ศิลปะอิตาลีและโบราณ หลักสูตรหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในเมืองฟลอเรนซ์

15.03.2019

มอสโก รุ้ง. 1990

Giulio Carlo Argan เป็นนักวิจารณ์ศิลปะชื่อดังชาวอิตาลี ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่และการวิจารณ์ศิลปะ งานพื้นฐานของเขาครอบคลุมประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี ตั้งแต่สมัยโบราณและยุคกลางไปจนถึงแนวโรแมนติกและลัทธิอนาคต แม้ว่าความสนใจหลักจะจ่ายให้กับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีก็ตาม

ส่วนที่หนึ่ง
บทที่หนึ่ง
ต้นกำเนิด
บทที่สอง วัฒนธรรมอีเจียน
ศิลปะมิโนอัน
ศิลปะไมซีนี
บทที่สาม ศิลปะกรีก
สถาปัตยกรรม.
ประติมากรรมโบราณ
ประติมากรรมคลาสสิก
ประติมากรรมขนมผสมน้ำยา
การวางผังเมืองและสถาปัตยกรรม
จิตรกรรมกรีก
บทที่สี่ ศิลปะโบราณในอิตาลี.
แม็กน่า เกรเซีย.
ศิลปะอิทรุสกัน
สถาปัตยกรรม.
จิตรกรรม.
ประติมากรรม.
บทที่ห้า ศิลปะโรมันโบราณ
สถาปัตยกรรม.
จิตรกรรมอนุสาวรีย์
จิตรกรรม.
ประติมากรรม.
บทที่หก ศิลปะคริสเตียนยุคแรก
ศิลปะสุสาน
มหาวิหารแห่งแรก
ศูนย์กลางวัฒนธรรมโบราณตอนปลายอื่นๆ: มิลานและราเวนนา
ศิลปะของชนเผ่าไบแซนเทียมและชนเผ่าอนารยชนในยุคกลาง
การจัดแสดงครั้งแรกของศิลปะวิจิตรศิลป์ยุคกลางระดับชาติของอิตาลี
บทที่เจ็ด ศิลปะโรมาเนสก์
สถาปัตยกรรมทางตอนเหนือของอิตาลี
อิตาลีตอนกลาง
อิตาลีตอนใต้และซิซิลี
ประติมากรรม.
จิตรกรรม.
บทที่แปด ศิลปะกอทิก
สถาปัตยกรรมกอทิก
สถาปัตยกรรมกอทิกในอิตาลี
โกธิคตอนปลาย
วิศวกรรมโยธา.
ประติมากรรม.
จิตรกรรม.
ตอนที่สอง
บทที่หนึ่ง เทรเซนโต
จอตโต้.
ซิโมน มาร์ตินี่.
ปิเอโตร และอัมโบรจิโอ ลอเรนเซ็ตติ
การพัฒนาจิตรกรรม Trecento
บทที่สอง กอทิกสากล
ศิลปะกอทิกตอนปลายในอิตาลี
บทที่สามควอตโตรเซนโต
แนวคิดใหม่ของธรรมชาติและประวัติศาสตร์
การโต้เถียงกับกอธิค
การแข่งขัน 1401.
ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 15
โดมของอาสนวิหารซานตามาเรียเดลฟิโอเรในฟลอเรนซ์
สาม "ความรักของ Magi"
บรูเนลเลสกี-โดนาเตลโล-มาซาชโช
แนวโน้มอื่น ๆ ในวัฒนธรรมทางศิลปะของทัสคานี
ภาพวาดเซียนาของศตวรรษที่ 15
ทฤษฎีศิลปะในมนุษยนิยมของลีออน บัตติสตา อัลแบร์ตี
การพัฒนาสถาปัตยกรรมทัสคานี
ประติมากรรมทัสคัน
พื้นที่เชิงทฤษฎีและเชิงประจักษ์
การสังเคราะห์ความจริงที่มีเหตุผลและอุดมคติ
แนวโน้มหลักในการวาดภาพในฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15
แนวโน้มที่ขัดแย้งกันในการวาดภาพควอตโตรเซนโตตอนปลาย
การเปิดตัวของฟลอเรนซ์ของเลโอนาร์โด
ศิลปกรรมในภาคกลางของอิตาลี
มนุษยนิยมใน ศิลปกรรมอิตาลีตอนเหนือ
โรงเรียนสควาร์ซิโอเน
ภาพวาดของเฟอร์รารา ควอตโตรเชนโต
อิตาลีตอนใต้: อันโตเนลโล ดา เมสซินา
ศิลปะใหม่ของเวนิส
ตำนานและความเป็นจริงในงานศิลปะของ Vittore Carpaccio
สถาปัตยกรรมและประติมากรรมของเวนิส
มนุษยนิยมในวิจิตรศิลป์ของลอมบาร์เดีย
Bramante และ Leonardo ในมิลาน

อิตาลีมีชื่อเสียงในด้านประเพณีทางวัฒนธรรมที่ร่ำรวยที่สุดในโลก ความสำเร็จของชาวอิตาลีในด้านศิลปะ สถาปัตยกรรม วรรณคดี ดนตรี และวิทยาศาสตร์มีอิทธิพล อิทธิพลใหญ่เพื่อพัฒนาวัฒนธรรมในประเทศอื่นๆ อีกมากมาย

นานก่อนการเกิดขึ้นของอารยธรรมโรมโบราณ วัฒนธรรมของชาวอิทรุสกันในทัสคานีและชาวกรีกทางตอนใต้ของอิตาลีได้พัฒนาขึ้น หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันในอิตาลี วัฒนธรรมก็เสื่อมถอยลง และเฉพาะในศตวรรษที่ 11 เท่านั้น สัญญาณแรกของการฟื้นฟูปรากฏขึ้น มาถึงจุดสูงสุดใหม่ในศตวรรษที่ 14 ในยุคเรอเนซองส์ ชาวอิตาลีมีบทบาทนำใน วิทยาศาสตร์ยุโรปและศิลปะ แล้วพวกเขาก็ทำเรื่องแบบนี้ ศิลปินที่โดดเด่นและประติมากรเช่น Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo นักเขียน Dante, Petrarch และ Boccaccio

วรรณกรรม.

วรรณกรรมอิตาลีปรากฏในช่วงปลายยุโรป ภาษาละตินถูกใช้เป็นภาษาวรรณกรรมจนถึงศตวรรษที่ 13 และยังคงมีความสำคัญมาจนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 16 การพูดภาษาอิตาลีทำให้สถานะของตนแข็งแกร่งขึ้นอย่างช้าๆ ในวรรณคดี ต้นกำเนิดของวรรณคดีอิตาลีย้อนกลับไปถึงประเพณีของเนื้อเพลงรักในราชสำนักที่ก่อตั้งโดยโรงเรียนซิซิลีโดยเลียนแบบแบบจำลองของProvençal บทกวีนี้เจริญรุ่งเรืองในราชสำนักของพระเจ้าเฟรดเดอริกที่ 2 ในเมืองปาแลร์โมเมื่อต้นศตวรรษที่ 13 ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น ณ แคว้นอุมเบรีย ภายใต้อิทธิพลของงานเขียนของนักบุญ ฟรานซิสแห่งอัสซีซีเขียนบทกวีเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา

อย่างไรก็ตามเฉพาะในทัสคานีเท่านั้นที่เป็นรากฐานของภาษาอิตาลีในวรรณกรรม กวีชาวทัสคันที่โดดเด่นที่สุดคือชาวเมืองฟลอเรนซ์ Dante Alighieri ผู้แต่ง Divine Comedy ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานวรรณกรรมชิ้นเอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโลก เขามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวรรณกรรมของยุคกลางตอนปลาย ซึ่งมีส่วนอย่างมากในการเปลี่ยนแปลงภาษาทัสคานีให้เป็นภาษาวรรณกรรมอิตาลีทั่วไป หลังจาก Dante นักเขียนคนอื่น ๆ ในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นก็ปรากฏตัวขึ้น - Francesco Petrarca ผู้แต่งบทกวีและโคลงสั้น ๆ และ Giovanni Boccaccio ผู้ซึ่งได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกจากคอลเลกชันเรื่องสั้น The Decameron

ดันเต้, เปตราร์ก และบอคคาชโชได้กำหนดไว้ล่วงหน้าในการพัฒนาวรรณกรรมเพิ่มเติมในภาษาอิตาลีและในศตวรรษที่ 15 ความสนใจในภาษาละตินฟื้นขึ้นมาอีกครั้งชั่วคราว ในศตวรรษที่ 16 ถูกสร้างขึ้นโดยกวีชาวอิตาลีที่โดดเด่นสองคน - Ludovico Ariosto ผู้แต่งบทกวีอัศวินผู้กล้าหาญ Furious Roland ซึ่งเป็นตัวอย่างของยุคเรอเนสซองซ์สูงและ Torquato Tasso ผู้แต่งบทกวี Liberated Jerusalem ซึ่งเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของนิกายโรมันคาทอลิกที่เข้มแข็ง ในศตวรรษที่ 18 การแสดงตลกคลาสสิก (Carlo Goldoni) โศกนาฏกรรม (Vittorio Alfieri) และบทกวี (Giuseppe Parini) กำลังฟื้นคืนชีพ ในศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหวเพื่อการปฏิรูปและความเป็นอิสระกระตุ้นการพัฒนาวรรณกรรม Alessandro Manzoni - กวี นักเขียนบทละคร นักวิจารณ์ และนักประพันธ์ - มีชื่อเสียงจากนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ที่โดดเด่นเรื่อง The Betrothed บทกวีของ Giacomo Leopardi ถูกแทรกซึม ความรู้สึกลึกรักบ้านเกิด หลังจากการรวมประเทศ Giosue Carducci กลายเป็นบุคคลสำคัญในวรรณคดีอิตาลี ในปี 1906 เขากลายเป็นชาวอิตาลีคนแรกที่ได้รับรางวัลโนเบลจากบทกวี บทกวี และการศึกษาประวัติศาสตร์วรรณคดีอิตาลี

นิยายภาษาอิตาลีเริ่มพัฒนาเรื่องใหม่ทีละน้อย ประเภทวรรณกรรม. Giovanni Verga นักเขียนชาวซิซิลี ผู้เขียนเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตของชาวนาและชาวประมงในอิตาลีตอนใต้ ก่อตั้งโรงเรียนแห่ง verismo (ความสมจริง) เรื่องราวของเขา Rustic Honor เป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลง Pietro Mascagni แต่งโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกัน Grazia Deledda ผู้ได้รับรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรมในปี 1926 เขียนนวนิยายมากกว่า 30 เรื่องและคอลเลกชันเรื่องราวหลายเรื่องเกี่ยวกับชีวิตของผู้คนในซาร์ดิเนียบ้านเกิดของเธอ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 นักเขียน Gabriele D'Annunzio มีความโดดเด่นในนวนิยายที่ลัทธินี้ได้รับการยกย่อง บุคลิกภาพที่แข็งแกร่งและสังคมอิตาลีก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์

ทันทีหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง Alfredo Panzini นักเขียนอารมณ์ขันที่เฉียบคมและลึกซึ้งได้รับชื่อเสียงอย่างมาก ผลงานที่ดีที่สุดของเขา Virtue Tales เผยให้เห็นถึงความหลงใหลของมนุษย์และปัญหาทางเศรษฐกิจของสังคมยุคใหม่ Italo Svevo มีชื่อเสียงจากนวนิยายเรื่อง The Self-Knowledge of Zeno ในเวลาเดียวกันนักเขียนรุ่นเก่าก็ทำงานอยู่: Riccardo Bacchelli ผู้แต่งไตรภาคประวัติศาสตร์ The Mill on the Po; Aldo Palazzeschi ผู้สร้างถ้อยคำที่ยอดเยี่ยมในนวนิยาย The Meterassi Sisters และ Code of Pearl á; Giovanni Papini เป็นที่รู้จักจากหนังสือของเขาเรื่อง The History of Christ, The Finished Man รวมถึงเรื่องเสียดสีทางปัญญา Gog; และ Corrado Alvaro ผู้บรรยายชีวิตของชาวนาใน Calabria

บุคคลที่โดดเด่นในวรรณคดีอิตาลีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 คือเบเนเดตโต โครเช นักปรัชญา นักมนุษยนิยม และนักวิจารณ์ นอกเหนือจากกิจกรรมทางวิทยาศาสตร์ของเขาแล้ว Croce ยังเป็นนักการเมืองที่ต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์อย่างแข็งขัน ในช่วงหลายปีแห่งการปกครองแบบเผด็จการฟาสซิสต์ นักเขียนชาวอิตาลีจำนวนมากถูกบังคับให้อพยพ หนึ่งในนั้นคืออิกนาซิโอ ซิโลเน นักเขียนฝ่ายซ้าย เขาเขียนนวนิยายเกี่ยวกับชีวิตของผู้คนที่อาศัยอยู่ในพื้นที่เนินเขาใกล้กรุงโรม (ฟอนทามารา ขนมปังและไวน์) และจุลสารเสียดสี School for Dictators คาร์โล เลวี แพทย์ ศิลปิน และนักเขียน ถูกเนรเทศไปยังอิตาลีตอนใต้ ซึ่งเขาบรรยายถึงความยากจน ชีวิตในหมู่บ้านในนวนิยายเรื่องนี้ พระคริสต์ทรงหยุดอยู่ที่เอโบลี

ลัทธิฟาสซิสต์ สงคราม และขบวนการต่อต้านสะท้อนให้เห็นในภาษาอิตาลี นิยาย. นวนิยาย Indifferent ของ Alberto Moravia บรรยายถึงความสอดคล้องของสังคมอิตาลีในสมัยฟาสซิสต์ หัวข้อนี้ยังกล่าวถึงในงานเขียนหลังสงครามของเขาด้วย เช่น ใน The Conformist ผลงานที่โด่งดังที่สุดของโมราเวีย ได้แก่ Two Women, A Roman Woman, Conjugal Love, Roman Tales และ New Roman Tales เช่นเดียวกับในภาพยนตร์ การเคลื่อนไหวที่โดดเด่นในวรรณคดีในช่วงหลังสงครามโลกครั้งที่สองคือลัทธินีโอเรียลลิสม์ ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการฟื้นฟูนวนิยายเรื่องนี้ในอิตาลี นวนิยายของ Giuseppe Marotta (The Gold of Naples และ Saint Januarius Never Says No!) และ Vasco Pratolini (A Hero of Our Time and The Tale of Poor Lovers) เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของลัทธินีโอเรียลลิสม์ ซึ่งสร้างขึ้นในเนเปิลส์และฟลอเรนซ์ตามลำดับ ในทศวรรษที่ 1960 นักเขียนเช่น Giorgio Bassani (The Garden of Finzi-Contini) และ Natalia Ginzburg (The Family Lexicon) จัดการกับปัญหาของแต่ละบุคคลเป็นหลัก ในงานเหล่านี้ นีโอเรียลลิสม์ได้เปิดทางให้นีโอเปรี้ยวจี๊ด ทิศทางใหม่ก่อตัวขึ้นภายใต้ อิทธิพลที่แข็งแกร่งแนวคิดของนักเขียน คาร์โล เอมิลิโอ กัดดา

นักเขียนชาวซิซิลี Leonardo Sciascia (Salt in the Wound, Mafia Vendetta, Death of an Inquisitor, The Egyptian Council, Blessing) ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติ Italo Calvino ยังได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติในฐานะปรมาจารย์ด้านเทพนิยายสมัยใหม่และนักทฤษฎีวรรณกรรม (เส้นทางสู่รังแมงมุม, บรรพบุรุษของเรา, ภาษาอิตาลี นิทานพื้นบ้าน, คอสมิคอมมิกส์ , จุดเริ่มต้นของการนับถอยหลัง , หากนักเดินทางอยู่ในคืนฤดูหนาว ) นวนิยายของ Umberto Eco เรื่อง The Name of the Rose กลายเป็นหนังสือขายดีทั่วโลกในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในบรรดาหนังสือขายดีของชาวอิตาลีในยุคก่อนๆ เรื่องราวของ Giovanni Guareschi เกี่ยวกับ Don Camillo นักบวชประจำเขตที่ต่อสู้กับนายกเทศมนตรีคอมมิวนิสต์ในท้องถิ่นมีความโดดเด่น ในปี 1958 หนังสือ The Leopard ของ Giuseppe Tomasi di Lampedusa กลายเป็นนวนิยายอิตาลีเรื่องแรกที่ขายได้ 100,000 เล่มในหนึ่งปี Carlo Cassola และ Giorgio Bassani เป็นนักเขียนชาวอิตาลีที่มีผู้อ่านกันอย่างแพร่หลายมากที่สุดในทศวรรษ 1960 และในปี 1974 นวนิยาย The Story ของ Elsa Morante ทำลายสถิติความนิยมก่อนหน้านี้ทั้งหมด Dino Budzati, Mario Soldati, Ottiero Ottieri, Beppe Fenoglio และ Pier Paolo Pasolini มีชื่อเสียงในฐานะนักประพันธ์ และนักเขียนชาวอิตาลีหลายคนสามารถเชื่อมอุปสรรคระหว่างประเภทวรรณกรรมและระหว่างวรรณกรรมและสื่อสารมวลชนได้อย่างง่ายดาย

นักเขียนบทละครชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 มีลุยจิ ปิรันเดลโล ซึ่งได้รับรางวัลโนเบลในปี พ.ศ. 2477 ละครที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ Six Character in Search of an Author, Henry IV, You're Right; สิ่งเหล่านี้ล้วนเกี่ยวข้องกับความขัดแย้งระหว่างภาพลวงตากับความเป็นจริง และกับปัญหาในยุคสมัยของเรา ซึ่งโดยธรรมชาติแล้วมันไม่สามารถแก้ไขได้ Sema Benelli ชาวเปรูเป็นเจ้าของ The Mask of Brutai The Dinner of Ridicule - โศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ในกลอนเปล่า Tristan และ Isolde โดย Ettore Moschino ปราสาทมหัศจรรย์แห่งความฝัน โดย Enrico Butti, Orion และ GlaucoE L. Morselli เขียนด้วยกลอนเปล่าที่มีความหมายมากเช่นกัน ชื่อเสียงของ Roberto Bracco ในฐานะนักเขียนบทละครมีความเกี่ยวข้องกับ Little Saint ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของละครอิตาลีสมัยใหม่ บทละครหลายเรื่องของเขามีแรงจูงใจสตรีนิยมอย่างชัดเจนและเป็นโศกนาฏกรรมทางจิตใจและจิตวิญญาณ การพิจารณาคดีของพระเยซูโดยดิเอโก ฟาบบรีถูกจัดแสดงบนเวทีทั่วยุโรป ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของปี 1950 นักเขียนบทละคร Dario Fo และ Franca Rame ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน การยอมรับในระดับสากลด้วยผลงานเสียดสีอันวิจิตรบรรจงของเขา

กวีนิพนธ์ของอิตาลีก็เหมือนกับงานศิลปะของอิตาลีเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 สัมผัสกับอิทธิพลของลัทธิแห่งอนาคต - การเคลื่อนไหวที่พยายามสะท้อนความเป็นจริงใหม่ของชีวิตสมัยใหม่ ต้นกำเนิด (1909) คือกวี Filippo Tommaso Marinetti ลัทธิแห่งอนาคตดึงดูดกวีชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงเพียงไม่กี่คน แต่มีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อชีวิตทางจิตวิญญาณของประเทศ อย่างไรก็ตาม กวีผู้โดดเด่นแห่งอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 20 Salvatore Quasimodo ไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับลัทธิแห่งอนาคต บทกวี "ลึกลับ" ของเขารวบรวมหลักการส่วนบุคคลที่ลึกซึ้งและโดดเด่นด้วยทักษะสูงและสไตล์ที่หรูหรา สะท้อนถึงบทกวีของแรงบันดาลใจในบทกวี ตัวแทนที่ได้รับการยอมรับอื่น ๆ ของ Hermeticism ในบทกวี ได้แก่ Giuseppe Ungaretti และ Eugenio Montale Quasimodo ได้รับรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรมในปี 1959 และ Montale ในปี 1975 กวีรุ่นเยาว์ที่ได้รับการยอมรับหลังสงครามโลกครั้งที่สอง ได้แก่ Pier Paolo Pasolini, Franco Fortini, Margherita Guidacci, Rocco Scotellaro, Andrea Zanotto, Antonio Rinaldi และ Michele Pierri

ศิลปะ.

