Ai suoi piedi, tre donne bretoni si inchinavano e si immobilizzavano in pose di preghiera.

Allo stesso tempo, l'immobilità e la maestosità delle pose danno loro una somiglianza con monumentali sculture in pietra, e la figura ferita di Cristo crocifisso con il volto pieno di dolore, al contrario, sembra “viva”. Il contenuto emotivo dominante dell'opera può essere definito tragicamente senza speranza.

Il dipinto "" sviluppa il tema del sacrificio. Si basa sull'iconografia della pietà. Su uno stretto piedistallo alto c'è un gruppo scultoreo in legno con la scena "Compianto di Cristo" - un frammento di un vecchio monumento medievale, di tanto in tanto verde, a Nizon. Ai piedi c'è una donna bretone triste, immersa in pensieri cupi e che tiene in mano una pecora nera: simbolo di morte.

Viene nuovamente utilizzato il metodo di “rivitalizzare” il monumento e trasformare una persona vivente in un monumento. Rigorose statue lignee in piedi frontalmente di donne portatrici di mirra, in lutto per il Salvatore, l'immagine tragica di una donna bretone conferiscono alla tela uno spirito veramente medievale.

Gauguin ha eseguito numerosi autoritratti, dipinti in cui si è identificato con il Messia. Una di queste opere è "" (1889). In esso, il maestro si raffigura, per così dire, in tre forme. Al centro c'è un autoritratto, in cui l'artista appare cupo e depresso. La seconda volta i suoi lineamenti si indovinano nella grottesca maschera di ceramica di un selvaggio sullo sfondo.

Nel terzo caso, Gauguin è catturato nell'immagine di Cristo crocifisso. L'opera si distingue per la versatilità simbolica: l'artista crea un'immagine complessa e multivalore della propria personalità. Agisce contemporaneamente come un peccatore - un selvaggio, un principio animale e un santo - un salvatore.

Nell'autoritratto "" (1889) - una delle sue opere più tragiche - Gauguin si confronta nuovamente con Cristo, immerso in pensieri dolorosi. Una figura piegata, una testa chinata e le mani abbassate impotenti esprimono dolore e disperazione. Gauguin eleva se stesso al livello del Salvatore, e presenta Cristo come persona non esente da tormenti e dubbi morali.

Appare ancora più ardito» (1889), dove il maestro si presenta sotto forma di «santo sintetico». Questo è un autoritratto: una caricatura, una maschera grottesca. Tuttavia, non tutto è così chiaro in questo lavoro. In effetti, per il gruppo di artisti che si radunavano attorno a Gauguin a Le Pouldu, era una sorta di nuovo Messia, che camminava lungo un sentiero spinoso verso gli ideali dell'arte genuina e della libera creatività. L'amarezza e il dolore sono nascosti dietro una maschera senza vita e un divertimento simulato, quindi "" è percepito come l'immagine di un artista o santo ridicolizzato.

Nel 1891 Gauguin dipinge una grande tela simbolica "" e, con l'aiuto di amici, prepara il suo primo viaggio a Tahiti. Il successo della vendita dei suoi quadri nel febbraio 1891 gli permise di partire già all'inizio di aprile.

Il 9 giugno 1891 Gauguin arriva a Papeete e si tuffa a capofitto nella cultura indigena. A Tahiti, per la prima volta dopo molti anni, si sentì felice. Nel corso del tempo divenne un paladino dei diritti della popolazione locale e, di conseguenza, un piantagrane agli occhi delle autorità coloniali. Ancora più importante, sviluppò un nuovo stile chiamato primitivismo: piatto, pastorale, spesso eccessivamente colorato, semplice e spontaneo, completamente originale.

Ora usa una peculiare rotazione dei corpi, caratteristica dei dipinti egiziani: una combinazione di una rotazione diretta delle spalle con una rotazione delle gambe in una direzione e della testa nella direzione opposta, una combinazione che crea un certo ritmo musicale. : “ Mercato"(1892); le pose aggraziate delle donne tahitiane, immerse nei sogni, si spostano da una zona di colore all'altra, la ricchezza di sfumature colorate crea la sensazione di un sogno riversato nella natura: "" (1892), "" (1894).

Con la sua vita e la sua opera realizzò il progetto di un paradiso terrestre. Nel dipinto "" (1892), raffigurò la Eva tahitiana nella posa dei rilievi dei templi di Borobudur. Accanto a lei, sul ramo di un albero, al posto del serpente, c'è una fantastica lucertola nera con ali rosse. Il personaggio biblico appariva in una stravagante veste pagana.

Sulle tele scintillanti di colori, che glorificano il fascino della straordinaria armonia con la tonalità dorata della pelle delle persone e la natura esotica della natura primordiale, la compagna di vita tredicenne di Tekhura, secondo i concetti locali, sua moglie, è invariabilmente presente. Gauguin l'ha immortalata su molte tele, tra cui " Amico" (Mercato), "", "".

La giovane e fragile figura di Tehura, sulla quale aleggiano i fantasmi degli antenati, incutendo paura ai tahitiani, dipinse nel dipinto "" (1892). Il lavoro era basato su eventi reali. L'artista si recò a Papeete e vi rimase fino a sera. Tehura, la giovane moglie tahitiana di Gauguin, era allarmata, sospettando che suo marito frequentasse di nuovo donne corrotte. L'olio nella lampada finì e Tehura rimase nell'oscurità.

Nella foto, la ragazza sdraiata a pancia in giù viene cancellata dalla bugiarda Tekhura, e lo spirito maligno che custodisce i morti - tupapau, è raffigurato come una donna seduta sullo sfondo. Lo sfondo viola scuro dell'immagine dona un'atmosfera misteriosa.

Tekhura fu il modello per molti altri dipinti. Così nel dipinto "" (1891), appare nelle sembianze di una Madonna con un bambino in braccio, e nella tela "" (1893), è raffigurata sotto forma di Eva tahitiana, nelle cui mani un il frutto del mango ha sostituito una mela. La linea elastica dell'artista delinea il busto e le spalle forti della ragazza, gli occhi alzati alle tempie, le ampie ali del naso e le labbra carnose. L'Eva tahitiana personifica la brama del "primitivo". La sua bellezza è associata alla libertà e alla vicinanza alla natura, a tutti i segreti del mondo primitivo.

