มันเป็นการปฏิวัติที่แท้จริง แทนที่จะวาดภาพวัตถุในตำนานอย่างพิถีพิถันและภาพวาดบุคคลที่สวยงามอย่างไม่แยแส ปัจจุบันกลับมีการจัดนิทรรศการศิลปะ ชีวิตจริง- หลากสี ไม่ปรุงแต่ง การผลิต ความประทับใจที่แข็งแกร่ง- ต้นกำเนิดของรูปแบบใหม่คือศิลปินชาวฝรั่งเศสซึ่งชื่อยังคงได้รับความเคารพนับถือไปทั่วโลก
ผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์
ชื่อของขบวนการใหม่ซึ่งเริ่มใช้ไม่เพียงแต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบทกวีและดนตรีด้วยในตอนแรกมีความหมายที่ดูหมิ่น มันถูกสร้างขึ้นโดยนักวิจารณ์ Louis Leroy ซึ่งใช้ชื่อภาพวาดของเรื่องหลังว่า "Impression" พระอาทิตย์ขึ้น" (1872) (ฝรั่งเศส: Impression, Soleil Levan) ศิลปินชาวฝรั่งเศสเหล่านี้ซึ่งผลงานไม่ได้รับการยอมรับให้เป็นนักวิชาการ นิทรรศการศิลปะที่กรุงปารีส จัดแสดงผลงานที่ Salon of Refugees
นิทรรศการครั้งแรกเกิดขึ้นในสตูดิโอของช่างภาพ Nadar บน Boulevard des Capucines ในเดือนเมษายนถึงพฤษภาคม พ.ศ. 2417 ในบรรดาศิลปินชาวฝรั่งเศสก็เข้าร่วมด้วยซึ่งผลงานถือเป็นตัวอย่างแรกของการวาดภาพที่ก้าวหน้าและใหม่อย่างแท้จริง นอกจาก Monet แล้ว ยังมี Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frédéric Bazille (พ.ศ. 2384-2413) สไตล์พิเศษได้รับการยอมรับสำหรับ Edouard Manet (1832-1883) ซึ่งไม่เคยแสดงร่วมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ แต่มีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดและมีอิทธิพลร่วมกันกับพวกเขา Paul Cezanne (1839-1906) มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการ แบ่งปันความคิดเห็นมากมายจากเพื่อน ๆ ของเขา แต่แล้วเขาก็เริ่มค้นหาและพบเส้นทางของตัวเอง ซึ่งความสมจริงมีบทบาทน้อยกว่ามาก เขากลายเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงในการค้นหาศิลปินแนวหน้าคนแรกของศตวรรษที่ 20 อย่างเป็นทางการ
พื้นฐานทางทฤษฎี
นิทรรศการที่ Salon of Refugees ไม่ใช่จุดเริ่มต้นของการนับถอยหลังในประวัติศาสตร์ของอิมเพรสชันนิสม์ แต่เป็นช่วงเวลาของการก่อตัวครั้งสุดท้ายของการเคลื่อนไหวนี้ อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส - ศิลปินที่ไม่เห็นด้วยกับมุมมองทางวิชาการ - แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการพรรณนาถึงธรรมชาติเพื่อสนับสนุน เป็นเวลานานก่อน. ภูมิทัศน์ของ Monet, Sisley, Pissarro, Cezanne พยายามหยุดครู่หนึ่งเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกชื่นชมชั่วขณะหนึ่งต่อโลกที่เต็มไปด้วยสีสันและแสง ด้วยเหตุนี้ งานของพวกเขาจึงดูไม่เสร็จ ประมาท และแตกต่างจากตัวอย่างคลาสสิกทั่วไปมากเกินไป
ในขณะเดียวกันอิทธิพลของผลงานของปรมาจารย์ในอดีตเช่น Rubens, Velazquez, Goya, Delacroix ที่มีต่อปรมาจารย์อิมเพรสชั่นนิสม์ชั้นนำนั้นชัดเจน นอกเหนือจากความแม่นยำในการวาดภาพ ความสัมพันธ์อันยาวนานระหว่างแสงและเงา และความซับซ้อนของสี ศิลปินชาวฝรั่งเศสยังเรียนรู้ที่จะสังเกตธรรมชาติและเสรีภาพในการเลือกธีมอย่างรอบคอบ ระยะเวลาการศึกษาเมื่อใด อาจารย์ในอนาคตไปอิตาลีเพื่อศึกษา คอลเลกชันพิพิธภัณฑ์เวนิสและฟลอเรนซ์ คัดลอกผลงานชิ้นเอกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ฉันอยู่ในชีวประวัติของอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้โด่งดังทุกคน
เวลาผ่านไปนานมากจนเป็นที่ชัดเจนว่าภาพวาดของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสมีลักษณะของการวาดภาพที่สมจริงอย่างแท้จริง การกล่าวหาว่าเลอะเทอะและไม่ถูกต้อง การไม่เคารพมุมมอง และการใช้จานสีที่ไม่เป็นธรรมชาตินั้นไม่ถูกต้องโดยพื้นฐานแล้ว . ผืนผ้าใบของพวกเขาเรียกร้องให้มองสภาพแวดล้อมโดยรอบให้ละเอียดยิ่งขึ้น เพื่อแยกแยะความสมบูรณ์ของเส้นและเฉดสี
คล็อด โมเน่ต์
ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่เป็นภาพวาดของ Claude Monet ที่สร้างชื่อให้กับสไตล์ทั้งหมด ศิลปินคนนี้เป็นคนแรกๆ ที่ชื่นชมคุณค่าของการทำงานกลางแจ้งโดยใช้สีในหลอด ซึ่งทำให้สามารถถ่ายภาพทิวทัศน์ด้วยแสงธรรมชาติได้โดยไม่ต้องดัดแปลงในสตูดิโอ “Boulevard des Capucines” (1873), “Gare Saint-Lazare” (1877), “Rouen Cathedral in the Sun” (1894), “Water Lilies” (1915) เป็นตัวอย่างของเสรีภาพในการมองและเทคนิคการวาดภาพที่เป็นนวัตกรรมใหม่ที่น่าประหลาดใจ สำหรับครั้งนั้น
เอ็ดการ์ เดอกาส์
เขาชอบทำงานในสตูดิโอและไม่ยอมรับความปรารถนาของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่จะทำงานเฉพาะในที่โล่งเท่านั้น เขาพบนางแบบคนโปรดของเขาเบื้องหลังโรงละคร ในร้านกาแฟ ในเวิร์กช็อป และร้านซักรีด... ความสนใจของเขา ได้แก่ สีพาสเทล กราฟิก และประติมากรรม เดอกาส์ไม่เคยให้ความสำคัญกับการเคลื่อนไหวใดเป็นพิเศษ แต่เขามักจะรวมอยู่ในกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ศิลปินสไตล์นี้มีความใกล้ชิดกับเดอกาส์ในการเลือกวิชา ความสด และความสมบูรณ์ของจานสี และ "นักเต้น" ที่มีชื่อเสียงจะยังคงเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอิมเพรสชั่นนิสม์ตลอดไป
สไตล์ที่ปรากฎใน ปลาย XIXศตวรรษในฝรั่งเศสเป็นปรากฏการณ์ที่น่าอัศจรรย์ อันดับแรกคือชื่อของศิลปินชาวฝรั่งเศสที่ค้นพบ ถนนใหม่ในงานศิลปะได้รับรางวัลฉายาเยาะเย้ยโดยกำหนดให้พวกเขาเป็นมือสมัครเล่นที่ไร้ความสามารถอันธพาลในโลกแห่งศิลปะอันประเสริฐ แต่ปรากฎว่าศิลปินรุ่นต่อ ๆ ไปทั้งหมดไม่สามารถหลีกเลี่ยงอิทธิพลของวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขาได้ คอลเลกชันภาพวาดที่สำคัญที่สุด ทั้งในพิพิธภัณฑ์และส่วนตัว ไม่สามารถทำได้หากไม่มีอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส และการปรากฏตัวในการประมูลถือเป็นงานระดับโลก
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทิศทางใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ขึ้นอยู่กับความปรารถนาของศิลปินที่จะถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะของเหตุการณ์และปรากฏการณ์โดยใช้วิธีการที่หลากหลาย
อิมเพรสชันนิสม์ในการวาดภาพ
ด้วยลักษณะเฉพาะของเทรนด์นี้ ศิลปินหนุ่มชาวฝรั่งเศสจึงเริ่มทำงานในสไตล์นี้ จากนี้ไป พวกเขาจะวาดภาพไม่ใช่ในสตูดิโอเหมือนแต่ก่อน แต่อยู่ข้างใต้ เปิดโล่ง- พวกเขาพยายามแสดงความประทับใจให้ชัดเจนที่สุดเท่าที่จะทำได้ วิธีการใหม่จิตรกรรม. แนวคิดหลักคือการถ่ายทอดความรู้สึกภายนอกของเงาและแสงบนพื้นผิวของวัตถุโดยใช้ลายเส้นที่แยกจากกันและสีที่บริสุทธิ์เป็นพิเศษ ด้วยเหตุนี้ รูปทรงต่างๆซึ่งเมื่อก่อนเคยปรากฏมาก่อน ตอนนี้ละลายไปในอากาศที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวา
ในยุคของอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินชาวฝรั่งเศสทำงานด้านการวาดภาพบุคคลและภาพบุคคลเป็นหลัก ประเภทแนวนอนถ่ายทอดความประทับใจของคุณต่อเหตุการณ์โดยรอบ (ภาพร่างการเดิน ฉากในร้านกาแฟ บนท้องถนน) ในภาพวาดของพวกเขาพวกเขาพรรณนาถึงชีวิตตามธรรมชาติที่บุคคลสัมผัสโดยตรงกับสีสันอันสดใสอันน่าทึ่งที่หลากหลาย สิ่งแวดล้อม- อากาศที่วัตถุและผู้คนจมอยู่ใต้น้ำกลายมาเป็นธีมหลัก
เมื่อดูผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ คุณจะสัมผัสได้ถึงลม แผ่นดินที่ได้รับความร้อนจากดวงอาทิตย์ และแม้แต่น้ำค้างแข็งอย่างน่าอัศจรรย์ ศิลปินชาวฝรั่งเศสจึงถ่ายทอดสีสันที่เป็นธรรมชาติได้อย่างเหมาะสม การเคลื่อนไหวนี้เป็นการเคลื่อนไหวสำคัญครั้งสุดท้ายของศตวรรษที่สิบเก้า
ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส คล็อด โมเน่ต์
เขามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาอิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพ คือผู้สร้าง ภาพวาดที่มีชื่อเสียง"ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น". นอกเหนือจากผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้แล้ว ศิลปินยังได้สร้างสรรค์ผลงานอีกจำนวนไม่น้อย ผลงานที่มีชื่อเสียง: “ผู้หญิงในสวน” (ซึ่งเขาพรรณนาถึงคามิลล์ที่รักของเขา), “ทิวทัศน์จากโบสถ์แซงต์แชร์กแมง”, “เขื่อนของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์” ภาพวาดของจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนนี้ถูกนำเสนอในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก (ในปารีส นิวยอร์ก ชิคาโก บอสตัน มอสโก และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)
เอดูอาร์ด มาเน็ต
ครั้งแรกของเขา งานที่สำคัญถือว่าภาพวาด "The Absinthe Lover" ที่ได้รับความนิยมอย่างมากก็คือผลงานชิ้นเอก "การอาบน้ำ" ซึ่งจัดแสดงใน Salon of Rejects ซึ่งมีการจัดแสดงผลงานที่ไม่ได้รับการยอมรับจากคณะกรรมการอย่างเป็นทางการ เป็นผู้เขียนภาพวาดมากมายรวมถึง "Portrait of Parents", "Breakfast on the Grass", "Olympia", "Balcony"
ออกุสต์ เรอนัวร์
ศิลปินชาวฝรั่งเศสหลายคนที่วาดภาพในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามถ่ายทอดการรับรู้ถึงความเป็นจริงอย่างร่าเริง แนวโน้มนี้เด่นชัดเป็นพิเศษในผลงานของเรอนัวร์ สำหรับภาพวาดของเขา เขาเลือกใบหน้าเด็กที่สดใสและท่าทางที่ผ่อนคลายตามธรรมชาติ ผลงานของเขา "Ball in the Garden" และ "Umbrellas" มีชื่อเสียงมากที่สุด
อิมเพรสชันนิสม์ในรูปแบบสมัยใหม่
ทุกวันนี้ แนวคิดหลักของเทรนด์ที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นที่นิยมนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้อง ศิลปินชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยยังคงพัฒนาสไตล์นี้ในผลงานของตนต่อไป ท้ายที่สุดแล้ว ตราบใดที่บุคคลหนึ่งต้องการเพลิดเพลินไปกับทุกสิ่งรอบตัว อิมเพรสชันนิสม์ซึ่งมีสีสันสดใสและภาพอันน่าประทับใจก็จะยังคงอยู่ต่อไป
โรงเรียนศิลปะฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 18 สามารถเรียกได้ว่าเป็นโรงเรียนชั้นนำของยุโรป ในเวลานั้นในฝรั่งเศสมีรูปแบบศิลปะเช่น Rococo, Romanticism, Classicism, Realism, Impressionism และ Post-Impressionism
โรโคโค (โรโคโคฝรั่งเศสจาก rocaille - ลวดลายตกแต่งรูปเปลือกหอย) - สไตล์ในศิลปะยุโรปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 โรโกโกมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยลัทธิสุขนิยม การหลบหนีเข้าสู่โลกแห่งการแสดงละครอันงดงาม และความชื่นชอบในวิชาอภิบาลและกามราคะ ลักษณะของการตกแต่งแบบโรโคโคได้รับรูปแบบที่หรูหราและซับซ้อนอย่างเด่นชัดFrançois Boucher, Antoine Watteau และ Jean Honoré Fragonard ทำงานในสไตล์โรโกโก
ลัทธิคลาสสิก - สไตล์ในศิลปะยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะที่ดึงดูดรูปแบบของศิลปะโบราณในฐานะมาตรฐานความงามและจริยธรรมในอุดมคติJean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres และ Jacques-Louis David ทำงานในรูปแบบคลาสสิก
ยวนใจ - สไตล์ ศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 18-19 คุณสมบัติลักษณะซึ่งเป็นการยืนยันถึงคุณค่าที่แท้จริงของชีวิตฝ่ายวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล ซึ่งแสดงถึงความหลงใหลและอุปนิสัยที่เข้มแข็งและมักกบฏFrancisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault และ William Blake ทำงานในรูปแบบของแนวโรแมนติก
|
เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาหารเช้าในเวิร์คช็อป พ.ศ. 2411 |
การกำเนิดของความสมจริงในการวาดภาพมักเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ซึ่งเปิดนิทรรศการส่วนตัวของเขา "Pavilion of Realism" ในปารีสในปี 1855 แม้ว่าก่อนหน้าเขาด้วยซ้ำ ศิลปินของโรงเรียน Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet และ Jules Breton ทำงานในลักษณะที่สมจริง ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ความสมจริงแบ่งออกเป็นสองทิศทางหลัก - ลัทธิธรรมชาติและลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์
การวาดภาพเหมือนจริงแพร่หลายไปทั่วโลก The Itinerants ทำงานในรูปแบบของความสมจริงโดยมีแนวทางทางสังคมที่เข้มแข็งในรัสเซียในศตวรรษที่ 19
อิมเพรสชันนิสม์ (จากความประทับใจแบบฝรั่งเศส - ความประทับใจ) - สไตล์ในงานศิลปะในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะคือความปรารถนาที่จะจับภาพอย่างเป็นธรรมชาติมากที่สุด โลกแห่งความจริงในความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะของคุณ อิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้ก่อให้เกิดประเด็นทางปรัชญา แต่มุ่งเน้นไปที่ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ และแสง เรื่องของอิมเพรสชั่นนิสต์กลายเป็นชีวิตด้วยชุดวันหยุดเล็ก ๆ ปาร์ตี้ปิกนิกอันน่ารื่นรมย์ในธรรมชาติในสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตร อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่วาดภาพกลางอากาศโดยไม่ได้ทำงานในสตูดิโอจนเสร็จEdgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley และคนอื่นๆ ทำงานในรูปแบบของอิมเพรสชันนิสม์
โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์ เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในปลายคริสต์ศตวรรษที่ 19 โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามที่จะถ่ายทอดสาระสำคัญของโลกอย่างอิสระและโดยทั่วไปโดยหันไปใช้สไตล์การตกแต่งโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางศิลปะ เช่น การแสดงออก สัญลักษณ์นิยม และสมัยใหม่
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne และ Toulouse-Lautrec ทำงานในรูปแบบโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์
มาดูอิมเพรสชั่นนิสต์และโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์อย่างใกล้ชิดโดยใช้ตัวอย่างผลงานของปรมาจารย์แต่ละคนของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19
|
เอ็ดการ์ เดอกาส์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2397-2398 |
เริ่มต้นด้วยภาพวาดและภาพบุคคลทางประวัติศาสตร์ที่มีองค์ประกอบที่เข้มงวด ในช่วงทศวรรษ 1870 เดอกาส์ได้ใกล้ชิดกับตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ และหันมาวาดภาพชีวิตในเมืองสมัยใหม่ เช่น ถนน ร้านกาแฟ การแสดงละคร
ในภาพเขียนของเดกาส์ องค์ประกอบแบบไดนามิกที่มักจะไม่สมมาตร การวาดภาพที่ยืดหยุ่นได้อย่างแม่นยำ มุมที่ไม่คาดคิด และปฏิสัมพันธ์ที่กระตือรือร้นระหว่างรูปและพื้นที่นั้นได้รับการพิจารณาและตรวจสอบอย่างรอบคอบ
|
อี. เดอกาส์. ห้องน้ำ. พ.ศ. 2428 |
เทคนิคสีพาสเทลยอดนิยมทำให้ Edgar Degas สามารถแสดงความสามารถของเขาในฐานะนักเขียนแบบได้อย่างเต็มที่ โทนสีที่หลากหลายและลายเส้นสีพาสเทล "แวววาว" ช่วยให้ศิลปินสร้างบรรยากาศที่เต็มไปด้วยสีสันที่พิเศษ ความโปร่งสบายของสีรุ้งที่ทำให้ผลงานทั้งหมดของเขาแตกต่างอย่างมาก
ในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขา เดอกาส์มักหันไปสนใจเรื่องบัลเล่ต์ ร่างนักบัลเล่ต์ที่เปราะบางและไร้น้ำหนักปรากฏต่อหน้าผู้ชมไม่ว่าจะในชั้นเรียนเต้นรำยามพลบค่ำหรือในสปอตไลท์บนเวทีหรือในช่วงเวลาสั้น ๆ ของการพักผ่อน การสุ่มองค์ประกอบที่ชัดเจนและตำแหน่งที่เป็นกลางของผู้เขียนสร้างความประทับใจในการสอดแนมชีวิตของผู้อื่น ศิลปินแสดงให้เราเห็นโลกแห่งความสง่างามและความงามโดยไม่ตกอยู่ในความรู้สึกอ่อนไหวมากเกินไปเอ็ดการ์ เดอกาส์สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักระบายสีที่ละเอียดอ่อน สีพาสเทลของเขามีความกลมกลืนกันอย่างน่าประหลาดใจ บางครั้งก็อ่อนโยนและบางเบา บางครั้งก็สร้างจากความคม ความแตกต่างของสี- สไตล์ของเดอกาส์โดดเด่นในเรื่องความอิสระอันน่าทึ่ง เขาใช้สีพาสเทลด้วยเส้นหนาและขาดๆ หายๆ บางครั้งก็ทิ้งโทนสีของกระดาษที่แสดงผ่านสีพาสเทลหรือเติมเส้นสีน้ำมันหรือสีน้ำ สีในภาพวาดของเดอกาส์เกิดขึ้นจากแสงสีรุ้งจากสายสายรุ้งที่ไหลออกมาซึ่งก่อให้เกิดรูปแบบ
ผลงานในช่วงหลังของเดอกาส์โดดเด่นด้วยความเข้มและความสมบูรณ์ของสี ซึ่งเสริมด้วยเอฟเฟกต์ของแสงประดิษฐ์ รูปแบบที่ขยายใหญ่ขึ้นจนเกือบจะแบน และพื้นที่ที่คับแคบ ทำให้พวกเขามีลักษณะที่น่าทึ่งอย่างมาก ในนั้น
ช่วงที่เดกาส์เขียนเรื่องหนึ่งของเขา ผลงานที่ดีที่สุด- “นักเต้นสีน้ำเงิน” ศิลปินทำงานที่นี่โดยใช้สีจำนวนมาก โดยให้ความสำคัญกับการจัดวางพื้นผิวของภาพวาดเป็นอันดับแรก ในแง่ของความงามของความกลมกลืนของสีและการออกแบบองค์ประกอบสามารถพิจารณาภาพวาด "นักเต้นสีน้ำเงิน" ได้ อวตารที่ดีที่สุดธีมของบัลเล่ต์โดย Degas ซึ่งประสบความสำเร็จในภาพนี้ด้วยการผสมผสานพื้นผิวและสีที่เข้มข้นที่สุด|
พี.โอ. เรอนัวร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2418 |
|
พี.โอ. เรอนัวร์. สระว่ายน้ํา. พ.ศ. 2412 |
|
พี.โอ. เรอนัวร์. ภาพเหมือนของนักแสดง Zhanna Samary พ.ศ. 2420 |
ควรสังเกตว่าการใช้โทนสีเขียว, เหลือง, ดินเหลืองใช้ทำสี, ชมพูและแดงเพื่อพรรณนาถึงผิวหนังทำให้สาธารณชนในยุคนั้นตกตะลึงโดยไม่ได้เตรียมพร้อมที่จะรับรู้ว่าควรมีสีเงาและเต็มไปด้วยแสง
ในช่วงทศวรรษที่ 1880 สิ่งที่เรียกว่า "ยุคอิงเกรส" เริ่มต้นขึ้นในงานของเรอนัวร์ ที่สุด งานที่มีชื่อเสียงช่วงเวลานี้ - " อาบแดดขนาดใหญ่- ในการสร้างองค์ประกอบ Renoir เริ่มใช้ภาพร่างและภาพร่างเป็นครั้งแรก เส้นของภาพวาดชัดเจนและชัดเจน สีต่างๆ สูญเสียความสว่างและความอิ่มตัวของสีในอดีต ภาพวาดโดยรวมเริ่มดูควบคุมและเย็นลงมากขึ้น
ในช่วงต้นทศวรรษ 1890 การเปลี่ยนแปลงใหม่ๆ เกิดขึ้นในงานศิลปะของเรอนัวร์ ในลักษณะจิตรกร สีรุ้งจะปรากฏขึ้น ซึ่งเป็นสาเหตุที่บางครั้งเรียกว่า "ไข่มุก" จากนั้นช่วงนี้ก็ให้ทาง "สีแดง" ตั้งชื่อเช่นนี้เนื่องจากความชอบในเฉดสีแดงและสีชมพู
ยูจีน อองรี พอล โกแกง (ชีวิต พ.ศ. 2391-2446) - จิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศส ร่วมกับ Cezanne และ Van Gogh เขาเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เขาเริ่มวาดภาพเมื่อโตเต็มวัย ช่วงเวลาแรกของความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวข้องกับอิมเพรสชันนิสม์ ผลงานที่ดีที่สุดของ Gauguin เขียนขึ้นบนเกาะตาฮิติและ Hiva Oa ในโอเชียเนียซึ่ง Gauguin ทิ้ง "อารยธรรมที่ชั่วร้าย" คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ของ Gauguin ได้แก่ การสร้างบนผืนผ้าใบแบนขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบสีคงที่และตัดกันอารมณ์ที่ลึกซึ้งและในเวลาเดียวกันก็ตกแต่งในภาพวาด "Yellow Christ" Gauguin บรรยายภาพการตรึงกางเขนกับพื้นหลังของภูมิทัศน์ชนบทของฝรั่งเศส ความทุกข์ทรมานของพระเยซูถูกรายล้อมไปด้วยหญิงชาวนาชาวเบรอตงสามคน ความสงบสุขในอากาศ ท่าทางที่สงบของผู้หญิง ทิวทัศน์ที่เต็มไปด้วยสีเหลืองสดใสพร้อมต้นไม้ในฤดูใบไม้ร่วงสีแดง ชาวนาที่ยุ่งอยู่กับธุรกิจของเขาในระยะไกล ไม่สามารถขัดแย้งกับสิ่งที่เกิดขึ้นบนไม้กางเขนได้ สภาพแวดล้อมนั้นแตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับพระเยซู ซึ่งพระพักตร์ของพระองค์แสดงถึงขั้นแห่งความทุกข์ทรมานซึ่งล้อมรอบไปด้วยความไม่แยแส ไม่สนใจทุกสิ่งรอบตัวพระองค์ ความขัดแย้งระหว่างการทรมานอันไร้ขอบเขตที่พระคริสต์ทรงยอมรับกับ "การไม่มีใครสังเกตเห็น" ของการเสียสละโดยผู้คน - นี่คือ หัวข้อหลักงานนี้โดยโกแกง
|
พี. โกแกง. คุณอิจฉาหรอ? พ.ศ. 2435 |
บนชายฝั่งพี่สาวสองคน - พวกเขาเพิ่งว่ายน้ำและตอนนี้ร่างกายของพวกเขาเหยียดยาวบนผืนทรายในท่ายั่วยวนแบบสบาย ๆ - เมื่อพูดถึงความรักความทรงจำหนึ่งทำให้เกิดความขัดแย้ง:“ อย่างไร? คุณอิจฉาหรอ!".
ในการวาดภาพความงามอันเขียวชอุ่มของธรรมชาติเขตร้อนผู้คนตามธรรมชาติที่ยังไม่ถูกทำลายโดยอารยธรรม Gauguin บรรยายถึงความฝันในอุดมคติของสวรรค์บนดินของชีวิตมนุษย์ที่สอดคล้องกับธรรมชาติ ภาพวาดโปลินีเซียนของ Gauguin มีลักษณะคล้ายกับแผงในสีตกแต่ง ความเรียบและความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบ และลักษณะทั่วไปของการออกแบบที่มีสไตล์
พี. โกแกง. เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน? พ.ศ. 2440-2441
ภาพวาด “เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน?" Gauguin คิดว่ามันเป็นจุดสุดยอดอันประเสริฐของการไตร่ตรองของเขา ตามแผนของศิลปิน ควรอ่านภาพวาดจากขวาไปซ้าย: กลุ่มภาพหลักสามกลุ่มแสดงคำถามที่อยู่ในชื่อ กลุ่มสตรีที่มีบุตรทางด้านขวาของภาพ หมายถึง จุดเริ่มต้นของชีวิต กลุ่มกลางเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ของวุฒิภาวะในแต่ละวัน ในกลุ่มซ้ายสุด Gauguin พรรณนาถึงวัยชราของมนุษย์ที่ใกล้จะตาย ไอดอลสีน้ำเงินที่อยู่ด้านหลังเป็นสัญลักษณ์ของอีกโลกหนึ่ง ภาพวาดนี้ถือเป็นจุดสุดยอดของสไตล์โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโกแกง สไตล์ของเขาผสมผสานการใช้สีที่ชัดเจน สีและองค์ประกอบการตกแต่ง ความเรียบและความยิ่งใหญ่ของภาพเข้ากับการแสดงออกทางอารมณ์
ผลงานของโกแกงคาดการณ์ถึงคุณลักษณะหลายประการของสไตล์อาร์ตนูโวที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ และมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของปรมาจารย์ของกลุ่ม "นาบี" และจิตรกรคนอื่นๆ ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20
|
วี. แวนโก๊ะ. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2432 |
ในปี 1888 Van Gogh ย้ายไปที่ Arles ซึ่งในที่สุดความคิดริเริ่มของเขาก็ถูกกำหนดไว้ ลักษณะที่สร้างสรรค์- อารมณ์ทางศิลปะที่เร่าร้อน แรงกระตุ้นอันเจ็บปวดต่อความสามัคคี ความงามและความสุข และในขณะเดียวกัน ความกลัวต่อกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์ รวมอยู่ในภูมิประเทศที่ส่องประกายด้วยสีสันอันสดใสของทางใต้ (“ The Yellow House”, “ The Harvest La Croe Valley”) หรือเป็นลางร้าย ชวนให้นึกถึงฝันร้ายของภาพ (“ ระเบียงกลางคืนคาเฟ่"); พลวัตของสีและฝีแปรง
|
วี. แวนโก๊ะ. ระเบียงไนท์คาเฟ่ พ.ศ. 2431 |
งานอันเข้มข้นของแวนโก๊ะในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามาพร้อมกับอาการป่วยทางจิต ซึ่งทำให้เขาต้องไปโรงพยาบาลจิตเวชในอาร์ลส์ จากนั้นไปที่แซ็ง-เรมี (พ.ศ. 2432-2433) และไปที่โอแวร์-ซูร์-วอยส์ (พ.ศ. 2433) ซึ่งเขาฆ่าตัวตาย . ความคิดสร้างสรรค์ของทั้งสอง ปีที่ผ่านมาชีวิตของศิลปินโดดเด่นด้วยความหลงใหลในความสุข, การแสดงออกของการผสมสีที่เพิ่มมากขึ้น, การเปลี่ยนแปลงอารมณ์อย่างกะทันหัน - จากความสิ้นหวังที่บ้าคลั่งและวิสัยทัศน์ที่มืดมน (“ ถนนที่มีต้นไซเปรสและดวงดาว”) ไปจนถึงความรู้สึกสั่นไหวของการตรัสรู้และความสงบสุข (“ ภูมิทัศน์ใน Auvers หลังจากนั้น ฝน").