ต้นกำเนิดของความยิ่งใหญ่ทางศิลปะของอิตาลีย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 14 โดยเป็นผลงานจิตรกรรมของโรงเรียนฟลอเรนซ์ ซึ่งตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Giotto di Bondone จิออตโตเลิกกับภาพวาดสไตล์ไบแซนไทน์ซึ่งครอบงำศิลปะยุคกลางของอิตาลี และนำความอบอุ่นและอารมณ์ตามธรรมชาติมาสู่ภาพวาดที่ปรากฎบนจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ของเขาในฟลอเรนซ์ อัสซีซี และราเวนนา มาซาชโชได้สานต่อหลักการตามธรรมชาติของจิออตโตและผู้ติดตามของเขา ผู้สร้างจิตรกรรมฝาผนังที่สมจริงตระการตาพร้อมการแสดงภาพไคอาโรสคูโรอย่างเชี่ยวชาญ ตัวแทนที่โดดเด่นคนอื่นๆ ของโรงเรียนฟลอเรนซ์ในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น ได้แก่ จิตรกร Fra Angelico และประติมากรและนักอัญมณี Lorenzo Ghiberti

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 15 ฟลอเรนซ์ได้กลายเป็นศูนย์กลางสำคัญของศิลปะอิตาลี Paolo Uccello บรรลุทักษะระดับสูงในการถ่ายทอดมุมมองเชิงเส้น Donatello ลูกศิษย์ของ Ghiberti ได้สร้างประติมากรรมเปลือยและรูปปั้นคนขี่ม้าแบบตั้งพื้นได้ชิ้นแรกนับตั้งแต่สมัยโรมัน Filippo Brunelleschi นำสไตล์เรอเนซองส์มาสู่สถาปัตยกรรม Fra Filippo Lippi และลูกชายของเขา Filippino วาดภาพเขียนที่หรูหราในธีมทางศาสนา ทักษะด้านกราฟิกของโรงเรียนวาดภาพในเมืองฟลอเรนซ์ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินในศตวรรษที่ 15 เช่น Domenico Ghirlandaio และ Sandro Botticelli

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 ปรมาจารย์ที่โดดเด่นสามคนโดดเด่นในศิลปะอิตาลี Michelangelo Buonarotti บุคคลผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคเรอเนซองส์ มีชื่อเสียงในฐานะประติมากร (Pieta, David, Moses) จิตรกรผู้ทาสีเพดานโบสถ์ Sistine และสถาปนิกผู้ออกแบบโดมของ St. ปีเตอร์ในโรม ภาพวาดของเลโอนาร์โดดาวินชี The Last Supper และ Mona Lisa เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพระดับโลก ราฟาเอลสันติในผืนผ้าใบของเขา (Sistine Madonna, St. George and the Dragon ฯลฯ ) รวบรวมอุดมคติที่ยืนยันชีวิตของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

การออกดอกของงานศิลปะในเวนิสเกิดขึ้นช้ากว่าในฟลอเรนซ์และกินเวลานานกว่ามาก ศิลปินชาวเวนิสเมื่อเทียบกับศิลปินชาวฟลอเรนซ์มีความสัมพันธ์น้อยกว่า ทิศทางที่แน่นอนแต่บนผืนผ้าใบของพวกเขา เราสามารถสัมผัสได้ถึงความมีชีวิตชีวาของชีวิต ความมีชีวิตชีวาทางอารมณ์ และสีสันที่จลาจล ซึ่งทำให้ชื่อเสียงของพวกเขาไม่เสื่อมคลาย ทิเชียน ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาศิลปินชาวเวนิส สร้างสรรค์ภาพวาดให้สมบูรณ์ยิ่งขึ้นโดยใช้ลายเส้นแบบเปิดที่อิสระ และโครมาติซึมที่มีสีสันดีที่สุด ในศตวรรษที่ 16 นอกจากทิเชียนแล้ว ภาพวาดเวนิสยังถูกครอบงำโดยจอร์โจเน, ปาลมา เวคคิโอ, ตินโตเร็ตโต และเปาโล เวโรเนเซ

ปรมาจารย์ชาวอิตาลีชั้นนำแห่งศตวรรษที่ 17 เป็นประติมากรและสถาปนิก Giovanni Lorenzo Bernini ผู้สร้างการออกแบบเสาหินบนจัตุรัสหน้าอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ตลอดจนประติมากรรมอนุสาวรีย์มากมายในกรุงโรม Caravaggio Carracci ได้สร้างทิศทางใหม่ที่สำคัญในการวาดภาพ ภาพวาดแบบเวนิสมีการเติบโตในช่วงสั้นๆ ในศตวรรษที่ 18 เมื่อจิตรกรภูมิทัศน์ Canaletto และผู้สร้างภาพวาดตกแต่งและจิตรกรรมฝาผนัง Giovanni Battista Tiepolo ทำงาน ในบรรดาศิลปินชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 18-19 ที่โดดเด่นคือช่างแกะสลัก Giovanni Battista Piranesi ผู้มีชื่อเสียงจากภาพวาดซากปรักหักพังของกรุงโรมโบราณ ประติมากรอันโตนิโอคาโนวาซึ่งทำงานในสไตล์นีโอคลาสสิก กลุ่มจิตรกรชาวฟลอเรนซ์ซึ่งเป็นตัวแทนของกระแสประชาธิปไตยมา ภาพวาดอิตาลีพ.ศ. 2403–2423 – มัคคิอาโอลี

อิตาลีมอบจิตรกรที่มีพรสวรรค์มากมายให้กับโลกและในศตวรรษที่ 20 Amedeo Modigliani มีชื่อเสียงจากภาพเปลือยเศร้าโศกของเขาที่มีใบหน้ารูปไข่ยาวและดวงตารูปอัลมอนด์ จอร์โจ เด ชิริโก และฟิลิปโป เด ปิซิส พัฒนาการเคลื่อนไหวเลื่อนลอยและเหนือจริงในการวาดภาพ ซึ่งได้รับความนิยมหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปินชาวอิตาลีหลายคน รวมถึง Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Giacomo Balla และ Gino Cerverini อยู่ในขบวนการฟิวเจอร์ริสต์ ซึ่งเป็นที่นิยมในช่วงทศวรรษ 1910-1930 ตัวแทนของการเคลื่อนไหวนี้สืบทอดเทคนิค Cubist บางส่วนและใช้รูปทรงเรขาคณิตปกติกันอย่างแพร่หลาย

หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ศิลปินรุ่นใหม่หันมาสนใจงานศิลปะนามธรรมเพื่อค้นหาเส้นทางใหม่ Lucio Fontana, Alberto Burri และ Emilio Vedova มีบทบาทสำคัญในการฟื้นฟูจิตรกรรมอิตาลีหลังสงคราม พวกเขาวางรากฐานสำหรับสิ่งที่ต่อมาเรียกว่า "ศิลปะแห่งความยากจน" (arte povere) ล่าสุด Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi และ Francesco Clemente ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติ

ช่างแกะสลักชาวอิตาลีร่วมสมัยที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Alberto Giacometti ซึ่งเกิดในสวิส ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานทองสัมฤทธิ์และดินเผาอันประณีตของเขา Mirco Basaldella ผู้สร้างองค์ประกอบนามธรรมที่ยิ่งใหญ่ด้วยโลหะ Giacomo Manzu และ Marino Marini ในด้านสถาปัตยกรรม Pier Luigi Nervi มีชื่อเสียงมากที่สุดจากการใช้หลักการทางวิศวกรรมใหม่ในการก่อสร้างสนามกีฬา โรงเก็บเครื่องบิน และโรงงาน

ดนตรี.

เริ่มตั้งแต่คริสต์ศตวรรษที่ 4 AD เมื่อนักบุญยอห์น แอมโบรสแนะนำสไตล์กรีกในการร้องเพลงในโบสถ์ตะวันตก อิตาลีเริ่มเป็นผู้นำในการสร้างและพัฒนารูปแบบเสียงร้องใหม่ ที่นี่เป็นที่ต้องขอบคุณผลงานของ Pietro Casella เพื่อนของกวีผู้ยิ่งใหญ่ Dante Alighieri ที่ทำให้ Madrigal เกิดขึ้น แบบฟอร์มนี้มีการพัฒนาสูงสุดในศตวรรษที่ 16 ในเพลงมาดริกัลโคลงสั้น ๆ และอารมณ์ของ Luca Marenzio ซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานที่ไม่สอดคล้องกันของนักแต่งเพลง Carlo Gesualdo di Venosa ในพื้นที่ เพลงคริสตจักรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีทำให้โลกเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Giovanni Pierluigi de Palestrina ซึ่งยังคงใช้มวลชนและโมเตตมาจนถึงทุกวันนี้เป็นตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบของความเชี่ยวชาญทางดนตรี

ศิลปะดนตรีของอิตาลีถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาโดยหลักๆ คือโอเปร่า น่าจะเป็นโอเปร่าเรื่องแรกคือ Daphne โดย Jacopo Peri ซึ่งเขียนในปี 1594 เมื่อรวมกับโอเปร่าอีกเรื่องโดย Peri Euridice ก็ช่วยกระตุ้นการทำงานของ Claudio Monteverdi ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งในขณะนั้นมีชื่อเสียงจากการแสดงมาดริกัลอันโด่งดังของเขา ใน Orpheus มอนเตเวร์ดีได้สร้างละครเพลงสมัยใหม่อย่างแท้จริงเป็นครั้งแรก นับตั้งแต่นั้นมา โอเปร่าถือเป็นรูปแบบศิลปะดนตรีที่โดดเด่นในยุโรปมานานกว่า 100 ปี โดยมีนักประพันธ์ชาวอิตาลีเป็นผู้กำหนดโทนเสียง

โอเปร่าของอิตาลีถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 19 คีตกวีผู้ยิ่งใหญ่ในช่วงต้นศตวรรษนี้คือ โจอาชิโน รอสซินี ซึ่งมีชื่อเสียง ช่างตัดผมแห่งเซบียาและ Semiramis และคนรุ่นเดียวกันของเขา Gaetano Donizetti และ Vincenzo Bellini ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ดนตรีโอเปร่าเริ่มขึ้นครั้งใหม่ Giuseppe Verdi แสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญของเขาในผลงานชิ้นเอกที่น่าทึ่ง เช่น Rigoletto, La Traviata, Aida และ Otello ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ความสมจริงในโอเปร่ามาถึงขั้นสูงสุดของการพัฒนาผลงานของ Pietro Mascagni (La Honor Rusticana), Ruggero Leoncavallo (Pagliacci), Umberto Giordano (André Chénier) และ Giacomo Puccini (La Bohème, Tosca, Madama Butterfly) แม้ว่าชาวอิตาลีจะยังคงชอบโอเปร่าที่มีชื่อเสียงในอดีต แต่ความนิยมของผลงานสมัยใหม่ก็ค่อยๆเพิ่มขึ้น ในบรรดาสิ่งที่ดีที่สุด นักแต่งเพลงโอเปร่าศตวรรษที่ 20 เราสังเกต Ildebrando Pizzetti (Clytemnestra และ Iphigenia); ฟรังโก อัลฟาโน (แพทย์อันโตนิโอ สกุนตลา); Pietro Canonica (เจ้าสาวชาวโครินเธียนและ Medea); ลุยจิ ดัลลาปิกโคลา (นักโทษ) และกอฟเฟรโด เปตราสซี (คอร์โดวาโน)

Teatro del Opera ในโรมและ La Scala ในมิลานซึ่งเป็นสถานที่จัดแสดงโอเปร่าได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก นอกจากโรงโอเปร่าหลายแห่งในอิตาลีแล้ว ยังได้รับเงินอุดหนุนจากรัฐอีกด้วย ฤดูกาลโอเปร่าอันงดงามเกิดขึ้นในเนเปิลส์ ปาแลร์โม เวนิส ฟลอเรนซ์ โบโลญญา และตูริน ในฤดูร้อนจะมีการแสดง กลางแจ้งจัดขึ้นที่โรงอาบน้ำ Caracalla ในกรุงโรม ในสนามกีฬาโรมันโบราณในเวโรนา ในปราสาทสฟอร์ซาในมิลาน บนเกาะ San Giorgio ในเมืองเวนิสและที่ Teatro Mediterraneo ในเนเปิลส์ อิตาลีได้มอบความโดดเด่นให้กับโลกมากมาย นักร้องโอเปร่ารวมถึงเทเนอร์ เอ็นริโก คารูโซ, เบเนียมิโน กิกลี, ติโต สคิปา, มาริโอ เดล โมนาโก, คาร์โล แบร์กอนซี และลูเซียโน ปาวารอตติ; บาริโทน Antonio Scotti, Tito Gobbi และ Giuseppe Taddei; เบส Ezio Pinza และ Cesare Siepi; นักร้องโซปราโน Adelina Patti, Amelita Galli-Curci, Renata Tibaldi, Renata Scotto และ Mirella Freni; เมซโซ-โซปราโน เซซิเลีย บาร์โตลี

ชาวอิตาลีแสดงความสามารถทางดนตรีไม่เพียงแต่ในโอเปร่าเท่านั้น พวกเขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มในด้านอื่นๆ ของดนตรี ในศตวรรษที่ 11 พระภิกษุ Guido D'Arezzo คิดค้นระบบโน้ตดนตรี (รวมถึงสัญลักษณ์กุญแจเสียง) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นบรรพบุรุษของความรู้ทางดนตรีสมัยใหม่ การพัฒนาดนตรีบรรเลงในโลกตะวันตกได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากผลงานของนักแต่งเพลงยุคเรอเนซองส์ Andrea Gabrieli และหลานชายของเขา Giovanni Gabrieli ในศตวรรษที่ 17 Girolamo Frescobaldi ได้เสริมสร้างดนตรีออร์แกน Arcangelo Corelli และ Antonio Vivaldi เป็นผู้สร้าง แนวดนตรี Concerto Grosso, Alessandro Scarlatti วางรากฐานฮาร์โมนิก เพลงไพเราะและลูกชายของเขา Domenico Scarlatti เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง การเล่นอัจฉริยะบนฮาร์ปซิคอร์ด

วาทยากรชาวอิตาลีมีบทบาทสำคัญในชีวิตดนตรีสมัยใหม่ Arturo Toscanini และ Victor de Sabata เป็นหนึ่งในวาทยากรที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ในปี 1992 ชาวอิตาลีดำรงตำแหน่งวาทยกรอันทรงเกียรติสามในห้าตำแหน่ง ได้แก่ Claudio Abbado ในเบอร์ลิน Riccardo Caili ในอัมสเตอร์ดัม และ Riccardo Muti ในฟิลาเดลเฟีย คาร์โล มาเรีย จูลินี (เกิด พ.ศ. 2457) มาถึงจุดสุดยอดของอาชีพนี้

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในฟลอเรนซ์

การแนะนำ;
ลำดับเหตุการณ์ของช่วงประวัติศาสตร์หลัก สมัยโรมัน
ศตวรรษที่สิบสาม:
สถาปัตยกรรม: โกธิคฝรั่งเศสในอิตาลี;
โกธิคอิตาลี;
ประติมากรรมจาก Nicola Pisano ถึง Arnolfo di Cambio;
การเปลี่ยนแปลงทางสถาปัตยกรรมและเมืองระหว่างศตวรรษที่ 13 ถึง 14
ฟลอเรนซ์และเซียนาในศตวรรษที่ 14:
ชิมาบูเอและดุชโช;
จอตโต้;
Simone Martini และพี่น้อง Lorenzetti;
ฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ
ร่องรอยของกอธิคสากล
Brunelleschi และการปฏิวัติของมุมมอง:
บิดาสามคนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี: Brunelleschi, Donatello, Masaccio;
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น:
ฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15;
ฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15:
บุรุษแห่งศิลปะที่ศาลของ Lorenzo the Magnificent, Botticelli;
เลโอนาร์โด ดา วินชี
ราฟฟาเอลโล และ ไมเคิลแองเจโล

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในมิลาน

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในมิลาน

โปรแกรมหลักสูตรประกอบด้วยสองส่วน:

บทเรียนเชิงทฤษฎีแนะนำนักเรียนเกี่ยวกับประวัติศาสตร์อิตาลีและประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี โดยเน้นช่วงเวลาที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์ของมิลาน
บทเรียนกลางแจ้งที่จัดในช่วงสุดท้ายของหลักสูตร จุดประสงค์ของบทเรียนเหล่านี้คือการศึกษาเชิงลึกในส่วนต่างๆ ของหลักสูตรที่น่าสนใจเป็นพิเศษสำหรับนักเรียน เยี่ยมชมสถานที่ท่องเที่ยวทางวัฒนธรรมของมิลาน

มีการใช้สื่อเสียงและวิดีโอในระหว่างบทเรียน ช่วงเวลาของศิลปะ ลักษณะสำคัญ และผลงานศิลปะที่สำคัญ (จิตรกรรม ประติมากรรม โครงสร้างทางสถาปัตยกรรม ฯลฯ) สื่อการเรียนรู้เสริมด้วยภาพประกอบ วิดีโอ ไฟล์บันทึกเสียง และสื่ออื่นๆ

ตัวอย่างโปรแกรม:

จากชนเผ่าเซลติกไปจนถึงจักรวรรดิโรมัน: การตั้งถิ่นฐานทางวัฒนธรรมครั้งแรกและการมาถึงของชาวโรมัน การค้นพบทางโบราณคดีตั้งแต่สมัยโรมโบราณ การวิเคราะห์ศูนย์กลางเมืองแห่งแรก วิเคราะห์รูปแบบสถาปัตยกรรม 3 รูปแบบโดยใช้ตัวอย่างมหาวิหารซานลอเรนโซ
ตั้งแต่คริสเตียน มิลานในยุคแรกจนถึงการก่อตั้งเทศบาล: นักบุญแอมโบรส วัฒนธรรมคริสเตียน และการรุกรานลองโกบาร์ด มหาวิหารเซนต์ซิมพลิเซียโนและนักบุญแอมโบรส: การวิเคราะห์และลักษณะของสไตล์โรมาเนสก์
มิลานยุคกลางและ Signoria Visconti: ลำดับเหตุการณ์ของลำดับวงศ์ตระกูลของราชวงศ์ Visconti;
มิลานและสถานที่ในยุคกลาง เช่น Piazza dei Mercanti และมหาวิหาร Sant'Eustorgio;
ลักษณะทั่วไปของสถาปัตยกรรมกอทิกและอนุสาวรีย์กอทิกของมิลาน เช่น Piazza San Marco และ Duomo
ราชวงศ์สฟอร์ซาและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ศาลสฟอร์ซาและปราสาทสฟอร์ซา
การวิเคราะห์และลักษณะของการเริ่มต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการในเมืองฟลอเรนซ์ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในมิลานโดยใช้ตัวอย่างการวิเคราะห์ผลงานของสถาปนิก ชาวมิลาน ประติมากรรม ศิลปิน รวมถึงฟิลาเรเตและบรามันเต ตลอดจนสถานที่สำคัญทางสถาปัตยกรรม เช่น โบสถ์ซานตามาเรียเดลเลกราซี ซานตามาเรีย และซานซาติโร
Leonardo da Vinci: ชีวิตและผลงานของเขา, ช่วงเวลาแห่งชีวิตของเขาในมิลาน: ประวัติศาสตร์และการวิเคราะห์ภาพวาด "The Last Supper" ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่มีเอกลักษณ์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่;
อิทธิพลของสเปน: ยุคลัทธินิยม ศิลปินคาราวัจโจ การ์รัคชี และรูเบนส์
การวิเคราะห์และลักษณะของสถาปัตยกรรมบาโรก: โบสถ์เซนต์อเลสซานโดร, ปาลาซโซปาริโน, ปาลาซโซเดลเซนาโต, บ้านโอเมโนนี และปาลาซโซดูรินี
อิทธิพลของฝรั่งเศสและออสเตรีย: มาเรีย เทเรซาแห่งออสเตรีย และการปฏิรูปของนโปเลียน โบนาปาร์ต;
สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิก: Palazzo di Brera, Palazzo Reale, โรงละคร La Scala, Foro Bonaparte, สวน Sempione, Villa Reale, ประตูชัยแห่งสันติภาพ;
การฟื้นฟู ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ราชอาณาจักรอิตาลี: การฟื้นฟูออสเตรียและสงครามอิสรภาพของอิตาลี ยุคของการิบัลดี;
การปฏิวัติอุตสาหกรรม. การวิเคราะห์แบบผสมผสาน: อนุสาวรีย์สุสาน, หอศิลป์ Victor Emmanuel;
ลัทธิฟาสซิสต์และเหตุผลนิยม: มุสโสลินีและสถาปัตยกรรมฟาสซิสต์ในมิลาน (เปียเซนตินี) สไตล์ลิเบอร์ตี้
การวิเคราะห์ลักษณะสำคัญของลัทธิเหตุผลนิยม Muzio และ Gio Ponti: Statione Centrale (สถานีกลาง), Piazza San Babila, Palazzo di Giustizia (พระราชวังแห่งความยุติธรรม)

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในกรุงโรม

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในกรุงโรม

ทำความรู้จักกับกรุงโรม เมืองอันเป็นนิรันดร์:

โรมโบราณ:
- ฟอรัมโรมัน (โฟโรโรมาโน);
- เพดานปาก;
- ฟอรั่มอิมพีเรียล;
- โคลอสเซียม;
- ศาลากลาง

โรมยุคกลาง:
- ตราสเตเวเร;
- ซานตามาเรียในตรัสเตเวเร;
- มหาวิหารซานตาเซซิเลีย;
- Santa Maria ใน Cosmedin และ "ปากแห่งความจริง";
- ซานเคลเมนเต

วาติกัน:
- ซานปิเอโตร;
- จตุรัสซานปิเอโตร;
- พิพิธภัณฑ์วาติกัน

พิสดาร:
- Gian Lorenzo Bernini - Piazza Navona, อนุสาวรีย์ช้าง, Santa Maria sopra Minerva;
- ฟรานเชสโก บอร์โรมินิ - แซงต์ อิโว อัลลา ซาเปียนซา;
- Michelangelo Merisi da Caravaggio - San Luigi dei Francesi, Sant'Agostino และ Santa Maria del Popolo;
- แกลเลอเรีย บอร์เกเซ่

เหตุผลนิยมของย่านโรมัน:
- ยูโร

โรมสมัยใหม่:
- อารา ปาซิส;
- หอประชุม

วันหยุดพักผ่อนในโรมเป็นการแนะนำประวัติศาสตร์และศิลปะอันน่าทึ่งของเมืองนิรันดร์ สถานที่ท่องเที่ยวทางวัฒนธรรมที่หลากหลายและสถานที่น่าสนใจต่างๆ

หลักสูตรประวัติศาสตร์ศิลปะของเราในโรมเป็นโอกาสอันดีที่จะได้รู้จักเมืองผ่านการค้นพบทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมมากมาย โปรแกรมหลักสูตรเริ่มต้นด้วยภาพรวม ยุคคลาสสิก, ศึกษาความคิดสร้างสรรค์ นักเขียนโบราณและสถานที่ท่องเที่ยวที่รอดพ้นจากสมัยของเรา
ขั้นต่อไปคือศาสนาคริสต์ซึ่งเป็นช่วงแรกของการพัฒนาเมืองอย่างเข้มข้น: ศึกษาผลงาน ศิลปะทางศาสนาในโบสถ์และอารามท้องถิ่น
ผู้เข้าร่วมหลักสูตรจะได้ชื่นชมผลงานชิ้นเอกที่โดดเด่นของยุคบาโรกและโรโกโกที่ประดับประดาจัตุรัสและถนนในเมือง
ส่วนสุดท้ายของหลักสูตรจะเน้นไปที่งานศิลปะและสถาปัตยกรรมหลังปี ค.ศ. 1870 เมื่อกรุงโรมกลายเป็นเมืองหลวงของอิตาลี

หลักสูตรประวัติศาสตร์ศิลปะในกรุงโรมประกอบด้วยบทเรียนในห้องเรียนและทัวร์ชมเมืองแบบมีไกด์ โปรแกรมถูกออกแบบให้เป็นชุดรวมทริปที่น่าตื่นเต้นด้วย เป้าหมายหลัก- ทำความคุ้นเคยกับสิ่งมหัศจรรย์และสถานที่ท่องเที่ยวของกรุงโรม

ส่วนแรกของหลักสูตรจะสอนในห้องเรียนโดยใช้ข้อความ ภาพประกอบ และแผนที่เพื่อแนะนำประวัติศาสตร์ของกรุงโรม

โรม อดีตจักรวรรดิ: ส่วนหนึ่งของหลักสูตรนี้จะศึกษาสถานที่จากยุคคลาสสิก เช่น จัตุรัสโรมัน โคลอสเซียม และวิหารแพนธีออน ซึ่งแสดงให้เห็นวิวัฒนาการทางการเมืองและวัฒนธรรมของโรมจากจักรวรรดิสู่สาธารณรัฐ

คริสเตียนยุคต้นและโรมยุคกลาง (ศตวรรษที่ 4 - 3): โบสถ์และอารามที่กลายมาเป็นศูนย์รวมภาพของศาสนาคริสต์ สถาปัตยกรรม ภาพโมเสก จิตรกรรมฝาผนัง และภาพวาดแท่นบูชาที่สร้างโดยศิลปินเช่น Cavallini, Torriti, Rusuti และอื่น ๆ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโรม (ศตวรรษที่ 15 และ 16): ผลงานชิ้นเอกของ Michelangelo, Raffaello และ Bramante เยี่ยมชมโบสถ์และพระราชวังที่เก็บรักษาสิ่งเหล่านี้ไว้ (เช่น มหาวิหารวาติกัน และ Villa Farnesina รวมถึงพื้นที่เมืองใหม่ในยุคนั้น เช่น Piazza Campidoglio และเวียจูเลีย

โรมสไตล์บาโรก (ศตวรรษที่ 17 และ 18): ชัยชนะของน้ำพุหรูหรา พระราชวัง และโบสถ์ที่สร้างขึ้นโดยแบร์นีนีและบอร์โรมินีและผู้ติดตามของพวกเขา ได้แก่ Piazza Navona, Piazza Quirinale และ Piazza di Spagna (Plaza di Spagna)

โรมเมืองหลวง (พ.ศ. 2413) และโรมภายใต้ลัทธิฟาสซิสต์: การวิเคราะห์ช่วงเวลาที่โรมถูกเปลี่ยนเป็นเมืองหลวงสมัยใหม่ที่มีถนนและจัตุรัสกว้างขวาง ต่อมาภายใต้การนำของมุสโสลินี โรมกลับมามีบทบาทสำคัญอีกครั้งในฐานะสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมคลาสสิก ดังที่เห็นได้จากการสำรวจพื้นที่ EUR และ Foro Italico

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในเซียนา

โปรแกรมหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลี" ในเซียนา

การเดินทางที่น่าตื่นเต้นสู่โลกกำลังรอนักเรียนอยู่ ศิลปะคลาสสิกและทำความรู้จักกับผลงานของศิลปิน ประติมากร สถาปนิกชาวอิตาลีผู้โดดเด่นซึ่งอาศัยและทำงานในเซียนา ไข่มุกแห่งทัสคานี ที่ซึ่งผลงานชิ้นเอกจำนวนมากได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างดีจนถึงทุกวันนี้
บทเรียนในห้องเรียนเสริมด้วยการเดินชมเมืองและการทัศนศึกษา

โปรแกรมหลักสูตร:

วัยกลางคน
วัฒนธรรมโรแมนติกและกอธิค อิทธิพลของฝรั่งเศสและยุโรปเหนือ สถาปัตยกรรมทางศาสนาและฆราวาส: ฟลอเรนซ์ เซียนา ปิซา เวนิส
โบสถ์และอาคารเทศบาล ตัวอย่างสำนักสงฆ์ในท้องถิ่น เช่น St. Antimo และ St. Galgano
Nicola และ Giovanni Pisano ธรรมาสน์ในปิซา เซียนา ปิสโตเอีย: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงโกธิค เทคนิค Cimabue, Giotto, Duccio และปูนเปียก มหาวิหารเซนต์ฟรานเชสโกในอัสซีซี

ภาพวาดเซียนาของศตวรรษที่ 16
ช่วงเวลาหลังดุชโช: ซิโมเน มาร์ตินี่, พี่น้องลอเรนเซตติ และฟลอเรนซ์เรอเนซองส์
ความสำคัญของโรงเรียนจิตรกรรมเซียนาในอิตาลี

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ฟลอเรนซ์ ศตวรรษที่ 15 บรูเนลเลสคี, โดนาเทลโล, มาซาชโช, ยาโคโป เดลลา เกวร์เซีย, พี่น้อง เดลลา รอบเบีย อาคารอันยิ่งใหญ่ของ Baptistery และ Duomo การเรียนรู้มุมมองและชีวิตทางศิลปะในเมืองต่างๆ ในยุโรป . La padronanza della prospettiva e la direzione artista della città ในยูโรปา ศาลอิตาลี

ตัวอย่างศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
อิตาลี : มานโตวา, อูร์บิโน, มิลาน, ปิเอนซา
อิทธิพลต่องานศิลปะโดยสมเด็จพระสันตะปาปาและผู้อุปถัมภ์ศิลปะ ชื่อเสียงของศิลปิน ประติมากร สถาปนิก เพิ่มมากขึ้น
เทคนิคใหม่: ผ้าใบ สีน้ำมัน ภาพพิมพ์ อัจฉริยะของ Michelangelo, Raffaello, Leognardo, Titian
สมัยโบราณและธรรมชาติเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ

มารยาท
วิกฤติของศตวรรษที่ 17 ในด้านสถาปัตยกรรม ประติมากรรม และจิตรกรรม จอร์โจ วาซารี, ปอนตอร์โม, โดเมนิโก้ เบคคาฟูมิ, จามโบโลญญา

ศิลปะอิตาเลียน

สถาปัตยกรรม.- ภาษาอิตาลี ศิลปะมีต้นกำเนิดในอนุสรณ์สถานของคริสต์ศาสนาศตวรรษแรกและความทรงจำเกี่ยวกับศิลปะของโลกยุคโบราณ ความหลากหลายของสถาปัตยกรรมโรมาเนสก์ซึ่งอยู่ก่อนสถาปัตยกรรมกอทิก แสดงออกผ่านการอนุรักษ์รูปแบบของมหาวิหารคริสเตียนโบราณ (อาสนวิหารในเมืองปิซา นักบุญมิกนาโซในฟลอเรนซ์) และการใช้รูปแบบไบแซนไทน์ (อาสนวิหารเซนต์มาร์กใน เวนิส ในรูปของไม้กางเขนกรีกที่มีโดมห้าโดม) นอกจากนี้ ของประดับตกแต่งที่ใช้เฉพาะภายในวัดจะถูกถ่ายโอนไปยังส่วนนอก ไปจนถึงผนังและเสา ในทิศทางนี้ในศตวรรษที่ 11 มีโรงเรียนแห่งหนึ่งที่มีต้นกำเนิดในทัสคานี สงครามครูเสดนำไปสู่การทำความรู้จักกับอารยธรรมอันรุ่งโรจน์ของตะวันออก และในเวลานี้ รูปแบบสถาปัตยกรรมของตะวันออกก็แทรกซึมเข้าไปในตะวันตก เป็นต้น ส่วนโค้งแหลมและเป็นรูปเกือกม้า เสาที่มีรูปร่างเรียวกว่า เป็นต้น ดังนั้นสไตล์กอทิกจึงนำหน้าด้วยสไตล์ "หัวต่อหัวเลี้ยว" มหาวิหารคริสเตียนโบราณยังคงเป็นแบบบัญญัติในสถาปัตยกรรมทางศาสนาในโลกตะวันตกเป็นเวลาห้าร้อยปี แต่ต้องผ่านการดัดแปลงหลายครั้ง มหาวิหารที่เก่าแก่ที่สุดที่รอดมาจนถึงยุคปัจจุบันคือมหาวิหารเซนต์ พอลในโรมสร้างขึ้นในปี 386 อนุสาวรีย์เป็นไบเซนไทน์ล้วนๆ สไตล์ - โบสถ์เซนต์ Vitaliy ในราเวนนา สร้างขึ้นในสมัยของออสโตรกอธ โกธิครูปแบบนี้เกิดขึ้นในอิตาลีพร้อมกับการพัฒนาคำสั่งของผู้ทำพิธีและย้ายมาจากประเทศเยอรมนี ชาวอิตาลีที่เรียกสไตล์โกธิกนี้จึงชี้ไปที่ต้นกำเนิดที่ป่าเถื่อน แม้ว่าส่วนโค้งแหลมจะถูกนำมาใช้ในสไตล์มัวร์แล้ว แต่ก็ได้รับการพัฒนาในประเทศเยอรมนีและก่อนที่จะย้ายไป อิตาลี สไตล์กอทิกได้แผ่ขยายและสถาปนาขึ้นทางภาคเหนือแล้ว สถาปนิกชาวอิตาลีไม่สนใจความบริสุทธิ์ของสิ่งใหม่ และใช้เป็นเพียงเครื่องมือเสริมเป็นหลักเท่านั้น ถูกใช้ครั้งแรกในการก่อสร้างโบสถ์เหนือหลุมศพของฟรานซิสแห่งอัสซีซีในบ้านเกิดของเขาในเมืองอัสซีซี ในเวลานี้ โบสถ์สงฆ์แบบฟรานซิสกันและโดมินิกันได้ถูกสร้างขึ้นในเกือบทุกเมืองในอิตาลี มหาวิหารปาดัวเป็นตัวอย่างที่น่าสนใจของความปรารถนาที่จะผสมผสานระบบกอทิกเข้ากับโดมไบแซนไทน์ยอดนิยม เช่น มหาวิหารกรีกแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แสตมป์ในเวนิส ในทำนองเดียวกันที่ปรากฏในศตวรรษที่ 13 มหาวิหารฟลอเรนซ์อันงดงามซึ่งสาธารณรัฐต้องการทำให้สง่างามที่สุดในบรรดาที่มีอยู่ทั้งหมด มหาวิหารในมิลาน หินอ่อนสีขาวทั้งหมดและมีขนาดมหึมาด้วย มหาวิหารใน Sienna, Orvieto และอื่น ๆ อาคารฆราวาส: ในฟลอเรนซ์ - Palazzo Vecchio และ Loggia de Lanzi; ในเวนิส - พระราชวังของ Doge และ Cà-d "oro; ใน Sienna Palazzo publico ฯลฯ ในศตวรรษที่ 15 รุ่งอรุณแห่งยุคเรอเนซองส์กวาดไปทั่วอิตาลีและมุมมองใหม่ที่ชัดเจนและสดใสของชีวิตและธรรมชาติสะท้อนให้เห็นเป็นหลักใน สถาปัตยกรรม สไตล์โกธิคหลีกทางให้ สไตล์เรอเนซองส์การกลับมาสู่แบบจำลองโบราณพบล่ามที่เลียนแบบไม่ได้ในสถาปนิก Filippo Bruneleschi ผู้สร้างโดมอันโด่งดังของมหาวิหารฟลอเรนซ์

1. เสาหลักโบสถ์ในเมืองอลอสท์ 2. โบสถ์คาทอลิกในเดรสเดน 3. แกนกลางของ Palas Municippal ในปารีส 4. Cartouche ในสไตล์พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 5. ศาลา Trianon ในแวร์ซาย 6. Cartouche ของพระราชวังลูฟร์ 7. เครื่องประดับ. 8. แกลเลอรีในเดรสเดน 9. เครื่องประดับ.