Nell'estate del 1893, lo stesso Gauguin distrusse la sua felicità. Tehura, rattristato, lasciò che Paul andasse a Parigi per mostrare i suoi nuovi lavori e ricevere la sua piccola eredità. Gauguin iniziò a lavorare in un laboratorio in affitto. La mostra in cui l'artista ha esposto i suoi nuovi dipinti è fallita miseramente: il pubblico e la critica ancora una volta non lo hanno capito.

Nel 1894, Gauguin tornò a Pont-Aven, ma in una lite con i marinai si ruppe una gamba, a seguito della quale non poté lavorare per qualche tempo. La sua giovane compagna, ballerina del cabaret di Montmartre, lascia l'artista in Bretagna in un letto d'ospedale e fugge a Parigi, impossessandosi della proprietà del laboratorio. Per guadagnare almeno un po' di soldi per partire, alcuni amici di Gauguin organizzano un'asta per la vendita dei suoi quadri. La vendita non ha avuto successo. Ma in questo breve tempo riesce a creare una meravigliosa serie di xilografie in maniera contrastante, che raffigurano i misteriosi e temibili riti tahitiani. Nel 1895 Gauguin lascia la Francia, ormai per sempre, e si reca a Tahiti a Punaauia.

Ma quando ritornò a Tahiti, nessuno lo aspettava. L'ex amante ne sposò un altro, Paul cercò di sostituirla con la tredicenne Pakhura, che gli diede due figli. In mancanza di amore, cercò consolazione con modelle meravigliose.

Depresso dalla morte della figlia Aline, morta in Francia di polmonite, Gauguin cade in una grave depressione. L'idea del significato della vita, del destino umano permea le opere religiose e mistiche di questo tempo, il cui segno distintivo è la plasticità dei ritmi classici. Ogni mese diventa sempre più difficile per un artista lavorare. Dolori alle gambe, attacchi di febbre, vertigini, perdita graduale della vista privano Gauguin della fiducia in se stesso, nel successo della creatività personale. In completa disperazione e disperazione, Gauguin alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento scrisse alcune delle sue opere migliori" La moglie del re», « Maternità», « regina di bellezza», « Mai e poi mai"", "". Posizionando figure quasi statiche su uno sfondo di colore piatto, l'artista crea pannelli decorativi colorati, dove si riflettono leggende e credenze Maori. In essi, un artista mendicante e affamato incarna il suo sogno di un mondo ideale e perfetto.

Regina di bellezza. 1896. Acquerello su carta

Alla fine del 1897, a Punaauia, a circa due chilometri dal porto tahitiano di Papeete, Gauguin iniziò a creare il suo dipinto più grande e importante. La sua borsa era quasi vuota, era indebolito dalla sifilide e da infarti debilitanti.

Una grande tela epica "" può essere definita un conciso trattato filosofico e allo stesso tempo un testamento di Gauguin. " Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?” - queste domande estremamente semplici, scritte Paolo Gauguin nell'angolo della sua ingegnosa tela tahitiana, si trovano infatti le questioni centrali della religione e della filosofia.

Questa è un'immagine estremamente potente in termini di impatto sullo spettatore. Nelle immagini allegoriche, Gauguin raffigurava su di esso i problemi che attendono una persona, il desiderio di scoprire i segreti dell'ordine mondiale, la sete di piacere sensuale, la saggia calma, la pace e, naturalmente, l'inevitabilità dell'ora del morte. Il percorso di ogni singola persona e il percorso della civiltà nel suo insieme hanno cercato di incarnare il famoso postimpressionista.

Gauguin sapeva che il suo tempo stava per scadere. Credeva che questa foto sarebbe stata la sua ultima opera. Dopo averlo finito, si recò sulle montagne dietro Papeete per suicidarsi. Portò con sé una bottiglia di arsenico che era stata conservata in anticipo, probabilmente non sapendo quanto fosse dolorosa la morte per questo veleno. Si aspettava di perdersi tra le montagne prima di prendere il veleno in modo che il suo cadavere non venisse ritrovato, ma diventasse cibo per le formiche.

Tuttavia, il tentativo di avvelenamento, che causò terribili sofferenze all’artista, si concluse fortunatamente con un fallimento. Gauguin tornò a Punaauia. E nonostante la sua vitalità stesse per esaurirsi, decise di non arrendersi. Per sopravvivere trovò lavoro come impiegato presso l'Ufficio dei Lavori Pubblici e della Ricerca di Papeete, dove veniva pagato sei franchi al giorno.

Nel 1901, alla ricerca di una solitudine ancora maggiore, si trasferì nella piccola e pittoresca isola di Khiva - Oa nelle lontane Isole Marchesi. Lì costruì una capanna. Sulla porta trave di legno della capanna Gauguin scolpì l'iscrizione "Maison de juire" ("Casa delle delizie" o "Residente del divertimento") e visse con la quattordicenne Marie-Rose, divertendosi con altre bellezze esotiche.

Gauguin è soddisfatto della sua "Casa delle Delizie" e della sua indipendenza. “Avrei solo due anni di salute e non troppe preoccupazioni finanziarie che mi tormentano sempre...” - scrive l'artista.

Ma il modesto sogno di Gauguin non voleva realizzarsi. Uno stile di vita indecente minò ulteriormente la sua salute indebolita. Gli attacchi di cuore continuano, la vista peggiora e c'è un dolore costante alla gamba che non permette di dormire. Per dimenticare e alleviare il dolore, Gauguin consuma alcol e morfina e pensa di tornare in Francia per farsi curare.

Il sipario è pronto a calare. È stato inquietante negli ultimi mesi Gauguin gendarme capo della polizia, accusando un negro che viveva nella valle di aver ucciso una donna. L'artista difende il negro e resiste alle accuse, accusando il gendarme di abuso di potere. Un giudice tahitiano condanna Gauguin a tre mesi per oltraggio a un gendarme e una multa di mille franchi. Si può fare appello solo a Papeete, ma Gauguin non ha i soldi per il viaggio.

Esausto per la sofferenza fisica, spinto alla disperazione dalla mancanza di denaro, Gauguin non riesce a concentrarsi per continuare il suo lavoro. Solo due persone gli sono vicine e fedeli: il prete protestante Vernier e il vicino Thioka.