|
วี. แวนโก๊ะ. ไอริส พ.ศ. 2432 |
วี. แวนโก๊ะ. ทุ่งข้าวสาลีกับกา พ.ศ. 2433
“ทุ่งข้าวสาลีกับอีกา” เป็นภาพวาดของแวนโก๊ะ ซึ่งวาดโดยศิลปินในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2433 และถือเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา ภาพวาดนี้คาดว่าจะแล้วเสร็จในวันที่ 10 กรกฎาคม พ.ศ. 2433 19 วันก่อนที่เขาจะเสียชีวิตใน Auvers-sur-Oise มีเวอร์ชั่นหนึ่งที่แวนโก๊ะฆ่าตัวตายในขั้นตอนการวาดภาพนี้ (ออกไปในที่โล่งด้วยวัสดุในการวาดภาพเขายิงตัวเองเข้าที่บริเวณหัวใจด้วยปืนพกที่ซื้อมาเพื่อไล่ฝูงนกให้กลัวแล้วจึงไปถึงที่หมายอย่างอิสระ โรงพยาบาลที่ท่านเสียชีวิตจากการเสียเลือด)
“ผู้เล่นการ์ด”
ผู้เขียน
ปอล เซซาน
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์
ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของเอ็กซองโพรวองซ์ แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาหาเขาหลังจากนิทรรศการส่วนตัวที่จัดโดยนักสะสม Ambroise Vollard ในปี พ.ศ. 2429 20 ปีก่อนออกเดินทาง เขาย้ายไปอยู่ชานเมือง บ้านเกิด- ศิลปินรุ่นเยาว์เรียกการเดินทางมาหาเขาว่า "การแสวงบุญที่เมืองเอ็กซ์"
130x97 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูลส่วนตัว
งานของ Cezanne เข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนวัตถุหรือลงจุดบนผืนผ้าใบโดยตรง ดังนั้นภาพวาดของเขาจึงไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ผสมผสานสองหลักในงานศิลปะของเขา ประเพณีฝรั่งเศส: คลาสสิคและโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสัน เขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง
ชุดภาพวาดห้าภาพ "ผู้เล่นการ์ด" ถูกวาดในปี พ.ศ. 2433-2438 เนื้อเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันเพียงจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบ
ภาพวาดสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation และ Courtauld Institute of Art) และภาพที่ห้าจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้เป็นเครื่องประดับของคอลเลกชันส่วนตัวของเจ้าของเรือมหาเศรษฐีชาวกรีก จอร์จ เอมบิริคอส. ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ในฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจนำมันไปขาย ผู้ที่มีโอกาสซื้อผลงาน "ฟรี" ของ Cezanne ได้แก่ William Acquavella พ่อค้างานศิลปะ และ Larry Gagosian เจ้าของแกลเลอรีชื่อดังระดับโลก ซึ่งเสนอราคาประมาณ 220 ล้านดอลลาร์สำหรับผลงานชิ้นนี้ ส่งผลให้ภาพนั้นไป ราชวงศ์รัฐอาหรับแห่งกาตาร์ในราคา 250 ล้านข้อตกลงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพปิดตัวลงในเดือนกุมภาพันธ์ 2555 นักข่าว Alexandra Pierce รายงานเรื่องนี้ในงาน Vanity Fair เธอทราบราคาของภาพวาดและชื่อของเจ้าของคนใหม่ จากนั้นข้อมูลก็แพร่สะพัดไปตามสื่อต่างๆ ทั่วโลก
พิพิธภัณฑ์อาหรับเปิดในกาตาร์ในปี 2010 ศิลปะร่วมสมัยและพิพิธภัณฑ์แห่งชาติกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที The Card Players เวอร์ชันที่ห้าอาจถูกซื้อโดยชีคเพื่อจุดประสงค์นี้
ที่สุดภาพวาดราคาแพงในโลก
เจ้าของ
ชีค ฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ธานี
ราชวงศ์อัลธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี ประมาณครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมากที่นี่ ซึ่งทำให้กาตาร์เป็นหนึ่งในภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดในโลกในทันที ด้วยการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้มี GDP ต่อหัวที่ใหญ่ที่สุด เชค ฮาหมัด บิน คาลิฟา อัล-ธานี ยึดอำนาจในปี 1995 ขณะที่พ่อของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญระบุว่า ข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันคือยุทธศาสตร์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศและในการสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ ขณะนี้กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและมีนายกรัฐมนตรี และผู้หญิงมีสิทธิออกเสียงลงคะแนน การเลือกตั้งรัฐสภา- อย่างไรก็ตาม เป็นประมุขแห่งกาตาร์ผู้ก่อตั้งช่องข่าวอัลจาซีรา เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมเป็นอย่างมาก
2
"หมายเลข 5"
ผู้เขียน
แจ็คสัน พอลล็อค
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม
Jack the Sprinkler - นี่คือชื่อเล่นที่ชาวอเมริกันตั้งให้ Pollock สำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งแปรงและขาตั้ง และเทสีลงบนพื้นผิวของผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องไปรอบ ๆ และด้านใน กับ ช่วงปีแรก ๆเขาชื่นชอบปรัชญาของ Jiddu Krishnamurti ซึ่งข้อความหลักก็คือความจริงถูกเปิดเผยในระหว่างการ "หลั่งไหล" อย่างเสรี
122x244 ซม
2491
ราคา
140 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์
คุณค่าของงานของ Pollock ไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้เขียนเรียกงานศิลปะของเขาว่า "ภาพวาดแอ็คชั่น" กับเขา มือเบามันกลายเป็นทรัพย์สินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอเมริกา แจ็คสัน พอลล็อคผสมสีกับทรายและกระจกที่แตก แล้วทาสีด้วยกระดาษแข็ง มีดจานสี มีด และที่ตักผง ศิลปินได้รับความนิยมอย่างมากจนในปี 1950 พบผู้เลียนแบบแม้กระทั่งในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพวาดที่แปลกและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมันสำหรับคอลเลกชันส่วนตัว และในปี 2549 ขายมันในการประมูลของ Sotheby ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ ให้กับ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม สำนักงานกฎหมายได้ออกแถลงการณ์ในนามของลูกค้าโดยระบุว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาดดังกล่าว มีเพียงสิ่งเดียวที่ทราบแน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเข้ามาจริงๆ เมื่อเร็วๆ นี้รวบรวมผลงานศิลปะสมัยใหม่ ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาด "ปลาตัวใหญ่" เช่น "หมายเลข 5" ของ Pollock
3
"ผู้หญิงที่สาม"
ผู้เขียน
วิลเลม เดอ คูนนิ่ง
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม
เขาเกิดในเนเธอร์แลนด์โดยกำเนิดและอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2469 ในปี พ.ศ. 2491 มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมองค์ประกอบภาพขาวดำที่ซับซ้อนและวิตกกังวล โดยยกย่องผู้แต่งว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรังมาเกือบตลอดชีวิต แต่ผลงานทุกชิ้นก็รู้สึกได้ถึงความสุขในการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของการวาดภาพและลายเส้นกว้าง ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมบางครั้งภาพจึงไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ
121x171 ซม
1953
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
ในช่วงทศวรรษ 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกใหญ่ และใบหน้าที่น่าเกลียดปรากฏในภาพวาดของเดอคูนนิ่ง "ผู้หญิงคนที่ 3" กลายเป็น งานสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่ร่วมประมูล
ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดดังกล่าวถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากการแนะนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดในประเทศพวกเขาก็พยายามที่จะกำจัดมัน ในปี 1994 งานดังกล่าวถูกส่งออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (โปรดิวเซอร์คนเดียวกันกับที่ขายผลงาน "Number 5" ของ Jackson Pollock) ได้ขายภาพวาดดังกล่าวให้กับเศรษฐี Steven Cohen ในราคา 137.5 ล้านเหรียญสหรัฐ ที่น่าสนใจคือในหนึ่งปีเกฟเฟนเริ่มขายคอลเลคชันภาพวาดของเขาหมด สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย เช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อหนังสือพิมพ์ Los Angeles Times
ที่ฟอรัมศิลปะแห่งหนึ่งมีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงของ "Woman III" กับภาพวาด "Lady with an Ermine" โดย Leonardo da Vinci เบื้องหลังรอยยิ้มอันเร่าร้อนและร่างไร้รูปร่างของนางเอกนักเลงวาดภาพมองเห็นความสง่างามของบุคคลที่มีสายเลือดราชวงศ์ สิ่งนี้เห็นได้จากมงกุฎที่ดึงออกมาไม่ดีซึ่งสวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิง
4
“ภาพเหมือนของอเดลโบลช-บาวเออร์ที่ 1"
ผู้เขียน
กุสตาฟ คลิมท์
ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย
Gustav Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในจำนวนเจ็ดคน ลูกชายทั้งสามของ Ernest Klimt กลายเป็นศิลปิน แต่มีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเขาด้วยความยากจน หลังจากที่พ่อของเขาเสียชีวิต เขาก็ต้องรับผิดชอบครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ผู้ชมคนใดจะค้างที่หน้าภาพวาดของเขา: ความเร้าอารมณ์ที่ตรงไปตรงมาสามารถมองเห็นได้ชัดเจนภายใต้ลายเส้นสีทองบาง ๆ
138x136 ซม
2450
ราคา
135 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์
ชะตากรรมของภาพเขียนที่เรียกว่า " โมนาออสเตรีย Lisa” อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย งานของศิลปินทำให้เกิดความขัดแย้งระหว่างคนทั้งรัฐกับหญิงชราคนหนึ่ง
ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงพรรณนาถึงขุนนางผู้เป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch ความปรารถนาสุดท้ายของเธอคือการบริจาคภาพวาดดังกล่าวให้กับหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม โบลชยกเลิกการบริจาคตามพินัยกรรมของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาดนั้น ต่อมาทางแกลลอรี่พบว่าหาซื้อยาก” โกลเด้น อเดล“ แต่แล้วทายาทก็ปรากฏตัวขึ้น - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch
ในปี 2548 การพิจารณาคดีที่มีชื่อเสียงโด่งดัง“ Maria Altmann ต่อต้านสาธารณรัฐออสเตรีย” เริ่มขึ้นอันเป็นผลมาจากการที่ภาพยนตร์เรื่องนี้ "จากไป" กับเธอที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเรื่องเงินกู้ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยเอาชนะความชั่วร้าย อัลท์แมนขึ้นราคาเป็น 300 ล้านดอลลาร์ ในช่วงเวลาของการดำเนินคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อผลประโยชน์ส่วนตัว ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์ก ซึ่งยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา อัลท์แมนลดราคาลงเหลือ 135 ล้านดอลลาร์
5
"กรีดร้อง"
ผู้เขียน
เอ็ดวาร์ด มุงค์
ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก
ภาพวาดชิ้นแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีห้าชุด) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 15 ปี Munch สนใจหัวข้อเรื่องความตายและความเหงามาโดยตลอด ในประเทศเยอรมนี ภาพวาดที่หนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขายังก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย อย่างไรก็ตาม แม้จะอยู่ในสภาวะซึมเศร้า แต่ภาพวาดของเขาก็มีพลังแม่เหล็กพิเศษ ยกตัวอย่างเช่น "Scream"