ใน ช่วงต้นในช่วงยุคเรอเนซองส์ คำสั่งของชาวโครินเธียนมีความพึงพอใจเป็นพิเศษ แต่เมืองหลวงก็แตกต่างกันไปในบางครั้ง สถาปัตยกรรมของพระราชวังพัฒนามาจากสถาปัตยกรรมของปราสาทยุคกลาง - สวยงามและหรูหรา สอดคล้องกับลักษณะเฉพาะและความกว้างของชีวิตศักดินา ในกรณีส่วนใหญ่ จะใช้อาร์เคดที่มีเสาโครินเธียนเรียวยาว แกลเลอรีแบบเปิดจะติดตั้งอย่างอิสระบนคอลัมน์หรือเสาเดียวกัน ผลงานทั้งหมดในยุคนี้ประทับตราแห่งความเยาว์วัย อิสรภาพแห่งจินตนาการซึ่งสลัดทิ้งการกดขี่ของความกลัวลึกลับนั้นสะท้อนให้เห็นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการตกแต่งตกแต่งในงานสถาปัตยกรรมขนาดเล็กจำนวนมากเป็นต้น หลุมศพ แท่นบูชา ธรรมาสน์ พบได้ทุกที่ สมัครฟรีลวดลายคลาสสิก ฟลอเรนซ์ - "เปล" ศิลปกรรม"ที่นี่มีความสมบูรณ์แบบมากกว่าที่อื่นในงานศิลปะทั้งหมด ถนนและจัตุรัสดึงดูดสายตาเกือบทุกย่างก้าว ศิลปะไม่เพียงแต่เจริญรุ่งเรืองในเมืองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงปราสาทและอารามที่กระจัดกระจายไปตามเนินเขาและใน หุบเขาที่อยู่นอกกำแพงเมือง อาคารอันยิ่งใหญ่ของฟลอเรนซ์ - อาสนวิหารเซนต์มาเรียเดลฟิโอเร สร้างขึ้นตลอดระยะเวลา 176 ปี สวมมงกุฎด้วยโดมบรูเนเลสกีดังที่กล่าวมาข้างต้น โดมเป็นรูปแปดเหลี่ยมและมีเส้นผ่านศูนย์กลางเกินเส้นผ่านศูนย์กลาง ของโดมเซนต์ปีเตอร์อย่างหยั่งรู้ มหาวิหารแห่งนี้ตกแต่งด้วยงานประติมากรรมอันงดงาม: Bandanelli, Donatello , Ghiberti ฯลฯ โบสถ์ Florentine ที่สวยงามของ Santa Croce ทำหน้าที่เป็นวิหารของ Florentines ผู้ยิ่งใหญ่ Dante, Michelangelo, Galileo , Machiavelli และคนอื่น ๆ อีกมากมายพักอยู่ที่นี่ ช่วงแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสร้างพระราชวังหลายแห่งโดยเฉพาะ ฟลอเรนซ์ได้รับการตกแต่งด้วยพระราชวัง Borghese และ Strozzi ราวกับแกะสลักจากหน้าผาเดียว พระราชวัง Medici, Tornabuoni (ปัจจุบันคือ Corsi) เป็นต้น The Strozzi พระราชวัง - บางทีอาจจะสวยงามที่สุดในบรรดาทั้งหมดมีความโดดเด่นด้วยด้านหน้าอาคารสไตล์ฟลอเรนซ์ที่เข้มงวดและลานกว้างใหญ่ที่ตกแต่งด้วยเสาหินอันงดงาม ในที่สุด เราก็ได้เห็นการแสดงออกถึงสไตล์เรอเนซองส์อย่างเต็มรูปแบบใน Palazzo Pitti ซึ่งสร้างขึ้นตามการออกแบบของ Bruneleschi ในเซียนา - พระราชวัง Piccolomini ใน Pavia - Certosa ที่มีชื่อเสียง

1. พระราชวังเปซาโรในเมืองเวนิส 2. เมืองหลวงของ Certosa ใกล้ Pavia 3. พวงมาลัยผลไม้ - Sansovino 4. เมืองหลวงของ Certosa ใกล้ Pavia 5. ลานภายในพระราชวังบอร์เกเซในโรม

สถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดซึ่งมีจุดเริ่มต้นย้อนกลับไปในศตวรรษนี้ แม้ว่าบางส่วนจะอยู่ในศตวรรษที่ 16 ได้แก่ Michelozzo, Alberti, Giuliano และ Antonio de Sangallo, Rossellino, Giuliano และ Benedetto da Maiano, Simone Cronacca และคนอื่นๆ

ลอมบาร์ดีพัฒนาสไตล์ของตัวเองอย่างช้าๆ และบรรลุความยิ่งใหญ่ที่แปลกประหลาดภายใต้อำนาจอธิปไตยของตระกูลสฟอร์ซา ภายใต้อิทธิพลของบรามันเตจากเออร์บิโน สไตล์เวนิสมีความโดดเด่นไม่มากนักจากความยิ่งใหญ่พอๆ กับการผสมผสานดั้งเดิมของอิทธิพลจากตะวันออก อิตาลีตอนใต้ กอทิก และไบแซนไทน์ สไตล์นี้โดดเด่นด้วยการตกแต่งที่หรูหราและการเลือกใช้วัสดุที่หลากหลาย เป็นต้น หินอ่อนหลากสี ฯลฯ และความสวยงามของรายละเอียดเพื่อแลกกับขนาดมหึมาและความยิ่งใหญ่ของเมืองฟลอเรนซ์และอาคารอื่นๆ สิ้นสุดวันที่ 15 และ จุดเริ่มต้นของเจ้าพระยา วี. โดดเด่นด้วยสถาปัตยกรรมโดยกิจกรรมของ Bramante เขาเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงคนแรกๆ ที่สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ดึงดูดให้โรมจากทั่วอิตาลี; การตั้งถิ่นฐานใหม่ของ Bramante ไปยังราชสำนักของสมเด็จพระสันตะปาปาถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เฟื่องฟู โรมกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะทั้งหมด ศตวรรษของ Julius II คือศตวรรษของ Pericles for I. art นี่คือยุคทองในการสร้างสรรค์ทั้งหมดที่มีสำนักพิมพ์คลาสสิกเนื่องจากตำนานโบราณในเวลานี้ได้รับการศึกษาอย่างถี่ถ้วนและไม่เพียงทำหน้าที่เป็นแบบจำลองสำหรับงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังเข้าสู่ชีวิตอีกด้วย ความฉลาดของยุคเรอเนซองส์แสดงออกมาในสถาปัตยกรรมแบบฆราวาส, ในพระราชวังที่มีสัดส่วนที่น่าทึ่ง, ในการตกแต่งที่หรูหรา, บนระเบียง, เสาหิน, บนป้ายหลุมศพที่สร้างขึ้นโดยสมเด็จพระสันตะปาปาและเจ้าหน้าที่ระดับสูงตลอดช่วงชีวิตของพวกเขา ฯลฯ Bramante เป็นเจ้าของพระราชวัง Cancellena พร้อมด้วย ลานที่ล้อมรอบด้วยเสา ตามแผนของเขา อาสนวิหารเซนต์. เพตราในรูปแบบใหม่ การก่อสร้างนี้ดำเนินต่อไปภายใต้การดูแลของราฟาเอลและเปรุซซี และในที่สุดก็ได้รับการสวมมงกุฎด้วยโดมอันโด่งดัง - ผลงานการสร้างของไมเคิลแองเจโล ภายในอาสนวิหารแห่งนี้สร้างความประหลาดใจไม่ว่าจะมีขนาดเท่าใดก็ตาม ด้วยเสาหลัก การตกแต่งด้วยโมเสก และแสงสว่างมากมาย จากภายนอกดึงดูดความสนใจด้วยความสวยงามของรูปทรงโดม Bramante ทำให้สไตล์ของ Bruneleschi มีความเข้มงวด ถูกต้อง และความหนักแน่น สไตล์ของเขายังคงแสดงออกถึงความรู้สึกสมัยใหม่ที่สดใสและความเข้าใจในความงามของรูปแบบ ในขณะเดียวกันก็ก้าวไปอีกขั้นในความรู้สึกของการฟื้นฟูจิตวิญญาณโบราณ และหลีกหนีจากจินตนาการในการตกแต่งที่มากเกินไป ด้วยความถูกต้องและความเรียบง่ายที่ใกล้เคียงที่สุด สถาปัตยกรรมของกรุงโรมโบราณในยุครุ่งเรือง Bramante ยังเป็นเจ้าของแผนสำหรับ Casa Santa ใน Loretto อีกด้วย ผู้สืบทอดของ Bramante Balthazar Peruzzi (1481-1536) ผู้สร้าง Farnese Villa (Farnesina) เป็นผู้ติดตามครูอย่างเข้มงวด นอกจากนี้ ราฟาเอล จิตรกรผู้เก่งกาจยังทิ้งร่องรอยของเขาไว้ในสถาปัตยกรรมด้วย เขาสร้างบ้านพักของวาติกันเสร็จและเรียบเรียงแผนของเขาเองสำหรับอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ แม้ว่าเขาจะไม่มีเวลาทำให้เสร็จก็ตาม เภตรา ในที่สุด Michelangelo ได้สร้างโดมขนาดใหญ่ของอาสนวิหารแห่งนี้ขึ้นมา ตลอดศตวรรษที่ 16 ผลงานศิลปะมีลักษณะของขุนนางคลาสสิกและความงามที่เคร่งครัด กลางศตวรรษเป็นช่วงที่สถาปัตยกรรมบานสะพรั่งสูงสุดในกรุงโรม ตลอดครึ่งศตวรรษที่เหลือ สถาปัตยกรรมยังคงรักษาความยิ่งใหญ่และความสมบูรณ์แบบในเรื่องของรูปแบบที่สม่ำเสมอ แต่ในช่วงปลายศตวรรษกลับมีความกล้าหาญน้อยลง และในขณะเดียวกัน ความคิดริเริ่มสร้างสรรค์และพลังก็ลดลง ความปรารถนาที่จะรักษาความรู้สึกของสัดส่วนและความเข้มงวดของสัดส่วนและเพื่อรักษารสชาติจากการเสื่อมสภาพและการเน่าเสียพบได้ในบทความที่เขียนโดยสถาปนิก Vignola (ดู การตอบสนอง บทความ). อย่างไรก็ตาม I. สถาปนิกแห่งศตวรรษที่ 16 กลายเป็นสมาชิกสภานิติบัญญัติของยุโรป สไตล์ของ Andrea Palladio มีการใช้กันอย่างแพร่หลายและพัฒนาไปทั่วยุโรปเกือบทั้งหมด ต้องขอบคุณความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับตัวอย่างโบราณ ความชัดเจนและความถูกต้องของรูปแบบ และสไตล์ที่สูงส่งของสไตล์ที่เต็มไปด้วยความเรียบง่ายและความยิ่งใหญ่ ผู้สืบทอดของ Palladio ยังคงทำงานในทิศทางเดียวกันและต่อสู้มาเป็นเวลานานด้วยการไหลเข้าของรูปแบบใหม่ พิสดารอย่างหลังซึ่งโดยพื้นฐานแล้วเป็นตัวแทนของการบิดเบือนในแง่ของการพูดเกินจริงและความสับสนของรูปแบบและการตกแต่งในช่วงศตวรรษที่ 17 แต่แพร่หลายทั่วยุโรป มีจุดเริ่มต้นในอิตาลีตอนบน Florentines Ammanati, Vasari (นักเรียนของ Michelangelo ในทิศทางนี้) และ Venetian Scamozzi ให้ความยิ่งใหญ่ที่แปลกประหลาดและ เวลาอันสั้นเขามาถึงช่วงเวลาที่ดีที่สุดแล้ว ในศตวรรษที่ 18 พวกเขากำลังพยายามหลีกหนีจากการพูดเกินจริงเหล่านี้และกลับไปสู่แบบจำลองคลาสสิก แต่สิ่งนี้ถูกขัดขวางโดยการลดลงของความคิดสร้างสรรค์ ความยากจน ความเย็นชาของจินตนาการและความรู้สึก ในเวลานั้น อิทธิพลของฝรั่งเศสและอังกฤษเพิ่มมากขึ้นซึ่งเป็นที่ที่มีการต่ออายุ ลัทธิคลาสสิกยังคงพัฒนาในประเทศเหล่านี้ สิ้นสุดเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ในอิตาลี ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวนี้ อิทธิพลของยุคเรอเนซองส์มีความแข็งแกร่งมากกว่าในประเทศอื่นๆ ในเวลาเดียวกันสไตล์กอทิกก็ไม่สูญเสียผู้นับถือและมหาวิหารมิลานก็สิ้นสุดลงในรูปแบบนี้ในปี พ.ศ. 2356 โดยสถาปนิก Amati และ Zanoia การพัฒนางานศิลปะอย่างเหมาะสมในศตวรรษปัจจุบันถูกขัดขวางโดยการแบ่งแยกอิตาลีออกเป็นสมบัติเล็กๆ น้อยๆ และการครอบงำของชาวต่างชาติ เมื่อการปกครองของออสเตรียสิ้นสุดลง กิจกรรมทางสถาปัตยกรรมก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1865 มิลานได้รับการตกแต่งด้วยอาคารมากมาย รวมถึงแกลเลอรีอันงดงามของวิกเตอร์ เอ็มมานูเอลซึ่งมีอาคารที่อยู่ติดกันซึ่งสร้างโดยจูเซปเป้ เมนโกนี สุสานที่สวยงาม ฯลฯ ในตูริน พระราชวังคาริญญาโน พระราชวังแห่งอุตสาหกรรม (ผู้สร้างคาร์เรรา) และ กำลังสร้างสุเหร่ายิวอันงดงาม (อันโตเนลลี) ในฟลอเรนซ์ - Palazzo Fenni และอื่น ๆ โบโลญญาตกแต่งด้วย Piazza Cavour พระราชวัง Silvani ที่สวยงามในสไตล์เรอเนซองส์และธนาคารแห่งชาติ การบูรณะหลายครั้งสร้างแรงบันดาลใจให้ศิลปินหน้าใหม่ด้วยจิตวิญญาณแห่งความยิ่งใหญ่ในอดีต ในเวลาเดียวกัน การพัฒนาอย่างกว้างขวางของอุตสาหกรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเจนัว ทำให้เกิดการก่อสร้างท่าเรือ พระราชวังอุตสาหกรรม และอาคารต่างๆ ที่นี่ ถนนโรมัน, หอศิลป์ Mazzini, Corso Solferino และ Campo Santo อันงดงามตระการตาสร้างความประหลาดใจ ในเนเปิลส์ ทางเดินริมทะเลได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราด้วยอาคารต่างๆ ภายหลังการยึดครองกรุงโรมโดยกษัตริย์อิตาลี กองทหาร ไข้การก่อสร้างกลืนกินเมืองนิรันดร์ มีการวางถนนสายใหม่เข้าถึง Tiber จาก Corso มีอนุสาวรีย์ของ Victor Emmanuel บนศาลากลาง บน E จาก Santa Maria Maggiore เกิดขึ้นทั้งหมด เมืองใหม่โดยมีถนนตั้งอยู่ตามกฎทุกประการของสถาปัตยกรรมใหม่ล่าสุดและมีอาคารโอ่อ่าเช่น Palace of Justice, อาคารกระทรวงการคลัง, คลินิก Podesta, โรงละคร, ธนาคารแห่งชาติ, พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำ, โบสถ์ ฯลฯ