La coscienza di Gauguin è sempre più perduta. Trova già con difficoltà le parole giuste, confonde il giorno con la notte. La mattina presto, l'8 maggio 1903, Vernier fece visita all'artista. Il difficile stato dell'artista quella mattina non durò a lungo. Dopo aver aspettato che un amico si sentisse meglio, Vernier se ne andò e alle undici Gauguin morì sdraiato sul letto. Eugene Henri Paul Gauguin fu sepolto nel cimitero cattolico di Khiva - Oa. Morto di infarto, il lavoro di Gauguin esplose quasi immediatamente in Europa in modo folle. I prezzi dei quadri sono saliti alle stelle...

Gauguin ha conquistato il suo posto nell'Olimpo dell'arte a costo del suo benessere e della sua vita. L'artista è rimasto estraneo alla propria famiglia, alla società parigina, estraneo alla sua epoca.

Gauguin aveva un temperamento pesante, lento, ma potente e un'energia colossale. Fu solo grazie a loro che poté, in condizioni disumanamente difficili, condurre una feroce lotta con la vita per la vita fino alla morte. Ha trascorso tutta la sua vita in incessanti sforzi per sopravvivere e preservarsi come persona. Arrivò troppo tardi e troppo presto, questa fu la tragedia dell'universale Gauguin genio.

Eugène Henri Paul Gauguin - Pittore, scultore, ceramista e grafico francese. Insieme a Cézanne e Van Gogh era il più grande rappresentante post impressionismo. Primi anni '70 dell'Ottocento anni cominciò a dipingere come dilettante. Il primo periodo di creatività è associato a impressionismo. Dal 1880 Partecipa a mostre degli impressionisti. CON 1883 artista professionista.

Sia nella vita che nell'opera di Gauguin, tutto è straordinariamente insolito, tutto è confuso, contraddittorio, tutto è luminoso, colorato, tutto è permeato dallo spirito di protesta contro le solite norme stabilite, contro un'esistenza liscia e serena.

La vita di Gauguin, piena di vicissitudini, dimostrò che egli credeva profondamente in tutto ciò che predicava. Ecco perché ogni evento della sua vita, ogni parola pronunciata dall'artista in una o un'altra occasione acquista un significato speciale.

Per comprendere l'artista e i suoi dipinti, torniamo alla sua biografia.

Gauguin. Parigi. Inverno 1891

SULL'ARTISTA

Paul Gauguin è nato nel 1848. Suo padre era un giornalista e sua madre proviene da una ricca famiglia peruviana e fino all'età di sette anni Paul ha vissuto con la famiglia di sua madre in Perù.

Nel 1855, quando Paul aveva 7 anni, tornò in Francia con sua madre e si stabilì a Orleans con suo nonno. Gauguin impara rapidamente il francese e inizia a eccellere nell'istruzione. All'età di 20 anni va a prestare servizio in Marina per 2 anni. Nel 1871 Gauguin tornò a Parigi, dove ottenne un posto come agente di cambio.

Mette e Paul Gauguin. Copenaghen, 1885

All'inizio del 1873, Gauguin incontrò una giovane donna danese, Matt-Sophie Gad, venuta in Francia per le vacanze, e la sposò. La moglie considera l'intrattenimento del marito il passatempo più innocuo.La coppia ha avuto cinque figli

Nei dieci anni successivi la posizione di Gauguin nella società si rafforzò. Aveva una casa confortevole nella periferia di Parigi, la sua amata moglie gli diede cinque figli. Nel tempo libero Gauguin dedica molto tempo al suo hobby: la pittura. Tutto è iniziato collezionando dipinti, poi Gauguin ha iniziato a provare a scrivere se stesso

Gauguin amava disegnare fin dall'infanzia, ma solo dopo aver incontrato il pittore impressionista Camille Pissarro, che a sua volta presentò Gauguin ad altri artisti, iniziò a dipingere regolarmente e alla fine espose alle mostre impressioniste nel 1881 e 1882.

Nel 1884 Gauguin si trasferì con la famiglia a Copenaghen, dove continuò a lavorare come intermediario. Tuttavia, essendo diventato un pittore a tempo pieno, Paul lasciò la moglie e i cinque figli in Danimarca e tornò a Parigi nel 1885.

Gauguin e i suoi figli Emil e Alina.

Mette, la moglie di Gauguin con i bambini.

Il sentimento di completa perdita, l'incapacità di superare la situazione ostile che si è sviluppata intorno a lui, è aggravato dall'atteggiamento della moglie e dei parenti.

“...Da sei mesi ormai non parlo”, scrive, “l'isolamento è il più totale, è naturale che per la famiglia io sia un mostro che non guadagna soldi..., e mi viene rimproverato , Naturalmente in relazione alla pittura, per la quale non sono un finanziere famoso."

Ma Matt non riusciva a capire suo marito quando decise di dedicarsi interamente all'arte. Il matrimonio tra loro effettivamente si sciolse nel 1885, il che non impedì a Matt per molto tempo (almeno fino al 1892) di aiutare Paul ad esporre e di essere effettivamente il suo agente in Danimarca.

Da quel momento iniziano i suoi vagabondaggi per il mondo.

Fin dall'infanzia, trascorsa in Perù (nella terra natale della madre), attratto dai luoghi esotici e considerando la civiltà una “malattia”, Gauguin, desideroso di “fondersi con la natura”, parte nel 1891 per Tahiti, dove vive a Papeete e dove nel 1892 scrive ben 80 tele.

Qui ha dipinto non solo dipinti, ma anche libri, ha creato le sue sculture uniche. Gauguin scrisse: "Posizio sculture ovunque sull'erba. È argilla ricoperta di cera. In primo luogo, una figura femminile nuda, poi un magnifico leone fantastico che gioca con il suo cucciolo di leone. Gli indigeni, che non hanno mai visto predatori, sono completamente sbalorditi. "

Vide che gli abitanti delle isole avevano molte abitudini non del tutto piacevoli e barbare, vide quanti nuovi vizi gli europei che navigavano qui instillarono in queste persone ingenue. Ma ancora e ancora lui stesso ha ricreato il paradiso che una volta lo aveva affascinato, ha eretto la propria casa dei piaceri.

La quattordicenne Marie-Rose Waeoho era ora la sua vahina ufficiale (preferita), ma oltre a lei molte ragazze locali venivano a casa sua.

Autoritratto con "Cristo Giallo". 1890

Dopo un breve ritorno in Francia (1893-1895), a causa di malattia e mancanza di fondi, parte per sempre per l'Oceania: prima a Tahiti, e dal 1901 nell'isola di Hiva-Oa (Isole Marchesi), dove sposa una giovane Donna tahitiana e lavora a pieno ritmo.