73.5x91 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
119.992 ล้านดอลลาร์
ขายใน 2555
ในการประมูล ซอเธบีส์
ชื่อเต็มของภาพนี้คือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของมนุษย์หรือมนุษย์ต่างดาวแสดงออกถึงความสิ้นหวังและตื่นตระหนก - อารมณ์แบบเดียวกับที่ผู้ชมสัมผัสเมื่อดูภาพ หนึ่งใน งานที่สำคัญการแสดงออกเตือนถึงธีมที่กลายเป็นเรื่องรุนแรงในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ตามเวอร์ชันหนึ่งศิลปินสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของความผิดปกติทางจิตที่เขาต้องทนทุกข์ทรมานมาตลอดชีวิต
ภาพวาดถูกขโมยไปสองครั้งจาก พิพิธภัณฑ์ต่างๆแต่เธอก็กลับมาแล้ว ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการบูรณะและพร้อมจัดแสดงอีกครั้งที่ Munch Museum ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อปงานนี้กลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol ได้สร้างชุดสำเนาของมันและหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ก็ถูกสร้างขึ้นในภาพและความคล้ายคลึงของฮีโร่ของภาพ
Munch เขียนงานสี่เวอร์ชันสำหรับหนึ่งวิชา: เวอร์ชันที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ Petter Olsen นำมันไปประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2012 ผู้ซื้อคือ ลีออน แบล็ค ที่ไม่เสียใจกับเพลง “Scream” บันทึกจำนวนเงิน- ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และที่ปรึกษาไลออน ลพ. เป็นที่รู้จักในเรื่องความรักในงานศิลปะ แบล็กเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาลัยดาร์ตมัธ, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน เขามี คอลเลกชันที่ใหญ่ที่สุดภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์คลาสสิกแห่งศตวรรษที่ผ่านมา
6
"สีนู้ดตัดกับพื้นหลังหน้าอกและใบไม้สีเขียว"
ผู้เขียน
ปาโบล ปิกัสโซ
ประเทศ สเปน,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
เขาเป็นคนสเปนโดยกำเนิด แต่โดยจิตวิญญาณและถิ่นที่อยู่ เขาคือชาวฝรั่งเศสที่แท้จริง ปิกัสโซเปิดสตูดิโอศิลปะของตัวเองในบาร์เซโลนาเมื่อเขาอายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาก็ไปปารีสและใช้เวลา ที่สุดชีวิต. นั่นคือสาเหตุที่นามสกุลของเขามีสำเนียงสองสำเนียง สไตล์ที่ปิกัสโซคิดค้นนั้นมีพื้นฐานมาจากการปฏิเสธแนวคิดที่ว่าวัตถุที่วาดบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น
130x162 ซม
2475
ราคา
106.482 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้
ระหว่างที่เขาทำงานในโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khokhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความเร่ร่อนและย้ายไปอยู่อพาร์ตเมนต์หรูหรากับเธอ เมื่อถึงเวลานั้นการจดจำก็พบฮีโร่ แต่การแต่งงานก็ถูกทำลาย หนึ่งในที่สุด ภาพวาดราคาแพงโลกถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ-โดย ความรักที่ยิ่งใหญ่ซึ่งก็เหมือนเช่นเคยกับ Picasso ที่มีอายุสั้น ในปี 1927 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter ในวัยเยาว์ (เธออายุ 17 ปีเขาอายุ 45 ปี) เขาจากภรรยาของเขาอย่างลับๆ ไปพร้อมกับนายหญิงของเขาไปยังเมืองใกล้ปารีสที่ซึ่งเขาวาดภาพเหมือนโดยวาดภาพ Marie-Therese ในรูปของ Daphne ผ้าใบถูกซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์ก และในปี 1951 เขาได้ขายผ้าใบให้กับ Sidney F. Brody ครอบครัวโบรดี้แสดงภาพวาดนี้ให้โลกได้รับรู้เพียงครั้งเดียวและเพียงเพราะศิลปินมีอายุครบ 80 ปีแล้ว หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต นางโบรดี้ได้นำผลงานนี้ไปประมูลที่ร้านคริสตีส์ในเดือนมีนาคม 2553 กว่าหกทศวรรษราคาขึ้นกว่า 5,000 เท่า! นักสะสมนิรนามซื้อมันมาในราคา 106.5 ล้านดอลลาร์ ในปี 2554 “นิทรรศการภาพวาดหนึ่งภาพ” จัดขึ้นในสหราชอาณาจักรซึ่งเปิดตัวเป็นครั้งที่สอง แต่ยังไม่ทราบชื่อของเจ้าของ
7
"แปดเอลวิส"
ผู้เขียน
แอนดี้ วอร์โฮล
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ศิลปะป๊อป
“เซ็กส์และปาร์ตี้ก็เช่นกัน สถานที่แห่งเดียวที่ที่คุณต้องปรากฏตัวต่อหน้า” Andy Warhol ศิลปินป๊อปอาร์ตลัทธิ ผู้กำกับ หนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสาร Interview ดีไซเนอร์ Andy Warhol กล่าว เขาทำงานร่วมกับ Vogue และ Harper's Bazaar ออกแบบปกแผ่นเสียง และออกแบบรองเท้าให้กับบริษัท I.Miller ในทศวรรษที่ 1960 มีภาพวาดปรากฏขึ้นซึ่งแสดงถึงสัญลักษณ์ของอเมริกา เช่น ซุปแคมป์เบลล์และโคคา-โคลา เพรสลีย์และมอนโร ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน
358x208 ซม
1963
ราคา
100 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูลส่วนตัว
Warhol 60s เป็นชื่อที่ตั้งให้กับยุคของป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปี 1962 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่สตูดิโอ Factory ซึ่งเป็นที่ซึ่งชาวโบฮีเมียนในนิวยอร์กมารวมตัวกัน ตัวแทนที่โดดเด่น: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ทดสอบเทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - การทำซ้ำภาพเดียว นอกจากนี้เขายังใช้วิธีนี้เมื่อสร้าง "The Eight Elvises" ผู้ชมดูเหมือนจะได้เห็นภาพจากภาพยนตร์ที่ดาราคนนี้มีชีวิตขึ้นมา นี่คือทุกสิ่งที่ศิลปินชื่นชอบมาก: ภาพลักษณ์สาธารณะแบบ win-win สีเงิน และลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก
ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะสองรายที่ส่งเสริมผลงานของ Warhol ในตลาดโลก: Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi อดีตใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์ในปี 2551 เพื่อซื้อผลงานของ Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขาเช่นการ์ดคริสต์มาสในราคาที่สูงกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่เป็น Philippe Segalot ที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้เจียมเนื้อเจียมตัวซึ่งช่วย Annibale Berlinghieri นักเลงศิลปะชาวโรมันขาย "Eight Elvises" ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับ Warhol - 100 ล้านเหรียญ
8
"ส้ม,แดง เหลือง”
ผู้เขียน
มาร์ค รอธโก
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม
หนึ่งในผู้สร้างการวาดภาพสนามสีเกิดที่เมืองดวินสค์ ประเทศรัสเซีย (ปัจจุบันคือเมืองเดากัฟปิลส์ ประเทศลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี พ.ศ. 2454 พวกเขาอพยพไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา Rothko ศึกษาที่แผนกศิลป์ของมหาวิทยาลัย Yale และได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกอย่าง แต่นักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ก็ติดตามเขามาตลอดชีวิต
206x236 ซม
1961
ราคา
86.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ของคริสตี้
อันดับแรก ประสบการณ์ทางศิลปะภาพวาดของ Rothko มีการวางแนวเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาก็ทำให้พล็อตเรื่องเป็นจุดสีง่ายขึ้นซึ่งทำให้ปราศจากความเป็นกลาง ในตอนแรกพวกเขามีเฉดสีสว่าง และในปี 1960 พวกเขากลายเป็นสีน้ำตาลและสีม่วง และหนาขึ้นเป็นสีดำเมื่อถึงเวลาที่ศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนไม่ให้มองหาความหมายใดๆ ในภาพวาดของเขา ผู้เขียนต้องการพูดอย่างชัดเจนถึงสิ่งที่เขาพูด: มีเพียงสีที่ละลายในอากาศเท่านั้นและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ชมผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชมถูก “ดึงดูด” เข้าสู่สีสันเหมือนอยู่ในช่องทาง ระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธิ กล่าวคือ การรับรู้ถึงความไม่มีที่สิ้นสุด การจมอยู่กับตัวเองโดยสมบูรณ์ การผ่อนคลาย และความบริสุทธิ์จะค่อยๆ มา สีสันในภาพวาดของเขามีชีวิตชีวา หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมาก (ว่ากันว่าบางครั้งก็เป็นการเยียวยา) ศิลปินประกาศว่า: “ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา” และกรณีเช่นนี้ก็เกิดขึ้นจริง ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ ผู้คนต่างมีประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขาทำขณะทำงานวาดภาพ หากสามารถเข้าใจได้เช่นนี้ ระดับละเอียดอ่อนแล้วคุณจะไม่แปลกใจเลยที่นักวิจารณ์มักจะเปรียบเทียบผลงานศิลปะนามธรรมเหล่านี้กับไอคอน
ผลงาน "สีส้ม แดง เหลือง" แสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของคริสตี้ในนิวยอร์กอยู่ที่ 35–45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาเป็นสองเท่าของราคาประมาณการ ไม่มีการเปิดเผยชื่อของผู้โชคดีที่เป็นเจ้าของภาพวาดซึ่งมักจะเกิดขึ้น
9
"อันมีค่า"
ผู้เขียน
ฟรานซิส เบคอน
ประเทศ
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก
การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน ชายผู้มีชื่อเต็มตัวและเป็นผู้สืบเชื้อสายมาจากปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่ เริ่มต้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา เนื่องจากไม่สามารถยอมรับพฤติกรรมรักร่วมเพศของลูกชายได้ เบคอนเดินทางไปเบอร์ลินก่อน จากนั้นจึงไปปารีส จากนั้นเส้นทางของเขาก็สับสนไปทั่วยุโรป ในช่วงชีวิตของเขามีผลงานของเขาจัดแสดงอยู่ชั้นนำ ศูนย์วัฒนธรรมโลก รวมถึงพิพิธภัณฑ์ Guggenheim และ Tretyakov Gallery
147.5x198 ซม. (ตัวละ)
1976
ราคา
86.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์
พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติหลายแห่งต่างพยายามครอบครองภาพวาดของเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษยุคแรกเริ่มไม่รีบร้อนที่จะเลือกงานศิลปะประเภทนี้ มาร์กาเร็ต แทตเชอร์ นายกรัฐมนตรีอังกฤษผู้เป็นตำนานกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพที่น่าสะพรึงกลัวเหล่านี้"
ศิลปินเองก็ถือว่าช่วงหลังสงครามเป็นช่วงเริ่มต้นในการทำงานของเขา เมื่อกลับจากราชการ เขาได้วาดภาพอีกครั้งและสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่สำคัญ ก่อนการมีส่วนร่วมของ “Triptych, 1976” งานที่แพงที่สุดของเบคอนคือ “Study for a Portrait of Pope Innocent X” (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินบรรยายภาพ พล็อตที่เป็นตำนานการข่มเหง Orestes โดย Furies แน่นอนว่า Orestes คือ Bacon เอง และ Furies คือความทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีแล้วที่ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ข้อเท็จจริงนี้ให้คุณค่าพิเศษและส่งผลให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่เงินสองสามล้านสำหรับนักเลงศิลปะและคนใจกว้างนั้นคืออะไรล่ะ? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเลกชันของเขาในช่วงทศวรรษ 1990 ซึ่งเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเพื่อนของเขา Dasha Zhukova ซึ่งกลายมาเป็นเจ้าของแกลเลอรีที่ทันสมัยในรัสเซียยุคใหม่ จากข้อมูลที่ไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso เป็นการส่วนตัว ซึ่งซื้อมาเป็นจำนวนเงินเกิน 100 ล้านดอลลาร์ ในปี 2008 เขาได้เป็นเจ้าของ Triptych อย่างไรก็ตามในปี 2554 มีการซื้อผลงานอันทรงคุณค่าอีกชิ้นของเบคอน - "ภาพร่างสามภาพสำหรับภาพเหมือนของลูเซียน ฟรอยด์" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadyevich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง
10
"บ่อน้ำกับดอกบัว"
ผู้เขียน
คล็อด โมเน่ต์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์
ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้ในภาพวาดของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด “Breakfast on the Grass” ( รุ่นเดิมผลงานของ เอดูอาร์ด มาเน็ต) ในวัยเยาว์เขาวาดการ์ตูนล้อเลียนและวาดภาพจริงระหว่างการเดินทางไปตามชายฝั่งและต่อไป กลางแจ้ง- ในปารีสเขาใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่เคยทิ้งมันไว้แม้จะรับราชการในกองทัพแล้วก็ตาม
210x100 ซม
พ.ศ. 2462
ราคา
80.5 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้
นอกจากความจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมแล้ว เขายังหลงใหลในการทำสวนและเป็นที่รักอีกด้วย สัตว์ป่าและดอกไม้ ในทิวทัศน์ของเขา สภาวะของธรรมชาติเป็นเพียงชั่วขณะ วัตถุต่างๆ ดูเหมือนจะเบลอเนื่องจากการเคลื่อนที่ของอากาศ ความประทับใจได้รับการปรับปรุงด้วยลายเส้นขนาดใหญ่ จากระยะหนึ่ง พวกมันจะมองไม่เห็นและรวมเข้าด้วยกันเป็นภาพสามมิติที่มีพื้นผิว ในภาพวาดของโมเนต์ผู้ล่วงลับ ธีมของน้ำและชีวิตนั้นตรงบริเวณสถานที่พิเศษ ในเมืองจิแวร์นี ศิลปินมีสระน้ำของตัวเอง ซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่เขานำมาจากญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เมื่อดอกไม้ของพวกเขาบาน เขาก็เริ่มวาดภาพ ซีรีส์ “Water Lilies” ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินวาดภาพมานานเกือบ 30 ปีจนกระทั่งเขาเสียชีวิต การมองเห็นของเขาแย่ลงตามอายุ แต่เขาไม่หยุด ลักษณะของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ขึ้นอยู่กับลม ช่วงเวลาของปี และสภาพอากาศ และ Monet ต้องการถ่ายภาพการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ด้วยการทำงานอย่างรอบคอบ เขาจึงเข้าใจแก่นแท้ของธรรมชาติ ภาพวาดบางภาพในซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรีชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ ศิลปะตะวันตก(โตเกียว), ออเรนจ์รี่ (ปารีส) เวอร์ชันหนึ่งของ "บ่อน้ำลิลลี่" ต่อไปตกไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์
11
ดาวเท็จ ที
ผู้เขียน
แจสเปอร์ จอห์น
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ศิลปะป๊อป
ในปีพ.ศ. 2492 โจนส์เข้าโรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก ร่วมกับ Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับเหรียญแห่งอิสรภาพของประธานาธิบดี ซึ่งเป็นเกียรติยศพลเรือนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา
137.2x170.8 ซม
1959
ราคา
80 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยวาดภาพบนผืนผ้าใบและประติมากรรมตามต้นฉบับอย่างสมบูรณ์ สำหรับงานของเขา เขาใช้วัตถุที่เรียบง่ายและเข้าใจง่าย เช่น ขวดเบียร์ ธง หรือการ์ด ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพยนตร์เรื่อง False Start ดูเหมือนว่าศิลปินกำลังเล่นกับผู้ชม โดยมักจะ "ผิด" กับการติดป้ายกำกับสีในภาพวาด โดยเปลี่ยนแนวความคิดเรื่องสี: "ฉันต้องการหาวิธีในการแสดงสีเพื่อที่จะสามารถกำหนดได้โดยวิธีอื่น" ตามที่นักวิจารณ์ระบุว่าภาพวาดที่ระเบิดแรงที่สุดและ "ไม่มั่นใจ" ของเขาถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
12
"นั่งเปลือยบนโซฟา"
ผู้เขียน
อเมเดโอ โมดิเกลียนี่
ประเทศ อิตาลี,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก
Modigliani มักป่วยมาตั้งแต่เด็ก ในช่วงที่เป็นไข้ เขาจำชะตากรรมของเขาในฐานะศิลปินได้ เขาศึกษาการวาดภาพในลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี 1906 เขาได้ไปปารีส ซึ่งงานศิลปะของเขาเจริญรุ่งเรือง
65x100 ซม
พ.ศ. 2460
ราคา
68.962 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ซอเธบีส์
ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งกลายมาเป็นนางแบบของเขาและต่อมาก็เป็นภรรยาของเขา ในปี 2004 หนึ่งในภาพวาดของเธอขายได้ในราคา 31.3 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขาย "Nude Seated on a Sofa" ในปี 2010 ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดสำหรับ Modigliani ที่ ช่วงเวลานี้ราคา. การขายผลงานเริ่มขึ้นหลังจากศิลปินเสียชีวิตเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ป่วยเป็นวัณโรค และวันรุ่งขึ้นจีนน์ เฮบูแตร์น ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน
13
"นกอินทรีบนต้นสน"
ผู้เขียน
ชี่ไป่ซือ
ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ กัวฮวา
ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi หันมาวาดภาพ เมื่ออายุ 28 ปี เขาได้เป็นลูกศิษย์ของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมจีนมอบตำแหน่ง "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" ให้กับเขา คนจีน"ในปี พ.ศ. 2499 เขาได้รับ รางวัลระดับนานาชาติความสงบ.
10x26 ซม
2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ผู้พิทักษ์จีน
Qi Baishi สนใจในปรากฏการณ์ของโลกรอบตัวที่หลายคนไม่ได้ให้ความสำคัญและนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ชายผู้ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และเป็นผู้สร้างที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดเกี่ยวกับเขา:“ ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi อยู่ในประเทศจีน” องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้ว ยังมีม้วนอักษรอียิปต์โบราณอีกสองม้วนด้วย สำหรับประเทศจีน มูลค่าการซื้อผลงานดังกล่าวสูงถึง 425.5 ล้านหยวน ม้วนหนังสือของนักอักษรวิจิตรโบราณ Huang Tingjian เพียงคนเดียวก็ขายได้ในราคา 436.8 ล้าน
14
"1949-A-No. 1"
ผู้เขียน
คลิฟฟอร์ดยังอยู่
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม
ตอนอายุ 20 ฉันไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทันในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาลงทะเบียนเรียนหลักสูตรที่ Student Arts League แต่เหลือเวลาอีก 45 นาทีหลังจากเริ่มชั้นเรียน ปรากฏว่า "ไม่เหมาะกับเขา" นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินค้นพบตัวเองและด้วยการได้รับการยอมรับ
79x93 ซม
2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์
ยังคงมอบผลงานทั้งหมดของเขา ผืนผ้าใบมากกว่า 800 ชิ้น และผลงานบนกระดาษ 1,600 ชิ้น ให้กับเมืองในอเมริกา ซึ่งจะมีการเปิดพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขา เดนเวอร์กลายเป็นเมืองเช่นนี้ แต่การก่อสร้างเพียงอย่างเดียวมีราคาแพงสำหรับเจ้าหน้าที่ และเพื่อให้เสร็จสมบูรณ์ จึงมีการนำผลงานสี่ชิ้นออกประมูล ผลงานของ Still ไม่น่าจะถูกนำออกประมูลอีก ส่งผลให้ราคาล่วงหน้าสูงขึ้น ภาพวาด "1949-A-No.1" ถูกขายด้วยราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปิน แม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่ายอดขายจะสูงถึง 25–35 ล้านดอลลาร์ก็ตาม
15
"องค์ประกอบซูพรีมาติสต์"
ผู้เขียน
คาซิเมียร์ มาเลวิช
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ ลัทธิสุพรีมาติสต์
Malevich ศึกษาการวาดภาพในเคียฟ โรงเรียนศิลปะจากนั้นที่สถาบันศิลปะมอสโก ในปี 1913 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตนามธรรมในรูปแบบที่เขาเรียกว่า Suprematism (จากภาษาละตินแปลว่า "การปกครอง")
71x 88.5 ซม
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์
ภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์เมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากทะเลาะกับญาติของ Malevich เป็นเวลา 17 ปี พิพิธภัณฑ์ก็มอบภาพวาดดังกล่าวให้ ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกับ "Manifesto of Suprematism" ดังนั้น Sotheby จึงได้ประกาศก่อนการประมูลว่าจะไม่ขายในราคาต่ำกว่า 60 ล้านเหรียญสหรัฐ ของสะสมส่วนตัว- และมันก็เกิดขึ้น มองจากด้านบนจะดีกว่า: ตัวเลขบนผืนผ้าใบมีลักษณะคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อน ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "องค์ประกอบ Suprematist" อีกชิ้นจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายในการประมูล Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์
16
“คนอาบน้ำ”
ผู้เขียน
พอล โกแกง
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์
ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุได้เจ็ดขวบ จากนั้นกลับไปฝรั่งเศสพร้อมครอบครัว แต่ความทรงจำในวัยเด็กของเขาผลักดันให้เขาเดินทางอยู่ตลอดเวลา ในฝรั่งเศส เขาเริ่มวาดภาพและเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาในอาร์ลส์จนกระทั่งแวนโก๊ะตัดหูระหว่างทะเลาะกัน
93.4x60.4 ซม
2445
ราคา
55 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี พ.ศ. 2548
ในการประมูล ซอเธบีส์
ในปีพ.ศ. 2434 Gauguin ได้จัดการขายภาพวาดของเขาเพื่อใช้รายได้ในการเดินทางลึกเข้าไปในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานที่ใคร ๆ ก็รู้สึกได้ การเชื่อมต่อที่ละเอียดอ่อนธรรมชาติและมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจาก และสวรรค์เขตร้อนก็เบ่งบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาคือ Tahitian Tehura วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้หยุดศิลปินจากการมีส่วนร่วมในความสัมพันธ์ที่สำส่อน หลังจากติดเชื้อซิฟิลิสแล้วเขาก็เดินทางไปฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม โกแกงคนแน่นที่นั่น และเขาก็กลับมาที่ตาฮิติ ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮิติที่สอง" - ตอนนั้นเองที่มีการวาดภาพ "นักอาบน้ำ" ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่หรูหราที่สุดชิ้นหนึ่ง
17
“ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะโทนสีฟ้าและชมพู”
ผู้เขียน
อองรี มาติส
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ ลัทธิโฟวิสม์
ในปี 1889 อองรี มาตีส ป่วยด้วยโรคไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาพักฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีทาให้เขา ในตอนแรก Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีด้วยความเบื่อ จากนั้นเขาก็คัดลอกผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เขาก็เกิดสไตล์ - Fauvism
65.2x81 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2552