ประติมากรรม.ภายหลังการเจริญรุ่งเรืองของศิลปะคริสเตียน I. ประติมากรรมจากศตวรรษที่ 6 ลดลงมากกว่าก้าวหน้า ศิลปินจำกัดตัวเองอยู่แค่การแกะสลักจาก งาช้างการทำเครื่องประดับทองและเงิน เป็นต้น ในกรุงโรม ศิลปะโมเสกหินอ่อนได้รับการอนุรักษ์มาตั้งแต่สมัยโบราณและใช้ในการตกแต่งผนัง พื้น เสา ฯลฯ โดยทั่วไปการเริ่มต้นของยุค 1,000 ปีคือ โดดเด่นด้วยรสนิยม ความเข้าใจ และเทคโนโลยีที่ลดลงจากครั้งก่อน ทุกอย่างต้องซื้อก่อน การเสื่อมถอยนี้เห็นได้จากอนุสรณ์สถานที่รอดพ้นจากเวลานี้ - ด้านหน้าของมหาวิหารในโมเดนาและเฟอร์รารา, อารามบัพติศมาในปาร์มาและปิซา ทุกที่ที่เราพบภาพที่ไม่เคลื่อนไหว ร่างชา ท่าทางที่ไม่เป็นธรรมชาติ ใบหน้าไร้การแสดงออก การพับเสื้อผ้าที่ไม่เป็นธรรมชาติ ฯลฯ เฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 13 เท่านั้น การเพิ่มขึ้นของงานศิลปะในทัสคานีเป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจน Niccolo Pisano เป็นคนแรกที่แสดงความปรารถนาในความจริงและความมีชีวิตชีวาในภาพ กำลังเรียน อนุสาวรีย์โบราณและในเวลาเดียวกันจากการสังเกตปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ เขาก็บรรลุผลที่น่าอัศจรรย์ในขณะนั้น และเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาประติมากรรม ตัวอย่างผลงานของเขาอยู่ที่หอศีลจุ่มปิซา Andrea Pisano ลูกชายของเขาไปไกลกว่าพ่อของเขาเสียอีก ประตูเหล็กของห้องบัพติศมาในฟลอเรนซ์ถือได้ว่าเป็นงานที่ไม่เท่าเทียมกันมาเป็นเวลานาน เขานำความพอประมาณ รสนิยม และความเรียบง่ายมาสู่ความปรารถนาของบิดาที่ต้องการความสมจริงแบบคร่าวๆ การศึกษาธรรมชาติผ่านการสังเกตและประสบการณ์กลายเป็นแนวทางของโรงเรียนศิลปินทั้งหมดในศตวรรษที่ 14 และบนพื้นฐานนี้ในศตวรรษที่ 15 พรสวรรค์สำคัญจำนวนหนึ่งกำลังเกิดขึ้น ก่อให้เกิดมากมาย งานประติมากรรม. อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงในยุคนี้ยังคงเป็นประตูห้องบัพติศมาของเมืองฟลอเรนซ์ โดย Ghiberti ซึ่งเป็นผลงานที่มีรูปแบบแสดงออกอย่างมาก ซึ่งได้รับการพัฒนาโดย Donatello เพิ่มเติม Lucca della Robia โดยไม่ละทิ้งธรรมชาติได้นำความไร้เดียงสาและความอ่อนโยนในอุดมคติของบรรพบุรุษและอาจารย์ของเขาเข้ามาในผลงานของเขา นับจากนี้เป็นต้นไป มีแนวโน้มสองประการที่เห็นได้ชัดเจน: บ้างก็ปฏิบัติตามทิศทางที่เป็นธรรมชาติอย่างเคร่งครัดของโรงเรียนของ Donatello บ้างก็เข้าใกล้ della Robia ในงานประติมากรรมและจิตรกรรม เช่นเดียวกับในสถาปัตยกรรม ทัสคานีและโดยเฉพาะอย่างยิ่งฟลอเรนซ์เป็นแหล่งกำเนิดของยุคเรอเนซองส์ เหตุผลนี้ต้องเห็นได้จากความจริงที่ว่าในการต่อสู้ของตำแหน่งสันตะปาปาและจักรพรรดิ์เพื่อครอบครองอิตาลี ฟลอเรนซ์ได้รักษาเอกราชของสาธารณรัฐประชาธิปไตยไว้แล้วตั้งแต่ต้นยุคกลาง ธรรมชาติที่สวยงามและอุดมสมบูรณ์ของทัสคานีมีส่วนช่วยในการพัฒนาและเสริมสร้างความสมบูรณ์ของประเทศ อิสรภาพและความมั่งคั่งเป็นของคู่กัน และพลเมืองที่ร่ำรวยที่สุด (เมดิซีและคนอื่นๆ) ก็กลายเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ ที่นี่การปฏิวัติอย่างสันติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นในบุคคลของนักมานุษยวิทยา แต่วิทยาศาสตร์อยู่ข้างหน้าศิลปะ จากภาษาถิ่นของทัสคานี ดันเต้ได้สร้างภาษาประจำชาติที่สดใหม่และแสดงออก ความหลงใหลในการวิจัยที่ตื่นขึ้นนำไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์กับธรรมชาติ และผลงานของนักมานุษยวิทยาได้ทิ้งรอยประทับของโลกนอกรีตโบราณไว้ตลอดยุคสมัย ในเมืองฟลอเรนซ์ แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของไมเคิลแองเจโลเริ่มต้นขึ้น โดยไปสิ้นสุดที่ศูนย์กลางศิลปะแห่งใหม่ในโรม ภายใต้การอุปถัมภ์และการอุปถัมภ์ของพระสันตปาปาจูเลียสที่ 2 และลีโอที่ 10 อันที่จริง ในช่วงศตวรรษที่ 14 และแม้แต่ในศตวรรษที่ 15 ประติมากรรมก็แทบจะอุทิศให้กับงานประติมากรรมโดยเฉพาะ ให้กับรูปคริสตจักรและเฉพาะกับการฟื้นฟูเท่านั้น วรรณกรรมคลาสสิก I. ศิลปะปลดปล่อยตัวเองจากความพิเศษเฉพาะนี้และเริ่มสนใจหัวข้อประวัติศาสตร์หรือดึงมาจากชาดกและเทพนิยายด้วย Petrarch ตื้นตันไปด้วยความปรารถนาในธรรมชาติได้อาศัยอยู่ในสภาพแวดล้อมของฟลอเรนซ์ด้วยโลกทั้งใบของสิ่งมีชีวิตในตำนานที่สร้างขึ้นโดยจินตนาการของเขาในจิตวิญญาณของโลกยุคโบราณ ภาพของเขาแสดงออกถึงความเห็นอกเห็นใจและแรงบันดาลใจร่วมสมัย แต่ห่างไกลจากธรรมชาติที่อยู่รอบตัว แนวคิดใหม่ๆ สะท้อนให้เห็นในประติมากรรม ผลงานของ Giovanni Rustici, Andrea และ Jacopo Sansovino จาก Ferrara, Antonio Bociarelli จาก Modena และ Giovanni da Nolli ก่อให้เกิดการเปลี่ยนแปลงไปสู่ทิศทางใหม่ ในที่สุด ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 Florentine Michelangelo ก็ขึ้นครองเหนือทุกคน พระองค์ทรงประทานภาพลักษณ์ที่สมบูรณ์แบบที่สุดของร่างกายมนุษย์ทั้งในด้านความงาม ความหลากหลาย และความแข็งแกร่ง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบางครั้งเรียกว่ายุคของ "การค้นพบของมนุษย์" ชีวิตภายใน จิตวิญญาณ ลักษณะนิสัยของบุคคลกลายเป็นเป้าหมายหลักของการสืบพันธุ์ แต่การแสดงออกต้องใช้เทคนิคบนพื้นฐานความรู้ที่ถูกต้อง ดังนั้น อัจฉริยะแห่งศตวรรษ เช่น ไมเคิลแองเจโล และเลโอนาร์โด ดา วินชี จึงเต็มใจทิ้งสิ่วและแปรงสำหรับมีดกายวิภาคและในความเงียบของอาราม ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้แข็งแกร่งและมีเกียรติ ซึ่งตรงกันข้ามกับความเชื่อโชคลางที่มีอยู่ทั่วไป การชำแหละศพเริ่มขึ้น วิทยาศาสตร์เป็นหนี้ผลงานมากมายของศิลปินในสาขานี้และสาขาอื่นๆ ที่เกี่ยวข้อง ดังนั้นเลโอนาร์โดดาวินชีจึงทิ้งงานวิจัยเกี่ยวกับการบินของนก ฯลฯ คณิตศาสตร์และดาราศาสตร์ก็รวมอยู่ในแวดวงการศึกษาด้วยซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับความสำเร็จของสถาปัตยกรรมวิศวกรรมศาสตร์และศิลปะการทหารและกลศาสตร์ คนสมัยก่อนเห็นร่างกายที่มีชีวิตอยู่ทุกหนทุกแห่งและตลอดเวลา ในช่วงยุคเรอเนซองส์ความงามของร่างกายกลับมาปรากฏอีกครั้งเช่น องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในงานศิลปะ แต่สายตาของศิลปินถูกเสื้อผ้าขัดขวางอยู่แล้ว ในเวลาเดียวกัน แนวคิดเรื่องศาสนาคริสต์ได้นำไปสู่ความเข้าใจในความงามที่แตกต่างซึ่งถูกแสวงหาและพบต่อหน้าพระแม่มารีพระผู้ช่วยให้รอดใน ภาพในพระคัมภีร์และในความทุกข์ทรมานของผู้พลีชีพ ประติมากรรมหินอ่อนที่สวยงามที่เรียกกันว่า ลาปีเอต้า - อนุสาวรีย์แห่งการเข้าพักของ Michelangelo ในกรุงโรม และในขณะเดียวกันก็เป็นอนุสรณ์แห่งยุคนั้น พระแม่มารีประทับบนก้อนหิน คุกเข่าลงวางร่างอันไร้ชีวิตของพระคริสต์ซึ่งถูกนำมาจากไม้กางเขน เธอสนับสนุนเขาด้วยมือของเธอ ชาวโรมทุกคนต่างประหลาดใจกับงานนี้ ตามที่วาซารีกล่าวไว้ แม้แต่ช่างแกะสลักในสมัยโบราณก็ยังไม่บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบเช่นนี้ เฝือกพระวรกายของพระผู้ช่วยให้รอดถูกส่งไปยังโรงเรียนและสถาบันการศึกษาต่างๆ ผลงานอีกชิ้นของ Michelangelo ซึ่งเป็นรูปปั้นหินอ่อนขนาดมหึมาของ David ในหินอ่อนถูกเรียกว่า "Il Gigante" และประดับ Piazza Oignoria เป็นเวลาสามศตวรรษ ในปีพ.ศ. 2416 ได้มีการแทนที่ด้วยบรอนซ์ และหินอ่อนดั้งเดิมก็ถูกย้ายมาที่สถาบัน นอกจากนี้จากผลงานของ Michelangelo, “ทาส”, “โมเสส”, “กลางคืน” อันโด่งดัง และรูปปั้นอื่นๆ ในสุสานเมดิชิ และรูปปั้นอีกมากมายที่ยังคงประดับอาคารและโบสถ์ในโรม ฟลอเรนซ์ โบโลญญา และเมืองอื่นๆ บรรพบุรุษของไมเคิลแองเจโลได้ปูทางไปสู่การเลือกวิชาอย่างเสรีแล้วในศตวรรษที่ 16 สิ่งที่เหลืออยู่คือการเดินตามเส้นทางของผู้บุกเบิก Pisano และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Donatello ในทิศทางนี้ผลงานของผู้ร่วมสมัยที่กล่าวถึงของ Michelangelo - Rustici, Andrea และ Jacopo Sansovino - น่าสนใจ หลังนี้เป็นเจ้าของรูปปั้นขนาดมหึมาของดาวอังคารและดาวเนปจูนบนบันไดของยักษ์ในวัง Doge ในเมืองเวนิส นักเรียนและผู้สืบทอดที่ดีที่สุดของ Michelangelo ได้แก่ Hugo della Porta, Benvenuto Cellini, Tribolo และคนอื่น ๆ Baccio Bandinelli คู่แข่งของเขาในกลุ่มโคตรของเขาตกอยู่ใต้อิทธิพลของเขาโดยไม่รู้ตัว ในศตวรรษที่ 17 ความราคะที่พัฒนาอย่างมากและการแสวงหาความอวดดีทำให้ศิลปินหันเหไปจากกฎแห่งความเป็นพลาสติก และส่วนใหญ่ตกอยู่ในกิริยาท่าทางและความซับซ้อน ท่าทางไม่เป็นธรรมชาติและเฉื่อยชา มีความรู้สึกมีเล่ห์เหลี่ยมและข้อจำกัดในลักษณะต่างๆ การตกแต่งที่มากเกินไปเข้ามาแทนที่ความเรียบง่าย แต่ในขณะเดียวกันก็มักจะเผยให้เห็นจินตนาการมากมาย ความเบาของรูปทรง และความซับซ้อนของการตกแต่ง ผลงานที่โดดเด่นในศตวรรษนี้เป็นของ Alessandro Algardi จาก Bologna และ Lorenzo Bernini จาก Naples ทั้งคู่เป็นสถาปนิกชื่อดังในเวลาเดียวกัน ภาพแรกเป็นของภาพนูนต่ำในโรม: "การกลับมาของอัตติลา" ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เภตรา; ประการที่สองในผลงานหลายชุดคือกลุ่มของนักบุญ เทเรซาในซานตามาเรีย เดลลา วิตตอเรีย ข้อบกพร่องของรูปแบบใหม่นี้สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในรูปปั้นของ Sammartino, Corradini และ Queirolo ในโบสถ์น้อยของ S. Maria della Pieta de Sangri ในเนเปิลส์ การขาดรสนิยมในงานเหล่านี้ผสมผสานกับความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค ข้อยกเว้นสำหรับความเลวทรามด้านรสชาติทั่วไปคือเซนต์ เซซิเลียในโบสถ์ชื่อเดียวกันในโรม ผลงานของสเตฟาโน มาแดร์โน และนักบุญ แอนดรูว์ในมหาวิหารเซนต์ เพตรา ผลงานของ ฟิอัมมิงโก ในช่วงครึ่งศตวรรษที่ 18 กลับไปสู่รูปแบบเก่า Venetian Antonio Canova เป็นคนแรกที่ฟื้นฟูการทำศัลยกรรมพลาสติก อิทธิพลของเขาและ Thorvaldsen แพร่กระจายไปทั่วอิตาลี และด้วยเหตุนี้จึงมีโรงเรียนสองแห่งเกิดขึ้น คนแรกเป็นของ Baruggi จาก Imola, Finelli จาก Carrara, ชาวโรมัน Tadolini และ Finelli; ประการที่สอง - Pietro Tenerani ที่สำคัญที่สุดจาก Carrara ซึ่งต่อมาได้ก่อตั้งโรงเรียนหลายแห่ง Lorenzo Bartolini จากทัสคานีมีความเป็นอิสระมากกว่าแม้ว่าจะไม่ได้เป็นอิสระจากอิทธิพลของ Canova ซึ่งรวมการศึกษาธรรมชาติและโบราณวัตถุอย่างเข้มงวดไว้ในงานของเขา ช่างแกะสลักที่มีความสามารถมากที่สุดในยุคปัจจุบันควรรวมถึง: Lombard Tantardini (1879), Vela, Tabaqui และ Monteverdi ซึ่งสไตล์โดดเด่นด้วยความจริงที่แท้จริงอย่างผิดปกติ