Casa di Gauguin

Al secondo piano a sinistra c'era una piccola camera da letto, a destra un ampio laboratorio. La porta era circondata da pannelli di legno intagliato e dipinto. Dalla finestra del laboratorio, Gauguin utilizzò una canna da pesca per prendere una brocca d'acqua dal pozzo.

La casa di Gauguin a Punaauia e una statua di una donna nuda. Foto

Il modello preferito di Gauguin non era Vaeoho, con il quale viveva, ma Tohotahua dai capelli rossi della vicina isola di Tahuata. È curioso che a causa dell'antica mescolanza di razze, non solo nelle Marchesi, ma anche in altre parti della Polinesia, al momento della loro scoperta da parte degli europei, c'erano molti indigeni dai capelli rossi. E da quanto la gente ricordava, c'erano sempre persone dai capelli rossi nella famiglia Tohotaua. Ha posato, in particolare, per un interessante dipinto di Gauguin "Barbarian Tales"

Qui Gauguin trascorrerà l'ultimo anno e mezzo della sua vita. È impegnato nella pittura e nella scultura, continua a lavorare come giornalista, scrive storie, entra in continui conflitti con le autorità e i rappresentanti della missione cattolica - e gradualmente perde forza.

Nonostante la malattia, la povertà e la depressione, che lo portarono a tentare il suicidio, Gauguin scrisse lì le sue opere migliori. L'osservazione della vita reale e dello stile di vita dei popoli dell'Oceania si intrecciano con i miti locali.

Su grandi tele planari crea composizioni statiche e contrastanti di colore, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.

Descrivendo la succosa bellezza pura della natura tropicale, persone naturali non contaminate dalla civiltà, l'artista ha cercato di realizzare il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura.

In una delle sue ultime lettere ad un amico, disse: "Sono sconfitto, ma non ancora sconfitto. L'indiano che sorride sotto tortura è sconfitto? In effetti, i selvaggi sono migliori di noi. No, è così: sono un selvaggio. I civili lo sentono, perché nelle mie opere è proprio questa "ferocia involontaria" che sorprende e sconcerta. Per questo non posso essere imitato."

L'8 maggio 1903, dopo diversi giorni di sofferenze fisiche e morali, Paul Gauguin morì. Gli indigeni che vennero a casa dell'artista si lamentarono del suo corpo: "Gauguin è morto, noi non ci siamo più".

Paul Gauguin, meglio di chiunque altro, ha riassunto il suo destino e la sua opera: "Sono un grande artista e lo so perché è così. Ho sopportato molto. Il mio centro creativo è nel cervello, e non altrove. Sono forte perché nessuno mi ha portato da nessuna parte dal percorso che ho scelto, e rimango fedele a ciò che è in me.

Autoritratto con gli occhiali. 1903

La gloria arrivò all'artista dopo la sua morte, quando nel 1906 227 delle sue opere furono esposte a Parigi.

Le conquiste tecniche di Gauguin, una nuova comprensione del colore, un'attenzione particolare al disegno che enfatizza i contorni, il rapporto tra colore e disegno, colore e linea, il desiderio di massimizzare e allo stesso tempo semplificare questi elementi, gli effetti decorativi di un appartamento immagine e, soprattutto, la completa subordinazione del linguaggio pittorico al significato di ciò che viene raffigurato: tutto ciò è entrato saldamente nell'arte del 20 ° secolo.

Bouquet e bambini tahitiani.

E tu non sei geloso?

Ritratto di Marie Derien

Paesaggio di Tahiti.

Due ragazze.

Due tahitiani.

Giorno dei Santi.

Lo spirito dei morti non dorme.

Gauguin scrisse "Lo spirito dei morti non dorme" nel 1892, in un remoto villaggio dell'isola di Tahiti. In questa immagine si osserva una miscela di finzione e realtà caratteristica dell'artista, quando le antiche leggende sono strettamente intrecciate con la vita dei tahitiani.

La giovane è presa da Tehura, la giovane moglie tahitiana di Gauguin. Lo spirito è raffigurato come una normale donnina. Il cupo sfondo viola del dipinto crea un'atmosfera appropriata.

Una donna che tiene in braccio un feto.

Tahitiano con mango.

Donne tahitiane sulla spiaggia.

L'interesse per Gauguin aumentava di anno in anno. A lui furono dedicati articoli e studi. Musei e grandi collezioni acquisirono i suoi dipinti e il "prezzo di mercato" per lui crebbe.

Questo prezzo aumentò particolarmente bruscamente nel dicembre 1942, quando il dipinto di Gauguin "Due figure su una roccia", dipinto nel 1889, fu venduto per 1.100 mila franchi, e nel 1956 "Contadino con cane" fu stimato a 18.500 mila franchi.

Natura morta con mele Paul Gauguin

Fino a quel momento nessun dipinto venduto all'asta era riuscito a raggiungere la soglia dei cento milioni di franchi. Ma il 14 giugno 1957, la "Natura morta con mele" di Gauguin superò questo limite: l'armatore greco Vassilis Goulandris la acquistò per 104 milioni di franchi.

Successivamente, il 25 novembre 1959, il dipinto tahitiano "Stai aspettando una lettera?" a Londra fu stimato in 130mila sterline, cioè circa centottanta milioni di franchi.

Gauguin, insieme a Cézanne e Van Gogh, è stato quindi uno dei tre artisti più "quotati" al mondo. Tutti i suoi schizzi vengono strappati l'uno dalle mani dell'altro. Nel giugno 1957, una delle sue lettere fu venduta all'Hotel Drouot per 600.000 franchi. Cosa c'era scritto in questa lettera? Ed ecco cosa: "Ora sono sconfitto, sconfitto dalla povertà..."

Foto: quando sarà il matrimonio?

Dipinto "Quando è il matrimonio?" fu scritto nel 1892, quando Gauguin prese una moglie tahitiana, Tehaamana,la chiamava Tekhura - allora aveva 13 anni. Il matrimonio tradizionale è stato organizzato dalla famiglia Tehaamana, per la quale il matrimonio con un bianco era un grande onore. Tehaamana fu il modello per molti dei dipinti di Gauguin del suo primo periodo tahitiano.La tela era abbastanza tipica dell’immagine di Tahiti in Occidente, tuttavia tali dipinti permettevano a Gauguin di ricevere denaro dai suoi amici.