ในการประมูล ของคริสตี้
ภาพวาด "Daffodils and Tablecloth in Blue and Pink" เป็นของ Yves Saint Laurent มาเป็นเวลานาน หลังจากการเสียชีวิตของนักออกแบบเสื้อผ้ารายนี้ คอลเลกชั่นงานศิลปะทั้งหมดของเขาตกไปอยู่ในมือของเพื่อนและคนรักของเขาอย่าง Pierre Berger ซึ่งตัดสินใจนำผลงานศิลปะชิ้นนี้ไปประมูลที่ Christie's ไข่มุกของคอลเลกชั่นที่ขายคือภาพวาด "ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะในโทนสีน้ำเงินและสีชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ เป็นตัวอย่างหนึ่งของลัทธิโฟวิสม์ มันเต็มไปด้วยพลังแห่งสี สีสันต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดอันโด่งดังที่วาดบนผ้าปูโต๊ะ ปัจจุบัน ผลงานชิ้นนี้เป็นเพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัว
18
"สาวหลับ"
ผู้เขียน
รอยลี
เฮ็นสไตน์
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ศิลปะป๊อป
ศิลปินเกิดที่นิวยอร์ก และหลังจากสำเร็จการศึกษา เขาไปโอไฮโอ ซึ่งเขาเข้าเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปี 1949 ลิคเทนสไตน์ได้รับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิต ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการใช้ถ้อยคำประชดทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา
91x91 ซม
1964
ราคา
44.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ซอเธบีส์
วันหนึ่ง หมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากการแทรกลงบนผืนผ้าใบและมีชื่อเสียง เรื่องราวจากชีวประวัติของเขาประกอบด้วยข้อความป๊อปอาร์ตทั้งหมด: การบริโภคคือพระเจ้าองค์ใหม่ และไม่มีกระดาษห่อขนมหมากฝรั่ง ความงามน้อยลงมากกว่าในโมนาลิซ่า ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิคเทนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์สกรีน และการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสมเบียทริซและฟิลิปเกิร์ชมาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด
19
"ชัยชนะ. บูกี้ วูกี้”
ผู้เขียน
พีต มอนเดรียน
ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ เนื้องอก
ของฉัน ชื่อจริง– Cornelis – ศิลปินเปลี่ยนมาใช้ Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 1912 เขาร่วมกับศิลปิน Theo van Doesburg เขาก่อตั้งขบวนการ Neoplasticism ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian
27x127 ซม
พ.ศ. 2487
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล ซอเธบีส์
ศิลปินที่มี “ดนตรี” มากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 หาเลี้ยงชีพด้วยหุ่นสีน้ำ แม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ทำจากนีโอพลาสติกก็ตาม เขาย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1940 และใช้ชีวิตที่เหลือที่นั่น ดนตรีแจ๊สและนิวยอร์กเป็นแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! จิตรกรรม “ชัยชนะ.. บูกี้ วูกี้"- อันที่ดีที่สุดตัวอย่าง. การสร้างสี่เหลี่ยมอันประณีตอันเป็นเอกลักษณ์ทำได้โดยใช้เทปกาว ซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า “ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด” ในอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent ได้เปิดตัวชุดเดรส "Mondrian" ที่โด่งดังไปทั่วโลกพร้อมลายตารางหมากรุกขนาดใหญ่
20
"องค์ประกอบหมายเลข 5"
ผู้เขียน
โหระพาคันดินสกี้
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
ศิลปินเกิดที่มอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังการปฏิวัติเขาพยายามร่วมมือด้วย อำนาจของสหภาพโซเวียตแต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้ถูกสร้างขึ้นสำหรับเขาและอพยพไปยังเยอรมนีโดยไม่ยาก
275x190 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล ซอเธบีส์
Kandinsky เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุโดยสิ้นเชิงซึ่งเขาได้รับตำแหน่งอัจฉริยะ ในช่วงลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "ศิลปะเสื่อมทราม" และไม่มีการจัดแสดงที่ใดเลย ในปี 1939 Kandinsky เข้ารับสัญชาติฝรั่งเศส และในปารีส เขาได้เข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "ฟังดู" เหมือนความทรงจำซึ่งเป็นเหตุให้หลายคนถูกเรียกว่า "องค์ประกอบ" (ครั้งแรกเขียนในปี 1910 และสุดท้ายในปี 1939) “การเรียบเรียงหมายเลข 5” เป็นหนึ่งในผลงานหลักในประเภทนี้: “คำว่า “การเรียบเรียง” ฟังดูเหมือนเป็นคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว แตกต่างจากผู้ติดตามหลายคน เขาวางแผนสิ่งที่เขาจะพรรณนาบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ราวกับว่าเขากำลังเขียนบันทึก
21
"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีน้ำเงิน"
ผู้เขียน
เฟอร์นันด์ เลเกอร์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมหลังอิมเพรสชั่นนิสต์
Légerได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมแล้วเข้าร่วม Ecole des Beaux-Arts ในปารีส ศิลปินคิดว่าตัวเองเป็นผู้ติดตาม Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับ Cubism และในศตวรรษที่ 20 ก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากรเช่นกัน
96.5x129.5 ซม
พ.ศ. 2455–2456
ราคา
39.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์
David Norman ประธานแผนกระหว่างประเทศด้านอิมเพรสชันนิสม์และสมัยใหม่ที่ Sotheby's ถือว่าการจ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับ "The Lady in Blue" นั้นเป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล ภาพวาดนี้เป็นของคอลเลกชัน Léger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพเขียนสามภาพในเรื่องเดียวกัน ภาพสุดท้ายอยู่ในมือของเอกชนในปัจจุบัน - เอ็ด) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบดั้งเดิม ผู้เขียนเองได้มอบงานนี้ให้กับแกลเลอรี Der Sturm จากนั้นก็จบลงที่คอลเลกชันของ Hermann Lang นักสะสมแนวสมัยใหม่ชาวเยอรมัน และตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
22
“ฉากถนน. เบอร์ลิน"
ผู้เขียน
เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์
ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก
สำหรับ การแสดงออกของชาวเยอรมันเคิร์ชเนอร์กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "งานศิลปะที่เสื่อมทราม" ซึ่งส่งผลกระทบอย่างน่าเศร้าต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินที่ฆ่าตัวตายในปี 2481
95x121 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ของคริสตี้
หลังจากย้ายไปเบอร์ลิน เคิร์ชเนอร์ได้สร้างภาพร่างภาพท้องถนน 11 ภาพ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความพลุกพล่านและความกังวลใจของเมืองใหญ่ ในภาพวาดที่ขายในปี 2549 ในนิวยอร์ก อาการวิตกกังวลของศิลปินนั้นรู้สึกได้อย่างชัดเจนเป็นพิเศษ ผู้คนบนถนนเบอร์ลินมีลักษณะคล้ายกับนก - สง่างามและอันตราย เธอกลายเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจาก ซีรีส์ชื่อดังขายทอดตลาด ที่เหลือเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อ Kirchner อย่างรุนแรง ผลงานของเขา 639 ชิ้นถูกยึดจาก แกลเลอรี่เยอรมันถูกทำลายหรือขายไปต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้
23
"นักพักผ่อน"นักเต้น"
ผู้เขียน
เอ็ดการ์ เดอกาส์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์
ประวัติศาสตร์ของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นจากงานของเขาในฐานะนักลอกเลียนแบบที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่มีใครรู้จัก" และในที่สุดเขาก็ทำสำเร็จ ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ทั้งหูหนวกและตาบอด เดกาส์วัย 80 ปียังคงเข้าร่วมนิทรรศการและการประมูลต่อไป
64x59 ซม
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์
“นักบัลเลต์เป็นข้ออ้างสำหรับฉันเสมอที่จะพรรณนาถึงเนื้อผ้าและบันทึกการเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ดูเหมือนฉากชีวิตของนักเต้นจะถูกสอดแนม สาวๆ ไม่ได้โพสท่าเพื่อศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่ Degas จ้องมอง “Resting Dancer” ถูกขายไปในราคา 28 ล้านดอลลาร์ในปี 1999 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อไปในราคา 37 ล้านดอลลาร์ ปัจจุบันเป็นผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินรายนี้ที่เคยนำออกประมูล ความสนใจมากเดอกาส์ให้ความสนใจกับเฟรม ออกแบบด้วยตัวเอง และห้ามไม่ให้มีการเปลี่ยนแปลง ฉันสงสัยว่าภาพวาดขายเฟรมอะไร?
24
"จิตรกรรม"
ผู้เขียน
โจน มิโร
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม
ในระหว่าง สงครามกลางเมืองในสเปน ศิลปินอยู่เคียงข้างพรรครีพับลิกัน ในปี 1937 เขาหนีจากระบอบฟาสซิสต์ไปยังปารีส ซึ่งเขาอาศัยอยู่กับครอบครัวอย่างยากจน ในช่วงเวลานี้ มิโรวาดภาพ "Help Spain!" ซึ่งดึงดูดความสนใจของคนทั้งโลกไปที่การปกครองของลัทธิฟาสซิสต์
89x115 ซม
พ.ศ. 2470
ราคา
36.824 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ซอเธบีส์
ชื่อภาพที่สองคือ “ บลูสตาร์- ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันอยากจะฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณีเกาสีด้วยตะปูติดขนบนผืนผ้าใบปิดงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่เมื่อจัดการกับสิ่งนี้ได้ Miro ได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้นมา - นามธรรมเหนือจริง “ภาพวาด” ของเขาอยู่ในวงจรของ “ภาพวาดในฝัน” ในการประมูล ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อสิ่งนี้ แต่การโทรโดยไม่ระบุตัวตนสายหนึ่งช่วยแก้ไขข้อโต้แย้งได้ และ "ภาพวาด" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน
25
"บลูโรส"
ผู้เขียน
อีฟ ไคลน์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ จิตรกรรมเอกรงค์
ศิลปินเกิดในครอบครัวจิตรกร แต่ศึกษาภาษาตะวันออก การนำทาง งานฝีมือปิดทอง พุทธศาสนานิกายเซน และอื่นๆ อีกมากมาย บุคลิกและการแสดงตลกหน้าด้านของเขาน่าสนใจมากกว่าภาพวาดเอกรงค์หลายเท่า
153x199x16 ซม
1960
ราคา
36.779 ล้านดอลลาร์
ขายในปี 2012
ในการประมูลของคริสตี้
นิทรรศการครั้งแรกที่จัดแสดงผลงานประเภทเอกรงค์เดียวสีเหลือง สีส้ม และสีชมพูไม่ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์รู้สึกขุ่นเคืองและครั้งต่อไปได้นำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ผืนซึ่งวาดด้วยอุลตรามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์พิเศษ เขายังจดสิทธิบัตรวิธีนี้ด้วยซ้ำ สีดังกล่าวลงไปในประวัติศาสตร์ว่า “เป็นสากล” สีฟ้าไคลน์” ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพวาดโดยนำกระดาษไปตากฝน จุดไฟเผากระดาษแข็ง พิมพ์ภาพร่างของบุคคลบนผืนผ้าใบ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ฉันทดลองอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้าง “กุหลาบสีน้ำเงิน” ฉันใช้เม็ดสีแห้ง เรซิน กรวด และฟองน้ำธรรมชาติ