จิตรกรรม.- การทาสีนั้นนำหน้าด้วยโมเสกในอิตาลี แพร่หลายมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 11 ต้องขอบคุณปรมาจารย์ชาวไบแซนไทน์ที่มาเยือน ในศตวรรษที่ 13 ความพยายามที่อ่อนแอในการสร้างสรรค์อย่างอิสระนั้นสังเกตเห็นได้ และเมื่อถึงปลายศตวรรษนี้ Cimabue ก็เผยให้เห็นความคิดสร้างสรรค์บางอย่างของแต่ละคนแล้ว ในร่างและศีรษะของเขามีสัญญาณของชีวิตและการเคลื่อนไหว มีการนำความหลากหลายบางอย่างมาสู่เสื้อผ้า แต่องค์ประกอบโดยทั่วไปไม่เบี่ยงเบนไปจากสไตล์ดั้งเดิม Giotto di Bondone ถือเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์ไลฟ์สไตล์ที่มากขึ้น เขาขยายขอบเขตของงานศิลปะและละทิ้งความไม่เปลี่ยนรูปตามลำดับชั้นในสาขารูปแบบพบวิธีการแสดงออกถึงชีวิตของเขาเองซึ่งเขาได้ออกเดินทางบนเส้นทางที่สมจริงใหม่ นอกจากนี้ในงานของเขายังมีความสามารถที่เห็นได้ชัดเจนในการใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของแนวคิดทางประวัติศาสตร์และภาพบุคคล นอกจากนี้เขายังทำการเปลี่ยนแปลงเทคนิคการทาสีซึ่งเป็นผลมาจากการที่ภาพวาดที่ได้ประโยชน์จากแสงนั้นเบาลงและเป็นมิตรมากขึ้น ตรงกันข้ามกับภาพก่อนหน้าซึ่งมีสีเข้มและมีลักษณะที่มืดมน กิจกรรมของจอตโตไม่ได้จำกัดอยู่แค่ในฟลอเรนซ์เท่านั้น แต่ยังแพร่กระจายไปทั่วอิตาลี อิทธิพลของเขาที่มีต่อคนรุ่นเดียวกันนั้นมีมากมายมหาศาล สไตล์และกิริยาของเขาสะท้อนให้เห็นในศิลปินเกือบทั้งหมดในศตวรรษที่ 14 ผู้ร่วมสมัยและนักเรียนหลายคนของเขานำความเป็นเอกเทศของตนเองมาสู่งานศิลปะ และการวาดภาพก็หยุดดำเนินการโดยการเลียนแบบสิ่งที่อยู่ข้างหน้าเท่านั้น โรงเรียนทิศทางต่างๆ เกิดขึ้น ในบรรดานักเรียนของ Giotto Taddeo Gaddi อยู่ในอันดับหนึ่ง ในบรรดาผู้ที่รู้สึกถึงอิทธิพลของเขาอย่างเห็นได้ชัด Orcagna และคนอื่น ๆ โดดเด่นซึ่ง Lorenzo Monaco คนสุดท้าย ตัวแทนที่โดดเด่นโรงเรียนของ Giotto อยู่ในช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 15 ศตวรรษนี้เผยให้เห็นความปรารถนาที่จะประสานรูปแบบกับธรรมชาติและความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค ขั้นตอนแรกในทิศทางนี้ดำเนินการโดย Uccello ในเมืองฟลอเรนซ์ ตามมาด้วย: Masaccio ผู้ซึ่งศึกษาธรรมชาติและเทคนิคใหม่ๆ ของ Chiaroscuro อย่างรอบคอบ โดยหลีกเลี่ยงความเหลี่ยมมุมของภาพในอดีต และนำความสำเร็จมาสู่การวาดภาพในแง่ขององค์ประกอบภาพด้วย Fra Filippo Lippi ผู้มุ่งมั่นในการพรรณนาปรากฏการณ์ชีวิตตามความเป็นจริง และ Fra Angelico da Fiesole ซึ่งผลงานของเขาสะท้อนชีวิตทางจิตวิญญาณ การแสดงความรู้สึกทางศาสนาอย่างลึกซึ้งในลักษณะของบุคคลที่เป็นตัวแทนกลายเป็นข้อกำหนดในอุดมคติของยุคสมัย แทนที่จะเป็นแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณเหล่านี้ ความปรารถนาที่จะได้ใกล้ชิดกับธรรมชาติมากที่สุดยังคงครอบงำอยู่ในการวาดภาพ การทำความรู้จักกับภาพวาดของแฟลนเดอร์สเป็นโรงเรียนประเภทหนึ่งโดยเฉพาะเกี่ยวกับเทคนิคทางศิลปะ ด้วยวิธีนี้พวกเขาถูกสร้างขึ้น ผลงานที่ยอดเยี่ยม Sandro Botticelli, Filippino Lippi และคนอื่นๆ ความสำเร็จของโรงเรียน Florentine ในการแสวงหาความสมจริงที่แท้จริงเมื่อศิลปะกลายเป็นภาพสะท้อนโดยตรงของชีวิตจริงของประเทศบ้านเกิดและเวลาของมันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของ Benozo Gotzoli และ โดเมนิโก เกอร์ลันดาโย. ขนานกับโรงเรียนฟลอเรนซ์ ครอบครองภาพจากนักบุญ พระคัมภีร์และวิธีการเสริมหลักคือการถ่ายภาพบุคคล เสื้อผ้า และภูมิทัศน์บางส่วน โรงเรียนเกิดขึ้นซึ่งร่างกายและกายวิภาคศาสตร์กลายเป็นหัวข้อของการพัฒนา Luca Signorelli ได้รับการยอมรับว่ามีความสุขที่สุดในทิศทางนี้ หลายคนกำลังมองหาตัวอย่างรสชาติที่เข้มงวดและสมบูรณ์แบบกลับไปสู่สมัยโบราณคลาสสิก Francesco Squarchione ศิลปินชาวปาดวนเดินทางไปทั่วอิตาลีและกรีซ รวบรวมซากศพและตัวอย่างผลงานโบราณ จากนั้นจึงเปิดโรงเรียนในปาดัวเพื่อดึงดูดนักเรียนจำนวนมาก Andrea Mantegna มาจากโรงเรียนนี้ เขาศึกษากายวิภาคศาสตร์ มุมมอง ผลงานของคนโบราณ ศิลปะการจัดเสื้อผ้า และการใช้คุณลักษณะต่างๆ อย่างกระตือรือร้น ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจที่ถูกต้องเกี่ยวกับธรรมชาติและความปรารถนาที่จะมีความจงรักภักดีทางประวัติศาสตร์ ในที่สุด Pietro Perugino หัวหน้าโรงเรียน Umbrian ซึ่งมีผู้ลอกเลียนแบบและนักเรียนมากมายอยู่ใกล้ตัวเขาไม่มากก็น้อยปิดช่วงที่สองของการออกดอกของศิลปะในอิตาลี การถ่ายทอดอารมณ์ทางศาสนาที่ไร้เดียงสาแปลกประหลาด ความบริสุทธิ์ที่แปลกประหลาด และความชัดเจนทางจิตวิญญาณ ส่งต่อไปยังศิลปินรุ่นต่อไป และสะท้อนให้เห็นในอัจฉริยะของราฟาเอล ในเวลาเดียวกัน Perugino ได้นำองค์ประกอบโบราณมาสู่ภาพของเขาแล้ว ผู้พลีชีพและวีรบุรุษคนอื่นๆ ในศาสนาคริสต์เป็นวีรบุรุษของกรีซและโรม ไม่ใช่ในยุคกลาง "ผู้เผยพระวจนะ" ของ Perugino เป็นเช่นนั้นจนน่าสงสัยว่าเขาเคยเปิดพระคัมภีร์หรือไม่ ดังนั้นต้นศตวรรษที่ 16 โดดเด่นด้วยการเพิ่มขึ้นอย่างมากในการวาดภาพด้วยความสามารถมากมายและการเกิดขึ้นของโรงเรียนในทัสคานี อุมเบรีย โบโลญญา เฟอร์รารา ปาดัว เวนิส ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ศิลปะยังห่างไกลจากความสมบูรณ์แบบ จากความสมบูรณ์ของเทคนิคและความสมบูรณ์ของ การนำเสนอ. เจริญรุ่งเรืองอย่างเต็มที่ด้วยการก่อตั้งศูนย์กลางในกรุงโรมภายใต้การอุปถัมภ์ของพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 และลีโอที่ 10 ด้วยความพยายามของปรมาจารย์ผู้ปราดเปรื่องจำนวนหนึ่ง เลโอนาร์โด ดา วินชี พร้อมด้วยพระกระยาหารมื้อสุดท้ายและผลงานอื่นๆ ถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ ตามมาด้วยไมเคิลแองเจโลและราฟาเอล อัจฉริยะทั้งสามคนนี้โดดเด่นด้วยความเก่งกาจ ความเข้าใจในธรรมชาติ แอนิเมชั่นเชิงลึก และความถูกต้องของการวาดภาพ โดยอาศัยความรู้ที่ถูกต้องและการสังเกตแบบสดๆ พวกเขาบรรลุความสมบูรณ์แบบในการวาดภาพร่างกายในทุกท่าและท่าทาง โดยไม่สูญเสียความลึกและความไร้เดียงสาของความรู้สึกทางศาสนา การแข่งขันระหว่างราฟาเอลและไมเคิลแองเจโลถือเป็นช่วงเวลาในประวัติศาสตร์ศิลปะที่น่าจดจำไปทั่วโลก Michelangelo เปลี่ยนสิ่วเป็นแปรงตามคำสั่งของ Julius II เขาตัดสินใจให้รางวัลตัวเองด้วยการทุ่มเทพลังและขอบเขตการออกแบบทั้งหมดให้กับงานนี้ โดยใช้ประโยชน์จากเงินทุนของสมเด็จพระสันตะปาปาและพื้นที่ที่วางไว้บนผนังและเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีน จิตรกรรมฝาผนังที่เขาสร้างขึ้นที่นี่กลายเป็นจุดเริ่มต้นของทิศทางศิลปะใหม่อย่างแท้จริง อ้างถึงบทความอื่นเพื่อดูรายละเอียด (Michelangelo, Sistine Chapel) เราทราบเพียงว่า จิตรกรรมฝาผนัง(เริ่มในศตวรรษที่ 14) ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา เนื่องจากความชื้น ภาพเขียนจึงซีดจาง หายไป หรือเต็มไปด้วยคราบ มีเพียงพลังและความอยากรู้อยากเห็นอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยของ Michelangelo เท่านั้นที่พบหนทางในการต่อสู้กับอุปสรรคและปูทางใหม่สำหรับงานศิลปะที่นี่เช่นกัน แต่ราฟาเอลมีความโดดเด่นที่สุดในยุคเรอเนซองส์ ความรักต่อรูปแบบทางร่างกายขู่ว่าจะเปลี่ยนเป็นความหลงใหลที่บ้าคลั่ง เป็นการบูชากามราคะอย่างหยาบคาย ไหวพริบโดยธรรมชาติและไหวพริบอันชาญฉลาดช่วยให้ราฟาเอลบรรลุถึงสัดส่วนที่น่าทึ่งในเรื่องนี้ พระองค์ทรงสร้างประเภทที่ความสมบูรณ์แบบทางกายภาพสวมมงกุฎด้วยความสูงส่งทางศีลธรรม ภาพลักษณ์ที่เข้มงวดและบริสุทธิ์ของมาดอนน่าคือเรื่องโปรดของเขา การบูชาความงามพบความพอใจอย่างสมบูรณ์ในแปลงนี้ สัญลักษณ์คาทอลิกเปิดทางให้อุดมคติของผู้หญิงและแม่ ลักษณะสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือความแข็งแกร่ง พัฒนาความรู้สึกบุคลิกลักษณะ ลักษณะนี้พบการแสดงออกในภาพบุคคล หลังยังเจาะเข้าไปในภาพวาดที่มีเนื้อหาทางศาสนาและประวัติศาสตร์ ในภาพวาด "การฟื้นคืนชีพของพระคริสต์" วาดสำหรับโบสถ์ฟรานซิสกันและตอนนี้อยู่ในหอศิลป์วาติกัน ราฟาเอลภายใต้หน้ากากของยามหลับสองคนบรรยายภาพตัวเองและเปรูจิโน ในภาพปูนเปียกที่แสดงถึงศาสนา (Disputa) ในผู้ชายที่อยู่ใกล้แท่นบูชามากที่สุด พูดคุยเรื่องหลักคำสอนอย่างกระตือรือร้น เราสามารถจดจำภาพของ Dante, Savonarola และ Bramante ได้ พลังของคริสตจักรยังคงเป็นแนวคิดที่โดดเด่นและปรากฏอยู่ในภาพวาดและจิตรกรรมฝาผนัง ในทางกลับกันภาพวาดเป็นพยานถึงการพึ่งพาของอัจฉริยะในแนวคิดและแนวโน้มในยุคของเขา ดังนั้นในภาพปูนเปียกหลักซึ่งเป็นที่มาของชื่อห้องโถงในวาติกัน ราฟาเอลจึงพรรณนาถึง "การขับไล่เฮลิโอโดรัสออกจากวิหาร" (บทที่ 3 หนังสือแมกคาบี 2 เล่ม) ในกรุงเยรูซาเล็ม ศัตรูปล้นวิหาร พระเยโฮวาห์ทรงทำให้พวกเขาหนีไป ผู้คนต่างมองดูปาฏิหาริย์ด้วยความกลัวและยินดี แต่ท่ามกลางฝูงชนก็ปรากฏขึ้น สร้างความประหลาดใจให้กับผู้ชม จูเลียสที่ 2 ซึ่งคนดูจืดชืดพาเข้าไปในวิหาร เห็นได้ชัดว่าภาพนี้วาดขึ้นโดยมีจุดประสงค์เพื่อถวายเกียรติแด่สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ชัยชนะเหนือฝรั่งเศส และการปลดปล่อยอย่างน่าอัศจรรย์จากการถูกจองจำในโบโลญญาในปี 1509

ราฟาเอลตามมาด้วยคนรุ่นราวคราวเดียวกันและลูกศิษย์ของเขาซึ่งมีชื่อตามที่จะพูด ทางช้างเผือกความรุ่งโรจน์ของ I. ศิลปะ Correggio มีชื่อเสียงในด้านความเชี่ยวชาญด้าน Chiaroscuro เขาใช้สีด้วยทักษะพิเศษ สร้างโทนสีที่ละเอียดอ่อนที่สุด และโดยเฉพาะอย่างยิ่งการนำความสง่างามและความสวยงามอันเป็นเอกลักษณ์มาสู่การวาดภาพของร่างกาย ในเมืองเวนิส ทิเชียนประสบความสำเร็จในการแสดงออกถึงตัวละครอันทรงพลัง และการระบายสีของเขากลายเป็นอุดมคติแห่งความมีชีวิตชีวาและความอบอุ่นสำหรับศิลปินส่วนใหญ่ที่ไม่อาจบรรลุได้ จิตรกรที่มีชื่อเสียงในยุคเรอเนซองส์คนอื่นๆ ได้แก่ Fra Bartolomeo และ Andrea del Sarto ในฟลอเรนซ์, Palma Vecchio ในเวนิส, Luini ในมิลาน ในบรรดานักเรียนของราฟาเอล Giulio Romano เป็นที่หนึ่ง ในบรรดาลูกศิษย์ของ Michelangelo ลูกศิษย์หลักคือ Danielo da Volterra Correggio พบผู้เลียนแบบตัวเองใน Parmigianino Fra Sebastiano del Piombo - คู่แข่งของ Michelangelo ในการวาดภาพ - นักเรียนที่ดีที่สุดของ Giorgione บรรพบุรุษของ Titian ทิเชียนเองก็มีนักเรียนเพียงไม่กี่คน แต่มีผู้ลอกเลียนแบบมากมาย เช่น โบนิฟาซิโอ เวเนเซียโน และบูออนวิซิโน

เริ่มต้นด้วย ครึ่งเจ้าพระยาวี. การเสื่อมถอยของการวาดภาพ I. นั้นเห็นได้ชัดเจนแล้ว และยิ่งดำเนินต่อไปเท่าไรก็ยิ่งแข็งแกร่งขึ้นเท่านั้น รุ่งเรืองตามมาด้วยช่วงเวลาที่เลียนแบบ ลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ที่เก่งกาจกลายเป็นความอ่อนแอและกิริยาท่าทางในตัวเลียนแบบ ใช่ ความงามที่ไร้เดียงสา ความงามของผู้หญิง L. da Vinci เสื่อมถอยลงเป็นความหวานและงานประดับมุกที่น่ารัก ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงหลายคนด้วยความสมบูรณ์แบบของเทคนิคและแนวทางในการสุ่มตัวอย่างที่ประสบความสำเร็จ ขาดความรู้สึกเป็นสัดส่วน - เงื่อนไขแรกของความงามและศักดิ์ศรีที่จริงจัง โรงเรียน Venetian เก็บรักษาหลังไว้ได้นานที่สุด ในบรรดาปรมาจารย์มีความโดดเด่นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ตินโตเร็ตโต และเปาโล เวโรเนเซ การบุกรุกแนวคิดโปรเตสแตนต์ใหม่ๆ และการต่อสู้กับนิกายโรมันคาทอลิกทำให้เกิดความสงสัยในความคิดและจิตใจ และบ่อนทำลายศรัทธาที่ไร้เดียงสาและอุดมคติแห่งความงามในหลายๆ ด้าน บรรดาผู้ที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อความคิดเห็นก่อนหน้านี้เริ่มตกจากหลักการไปสู่การพูดเกินจริง อนุสาวรีย์แห่งความพยายามของยุคนี้ในการสร้างอุดมคติเก่า ๆ ขึ้นมาใหม่ยังคงมีภาพที่มีลักษณะเข้มงวดในรูปแบบทางศาสนาที่เคร่งครัด: Mater dolorosa, พระคริสต์ทรงสวมมงกุฎหนาม ฯลฯ เช่น Baroccio และคนอื่น ๆ ที่ตามมาหลังจากนั้น ชาวฟลอเรนซ์ Cigoli, Allori, da Empoli พยายามจับกุมการล่มสลาย แต่ไม่บรรลุเป้าหมายแม้ว่าจะทิ้งผลงานที่มีสีและการออกแบบที่สวยงามไว้ก็ตาม Caracci ในเมืองโบโลญญาประสบความสำเร็จมากที่สุดในการแสวงหาการฟื้นฟูงานศิลปะ Lodovico Caracci ยึดถือแรงบันดาลใจของเขาในด้านหนึ่ง การศึกษาธรรมชาติโดยตรง อีกด้านหนึ่ง พยายามที่จะผสมผสานคุณธรรมของปรมาจารย์ต่างๆ จาก Raphael เขายืมศิลปะการจัดองค์ประกอบและการแสดงออก จาก Michelangelo - การวาดภาพและการเคลื่อนไหว จาก Correggio - ศิลปะแห่ง Chiaroscuro จาก Titian - เทคนิคการทาสีและพู่กัน เขาก่อตั้ง Academy of Painting ซึ่งฝึกฝนปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงหลายคนเช่น Domenichino, Guido Reni, Tvercino เป็นต้น นอกเหนือจากโรงเรียนนี้และโรงเรียนอื่นที่คล้ายคลึงกันแล้วยังมีทิศทางที่เป็นธรรมชาติอย่างหมดจดคู่ขนานซึ่งยอมรับว่าธรรมชาติเป็นพื้นฐานของศิลปะเพียงอย่างเดียว หัวหน้านักธรรมชาติวิทยาคือ Amerighi da Caravaggio ต้องขอบคุณความเข้าใจที่ลึกซึ้งและการลงมือปฏิบัติอย่างเชี่ยวชาญ เขาจึงสร้างสรรค์ผลงานที่มีความสำคัญและแสดงออกอย่างไม่ธรรมดา ภาพวาดบางภาพของเขาสร้างความประทับใจที่น่ารังเกียจเนื่องจากตามหลักการของความจงรักภักดีต่อธรรมชาติเขาไม่ได้ถอยห่างจากการพรรณนาถึงปรากฏการณ์ที่น่าเกลียดและน่าเกลียด อย่างไรก็ตาม เขาพบผู้ติดตามจำนวนมากในอิตาลี รวมถึงริเบรา, บาร์โตลอมเมโอ มันเฟรดี (มันตัว), สแตนซิโอนี และบัคคาโร (เนเปิลส์), แบร์นาร์โด สโตรซซี (เจนัว) และโดเมนิโก เฟติ (โรม) ตั้งแต่ครึ่งศตวรรษที่ 17 และจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ศิลปะยังคงเคลื่อนตัวไปตามเส้นทางแห่งความเสื่อมอย่างไม่อาจควบคุมได้ ในบรรดาศิลปินจำนวนมากในเวลานี้ ที่พยายามรื้อฟื้นประเพณีที่สูญพันธุ์ไปแล้วของจิตวิญญาณทางศาสนา กลุ่มเล็กๆ ที่โดดเด่นตามเส้นทางที่คาราวัจโจปูไว้ หัวหน้ากลุ่มนี้คือ Salvator Rosa ศิลปินในเวลานี้หากไม่บรรลุความยิ่งใหญ่ในอดีต แต่ละคนก็มีคุณสมบัติอย่างใดอย่างหนึ่ง อนุสรณ์สถานที่ดีที่สุดในยุคนี้คือจิตรกรรมฝาผนังของ L. Giordano ในพระราชวัง Medici-Riccardi ในฟลอเรนซ์ (1632) และ Tiepolo ใน Palazzo Labia ในเวนิส ผลงานที่ไม่มีใครเทียบได้ยังเป็นของแปรงของ Grimaldi, Canaletto และ Francesco Guardi นักเรียนของเขา จากนั้น จากสาขาประเภทนี้ แม้ว่าจะไม่เคยมีการเผยแพร่อย่างมีนัยสำคัญในอิตาลี แต่ก็มีความน่าทึ่ง ภาพวาดการต่อสู้อันเนลโล ฟัลโกเน และเคอร์ควอซซี่ - Giovanni Benedetto Castiglione วาดภาพทิวทัศน์ที่สวยงามด้วยรูปคนและสัตว์ Mario de Fiori - ดอกไม้; แต่ไม่มีศิลปินคนใดคนหนึ่งเหล่านี้บรรลุความสมบูรณ์แบบของปรมาจารย์ โรงเรียนภาษาดัตช์. ของจิตรกรประวัติศาสตร์แห่งศตวรรษที่ 18 Battoni คนเดียวโดดเด่น แต่เขาก็ไม่ได้ทิ้งสิ่งใดที่จะยังคงเป็นอนุสาวรีย์ตลอดไป พวกเขายังมีความสำคัญเพียงเล็กน้อย ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 19วี. บางคนใช้เป็นแบบอย่างของอดีตนักผสมผสานของโรงเรียนคาราวัจโจและคนอื่น ๆ Vincenzo Camuccini ซึ่งเป็นตัวแทนของกลุ่มนี้ในโรมมีความโดดเด่นมาก คนอื่นๆ ต้องการความช่วยเหลือในโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสของ David เช่น Andrea Appiani ในมิลานและ Pietro Benvenutto ในฟลอเรนซ์ บางคนเช่น Francesco Cochetti (1804-1875) ยึดมั่นในโรงเรียนภาษาเยอรมันซึ่งเมื่อต้นศตวรรษได้แนะนำขบวนการโรแมนติกสู่โรม ศูนย์กลางของศิลปะในอิตาลียังคงเป็นโรม มิลาน เวนิส เนเปิลส์ และแต่ละจุดเหล่านี้ก็ได้พัฒนาสำนักจิตรกรรมประวัติศาสตร์หรือโบสถ์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวไม่มากก็น้อย อิทธิพลของชาวเยอรมันส่วนใหญ่เริ่มต้นจากนักวาดภาพสีน้ำชื่อดังอย่างคาร์ล เวอร์เนอร์ในเมืองเวนิส อิทธิพลนี้ก่อให้เกิดผลงานมากมายของศิลปินประเภทต่างๆ ซึ่งได้แก่ Giacomo Favreto, Alessandro Zezzos, Ettore, Tito Conti, Antonio, Rotta, Egisto, Lancheroto, Luigi Mion ในส่วนที่เหลือของอิตาลี พวกเขาเข้าร่วมโดย Angelo dell'Eca (Bianca Verona) และชาวออสเตรีย Eugene Blaas และ Caecil von Gaonen ภูมิทัศน์ได้รับการพัฒนาโดย Gulielmo Ciardi, Fraggiacomo, Bezzi, Laurenti, Mainella ซึ่งมีชื่อเสียงในด้านประสิทธิภาพการทำงานของเขาและคนอื่น ๆ การวาดภาพได้รับการพัฒนาอย่างอิสระมากขึ้นในเนเปิลส์ในผลงานของ Domenico Morelli และ Palizzi สองคนซึ่งเป็นตัวแทนของความสมจริงในงานศิลปะที่ทำงาน มากในภาคตะวันออก คนรุ่นใหม่มีความโดดเด่นโดยเฉพาะในเรื่องของความสดของสี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแง่ของแนวเพลง ซึ่งมักมีทิศทางเป็นภาษาฝรั่งเศส สถานที่สำคัญที่นี่คือของ Alberto Passini ซึ่งทำงานในปารีส ในบรรดาชาวมิลาน Filippo Carcano โดดเด่นด้วยพลังแห่งการแสดงออกและความสดชื่นของสี เลโอนาร์โด บาซซาโร, อดอลโฟ เฟรากุตติ, พี. มาเรียนนี และจี ซาร์โตรี พวกเขามีความเกี่ยวข้องกับชาวทูริเนียนซึ่งนำโดยกัสตัลดี; นอกจากเขาแล้วใคร ๆ ก็สามารถชี้ไปที่ Enrico Gamba, Mosso, Viotti, Deleani, Quadroni และอื่น ๆ ได้ G. Segantini ของ Milanese เหนือกว่าคนอื่น ๆ ในความเชี่ยวชาญด้านเอฟเฟกต์แสงและความลึกของเนื้อหา โดยทั่วไปการวาดภาพ I. สมัยใหม่มีความโดดเด่นด้วยเทคนิคที่สมบูรณ์แบบซึ่งบางครั้งก็ทำให้เนื้อหาเสียหาย แต่เห็นได้ชัดว่าทิศทางของมันถูกเปลี่ยนแปลงและความปรารถนาที่จะมีความคิดอย่างลึกซึ้งในหัวข้อต่างๆ และการถ่ายทอดแก่นแท้ภายในของวัตถุและปรากฏการณ์ทีละน้อยก็สังเกตเห็นได้ชัดเจนในนั้น