Dipinto di Paul Gauguin scritto dall'artista su Tahiti nel 1892. A conduzione familiare da mezzo secolo Rudolf Stehlin, esposto inMuseo d'arte di Basilea. Nel 2015 il dipinto è stato vendutodipartimento del museo Qatar per la cifra record di 300 milioni di dollari.

Figlia di Gauguin e Techura

Era un imprenditore di successo e in pochi anni riuscì a mettere insieme una grande fortuna, sufficiente a provvedere a tutta la famiglia: sua moglie e cinque figli. Ma a un certo punto quest'uomo tornò a casa e disse che voleva scambiare il suo noioso lavoro finanziario con colori ad olio, pennelli e tele. Così lasciò la borsa e, trascinato dalla sua attività preferita, rimase senza nulla.

Ora le tele postimpressioniste di Paul Gauguin sono stimate in più di un milione di dollari. Ad esempio, nel 2015, il dipinto dell’artista intitolato “Quando è il matrimonio?” (1892), raffigurante due donne tahitiane e un pittoresco paesaggio tropicale, fu venduto all'asta per 300 milioni di dollari, ma si scoprì che durante la sua vita il talentuoso francese, come il suo collega di negozio, non ricevette il meritato riconoscimento e fama. Per amore dell'arte, Gauguin si condannò deliberatamente all'esistenza di un povero vagabondo e scambiò una vita ricca con la totale povertà.

Infanzia e gioventù

Il futuro artista nacque nella città dell'amore - la capitale della Francia - il 7 giugno 1848, in quel momento travagliato in cui gli sconvolgimenti politici attendevano il paese di Cézanne e Parmesan, influenzando la vita di tutti i cittadini - dai commercianti insignificanti ai grandi imprenditori . Il padre di Paul, Clovis, proveniva dalla piccola borghesia di Orleans, che lavorava come giornalista liberale nel quotidiano locale Nacional e copriva scrupolosamente le cronache degli affari di stato.

Sua moglie Alina Maria era originaria del soleggiato Perù, è cresciuta ed è stata allevata in una famiglia nobile. La madre di Alina e, di conseguenza, la nonna di Gauguin, figlia illegittima del nobile Don Mariano e Flora Tristan, aderirono alle idee politiche del socialismo utopico, divennero autrice di saggi critici e del libro autobiografico Wanderings of the Party. L'unione di Flora e suo marito André Chazal finì tristemente: lo sfortunato amante aggredì la moglie e finì in prigione per tentato omicidio.

A causa degli sconvolgimenti politici in Francia, Clovis, preoccupato per la sicurezza della sua famiglia, fu costretto a fuggire dal paese. Inoltre, le autorità hanno chiuso la casa editrice dove lavorava e il giornalista è rimasto senza mezzi di sussistenza. Pertanto, il capofamiglia, insieme alla moglie e ai bambini piccoli, si imbarcò su una nave per il Perù nel 1850.

Il padre di Gauguin era pieno di buone speranze: sognava di stabilirsi in uno stato sudamericano e, sotto l'egida dei genitori di sua moglie, fondare un proprio giornale. Ma i piani dell'uomo fallirono, perché durante il viaggio Clodoveo morì improvvisamente per un infarto. Pertanto, Alina è tornata in patria da vedova, insieme a Gauguin di 18 mesi e sua sorella Marie di 2 anni.

Fino all'età di sette anni, Paul visse in un antico stato sudamericano, la cui pittoresca periferia montuosa eccita l'immaginazione di ogni persona. Il giovane Gauguin aveva occhio per occhio: nella tenuta di suo zio a Lima, era circondato da servi e infermiere. Paul conservava un vivido ricordo di quel periodo dell'infanzia, ricordava con piacere le sconfinate distese del Perù, le impressioni dalle quali perseguitarono l'artista di talento per il resto della sua vita.

L'infanzia idilliaca di Gauguin in questo paradiso tropicale si concluse bruscamente. A causa dei conflitti civili scoppiati in Perù nel 1854, importanti parenti da parte di madre persero potere politico e privilegi. Nel 1855, Alina tornò in Francia con Marie per ricevere un'eredità da suo zio. La donna si stabilì a Parigi e iniziò a guadagnarsi da vivere come sarta, mentre Paul rimase a Orleans, dove fu allevato dal nonno paterno. Grazie alla perseveranza e al lavoro, nel 1861, i genitori di Gauguin divennero proprietaria del proprio laboratorio di cucito.

Dopo diverse scuole locali, Gauguin fu inviato in un prestigioso collegio cattolico (Petit Seminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin). Paul era uno studente diligente, quindi eccelleva in molte materie, ma la lingua francese era particolarmente buona per un giovane di talento.

Quando il futuro artista aveva 14 anni, entrò nella Scuola preparatoria navale di Parigi e si stava preparando per entrare nella scuola nautica. Ma, fortunatamente o sfortunatamente, nel 1865 il giovane fallì gli esami presso il comitato di selezione, quindi, senza perdere la speranza, fu assunto sulla nave come pilota. Così, il giovane Gauguin intraprese un viaggio attraverso sconfinate distese d'acqua e viaggiò continuamente in molti paesi, visitò il Sud America, sulla costa del Mediterraneo, esplorò i mari del nord.

Mentre Paul era in mare, sua madre morì di malattia. Gauguin rimase all'oscuro della terribile tragedia per diversi mesi, finché una lettera con notizie spiacevoli di sua sorella lo raggiunse mentre si recava in India. Nel suo testamento, Alina raccomandava ai suoi figli di fare carriera, perché, secondo lei, Gauguin, a causa del suo carattere ostinato, non avrebbe potuto contare su amici o parenti in caso di problemi.

Paul non contraddisse l'ultima volontà dei suoi genitori e nel 1871 andò a Parigi per iniziare una vita indipendente. Il giovane è stato fortunato, perché l'amico di sua madre Gustave Arosa ha aiutato l'orfano di 23 anni a uscire dagli stracci e diventare ricco. Gustave, un agente di cambio, raccomandò Paul alla società, grazie alla quale il giovane ottenne un posto come intermediario.

Pittura

Il talentuoso Gauguin riuscì nella sua professione, l'uomo iniziò ad avere soldi. Per dieci anni della sua carriera divenne una persona rispettabile nella società e riuscì a fornire alla sua famiglia un confortevole appartamento nel centro della città. Come il suo tutore Gustave Arosa, Paul iniziò ad acquistare dipinti dei famosi impressionisti e nel tempo libero, ispirato dai dipinti di Gauguin, iniziò a mettere alla prova il suo talento.