26
“ตามหาโมเสส”
ผู้เขียน
เซอร์ ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา
ประเทศ บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสสิก
เซอร์ลอว์เรนซ์เองก็เพิ่มคำนำหน้าว่า "อัลมา" ในนามสกุลของเขาเพื่อที่เขาจะได้อยู่ในรายชื่ออันดับแรกในแคตตาล็อกศิลปะ ใน วิคตอเรียนอังกฤษภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการอย่างมากจนศิลปินได้รับรางวัลอัศวิน
213.4x136.7 ซม
2445
ราคา
35.922 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์
แก่นหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดที่เขาพยายามทำ รายละเอียดที่เล็กที่สุดเพื่อพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมัน ด้วยเหตุนี้ เขาได้ดำเนินการขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านในลอนดอนของเขา เขาได้จำลองการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา วิชาในตำนานกลายเป็นอีกหนึ่งแรงบันดาลใจให้กับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากการตายเขาก็ถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว ขณะนี้ความสนใจกำลังฟื้นขึ้นมา โดยเห็นได้จากราคาของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าประมาณการก่อนการขายถึงเจ็ดเท่า
27
“ภาพเจ้าหน้าที่นอนเปลือยเปล่า”
ผู้เขียน
ลูเซียน ฟรอยด์
ประเทศ เยอรมนี,
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ การวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง
ศิลปินเป็นหลานชายของซิกมันด์ ฟรอยด์ บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากการสถาปนาลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาก็อพยพไปยังบริเตนใหญ่ ผลงานของฟรอยด์อยู่ในพิพิธภัณฑ์ Wallace Collection ในลอนดอน ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยเคยจัดแสดงมาก่อน
219.1x151.4 ซม
1995
ราคา
33.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้
ลาก่อน ศิลปินแฟชั่นศตวรรษที่ 20 ได้สร้าง "จุดสีบนผนัง" เชิงบวกและขายได้ในราคานับล้าน ฟรอยด์วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายในราคาที่มากกว่านั้น “ฉันจับภาพเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทุกข์ทรมานของเนื้อหนังที่ซีดจาง” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้คือ "มรดก" ของซิกมันด์ ฟรอยด์ ภาพวาดดังกล่าวได้รับการจัดแสดงและจำหน่ายอย่างประสบความสำเร็จจนผู้เชี่ยวชาญเริ่มสงสัยว่าภาพเหล่านี้มีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? ตามข้อมูลของ Sun ระบุว่า The Portrait of a Nude Sleeping Official ซึ่งขายทอดตลาด ถูกซื้อโดยนักเลงด้านความงามและมหาเศรษฐี Roman Abramovich
28
"ไวโอลินและกีตาร์"
ผู้เขียน
เอ็กซ์กริสหนึ่งคน
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
เกิดที่กรุงมาดริด ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่แวดวงศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งยุค: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger และยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย
5x100 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
28.642 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้
กริส โดย ด้วยคำพูดของฉันเองมีส่วนร่วมใน “สถาปัตยกรรมภาพถ่ายและสี” ภาพวาดของเขาคิดออกมาอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้ทิ้งจังหวะสุ่มแม้แต่เส้นเดียวซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์คล้ายกับเรขาคณิต ศิลปินได้สร้างลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในเวอร์ชันของเขาเอง แม้ว่าเขาจะเคารพปาโบล ปิกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้เป็นอย่างมากก็ตาม ผู้สืบทอดยังอุทิศผลงานชิ้นแรกของเขาในรูปแบบคิวบิสม์ "Tribute to Picasso" ให้กับเขาด้วย ภาพวาด “ไวโอลินและกีตาร์” ได้รับการยกย่องว่ามีความโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา Gris มีชื่อเสียงและได้รับการสนับสนุนจากนักวิจารณ์และนักวิจารณ์ศิลปะ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและจัดเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัว
29
"ภาพเหมือนทุ่งแห่งเอลูอาร์ด"
ผู้เขียน
ซัลวาดอร์ ดาลี
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์
“ฉันคือสถิตยศาสตร์” ต้าหลี่กล่าวเมื่อเขาถูกไล่ออกจากกลุ่มสถิตยศาสตร์ เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ที่โด่งดังที่สุด งานของต้าหลี่มีอยู่ทั่วไป ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรีเท่านั้น ตัวอย่างเช่นเขาเป็นคนคิดบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa Chups
25x33 ซม
2472
ราคา
20.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์
ในปี 1929 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาของเขาชาวรัสเซียมาเยี่ยม Dali ผู้ยั่วยุและนักสู้ผู้ยิ่งใหญ่ การพบกันถือเป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด “ภาพเหมือนของพอล เอลูอาร์ด” ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยือนครั้งประวัติศาสตร์ครั้งนี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับความไว้วางใจให้รับผิดชอบในการถ่ายภาพใบหน้าของกวีผู้นี้ ซึ่งฉันได้ขโมยเพลงจากโอลิมปัสไป” ศิลปินกล่าว ก่อนที่จะพบกับกาล่า เขาเป็นสาวพรหมจารีและรู้สึกเบื่อหน่ายกับความคิดเรื่องเซ็กส์กับผู้หญิง รักสามเส้าดำรงอยู่จนกระทั่งการตายของ Eluard หลังจากนั้นก็กลายเป็นเพลงคู่ Dali-Gala
30
"วันครบรอบปี"
ผู้เขียน
มาร์ค ชากัล
ประเทศ รัสเซีย,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
Moishe Segal เกิดที่เมือง Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปปารีส เปลี่ยนชื่อ และใกล้ชิดกับศิลปินแนวหน้าชั้นนำแห่งยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ระหว่างที่พวกนาซียึดอำนาจ เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับไปฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2491 เท่านั้น
80x103 ซม
2466
ราคา
14.85 ล้านดอลลาร์
ขายไปเมื่อปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby
ภาพวาด “วันครบรอบ” ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณลักษณะทั้งหมดของงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบทิ้ง, ความรู้สึกของเทพนิยายถูกเก็บรักษาไว้ในทิวทัศน์ของชีวิตชนชั้นกลางและความรักเป็นศูนย์กลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงผู้คนมาจากชีวิต แต่ดึงมาจากความทรงจำหรือจินตนาการเท่านั้น ภาพวาด "วันครบรอบ" พรรณนาถึงตัวศิลปินเองและเบลาภรรยาของเขา ภาพวาดนี้ถูกขายในปี 1990 และยังไม่มีการประมูลตั้งแต่นั้นมา สิ่งที่น่าสนใจคือพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่นิวยอร์ก MoMA เป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์เดียวกันทุกประการ โดยใช้ชื่อว่า "วันเกิด" เท่านั้น โดยวิธีการนี้เขียนไว้ก่อนหน้านี้ - ในปี 1915
ได้เตรียมโครงการ
ตาเตียนา ปาลาโซวา
ได้รวบรวมเรตติ้งแล้ว
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร ทีเอ็มเอ็น ฉบับที่ 13
(พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)
ศิลปินชาวฝรั่งเศสเป็นชื่อที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวัฒนธรรมโลก ยิ่งไปกว่านั้น มันเป็นปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสที่ทำลายสถิติราคางานศิลปะทั้งหมด การประมูลที่ดีที่สุด- น่าเสียดายที่ผู้เขียนได้รับเท่านั้น ชื่อเสียงมรณกรรมแต่นั่นคือความผันผวนของโชคชะตาของผู้สร้างความงามมากมาย
ศิลปินแห่งฝรั่งเศส: ปรากฏการณ์แห่งอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส
ดังนั้นสิ่งที่ขายแพงที่สุดและมีชื่อเสียงและเป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลกคือศิลปินชาวฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20 แม้แต่ผู้ที่ไม่มีประสบการณ์เลยก็ตาม ศิลปกรรมผู้คนรู้จักชื่อของพวกเขา ก่อนอื่น คนเหล่านี้คือศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ ฝรั่งเศสไม่เป็นมิตรกับพวกเขาในช่วงชีวิตของพวกเขา แต่หลังจากความตายพวกเขาก็กลายเป็นความภาคภูมิใจของชาติอย่างแท้จริง
ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฝรั่งเศสที่ได้รับ การยอมรับทั่วโลกชื่อเสียงและชื่อเสียงใน วงกลมกว้าง, - นี้ ปิแอร์ เรอนัวร์, เอดูอาร์ด มาเน็ต, เอ็ดการ์ เดอกาส์, ปอล เซซาน, คล็อด โมเน่ต์และ พอล โกแกง- พวกเขาทั้งหมดเป็นตัวแทนของขบวนการจิตรกรรมที่มีชื่อเสียงและขายดีที่สุดในศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชันนิสม์ ไม่จำเป็นต้องพูดว่าการเคลื่อนไหวนี้มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและเผยให้เห็นสถานที่และความสำคัญของมันในประวัติศาสตร์ศิลปะโลกอย่างเต็มที่ การผสมผสานอันน่าทึ่งของเทคนิคดั้งเดิมและการแสดงออกทางอารมณ์ที่ยอดเยี่ยมทำให้ผู้ชื่นชอบความงามทั่วโลกหลงใหลในอิมเพรสชันนิสม์และยังคงหลงใหลและยังคงหลงใหล
ศิลปินแห่งฝรั่งเศส: การก่อตัวของจิตรกรรมฝรั่งเศส
แต่ศิลปินชาวฝรั่งเศสไม่เพียงแต่เกี่ยวกับอิมเพรสชันนิสม์เท่านั้น เช่นเดียวกับที่อื่นๆ ในยุโรป การวาดภาพที่นี่มีความเจริญรุ่งเรืองในช่วงยุคเรอเนซองส์ แน่นอนว่าฝรั่งเศสไม่สามารถอวดอ้างยักษ์ใหญ่อย่างเลโอนาร์โด ดา วินชีหรือราฟาเอลได้ แต่ก็ยังมีส่วนช่วยในเรื่องเดียวกัน แต่ อิทธิพลของอิตาลีแข็งแกร่งเกินกว่าจะก่อตั้งโรงเรียนแห่งชาติดั้งเดิมได้
ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่คนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากอิทธิพลภายนอกอย่างสมบูรณ์คือ Jacques Louis David ซึ่งได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งประเพณีการวาดภาพประจำชาติ ที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงศิลปินกลายเป็นภาพเหมือนนักขี่ม้าที่มีชื่อเสียงของจักรพรรดินโปเลียนที่มีชื่อว่า "นโปเลียนที่ช่องเขาเซนต์เบอร์นาร์ด" (1801)
แน่นอนว่าศิลปินในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 ที่ทำงานตามแนวทางที่สมจริงนั้นมีชื่อเสียงน้อยกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ แต่พวกเขายังคงมีส่วนช่วยในการพัฒนาจิตรกรรมโลกอย่างเป็นรูปธรรม แต่ศตวรรษที่ 20 กลายเป็นชัยชนะของศิลปะฝรั่งเศส และปารีสก็กลายเป็นศูนย์กลางของแรงบันดาลใจ พื้นที่ที่มีชื่อเสียงเมืองหลวงของฝรั่งเศสมงต์มาตร์ซึ่งให้ที่พักพิงแก่ศิลปินผู้น่าสงสารหลายสิบคนซึ่งต่อมาได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของกองทุนทองคำแห่งมรดกของมนุษยชาติซึ่งรวมถึงชื่อต่างๆ เรอนัวร์, แวนโก๊ะ, ตูลูส-โลเทรก, และ ปิกัสโซและ โมดิเกลียนีกลายเป็นศูนย์กลางทางวิจิตรศิลป์และยังคงดึงดูดนักท่องเที่ยวจำนวนมาก ศิลปินฝรั่งเศสร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงก็อาศัยอยู่ในมงต์มาตร์เช่นกัน