ยุคเรอเนซองส์สูงแสดงถึงจุดสูงสุดของยุคเรอเนซองส์ ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ทั้งหมดนี้ ขอบเขตตามลำดับเวลามีขนาดเล็กและครอบคลุมเพียงประมาณสามทศวรรษเท่านั้น อย่างไรก็ตาม แม้ในแง่ปริมาณ ในแง่ของความอุดมสมบูรณ์และอนุสรณ์สถานทางศิลปะขนาดใหญ่ที่สร้างขึ้นในเวลานี้ ไม่ต้องพูดถึงระดับทางศิลปะสูงสุดและความสำคัญทางประวัติศาสตร์ขนาดมหึมา ทศวรรษเหล่านี้อาจกล่าวได้ว่าคุ้มค่ากับศตวรรษอื่น ๆ

ด้วยการเปลี่ยนแปลงในระดับของโลกความคิดเกี่ยวกับขนาดของมนุษย์เองก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: การกระทำที่แท้จริงของเขาและการหาประโยชน์ที่กล้าหาญของเขาได้รับการยืนยันหากไม่เกินกว่าการคาดการณ์ของนักมานุษยวิทยาหลายคนการประเมินความสามารถของเขา จริงอยู่ที่อิตาลีสามารถมีส่วนร่วมทางจิตวิญญาณต่อ "การค้นพบโลก" นี้เท่านั้น - การดำเนินการตามภารกิจนี้ในทางปฏิบัติตลอดจนการกระจายตัวของโลกนี้ใหม่ได้ตกไปอยู่ในรัฐอื่น ๆ มากมายแล้ว ยิ่งกว่านั้น บางทีไม่มีประเทศอื่นใดในยุโรปที่เป็นผลมาจากการค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งใหญ่ที่น่าเศร้าในผลที่ตามมาเช่นเดียวกับอิตาลี แต่ในขณะเดียวกัน อิตาลี ในบรรดาประเทศในยุโรปทั้งหมดกลับกลายเป็นประเทศที่พร้อมจะแสดงออกถึงความซับซ้อนและขนาดมหึมามากที่สุด การดำรงอยู่ทางประวัติศาสตร์ของยุคนี้ ศิลปะอิตาลีในยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงถือเป็นการแสดงออกทางศิลปะถึงความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ของอิตาลีเป็นอย่างแรก แต่ในฐานะที่เป็นศูนย์รวมสูงสุดของวัฒนธรรมในยุคนั้น มันก็เป็นการแสดงออกถึงความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ในขอบเขตระดับโลกที่กว้างกว่าด้วย เพื่อที่จะแก้ไขปัญหาที่เกิดจากยุคที่กำลังจะมาถึง ประเภทของศิลปินเองก็ต้องเปลี่ยนก่อนอื่น เพราะทัศนคติของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 15 ในด้านสถานะทางสังคมและทัศนคติทางสังคมของเขายังคงเกี่ยวข้องกับชนชั้นช่างฝีมือเป็นส่วนใหญ่ ถูกจำกัดเกินไปสำหรับสิ่งนี้ ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 16 ได้ยกตัวอย่างศิลปินประเภทใหม่ - บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ที่กระตือรือร้นปราศจากข้อ จำกัด ของกิลด์เล็ก ๆ น้อย ๆ ก่อนหน้านี้มีความสมบูรณ์ของการตระหนักรู้ในตนเองทางศิลปะและสามารถบังคับพลังที่ต้องคำนึงถึงด้วยตนเอง . คนเหล่านี้เป็นคนที่มีความรู้มหาศาลและครอบครองความสำเร็จทางวัฒนธรรมอย่างครบถ้วนในยุคนั้น

เซตของเงื่อนไขที่ซับซ้อนนี้ ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์มีผลกระทบต่อการก่อตัวของรากฐานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงของอิตาลีต่อการก่อตัวของการรับรู้ที่เป็นรูปเป็นร่างของศิลปินต่อโครงสร้างภาพของผลงานของพวกเขา ภาพของพวกเขาแตกต่างจากช่วงก่อนหน้า - ศิลปะของ Quattrocento - โดยหลักแล้วจะมีขนาดที่ใหญ่กว่า ภายนอกสิ่งนี้แสดงให้เห็นในความจริงที่ว่านอกเหนือจากการกระจายผลงานในรูปแบบขนาดใหญ่ในด้านสถาปัตยกรรมจิตรกรรมและประติมากรรมมากกว่าในศตวรรษที่ 15 อย่างไม่มีใครเทียบได้ก็ปรากฏภาพของมาตราส่วนพิเศษสุด ๆ ด้วยเช่นกันตัวอย่าง ได้แก่ "เดวิด" ของ Michelangelo และร่างศาสดาพยากรณ์และพี่น้องขนาดใหญ่ของเขาในภาพวาดบนเพดานของโบสถ์ซิสทีน ขนาดของสถาปัตยกรรมและศิลปะประกอบเข้าด้วยกัน (ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Belvedere ของ Bramante, Vatican Stanzas ของ Raphael, เพดาน Sistine ของ Michelangelo) และขนาดของแต่ละบุคคล องค์ประกอบภาพจิตรกรรมฝาผนังและขาตั้งโดยเฉพาะภาพแท่นบูชา แต่ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับขนาดไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับขนาดเท่านั้น แม้แต่ภาพวาดขนาดเล็กของ Leonardo และ Raphael ก็โดดเด่นด้วยวิสัยทัศน์ที่ "ใหญ่ขึ้น" ที่แตกต่างกัน เมื่อแต่ละภาพมีความยิ่งใหญ่เป็นพิเศษ คุณภาพนี้เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับคุณลักษณะที่สำคัญอีกประการหนึ่งของศิลปะยุคเรอเนซองส์สูง - ลักษณะทั่วไปของภาษาศิลปะ ความสามารถในการมองเห็นสิ่งสำคัญสิ่งสำคัญในทุกสิ่งโดยไม่ต้องลงรายละเอียดสะท้อนให้เห็นในการเลือกธีมและในการก่อสร้างโครงเรื่องและในการจัดกลุ่มตัวเลขที่ชัดเจนและชัดเจนในการพรรณนาภายนอกและภายในโดยทั่วไป ของตัวละคร ในที่สุดคุณลักษณะเชิงประจักษ์เชิงมโนธรรมของพวก Quattrocentists หลายคนก็ถูกเอาชนะในที่สุด ความน่าสมเพชในการศึกษาธรรมชาติเชิงวิเคราะห์ในทุกรายละเอียดทำให้เกิดแรงกระตุ้นสังเคราะห์อันทรงพลัง โดยดึงแก่นแท้ของธรรมชาติออกจากปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง ความปรารถนาในการสังเคราะห์เพื่อการวางนัยทั่วไปได้สะท้อนให้เห็นแล้วในความจริงที่ว่าในงานของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งตรงกันข้ามกับ Quattrocento สถานที่หลักถูกครอบครองโดย ภาพลักษณ์โดยรวมเป็นคนสวยงามตามอุดมคติ สมบูรณ์ทั้งกายและใจ แต่ปรมาจารย์ยุคเรอเนสซองส์มีแนวโน้มน้อยที่สุดต่อความเป็นนามธรรมเชิงบรรทัดฐานในการเปรียบเทียบการสร้างสรรค์ของพวกเขากับความเป็นจริงที่แท้จริง ในทางตรงกันข้าม ความเพ้อฝันของภาพในความเข้าใจของพวกเขาหมายถึงการแสดงออกที่เข้มข้นที่สุดของคุณสมบัติของความเป็นจริงนั่นเอง ไม่ต้องพูดถึงฮีโร่ที่มีลักษณะดราม่าที่สดใส - แม้แต่ในภาพที่เต็มไปด้วยความคมชัดที่กลมกลืนกันก็มีขนาดใหญ่มาก ความแข็งแกร่งภายในบุคคลผู้มีจิตสำนึกสงบถึงความสำคัญของเขา เมื่อรวมกับขนาดที่ใหญ่ คุณสมบัติเหล่านี้ทำให้ภาพของยุคเรอเนซองส์สูงมีตัวละครขนาดยักษ์อย่างแท้จริง ระดับของประสิทธิภาพที่กล้าหาญซึ่งศิลปะของยุคเรอเนซองส์ทั้งต้นและตอนปลายไม่เคยประสบความสำเร็จ

ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงครอบคลุมเพียงประมาณสามทศวรรษเท่านั้น แต่ยังคงเดินทางไกลมาก มันเป็นความเข้มข้นพิเศษของวิวัฒนาการของมันอย่างแน่นอน ซึ่งสัมพันธ์กับความอิ่มตัวของช่วงประวัติศาสตร์นี้กับเหตุการณ์ที่มีความสำคัญอย่างยิ่งยวด ซึ่งอธิบายความแตกต่างระหว่างภาพฮาร์โมนิกแบบแชมเบอร์ที่ค่อนข้างมากกว่าในช่วงเริ่มต้นของช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณากับความยิ่งใหญ่ ภาพที่น่าทึ่งซึ่งมีเครื่องหมายของความขัดแย้งที่ไม่สามารถแก้ไขได้ในตอนท้ายแล้ว "ความหนาแน่น" ที่ไม่ธรรมดาของศิลปะในยุคเรอเนซองส์สูงสะท้อนให้เห็นในความจริงที่ว่าไม่น่าเป็นไปได้ที่ในประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดจะพบตัวอย่างอื่นเมื่อในช่วงเวลาประวัติศาสตร์อันสั้นศิลปินที่เก่งกาจจำนวนหนึ่งทำงานพร้อมกันใน ประเทศหนึ่ง ก็เพียงพอแล้วที่จะตั้งชื่อปรมาจารย์เช่น Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo ในฟลอเรนซ์และโรมเช่น Giovanni Bellini, Giorgione และ Titian ในเวนิส ในบรรดาปรมาจารย์ที่มีขนาดเล็กกว่า เราพบชื่อที่โด่งดังเช่นจิตรกร Parma Correggio, Florentines Fra Bartolomeo และ Andrea del Sarto, Venetians Palma Vecchio และ Lorenzo Lotto ซึ่งทำงานใน Brescia Savoldo และ Moretto ไม่ต้องพูดถึงจิตรกรระดับล่างอีกหลายคน ความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ที่มีชื่อส่วนใหญ่ถูกเปิดเผยทั้งหมดหรือในส่วนหลักในช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณา บางคนและเหนือสิ่งอื่นใดมีเกลันเจโลและทิเชียนซึ่งมีชีวิตยืนยาวมาก เวทีศิลปะ- ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

เช่นเดียวกับศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง ทฤษฎีศิลปะในยุคนี้เป็นตัวแทนของผลรวมบนพื้นฐานใหม่ของความสำเร็จของศตวรรษที่ 15 และในขณะเดียวกันก็เป็นการก้าวกระโดดเชิงคุณภาพครั้งใหม่ ศูนย์กลางของที่นี่ถูกครอบครองโดย Leonardo da Vinci แนวคิดของเขาซึ่งระบุไว้ใน "บทความเกี่ยวกับจิตรกรรม" อันโด่งดัง (เนื้อหาซึ่งจัดทำขึ้นส่วนใหญ่ในปี 1498 และในไม่ช้าก็แพร่หลายเป็นสำเนา) รวมถึงในบันทึกอื่น ๆ ของเขามากมายเป็นสารานุกรมที่แท้จริงของแนวคิดทางทฤษฎีและการปฏิบัติ ความรู้เกี่ยวกับเวลาของเขา สำหรับเลโอนาร์โดรุ่นก่อน ๆ ศิลปะและวิทยาศาสตร์แยกกันไม่ออก - นี่เป็นสองด้านของกระบวนการทั่วไปของความรู้เกี่ยวกับธรรมชาติ “และแท้จริงแล้ว” เขากล่าว “การวาดภาพเป็นวิทยาศาสตร์และเป็นลูกสาวที่ถูกต้องตามกฎหมายของธรรมชาติ เพราะมันถูกสร้างขึ้นโดยธรรมชาติ” ธรรมชาติคือ “ครูของครู” และจิตรกรต้องเป็นลูกชายของเธอ เรื่องของการวาดภาพคือความงดงามของการสร้างสรรค์จากธรรมชาติ การสร้างธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบที่สุดคือมนุษย์ และในบันทึกของเลโอนาร์โดมีหลายส่วนที่อุทิศให้กับการศึกษาร่างกายมนุษย์ หลักคำสอนเรื่องสัดส่วน ข้อมูลเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์ ในพื้นที่ที่ความรู้ของเลโอนาร์โดลึกซึ้งอย่างน่าอัศจรรย์ จากนั้นเขาก็สร้างความสัมพันธ์ระหว่างการเคลื่อนไหวของร่างกาย การแสดงออกทางสีหน้า และ ภาวะทางอารมณ์บุคคล. Leonardo ให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับปัญหาของ chiaroscuro การสร้างแบบจำลองเชิงปริมาตร มุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ ในสาขาประติมากรรม ไมเคิลแองเจโลแสดงแนวคิดเชิงลึกเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างภาพลักษณ์ทางศิลปะและวัสดุ นอกจากนี้เขายังหยิบยกแนวคิดในการวาดภาพมาเป็นพื้นฐานในการสร้างสรรค์งานศิลปะพลาสติกทั้งสามประเภท ได้แก่ ประติมากรรม จิตรกรรม และสถาปัตยกรรม เช่นเดียวกับเมื่อก่อน ประเด็นต่างๆ ของทฤษฎีศิลปะยังคงเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับแนวคิดมนุษยนิยม ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 16 มีการให้ความสนใจเป็นพิเศษในด้านความคิดแบบเห็นอกเห็นใจกับปัญหาของมนุษย์ที่สมบูรณ์แบบ ในด้านหนึ่ง หัวข้อนี้ได้รับการพิจารณาในแง่ของการก่อตัวของบุคคลประเภทหนึ่ง ซึ่งมีความหลากหลายทางร่างกายและจิตวิญญาณ (ตามที่ได้รับการพัฒนาโดย Baldassare Castiglione ในบทความของเขาเกี่ยวกับข้าราชบริพารในอุดมคติ) ในทางกลับกัน ในแง่ของ วิเคราะห์บรรทัดฐานของความงามที่นำไปใช้กับความงามทางกายภาพของบุคคล (ด้านนี้ได้รับการพัฒนาโดย Firenzuola ใน "บทความเกี่ยวกับความงามของผู้หญิง")