Tra il 1873 e il 1874, Paul creò i primi paesaggi vividi che riflettevano la cultura peruviana. Una delle opere d'esordio del giovane artista - "Forest Thicket in Viroff" - è stata esposta al Salon e ha ricevuto recensioni entusiastiche dalla critica. Ben presto il maestro dei novizi incontrò Camille Pissarro, una pittrice francese. Una calda amicizia sviluppata tra queste due persone creative, Gauguin visitava spesso il suo mentore nel sobborgo nord-occidentale di Parigi - Pontoise.

L'artista, che odia la vita secolare e ama la solitudine, trascorre sempre più tempo libero dipingendo, gradualmente il broker viene percepito non come un dipendente di una grande azienda, ma come un artista dotato. In molti modi, il destino di Gauguin è stato influenzato dalla sua conoscenza con un certo rappresentante originale del movimento impressionista. Degas sostiene Paul sia moralmente che finanziariamente, acquistando le sue tele espressive.

Alla ricerca di ispirazione e relax dalla rumorosa capitale della Francia, il maestro fece le valigie e partì per un viaggio. Così visitò Panama, visse con Van Gogh ad Arles, visitò la Bretagna. Nel 1891, ricordando un'infanzia felice trascorsa nella terra natale di sua madre, Gauguin parte per Tahiti, un'isola vulcanica le cui distese danno sfogo alla fantasia. Ammirava le barriere coralline, le fitte giungle dove crescono frutti succosi e le coste del mare azzurro. Paul ha cercato di trasmettere tutti i colori naturali che ha visto sulle tele, grazie ai quali le creazioni di Gauguin si sono rivelate originali e luminose.

L'artista osservava ciò che accadeva intorno a lui e catturava ciò che vedeva con un occhio artistico sensibile nelle sue opere. Quindi, la trama del dipinto "Sei geloso?" (1892) apparve nella realtà davanti agli occhi di Gauguin. Le due sorelle tahitiane, che avevano appena fatto il bagno, si sdraiarono in posizioni rilassate sulla riva sotto il sole cocente. Dal dialogo da ragazzina sull'amore, Gauguin ha sentito il conflitto: “Come? Sei geloso!". Paul in seguito ammise che questo dipinto era una delle sue creazioni preferite.

Nello stesso 1892, il maestro dipinse la tela mistica "Lo spirito dei morti non dorme", realizzata in toni viola cupi e misteriosi. Lo spettatore vede una donna tahitiana nuda sdraiata su un letto e dietro di lei c'è uno spirito in una veste cupa. Il fatto è che un giorno la lampada dell'artista rimase senza olio. Accese un fiammifero per illuminare lo spazio, spaventando così Tehura. Paul cominciò a chiedersi se questa ragazza potesse scambiare l'artista non per una persona, ma per un fantasma o uno spirito, di cui i tahitiani hanno molta paura. Questi pensieri mistici di Gauguin lo hanno ispirato con la trama dell'immagine.

Un anno dopo, il maestro dipinge un'altra immagine chiamata "Donna che tiene in braccio un feto". Seguendo la sua maniera, Gauguin firma questo capolavoro con il secondo nome, Maori, Euhaereiaoe ("Dove [stai] andando?"). In quest'opera, come in tutte le opere di Paolo, l'uomo e la natura sono statici, come se si fondessero in uno solo. Inizialmente, questo dipinto fu acquistato da un commerciante russo, attualmente l'opera si trova nelle mura dell'Ermitage di Stato. Tra le altre cose, l'autore di La donna che cuciva negli ultimi anni della sua vita scrisse il libro NoaNoa, pubblicato nel 1901.

Vita privata

Paul Gauguin nel 1873 fece una proposta di matrimonio alla danese Matte-Sophie Gad, che accettò e diede al suo amante quattro figli: due maschi e due femmine. Gauguin adorava il suo primo figlio, Emil, nato nel 1874. Molte tele del maestro dei pennelli e dei colori sono decorate con l'immagine di un ragazzo serio che, a giudicare dalle opere, amava leggere libri.

Sfortunatamente, la vita familiare del grande impressionista non è stata senza nuvole. I dipinti del maestro non furono venduti e non portarono il reddito precedente, e la moglie dell'artista non era dell'opinione che con un dolce paradiso in una capanna. A causa della difficile situazione di Paolo, che a malapena riusciva a sbarcare il lunario, spesso sorsero litigi e conflitti tra i coniugi. Dopo essere arrivato a Tahiti, Gauguin sposò una giovane bellezza locale.

Morte

Mentre Gauguin era a Papeete, lavorò in modo molto produttivo e riuscì a scrivere circa ottanta tele, che sono considerate le migliori della sua carriera. Ma il destino ha preparato nuovi ostacoli per l'uomo di talento. Gauguin non riuscì a ottenere riconoscimento e fama tra gli ammiratori della creatività, quindi precipitò nella depressione.

A causa della striscia nera che è arrivata nella sua vita, Paul ha tentato il suicidio più di una volta. Lo stato d'animo dell'artista ha dato origine all'oppressione della salute, l'autore di "Villaggio bretone sotto la neve" si ammalò di lebbra. Il grande maestro morì sull'isola il 9 maggio 1903 all'età di 54 anni.

Purtroppo, come spesso accade, la fama arrivò a Gauguin solo dopo la sua morte: tre anni dopo la morte del maestro, le sue tele furono esposte al pubblico a Parigi. In memoria di Paul nel 1986, è stato girato il film "Il lupo sulla soglia", in cui il ruolo dell'artista è stato interpretato dal famoso attore di Hollywood. Inoltre, lo scrittore di prosa britannico scrisse l'opera biografica "La luna e il penny", in cui Paul Gauguin divenne il prototipo del protagonista.

Opere d'arte

• 1880 - "La donna che cuce"
• 1888 - "Visione dopo il sermone"
• 1888 - "Caffè di Arles"
• 1889 - "Cristo Giallo"
• 1891 - "Donna con fiore"
• 1892 - "Lo spirito dei morti non dorme"
• 1892 - "Ah, sei geloso?"
• 1893 - "Donna con un frutto"
• 1893 - "Il suo nome era Vairaumati"
• 1894 - "Il divertimento dello spirito maligno"
• 1897–1898 - “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"
• 1897 - "Mai più"
• 1899 - "Raccogliere frutti"
• 1902 - "Natura morta con pappagalli"

Paul Gauguin può essere rimproverato per molte cose: tradimento della moglie ufficiale, atteggiamento irresponsabile nei confronti dei bambini, convivenza con minori, blasfemia, estremo egoismo.

Ma cosa significa questo rispetto al talento più grande che il destino gli ha donato?

Gauguin è incentrato sulla contraddizione, sul conflitto irrisolvibile e sulla vita, come un dramma d'avventura. E Gauguin è un intero strato di arte mondiale e centinaia di dipinti. E un'estetica completamente nuova che continua a sorprendere e deliziare.

La vita è ordinaria

Paul Gauguin nacque il 7 giugno 1848 in una famiglia molto distinta. La madre del futuro artista era la figlia di un famoso scrittore. Il padre è un giornalista politico.

A 23 anni Gauguin trova un buon lavoro. Diventa un agente di cambio di successo. Ma la sera e nei fine settimana dipinge.

A 25 anni sposa l'olandese Mette Sophie Gad. Ma la loro unione non è una storia sul grande amore e sul posto d'onore della musa del grande maestro. Perché Gauguin provava un amore sincero solo per l'arte. Cosa che la moglie non ha condiviso.

Se Gauguin ha ritratto sua moglie, è stato raro e piuttosto specifico. Ad esempio, sullo sfondo di un muro grigio-marrone, distolto dallo spettatore.

Paolo Gauguin. Mette dorme sul divano. 1875 Collezione privata. The-athenaeum.com

Tuttavia, i coniugi daranno alla luce cinque figli e, forse, a parte loro, nulla li collegherà presto. Mette considerava i corsi di pittura del marito una perdita di tempo. Ha sposato un ricco broker. E volevo condurre una vita comoda.

Pertanto, la decisione presa una volta dal marito di lasciare il lavoro e dedicarsi solo alla pittura per Mette fu un duro colpo. La loro unione, ovviamente, non resisterà a una prova del genere.

L'inizio dell'art

I primi 10 anni di matrimonio di Paul e Mette trascorsero tranquilli e sicuri. Gauguin era solo un dilettante nella pittura. E dipingeva solo nel tempo libero dalla borsa.

Soprattutto, Gauguin fu sedotto. Ecco una delle opere di Gauguin, dipinta con riflessi di luce tipici dell'impressionismo e un grazioso angolo di campagna.

Paolo Gauguin. Voliera. 1884 Collezione privata. The-athenaeum.com

Gauguin comunica attivamente con pittori eccezionali del suo tempo come Cézanne.

La loro influenza si fa sentire nelle prime opere di Gauguin. Ad esempio, nel dipinto “Suzanne Sewing”.

Paolo Gauguin. Susanna cuce. 1880 Nuova Gliptoteca Carlsberg, Copenaghen, Danimarca. The-athenaeum.com

La ragazza è impegnata con il suo lavoro e sembra che la stiamo spiando. Nello spirito di Degas.

Gauguin non cerca di abbellirlo. Si ingobbiva, il che rendeva la sua postura e il suo stomaco poco attraenti. La pelle è "spietata" trasmessa non solo in beige e rosa, ma anche in blu e verde. E questo è proprio nello spirito di Cézanne.

E un po' di serenità e di pace sono chiaramente tolte a Pissarro.

Il 1883, quando Gauguin compie 35 anni, diventa un punto di svolta nella sua biografia. Lasciò il lavoro in borsa, fiducioso che sarebbe diventato presto famoso come pittore.

Ma le speranze non erano giustificate. Il denaro accumulato finì rapidamente. La moglie Mette, non volendo vivere in povertà, parte dai suoi genitori, portando con sé i bambini. Ciò significava il crollo della loro unione familiare.

Gauguin in Bretagna

Estate 1886 Gauguin trascorre in Bretagna, nel nord della Francia.

Fu qui che Gauguin sviluppò il suo stile personale. Il che cambierà poco. E grazie al quale è così riconoscibile.

La semplicità del disegno, al limite della caricatura. Grandi aree dello stesso colore. Colori vivaci, soprattutto tanto giallo, blu, rosso. Combinazioni di colori irrealistiche, quando la terra potrebbe essere rossa e gli alberi blu. E anche mistero e misticismo.

Tutto questo lo vediamo in uno dei principali capolavori di Gauguin del periodo bretone: "Visione dopo il sermone o la lotta di Giacobbe con l'angelo".

Paolo Gauguin. Visione dopo il sermone (Lotta di Giacobbe con l'Angelo). 1888 Galleria Nazionale di Scozia, Edimburgo

Il reale incontra il fantastico. Donne bretoni con i caratteristici berretti bianchi vedono una scena del Libro della Genesi. Come Giacobbe lotta con un angelo.

Qualcuno guarda (compresa una mucca), qualcuno prega. E tutto questo sullo sfondo della terra rossa. Come se accadesse ai tropici, saturi di colori vivaci. Un giorno Gauguin partirà per i veri tropici. È perché i suoi colori sono più appropriati lì?

Un altro capolavoro è stato creato in Bretagna: "Yellow Christ". È questa immagine che fa da sfondo al suo autoritratto (all'inizio dell'articolo).

Paolo Gauguin. Cristo giallo. 1889 Galleria d'arte Albright-Knox, Buffalo. Muzei-Mira.com

Già da questi dipinti, realizzati in Bretagna, si può vedere una differenza significativa tra Gauguin e gli impressionisti. Gli impressionisti rappresentavano le loro sensazioni visive senza introdurre alcun significato nascosto.

Ma per Gauguin l’allegoria era importante. Non c'è da stupirsi che sia considerato il fondatore del simbolismo nella pittura.

Guarda come sono calmi e perfino indifferenti i Bretoni seduti attorno al Cristo crocifisso. Quindi Gauguin mostra che il sacrificio di Cristo è stato a lungo dimenticato. E la religione per molti è diventata solo un insieme di rituali obbligatori.

Perché l'artista si è raffigurato sullo sfondo del proprio dipinto con il Cristo giallo? Per questo a molti credenti non piaceva. Considerare tali “gesti” come una bestemmia. Gauguin si considera vittima dei gusti del pubblico, che non accetta il suo lavoro. Confrontando francamente la loro sofferenza con il martirio di Cristo.