ยุคเรอเนซองส์สูงทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในความสมดุลของโรงเรียนศิลปะท้องถิ่นในอิตาลี แหล่งกำเนิดของศิลปะนี้สถานที่กำเนิดและการก่อตัวของรากฐานคือฟลอเรนซ์ นี่คือจุดที่ศิลปิน Leonardo, Michelangelo และ Raphael เริ่มต้นการเดินทางหรือก่อตั้งขึ้น นี่เป็นเรื่องปกติ เนื่องจากศิลปะของเวทีใหม่สามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในดินแดนของสาธารณรัฐที่ก้าวหน้าที่สุดของอิตาลีเท่านั้น แต่เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 15 และ 16 โรมก็กลายเป็นศูนย์กลางชั้นนำอีกแห่งหนึ่งของประเทศ ความจริงที่ว่าพวกเขากระจุกตัวอยู่ที่กรุงโรม ปรมาจารย์ที่ดีที่สุดอิตาลีและความจริงที่ว่าศิลปะของปรมาจารย์เหล่านี้ปรากฏที่นี่ในคุณภาพใหม่บางอย่างก็มีเหตุผลเฉพาะของตัวเอง ระบุไว้ข้างต้นว่าในนโยบายของพวกเขา ผู้ปกครองของรัฐสันตะปาปามีความแตกต่างเพียงเล็กน้อยจากผู้ปกครองฆราวาสแห่งเผด็จการและอาณาเขตของอิตาลี แต่ในขณะเดียวกัน โรมก็เป็นเมืองหลวงทางจิตวิญญาณของโลกคาทอลิกทั้งหมด ต้องจำไว้ว่าเขตแดนของโลกในขณะนั้นกว้างกว่าสมัยต่อมามากและขยายออกไปเกือบทั้งตะวันตกและ ยุโรปกลางเนื่องจากการปฏิรูปในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 จนถึงปัจจุบันได้ส่งผลกระทบต่อประเทศเพียงไม่กี่ประเทศเท่านั้น ความคาดหวังของการตอบสนองที่แตกต่างและกว้างกว่าน่าจะนำไปสู่การสร้างสรรค์ผลงานของศิลปินที่ทำงานในโรมในขอบเขตที่ใหญ่กว่าขนาดของอนุสาวรีย์ในศูนย์กลางชุมชนของอิตาลี ดังนั้นไม่ว่าอาคารเทศบาลและพระราชวังของครอบครัวที่ร่ำรวยที่สุดในฟลอเรนซ์หรือเวนิสจะยิ่งใหญ่แค่ไหนไม่ว่ามหาวิหารในเมืองเหล่านี้จะยิ่งใหญ่แค่ไหน - พระราชวังของสมเด็จพระสันตะปาปาในวาติกันและวิหารหลักของโลกคาทอลิก - นักบุญเปโตร มหาวิหาร - ควรจะยิ่งใหญ่กว่านี้อีก มันเป็นเรื่องของไม่มากนักเกี่ยวกับมิติของอาคารแต่ละหลังและวงดนตรีศิลปะ แต่เกี่ยวกับการขยายสไตล์ของตัวเองเกี่ยวกับ "ขนาดภายใน" ใหม่ของผลงานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของโรมัน การเปลี่ยนแปลงรูปแบบนี้เกิดขึ้นในกรุงโรมอย่างเป็นธรรมชาติมากขึ้น เนื่องจากที่นี่ไม่มีที่ใดในอิตาลีที่ยังคงรักษาประสิทธิภาพไว้ได้ ประเพณีโบราณ. ซากปรักหักพังของโครงสร้างโบราณเต็มเมือง การขุดค้นเผยให้เห็นอนุสรณ์สถานของประติมากรรมโบราณไปทั่วโลก ไม่จำเป็นต้องพูดว่าเนื่องจากศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความอ่อนไหวต่อทุกสิ่งในสมัยโบราณงานสำคัญทั้งหมดของพวกเขาในเมืองนิรันดร์จึงถูกสร้างขึ้นโดยเปรียบเทียบภายในกับอนุสรณ์สถานของศิลปะโบราณ แนวคิดของโครงสร้างเช่นมหาวิหารเซนต์ ปีเตอร์สามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในเมืองที่วิหารแพนธีออนและโคลอสเซียมถูกเก็บรักษาไว้เท่านั้น

แม้ว่าโรมจะเป็นศูนย์กลางของนิกายโรมันคาทอลิกของโลก งานศิลปะซึ่งสร้างขึ้นที่นี่ในช่วงสมัยเรอเนซองส์สูง เป็นผู้มีส่วนสนับสนุนแนวคิดทางศาสนาน้อยที่สุด เสรีภาพของศิลปินจากการกดขี่ทางศาสนาได้รับการอธิบาย นอกเหนือจากปัจจัยอื่นๆ ที่พบได้ทั่วไปในยุคเรอเนซองส์ทั้งหมดแล้ว โดยข้อเท็จจริงที่ว่าบทบาททางสังคมของศิลปะในอิตาลีนั้นยิ่งใหญ่เป็นพิเศษ และการอุปถัมภ์เองก็เป็นหนึ่งในรูปแบบที่มีประสิทธิภาพมากสำหรับสิ่งนั้น เวลา การต่อสู้ทางการเมืองศาลสมเด็จพระสันตะปาปาเพื่อเสริมสร้างอำนาจของตน โดยพื้นฐานแล้ว สมเด็จพระสันตะปาปาโรมทรงเป็นตัวอย่างแรกของ "การพัฒนา" ของรัฐในวงกว้างของวัฒนธรรมใหม่ภายใต้เงื่อนไขของรัฐเผด็จการ โดยคาดหวังนโยบายทางศิลปะของกษัตริย์แห่งมหาอำนาจสำคัญของยุโรปในบางประเด็น นี่เป็นวิธีที่ปรากฏการณ์ที่แปลกประหลาดและเกือบจะขัดแย้งกันเกิดขึ้น: มันเป็นตำแหน่งสันตะปาปาที่ให้ความสามารถทางการเงินและองค์กรขนาดมหึมาสำหรับการแสดงออกของแนวคิดมนุษยนิยมที่ก้าวหน้า โดยพื้นฐานแล้วแบกรับการปฏิเสธของลัทธินักบวชปฏิกิริยาภายในตัวเอง สถานการณ์นี้ไม่สามารถคงอยู่ได้ ความเข้มแข็งของการประท้วงที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นประชาธิปไตยในอิตาลีเอง ขบวนการปฏิรูปในประเทศอื่น ๆ บังคับให้ผู้ปกครองทางจิตวิญญาณของยุโรปกำหนดจุดยืนทางอุดมการณ์ของตนให้ชัดเจนยิ่งขึ้น และเมื่อสิ้นสุดทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 16 สมเด็จพระสันตะปาปาโรมก็พบว่าตัวเอง ที่เป็นหัวของปฏิกิริยาทางการเมืองและจิตวิญญาณ ดังนั้นนโยบายทางศิลปะของเขาจึงได้รับการปรับโครงสร้างใหม่ตั้งแต่บัดนี้เป็นต้นไปเพื่อต่อต้านอุดมคติอันสดใสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามากขึ้นเรื่อย ๆ ดังนั้น แม้จะสังเกตเห็นถึงความสำคัญของการมีส่วนร่วมของโรมต่อศิลปะยุคเรอเนซองส์ขั้นสูง แต่ก็จำเป็นต้องเน้นอีกครั้งว่าฟลอเรนซ์ยังคงเป็นแหล่งที่สำคัญเท่าเทียมกันสำหรับการก่อตัวของแนวคิดทางสังคมที่ก้าวหน้า ซึ่งเป็นสภาพแวดล้อมที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการเกิดขึ้นของพวกเขา ตำแหน่งนี้จนถึงปี 1530 - ปีแห่งการเสียชีวิตอันน่าสลดใจของสาธารณรัฐฟลอเรนซ์ เฉพาะในความเป็นคู่ของฟลอเรนซ์และโรมเท่านั้นที่สามารถเข้าใจธรรมชาติที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของวัฒนธรรมของยุคเรอเนซองส์สูงในอิตาลีตอนกลางได้ด้วยการรับรู้อย่างเป็นกลางถึงบทบาทที่แท้จริงของแต่ละศูนย์เหล่านี้

ยุคเรอเนซองส์ตอนปลายที่เข้ามาแทนที่สมัยเรอเนซองส์สูงมีความแตกต่างเชิงคุณภาพที่สำคัญหลายประการจากระยะที่แล้ว ช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 เป็นช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาของสาธารณชนที่เพิ่มมากขึ้น การถดถอยต่อไปของเศรษฐกิจอิตาลีภายใต้เงื่อนไขของการครอบงำของต่างชาติซึ่งแพร่กระจายไปยังพื้นที่ส่วนใหญ่ของประเทศนั้นมาพร้อมกับการชำระบัญชีผลประโยชน์ทางสังคมก่อนหน้านี้ นิกายโรมันคาทอลิกตอบสนองต่อขบวนการปฏิรูปที่เกิดขึ้นในหลายประเทศในยุโรปด้วยการต่อต้านการปฏิรูป ซึ่งหมายถึงการกดขี่คริสตจักรเพิ่มมากขึ้น วิกฤติระยะยาวไม่เพียงแต่ครอบงำรัฐทางตอนกลางของอิตาลีเท่านั้น ที่คร่ำครวญภายใต้การควบคุมของเผด็จการของอิตาลีและต่างประเทศ แต่ยังส่งผลกระทบต่อเมืองเวนิสด้วย ซึ่งแม้ว่าจะอ่อนแอลงอย่างมาก แต่ยังคงรักษาเอกราชของรัฐไว้ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของความมั่งคั่งมหาศาลและความงดงามของมัน ของวัฒนธรรมของมัน วิกฤติครั้งนี้ส่งผลกระทบอย่างหนักต่องานศิลปะด้วย อุดมการณ์เห็นอกเห็นใจที่ก้าวหน้าซึ่งเกิดขึ้นบนพื้นฐานของประชาธิปไตยของสาธารณรัฐในเมืองนั้นอยู่ในศูนย์กลางหลายแห่งของประเทศแทนที่ด้วยวัฒนธรรมของศาลซึ่งศูนย์กลางของการก่อตัวซึ่งเป็นศาลของผู้ปกครองสมบูรณาญาสิทธิราชย์ แต่แม้ในสภาวะที่ยากลำบากเหล่านี้ พลังทางศิลปะที่ก้าวหน้าซึ่งเป็นตัวแทนของแนวศิลปะเรอเนซองส์ที่สมจริงในยุคนี้ก็ไม่ได้ถูกบดขยี้แต่อย่างใด เวนิสกลายเป็นผู้สนับสนุนหลักของพวกเขา เหตุผลเดียวกันกับที่ขยายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงที่นี่จนถึงปลายทศวรรษที่ 1530 มีส่วนทำให้การพัฒนาศิลปะเวนิสในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาประสบผลสำเร็จ ชื่อของทิเชียน (ในช่วงท้ายของกิจกรรมของเขา), Veronese, Tintoretto, Bassano และจิตรกรของ Bergamo และ Brescia เป็นพยานถึงการเพิ่มขึ้นใหม่ในงานศิลปะของพื้นที่นี้ทางตอนเหนือของอิตาลี ในทางตรงกันข้าม ทัสคานีและรัฐสันตะปาปา (ซึ่งรวมถึงปาร์มาโดยเฉพาะด้วย) เป็นศูนย์กลางหลักของแนวต่อต้านเรอเนสซองส์อีกแนวหนึ่ง ซึ่งแสดงโดยศิลปะแห่งลัทธินิยมมนุษย์ การสูญเสียอุดมคติด้านมนุษยนิยม การละทิ้งความเป็นจริงไปสู่โลกแห่งประสบการณ์ส่วนตัว การพึ่งพาแวดวงศาลปฏิกิริยา นำไปสู่ความจริงที่ว่าในศิลปะลักษณะนิสัย ความรู้สึกของการแตกแยก ความสับสนภายใน เสื่อมสลายไปในความว่างเปล่าอันแห้งแล้งแห่งรูปอันอวดดีและมีมารยาท เหนือมวลชนทั่วไปของปรมาจารย์ของอิตาลีตอนกลางที่ถูกปราบปรามโดยปฏิกิริยาทางศิลปะมีเพียงร่างไททานิคเพียงร่างเดียวเท่านั้นที่เพิ่มขึ้น - Michelangelo Buonarroti ผู้มีความภักดีต่ออุดมคติทางจริยธรรมอันสูงส่งตลอดชีวิตของเขา หลังจากรักษากิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาไว้อย่างครบถ้วน เขาก็สามารถร่างเส้นทางใหม่ได้ในสภาวะทางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน หลากหลายชนิดศิลปะพลาสติก - ในด้านสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม และกราฟิก ของเขา ความคิดสร้างสรรค์ในภายหลังควบคู่ไปกับศิลปะของปรมาจารย์ชาวเวนิส ถือเป็นวัฒนธรรมทางศิลปะที่สำคัญอีกชั้นหนึ่งของยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย

หลักประกัน ความสำเร็จที่สร้างสรรค์ปรมาจารย์ผู้ก้าวหน้าแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายไม่ยอมแพ้ต่อหลักการที่พัฒนาขึ้นในช่วงสมัยก่อนของศิลปะเรอเนซองส์ แต่เป็นการนำหลักการเหล่านี้ไปใช้อย่างสร้างสรรค์อย่างลึกซึ้งตามข้อกำหนดของเวทีประวัติศาสตร์ใหม่ หลังจากรักษาพื้นฐานของโลกทัศน์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไว้ - ศรัทธาในมนุษย์ในความสำคัญและความงามของเขาพวกเขาบุกโจมตีโลกแห่งจิตวิญญาณของเขาอย่างกล้าหาญเผยให้เห็นมันในความซับซ้อนและบางครั้งก็ไม่สอดคล้องกัน จากภาพลักษณ์ของบุคคลพวกเขาย้ายไปที่ภาพลักษณ์ของมนุษย์ พวกเขาแสดงความสัมพันธ์ที่กระตือรือร้นระหว่างฮีโร่กับสภาพแวดล้อมจริงที่พวกเขาแสดงอย่างกว้างขวางและมีรายละเอียดมากขึ้น ความเป็นจริงนั้นได้รับรูปลักษณ์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นในผลงานของพวกเขามากกว่าในภาพทั่วไปในอุดมคติของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง ตามภารกิจเหล่านี้ พวกเขาได้พัฒนาวิธีการทางศิลปะใหม่ โซลูชั่นภาพใหม่

คุณสมบัติเหล่านี้ของศิลปะในยุคเรอเนซองส์ตอนปลายมีแนวโน้มที่ดีอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ เนื่องจากมีการกำหนดหลักการทางศิลปะที่สำคัญหลายประการของศตวรรษที่ 17 ในเวลาต่อมา ศิลปะในช่วงปลายยุคเรอเนซองส์จึงเป็นลักษณะของช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างสองยุคศิลปะที่ยิ่งใหญ่ คือ ยุคเรอเนซองส์และศตวรรษที่ 17 ความต่อเนื่องนี้เป็นสาเหตุหนึ่งที่ทำให้คำว่า "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย" ยังไม่แพร่หลายในทางวิทยาศาสตร์เท่ากับคำว่า "ยุคต้น" และ "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง" ยิ่งไปกว่านั้น ตามลำดับเวลา การสิ้นสุดของยุคเรอเนซองส์ทั้งหมดไม่สามารถระบุได้ชัดเจนเพียงพอ เหตุผลประการหนึ่งก็คือในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ทิศทางหลายประการได้รับการพัฒนาในการต่อสู้ร่วมกัน แม้กระทั่งเมื่อก่อน ทศวรรษที่ผ่านมา"ในศตวรรษที่ 16 ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลายได้สำเร็จเส้นทางสร้างสรรค์ของพวกเขา - ในสถาปัตยกรรมของ Palladio และในภาพวาดของ Tintoretto - ในอิตาลีตัวอย่างงานสไตล์ใหม่ที่สร้างเสร็จครั้งแรกได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งในลักษณะของพวกเขา สอดคล้องกับแนวโน้มหลักของศตวรรษที่ 17 แล้ว ภายในปี 1575 การก่อสร้างด้านหน้าอาคารสไตล์บาโรกของโบสถ์ Gesu ในกรุงโรม (สถาปนิก Giacomo della Porta) และในปี 1590 ศิลปะของผู้ก่อตั้ง Bologna Academy ของพี่น้อง Carracci ได้พัฒนาขึ้น ควรจำไว้ว่าในทศวรรษเดียวกันนั้น ศิลปินแนว Mannerist ยังคงดำเนินกิจกรรมต่อไป แต่ด้วยความซับซ้อนทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย เริ่มในทศวรรษที่ 1530 และสิ้นสุดในปลายศตวรรษก็ยังค่อนข้าง ชัดเจนว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะลดให้เหลือเพียงระยะเปลี่ยนผ่านหรือขั้นกลางเท่านั้น ไม่ต้องสงสัย ศิลปะของอิตาลีในยุคเรอเนซองส์ตอนปลายไม่ได้มีการวางแนวทั่วไปแบบเดียวกับที่แม้จะมีโรงเรียนในท้องถิ่นจำนวนมากและแตกแขนงออกไป เด่น. ในช่วงเวลานี้เองที่เป็นครั้งแรกในงานศิลปะโลกที่มีการต่อต้านกันอย่างรุนแรงระหว่างขบวนการก้าวหน้าและขบวนการปฏิกิริยาในงานศิลปะที่เกิดขึ้นในวงกว้างเช่นนี้ แต่ทั้งการครอบงำลัทธิแมนเนอริสม์ในระยะยาว หรือการก่อตั้งรากฐานของลัทธิบาโรกและวิชาการในช่วงแรกๆ ก็ไม่ควรปิดบังความจริงที่ว่าในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ บทบาทผู้นำยังคงอยู่กับแนวก้าวหน้า ซึ่งแสดงด้วยชื่อของไมเคิลแองเจโล ปัลลาดิโอและชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่และถือเป็นส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางศิลปะของเวทีนี้ ในงานศิลปะของพวกเขา ทั้งพื้นฐานมนุษยนิยมยุคเรอเนซองส์แสดงออกมาอย่างชัดเจน - แม้ว่าจะปรากฏในการหักเหอันน่าเศร้า - และความต่อเนื่องของการเชื่อมโยงกับยุคเรอเนซองส์สูง ช่วงเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลายในอิตาลีเป็นช่วงที่มีเหตุผลและแยกออกจากช่วงก่อนหน้านี้ไม่ได้ซึ่งเป็นบทส่งท้ายที่ยิ่งใหญ่ของทั้งหมด ยุคที่ยิ่งใหญ่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
→