E il pubblico faceva davvero fatica a capirlo. In Bretagna, il sindaco di una piccola città ha commissionato un ritratto di sua moglie. Così è nata “La Bella Angela”.

Paolo Gauguin. Meravigliosa Angela. 1889 Museo d'Orsay, Parigi. Vangogen.ru

La vera Angela era scioccata. Non poteva nemmeno immaginare che sarebbe stata così “bella”. Occhi da maialino stretti. Naso gonfio. Enormi mani ossute.

E accanto c'è una statuetta esotica. Che la ragazza considerava una parodia di suo marito. Dopotutto, era più basso della sua altezza. È sorprendente che i clienti non abbiano fatto a pezzi la tela in un impeto di rabbia.

Gauguin ad Arles

È chiaro che il caso della “Bella Angela” non ha aggiunto clienti a Gauguin. La povertà lo costringe ad accettare la proposta sul lavorare insieme. È andato a trovarlo ad Arles, nel sud della Francia. Sperando che la vita insieme sarà più facile.

Qui scrivono le stesse persone, gli stessi posti. Come, ad esempio, Madame Gidoux, proprietaria di un bar locale. Anche se lo stile è diverso. Penso che tu possa facilmente indovinare (se non hai mai visto questi dipinti prima) dov'è la mano di Gauguin e dov'è quella di Van Gogh.

Informazioni sui dipinti a fine articolo *

Ma l'imperioso e sicuro di sé Paul e il nervoso e irascibile Vincent non potevano andare d'accordo sotto lo stesso tetto. E una volta, nel fervore di una lite, Van Gogh quasi uccise Gauguin.

L'amicizia era finita. E Van Gogh, tormentato dal rimorso, si tagliò il lobo dell'orecchio.

Gauguin ai tropici

All'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento, l'artista fu colto da una nuova idea: organizzare un laboratorio ai tropici. Decise di stabilirsi a Tahiti.

La vita sulle isole non era così rosea come sembrava inizialmente a Gauguin. I nativi lo accettarono freddamente e rimase ben poca "cultura incontaminata": i coloni avevano portato da tempo la civiltà in questi luoghi selvaggi.

La gente del posto raramente accettava di posare per Gauguin. E se venivano alla sua capanna, si pavoneggiavano all'europea.

Paolo Gauguin. Donna con un fiore. 1891 Nuova Gliptoteca Carlsberg, Copenaghen, Danimarca. Wikiart.org

Per tutta la sua vita nella Polinesia francese, Gauguin cercherà una cultura autoctona "pura", stabilendosi il più lontano possibile dalle città e dai villaggi equipaggiati dai francesi.

arte stravagante

Indubbiamente, Gauguin ha aperto una nuova estetica nella pittura per gli europei. Con ogni nave inviava i suoi dipinti sulla "terraferma".

Le tele raffiguranti bellezze nude dalla pelle scura in un entourage primitivo hanno suscitato grande interesse tra il pubblico europeo.

Paolo Gauguin. Sei geloso? 1892, Mosca

Gauguin studiò scrupolosamente la cultura locale, i rituali, la mitologia. Così, nel dipinto “Perdita della verginità”, Gauguin illustra allegoricamente l'usanza pre-matrimonio dei tahitiani.

Paolo Gauguin. Perdita della verginità. 1891 Museo d'arte Chrysler, Norfolk, Stati Uniti. Wikiart.org

La sposa alla vigilia del matrimonio è stata rapita dagli amici dello sposo. Lo hanno "aiutato" a trasformare la ragazza in una donna. Cioè, infatti, la prima notte di nozze apparteneva a loro.

È vero che questa usanza era già stata sradicata dai missionari quando arrivò Gauguin. L'artista ha imparato a conoscerlo dalle storie dei residenti locali.

Anche a Gauguin piaceva filosofare. Nasce così il suo famoso dipinto “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?".

Paolo Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897 Museo delle Belle Arti, Boston, Stati Uniti. Vangogen.ru

La vita privata di Gauguin ai tropici

Ci sono molte leggende sulla vita personale di Gauguin sull'isola.

Si dice che l'artista fosse molto promiscuo nei rapporti con i mulatti locali. Soffriva di numerose malattie veneree. Ma la storia ha preservato il nome di alcuni cari.

L'attaccamento più famoso era Tehura, 13 anni. Una giovane ragazza può essere vista nel dipinto “Lo spirito dei morti non dorme”.

Paolo Gauguin. Lo spirito dei morti non dorme. 1892 Galleria d'arte Albright-Knox, Buffalo, New York. wikipedia.org

Gauguin la lasciò incinta, partendo per la Francia. Da questo collegamento è nato il ragazzo Emil. È stato allevato da un uomo del posto che Tehura ha sposato. È noto che Emil visse fino a 80 anni e morì in povertà.

Riconoscimento subito dopo la morte

Gauguin non ha mai avuto il tempo di godersi il successo.

Numerose malattie, rapporti difficili con i missionari, mancanza di denaro: tutto ciò ha minato la forza del pittore. L'8 maggio 1903 Gauguin morì.

Ecco uno dei suoi ultimi dipinti, L'incantesimo. In cui la miscela di nativo e coloniale è particolarmente evidente. L'incantesimo e la croce. Nudo e vestito con abiti ciechi.

E un sottile strato di vernice. Gauguin ha dovuto risparmiare. Se hai visto il lavoro di Gauguin dal vivo, probabilmente hai prestato attenzione a questo.

Come una presa in giro del povero pittore, gli eventi si sviluppano dopo la sua morte. Il commerciante Vollard organizza una grandiosa mostra di Gauguin. Salon** gli dedica un'intera stanza...

Ma Gauguin non è destinato a bagnarsi in questa grandiosa gloria. Non è stato all'altezza di lei neanche un po'...

Tuttavia, l'arte del pittore si è rivelata immortale: i suoi dipinti stupiscono ancora con le loro linee ostinate, i colori esotici e lo stile unico.

Paolo Gauguin. 2015 Collezione dell'artista

Ci sono molte opere di Gauguin in Russia. Tutto grazie ai collezionisti pre-rivoluzionari Ivan Morozov e Sergei Shchukin. Hanno portato a casa molti dipinti del maestro.

Uno dei principali capolavori di Gauguin, "La ragazza con il frutto" è conservato a San Pietroburgo.

Paolo Gauguin. Una donna che tiene in braccio un feto. 1893 Eremo di Stato, San Pietroburgo. Artchive.ru